HISTORIA DE LA MÚSICA II GABRIEL ARTEMIO LÓPEZ SANTIAGO

EL PERIODO GALANTE

A partir de la muerte de J. S. Bach (1750) inicia un estilo convencionalmente

llamado galante, en una triple versión, italiana, francesa y alemana. En todo caso,
el estilo galante surge como reacción a las complicaciones del estilo barroco.  Las
nuevas corrientes, se pueden englobar dentro del llamado periodo preclásico o
clasicismo temprano (aproximadamente entre los 30 y los 70). Estas corrientes
comienzan hacia 1730 a partir del estilo galante francés y con el
nuevo tono italiano en la ópera bufa: “la Serva Padrona” cuyo estreno en 1733 se
considera a menudo que representa el momento histórico en que la música
barroca se transforma al clasicismo.

Dos estilos o maneras generales de hacer música se pueden distinguir dentro del
así llamado periodo preclásico: por un lado  el rococó o galante y por otro
el expresivo. El primero fue cultivado en Francia, debido a que mucha de la
música nueva fue compuesta para el entretenimiento de la aristocracia y para el
mundo a la moda en general. El estilo se conoció en Francia como el style
galant, derivado de las ornamentaciones refinadas que encontramos en algunas
obras de François Couperin. En la ópera, aparece por primera vez en las arias
operísticas de Leonardo Vinci (1690-1730), Pergolesi y Hasse. En las sonatas,
con las obras para teclado de Alberti y Galuppi y en la música de cámara
con  Sammartini y Boccherini. Una versión tardía de este estilo galante,
transportada al norte de Alemania y modificada allí en la dirección de una mayor
expresividad, apareció en las obras de compositores asociados con la corte
de Federico el Grande en Berlín y Postdam, alcanzando su culminación durante
las décadas de 1760 y 1770. De este modo, el estilo galante francés fue
modificado para conformarse a las necesidades expresivas del temperamento
Alemán del norte. Esta versión ha llegado a conocerse como el Empfindsamer
Stil, que se podría traducir como estilo “sensitivo” “emocional”. Un estilo de
composición cercano al movimiento literario del Sturm und Drang (“tempestad y
empuje”) Su principal mentor fue Carl Philipp Emanuel Bach, que lo llega a
combinar con el estilo galante en sus sonatas para teclado.

 Si como sensibilidad el estilo galante es muy francés, los mejores cultivadores del
estilo galante musical serán los alemanes. Sus más esclarecidos representantes
son los hijos de Bach, Carl Philipp Emmanuel, J. Ch. Friedrich y Johann Christian
Bach. A su lado se alinean, Quantz, Hasse, Graun, Stamitz. Johann Joachim
Quantz, el mayor flautista del barroco alemán y posiblemente uno de los más
grandes de la historia de la música, ligó su destino al de su señor, Federico II de
Prusia. Dos líneas maestras recorren la producción de Quantz: la primera,
italianizante, remite sobre todo a la lección de Vivaldi, con la flauta ejerciendo un
papel análogo al del violín en los conciertos del veneciano. La segunda refleja el
universo musical de la corte de Berlín y muestra varias afinidades con los
conciertos de Carl Philip Emmanuel Bach. A este último grupo pertenecen el
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concierto en sol menor que presentan un acusado rasgo Sturm und Drang,

perceptible en el calibrado dramatismo de los movimientos iniciales y en el lirismo
inquieto de los movimientos centrales. En cambio, el concierto en sol
mayor desprende un talante más brillante y despreocupado, si bien el “Lento” del
concierto en sol mayor asume los modos de un introvertido recitativo instrumental.

El término fue inventado durante el reinado de Luis XIV, pero fue más utilizado en
una época posterior, a menudo llamado "rococó" después del estilo francés de
decoración en la arquitectura y todo tipo de artefactos, desde teteras hasta cepillos
para el cabello, y desde candelabros hasta telas diseño. El estilo que se llama
"rococó" apunta a ser liviano, donde el estilo anterior era pesado; asimétrico en
oposición a simétrico; ingenioso y divertido en lugar de imponente. Rococo es un
estilo de fantasía: es un estado de ánimo que busca el encanto. El "estilo galante"
en la música pretendía hacer mucho de lo que el rococó estaba haciendo en el
arte aplicado y la arquitectura. Su objetivo principal era atraer a la audiencia más
amplia, y por lo tanto, la música tenía que ser simple y natural tanto para el oyente
como para el intérprete.  La polifonía se descartó en gran medida, hasta el punto
en que las partes acompañantes estaban completamente subordinadas a la línea
melódica principal.

Los compositores en el nuevo estilo comenzaron a condicionar a sus oyentes a

esperar una regularidad de fraseo, generalmente en períodos de 2 o 4 compases,
bastante diferente de la práctica de los compositores barrocos . Las frases no solo
eran regulares, sino que tendían a ser cortas y separadas entre sí por silencios, y
las afirmaciones cadenciales de clave se usaban con frecuencia, en efecto
separando el material.  Las texturas se hicieron más delgadas, incluso hasta el
punto de sacrificar la relación contrapuntística del bajo con la línea melódica, que
el Barroco había disfrutado. Cada vez más, la línea de bajo actúa como un simple
soporte armónico para las partes superiores.

El "estilo galante" representó, en muchos sentidos, un cambio radical de

estilo. Su simplificación deliberada ciertamente la hizo popular entre el público, y
generó en sus oyentes expectativas muy diferentes, sobre las
cuales Haydn , Mozart y Beethoven construyeron algunos de sus mayores
efectos. La prevalencia del "estilo galante" también fue contrarrestada por el
desarrollo de un estilo de composición amanerado, a menudo
denominado "estilo empfindsamer ", o el " Estilo de la sensibilidad”.  Los
compositores más conocidos de la época preclásica fueron los hermanos Gluck,
Boccherini y CPE, Federico II de Prusia y JC Bach.

Este estilo se puede resumir como agradable melodía y belleza. La música fue
diseñada para ser entretenida. La seriedad fue evitada La polifonía fue
reemplazada por una melodía única situada en la parte superior de una
composición y suministrada con la mayor armonía transparente (textura
homofónica = melodía con acompañamiento de acordes). La melodía consistía en
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motivos cortos emitidos en frases de cuatro u ocho barras (en lugar de una
secuencia ininterrumpida de música con un solo toque). La repetición de frases
cortas se convirtió en la característica del estilo galante. La música se detuvo para
cadencias frecuentes, pero usó libremente séptimos y disminuyó séptimos. Los
elementos del gran estilo barroco fueron abandonados. Entre ellos se encuentran
el bajo continuo, la textura contrapuntística y la escritura polifónica. 

En la nueva era, el papel del clavicordio como un jugador continuo ya no era

necesario. En cambio, se convirtió en un instrumento solo en conciertos del nuevo
tipo (especialmente por CPE Bach). Con el abandono del bajo figurado, la trío
sonata desapareció. Fue reemplazado por sonata de clavicémbalo acompañado
de violín, o violonchelo o ambos. Los roles del clavecín y los instrumentos de
cuerda fueron revertidos. Con el advenimiento del piano, las sonatas para piano y
violín o cello, o tríos de piano se pusieron de moda. Los tres instrumentos de
cuerda de la sonata trio se complementaron con viola para un soporte armónico
adicional y resultó el moderno cuarteto de cuerdas. Gran parte de la música para
un cuarteto de cuerdas se emitió en la forma del divertimento que se originó a
comienzos del período rococó. Esto fue escrito solo con fines de entretenimiento.

