Principales movimientos

artísticos del siglo XX

.
 Expresionismo abstracto.

Explicación propia:
Es un arte que se reúne de artistas de personalidades muy
distintas y define mucho la libertad individual como artista. Como
artistas somos muy creativos y el arte abstracto para mi o
expresionismo abstracto se trata sobre romper barreras hasta de
nuestras propias reglas y mandatos a como queremos una pintura
o obra y dejarnos llevar por las manos sin forzarnos hacer una
figura en especifico. También puedo decir que puede que las
obras abstractas no se enfoque en lo visual, a lo que los
espectadores puedan ver o lo que el artista quiera que vean, sino
con el material plasmado en el lienzo y color trasmitir la sensación
que el artista quiera dar a los espectadores y al publico sin formar
una figura.
 Concepto:

El expresionismo abstracto es un movimiento pictórico contemporáneo dentro de

la abstracción, en concreto, las tendencias informalistas y matéricas posteriores a
la Segunda Guerra Mundial. Surgió en los años 1940 en Estados Unidos y se difundió,
décadas después, por todo el mundo. Se considera el primer movimiento
genuinamente estadounidense dentro del arte abstracto, y ejemplo del liderazgo en
materia de artes plásticas.

Los expresionistas abstractos fueron unos tipos (y tipas) fascinados por la soledad y el
proceso. Individualistas, decidieron mostrar el carácter expresivo del arte investigando
en búsquedas personales, más que colectivas. El artista desalentado por su contexto
político y social se refugia ahora en su interior y abandona toda referencia externa. Se
valora por tanto el gesto, una especie de huella dactilar del artista, porque es algo único
de cada uno.
Se potencia también la materialidad del cuadro y convierten el proceso artístico casi en
un rito religioso, siendo la pintura la prueba documental del mismo.
La improvisación formaba parte de este trance casi místico, en el que el artista entraba
en contacto directo con sí mismo. Este automatismo podría derivar del surrealismo, que
aún estaba vivo en esos años.
 Técnicas:

CUATRO EFECTO A PRACTICAR:

Utilizamos témperas  más o menos diluidas con agua, (a modo de tinta china),
para experimentar estos 4 efectos que vemos a continuación. También puedes investigar
sobre otras posibilidades plásticas.

1. Efecto expansivo con papel húmedo: Pintamos sobre el papel humedecido

previamente.
2. Tinta Arrastrada.  Con un cartón o plástico duro arrastra un color en distintas direcciones.
Cuando este se seca repetimos la misma operación con otro color.

3. Dripping. Es cuando dejamos caer la pintura libremente sobre el papel.

4. Churretones o resbalar pintura de varios colores.
 Obra y su artista:

Ritmo, Alegría de la vida (1930)

Robert Delaunay Su contribución más importante al arte abstracto fue cofundar

el movimiento artístico Orfismo, una rama del Cubismo que se enfocó en
la abstracción pura y los colores brillantes.
 Arte Óptico

Explicación propia:
El Op -Art o arte óptico puedo decir que es como el arte ilusionista
engañoso a los ojos. Es arte visual con ilusiones ópticas que son
obras abstractas mas que todo, muchas obras por lo general
tienen mucho uso del color negro y blanco, para el espectador da
la sensación de movimiento, existencia e imágenes ocultas,
distorsión de la figura y que el espectador se tenga que mover de
diferentes ángulos para ver la ilusión y como esta obra se
trasforma.
 Concepto:

El op art (abreviatura del inglés optical art, lit. 'arte óptico'), es un estilo de arte

visual que hace uso de ilusiones ópticas.1​Suele usarse en la crítica e historia del arte la
denominación en inglés, op art, aunque también hay referencias al arte óptico.
Las obras op art son abstractas, siendo muchas de las piezas más conocidas creadas en
blanco y negro. Por lo general, causan en el espectador la impresión de movimiento, de
la existencia de imágenes ocultas, de patrones de destellos y vibraciones, o de hinchazón
y deformación. En las obras de op art el observador participa activamente moviéndose o
desplazándose para poder captar el efecto óptico completamente, y por eso se ven
combinaciones o repeticiones de formas, figuras o patrones; también se utilizan figuras
geométricas simples como rectángulos, cuadrados, triángulos o círculos.
Tras la Segunda Guerra Mundial apareció una nueva generación de artistas abstractos.
No solo se preocupaban por comunicar con sus obras un sentimiento, sino que exigían
del espectador una participación activa. En esa época el centro artístico ya era,
definitivamente, Nueva York.
 Técnicas:

