Etapas y características del barroco musical

El pensamiento  barroco (razón-sentimiento) se va a hacer muy patente en el panorama musical. Así

pues, en este período se busca una codificación de todos los parámetros musicales (ritmo, tonalidad,…)
como forma de ordenar y racionalizar la música. Esto lo podemos constatar en la siguiente frase de J.
P. Rameau (considerado el fundador de la moderna armonía):

     “…la música es una ciencia que debe disponer de unas reglas bien establecidas; dichas reglas deben
derivar de un principio evidente, principio que no puede revelarse sin ayuda de las matemáticas….”

Pero además, se van a crear nuevas técnicas para poder expresar de la mejor manera posible los sentimientos
(monodía acompañada, contrastes tímbricos, uso de dinámicas,…). La ópera será el género que más
desarrolle la expresión de los sentimientos.

Etapas
Podemos hablar de tres sub-periodos a la hora de estudiar la música barroca:

 BARROCO TEMPRANO (1580-1630).  Se da un mayor predominio de la música vocal sobre la

instrumental. Se produce un rechazo al contrapunto renacentista. Las obras son, todavía, de poca
extensión. Comienza la diferenciación entre música vocal e instrumental. Los compositores más
destacados son: en Italia C. Monteverdi, J. Peri, G. Frescobaldi, y en Alemania M. Praetorius.

 BARROCO MEDIO(1630-1680). Es la época de la ópera y la cantata, y con ella, la distinción entre

aria, arioso y recitativo. La música instrumental va ganando terreno y se pone a la altura de la vocal.
Se produce una vuelta hacia el contrapunto. Los compositores más relevantes de esta época son: H.
Purcell en Inglaterra y J.B. Lully en Francia.

 BARROCO TARDÍO (1680-1750).  Se da un predominio de la música instrumental sobre la vocal.

Las formas adquieren unas dimensiones más largas, aparece el estilo concertado, ya bien constituido,
y con ello el énfasis en el ritmo mecánico. La tonalidad queda totalmente establecida. Las figuras más
representativas son: los italianos A. Vivaldi, D. Scarlatti y los alemanes J.S. Bach, G.F. Haendel y
G.P. Teleman.

Características
Si el arte Barroco representa al hombre de su época, la Música Barroca representa sus afectos y
sentimientos. El hombre era concebido aún como miembro de un todo, no como individuo con libertad
personal. La representación de los sentimientos humanos en la música barroca será pues estilizada y no
personal.

  Dentro del lenguaje musical barroco se van a dar una serie de importantes novedades que darán a este
periodo una sonoridad característica indiscutible. Las más destacados son :

 LA MONODÍA: Los compositores del Barroco consideraron excesiva la complejidad a la que había
llegado el contrapunto renacentista, ya que así no se podía expresar ningún tipo de sentimientos. Por
ello, una de las innovaciones que van a crear es el uso de la monodía acompañada (una sola melodía
con acompañamiento instrumental). Esta técnica les permite comprender el texto y transmitir una
mayor expresividad.
  EL BAJO CONTINUO: Es una línea de notas graves que se interpreta de manera ininterrumpida
desde el inicio hasta el final de la composición. La  melodía principal es acompañada por esas
sencillas notas del bajo, pero el intérprete puede improvisar sobre las mismas, creando un relleno
armónico que va cambiando durante toda la obra. Normalmente, los instrumentos que se encargarán
del bajo continuo serán instrumentos polifónicos como el órgano, el clave o el arpa. El bajo continuo
se va a aplicar a todo tipo de música excepto a la escrita para un instrumento solista. Es la
característica que define y distingue a la música barroca.

Los acordes son improvisados, se especifican por medio de cifras que se escriben encima o debajo de la línea
del bajo, dando lugar a un sistema de escritura denominado bajo cifrado

 TEXTURA: la textura que caracteriza a este período musical  se llama monodía acompañada.

 ESTABLECIMIENTO DE LA TONALIDAD Y DEL RITMO: En el Barroco se establece el

concepto de tonalidad tal y como lo conocemos hoy. Se formulan tratados de armonía en los que se
establecen unas estrictas normas sobre las tonalidades y la formación de acordes. Además, a lo largo
del siglo XVII se generaliza la escritura de la música utilizando compases. La música quedaba
medida por completo y atrás se dejaba cualquier atisbo de ritmo libre.