El equivalente alemán de estilo galant fue empfindsamer Stil (estilo sensible)

representado principalmente por CPE Bach. Este estilo expresa una gama más
amplia de emociones. Este estilo era una pasión y melancolía refinadas. Esto se
expresa a través de sorprendentes giros de armonía, cromatismo, figuras
nerviosas rítmicas y melodía de la libertad de expresión. La música de Bach
expresaba emociones contrastantes en estrecha yuxtaposición. CPE Bach fue uno
de los principales compositores que trajo el principio de sonata al concierto. Las
texturas barrocas fueron abandonadas, y una serie de texturas en las que los
patrones de cordal, las figuras en ejecución, las melodías sin soporte y otros
dispositivos alternaban de acuerdo con los requisitos expresivos del
compositor. Las largas líneas de la música barroca todavía se usaban pero
estaban en conflicto con el deseo de crear una variedad expresiva. El equilibrio
entre variedad y unidad fue logrado solo por compositores vieneses
posteriores. Las voces internas se elevaron al nivel de acompañamientos
reales. Los motivos derivados de la melodía a menudo aparecían en las voces
internas. El bajo se liberó de su antigua función de proporcionar simplemente un
soporte armónico continuo. Ahora podría volverse melódico. Comenzó una nueva
era de música completamente escrita, de textura libre y contenido emocional
variado. Los alemanes jugaron un papel importante en el desarrollo de formas
abstractas, como la forma sonata, y en el desarrollo de grandes géneros
instrumentales, como el concierto, la sonata y la sinfonía. El bajo se liberó de su
antigua función de proporcionar simplemente un soporte armónico continuo. Ahora
podría volverse melódico. Comenzó una nueva era de música completamente
escrita, de textura libre y contenido emocional variado. Los alemanes jugaron un
papel importante en el desarrollo de formas abstractas, como la forma sonata, y en
el desarrollo de grandes géneros instrumentales, como el concierto, la sonata y la
sinfonía. Ahora podría volverse melódico. Comenzó una nueva era de música
completamente escrita, de textura libre y contenido emocional variado. Los
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alemanes jugaron un papel importante en el desarrollo de formas abstractas, como

la forma sonata, y en el desarrollo de grandes géneros instrumentales, como el
concierto, la sonata y la sinfonía.

EL PERIODO CLASICO (1750-1825)

El período clásico se refiere a una era que comenzó alrededor de 1750 y termino
en 1820 e incluye compositores como Haydn, Mozart y Beethoven. También activo
en este período fueron Rossini y Paganini. Este nuevo estilo musical coincidió con
la Era de la Ilustración, un momento de cambio radical en los valores sociales
centrado en los derechos humanos y la libertad de religión. Su estilo arquitectónico
era una reminiscencia de la antigua Roma y Grecia, de ahí el término "Clásico".
Las orquestas experimentaron grandes cambios: el clavicordio u órgano ya no era
su base musical y los instrumentos de viento como el cuerno, la trompeta, el
clarinete, la flauta y el oboe se unieron a las cuerdas para crear un sonido nuevo y
distintivo.

La configuración orquestal condujo al tipo de música más importante de la época,

la sinfonía.Se desarrolló rápidamente al comienzo de la era, pasando de un
formato estándar y estricto de tres movimientos con una apertura rápida, un
movimiento lento medio y uno rápido para terminar, para convertirse en un
vehículo expansivo de cuatro movimientos para la expresión orquestal. Junto con
la orquesta vino el cuarteto de cuerdas, que consta de dos violines, una viola y un
chelo. Las obras se denominan 'cuartetos de cuerda' y siguen un formato estándar
de cuatro movimientos que recuerda a la sinfonía. El piano también fue introducido
durante este período. Las piezas solistas más importantes de la época clásica
fueron las sonatas, escritas para cualquier instrumento solista, pero más
notablemente compuestas para piano.  La época clásica estuvo dominada por sus
dos mejores compositores, Haydn y Mozart, que trabajaron en Viena. Haydn
compuso una fantástica música coral, operística, orquestal e instrumental, pero las
sinfonías fueron su mayor logro.

En los últimos años del siglo XVIII vino Beethoven, que comenzó a escribir música
en el estilo heredado de Mozart y Haydn. Eventualmente lo superó, y separó el
estilo clásico en las costuras, marcando el inicio de la era romántica en la música.

Los instrumentos del período Clásico fueron cambiando y evolucionando

constantemente a medida que surgieron varias chispas brillantes con prácticas
innovaciones e ideas para tomar, pero hay dos desarrollos principales que
podemos señalar: primero, el piano. Anteriormente, el sonido del acordeón del
clavecín estaba por todas partes en el período barroco, pero poco a poco fue
reemplazado por el piano debido a su capacidad de tocar mucho más suave y
sutilmente que el clavicémbalo.  El segundo gran avance en sonido en el período
Clásico fue la expansión de la orquesta. En el período barroco se podían esperar
orquestas de cuerdas modestas con acompañamiento de viento de madera
ocasional y un clavicémbalo, pero a medida que los instrumentos de viento de
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madera (clarinete, flauta, cuernos, oboe, etc.) se volvían mejores y más versátiles,
lograban empacar su propia sección en una orquesta estándar. El sonido y los
instrumentos no son nada sin las verdaderas piezas de música. Afortunadamente,
el período Clásico vio la cantidad de diferentes tipos de piezas ampliarse
masivamente, por lo que comienza a obtener más sinfonías, conciertos, piezas
instrumentales solistas e incluso óperas.

Haydn, Mozart, Beethoven, Rossini, Paganini y muchos más escribieron obras

impresionantes que eran sintomáticas de la época, pero fue Beethoven quien
realmente estiró el molde clásico y sentó las bases para el período que siguió: el
romántico. Sus sinfonías crecieron especialmente a proporciones descomunales
(la novena necesita una orquesta completa y un gran coro) y a menudo fueron
asuntos profundamente emocionales o políticos. También se compusieron todo
tipo de obras más pequeñas, así que ten cuidado con las extensas sonatas para
piano de Mozart y Beethoven y algunos cuartetos de cuerda graciosos e
ingeniosos de Haydn. El rey de la ópera debería ser Mozart o Rossini (echa un
vistazo a sus propuestas para un buen punto de partida). Básicamente, cuando se
trata de él, el período clásico es el sonido del orden delicado que gradualmente es
asumido por la emoción y la indulgencia. A medida que pasó el tiempo y los
experimentos musicales comenzaron a tener éxito, el sonido se hizo cada vez más
romántico, conduciendo perfectamente al período romántico que siguió.

MUSICA PARA PIANO: Inventada ya en 1698, por Cristofori en Italia. Este

instrumento permite tocar notas suaves y fuertes. Las cuerdas fueron golpeadas
por martillos, en lugar de ser arrancadas. Se podría reproducir más expresión (por
ejemplo, Legato, staccato, cantabile). El Alberti Bass es simple acordes rotos,
repetido en la mano izquierda, que mantiene la música en marcha, y describe la
armonía. CPE Bach fue uno de los primeros compositores de piano, y comenzó a
componer alrededor de 1750. JC Bach dio la primera actuación de piano en
Londres. Se imprimió mucha música para clavicordio o piano, pero el clavicémbalo
se desvaneció gradualmente.