• Se utiliza la  yuxtaposición del color, con matices cromáticos identificables, o

acromático usando el negro, blanco o gris.
• Los espacios positivos y negativos tienen la misma importancia, en el arte Op Art no
puede ser creado sin ambos.
• Crear  un complejo de tensiones visuales en la mente del visionario, que da la
sensación de ser una ilusión en movimiento.
• Líneas paralelas que pueden ser sinuosas o rectas.
• Los contrastes tienen que ser cromáticos y muy marcados. Existen dos tipos o poli o
dicromáticos.
• Hay cambios de tamaño y de forma.
• Se mezclan o se repiten figuras y formas.
• Usan muchas figuras geométricas como pueden ser: rectángulos, triángulos, círculos y
cuadrados.
 Obra y su artista:

Antonio Lizarazu Balué:  nació en 1963 en España, fue un artista Digital autodidacta. La

mayor parte de su obra tiene relación con la ciencia. Su obra presenta un despliegue
alegórico del ente luminoso, la descomposición de la luz en colores casi espectralmente
puros, se reconstruye en repetidos dobleces espaciales que acentúan la simetría de la
composición. Tiene como elementos básicos el color y la simetría y ambas son partes
que constituyen al entorno natural que soporta a la descripción de la luz. Sus series
sobre Cristales Líquidos, Radiografías del cuerpo humano, Arte Óptico, Cristales de
Entropía, Abstracción Geométrica, Fractales, Maderas, etc. son un claro ejemplo del
trabajo artístico de este autor.
 Arte Cinetico

Explicación propia:

El arte cinético es un arte de obras que tienen movimiento o parecen tenerlo.

Tendencia de pinturas y obras contemporáneas con movimiento o la impresión de
movimiento. El arte óptico y cinético van de la mano con causar esa sensación.
 Concepto:

Arte cinético o arte del movimiento es una forma de expresión visual donde la obra da

una impresión de movimiento o en realidad se mueve, producto de la acción de un
elemento externo que puede ser viento, agua, electricidad, motores o algún otro
mecanismo.
 Técnicas:

El arte cinético se basa en la búsqueda de movimiento, pero en la mayoría de las obras el

movimiento es real, no virtual. Para realizar la obra el artista se plantea y sigue una
estructura rigurosamente planificada. La mayoría de las obras cinéticas son
tridimensionales, se despegan del plano bidimensional.

Los materiales que se utilizan en el arte cinético son:

• Plásticos.
• Circuitos Electrónicos.
• Flexit.
• Intensidad.
 Obra y su artista:

Esfera Theospacio (1989)

Jesús Rafael García Soto ​fue un artista venezolano y uno de los máximos exponentes
del arte cinético. Es junto a Carlos Cruz Diez y Alejandro Otero uno de los grandes
representantes del cinetismo en Venezuela
 Arte Pop

Explicación propia:

Es un movimiento artístico popular caracterizado por tener su apariencia como comics,

sacadas de historietas y emplea imágenes de la vida cotidiana, es caracterizado por sus
colores muy llamativos y por sus estilo estetico.
 Concepto:

Arte pop es un movimiento artístico surgido en Reino Unido y Estados Unidos a

mediados del siglo XX, inspirado en la estética de la vida cotidiana y los bienes de
consumo de la época, tales como anuncios publicitarios, comic books, objetos culturales
«mundanos» y del mundo del cine. El arte pop, como la música pop, presenta una forma
de ver y tratar el arte, más global y social, no para pocos (elitista), sino para todos
(popular), al utilizar imágenes populares en oposición a la cultura elitista existente en
las Bellas Artes, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras,​
además de resaltar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a
través del uso de la ironía.​
El arte pop es considerado un arte moderno, junto con el minimalismo y por lo tanto
precursores del arte postmoderno, aunque inclusive se les llega a considerar como los
ejemplos más tempranos de este.
 Técnicas:
Los representantes del Pop Art utilizaron diferentes recursos en la realización de sus obras que iban desde el
silkscreen, el óleo, algunas técnicas de la publicidad y de la producción masiva además de utilizar collages y
fotografías.

Oleo:
Es una técnica pictórica consistente en mezclar los pigmentos con un aglutinante a base de aceites, normalmente de
origen vegetal. Por extensión, se denominan óleos a las pinturas ejecutadas mediante esta técnica, que admite
soportes de muy variada naturaleza: metal, madera, piedra, marfil, aunque lo más habitual es que sea aplicado sobre
una tela.

Serigrafía:
Es una técnica de impresión empleada en el método de reproducción de documentos e imágenes sobre cualquier
material, y consiste en transferir una tinta a través de una malla tensada en un marco, el paso de la tinta se bloquea
en las áreas donde no habrá imagen mediante una emulsión o barniz, quedando libre la zona donde pasará la tinta.
El sistema de impresión es repetitivo, esto es, que una vez que el primer modelo se ha logrado, la impresión puede
ser repetida cientos y hasta miles de veces sin perder definición.

Collages:
Es una técnica artística que consiste en ensamblar elementos diversos en un todo unificado. El término se aplica
sobre todo a la pintura, pero por extensión se puede referir a cualquier otra manifestación artística, como la música,
el cine, la literatura o el videoclip. Viene del francés coller, que significa pegar. En español es recomendable utilizar la
palabra colaje, de la que ya existe el derivado bricolaje, pues según la RAE las palabras provenientes del francés que
acaben en "age" deben de españolizarse en "aje".
 Obra y su artista:

Mona Cat.

Romero Britto es un pintor, serígrafo y escultor brasileño. Combina elementos del

cubismo estereotipados, arte pop y pintura de grafiti en su trabajo, utilizando vibrantes
colores y arriesgados patrones como expresión visual de esperanza y felicidad
 Arte ecológico

Explicación propia:

Es un arte contemporáneo que ayuda la naturaleza en el reciclaje de objetos como

botellas, cartón, latas y los artistas crean grandes obras referidos al medio ambiente.
 Concepto:

Arte ambiental (Environmental art, en inglés) o arte ecológico es una expresión que se

usa en dos sentidos diferentes.
El término se usa con referencia al Land Art de forma genérica y en referencia a
un arte que trata de instalar o modificar artísticamente el medio ambiente natural,
mediante distintas estrategias:
incluyendo fotografía basada en el paisaje, pintura, dibujos y arte propio de un lugar
con la ilustración de fenómenos naturales
usando materiales naturales reunidos en el exterior (como ramillas, hojas, piedras, suelo,
plumas;
contribuyendo a la transformación medioambiental (lo que incluye obras realizadas con
materiales de desecho o reciclados o integrados en un hábitat natural)
El término también se usa de forma más específica para referirse a una obra de arte de
grandes dimensiones que utiliza el entorno natural; habitualmente con respeto al medio
ambiente (es decir, cumpliendo las condiciones que permiten
considerarla medioambiental en un sentido genérico), pero que también puede
relacionarse con otros aspectos del medio ambiente, tales como el contexto formal,
político, histórico o social.
 Técnicas:

• Incluyendo fotografía basada en el paisaje, pintura, dibujos y arte propio de un lugar.

con la ilustración de fenómenos naturales.