 NACIMIENTO DEL ESTILO CONCERTATO: Es una técnica que nacerá sobretodo para la
música orquestal, aunque también aplicable a la música vocal. Se basa en contraponer distintos planos
sonoros y timbres de un grupo de instrumentos (tutti, concertino, soli,…). Es un recurso para dar
mayor expresividad a la música. El barroco busca el contraste.

 EL POLICORALISMO. Es uno de los inventos que hacen evolucionar de manera sustancial al

canto. Se trata de relacionar no cuatro o cinco voces, sino hasta doce o más.  Con ello, la sonoridad
llega a unas novedades imposibles antes: el uso de contrastes y ecos; se forman diferentes coros y se
responden unos a otros.

 Se intensifica la fuerza emocional de las palabras dentro de la música vocal. Creando tres maneras de
cantar el texto: recitativo, arioso y aria.

Recitativo: declamación del texto siguiendo sus acentos; está a medio camino entre el canto y la
declamación.

Aria: melodía cantada  y enriquecida mediante adornos.

Arioso: está a medio camino de las dos anteriores.

 NUEVAS FORMAS como la ópera, el oratorio, la pasión, el concierto (grosso y solista), la suite, la
sonata

Instrumentos de cuerda:

Violín, viola, violonchelo y contrabajo forman la espina dorsal de la orquesta barroca. El violín es un
instrumento de arco surgido durante el S. XVI. Proviene de la evolución de la viola de brazo o vihuela
bastarda.
El violín es el soprano de una familia de instrumentos, compuesta por: violín, viola, violonchelo y
contrabajo, que en el S. XVII se perfeccionan por medio de grandes constructores como son Nicola Amati
(1596-1684), Andrea Guarneri (1626-1698) y Antonio Stradivari (1644-1737).

Se distinguen por el tamaño; también porque producen, desde los sonidos más agudos del violín, a los más
profundos del contrabajo. Todos se tocan de la misma forma, es decir, con arco y tienen cuatro cuerdas que
vibran cuando éste pasa por ellas.

Laúd

Hasta mediados del siglo XVII el laúd es un instrumento doméstico muy apreciado para acompañar
canciones y como “continuo” en la música de cámara. Para superar sus dificultades sonoras en esta época se
hicieron construir diferentes tipos de laúd.

Guitarra

Instrumento de cuerdas pulsadas, compuesto por un cuerpo o caja de resonancia, mástil donde van las
cuerdas afinadas asi: Mi, Si, Sol, Re, La, Mi

Instrumentos de viento:

 Fagot o bajón

Instrumento de soplo, de lengüeta doble y realizado en madera, de gran tradición. Está constituido por dos
cuerpos cónicos de madera hechos en el mismo bloque, y que describen una V. El tubo tiene varios agujeros,
que le sirven para obtener las diversas notas, y de él sale un tubito de metal torcido, terminado en una
lengüeta, por donde se sopla.

Oboe

Instrumento de viento hecho en madera, con lengüeta doble y de sección cónica, en la que están situados los
orificios. Aparece en torno a 1660, en la corte de Luís XIV de Francia como adaptación de la chirimía
renacentista. Su timbre y sonoridad son claros, expresivos y mordientes.

Flauta

La flauta dulce o de pico es aún la favorita. Su sonoridad más dulce y flexible contrasta con la sonoridad más
fuerte de la flauta travesera de mayor difusión en el siglo XVIII.

Clarinete

Los primeros clarinetes comienzan a construirse a principios del siglo XVIII.

Instrumentos con teclado:

Clave

Es un instrumento de cuerda punteada o punteada con las cuerdas de distinta longitud.  Mediante la acción del teclado,la cuerda es punteada por
un plectro. Se trata de un instrumento fundamental  en la realización del bajo continuo. Del mismo modo se escribió numerosa música que tenía
este instrumento como solista.
Clavicordio

Es un instrumento musical europeo de teclado, de cuerda percutida y sonido muy débil.

El clavicordio es un instrumento musical europeo de teclado (se ha ubicado el origen del clavicordio en el
antiguo monocordio creado por los antiguos teóricos griegos), de cuerda percutida y sonido muy quedo. Este
instrumento no se debe confundir con el clave (clavecín, o clavicémbalo), la espineta o el virginal.