LA SINFONÍA: Sinfonía significa una sonata para orquesta. Creció de la Obertura

italiana, pero la Sinfonía tiene tres movimientos, en lugar de tres secciones. Más
tarde, se agregó un cuarto movimiento (comúnmente un minueto en trío). Stamitz
fue el famoso compositor de la sinfonía helada, y el padre de este estilo, Haydn y
Mozart perfeccionó la Sinfonía en la segunda mitad del siglo XVIII. La Sinfonía se
puede dividir en: Primer movimiento: generalmente rápido y en forma de sonata.
Segundo movimiento. Generalmente más lento y más parecido a una
canción. Podría ser en forma sonata o en forma ternaria, y tal vez con variaciones.
Tercer movimiento: Haydn y Mozart escribieron un minuto en trío en este
punto. Beethoven más tarde convirtió esto en un Scherzo (una traducción directa
es una broma). Cuarto movimiento: rápido, a menudo alegre, quizás en forma de
Rondó, o forma de sonata, o con variaciones. Haydn escribió numerosas sonatas,
incluyendo la Surprise Symphony, la Drum Roll Symphony y la London
Symphony. Tríos y cuartetos también estaban en cuatro movimientos. Sonatas
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podría tener tres o cuatro movimientos. El Concierto Clásico no incluía el minueto,

por lo que solo tenía tres movimientos.

LA SONATA: Es una forma de construir un movimiento individual, no una

pieza. Consiste en tres secciones: Exposición: el compositor expone sus ideas
musicales. Las ideas principales se llaman temas. El primer sujeto está en la
tónica, que modula (cambia la tecla) cerca del final de un pasaje de puente
(transición), lo que conduce al segundo sujeto. El segundo tema está en una clave
nueva, pero relacionada, a menudo dominante (Sta) o relativa mayor (si el primer
sujeto es una clave menor). El segundo tema suele ser más melódico.
Desarrollo: Aquí las ideas se desarrollan. Crea una sensación de tensión y
conflicto. El clímax puede estar en esta sección. Recapitulación: la música se
repite desde el principio, pero el segundo tema está ahora en la
tónica. Finalmente, la música puede tener una coda (Una traducción directa es la
cola), que acompleta la música.

EL CONCIERTO: Contiene un solo instrumento y una orquesta. Hay tres

movimientos (lento, rápido, lento). El primer movimiento tiene una doble
exposición. El primero es solo para la orquesta, seguido por el solista. El segundo,
con el segundo grupo de temas en la clave relacionada. Luego viene el desarrollo
y la recapitulación, tanto para la orquesta como para el solista. Hacia el final, la
orquesta hace una pausa, y el solista toca una cadenza (un pasaje corto, "basado
en temas escuchados anteriormente, que muestra la brillantez del jugador.)
Cuando el solista termina, el solista termina con un trino, lo que significa el la
orquesta debería entrar y terminar la pieza. La orquesta toca la coda para
terminar.

OPERA: Los compositores clásicos escribieron mucha música vocal,

especialmente la ópera. Gluck era un importante compositor de ópera. Orfeo ed
Euridice es una de sus obras. Hizo las acciones más importantes en la ópera. Al
comienzo de la ópera, la obertura preparó al público para lo que estaba por venir,
Mozart escribió óperas como Las bodas de Fígaro, La flauta mágica y Don
Giovanni. La Flauta Mágica es un ejemplo de singspiel (una ópera en la que el
canto se mezcla con el diálogo). La orquesta refleja el estado de ánimo y el drama
de la acción. Don Giovani es un ejemplo de 'opera buffa' (ópera cómica).

En general en la música clásica el ritmo armónico eslento, tríadas primarias,

appoggiaturas, cadencias frecuentes, articulación clara, variedad en la textura
orquestal, dinámica variable, independencia de las secciones orquestales, registro
de tenor del fagot, doble vientos (incluidos los clarinetes), del siglo XIX:
trombones, latón armónicamente independiente, violonchelos y contrabajos están
en diferentes duelas. Yuxtaposición de materiales / claves
contrastantes. Sintonizar y textura de acompañamiento. El cromatismo melódico
se usaba con frecuencia para compensar la sencillez armónica subyacente. En su
forma más simple, ocurre en pases no acentuados o notas auxiliares. El
cromatismo melódico no suele afectar la armonía. Se usa principalmente para la
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modificación del color del diatónico (el uso colorista). Textura menos complicada
que el Barroco (más homofónico). Énfasis en belleza, elegancia y equilibrio. Más
variedad y contraste dentro de una pieza que el Barroco (dinámica, instrumentos,
tono, tempo, clave, estado de ánimo y timbre). Las melodías tienden a ser más
cortas que las del barroco, con frases claras y cadencias claramente marcadas. La
orquesta aumenta en tamaño y rango. El clavicémbalo deja de funcionar. El viento
de madera se convierte en una sección independiente. El piano se hace cargo, a
menudo con acompañamiento de bajo Alberti. Se le dio importancia a la música
instrumental: sonata, trío, cuarteto de cuerda, sinfonía, concierto. La forma de
Sonata fue el diseño más importante.

FRANZ JOSEPH HAYDN (1732-1809)

Compositor austríaco, uno de los compositores más prolíficos y prominentes del

período clásico. Haydn escribió 107 sinfonías en total, así como 83 cuartetos de
cuerda, 45 tríos para piano, 62 sonatas para piano, 14 misas y 26 óperas, entre un
sinnúmero de otras partituras. El hijo de un carretero y el cocinero de un
terrateniente local, Haydn tenía una voz tan fina que a la edad de cinco años
ingresó en la Escuela de coro de la Catedral de San Esteban en Viena.  Sus
agudos etéreos duraron hasta los 16 años, un hecho notado por la emperatriz de
los Habsburgo, María Teresa. El maestro de coro sugirió que Haydn se convirtiera
en un castrado, pero su padre se opuso y la operación nunca se llevó a cabo.
Haydn abandonó el coro de una manera memorable, cortando la coleta de uno de
sus compañeros de coro, y fue azotado públicamente.  En la década de 1770, la
música de Haydn se había vuelto más distintiva y audazmente individual, inspirada
en una forma de emotividad intensificada conocida como "Sturm y Drang"
(tormenta y estrés). La reputación del compositor se extendió rápidamente por
toda Austria, y comenzaron a llegar comisiones desde el extranjero.  1790 vio la
muerte del príncipe Nicholas Esterházy, el empleador de Haydn desde 1762, y el
Anton, musicalmente indiferente, se convirtió en el nuevo Príncipe
Heredero. Haydn se mudó a Viena y aceptó una invitación del gran violinista y
empresario nacido en Alemania, Johann Peter Salomon, para visitar Inglaterra
(1791-1792), donde se sintió adorado.  El Príncipe Anton Esterházy murió en
1795, y su sucesor, Nicolás II, solicitó el regreso de Haydn a Esterháza. Amante
de la música eclesiástica, Nicholas le dio a Haydn la tarea de componer un nuevo
escenario de la misa todos los años.  En 1804, Haydn se retiró de Esterháza, y la
enfermedad efectivamente le impidió cualquier composición adicional. Durante
mayo de 1809, Napoleón llegó a Viena, pero Haydn permaneció allí, custodiado
respetuosamente por dos de los centinelas del invasor. El 31 de mayo de 1809,
Haydn murió en paz mientras dormía.

