artes decorativas t1.

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Artes decorativas

3º Grado en Historia del Arte

Facultad de Filosofía y Letras

Universidad de Zaragoza

Reservados todos los derechos.

No se permite la explotación económica ni la transformación de esta obra. Queda permitida la impresión en su totalidad.
 Julia Nuño
2017-2018

Historia del Arte

Ana Mª Ágreda

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Artes decorativas

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Reservados todos los derechos.
No se permite la explotación económica ni la transformación de esta obra. Queda permitida la impresión en su totalidad.
 TEMA 1.- CONCEPTO Y DEFINICIÓN

1.1. Las artes decorativas desde la perspectiva actual 22-9-17

En la antigüedad se jerarquizaron las artes, las artes mayores (arquitectura, escultura y pintura) y
menores (el resto de ellas). Por ello ha existido una minusvaloración en las artes decorativas, hoy día
soterrado pasando aunque en teoría ya no se permite. Partiendo de esta afirmación hay que pensar el
¿porque de la minusvaloración de estas artes? En el Renacimiento se hace una división entre el diseño y la
práctica, asociación con lo femenino, la asociación con lo cotidiano (las grandes artes han de separarse de la

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cotidianidad), la asociación con el poder (valor y precio), la funcionalidad y la utilidad.

* Decorativo: Todas las manifestaciones tienen una dimensión estética y ornamental, lo que le da una
dimensión superior. ¿Que pasa por que haya decoración, esto minusvalora de por sí? Se ha entendido que es
superfluo, prescindible, se considera banal, incluso femenino. Uno de los grandes batalladores contra la
ornamentación fue Le Corbusier.

*Funcionalidad y utilidad: En cuanto a la dimensión útil, toda obra de arte la tiene no solo las decorativas.
Se desliga lo funcional con lo artístico en el siglo XVIII. El arte siempre tiene una funcionalidad, no esta
desconectado de la realidad humana, porque e que hace el arte es el ser humano. Las artes decorativas se
entienden que eran útiles para realizar las actividades mas cotidianas, que por lo tanto manifestaban menos

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elevados ideales que formas d vida más bajas o habituales. Una gran obra de arte tiene el poder de influir en
la sociedad, y en los comportamientos esta sería su utilidad como propaganda por ejemplo.

* Función subordinada: se les ha atribuido con respecto a otra artes, las artes decorativas se han vinculados
a otras artes como la arquitectura, y se le ha dado ese carácter de subordinación. Esas artes necesitan el
marco arquitectónico de forma expresa ara manifestarse. La dependencia física es innegable, pero no solo
las artes decorativas la tienen como la escultura monumental. Esta dependencia física no quiere decir que
sea inferior, sino que son complementarias y necesarias entre ellas para lograr el resultado.

1.2. Las artes decorativas a lo largo de la Historia 28-9-17

* Solo sucede en Occidente: La jerarquización es un sistema muy occidental, se suele calificar de

eurocentrista, pero que no está presente en otras culturas como Japón o el arte musulmán. Es fruto
realmente de un consenso cultural solo de occidente y no es extrapolable a otras culturas. Todorov dice “en
la tradición romántica los artistas veían en el arte una forma de conocimiento supremo, ya se alejaba de la
razón y que abría los caminos del éxtasis (…)” El arte y el artista comienzan a tener connotaciones sagradas,
tiene unas dotes creativas que solo pueden acercarse a la realidad, un demiurgo.

* Las artes decorativas son realizadas por artesanos, mientras que las otras son realizadas por creadores de
renombre, el genio. Esta cuestión tiene una tradición larga, pero será en el romanticismo cuando se glorifica
a los artistas. Esta idea podría aplicarse a los artistas de un determinado periodo de la historia del arte, pero
no ha todos los casos, ni en todas las épocas. Mantener esta máxima es ignorar los cambios sociales de la
Historia del Arte.

[El otoño en la edad media de Huizinga]

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* Capacidad de influencia sobre la capacidad del momento:

* Asociación con el mundo femenino: la historiografía feminista nace a mediados de los años 30 del siglo XX
a partir de una pregunta ¿porque ha habido menos mujeres artistas? Lo que explicaría esto son las
condiciones sociales, económicas, artísticas de la sociedad de la época, es evidente que una sociedad del
siglo XVIII la mujer no podría tener un taller, porque vivían en una sociedad patriarcal. Aunque si que
trabajaban en los talleres, como ejemplo está la hija de Tintoreto.

