EL ROMANTICISMO

HISTORIA DE LA MÚSICA :EL ROMANTICISMO

Delimitamos cronológicamente el Romanticismo entre los años 1800 y 1890,
aunque hay corrientes que presentan características románticas antes de estas fechas y
en algunos países se extenderá hasta bien entrado el siglo XX. Entre el Clasicismo y el
Romanticismo no hay una línea divisoria estricta, sino una lenta y poco definida
transición que nos permite hablar de continuidad.

CONTEXTO HISTÓRICO:
En 1815 se celebra el congreso de Viena, que dibuja las nuevas fronteras políticas europeas. La
burguesía ha tomado el poder social y sus ideales
de libertad quedarán patentes en todos los ámbitos
de la sociedad. La revolución industrial se impone
en todos los lugares con sus enormes
consecuencias económicas, sociales y culturales.
Nos encontramos con una nueva sociedad, surgida
de la Revolución Francesa (1789), que exalta la
libertad del ser humano por encima de todas las
cosas.
El movimiento nacionalista surge en la última
época del Romanticismo y con él se refuerza la
idea de individualidad. El nacionalismo afectará a
todas las artes y muy en especial a la música.

CONTEXTO CULTURAL:
Los artistas románticos, cansados de la perfección formal del Clasicismo, buscan nuevas
formas de expresión que les permitan dar rienda suelta a su impulso creador. En esta época de
anhelo de libertad, los artistas se independizan de los mecenas y van a crear obras para un
público que en ocasiones le adora y, a menudo, tarda en comprenderle. El principio
fundamental del Romanticismo es la búsqueda de la exaltación de las pasiones en todas sus
obras.
Otro concepto que triunfa en la época es el de "el arte por el arte", sin condicionantes y
sin tener que respetar todas las normas formales y estructurales que se habían impuesto en el
periodo anterior. Los artistas van a ser genios creadores que son
reconocidos como tales por el resto de la gente.

CONTEXTO MUSICAL:
El Romanticismo es quizá la época más brillante de la historia
de la música, ya que por primera vez, este arte adquiere la
categoría de lenguaje privilegiado por encima del resto de las
artes; la música es capaz de transmitir la verdadera esencia de las
cosas.

En el campo de la música también se dejan ver los ideales de

libertad de la Revolución Francesa y por ello los compositores van
a hacer obras sin encargo y según sus propios gustos, lo que 100
llevará a muchos músicos a la ruina.
El fundamento básico de la música romántica es "la exaltación de las pasiones"; los músicos
románticos tratan, con su música, de influir en el ánimo del oyente implicándole
emocionalmente. Para conseguir este propósito, el vehículo más apropiado será el piano, que
se convertirá en el instrumento estrella del periodo, ya que con él se logra una atmósfera
íntima.
En esta época brillarán numerosos compositores, que seguirán, sobretodo en la primera
parte del Romanticismo, el modelo de Beethoven, que será el compositor que sirva de enlace
entre el Clasicismo y este nuevo periodo.
En el Romanticismo la música va dirigida al corazón.

CARACTERÍSTICAS MUSICALES
Durante este periodo podemos destacar las siguientes novedades en el ámbito de la música:
• Independencia del autor, cada vez menos sujeto a las normas de los mecenas y más
relacionado con los editores de partituras, lo que le permite mayor libertad de expresión
y composición.
• Aparición de nuevos géneros, como el lied, los poemas sinfónicos o el drama musical
(ópera de Wagner)
• Búsqueda de la expresividad, los sentimientos y los estados de ánimo en el oyente.
• La melodía ocupará un lugar privilegiado dentro de la obra. Dichas melodías ya no
serán tan regulares como en el Clasicismo y estarán cargadas de contratiempos y
síncopas, ritardandos y cambios de dinámica,...; todo ello con la finalidad de expresar
en mayor medida los sentimientos.
• La armonía, al igual que la melodía apoyará la expresividad de la música y para ello
usará frecuentes cambios de tonalidad y cromatismos.

La vida musical europea vivió, en esta época, un periodo de gran intensidad en torno a
ciudades como París, Viena, Londres,... Existía una producción musical muy variada que se
valía de escenarios muy distintos:

• CONCIERTOS PÚBLICOS: Se celebraban en grandes solas propiedad del Estado o de

empresas privadas. A ellas se accedía pagando una entrada. Estos lugares eran el
marco ideal para grandes funciones sinfónicas, de ópera, de ballet,...
• SALONES PRIVADOS: En las casas de los aristócratas y de los ricos empresarios
burgueses se realizaban conciertos privados. Normalmente eran salones no demasiado
grandes. Su ambiente era selecto y restringido a unos pocos privilegiados. La música
más demandada en estos escenarios era la de cámara.
• MÚSICA EN FAMILIA: En ocasiones los artistas se reunían con familiares o amigos
para celebrar fiestas en las que la música era el ingrediente principal. Era, para la gran
mayoría de los compositores románticos, el escenario preferido por su ambiente íntimo
y personal. Fueron famosas las Schubertiadas, veladas musicales lideradas por Franz
Schubert.

