El cultivo de la música declinó después de la muerte de Nero, y el arte tomó refugio con los

primeros cristianos.

En los primeros años de la iglesia, la música formo un importante utensilio para los asuntos
divinos, y se supone que fue “la música solemne del Templo”, derivada de los antiguos Judíos, y
comunicada con salmos a los cristianos por los primeros maestros de la religión. Durante el
reinado del emperador Constantino, hijo de Constantino el Grande, el canto antifonal fue
adoptado en las iglesias Cristianas. San Ambrosio (374-398), en el reinado de Teodosio, instituyó
en su catedral un peculiar tipo de canto llamado Cantus Ambrosianus. Usó cuatro auténticos o
modos principales como el dorio de D a d; el frigio de E a e; el eolio de F a f; y el mixolidio de G a g.
Estos modos fueron también distinguidos por los términos numéricos griegos, Protos (primero);
Deuteros (segundo); Tritos (tercero); y Tetartos (cuarto). A San Ambrosio se le atribuye la autoría
del Te Deum, uno de los más antiguos especímenes de la música eclesiástica. El estilo del canto
sacro establecido por San Ambrosio fue precedido por uno más alegre y florido llamado Canto
Fermo (canto llano), introducido por el Papa San Gregorio (quien nació acerca del 550). El adoptó
las letras Romanas en lugar de las Griegas y añadió cuatro modos a los adoptados por San
Ambrosio (llamados plagal, o relativos, o colateral). Se dice que el Papa Vitaliano introdujo el
órgano a la iglesia católica acerca del 670 D.C. Por este tiempo, el canto Gregoriano o el canto
llano empezaron a ser organizados por voces, de manera que posteriormente se le llamo discanto
(técnica de polifonía medieval en la que un cantante canta el canto llano mientras otro entona una
voz suplementaria, bien improvisada o compuesta previamente), en la cual en los inicios del
contrapunto implica un canto doble o melodía. Este modo de canto fue al principio practicado por
órgano, pero pronto fue adoptado por cantantes solamente; y de dos voces se extendió a tres,
cuatro, etc.; los términos triple, quadruple, motet, quintet, quartet, empezaron a ser introducidos
y aplicados a composiciones musicales. La danza forma parte de ceremonias religiosas de los
primeros cristianos. El padre Menestrier remarca que la palabra coro se deriva originalmente del
término Griego que significaba bailar, o un acompañamiento de danzantes. Subsecuentemente a
San Gregorio muchos cambios fueron efectuados en la notación de los cantos. Puntos y acentos, y
varias marcas fueron adoptadas para denotar la elevación o depresión de la voz. En el siglo X,
líneas fueron usadas (8 o 9); entre las cuales las silabas de los salmos o himnos eran escritas. Su
lugar entre estas líneas fue denotado por una letra alfabética colocada al principio de cada una de
ellas: mayúsculas para los sonidos graves, y minúsculas para los agudos. A veces las notas se
escribían encima de las palabras y conectadas por ligaduras. Gerbert Scholasticus, quien fue
elegido Papa (Silvestre II) en 999, y quien murió en 1003, se dice que llevó al órgano a su
perfección por medio de soplarlo con agua tibia, y haber seguido la manera de Arezzo (en
Toscana), donde nació en 990. Guido convirtió los tetracordes griegos en hexacordes, un ascenso
diatónico de la tónica a la sexta, y a estos seis sonidos aplicó las silabas ut, re, mi, fa, sol, la, las
silabas iniciales de un himno escrito por Paulus Draconus, en el 770, para el festival de San Juan. A
esto se le llama solmization. Guido simplificó la notación, reduciendo el número de letras usado
para denotar a los sonidos, de quince a siete, y en lugar de colocarlos a diferentes alturas unas de
otras, él las colocó al inicio de la línea, usando un punto donde fueran repetidas.
En el transcurso del tiempo las letras fueron discontinuadas y los puntos solo retenidos. Guido fue
el primero que uso los intervalos entre líneas para denotar a los grados; colocando los puntos en
aquellos intervalos, así como también en las líneas mismas. Las líneas fueron de colores
diferentes. El pentagrama de cinco líneas (o cuatro para la música de la iglesia) fue simplificado, si
no inventado por él. Sentó el uso de claves. Algunos autores le atribuyen la invención del
contrapunto (termino derivado de contrapunctum o punto contra punto)

Las mejorías efectuadas por Guido fueron introducidas en el monasterio de los Benedictinos en
Arezzo, como también en Roma, y otras partes de Italia, pero después de su muerte (1050), la
música avanzó en grados lentos en el país.