A lo que llega la historiografía feminista es que hay una apropiación masculina de los valores

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tradicionales de la historia del arte que se han basado en unos criterios como pueden ser; la excepcionalidad
(decían que ha silenciado las practicas artísticas de las minorías culturas-mujeres), las mujeres han sido el
objeto de apropiación y consumo. Otra cosa que dice el feminismo es que “no hay discursos
ideologicamente neutros”, es decir, toda teoría que se hace, se hace con un punto de vista, un enfoque en el
que entran factores como la personalidad, los factores económicos, sociales, políticos etc. Lo que descubre
el feminismo es la parcialidad del discurso que nos han vendido como universal, de valor total.
Profundizando dicen que “en ese discurso oficial se ha menospreciado el arte realizado por las mujeres
considerado de menor categoría y ademas realizaban un tipo de obras muy concretas, más cercanas a la vida
cotidiana”. Ese grupo de arte al ser asociadas a las mujeres ya se eran encuadradas en una categoría inferior.
Aunque es falso.

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Ocurre que en algunas obras de arte serias cuando se analiza la obra de una mujer comienzas a
descubrir adjetivos “la suavidad del color, la delicadeza del cuadro”, mientras que el artista es hombre se
habla del “vigor, fuerza, energía”. Y si la obra de una mujer no cumplía estos adjetivos se habla de
excepcionalidad.

* Ruptura con el Renacimiento

1.3. Términos aplicados a las artes decorativas

Si es difícil clasificarlas, no es menos el llamarlas:

- Artes útiles o utilitarias: los peros que podemos sacar es que la utilidad está presente en todas las
manifestaciones artísticas, si esta denominación tiene que ver que tienen un sentido de categoría menor no
es aceptable.

- Arte funcional o artes funcionales: expresamos lo mismo que lo anterior.

- Arte aplicada, artes aplicadas o bellas artes aplicadas: esta denominación tiene una dimensión oficial,
porque han existido las escuelas de artes aplicadas. Como si tuvieran un objetivo fuera de si mismas, que su
valor resida en su relación con otras. El tapiz por ejemplo no estaba siempre aplicado a la arquitectura, sino
que se quitaba y ponía según las estaciones del año, su interés residía en que podía transportarse a otros
lugares.

- Artes auxiliares y artes manuales artesanales: Aquí no solo se dice que la ejecución material es menos
importante que la idea, sino que si la aplicamos todas las manifestaciones son manuales.

- Artes decorativas: Tiene una vertiente oficial, se le ha dado un estatus administrativo. Pero no solo las artes
decorativas tiene decoración, y en algunos casos ni siquiera el elemento ornamental puede que sea el que
tenga mayor presencia. Pero no existe realmente una denominación adecuada.

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- Artes menores o artes inferiores: rechazable en su totalidad

- Artes aplicadas u oficios artísticos: incide en lo mismo, un proceso sin planteamiento o ideación que solo
tiene una ejecución material.

- Artes industriales o bellas artes industriales: se dio para diferenciar aquellas que se realizaban de forma
manual, con las que realizaban por medio de la mecanización industrial.

1.4. División de las artes decorativas 29-9-17

No se permite la explotación económica ni la transformación de esta obra. Queda permitida la impresión en su totalidad.
Surgieron distintos sistemas de clasificación, debido a que al igual que la denominación no hay una
propuesta totalmente acertada.

Una de las clasificaciones propuestas la dio Bonet Correa, la denominada clasificación mediante la
técnica y los materiales que se empleaban para su ejecución. Mediante la clasificación de la técnica por un
lado tenemos los metales, las maderas (mobiliario, techumbres etc.), los cueros (encuadernaciones,
cordobanes y guardamecíes), los textiles (los tejidos en si mismo, bordados, tapices etc.) y luego también
incluye papeles, piedra dura y los marfiles.

Pero llega un momento en que aparecen una serie de obras que no se pueden encuadrar en esta
clasificación como son los vidrios, cerámicas o esmaltes. Así que Correa realiza otra clasificación, hablando

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de la técnica, como pueden ser las artes del fuego (estos últimos).

En el capítulo de Isabel Álvaro se habla de que hay una clasificación de artes decorativas más útiles
que otras como el tapiz para calentar las casas.

Otra manera de clasificarles serian las artes decorativas de carácter culto o erudito y las populares.
Como ejemplo en el bordado, así como se dijo que había un bordado culto, realizada por artistas para
vestimentas oficiales. Sin embargo el bordado popular que se hacía en zonas territoriales especificas en las
casas por las mujeres con unos motivos que se repiten de generación en generación.