JOANNES CHRYSOSTOMUS WOLFGANGUS THEOPHILUS MOZART

(1756-1791)
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Mozart nació en Salzburgo, en 1756. El padre de Mozart, Leopold, era un

ambicioso compositor y violinista. A pesar de que era y sigue siendo considerado
un genio, también fue sin tacto, arrogante y tenía un sentido del humor
escatológico. Mozart compuso su primera ópera, Apollo et Hyacinthus cuando solo
tenía 11 años. Un año después, el emperador José II le encargó escribir La finta
semplice. En agosto de 1782 se casó con Constanze Weber. El matrimonio de
Mozart parecía feliz. Constanze era tranquila, libre de gastos y generalmente
estaba embarazada. Solo dos de sus seis hijos sobrevivieron. Entre 1784 y 1786,
compuso nueve conciertos para piano y tres de ellos al mismo tiempo que The
Marriage of Figaro. Influenciado por las elegantes sinfonías de JC Bach cuyo estilo
cantabile y temas líricos secundarios tuvieron el mayor impacto. Como él, Mozart
siguió el estilo italiano en la escritura sinfónica: melodía, melodías fluidas, lirismo
suave, frases más largas. Textura rica con muchos sextos y tercios sobre bajos
repetidos. Abundancia de temas unidos entre sí. Su escritura instrumental tiene
analogías con arias operísticas especialmente en los conciertos para piano. El año
1787 vio el estreno de la segunda ópera de Mozart, Don Giovanni. Después del
matrimonio, empezaron a aparecer algunos de los mejores de Mozart: las
sinfonías de Haffner y Linz y los cinco cuartetos de cuerda, por ejemplo. Mozart
tuvo una gran cantidad de éxitos en sus últimos años: Eine Kleine Nachtmusik y
Clarinet Quintet en A, tres de sus 41 sinfonías; Cosí fan Tutte, tres tríos para
piano, el concierto de piano Coronation, dos sonatas para piano y tres cuartetos
de cuerda. Su salud comenzó a fallar y su ritmo de trabajo se redujo en 1790. Sin
embargo, mejoró, y en 1791 compuso la más famosa La flauta mágica, el
Réquiem (inacabado) y el Concierto para clarinete. Mozart no vivió lo suficiente
como para completar su Réquiem. Murió en Viena, en 1791, antes de cumplir 36
años.

CHRISTOPH WILLIBALD RITTER VON GLUCK (1714-1787)

Fue un compositor de ópera del período clásico temprano. Su obra más famosa
fue Orfeo ed Euridice. Las credenciales radicales de Gluck se remontan a su
juventud. Se escapó a Praga a los 14 años, viviendo de su ingenio, obteniendo
trabajos musicales donde podía. Gluck encontró mecenazgo y formación musical
en Milán, donde probablemente aprendió mucho del sinfónico Sammartini. Milán
vio su debut como compositor de ópera en 1741 con la primera de varias obras
que escribió para la ciudad. En 1761, Gluck se puso a trabajar en la primera de
sus tres llamadas óperas de "reforma", Orfeo ed Euridice. A través de la reforma,
la ópera barroca, que estaba llena de convenciones no dramáticas, con momentos
de exhibición vocal y piezas largas, se limpió de gran manera. La ópera italiana
ahora respiraba el espíritu de la ópera francesa, idealizada a través del genio de
Gluck y Calzabigi. Para su próxima ópera reformista, Alceste, Gluck decidió seguir
el ejemplo de algunos ilustres predecesores y explicarse a sí mismo: "Me he
esforzado por restringir la música a su verdadero oficio de servir a la poesía
mediante la expresión y siguiendo las situaciones de la historia, sin interrumpir la
acción o sofocarla con una superfluidad inútil de adornos”. Gluck quería que la
música fuera el servidor de la poesía; quería que el drama fuera el plomo y la
música a seguir. Inevitablemente, el interés apasionado de Gluck en la ópera
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francesa lo condujo a Francia, donde se convirtió en un jugador clave en la

reactivación de la ópera francesa. Escribió nuevas óperas en francés y revisó
radicalmente algunas de sus mejores obras italianas. En Viena, Gluck se involucró
profundamente en las producciones francesas, hasta tal punto que se comportó
con el público y la monarquía franceses de una manera que le hubiera perdido la
cabeza. Su último acto de desafío fue cuando su médico le ordenó que se
mantuviera alejado de la bebida demoníaca. Pero Gluck disfrutó demasiado de su
estilo de vida indulgente y murió en 1787.

LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827)

Nació en diciembre de 1770, pero nadie está completamente seguro de en qué

fecha. Él fue bautizado el día 17. La primera pieza grabada que compuso
Beethoven es un conjunto de nueve variaciones de piano, compuesto en 1782.
Beethoven se mudó a Viena en 1792, donde conoció a compositores influyentes
como Haydn y comenzó a componer en serio. En 1796, comenzó a sufrir de
tinnitus y estaba perdiendo la audición. Beethoven compuso su Piano Sonata No.
14 ('Moonlight') en 1802. La Tercera Sinfonía, conocida como 'Eroica', se completó
en 1804. Continuó redefiniendo la sinfonía como un género. El motivo de apertura
de la Quinta Sinfonía de 1808 es uno de los extractos musicales más famosos de
la historia. El "período intermedio" de la carrera de Beethoven también lo llevó a
componer obras para piano como las sonatas Waldstein y Apassionata, así como
a su única ópera, Fidelio, que pasó por innumerables revisiones y revisiones. La
Novena Sinfonía de Beethoven, la "Coral" de 1824, es otra obra suya que ha sido
infinitamente popular. Era la primera vez que un compositor había usado voces
corales en una gran sinfonía. La mala salud y el aumento de la sordera causaron
una caída en la productividad al final de la vida de Beethoven, pero él todavía
logró producir trabajos importantes como sus "cuartetos tardíos" en 1825, que
fueron tremendamente ingeniosos para la época. Beethoven murió en Viena el 26
de marzo de 1827 después de una larga enfermedad que ha sido atribuida al
alcohol, la hepatitis, la cirrosis y la neumonía. Beethoven compuso solo una ópera,
Fidelio, que tardó años en acertar. Reescribió un aria no menos de 18 veces y
propuso cuatro propuestas diferentes antes de decidir cuál le gustaba.

DESCRIPCION DE OBRAS TRASCENDENTES DE ESTE PERIODO

JOANNES CHRYSOSTOMUS WOLFGANGUS THEOPHILUS MOZART

EINE KLEINE NACHTMUSIK: El verdadero título es Serenade No. 13 en G, obra

de 1787 viene por cortesía del lado obsesivamente organizado de Mozart, un
rasgo de carácter sobre el que rara vez escuchamos. A pesar de poseer un
cerebro que podía recordar la música con una precisión del 100 por ciento, Mozart
mantuvo un registro detallado de todo lo que había escrito, por las dudas. El título
'Eine Kleine NachtMusik' es lo que anotó junto a la entrada de esta particular
serenata escrita para un cuarteto de cuerdas con un contrabajo añadido. Es otra
pieza de su gran parche morado. Tenía solo treinta y un años. Un frustrante
subproducto del catálogo personal de Mozart de todas sus obras es que también
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sabemos que originalmente hubo cinco movimientos de este trabajo, en lugar de

los cuatro que ahora sobreviven. Por extraño que parezca, Mozart nunca publicó
'Eine Kleine Nachtmusik' en su vida. Le quedó a su viuda, Constanze, venderlo en
una obra de su música a un editor en 1799, presumiblemente para recaudar el
efectivo que tanto necesitaba. Vio la luz pública del día solo en 1827, unos
cuarenta años después de su redacción.