Por muchos años el arte fue conferido a la iglesia y a bandas de juglares. Dante (1265-1321)
menciona i Castelli como un músico en su Divina Comedia. Scochetto, un amigo y contemporáneo
de Dante, coloca música a alguna de su poesía. Dante habla de dos diferentes especies de canción
las cuales prevalecían en su época; la Canzone, significando una canción compuesta sobre temas
serios y trágicos, y la Cantinela, una composición cómica. Él también habla del Madrigal, o
Madriale, cuyo término fue al principio aplicado a himnos dirigidos a la Virgen. Aparecería a cargo
de Boccacio (1313-1375) que en el siglo catorce los Laudi sporotuali fueran interpretados en
Florencia en el 1310 por la Orquesta Filarmónica de aquella ciudad. Los instrumentos
principalmente usados en ese periodo fueron la viola y el laud.

En el siglo quince un famoso organista, llamado Antonio, vivió en Florencia. La escuela Napolitana
de Música fue fundada por Joh Tinctor de Brabant entre 1450 y 1490. Las composiciones de este
periodo fueron principalmente productos de extranjeros. Gafurius, de otra forma llamado
Franchinus, quien nació alrededor de 1451 en Lodi (Italia), publicó trabajos sobre teoría de la
Música en los cuales habla solo de cinco caracteres del tiempo, el máximo, el largo, el breve, el
semi-breve y el mínimo. En la parte temprana del siglo dieciséis, la negra, corchea y semicorchea
fueron usadas en las composiciones. Las fugas llegaron a ser usadas en este periodo, pero no hay
vestigios encontrados del inventor o el lugar en el que se inventó este tipo de composición.

Giovanni Pierluigi da Palestrina nació en Palestrina alrededor de 1528, murió en 1594. En

atribución a la magnificencia de sus composiciones a la iglesia fue llamado “el creador de la música
moderna de iglesia”. En este tiempo varias clases de música secular fue usada por maestros
eminentes de diferentes escuelas. La más antigua música secular, en parte, es encontrada en
Nápoles, y cosiste en los tonos rústicos de ese lugar como Arias, Canzonnette, Villote y Villanella
alla Napolitana. Entre lso músicos teóricos de la época se menciona a Zorlino (1540-1589), quien
fue un compositor práctico de gran celebridad. La música de concierto y oratorios fueron
introducidos a Italia durante el siglo dieciséis.

Aunque la aplicación de la música al drama secular fue intentada siglos previos, fue cerca del siglo
dieciséis que una opera en la forma moderna, en la cual el recitativo fue adoptado en las líneas de
la antigua declamación Griega fue presentada. Dafne, que es el nombre de la pieza, fue escrita por
Rinuccini, entre 1594 y 1597, y representada el siguiente año, en el palacio del conde Giacomo
Corsi quien tomo una parte activa en poner la opera en escena. La música fue compuesta por
Giocomo Peri, el músico más celebrado del periodo. Los intérpretes fueron el autor y sus amigos;
un clavicordio, una viola da gamba, un arpa y un laúd, formaron el acompañamiento; y el
recitativo fue simplemente algo de entonación medida. Poco después Rinuccii escribió Euridici y
Ariadne. La primera se represento en el teatro de Florencia en 1600 por la ocasión de la boda de
Henry IV de Francia con Mary de Medicis.

Alemaia

En el siglo quince la música hizo mucho progreso en Alemania y Países Bajos. Fue en el siglo
dieciséis que Pierre de la Rue, un famoso compositor contrapuntístico residió en Alemania; Casper
Krumnhorn hizo avances notables en la flauta, el violín y el clavicordio y los compositores famosos
Reincke, Maurice y Landgrave florecieron. Los principales teóricos de ese periodo Martinus
Agricola (de Magdeburg) y John Kepler (de Wiel). Fue por este tiempo que el órgano fue
construido y generalmente adoptado en las iglesias alemanas. Los órganos fueron mejorados con
la invención del pedal en 1480 por Bernhard. Se dice que Lutero (1483-1546) fue muy afecto a la
música. Muchos himnos compuestos por Lutero aun existen. Calvin (1509-1564) introdujo los
salmos métricos los cuales ahora en general son usados en las iglesias reformadas. Carlos V (1500-
1558) fue un excelente músico y tenía una banda con la cual tocaba durante las cenas y otras
ocasiones; generalmente se entiende que los conciertos vocales fueron su primer levantamiento
en Flanders a mitades del siglo dieciséis, donde este soberano sostuvo su corte en Bruselas. Las
composiciones principalmente eran especies de madrigales y fueron de tres a cuatro voces. La
música alemana tuvo un decaimiento durante la guerra de los treinta años.** 215 El emperador
Leopoldo quien