FORMAS MUSICALES EN EL ROMANTICISMO:

PEQUEÑAS FORMAS VOCALES

EL LIED
Se trata de un género menor (de poca duración) que se convirtió en una
de las principales formas vocales de la música romántica ya que
normalmente era compuesta para el disfrute en veladas musicales íntimas.
El lied (lieder en plural) es una denominación alemana que significa canción. Es una forma breve
escrita para voz y piano sobre un texto poético ya existente. Su principal característica es la fusión
entre el texto y la música. El lied era muy apreciado por el público porque en los conciertos creaba
una atmósfera íntima propiciada por la belleza y expresividad de sus melodías. El piano se ponía al
servicio de la melodía del cantante. Existen varios tipos de lied, siendo el más frecuente el estrófico,
caracterizado por repetir la misma música en todas las estrofas (A-A-A,..). También es común la
forma bipartita de dos secciones que se van repitiendo (A-A-B-B) y la forma tripartita en la que la
tercera parte era repetición de la primera (A-B-A)
Entre los compositores más destacados de lieder hay que citar a F. Schubert, que a lo largo de su
vida realizó más de 600. Más tarde cultivarán esta forma otros autores como Hugo Wolf o Gustav
Mahler.

PEQUEÑAS FORMAS INSTRUMENTALES

LA MUSICA PARA PIANO
El piano, era el instrumento preferido de los compositores románticos y de muchos de los amantes
de la música de ese periodo. Ello era debido a las siguientes razones:

• La burguesía accedía, en gran medida, a la práctica y los conocimientos musicales. Era