SINFONÍA 41 “JUPITER”: Primero que nada, el apodo. A diferencia del epíteto de

Eine Kleine Nachtmusik, que se deriva de la propia descripción de Mozart en su
cuaderno personal, la palabra "Júpiter" probablemente no tiene nada que ver con
Mozart. Desafortunadamente, parece ser publicidad publicitaria, acuñada por el
mismo tipo que promocionó los conciertos de Haydn en Inglaterra, un tal Johann
Peter Salomon. Si es cierto, el nombre proviene de Londres, utilizado por primera
vez en un programa de conciertos para la Sociedad Filarmónica de Londres (ahora
la Sociedad Filarmónica Real) y eso fue un total de veintiséis años después de la
muerte de Mozart. Sorprendentemente, esta sinfonía muy popular fue escrita a
pocos días de la Sinfonía nº 39 de Mozart y la Sinfonía n.º 40 en un hechizo de
siete semanas durante el verano de 1788. Podría ser que Mozart tuviera al menos
un par de sinfonías zumbando en su cabeza antes de comprometerlos casi
enteros al papel. Pero tener tres obras completamente formadas y dedicadas a la
memoria es realmente sorprendente. Más pruebas, si fuera necesario, del uso
correcto de la palabra "genio" cuando se aplica a Mozart. No.41 en C es
probablemente su sinfonía más brillante y compleja. Karl Böhm fue el primero en
grabar todas las sinfonías de Mozart. Sus galardonadas grabaciones de 1960 con
la Phil de Berlín son poéticas y perfectamente medidas. Por el contrario, la cuenta
de  Leonard Bernstein con el Phil de Viena es más aventurera y dinámica; tome,
por ejemplo, los movimientos finales de ambas sinfonías donde hay mayor impulso
y emoción. También hay mucha luz y sombra en los momentos más oscuros, lo
que hace que la atmósfera tensa creada sea casi insoportable.  Charles Mackerras
y la Orquesta de Cámara de Praga ofrecen actuaciones de época con
instrumentos modernos. Mackerras observa todas las repeticiones y, a veces, se
estremece a una velocidad vertiginosa. Aunque es Mozart en el carril rápido, no
obstante es un viaje muy agradable. 

EL CONCIERTO PARA CLARINETE EN A K622: Completado en 1791, el año de

la muerte de Mozart, marcó su despedida de la música instrumental. También fue
el primer concierto de clarinete escrito por un gran compositor, excepto que Mozart
no lo escribió para el clarinete. De hecho, es raro que alguna vez escuchemos el
más famoso de los conciertos de viento tocados en el instrumento que Mozart
pretendía: el clarinete basset, un clarinete que tiene cuatro semitonos agregados a
su rango inferior. El inventor del basset clarinet, y su principal virtuoso, fue el
amigo y amigo de Mozart, Anton Stadler, para quien Mozart había escrito el
Clarinet Quintet en A, en 1789. "Nunca", escribió Mozart a Stadler, "habría
pensado que un clarinete podría ser capaz de imitar la voz humana tan
engañosamente como lo imita. Verdaderamente su instrumento tiene un tono tan
suave y encantador que nadie con un corazón podría resistirlo”. Lejos de ser
enteramente el producto del milagroso año final inspirado por Mozart, los primeros
HISTORIA DE LA MÚSICA II GABRIEL ARTEMIO LÓPEZ SANTIAGO

199 compases del concierto para clarinete son idénticos a un concierto

abandonado para cuerno de bassetto (un instrumento que Stadler también tocó)
que comenzó ya en 1787. Al mirar este fragmento (conservado en Winterthur,
Suiza) podemos ver, a partir de los garabatos y borraduras, que Mozart carecía de
carácter característico en la toma de decisiones, a menudo cambiando de opinión
y obviamente bajo estrés.  Lo que pudo haber estimulado a Mozart a completar el
concierto de Basset Horn abandonado para Stadler y su basset clarinete, fue su
viaje a Praga para el estreno de La Clemenza di Tito. Uno de sus compañeros de
viaje fue su alumno Süssmayr, quien reveló que estaba escribiendo un concierto
de clarinete basset para Stadler. Mozart no podía permitirse ser superado. El
concierto fue escrito en Viena en algún momento entre finales de septiembre y
principios de octubre de 1791. El score completo fue enviado a Stadler en
Bohemia y recibió su primera actuación en el concierto benéfico de Stadler en el
Teatro de Praga el 16 de octubre de 1791. Siete semanas después, Mozart estaba
muerto. El concierto no se publicó hasta 1802, con la parte solista adaptada para
el clarinete en lugar del clarinete basset obsoleto. Se desconoce el paradero del
manuscrito original.

LA FLAUTA MAGICA: A menudo referida por muchos como la única pantomima

de Mozart, La flauta mágica es un alboroto de la vida, la lujuria y la trama ridícula
que de alguna manera desmiente su posición portentosa en la producción de
Mozart. Fue estrenado en su querida Viena solo tres meses antes de su
muerte. Tenía un libreto del tenor que estrenó el papel de Papageno, Emmanuel
Schickaneder, del que se dice que ejerció una considerable influencia musical
sobre Mozart en varios momentos de la ópera.  Mozart escribió gran parte de la
música con más que una referencia pasajera a todas las cosas masónicas (él
mismo servía como francmasón). Tres se convierte en un número mágico, como
resultado, con damas, espíritus, portales, pruebas, incluso acordes, todos
provenientes de tríos masónicamente significativos. El aria de la Reina de la
Noche fue escrita para la cuñada de Mozart, Josepha, y su impactante y
naturalmente alta coloratura. Otros aspectos destacados, como The Birdcatcher's
Aria y Overture, lo convierten en un favorito perenne. 

REQUIEM: Es una de las obras corales más famosas del repertorio clásico. La
triste "Lacrimosa" es un punto destacado. Todos sabemos que Wolfgang Amadeus
Mozart fue uno de los músicos más extraordinarios y talentosos de la
historia. Componer un Requiem coral profundamente emocional y complejo en su
lecho de muerte en 1791 causo que Mozart tuviera problemas con eso. Cuando la
peculiar esposa del Conde Walgeg, Anna, murió en el Día de San Valentín de
1791, puso en marcha una serie de eventos que, podría decirse, nunca se han
detenido. Walsegg, un músico consumado en persona, encargó la pieza de
manera anónima, aterrorizando por completo a un Mozart ya inestable en el
proceso (se había puesto enfermo después de una actuación de La Clemenza di
Tito ). Mozart se vio consumido por la obra, creyendo que había sido maldecido
para escribir un réquiem para sí mismo, porque estaba a punto de morir.
“Lacrimosa” nunca fue entregado por Mozart, quien murió antes de que terminara
de componerlo, solo terminando los primeros compases de Lacrimosa. El
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movimiento de apertura, Requiem aeternam, fue la única sección que se

completó. Fue cepillado en algún tipo de forma por el único alumno de
composición de Mozart, Sussmayr, pero a la completa falta de satisfacción de los
estudiosos a lo largo de los siglos. Como resultado, el mundo y su esposa han
intentado completarlo después de él. De todos modos, el Requiem todavía suena
maravilloso para la mayoría de los oídos. Para agregar más intriga, cuando el
manuscrito inacabado se exhibió en Bruselas en la década de 1950, se arrancó
una sección de la última página y nunca se recuperó. Como Mozart trabajó en el
Réquiem en su lecho de muerte, es muy probable que alguien haya robado las
últimas notas escritas por Mozart.