Y por su parte Isabel Álvaro hace una tercera clasificación que es la que está en el programa de la
asignatura: unas como revestimiento arquitectónico, otras como revestimiento de todo tipo y elemento de
compartimentación espacial y las artes decorativas exentas.

S. Alcolea habla de una clasificación por medio de la función; habría que hablar de las artes
decorativas destinadas al ámbito domestico, otras en relación con lo ceremonial y la expresión de la
jerarquía (el problema es que hay artes decorativas que no se destinan exclusivamente a lo domestico o para
el ceremonial religioso). Y también habla de otro grupo para las artes decorativas dedicadas a la vestimenta
y el ornato personal.

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1.5. Los artífices

No se permite la explotación económica ni la transformación de esta obra. Queda permitida la impresión en su totalidad.
No es cierto que solo los artesanos (que siguen unas pautas técnicas) realicen las artes decorativas
pero por supuesto hay artistas en las artes decorativas que crean e innovan como cualquier otro. Hay
algunos historiadores como Guino Formaggio que se atreve a decir que no es que lsa obras de artes
decorativas son más impersonales por ser hechas por la colectividad y que los grandes artistas individuales
son una genios, sino que las obras de estos grandes artistas tienen también la ayuda de la colectividad en los
talleres. Hay artistas que se conforman y se acomodan y otras que experimentan, es algo tan humano que se
da en todos los campos. [El libro de los niños de A. S Byatt]

1.6. Especificidad y características de las artes decorativas.

Los historiadores del arte que han estudiado las artes decorativas consideran que hay que tener en
cuanta una serie de rasgos en particular que tenemos que considerar. Estos rasgos son:

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- El tipo de obra: Es decir la función que cumplía esa obra. Puede ser de tipo civil, con una funcionalidad
religiosa, a veces sin embargo llegan objetos cuya función no conocemos porque hemos perdido el contexto.
A veces ocurre todo lo contrario conocemos las denominación de los objetos por medio de los inventarios,
pero no conocemos exactamente para que se utilizaba, que función tenia. [hay que tener cuidado, pues con
el tiempo el sentido original que tenia la obra se ha cambiado y se ha acabado usando para una función
distinta del que inicialmente tenía. Y también pasa con las interpretaciones, hay que tener cuidado con ello
también]

- La técnica y materiales: el conocimiento de la técnica y de los materiales es muy importante para conocer
la dificultad las obras de artes decorativas. Las razones por las que son importantes son para empezar; que
dependiendo de las técnicas y los materiales permiten datar las obras en un periodo concreto. El contexto
geográfico también influye en las condiciones técnicas y en los materiales y puede explicar el auge o
nacimiento de unas artes decorativas concretas. Tampoco hay que olvidas que el uso de unas determinadas
técnicas puede tener también determinados significados simbólicos, por ejemplo los mosaicos de pasta
vítrea en las arquitecturas bizantinas.

-Forma de la pieza: Sobre todo a tener en cuanta en aquellas piezas que son exentas, que no dependen de
un soporte, como puede ser un mueble, vasija, objeto de plata etc. algunas de estas obras se caracterizan
porque tiene su propio ritmo y juego de volúmenes con unas formas abultadas y solidas. Crean todo un
ritmo de volúmenes. Hay tres aspectos interesantes en este tipo de piezas pues vemos que la forma se
explica por la función que tienen y por otra parte vemos que esa forma debe también de patrones
decorativos, la búsqueda de una armonía y belleza como placer estético.

Ej. Frasco de peregrino, siglo XVI, Italia (sirve para cualquier vasija) se apoya sobre un pie para dar
estabilidad a la pieza. Como es un recipiente que va a contener líquidos es necesario desarrollar la zona
central. Pero ademas sirve no solo para contener el liquido sino para también verterlo en un recipiente más
pequeño para lo que es necesario controlar el vertido estrechando la boca con un pico vertedor. Hay
también unos valores estético que se ven en la decoración, en este caso, de tipo vegetal. Pero por otra parte
la propia forma a tiene un valor estético en si mismo, esa secuencia de líneas ya tiene ese valor estético en si
mismo. Los estudioso creen que las composiciones de líneas verticales+horizontales y de curvas+diagonales
crean equilibrio y armonía en la pieza, algo que la hace elegante.Otrosejemplos: Copa de Murano S. XVI-XVII,
Olpegriego S.VII ac.