Francia

Antonie Brumel vivió de 1480 a 1520, fue un autor contrapuntístico de la escuela Francesa. La
música no tuvo mucho progreso debido a las guerras de aiquilamiento en el siglo dieciséis. Sin
embargo, Clement Jaunequin hizo de su especialidad la música descriptiva, compuso La Bataille
para conmemorar la batalla de Marignan (pelea entre franceses y suizos en 1515), en la cual él da
imitaciones de los sonidos de la guerra. También hizo piezas en las que imitaba los sonidos de los
pájaros y de la caza. Antonie da Baif, secretario de Charles IX, instituyó la Academia de Música en
1583. Alrededor de 1580 el violín fue introducido en Francia por Baltazarini, el mejor violinista de
esa época, se dice que también fue el primero en introducir las danzas en Paris y por ello el
fundador del ballet y del ballet de la opera. Le Maire un maestro cantante de Paris se le atribuye
la introducción de la silaba si como séptima de do mayor. **251
En España florecieron los trobaroes y decidores en los soglos catorce y quince. Francis Salinas,
Christopher Morales y Tomaso Ludocico da Vittorino fueron en general los músicos celebrados del
siglo dieciséis. **244

Historia del renacimiento:

Renacimiento significa “renacer” y se refiere al tiempo de la historia Europea que abarca de 1350 a
1600, donde los estudiosos toman interés en el arte, ciencia, arquitectura y literatura de la antigua
Grecia y Roma.

Los estudiosos del renacimiento fueron llamados humanistas, debido a que colocaron al ser
humano en el centro de la cultura en lugar de Dios. El renacimiento inició en Italia y de ahí se
esparció al resto de Europa.

Italia fue el lugar de nacimiento del renacimiento por muchas razones como: Los vestigios físicos
del imperio Romano. Estos aportaron modelos y la inspiración para los artistas. Las bibliotecas; los
autores de grades obras clásicas como Homero, Virgilio y Cícero fueron abandonadas por siglos.
Sin embargo, copias de estas obras fueron encontradas en bibliotecas de monasterios y
universidades de Italia. El comercio y la economía entre Europa y el este pasaban por Italia, esto
hizo a los comerciantes adinerados y gastaban su dinero en pinturas y otras obras de arte. Alguna
de la gente más rica vivía en Italia como el Papa y la familia Medici en Florencia, estas familias
usaban su dinero para apoyar a grandes artistas quienes tenían interés en aprender de los
antiguos griegos y romanos. Las escuelas Griegas; en 1453 los turcos otomanos conquistaron
Constantinopla, muchos de los eruditos huyeron y enseñaron en las universidades de Italia,
trajeron el conocimiento antiguo el cual no había sido abandonado en sus ciudad. La familia
Medici era la familia más rica de Europa de 1434 a 1469 Cosimo de Medici era la cabeza de los
Medici, fue un benefactor para el renacimiento y gasto grandes cantidades de dinero comprado
copias de manuscritos griegos y romanos, y reuniéndolos en bibliotecas de Florencia. Su hijo
Lorenzo de Medici patrocinó a Leonardo Da Vinci y Michelangelo y les pago para que produjeran
obras de arte para sus palacios, fue conocido como “Lorenzo el magnífico”.

El esparcimiento del renacimiento:

Todo el Clero de Europa atendía a las universidades de Italia para estudiar y cuando regresaban a
sus ciudades llevaban con ellos las ideas del Renacimiento.

La invención de la imprenta significó que los libros podían ser reproducidos rápidamente y a bajo
costo y esto ayudó a distribuir las ideas del Renacimiento.

Antes que la imprenta fuera inventada, los estudiosos escribían sus ideas en pergaminos. En 1450
John Guthenburg inventó un sistema conocido como “Escritura movible de metal”. El primer libro
en imprimir fue la biblia, su sistema pronto se extendió por toda Europa.
ARQUITECTURA

Los arquitectos empezaron a basar sus diseños de las villas antiguas romanas.

Fillipo Brunelleschi 1377-1446: Diseñó el domo de la catedral de Florencia, 100 años después
Michelangelo se basó en su diseño para el domo de la Basílica de San Pedro.

Andrea Palladio 1508-1580: Escribió “Cuatro Libros de Arquitectura” basados en la antigua Roma.
Muchos edificios en el mudo se basan en la arquitectura Palladiana.

ESCULTURA

Los escultores realizaban un realismo en sus obras que no se había visto en 1000 años basado en
estatuas de la antigua Grecia y Roma.

Lorenzo Ghiberti 1378-1455: Diseño las puertas del Baptisterio de la catedral de Florencia.
Michelangelo dijo que “eran suficientemente buenas para ser las puertas del paraíso”.

Donatello 1386-1466: Alumno de Ghiberti, su obra más famosa es la estatua de bronce de David.

PINTURA

Pinturas basadas en óleo, perspectiva o sentido de profundidad, fresco y sfumato fueron algunas
técnicas usadas por artistas renacentistas.

