GABRIEL COCA

BORDEA
GABRIEL COCA

BORDEA
 BORDEA

¿Qué pasa en los bordes? Dos cosas se separan, se contienen,

se rozan, se rodean, vibran, se enfrentan, se juntan, se limitan, se definen.
El borde es el extremo o la orilla de algo, parece una línea.
Pero una línea, ¿junta o separa algo?
¿Una línea hace un dibujo?, ¿una línea es un dibujo?
Si un borde es el límite de un cuerpo, ¿dibuja un espacio?
Esa línea, ese límite, ¿hace lo de dentro o hace lo de fuera?
La línea separa y junta, atraviesa y roza, dibuja.
Y el color, vibra en sus bordes.

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 Gabriel Coca

Zer gertatzen da ertzetan? Bi gauza banatzen dira, elkarri eusten diote,

elkar igurtzi eta inguratzen dute, dar-dar egiten dute, aurre egiten diote
elkarri, batu egiten dira, elkar mugatzen dute, elkar definitzen dute,
Ertza zerbaiten muturra edo bazterra da, marra baten antza du.
Baina marra batek, zerbait batu edo banatzen du?
Marra batek marrazki bat egiten du?, marra bat marrazki bat ote da?
Ertz bat gorputz baten muga baldin bada, espazio bat marrazten al du?
Marra hori, muga hori, barrukoak egiten du ala kanpokoak egiten du?
Marrak banatu eta batzen du, zeharkatu eta igurzten du, marraztu egiten du.
Eta koloreak dar-dar egiten du bere ertzetan.

What happens at edges? Two things are separated, contained,

touch, surrounded, vibrate, come face to face, are brought together,
constrained, defined.
The edge is the end or the rim of something; it seems a line.
But does a line bring something together or separate it?
Does a line make a drawing? Is a line a drawing?
If an edge is the limit of a body, does it draw a space?
This line, that line, is it within or outside?
The line separates and brings together, crosses and touches, draws.
And colour vibrates on its edges.

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 ROMPER LA IMAGEN,
O LOS TRABAJOS DE LA LIBERTAD

Jaime Cuenca

Hay veces en las que un texto debe sucumbir

a sus propias tentaciones para poder conjurarlas.
De lo contrario, la resistencia que tendrá que
ejercer contra ellas acaba lastrándolo fatalmente.
No encuentro otra manera de empezar este si no
es sugiriendo una interpretación posible de las
piezas que aquí presenta Gabriel Coca que parece
imponérseme por sí sola, pero que deberé impugnar
de inmediato. Para presentarla será preciso
reconstruir primero el proceso que ha seguido para
producirlas. Comencemos, con él, en la calle. Es allí
donde ha ido encontrando carteles semi-arrancados
4, 5. Bug 27 x 22 cm. Óleo sobre tela / Oil on canvas / Oihal gaineko olioa. 2024

cuyas fotografías recopila desde hace años. No le

atraen en ellos los restos gráficos o icónicos que
aún puedan conservar, sino el vacío creado por el
gesto de destruirlos. O, mejor, la forma que adopta
ese vacío. La forma da inicio así al proceso del que
derivan estas piezas, pero lo hace bajo el signo de la
ausencia. Que solo su reaparición como presencia
pueda marcar un punto de término es una hipótesis
que merece la pena insinuar desde ahora.

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 A partir de aquí, se dispara una prolija
sucesión de operaciones. Gabriel Coca imprime
las fotografías de los carteles recopilados. Recorta
en cada cartel la zona que había sido arrancada y
se queda con lo que hay alrededor, a manera de
un marco. Archiva cuidadosamente estos marcos,
que constituyen una suerte de privada colección de
ausencias. Extrae algunos de entre estos ejemplares
y los superpone, los combina de diversas maneras.
Las pruebas más exitosas en este procedimiento
le conducen hacia la manipulación de fragmentos
de estos marcos. Con ellos va produciendo
composiciones a modo de collage, que comienza a
utilizar como plantilla para el dibujo a carboncillo.
El resultado lo traslada finalmente al óleo en escala
ampliada.

Parece como si solo un arco tensado por

formas de la destrucción pudiera salvar la enorme
distancia que separa el cartel hallado del óleo final.
Sin referencia externa alguna, este se ofrece a un
encuentro calmo y recogido, íntimo. En cambio, el
8. Rosal 35 x 27 cm. Óleo sobre tela / Oil on canvas / Oihal gaineko olioa. 2024

cartel señala por definición fuera de sí mismo y se

dirige siempre de un modo seductor o directivo a
una masa anónima, a la que incita a elegir aquello
que anuncia. No extraña, entonces, que solo un
acto de violencia lo habilite para catalizar el inicio
de este proceso: debe ser eviscerado de su centro
mismo, de la elección a la que quiere mover.
Alrededor de ese vacío quedan, como bordes de

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 una herida, los elementos mínimos que permiten
identificar un cartel: grafías interrumpidas,
fragmentos de imágenes, elementos de sujeción
al muro. Es como si Gabriel Coca buscara hacer
visible el medio del cartel en cuanto tal, solo
para destruirlo de inmediato por troceamiento
y recombinación. Cada óleo se apoya, así, en la
doble destrucción de un cartel, lo que lo carga de
potencial de denuncia, lo erige en oposición a una
imagen subordinada al tráfico de la mercancía y las
urgencias de la política. Eso es, en última instancia,
lo que encarna el medio del cartel de modo
eminente, si bien son servidumbres que aplican en
general a la imagen de nuestro tiempo, tal y como
la hallamos diariamente en el ecosistema mediático
del semiocapitalismo.