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 Otros objetos con formas solidas son los muebles, Mesafrancesa de época de Luis XIV (patas
conectadas por un travesaño en forma de X), hay ya una estilización de las formas. Los elementos
fundamentales son los tableros y los elementos de sustentación, las patas. La forma en si misma nos da
datos.

- La decoración: el ser humano tuvo desde los inicios una necesidad por lo decorativo, en los objetos que
fabricaba y en los cotidianos, como podemos ver en la Jarra del Grupo de Pelos 3000-2800 a.c. otra cuestión
interesante es la gran cantidad de motivos decorativos que le hombre ha plasmado en las obras que han
realizados, se cree que casi cualquier cosa que se ha visto en el entorno se ha convertido en un elemento

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ornamental, decorativo. 5-10-17

 Los motivos decorativos: se pueden clasificar en 3 grupos; motivos geométricos, motivos naturalistas
(los que recoge de su entorno) y los epigráficos (escritura).

o Motivos Geométricos: puntos, líneas horizontales, verticales o en zig-zag, en espina de pez.

Algunos más complejos son la grecas. Pueden aparecer una especie de cordones o trenzas, las
espirales, la esbastica. Los elementos arquitectónicos como columnas son incluidos en este tipo
de motivos, al igual que “las escamas”. Otro muy importante es el entrelazo (en extremo
oriente, en el arte musulmán etc.). Las almenas y los merlones son otras de las figuras
geométricas. En origen que se empezaran a decorar objetos con motivos geométricos no solo

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como decoración, sino que pudieran sugerir significados simbólicos (circulo= perfección,
significa la continuidad en movimiento, del universo. El cuadrado= rep de la tierra. La esbática =
rep solar)

El entrelazo (motivo que se basta a si mismo) puede llegar la infinito. Para le mundo musulmán
es la perfección, la matemática, el numero. Para el budismo sería la ligazón entre lo vivo y el
destino del que no podemos escapar.

o Motivos naturalistas: se hace una clasificación entre motivos vegetales (El loto y el papiro,
nenúfares, cuernos de la abundancia, flores, frutos, el ataurique, hojas de acanto etc.) animales
(a veces son criaturas fantásticas como los dragones en china, animales reales) no siempre se
representan enteros (bucráneos = solo la cabeza), figuras humanas e incluso objetos (armaduras,
flechas, lanzas, cortinajes, telas, y en algún caso característicos de algunas culturas = ruedas y
abanicos de Japón; embarcaciones etc). La decoración heráldica también es naturalista.

o Motivos epigráficos: comúnmente se dice que la escritura es un motivo decorativo de las

culturas desarrolladas. Por una parte podemos decir que es un elemento ornamental, pero
también nos cuenta cosas. La caligrafía tan apreciada en extremo oriente se hace por su rpopio
valor, no por decoración, es un arte en su mismo.

 El lenguaje: según el lenguaje ornamental expresivo los motivos se clasifican en naturalistas (cuando
el motivo ha sido reproducido con todos sus detalles) o estilizados (cuando el decorador depura el
motivo, lo simplifica). La simplificación facilita el reconocimiento del motivo, crea un menor
cansancio visual en obra de horror vacui.

Tipos de motivos ---- geométricos, naturalistas y epigráficos

Tipos de lenguaje ornamental ---- naturalistas y estilizados

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 La forma de distribución de la decoración en la pieza: la secuencia va a dar lugar a una serie de
patrones decorativos a la manera en la que la decoración esta agrupada y distribuida en una pieza.
En la base de algunas de estas distribuciones hay una secuencia matemática (que se basa en la
medida, un número):

o Cuando se coloca el motivo centralizado, y enmarcado se habla de narración o cuadro: los

elementos secundarios se colocan esparcidos por la pieza rodeando el motivo central.

o Repetición: se repite a lo largo de la superficie que se decora. El resultado que produce es una

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armonía, equilibrio y tiene que ser un motivo estilizado.

o Simetría: creación de de eje ficticio a partir del cual se distribuye a ambos lados los mismos
elementos decorativos. Es una práctica muy habitual. Es naturalista.

o Inversión: dado un motivo, se disponen en una dirección y luego en la contraría. Introduce una
cierta variación que hace más atractivo

o Alternancia: se da cuando se juegan con dos o más motivos y con el color. Esto es muy habitual
en el textil.

o Encaje: el resultado es una labor calada, esto es un auto soporte.