FRANZ JOSEPH HAYDN

LA CREACIÓN: Oratorio considerado por muchos como su gran obra maestra, a

pesar de las limitaciones de una serie de palabras bastante dudosa; los textos
retraducidos a menudo son extraños o forzados o ambos. Haydn se inspiró para
crear “la creación” después de sus viajes al Reino Unido, donde escuchó los
oratorios de Handel que todavía se realizaban con fuerzas masivas. Se dice que,
una vez en el flujo, le rogó a Dios que le permitiera terminar el trabajo, claramente
sabiendo que estaba en una traba.  En una actuación particular, justo un año
antes de su muerte, Haydn tuvo que ser llevado al vestíbulo en una silla para
escuchar su música. Mientras el público oía y arrullaba en varias secciones
sublimes, Haydn se vio obligada a recibir el aplauso espontáneo. Se dice que
señaló el cielo, sonrió y dijo: "No es mío: ¡todo viene de allá arriba!" 

CONCIERTO PARA TROMPETAEN MI BEMOL: Escrito entre 1809 y 1811, el

concierto para piano "Emperador" de Beethoven iba a ser el último. Cada retrato
de Beethoven parece llevar a casa la impresión de que él era un compositor cuya
música era tempestuosa, melancólica y musculosa. Y aunque ese fue ciertamente
el caso, el maestro Concierto del Emperador es una prueba de la ternura y la
belleza que corre como un hilo a través de la música de este gran hombre. En el
momento de escribir este concierto, Beethoven estaba muy cerca de la división
entre los períodos clásico y romántico. El trabajo en sí parece estar saliendo de las
fronteras convencionales, casi como si naciera un nuevo tipo de música. La gran
longitud del movimiento de apertura contradice la convención; el segundo
movimiento sereno fluye directamente, e inusualmente, hacia el final; y el romance
abierto de la música mira hacia adelante a un período musical que en ese
momento todavía estaba en su infancia. En su estreno en Viena en 1812, el
solista fue Carl Czerny, un buen compositor por derecho propio y un hombre que
estudió con Beethoven. Aparentemente, el apodo de la obra no derivaba de
Beethoven sino de un comentario hecho por uno de los oficiales de Napoleón, que
estaba destinado en Viena en ese momento. Era 'un emperador de un concierto',
el hombre supuestamente exclamó. De hecho fue. Y el nombre se ha estancado
desde entonces.
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CONCIERTO PARA CELLO NO. 1: Demostrando las múltiples facetas del

violonchelo -desde gruñidos de bajos acordes hasta el lanzamiento de escalas de
semicorcheas en el dulce registro alto del instrumento- Haydn redefinió el toque
orquestal con su fantástico concierto. En la década de 1760, Haydn se aseguró de
que todos sus jugadores en la orquesta de Esterhazy jugaran un papel importante
en sus sinfonías recién compuestas. Para asegurarse de que sus mejores
jugadores permanecieran en el entorno competitivo de la orquesta, aumentó el
número de instrumentistas, pero compuso una serie de conciertos apetitosos para
tentar a los mejores jugadores a permanecer en el lado opuesto.  Una de esas
piezas es el Concierto para violonchelo n. º 1, escrito para el violonchelista Joseph
Weigl. Fue un regalo de Haydn, uno que posteriormente se perdió hasta 1961, y
fue estrenado nuevamente por el maestro violonchelista Mstislav Rostropovich.
Concierto para violonchelo n.º 1: Moderato Desde el acorde de apertura triunfal del
violonchelo solo y la animada conversación entre las cuerdas de la orquesta y el
solista, Haydn demuestra que este concierto merece su lugar en el canon del
repertorio de violonchelo. Es un vehículo perfecto para la técnica de un jugador,
con carreras rápidas y acordes carnosos, mostrando que el violonchelo es mucho
más que solo un instrumento de línea de bajo. Las frases caídas conmovedoras se
adaptan al tono cálido del violonchelo, pero hay una buena parte del encanto
sinfónico característico de Haydn, ya que las cuerdas inferiores confiables tienen
un acompañamiento lento y constante. Concierto para violonchelo n. º 1: Adagio
Majestuosa y majestuosa, la melodía creciente del solo violonchelo emerge
suavemente del acompañamiento orquestal. Es un momento mágico, ya que la
canción comienza a tomar forma. El solista no es tan prominente en este
movimiento, el solista incluso acompaña a la orquesta en los puntos, pero las
escalas características del primer movimiento aún están presentes. Concierto para
violonchelo n. º 1: Finale, Allegro Molto. Con la implacable línea de bajo pulsante y
las veloces escalas de violín en la orquesta, se te perdonará que pienses que se
trata de otra sinfonía animada. Es decir, hasta que el violonchelo entre. Tomando
todas las mejores partes de los primeros dos movimientos, comenzando con una
larga nota sostenida mientras la orquesta toca la melodía, y rápidamente
desarrollándose en arrolladores acordes, giros e increíbles carreras virtuosas, este
movimiento acelerador de pulso es una maravillosa muestra de seis minutos de lo
que el chelo puede hacer.

SINFONÍA 94 “SORPRESA”: La Sinfonía n. º 94 Hob. I: 94 en sol mayor,

llamada La sorpresa o La del toque de timbal (en alemán Mit dem Paukenschlag)
de Joseph Haydn fue compuesta alrededor de 1791y es una de sus obras más
conocidas. Debe su nombre, y gran parte de su fama, a su segundo movimiento,
un magistral tema con variaciones, debido a que en el mismo, tras un
comienzo piano, se escucha un súbito acorde fortissimo. Fue estrenada en
el Hanover Square Rooms de Londres el 23 de marzo de 1792 con enorme éxito
de público y crítica. El citado movimiento fue el que generó más entusiasmo. En
total consta de cuatro: 1. Adagio - Vivace assai, 2. Andante, 3. Minueto y 4. Final:
Allegro molto.
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SINFONÍA 104 “LONDON”: La Sinfonía n.º 104 en re mayor, Hoboken I/104, es la

última sinfonía escrita por el compositor austríaco Joseph Haydn. Es la última de
las doce Sinfonías de Londres y es conocida (en cierto modo arbitrariamente,
dada la existencia de las otras once) como la Sinfonía Londres. Fue compuesta
por encargo para su segunda gira a Londres, y estrenada bajo su dirección el 4 de
mayo de 1795. Haydn, quien hacia fines del siglo XVIII era ya muy famoso en
toda Europa, fue nuevamente invitado a Londres a finales de 1793 (la primera vez
viajó a principios de 1791) por el violinista y empresario inglés Johann Peter
Salomon, animado por el éxito que obtuvo del primer viaje - ahora pasaba por una
serie de apuros económicos vinculados con las Guerras napoleónicas. Estas giras
entrañaban la composición y estreno de nuevas obras para un público londinense
ansioso de escuchar la música de una figura de renombre mundial. En los
primeros meses de 1794 dirigió un concierto en presencia de Jorge III de Gran
Bretaña, antes de regresar a Viena donde radicaba en agosto de 1795. A esta
segunda estancia se remontan la composición del último grupo de sinfonías,
llamadas desde entonces "Sinfonías de Londres". En el frontispicio del manuscrito
autógrafo: "la duodécima que he compuesto en Inglaterra", estas sinfonías fueron
compuestas para los Opera Concerts, que tenían lugar en el King's Theatre bajo la
dirección del célebre violinista y compositor italiano Giovanni Battista Viotti. Sin
embargo, el propio Haydn dirigió el estreno de esta sinfonía. Movimientos 1.
Adagio – Allegro. 2. Andante. 3. Menuetto. Allegro. 4. Finale. Spiritoso
Como las últimas sinfonías reúnen perfección formal y técnica instrumental. Nada
más lejos de esta obra - a pesar de sus evidentes rasgos de buen humor - de lo
que se ha dado en llamar simple entretenimiento.