frecuente que en los hogares de las familias con cierta cultura hubiese un piano puesto que
era sinónimo de elegancia y poder. Los familiares solían reunirse para interpretar música o
para celebrar tertulias en torno a él.
• Por ser un instrumento armónico, tenía la posibilidad de tocar varias notas a la vez y esto le
permitía interpretar reducciones de obras de orquesta, coro o cámara.
• Muy pronto, por sus cualidades sonoras y técnicas, los románticos vieron en el piano un
medio de comunicación ideal para expresar sus pasiones y sus sentimientos mediante la
música.
A lo largo del Romanticismo coexistieron dos tendencias en la interpretación pianística:
• Virtuosismo: Se trata de explotar al máximo las posibilidades técnicas del instrumento.
Solían ser obras de larga duración que buscaban ante todo el lucimiento del artista
desarrollando plenamente el colorido sonoro del instrumento. Se trata generalmente de
piezas de difícil ejecución. Algunas de estas formas son los estudios (piezas para desarrollar
una determinada técnica), sonatas (mucho más libres formalmente que las del Clasicismo),
variaciones (en las que la improvisación jugaba un papel protagonista),...; algunos de los
compositores más representativos de este género fueron F. Liszt, reconocido por algunos
como el mejor pianista de la época, o F. Chopin, que también abordará el piano lírico.
• Lirismo: Los compositores no buscan la complejidad, sino expresar estados de ánimo o
sensaciones en obras muy poéticas. Suelen ser obras cortas y en apariencia sencillas de
ejecución, que transmitían el verdadero carácter romántico de la época. Entre los
compositores más destacados de este género podemos hablar de F. Chopin o de R.
Schumann que crearon piezas que se denominaron momentos musicales, escenas de niños,
baladas, nocturnos,...
Algunos compositores, promovidos por el espíritu nacionalista, realizaron obras en las que recurrían
a danzas o temas populares de sus territorios como los valses, las polonesas o las mazurcas.
GRANDES FORMAS VOCALES:
LA OPERA ROMÁNTICA
Durante el Romanticismo la ópera experimenta una gran evolución que lleva a este género a su
cumbre más alta y lo convierte en el espectáculo preferido de la burguesía. Se construyen teatros
por toda Europa y los cantantes se convierten en verdaderos divos (dioses) gracias al lucimiento
vocal de sus arias.
Vamos a ver el desarrollo operístico en los países más importantes:
LA ÓPERA EN ITALIA
En Italia, cuna de la ópera, es donde surgen las principales escuelas que marcarán el desarrollo del
género operístico en el resto de Europa. Podemos destacar dos corrientes de este género que se van
a dar a lo largo del Romanticismo:
• BEL CANTO: Esta ópera tiene como objetivo la exhibición del cantante mediante pasajes
melódicos de gran exigencia técnica que se desarrollaban en el registro agudo de la voz. Los
cantantes, sobretodo en sus arias, desarrollaban un gran virtuosismo vocal ligado a una gran
expresividad. Dentro de la ópera belcantista podemos destacar algunos compositores como
G. Donizetti con "El elixir del amor" y V. Bellini con "Norma".
Estos dos compositores fueron los máximos representantes del estilo belcantista. Otro
personaje destacado fue G. Rossini con "EL barbero de Sevilla" que fue la ópera más
representada en todo el siglo XIX y que trata sobre un tema típico español. No podemos
olvidar a G Verdi, que se convertirá, junto con el alemán R. Wagner, en el mejor operista del
Romanticismo. Algunas de sus obras destacables son "Nabucco", "Rigoletto", "La Traviata",
"Aida" o "El trovador".
• VERISMO: Surge a finales del siglo XIX muy unido a las corrientes del realismo y
naturalismo literario. Los argumentos de la ópera se centrarán en personajes de la vida
cotidiana, reflejando sus emociones de forma realista sin idealizaciones románticas.
Los máximos representantes de este tipo de ópera son P. Mascagni con "Caballería
rusticana" y G. Puccini con óperas como "Tosca", " La Boheme" o "Madame Butterfly".
LA ÓPERA ALEMANA
Durante la primera mitad del siglo XIX se desarrolló en Alemania una ópera inspirada en los ideales
expuestos por los poetas y filósofos alemanes. Serán óperas con argumentos legendarios en los que
la naturaleza y lo sobrenatural adquieren un papel protagonista. Destaca en esta época la obra de C.
M. von Weber, al que podemos considerar el iniciador de la ópera romántica en Alemania. Su obra
más conocida es "El cazador furtivo".
Sin embargo, la gran figura de la ópera alemana es Richard Wagner, que en una primera época
enlaza con la tradición romántica, pero dará paso después a una gran reforma del género de enorme
trascendencia en toda la músicaposterior. La idea de Wagner es crear un "drama musical" continuo y
con ese nombre se conocerán las creaciones operísticas de este autor. Algunas de las características
de su drama musical son las siguientes:
• La ópera para Wagner es "La obra de arte total", ya que busca la fusión de todas las artes
(poesía, música, escenografía, acción,...) que se aglutinan de manera inseparable en sus
obras.
• Utilización de técnicas como el leitmotiv, que es un motivo musical recurrente para
representar personajes, hechos, situaciones,...
• Utiliza la melodía infinita, que no se interrumpe, sin un fraseo regular que marque
candencias claras, para dotar de mayor dramatismo a su obra.
• La música está al servicio de la expresión dramática. La orquesta tiene un papel principal en
 el desarrollo y explicación de la acción.
• Larga duración, ya que muchas de sus obras pueden sobrepasar las cinco horas sin
interrupciones.

Algunos de los dramas musicales más importantes de Wagner son "Tristán e Isolda", "Tannhauser"
y "El anillo de los Nibelungos" , esta última es una tetralogía, es decir, es un ciclo de cuatro obras
juntas.

LA ÓPERA ESPAÑOLA: LA ZARZUELA

En España, hasta el siglo XIX hay una gran influencia de la ópera italiana, hasta el punto de que
muchos compositores e intérpretes italianos van a presentar sus obras en las
cortes y teatros de nuestro país. Pero hacia el segundo cuarto de siglo se
intenta revitalizar un género propio que hasta ahora no había tenido gran
éxito: La Zarzuela.
Recordemos que la zarzuela española no es una ópera como tal, ya que
intercala los fragmentos cantados con los hablados. Los argumentos de este
género suelen ser cotidianos y cercanos al público, con notas cómicas
abundantes. El lenguaje que se usa es también sencillo y asequible para
espectadores sin grandes conocimientos musicales.
A partir de mediados de siglo (XIX) y en gran parte por motivos
económicos, la zarzuela se hace más simple y popular. Se crea así el
denominado "Género Chico", que se desarrolla en un sólo acto, reduce el número de personajes y el
despliegue de medios. En este género predominan las partes habladas sobre las cantadas. Es por lo
tanto una zarzuela más económica que hizo furor entre las clases más populares.
Los autores principales de este género son Federico Chueca con zarzuelas muy conocidas, como
"La Gran Vía" y "Agua, azucarillos y aguardiente", Tomás Bretón con "La verbena de la paloma" y
Ruperto Chapí con "La Revoltosa" entre sus obras más destacadas.