Leonardo Da Vinci 1452-1519: Estuvo interesado en la ingeniería, arquitectura, ciencia, escultura,

diseño de armas y pintura. Nació cerca de Florencia y Lorenzo de Medici fue su patrón de 1482 a
1499 trabajó para el Duque de Milán donde pintó la Virgen sobre rocas y la última cena. En 1499
regresa a Florencia donde pintó la Mona Lisa, utilizado sfumato por primera vez.

REFENCIAS CONSULTADAS EN BIBLIOTECA DEL CONSERVATORIO

HISTORIA DE LA MUSICA. MARIE-CLAIRE BELTRANDO-PATIER, ALICIA ESCAMILLA GALINDO,

MIRYAM GALAZ, ET AL. ESPAÑA 2001. ED. ESPASA

HISTORIA DEL ARTE TECNICAS EPOCAS ESTILOS. MARIA CARLA PRETTE. ALFONSO DE GIORGIS.
ESPAÑA. 2000. ED. SUSAETA.

HISTORIA DE LA MUSICA. KURT HONOLKA. ESPAÑA. 1988. ED. EDAF

HISTORIA DEL ARTE

EL RENACIMIENTO
En los siglos XV y XVI el arte adquiere una mayor autonomía de la Iglesia, ya que las familias nobles
y la rica burguesía comienzan a encargar palacios, estatuas y pinturas que ensalcen su grandeza.
Esta época drá lugar al <<quattrocento>> (sigloXV) o estilo cuatrocentista y al <<cinquecento>>,
que corresponde al siglo XVI. Por tanto, cambia el contenido de las obras, que dejan de ser solo de
carácter religiosa.

Los escultores, pintores y arquitectos ya no son considerados artesanos, sino verdaderos artistas
con una individualidad creativa determinada.

Durante el mismo periodo, los grandes descubrimientos geográficos y el nuevo impulso dado a las
técnicas, el comercio y la economía devuelven al hombre la fe en la ciencia, la razón y la
experiencia.

Con el descubrimiento de la perspectiva y la representación de espacio encuentra una nueva y

poderosa expresividad. Renace el interés por la figura humana y se buscan en la tradición clásica
de la antigüedad los modelos de armonía y de belleza. Este extenso movimiento cultural, político y
artístico, llamado Renacimiento para subrrayar la fuerza de la ruptura respecto a la época
medieval, tuvo su centro en Italia.

Tomando como modelo Florencia, donde los Medici rivalizaron en la renovación de ciudad
construyendo magnificos palacios e iglesias, se convirtieron tambien en mecenas los Montefeltro
de Urbino, los Sforza y los Visconti de Milán, los Gonzaga de Mantua y los Este de Ferrara.
Posteriormente tambien los Papas darían un gran impulso al meceazgo, invitando a los artistas
mas famosos a Roma, dando muestras asi de poder papal.

PINTURA

El primero gran renovador de la pintura es Tomaso di Giovanni, llamado Masaccio (San Giovanni
Valdarno, 1401-Roma,1428). La obra mas famosa de su escasa producción es el fresco de la capilla
Brancacci en la iglesia de Santa María del Carmen de Florencia (1424-1425). Al joven artista de 23
años y a su ayudante Masolino les fue ecomendada la tarea de ilustrar las escenas de la expulsión
de Adán y Eva del paraíso terrenal tras cometer el pecado original, de la vida de Cristo y de los
milagros de San Pedro. Los temas siguen siendo religiosos, pero Masaccio los trata de una forma
nueva. El artista pintó a San Pedro, donde se observa un ambiente definido por el uso de la
perspectiva y las figuras se sitúan en un ambiente realista. Tambien utiliza tecnicas como el
claroscuro, hace mas humanas a las figuras resaltando su belleza.

La primera pintura dotada de la misma fuerza expresiva que la de Masaccio es la de Giotto en la

capilla de los Scrovegni, en Padua.

Piero della Francesca (1420-1492), que desarrollo su actividad en Arezzo elaboró pinturas cuyos
objetos y la figura humana asumen una regularidad geométrica; con un entrono nítido y luminoso.
La luz del dia ulumina todos los volúmenes y define las formas. La flagelación de Cristo es una de
sus obras maestras ubicada en el coro de la iglesia de San Francisco Arezzo.
La sencillez de una pintura transmite un sentido de religiosidad, en cambio, al exaltar el valor del
hombre como responsable tanto de su caída como de su salvación se reafirma la humanidad.

Leonardo da Vinci (1452-1519) se anticipó a la pintura del siglo XVI. Fue artista y científico, se
intereso por el conocimiento de la realidad y por la transformación fantástica de las observaciones
científicas. Observó el comportamiento de la luz y sus efectos sobre la figura y el paisaje. Fue el
primer artista que fusionó la figura humana y el paisaje.