CHISTOPH WILLIBALD GLUCK

BALLET DON JUAN: Don Juan ou Le Festin de Pierre ( Don Juan, o un banquete

de convidado de piedra ) es un ballet con libreto de Raniero di Calzabigi , música
de Christoph Willibald von Gluck , y coreografía de Gasparo Angiolini . La primera
presentación del ballet fue en Viena, Austria, el sábado 17 de octubre de 1761, en
el Theater am Kärntnertor . Su innovación en la historia del ballet , que se produce
un año antes de la radical reforma de Gluck de la ópera seria con su Orfeo ed
Euridice (1762), fue su elemento narrativo coherente, aunque la serie
dedivertissement convencionalbailes en el segundo acto se encuentra dentro de la
tradición del ballet bien establecida de un entr'acteefectuando una pausa en la
narración de cuentos. El ballet sigue la leyenda de Don Juan y su descenso
al infierno después de matar al amante de su padre  en un duelo. El ballet Don
Juan se basó en el Don Juan o el Festín de Pierre de Molière de 1665. El puntaje
de Gluck es tal vez el más notable escrito para el ballet del siglo XVIII.  La
comprensión del compositor de la danza como una forma de arte autónomo
completamente independiente de la ópera le permitió componer una partitura libre
de retórica convencional u ornamento, y utilizó una estructura que se construyó
hacia un clímax excitante y dramáticamente directo.
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ORFEO ED EURIDICE: Es una ópera compuesta por Christoph Willibald Gluck

basado enel mito de Orfeo, establecido en un libreto de Raniero di
Calzabigi. Pertenece al género deazione teatrale, que significa una ópera sobre un
tema mitológico con coros y baile. La pieza se presentó por primera vez en el
Burgtheater de Viena el 5 de octubre de 1762 en presencia de la emperatriz María
Teresa. Orfeo ed Euridice es la primera de las óperas de "reforma" de Gluck, en la
que intentó reemplazar las tramas abstrusas y la música excesivamente compleja
de la ópera seria con una "noble simplicidad" tanto en la música como en el
drama. La ópera es la más popular de las obras de Gluck, y una de las más
influyentes en la posterior ópera alemana . Variaciones sobre su trama - el metro
de rescate de misión en la que el héroe debe controlar, o disimular, sus emociones
- incluyen  La flauta mágica de Mozart , Fidelio de Beethoven y Das Rheingold de
Wagner.

IPHIGÉNIE EN TAURIDE: Es una ópera en cuatro actos con música de Christoph

Willibald Gluck y libreto en francés de Nicolas François Guillard. Fue su quinta
ópera para los escenarios franceses. Con Ifigenia en Táuride, Gluck llevó su
reforma de la ópera a su conclusión lógica. Los recitativos son más breves y
son récitatif accompagné ("acompañados" con cuerdas y quizá otros instrumentos,
no sólo el acompañamiento de continuo), estructuras del tipo airoso que unían las
escenas dramáticas. Los movimientos de danza normales que uno encuentra en
la tragédie en musique francesa están casi enteramente ausentes. El drama se
basa en último término en la obra Ifigenia en Táuride del
dramaturgo griegoEurípides que trata de historias referentes a la familia de
Agamenón con posterioridad a la guerra de Troya. Ifigenia era hija
de Agamenón y Clitemnestra y hermana de Orestes, Electra y Crisotemis.

ALCESTES: Es una ópera en tres actos con música de Christoph Willibald

Gluck y libreto en italiano de Ranieri de Calzabigi, estrenada en Viena en 1767.
Una segunda versión, revisada, más conocida hoy en día, fue estrenada
en París en 1776. Se estrenó en el Burgtheater de Viena el 26 de diciembre
de 1767. La presentación de Alceste en París, en 1774, supuso una total
remodelación de la ópera, hasta el punto de que casi son dos óperas distintas: los
personajes no son exactamente los mismos y las escenas se ordenan de forma
diferente. La versión parisina es considerada superior a la italiana y es esta
versión, a menudo traducida al alemán, al italiano o al inglés, que se representó en
el siglo XX en los principales teatros de ópera.

ECHO ET NARCISSE: Es la última ópera original, específicamente un drame

lyrique, escrita por Christoph Willibald Gluck, la sexta para la escena francesa.
El libreto fue escrito por Louis Theodor von Tschudi. Echo et Narcisse se estrenó
en la Ópera de París el 24 de septiembre de 1779. Fue un fracaso, y se dejó de
representar después de sólo 12 días. Gluck decidió regresar a Viena y no volver
nunca a París. Revisó la obra para el 8 de agosto de 1780, pero esta versión sólo
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disfrutó de nueve representaciones. Una tercera versión fue presentada al público

el 8 de junio de 1781. Esta fue mejor recibida, pero se produjo de manera
infrecuente hasta que René Jacobs la repuso en 1987 en el Festival de
Schwetzingen. Jacobs usó la versión revisada puesto que la original no ha
sobrevivido, excepto en lo que se refiere al libreto. Narciso ama a la ninfa Eco,
deseada por Apolo. Éste lanza un hechizo sobre Narciso de manera que se
enamore de su propio reflejo, pero Cupido al final logra un final feliz reuniendo a
Eco y Narciso.

LUDWIG VAN BEETHOVEN

SONATA PARA PIANO NO. 8: Esta famosa sonata fue escrita en 1798, titulada
Grande donate pathétique por el editor, muy a gusto de Beethoven. El compositor
y director de orquesta suizo Edwin Fischer dijo: "Para Beethoven, la forma sonata
no es un esquema que pueda usarse en el capricho un día y abandonado en el
siguiente. Esta forma domina todo lo que imagina y compone; es la misma marca
en su creación y la forma de su pensamiento, una forma inherente, una forma
natural”. Y de las 32 sonatas para piano compuestas por Beethoven, solo
Moonlight desafía a esta en las apuestas de popularidad. El Pathétique proviene
de la primera parte de la carrera de Beethoven: fines del siglo XVIII, un tiempo en
el que las tradiciones del período clásico aún dominaban y el propio Beethoven se
contentaba en gran medida con componer dentro de estas limitaciones. Durante la
mayor parte de doscientos años, los músicos han debatido la verdadera razón de
su apodo. Algunas fuentes sugieren que el mismo Beethoven agregó el subtítulo
Pathétique, mientras que otros insinúan que fue obra de su editor, aunque con la
bendición del compositor. El tono de Do menor - a menudo un vehículo perfecto
para música trágica y profundamente emotiva - es la clave de elección de
Beethoven aquí, lo que lleva a muchos a creer que fue inspirada directamente por
la Sonata para piano No.14 de Mozart, compuesta en la misma tecla hace menos
de dos décadas . Si bien puede haber enlaces, muchos de estos son
discutiblemente tenue. La música es innegablemente de Beethoven, y muestra a
un joven compositor ya completamente a gusto con el concepto de forma de
sonata y claramente capaz de usarlo para transmitir un significado profundo.