Me he servido hasta aquí de una descripción

de este proceso pictórico que tiene la virtud de
ofrecer soporte a una lectura contundente. Sin
embargo, es parcial e incompleta. Primero, porque
9. Un mito 92 x 65 cm. Óleo sobre tela / Oil on canvas / Oihal gaineko olioa. 2024

exhibe una linealidad que es solo aparente: el

proceso real de trabajo de Gabriel Coca, como el
de cualquier otro artista, incluye pasos atrás, se
atora en vías muertas y avanza en varios estadios
a la vez. En segundo lugar, porque pasa por alto
dos detalles muy reveladores de los verdaderos
móviles de su pintura. Los carteles los imprime en
blanco y negro y cuando ha recortado ya en ellos
la zona rasgada da la vuelta al marco y continúa

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trabajando con su reverso. Es decir, elimina toda
la información cromática en cuanto puede y deja
fuera también todo lo que pueda recordar a la
situación inicial del cartel hallado: ni grapas ni celo
ni restos de grafía ni imágenes fragmentadas. Busca
quedarse con la mera forma del vacío recortado,
y el hecho de haberla hallado en un cartel rasgado
no parece tener mayor relevancia. Sus móviles son
eminentemente intrapictóricos.

Conviene aquí recoger una confidencia del

artista. En la raíz de este procedimiento de trabajo
Gabriel Coca reconoce una cierta incomodidad
hacia el dibujo. En piezas anteriores, como las
que pudieron verse en SC Gallery de Bilbao a
comienzos de 2023, se revelaba una comprensión
mucho más atmosférica de la pintura. Los planos
de color se fundían los unos con los otros con
enorme fluidez, revelando una pintura gestual,
autónoma de referentes externos y de cualquier
estructura previa que la confine o soporte. Esa vía 12. Prove 35 x 27 cm. Óleo sobre tela / Oil on canvas / Oihal gaineko olioa. 2024

se ha ido agotando: el gesto, dejado a su propia

espontaneidad, tiende a repetirse y clausurarse.
Gabriel Coca intuía en el dibujo justamente
una salida a esa limitación del gesto espontáneo
y encontró en la forma hallada la vía para
introducirlo en su pintura. Lo que le ha dado el
vacío de los carteles rasgados se lo podrían haber
dado los regueros del agua o las fluctuaciones del
índice Dow Jones. Lo importante no es el origen de

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 esa forma hallada, sino el modo en que pueda servir
para dar cuerpo a la pintura resultante. Y para que
esto pase debe poder hacerse una con el cuerpo del
artista, interiorizarse para brotar de nuevo, como
por sí misma.

Este es otro de los malentendidos que se

siguen de la primera descripción del proceso que
hacía más arriba. Para Gabriel Coca, el paso del
dibujo al óleo no se da de un modo automático,
como la trasposición de un contenido gráfico que
migrase de un medio a otro sin alteración alguna.
Una vez llega a un dibujo al carboncillo, partiendo
de combinaciones de los fragmentos de carteles,
el siguiente paso es modificar la escala. La escala
relativamente pequeña en que llega al dibujo
favorece un tipo de manipulación que al artista
se le antoja en exceso cerebral y visual, “muy de
muñeca” como él lo expresa. Se trata de un modo
13. Sin título (VOR) 195 x 146 cm. Óleo sobre tela / Oil on canvas / Oihal gaineko olioa. 2024

de hacer muy controlado y consciente que, para

dar cabida a lo inesperado, exige la incorporación
del gesto, del cuerpo todo. Es entonces cuando
Gabriel Coca pasa a pintar de pie, sobre un lienzo
de mayor tamaño adherido directamente a la
pared, sin bastidor. Ya sin plantillas, lleva el dibujo
a esa escala, que es la del cuerpo humano. Pero
ese estadio es efímero: la mera trasposición de la
forma de una escala a otra, de un medio a otro, no
funciona. En su expresión, Gabriel Coca necesita
“romper la imagen con la pintura”: es como si la

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forma hallada solo pudiera ser funcional al óleo si
no se comporta como un andamiaje externo, sino
que estructura desde dentro el proceso pictórico.
Esto solo puede hacerse a través del cuerpo del
artista, dejando que el dibujo guíe nuevos gestos,
vaya catalizando una forma final que se va haciendo
presente entre fases de construcción y destrucción,
de decisión e indecisión. El dibujo previo (y, por
tanto, la referencia a los carteles) acaba siendo
invisible en la mayor parte de los casos, pero no
significa que su huella no continúe ahí, incorporada
al gesto, interiorizada.