Los pintores del siglo XV unificaron su visión de la realidad, adoptándola a las reglas geométricas
de la perspectiva lineal. Los mejores efectos de la perspectiva estaban producidos por cuerpos
geométricos, da Vinci descubrió el efecto atmosférico como elemento de profundidad.

Giorgone de Castelfranco Veneto (1478-1510) asimiló plenamente la nueva sensibilidad hacia el

paisaje y los espacios abiertos introducida por Leonardo. Tiziano Vecellio continuó
experimdentando sobre el color, la luz y la atmósfera.

En el primer cuarto del siglo XVI, el lenguaje artístico del Renacimiento se difundó por toda
Europa. A aprincipios de este siglo Roma se convirtió en el centro de atracción de artistas
extranjeros. El principal mecenas fue el pontífice, seguido por los ricos prelados y las familias
principescas. Las catedrales se llenaron de obras sagradas, debido a que la iglesia confirmó, con
mas firmeza, su propia misio como <<maestra del pueblo>>.

Rafael Sanzio (1418) se covirtió en el pintor mas solicitado, sus obras manifiestan una
extraordinaria pureza de formas y un perfecto equilibrio entre realidad y belleza ideal. Pintó
retratos que ponen en evidencia un admirable concordancia entre la realidad del personaje y su
forma ideal, entre el claroscuro y los matices de color. Trabajo en la corte de Julio II, para quien
realizo frescos de las estancias vaticanas. La escuela de Atenas presenta a los mas grandes héroes
del pensamiento antiguo.

Miguel Angel Buonarroti (1475-1564) recicibió el encargo del papa Julio II de realizar los frescos de
la capilla dedicada a Sixto IV, donde se narran las principales historias del antiguos testamento.

ARQUITECTURA

A principios del siglo XV, un grupo de artistas comenzó a tratar de representar la profundidad del
espacio sobre una superficie plana. El merito por haber puesto a punto un sistema gráfico que
definiera geométricamente el espacio se le atribuye al arquitecto Filippo Brunelleschi. Este
sistema, denominado <<perspectiva lineal>>, es una forma convencional de representar el
ambiente, con el fin de ordenar lo que se ve y de determinar el punto de vista. En realidad, el
espacio que nos circunda no esta en abosulto ordenado; nos movemos en el cambiano
continuamente nuestra posición y nuesto punto de vista. Los artistas medievales habían
representado el espacio que rodeaba las figuras de forma intuitiva, o lo habían anulado, cuando el
tema sagrado se situaba en una dimensión que no era terrenal, sino espiritual y paradisiaca. Sin
embargo, la racionalidad del hombre del renacimiento invade tambien el campo de lo sagrado,
situado en un ambiente real a divinidades, santos y ángeles. La persectiva central fue la mas
utilizada, ya que permitia realizar representacioes simetricas del espacio, asi como tener una
visión clara de los ambientes que se encontraban en primer plano, es decir, cerca del observador.
Andrea Mantegna (1431-1506) decoró la Cámara de los esposos del Palacio Ducal de Mantua
utilizando perspectiva de abajo arriba para representar una ilusión del fragmento del cielo.

Filippo Brunelleschi reaccionó ante las formas medievales del gótico creando un nuevo lenguaje
arquitectónico. A principios del siglo XV, el artista, en compañía de su amigo Donatello, estudio en
Roma los sistemas y técnicas constructivas. La catedral florentina del siglo XIV fue obra de
Brunelleschi. Sus obras corresponden al culto religioso y se caracterizan por la nueva forma de
estructurar el espacio en el interior del edificio.

El florentio Leon Battista Alberti (1404-1472) es el segundo gran innovador de la arquitectura.

Hombre muy docto, se formo estudiando la arquitectura de Roma y fue un humanista enamorado
del clasicismo antiguo. Sus edificios denotan una inclinación hacia el clasicismo, especialmente en
las fachadas, en las columnas, las arcadas, los capiteles y los frontones con timpano nos remiten
directamente a los arcos de triunfo y a los templos grecoromaos. Su obra mas importante es la
iglesia de San Andres en Mantua.

Miguel Angel proyectó la Sacristia de San Lorenz, en Florencia. La tensión esta en la base de todas
sus obras, tanto pictóricas como escultóricas y arquitectónicas. Todas sus obras mantienen un
equilibrio inestable y parecen estar a punto de quebrarse bajo el peso de sus contrastes y la fuerza
de sus tensiones. El mensaje de sus obras va mas alla del tiempo y las culturas y su contenido
humano es de gran intensidad. Proyectó la cúpula San Pedro.