• Usando materiales naturales reunidos en el exterior (como ramillas, hojas, piedras,

suelo, plumas, botellas, latas, etc.
Obra y su artista:

Robert Smithson (1938-1938)

Obra y su artista:
La gigantesca escultura Spiral
Jetty del artista norteamericano
Robert Smithson está
emplazada en el desierto de
Utah. El material empleado para
realizarla fueron unas 5.000
toneladas de bloques de basalto
negro. Fue construida en 1970,
empleando potentes máquinas
para el movimiento de las
piedras
 Arte happening

Explicación propia:

El arte happning se trata de provocación, participación y improvisación. Es una

manifestación artística que quiere la espontanea participación del publico. Una
manifestación artística que cualquier persona del publico pueda incluirse a este arte y
divertirse.
 Concepto:

Happening (de la palabra inglesa que significa acontecimiento, ocurrencia, suceso) es

toda experiencia que parte de la ecuación provocación-participación-improvisación.
Tiene su origen en la década de 1950 y se considera una
manifestación artística multidisciplinaria.
En un principio, el happening artístico fue una tentativa de producir una obra de
arte que naciese del acto a organizar y con la participación de los "espectadores" (que
abandonasen así su posición de sujetos pasivos y se liberasen a través de la expresión
emotiva y la representación colectiva). Aunque es común confundir el happening con la
llamada acción artística el primero difiere de la segunda en la improvisación.
El happening, como manifestación artística múltiple que pretende la participación
espontánea del público, suele ser efímero. Por este motivo los happenings suelen
presentarse en lugares públicos, irrumpiendo en la cotidianeidad.
 Técnicas:

Hay algunas técnicas que se utilizan desde la antigüedad pueden ser las siguientes:
 
•         Técnicas tridimensionales (volumen): talla, modelado, vaciado, etc…
•         Técnicas bidimensionales: Dibujo, pintura, grabado y estampación, mosaico, etc.
•         Otras técnicas tradicionales: vidriera, calado, tejidos, cestería, etc…
 
Y muchas otras han sido descubierta son hace tanto tiempo, como las técnicas derivadas
de la fotografía o del TIC:
 
•         Técnicas derivadas de la fotografía y el cine (suelen ser audiovisuales): fotografía,
cine, televisión, video, animación, etc.
•         Técnicas infografías.
•         Otras: neón, apilamientos, eat art, object trouve, etc…
 
-La expresión del cuerpo también es una técnica de creación, el cuerpo humano es un
medio mediante el cual se pueden explicar sensaciones, estados de ánimos, e infinidad de
sentimientos.
 Obra y su artista:
Los “happenings” empezaron como eventos
estrictamente planeados, en los que la audiencia y los
performers seguían señales para vivenciar el arte. Para
Kaprow, un happening era “un juego, una aventura, un
número de actividades realizadas por los participantes,
con el motivo de jugar”. Además, Kaprow dice que los
happenings eran “eventos que, sencillamente,
ocurren”. No había un inicio, nudo o desenlace
estructurado; y no había distinción o jerarquía entre el
artista y el espectador. Era la reacción del espectador la
que definía la pieza del arte, haciendo de cada
happening una experiencia única que no puede ser
replicada”. Estos happenings representan lo que
nosotros ahora llamamos “arte de los nuevos medios”.
Es participativo e interactivo, cuyo objetivo es derribar
“la cuarta pared” entre artistas y espectadores, así
observadores no solo pueden “leer” la pieza, sino
Allan Kaprow también interactuar con ella, volviéndose parte del
arte.
Obra y su artista:

Una obra de este tipo, titulada "Dieciocho

happenings en seis partes”, involucra una
audiencia desplazándose junta para
vivenciar elementos tales como una
banda tocando instrumentos de juguete,
una mujer exprimiendo una naranja y
pintores pintando. Su trabajo evolucionó, y
se volvió menos organizado e incorporó
más actividades cotidianas. Otro ejemplo
de un happening que él creó involucraba
llevar gente dentro de un cuarto que
contenía una abundante cantidad de cubos
de hielo, que debían ser tocados por los
espectadores; haciéndolos derretirse y
volviéndolos al punto de partida.
 Arte Corporal

Explicación propia:

El arte corporal es un arte que su base es el cuerpo humano o la piel de una persona,
por eso es «corporal». En el cuerpo se pueden tatuar, hacer pircings, pintar, se ensucia,
se calca, el cuerpo es el lienzo para una obra de este arte.
 Concepto:

El término "arte corporal" describe un tipo de arte contemporáneo , en el que el propio

cuerpo del artista se convierte en el "lienzo" o la "obra de arte". Aunque estrechamente
relacionado con arte conceptual y arte de performance , Body art abarca una amplia
gama de disciplinas, que incluyen: pintura corporal ; Arte del tatuaje ; Pintura de la
cara ; Arte de uñas ; Piercings ; Maquillaje Mimo y estatuas vivientes ; y fotografía . A
veces se hace en privado y luego se muestra en fotos o grabaciones de video; a veces se
crea ’en vivo’ frente a una audiencia. Una serie de rendimiento basado artistas
contemporáneos (como Chris Burden, Gina Pane y Benjamin Vautier) han alcanzado
fama causándose dolor o impactando a la audiencia con formas extremas de
comportamiento, incluyendo consumo de drogas, automutilación, erotismo y
masoquismo. Exhibido en algunos de los mejores festivales de arte contemporáneo –
incluyendo eventos especializados como festivales de pintura corporal – así como varios
de los mejores galerías de arte contemporáneo , estas disciplinas relacionadas con el
cuerpo ejemplifican la tendencia posmoderna de expandir definición de arte mucho más
allá de la esfera tradicionalista del dibujo, la pintura y la escultura. Algunos críticos de
arte , sin embargo, adopte una visión más estrecha, prefiriendo clasificar el arte corporal
relacionado con el rendimiento como entretenimiento, en lugar de una forma
independiente de arte visual .
 Técnicas:
Al momento de utilizar el cuerpo humano como lienzo, o medio de expresión de la
creatividad en el body art es necesario seguir unas técnicas que ayudan a su buena
práctica sin que exista una serie de malos efectos en el cuerpo. El uso del henna para los
tintes corporales, la falsa perforación de piercings y el maquillaje son las técnicas más
importantes y utilizadas en la disciplina del arte corporal.

Tintes de henna:
La henna es un extracto de la planta alenha que se cultiva en las en países asiáticos
como la india, pakistán e irán y algunas naciones del norte de áfrica. Este extracto se
realiza a partir de la trituración de la hoja de la planta, que después se comprime en una
pastilla. El tono del tinte de henna puede variar del color color rojizo al color marrón.
El tinte de henna se utiliza en varias obras de arte corporal, de diferentes formas. La
formas más comunes de usarlo es utilizándolo como tinte para el cuerpo, donde se
prepara el polvo o la pastilla a partir de aceites esenciales y luego se aplica con un cono
de acetato o una aguja sobre el cuerpo ya preparado.
 Técnicas:
Falsas perforaciones de piercings:
Existen demasiados artistas que deben utilizar los piercings en su cuerpo para poder
realizar una obra del body art, pero muchos de ellos no están cómodos con el uso de los
mismos. Es por eso que recurren a la técnica de la falsa perforación de piercing, este
método consiste en el pegamento realista de aretes de argolla, piercings en algunas
zonas del cuerpo, dejando como resultado una impresión muy real y sin ningún efecto
secundario.