El antecedente del clavicordio lo encontramos, según la tradición, en los escritos de Pitágoras, en los que una
sola cuerda, fijada por ambos extremos y en tensión, al vibrar tomando diferentes longitudes, permitía -al
menos teóricamente- obtener las diferentes notas de un hexacordo; longitudes que estaban basadas en
sencillas proporciones numéricas y todas sus teóricas derivadas, fracciones que tenían su proyección superior
en la armonía de las esferas celestes, cuyos sonidos creía escuchar.

La aparición del Clavicordio se sitúa en Inglaterra alrededor del 1300. Podría decirse que “desapareció” a
finales de 1700 cuando el piano alcanzó más popularidad.
El repertorio de este instrumento radica principalmente en la música del Renacimiento y del periodo Barroco.
Instrumento muy apreciado por compositores como Johann Sebastian Bach.
El clavicordio tiene ciertas ventajas sobre el clave y el pianoforte ya que es posible realizar portamentos y
vibratos con él, aparte de producir un gran colorido musical.

A diferencia del piano, donde las cuerdas se agrupan en conjuntos de tres o dos, en el clavicordio cada cuerda
es completamente individual y no vibra en forma conjunta con ninguna otra al presionarse una tecla. Las
cuerdas entran en vibración al ser percutidas por un sistema de martillos.

Organo

En el barroco el órgano tuvo su apogeo y época dorada, tanto en intérpretes como en compositores y
organeros, de forma particular en Alemanis. Es el instrumento más espectacular de este período.. Autores
como J.S. Bach desarrollarán la técnica de este instrumento hasta límites insospechados

Instrumentos de percusión:

Timbal

Instrumento de percusión compuesto por una caja de media esfera, sobre la que se coloca un parche. Está
capacitado para emitir diversas notas, según la tensión de la piel y el tamaño de la esfera. Se golpea con
baquetas de diversos tamaños.

Te dejo una página web en la que podrás escuchar y aprender más detalles de los instrumentos de esta etapa.
Para ello pincha en la siguiente imagen y arrastra cada instrumento a su lugar correspondiente:
Los Stradivarius
    La pequeña ciudad de Cremona ha pasado a la historia por haber dado a conocer a los mejores
constructores de violines del mundo. Todo comenzó cuando un personaje llamado Andrea Amati fundó un
taller en el que siguieron trabajando sus descendientes. El mítico Antonio Stradivarius trabajó en ese taller,
hasta que, una vez aprendido el oficio, fundó su propio negocio en la misma ciudad.

    Con Stradivarius, el arte de fabricar violines llega a su máximo esplendor. Escogía con esmero madera de
arce, abeto y ébano; tallando, ahuecando y dando forma a las aproximadamente setenta piezas de las que
constaba cada instrumento. Luego las ajustaba, las pegaba y les aplicaba un barniz rojizo. El resultado era
una obra de arte cuya sonoridad aún no ha sido superada.

    Hoy en día, la fabricación de los Stradivarius sigue siendo un secreto, del que se conocen algunos datos:

 Se piensa que el secreto de su sonoridad residía en su barniz. No se ha conseguido la forma exacta de

su composición, ya que se ha llegado a la conclusión de que puede tener unas diez capas de barniz
compuesto por varios pigmentos. En esta operación los luthiers invertían varios meses.
 Se considera que la mejor madera para la construcción de violines es la de abetos del Tirol, situados
entre 1200 y 1500 metros de altitud y expuestos al oeste. Esta madera necesitaba cinco años de
secado.
 De todos los instrumentos que fabricó Stradivaruis (unos 1100) hoy en día sólo se conservan la mitad.
Los últimos los construyó cuando tenía más de 90 años.

Tipos de óperas

Podemos distinguir dos grandes tipos de óperas:

 ÓPERA SERIA: Basada en argumentos mitológicos y heroicos. Es el primer tipo de ópera que va a

existir y será el preferido por la aristocracia debido a su refinamiento. Es muy compleja debido a sus
argumentos y a su gran despliegue técnico. A este tipo pertenece la primera ópera: “Orfeo” de
Claudio Monteverdi.