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o Luz y color: El color define con su trazo el dibujo (ornamentación) y realza su forma, hablar de él
es pensar en los esmaltes o en el vidrio por sus coloraciones vítreas y lumínicas. Aunque no es
solamente policromía pues a veces se presenta como breve y e bicromía armonizada Ej:
cerámica griega (el rojo de fondo y el negro de engobe).

La luz, en este caso, es complementaria del color, le hace nacer con más fuerza en determinados
puntos, así verlo en una pieza de orfebrería, en un trabajo de marfil, un vidrio soplado, en una
talla de un mueble, etc. Luz y color aparecen casi siempre unidos como elementos expresivo –
visuales, pero, si bien se complementan, no manifiestan idénticas cualidades: mientras que el
color por si mismo da a las formas solidez y estatismo, es decir, subraya la forma del objeto; la
luz, por el contrario, aligereza y la cala la superficie.

La elección del color se apoya en otros principios de carácter simbólico y económicos:

ornamentos religiosos. Por ejemplo, en el arte antiguo en general y en el medieval, el color tiene
significado diversos. En Egipto, el azul – turquesa se asocia con el renacer de aquí que aparezca
en tantas veces en collares y otros objetos del difunto. En el Occidente y Oriente cristianos desde
la época medieval se aplican a las vestimentas de las imágenes religiosas determinados colores
que se asocian con sus virtudes; así, la pureza de la Virgen se expresa en su manto azul, y el
verde, blanco, rojo con la fe y la caridad; el negro la muerte, etc.

Los significados económicos se ven mucho en el caso del textil, por las sustancias tintorias que
eran caras. El color marcaba y jerarquizaba, distinguiendo el pueblo llano. El color negro se
consiguió utilizar para teñir a partir de un momento y los reyes empezaron a vestir de negro, por
ejemplo, Felipe II. La utilización de la luz y el color tiene relación con el pensamiento y la cultura
de una sociedad. En la cerámica griega vemos unos colores que no varían mucho.

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-Composición o equilibrio de conjunto: en toda creación de arte hay que apreciar su equilibrio de conjunto,
se logra por la armonización de forma y decoración, color y luz en una obra exenta y por la unión de dichos
elementos con el edificio cuando se trata de un arte de revestimiento (pintura mural, mosaico…). Dicho de
otra manera, cuando se introduce decoración, ésta no puede colisionar con la forma del objeto. En
determinados momentos puede darse la tensión. La decoración lo que intenta es complementar. No se
puede concebir cada cosa, por un lado, sino que, cuando se piensa en el objeto se piensa en todas las
variables, como se relacionan entre sí para dar el resultado. Hay una planificación siempre. Un ejemplo claro
es un ánfora griega.

No se permite la explotación económica ni la transformación de esta obra. Queda permitida la impresión en su totalidad.
Cuando se trata de una obra relacionada con la arquitectura, cuando el equilibrio de conjunto, arte
decorativa y edificio se convierten en algo indisoluble, de manera que, generalmente, resulta imposible
explicar el significado de la arquitectura, de su espacio e intencionalidad suprimiendo u olvidando el
recubrimiento que la vistió. Ej: edificio bizantino no se entiende sin el mosaico ni una catedral gótica sin sus
vidrieras.

- Relación con el espacio que ocupa: toda obra de artes decorativas tiene una relación con el marco para el
que se hizo, relación que aumenta en la obra de artes decorativas aplicada y disminuye en la exenta; el
mueble, por ejemplo. Hay que tener siempre en cuenta como las artes decorativas contribuyen en el espacio
arquitectónico.

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A partir del siglo XVIII se empieza a ver las integraciones de las artes como un conjunto coordinado
para conseguir un determinado resultado o una ambientación concreta. el espejo se ha considerado que es
el elemento que termina unificando los espacios por su capacidad de multiplicar. muchas veces en las
residencias reales las habitaciones están desnudas, y solo cuando hay alguien que ocupe esa habitación es
cuando se viste. La ambientación se podía cambiar en función de la ceremonia que se realizaba ahí. La
disposición de los elementos de artes decorativas estaba en relación con los acontecimientos que pasaban
ahí. Las habitaciones cobraban vida con los tapices.

- Se estudia el contexto social, económico y cultural que determinan estas obras y que a su vez son
influidos por ellas:

 Geografía: lo que se hacía en la época era aprovechar los recursos que se tenían. La presencia de
unos determinados materiales da lugar a objetos y técnicas distintas. No quiere decir que la
geografía y los materiales lo condicionen, sino que es un elemento a tener en cuenta. Ej: en el valle
del Ebro es imposible construir en piedra cuando no hay suficiente piedra.