POESIA

Humanistas, sabios y literatos hicieron revivir los mitos de la Grecia antigua en la poesía. Los
pintores por su parte, se inspiraban en estas fabulas mitológicas para realizar las obras destinadas
a adorar las esplendidas villas renacentistas. La primavera de Sandro Botticelli es la alegoría
mitológica más famosa y fue encargada por Lorenzo di Prierfrancesco de Medici para ser colocada
en villa medicea de Castello.

La música instrumental renacentista.

La música esta presente en todas las ceremonias públicas, en todos los cortejjos y todos los bailes,
en todos los suntuosos festejos renacentistas que, tantas veces, fueron representados pro medio
de la pintura, el grabado o la escultura. Los instrumentos mas populares era el laud, el teclado, el
violin, la viola, clavicordios, flautas, oboes, gemshorn ( especie de trompa), cuerno de agujeros, el
cromorno, diversas trompetas, el xilófono, el cecerro, el cascabel, el tarro co cuchara, la trompa
helicoildal, la guiumbarda, las claquetas de cascabel o la cinfonia, el arpa, el salterio, el timpano, el
bajo, vihuelas de arco o rabeles, la trompa marina, etc.

FORMAS MUSICALES 273

En los siglos XV se desarrolló la composición polifónica (literalmente “muchas voces”). Este

recurso mas común para la marcha independiente de distintas líneas melódicas fue la imitación, o
segimiento de una voz por otra en la interpretación de la misma melodía o similar, forma que
asumió un orden mas riguroso en el canon al establecerse una distancia fija entre las voces. Entre
los primeros polifónicos estuvieron John Dunstable (1370-1453), Guillaume Dufay (c. 1400-1474) y
Josquin des Prés (c. 1400-1521), quienes solo compusieron música vocal, sacra en su mayor parte.
Maestro consumado de la composicion polifónica, Des Prés creó mas de 30 misas, 50 motetes y 70
canciones.

La polifonía europea evolucionó en el siglo XVI con compositores como Giovanni Pierluigi da
Palestrina (1525-1594) en Italia, Tomás Luis Victoria (1548-1611) en España, Ronald de Lassus
(1532-1594) de la escuela flamenca y el ingles William Byrd (1543-1623). En esta época se iició la
composicion para instrumentos, entonces divididos en dos grandes tipos: de ejecución en
interiores (laud, flauta dulce, las violas antiguas, instrtumentos de teclado como el virginal, la
espineta y el clavicordoio) y exteriores (chirimía, cromorno, el cornete y el sacabuches).

Canzona (Canción): Genero monódico en Italia (parecido a la frotolla y al stramboto) que

posteriormente se convierte en canción polifónica derivada de la canción francoflamenca de
Josquin des Prés, Clément Janequin, Thomas Crecquillon. Composiciones ligeras, rápidas y
contraputísticamente sencillas. Se escribían para conjuntos y solistas. Tipicamente la
apertura del motivo consite en una nota y dos cotas de igual afinación. Contaban con
imitaciones y una armonía sencilla en el siglo XVI se hacen transcripciones para laud e
instrumentos de tecla, covirtiendose en un genero instumental. Asi mismo surgen
composiciones de estilo vocal, escritas para instrumentos, tales como la canzona da sonare,
muy cercanas a otras formas musicales como el ricercare y la fuga, que fueron imitadas por
otras escuelas europeas. La cazona es precursor del drama, la villanella, el madrigal y de la
sonata Chiesa a finales del siglo XVI, del que fue su máximo representante Giovanni
Gabrieli. Compositores de canzona para teclado como Girolamo Cavazzoni, Andrea
Gabrielli, Claudio Merulo, Girolamo Frescobaldi y Johan Jakob Froberger enfatizaban
unidad en la textura musical. La canzona instrumental de Giovani Gabrieli y Frescobaldi
contrastaban en ritmos y tiempos, esta abre el camino para la sonata trio.

Chansons (canción fracesa): Usualmente polifónica y secular, forma parecida a la canzona pero
con acompañamiento instrumental y figuración vocal del canto de aves, escenas de caza o
batallas, y por lo tanto las primeras manifestaciones de música descriptiva. Clément Janequin
(1474-1560) se especializo en chansons alegóricas.
Fantasía: Imitación estricta de un motete vocal. Compositores característicos: William Byrd y
Jonh Jenkins.

Motete:

Fuga: Derivó de la Canzona de teclado que fue más polifónica y de su trato frecuente de un solo
tema en Alemania.

** Existía la nocion de música reservata (música secreta o música para iniciados), destinada, según
algunos, a la ilustración musical de las imágenes contenidas en un texto literario. Para algunos
teoricos la música reservata se asimila al virtuosismo en escritura basado en la utilización de
tecnicas nuevas( especialmente, el cromatismo), pero siempre cargados de un poderoso contenido
emocional. La música reservata seria una técnica de vanguardia, inaccesible a lo vulgar, pero ligada
a la expresión figurada de los textos.