Características:

–  Tiene un lenguaje armónico muy rico y variado.

–   Se basa en escritores clásicos griegos o romanos. Es decir, presenta temas de carácter mitológico.
–   Consta de tres actos (llegaría hasta 5), que son una sucesión de recitativos y arias. La acción se desarrolla
en el recitativo (muchas veces en forma de diálogo entre personajes), y los sentimientos y emociones se
expresaban en el aria. El aria es la gran protagonista de la ópera.

–   Puede haber dúos, se emplean pocos conjuntos y raramente coros.

–  La orquesta, salvo en la obertura, no tiene gran protagonismo. Los recitativos normales se hacen sólo con
el clave y, quizás, un bajo sostenedor con una viola o violonchelo; en situaciones dramáticas más
importantes, se les añade la orquesta.

El aria da capo : la gran protagonista de la ópera y, por supuesto, es el reino del cantor, lo que da origen al
mundo del castrado, que vive en estos momentos su “Edad de Oro”.

El aria da capo tiene un esquema tripartito : ABA´. Se llama da capo por la costumbre de poner después de la
sección B las palabras da capo, para indicar la vuelta al comienzo.

El texto tiene dos estrofas, la primera corresponde a A, la segunda a B. En el da capo se repite A pero con
decoraciones o coloraturas añadidas y largas cadencias.

Autores de óperas serias:  destaca Georg Friedrich Händel (1685-1759), quien antes de dedicarse al
oratorio compone, entre 1711 y 1740, óperas acomodadas al gusto aristocrático, como Alcina y Julio César
entre otras. Otros autores también destacados son Nicola Pórpora y Johann Hasse.

 ÓPERA BUFA: La ópera seria desató una reacción en contra, la denominada “ópera bufa”, cuyo
elemento definidor es precisamente su carácter popular. Es posterior a la ópera seria y la favorita del
pueblo.

Características:

– Musicalmente es más sencilla

– Los protagonistas no son dioses, sino personas de la clase media que critican a la aristocracia.

–  Su cualidad más importante es la naturalidad. Los argumentos son extraídos de la vida cotidiana y por lo
tanto fáciles de entender (muchas veces son una crítica a la aristocracia).

–   Se realiza con gran economía de medios: pocos personajes, pequeña orquesta y ausencia de coro.

–   Usa elementos de carácter folclórico.

–   Se distingue por frases musicales muy cortas, frecuentes repeticiones y abundantes cadencias.

–   Es fundamental y novedosa la importancia y el empleo que se hace de la voz de bajo, denominada bajo
bufo.

 La primera ópera de este tipo fue escrita por un autor italiano llamado G.B. Pergolesi, titulada “La Serva
Padrona” en 1733.
La Música instrumental en el Barroco
Podemos distinguir  tres maneras de interpretar la música instrumental dependiendo del número de
instrumentos que intervengan:

 MÚSICA PARA INSTRUMENTOS SOLISTAS: los compositores empezaron a escribir pensando

específicamente en un instrumento concreto, que elegían por sus cualidades técnicas y su timbre. Las
piezas para instrumentos solistas permitían al intérprete hacer gala de un gran virtuosismo, luciendo
su habilidad técnica y su expresividad musical. Dentro de los instrumentos solistas destacarán el
órgano, el violín, el clave…  con obras como la fuga o la suite entre otras.

 MÚSICA DE CÁMARA: se denomina así a la música interpretada por dos o más instrumentistas sin
llegar a ser un grupo numeroso, cada parte musical es interpretada por un solo instrumentista (en
contraposición a la orquestal). Es música de carácter íntimo destinada a ser interpretada en pequeñas
salas. Será el género preferido por la nobleza.

 MÚSICA PARA ORQUESTA: la orquesta es un conjunto de instrumentos de las tres familias. Hasta
este momento no se indicaban los instrumentos que debían interpretar cada parte de la obra, ya que no
había normas que regulasen el número y la composición de la orquesta, y la elección de los
instrumentos dependía de las circunstancias y de las posibilidades del momento. A partir del siglo
XVII los compositores empezaron a especificar en la partitura cuántos y cuáles eran los instrumentos
que debían interpretar cada parte; uno de los primeros fue Claudio Monteverdi, que indicó incluso la
colocación de los mismos en su obra Orfeo.