 Cultura: la estructura económico – social impone un determinado tipo de artes. Los pueblos
primitivos dominaban las artes menores hasta el punto de que en ocasiones son su única forma de
expresión artística y dentro de ellas se desenvuelven sobre todo las útiles como cerámica, tejido,
cestería, etc. Todos estos objetos están presentes en su vida diaria y naturalmente, sus artífices los
hacen además de útiles, bellos, al añadir a la forma decoraciones, tintes, pintura… Junto a las
anteriores también las artes del vestido y ornamento humano. En casi todos estos casos los
materiales usados son de fácil obtención y proceden de su propio entorno y economía.

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 Los cambios de moda influyen mucho pues ésta varía según el lugar y a lo largo del tiempo,
sometida a fluctuaciones que actúan de diversas formas sobre el artífice: estar integrado en su sociedad,

No se permite la explotación económica ni la transformación de esta obra. Queda permitida la impresión en su totalidad.
ha adquirido por nacimiento unos criterios concretos de lo que es bello y que no. La moda impone
incluso los materiales al crear criterios. valorativos sobre lo que es bello o es valioso: en la orfebrería
egipcia el gusto por el color hizo que se prefiriese sobre los brillantes o perlas otros materiales más
vistosos: cerámica, piedras coloreadas, vidrio. A comienzos del siglo XVII penetra en Europa el gusto por
lo oriental, coincidiendo con las relaciones mucho más estrechas entre Occidente y China. El éxito de
esta moda fue tal que la demanda de objetos orientales llegó a ser mucho mayor que las importaciones,
y dio lugar a que las propias industrias europeas los imitaran.

 Premisas económicas: la política de los Borbones en Francia (XVII – XVIII) y en España (XVIII) impulsó
el desarrollo de las manufacturas reales, y así se crearon fábricas de tapices, sedas, vidrio o
porcelana, que fueron confeccionados bajo la dirección de grandes artistas para un consumo
restringidos, real y nobiliario. En determinados momentos, el arte ha podido plantearse en forma

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casi industrial, con un temperamento práctico cuya principal meta era la de producir y vender.

- La relación e influencias con otras manifestaciones artísticas: El lenguaje entre las artes. Siempre se ha
tendido a buscar la dependencia entre las artes decorativas con otras manifestaciones. En el caso del tapiz
los cartones los realizaban grandes pintores, y se estudia el tapiz en relación con la pintura. No siempre es
así, ya que las relaciones pueden darse en un sentido y otro. La producción de tejidos con animales inscritos
en medallones en la Persia sasánida influyo en Bizancio y en territorios musulmanes, para luego ser muy
demandados en occidente, y se considera que fueron los que influyeron en la escultura (capitel con animales
en tondos). Los tejidos inspiran la pintura, y vemos motivos de la indumentaria reproducidos en la pintura, lo
que le da riqueza a la misma. Los objetos de artes decorativas también son influenciados por la arquitectura,
y vemos elementos arquitectónicos como pináculos en diferentes objetos.

Cuando vemos la introducción del renacimiento en España, lo que se llamaba plateresco, vemos que
había libros en los que se decía que técnicas y motivos de la orfebrería y la plata pasan a la arquitectura. No
se puede decir por tanto que las artes “mayores” son las que influyen en las decorativas, porque hemos visto
que se da en las dos direcciones.

- Las fuentes decorativas como reflejo de las costumbres sociales: Muchas veces las artes decorativas nos
proporcionan datos de vital importancia para entender diferentes aspectos de la sociedad. Ej: serie de
objetos relacionados con la mesa. Ej: barcos que servían para trasportan especias a través de la mesa. Nos
pueden informar de cómo se vive. Son fuentes para ver cómo eran otras artes. Siguiendo esta misma
dinámica para estudiar la pintura griega vamos directamente a la cerámica para ver como hay líneas de fuga,
es el elemento visual la que nos proporciona una información más directa. Finalmente, elementos como la
medalla, cuando tratamos de entender el proyecto que hace Bramante para San Pedro del Vaticano la
fuente más ilícita es la medalla de bronce de San Pedro del Vaticano, 1506. Los objetos pues nos interesan
no por su valor intrínseco sino por su valor como fuente documental de una sociedad.