Como en el resto de los países, la mayoría de las fromas polifónico- instrumentales procedían,
directa o indirectamente de las formas de música cocal: villancicos, madrigales, frottolas,
canciones, sonetos, etc., fueron adoptados para su iso instrumental, con las consiguientes
modificaciones, conforme a las necesidades tecnicas de ejecución de cada instrumento, ya sean
teclados, laudes y vihuelas, flautas y chirimías o conjuntos.

Las principales formas musicales utilizadas por los instrumentistas españoles fueron: El verso, para
teclado o vihuela, consiste en una serie de frases musicales desarrolladas en estilo imitativo, u
homofobo, o utilizando recursos instumentales (<<quiebros>>.<<redobles>>, escalas). Ritmos muy
agiles y complicados, armonizaciones muy atrevidas e intervalos no asequibles a la voz humana. El
tiento es la forma musical para teclado mas típicamente hispanica, corrrespondiete al ricecar
italiano. La fantasía para vihuela o teclado, es una forma construida con todos los elementos del
contrapunto florido, con uso de métrica muy variada, sincopas, notas de paso, quiebros, etc., con
casos excepcionales de estilo imitativo.

En el siglo XVI toda música vocal podía ser interpredada con instrumentos, pero en esta época
tambien abundaban las recopilaciones de polifonía sin texto, seguramente destinadas
specificamente a instrumentos. Estas piezas a veces aparecen con titulo –el Burguynon, la Morra
de Petrucci (primer editor de obras polifónicas), Ut re mi fa sol de Cornysh-, otras veces van
acompañadas por la formula <<tantas voces sobre los instrumentos>>, similar en todos los países.

Giovanni Gabrieli, compone las Sacrae Symphoniae en 1597, obras todacas por formaciones
orquestales de instrumentos.

Ricecare

Suites

Polifonia Vocal
En el siglo XVI se transcribía fundamentalmete a los grades polifonistas de la música vocal: Josquin
des Prés, Gombert, Claudin de Sermisy, Richafort, Orlando de Lassus, Créquillon o Cyprien de Rore,
etc.

***

**Lo instrumental nace de cómo exigencia funcional. Al ir perdiendo poco a poco la coincidencia
de sus orígenes e fue convirtiendo en música pura. Desaparecen las palabras, tampoco hay una
función especifica que desempeñar: la música interpretada por instrumentos es libre para
expresar un sentimiento religioso y mistico o entusiasmos profanos, o estructuras matemáticas y
rigurosas. Todo podrá ser expresado sugerido, imaginado incluso lo inexpresable.

La canción alemana. El cancionero de Lochheimer, editado en Nuremberg (1452-1561), y el de

Glogauer presentan repertorios de un elevado circulo, burbués de aficionados musicales.
Contienen caciones de amor y danzas cuyos principales compositores son Binchois, el monje de
Salzburgo y Oswaldo de Wolkenstein. La composición polifónica esta inspirada en el modelo
neerlandes. Su construcción, encontraste con la “chanson” borgoñesa –en el cancionero de
Lochheimer: “Ein vrouleen edel von natur” -, en el que la melodía se concibe para el discanto, es
desde el principio canción de tenor. Solamente la canción inglesa es semejante a la alemana en su
construcción. El primer gran vituoso del órgano fue el invidente Conrad Paumann. Nació en
Nuremberg, en 1477. A las composiciones arregladas para el órgano, al antiguo estilo neerlandés,
añade “chansons” francesas y piezas latinas. Los cancioneros de Muniques (1460) y el de Rostock
(1464) son dignos de mención.

La frottola (barzelleta o strambotto)

Genero vocal de una importancia en la música italiana del siglo XVI, se practicaba desde finales del
siglo XV en las cortes del norte de Italia, donde se cultivaba la poesía e lengua vulgar y el arte
vocal. La multiplicidad de temas literarios que abordaba este genero, popular en su origen, la
simplicidad de sus estructuras melódicas y de su forma estrófica habían seducido muy pronto a los
músicos,l que se dedicaran a darle una porma polifónica original. Traduce una concepción
novedosa de la relación música/poesía. Desatendiendose de toda pretensión culta o intelectural,
la poesía se dedica a conservar una estructura simple, un ritmo vivo y una secuencia regular.
Algunos compositores son Bartolomeo Trombocino y de Marco Cara. La libertad de su roma dan
orige a una estructura opuesta al contraputo culto introducido e Italia por músicos
franco/flamencos. Se utilizan melodías y ritmos concisos surgidos de tectos poeticos

** Existía la nocion de música reservata (música secreta o música para iniciados),

destinada, según algunos, a la ilustración musical de las imágenes contenidas en
un texto literario. Para algunos teoricos la música reservata se asimila al
virtuosismo en escritura basado en la utilización de tecnicas
nuevas( especialmente, el cromatismo), pero siempre cargados de un poderoso
contenido emocional. La música reservata seria una técnica de vanguardia,
inaccesible a lo vulgar, pero ligada a la expresión figurada de los textos.