Maquillaje:
La técnica del maquillaje es muy simple y además muy reconocida en el arte corporal y
otras disciplinas, además de ser muy asequible genera unos muy buenos resultados en
las obras. Es el método de decorar la piel y otras partes visibles del cuerpo utilizando
diferentes tipos de cosméticos que pueden ser obtenidos de la naturaleza o ser
sintéticos, y no afectan de ninguna manera la integridad física de la persona. Sin duda
alguna el maquillaje es una de las opciones a las cuales puedes recurrir y probar de
manera simple la práctica del body art.
Obra y su artista:
Youri Messen-
Jaschin (n. 1941 en Arosa, Suiza) es un
artista de origen letón. Como artista es
reconocido en el arte cinético y sus
incursiones en el body painting. Parte
de su obra la realizó mientras vivió
en Venezuela.
Obra y su artista:
Youri Messen-Jaschin ha participado en
numerosas exposiciones particulares y
colectivas y ha recibido premios por sus
investigaciones en el arte óptico en Italia.
Sus obras se encuentran en colecciones
privadas y museos. Las superficies amplias
y dimensiones monumentales ligadas a la
inserción de la tercera dimensión, marcan
y distinguen sus trabajos.
Las esculturas de Youri Messen-Jaschin
son enriquecidas por el movimiento, son
puestas en el medio ambiente
(movimiento y desplazamiento en el
espacio), y complementadas con música
(el movimiento desencadena el sonido).
Sus primeras búsquedas e investigaciones
con sonidos datan desde finales de los
años 1960.
 Arte Hiperrealismo

Explicación propia:

El arte hiperralismo es un arte que me encanta y me interesa mucho por lo detalles de

pinturas y escultura. Este arte se asemeja a la fotografia y se considera un arte avanzado
del fotorrealismo.
 Concepto:

El hiperrealismo es un género de pintura y escultura que se asemeja a la fotografía. El

hiperrealismo es considerado un avance del fotorrealismo por los métodos utilizados. El
término se aplica a un movimiento y estilo de arte independiente que surge en Estados
Unidos y Europa a finales de 1960 y a principios de 1970.
El término hiperrealismo es también aplicable a la escultura y los cómics (Luis
García, Alex Ross, etc).
 Técnicas:

Las técnicas más habituales con las que trabajan los

pintores hiperrealistas son el óleo y la pintura acrílica, aunque no
son las únicas, pues también se emplean acuarelas, aerografía,
rotuladores… Hemos querido hacer una recopilación de las figuras
más representativas e influyentes del hiperrealismo a día de hoy.
 Obra y su artista:

Antonio López (Tomelloso, Ciudad Real 1936), no podíamos empezar este listado por
otra persona que no fuera el genial pintor manchego. Referente del hiperrealismo
español, Premio Príncipe de Asturias, es conocido por la meticulosidad con la que
planea hasta la hora exacta en la que poder pintar para que la incisión de la luz sobre los
elementos sea siempre la misma.
Obra y su artista:

Lavabo y espejo, Sink and

Mirror (1967)
 Arte ambientaciones

Explicación propia:

Ambientación artística es modificaciones artísticas creativas, un espacio lleno de arte

ambiental que envuelve al publico El publico se encuentra en un gran espacio creativo y
artístico en el cual se puede desenvolver, explorar lo que lo rodea y todo lo que esta en
él.
 Concepto:

La ambientación artística es la modificación creativa de un espacio

determinado que envuelve al espectador y, de esta manera,
interviene en su percepción. El participante se encuentra inmerso
en una extensión transitable dentro de la cual, se puede
desenvolver, explorar el espacio que lo rodea y todo lo que está en
él.
 Técnicas:

Las técnicas para este arte seria todo material usable:

Cartón, hojas, hierro, metal, botellas, plástico, pintura, oleo y en
muchas y diversas maneras de usarlos.
Obra y su artista:
Nicolás García
Uriburu (Buenos Aires, 24
de
diciembre de 1937 – Ib., 1
9 de junio de 2016)​fue un
artista plástico, pintor
y arquitecto argentino.
 Obra y su artista:

A partir de 1968 comenzó a desarrollar una serie de intervenciones en la

naturaleza, convirtiéndose en uno de los principales referentes del land art. Su
pintura tomó la misma dirección que sus acciones. Alcanzó fama internacional en 
1968 cuando, durante la Bienal de Venecia, tiñó los canales de Venecia de color
verde fosforescente. Comenzó a exponer en 1954. Se ha dedicado especialmente
a la ecología, a la forestación y a la lucha contra la contaminación de los mares.
Con su arte, provisto de cierta significación política (Unión de Latinoamérica por
los ríos, No a las fronteras políticas), denuncia los antagonismos entre la
naturaleza y la civilización, y entre el hombre y la civilización.