FIDELIO: Fidelio o el amor conyugal (título original en alemán, Fidelio oder die

eheliche Liebe, Op. 72) es una ópera en dos actos con música de Ludwig van
Beethoven. El libreto en alemán es obra de Joseph F. Sonnleithner, a partir del
texto original en francés de Jean-Nicolas Bouilly que se había usado para la ópera
de 1798 Léonore, ou l’amour conjugal de Pierre Gaveaux, y para la ópera de
1804 Leonora de Ferdinando Paer (Beethoven tenía una partitura de ésta). La
ópera se representó por vez primera en una versión en tres actos en el Theater an
der Wien de Viena el 20 de noviembre de 1805, con interpretaciones adicionales
las siguientes dos noches. Mientras que esta primera versión a veces es
llamada Leonore para diferenciarla de la versión final en dos actos, esto es
incorrecto porque se estrenó como Fidelio. Es la única ópera que compuso
Beethoven. La ópera cuenta cómo Leonora, disfrazada como un guardia de la
HISTORIA DE LA MÚSICA II GABRIEL ARTEMIO LÓPEZ SANTIAGO

prisión llamado "Fidelio", rescata a su marido Florestán de la condena de muerte

por razones políticas. Lugar en el que se desarrolla la obra: Prisión cerca de
Sevilla: Época: Finales del siglo XVIII. Trama: Dos años antes de la escena inicial,
el noble Florestan ha intentado poner de manifiesto ciertos crímenes del noble
Pizarro. En venganza, Pizarro ha aprisionado a Florestan en secreto en la prisión
de la que es alcaide. El guardián de la prisión, Rocco, tiene una hija Marzelline y
un ayudante, Jaquino. La esposa de Florestan, Leonora, acude a la puerta de
Rocco en busca de empleo, vestida como un muchacho y haciéndose llamar
Fidelio. Rocco la contrata. Obedeciendo órdenes, Rocco ha estado dándole
raciones de comida cada vez más pequeñas a Florestán de manera que lo va
debilitando día a día. Marzelline se enamora de Fidelio, rompiendo así el
compromiso matrimonial que antes había realizado a Jaquino.

OBERTURA EGMONT OP. 84: Consiste en una obertura, que es la pieza más

conocida de ellas, que forma parte del repertorio sinfónico habitual, seguida de
nueve piezas para soprano, voz masculina narrador y orquesta sinfónica.
Beethoven la compuso entre octubre de 1809 y junio de 1810, y fue estrenada el
15 de junio de 1810.Durante 1809 y 1810, Beethoven compuso tanto la obertura
como la música incidental a la obra Egmont de Goethe, representando la vida del
conde de Egmont, un noble flamenco que fue ejecutado como parte de una
conspiración en 1567. Si la Sonata 'Pathétique' se sitúa en los primeros años de
Beethoven, y la Sinfonía 'Coral' es la encarnación musical de sus últimos años, la
Obertura de Egmont se encuentra en el medio. En muchos sentidos, el trabajo se
remonta hacia atrás y, sin embargo, también mira hacia adelante
proféticamente. La majestuosa y austera abertura orquestal, tan querida de
Beethoven y claramente evidente en obras tempranas como la Sinfonía 'Eroica',
está absolutamente presente aquí. Pero también lo es el final emocionante y
culminante, uniendo los temas escuchados a lo largo del trabajo y entretejiéndolos
en un poderoso final. En una carta a Goethe, la amiga de Beethoven, Bettina von
Brentano, explicó la fascinación del compositor por Egmont y escribió que le había
dicho: "Los poemas de Goethe ejercen un gran poder sobre mí no solo por su
contenido sino también por su ritmo; el estado de ánimo correcto y estimulado a
componer por este lenguaje, que se construye en un orden superior como si fuera
a través de agencias espirituales, y lleva dentro de sí el secreto de la armonía”.

SINFONÍA NO. 5: La Sinfonía n.º 5 en do menor, op. 67, de Ludwig van

Beethoven fue compuesta entre 1804 y 1808. Esta sinfonía es una de
las composiciones más populares e interpretadas de la música clásica. Consta de
cuatro movimientos: empieza con un allegro de sonata, continúa con un andante y
finaliza con un scherzo ininterrumpido, que comprende las dos últimas partes.
Desde su estreno en el Theater an der Wien de Viena el 22 de diciembre de 1808,
dirigida por el compositor, la obra adquirió un notorio prestigio, que aún continúa
en la actualidad. E. T. A. Hoffmann describió la sinfonía como «una de las obras
más importantes de todos los tiempos». La Quinta Sinfonía tuvo un largo proceso
de maduración. Los primeros esbozos datan de 1804 tras haber acabado
la Tercera Sinfonía.1 Sin embargo, Beethoven debía interrumpir su trabajo en
la Quinta para preparar otras composiciones, incluyendo la primera versión
HISTORIA DE LA MÚSICA II GABRIEL ARTEMIO LÓPEZ SANTIAGO

de Fidelio, la Sonata para piano Appassionata, los cuartetos de

cuerdas Rasumovsky Op. 59, el Concierto para violín, el Concierto para piano n.º
4, la Cuarta Sinfonía y la Misa en do mayor. La preparación final de la Quinta
Sinfonía, que tuvo lugar entre 1807 y 1808, fue llevada en paralelo con la Sexta
Sinfonía, que fueron estrenadas en el mismo concierto. Cuando Beethoven la
compuso ya estaba llegando a los 40 años, su vida personal estaba marcada por
la angustia que le causaba el aumento de su sordera;2 pese a esto, había entrado
ya en un imparable proceso de “furia creativa”. Europa estaba marcada
decisivamente por las guerras napoleónicas, la agitación política en Austria y la
ocupación de Viena por las tropas de Napoleón en 1805. La obra fue estrenada
el 22 de diciembre de 1808 en el Theater an der Wien en un monumental concierto
de cuatro horas que consistía exclusivamente en estrenos de Beethoven, y que
fue dirigido por el mismo Beethoven.

SINFONÍA NO. 9: Para el momento en que la Sinfonía n. ° 9 de Beethoven, con su

gran clímax de "Oda a la alegría", se estrenó el 7 de mayo de 1824, el compositor
era profundamente sordo. Durante casi 200 años, el famoso tema de himnos al
final de esta sinfonía ha simbolizado la esperanza, la unidad y el compañerismo, a
través de las fronteras y de los conflictos. Aquí está, interpretado por la 'Global
Insta Orchestra' compuesta por músicos de todo el mundo que tocan en Internet.
La "Coral" de Beethoven es posiblemente la sinfonía más grande que se haya
compuesto: la cima de sus logros, una magistral celebración musical de la raza
humana y una obra enorme que hace que todos los que la escuchan se sientan
mejor con la vida. Y sin embargo, el propio Beethoven nunca lo escuchó
realmente. El hombre que había hecho más que nadie antes que él para cambiar
la forma en que escuchamos la música se había convertido en alguien para quien
los sonidos ya no podían existir, y la amarga ironía de esto no se le escapaba. Sin
embargo, a pesar de su deterioro de la audición, Beethoven perseveró con la
escritura de esta gigantesca sinfonía. Alentado, sin duda, por su condición de
compositor del momento, escribió un trabajo colosal. Pero, cuando Beethoven
llevó a cabo su estreno, era famoso por su desconocimiento de la entusiasta
respuesta que recibió su novena sinfonía. Le tomó a uno de los músicos alertarlo
sobre la audiencia que lo animaba, y eso fue solo al final del segundo movimiento.
La Sinfonía n. º 9 de Beethoven es famosa por el montaje del poema de Friedrich
Schiller 'Oda a la alegría', un texto que el compositor había sentido fascinado
durante más de veinte años: "¡Misericordia del juez final! ¡Los muertos vivirán!
Hermanos, beban y Carmen en, todos los pecadores serán perdonados y el
infierno ya no existirá”. Palabras triunfales que combinan perfectamente con el
poder y la escala de la música inmortal de Beethoven.