Como en el resto de los países, la mayoría de las fromas polifónico-

instrumentales procedían, directa o indirectamente de las formas de música cocal:
villancicos, madrigales, frottolas, canciones, sonetos, etc., fueron adoptados para
su iso instrumental, con las consiguientes modificaciones, conforme a las
necesidades tecnicas de ejecución de cada instrumento, ya sean teclados, laudes
y vihuelas, flautas y chirimías o conjuntos.

Las principales formas musicales utilizadas por los instrumentistas españoles

fueron: El verso, para teclado o vihuela, consiste en una serie de frases musicales
desarrolladas en estilo imitativo, u homofobo, o utilizando recursos instumentales
(<<quiebros>>.<<redobles>>, escalas). Ritmos muy agiles y complicados,
armonizaciones muy atrevidas e intervalos no asequibles a la voz humana. El
tiento es la forma musical para teclado mas típicamente hispanica, corrrespondiete
al ricecar italiano. La fantasía para vihuela o teclado, es una forma construida con
todos los elementos del contrapunto florido, con uso de métrica muy variada,
sincopas, notas de paso, quiebros, etc., con casos excepcionales de estilo
imitativo.

En el siglo XVI toda música vocal podía ser interpredada con instrumentos, pero
en esta época tambien abundaban las recopilaciones de polifonía sin texto,
seguramente destinadas specificamente a instrumentos. Estas piezas a veces
aparecen con titulo –el Burguynon, la Morra de Petrucci (primer editor de obras
polifónicas), Ut re mi fa sol de Cornysh-, otras veces van acompañadas por la
formula <<tantas voces sobre los instrumentos>>, similar en todos los países.

Giovanni Gabrieli, compone las Sacrae Symphoniae en 1597, obras todacas por
formaciones orquestales de instrumentos.

Polifonia Vocal

En el siglo XVI se transcribía fundamentalmete a los grades polifonistas de la

música vocal: Josquin des Prés, Gombert, Claudin de Sermisy, Richafort, Orlando
de Lassus, Créquillon o Cyprien de Rore, etc.

***

**Lo instrumental nace de cómo exigencia funcional. Al ir perdiendo poco a poco la

coincidencia de sus orígenes e fue convirtiendo en música pura. Desaparecen las
palabras, tampoco hay una función especifica que desempeñar: la música
interpretada por instrumentos es libre para expresar un sentimiento religioso y
mistico o entusiasmos profanos, o estructuras matemáticas y rigurosas. Todo
podrá ser expresado sugerido, imaginado incluso lo inexpresable.

La canción alemana. El cancionero de Lochheimer, editado en Nuremberg (1452-

1561), y el de Glogauer presentan repertorios de un elevado circulo, burbués de
aficionados musicales. Contienen caciones de amor y danzas cuyos principales
compositores son Binchois, el monje de Salzburgo y Oswaldo de Wolkenstein. La
composición polifónica esta inspirada en el modelo neerlandes. Su construcción,
encontraste con la “chanson” borgoñesa –en el cancionero de Lochheimer: “Ein
vrouleen edel von natur” -, en el que la melodía se concibe para el discanto, es
desde el principio canción de tenor. Solamente la canción inglesa es semejante a
la alemana en su construcción. El primer gran vituoso del órgano fue el invidente
Conrad Paumann. Nació en Nuremberg, en 1477. A las composiciones arregladas
para el órgano, al antiguo estilo neerlandés, añade “chansons” francesas y piezas
latinas. Los cancioneros de Muniques (1460) y el de Rostock (1464) son dignos de
mención.

La frottola (barzelleta o strambotto)

Genero vocal de una importancia en la música italiana del siglo XVI, se practicaba
desde finales del siglo XV en las cortes del norte de Italia, donde se cultivaba la
poesía e lengua vulgar y el arte vocal. La multiplicidad de temas literarios que
abordaba este genero, popular en su origen, la simplicidad de sus estructuras
melódicas y de su forma estrófica habían seducido muy pronto a los músicos,l que
se dedicaran a darle una porma polifónica original. Traduce una concepción
novedosa de la relación música/poesía. Desatendiendose de toda pretensión culta
o intelectural, la poesía se dedica a conservar una estructura simple, un ritmo vivo
y una secuencia regular. Algunos compositores son Bartolomeo Trombocino y de
Marco Cara. La libertad de su roma dan orige a una estructura opuesta al
contraputo culto introducido e Italia por músicos franco/flamencos. S