Se comprende ahora mejor el sentido

de la prolija serie de operaciones que articula
este proceso pictórico. Constituye un rodeo
autoimpuesto por el que Gabriel Coca logra
bordear dos peligros que podrían resultar fatales
para su propia libertad como pintor: la repetición
del gesto espontáneo dejado a sí mismo y la mera
trasposición de una forma previa. El primer 16. Balmat 24 x 19 cm. Óleo sobre tela / Oil on canvas / Oihal gaineko olioa. 2024

peligro, desde dentro, cristaliza la pintura en una

singularidad estéril; el segundo, desde fuera, la
convierte en trámite de recepción de lo ajeno.
Bordear ambos sin caer en ninguno implica un
complejo equilibro en el que cada paso, cada
indecisión, cada repinte deja rastros visibles. Los
bordes de las manchas cromáticas se van cargando
así de vibración y profundidad, de presencia. La
forma vacía del cartel rasgado reaparece ahora

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 como presencia, y es entonces cuando Gabriel
Coca se detiene. Cuando lo hace, claro, él mismo
se ha transformado tanto como el lienzo. Como
sucedía en las operaciones de la alquimia, igual de
prolijas, el cambio sucede tanto en los elementos
manipulados como en el sujeto que los manipula:
aquel es reflejo de este.

Decía arriba que la forma inicial podría

tomarse de los regueros del agua o del índice Dow
Jones y mantener la misma productividad que la
de los carteles rasgados. Pero esto no parece del
todo correcto. A la primera lectura que proponía
del procedimiento de Gabriel Coca quizá quepa
reconocerle ahora algún acierto. Sí hay una
oposición al régimen predominante de la imagen,
aunque quizá no tan inmediata y directa como
parecía. Lo fundamental para esa oposición no es
el gesto destructivo inicial, sino el constructivo que
le sigue. Quizá pueda decirse que estas piezas no
encarnan tanto la oposición a la imagen de nuestro
17. Leftover 35 x 27 cm. Óleo sobre tela / Oil on canvas / Oihal gaineko olioa. 2024

tiempo como una resistencia a nuestros tiempos de

la imagen, esto es, a los automatismos volitivos que
rigen hoy nuestra relación con la imagen. Allí donde
se nos presenta, esta busca empujarnos a la elección
constante. Su primera función hoy es mantener bien
engrasada la capacidad del ciudadano-consumidor
para elegir espontáneamente entre los objetos que
presenta a su apetencia. Dejar abierto el acceso
a un reservorio personalísimo de espontaneidad

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parecería ser la única garantía de nuestra libertad.
Pero es esta superstición, justamente, la que
desmiente en la práctica la pintura de Gabriel
Coca. La pretendida espontaneidad de la elección
consumidora, como la supuesta inmediatez
del gesto pictórico, acaba clausurándose en un
automatismo quizá intransferible, sí, pero siempre
idéntico a sí mismo. La verdadera libertad no es
una precondición a la que se retorne suspendiendo
los filtros y las mediaciones, sino un precario
equilibrio que se conquista como una tarea
autoimpuesta. Gabriel Coca nos lo enseña como
debe hacerlo. Pintando.

20, 21. Sin título (AMV) 162 x 114 cm. Óleo sobre tela / Oil on canvas / Oihal gaineko olioa. 2024

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24. Sin título (VOG) 116 x 89 cm. Óleo sobre tela / Oil on canvas / Oihal gaineko olioa. 2024
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25. Kilian 27x22 cm. Óleo sobre tela / Oil on canvas / Oihal gaineko olioa. 2024
28, 29. Sin título (ATV) 116 x 89 cm. Óleo sobre tela / Oil on canvas / Oihal gaineko olioa. 2024
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 BREAKING THE IMAGE,
OR WORKS OF FREEDOM

Jaime Cuenca

There are times when a text must succumb

to its own temptations to be able to ward them
off. Otherwise, the resistance needed ends up
being a fatal obstacle. The only way I can find to
start is to suggest a possible interpretation of the
pieces that Gabriel Coca is presenting here; that
may seem that I am pushing myself to the fore,
but I will have to challenge that immediately. The
production process he followed will first need to
be reconstructed in order to present them. Let us
begin – with him – in the street. That is where he
has found half-torn posters and has been compiling
photographs of them for years. He is not attracted
by the traces of the graphics and icons that may
still remain, but rather by the void created by the
gesture of destroying them. Or, rather, the form that
void adopts. The form thus embarks on the process
leading to these pieces, but does so under the sign
of absence. That only its reappearance as a presence
can mark an end point is an hypothesis that is
worth insinuating from now on.

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 A long-winded series of operations then
begins. Gabriel Coca prints the photographs of
the compiled posters. He cuts out the area that
has been torn off in each poster and keeps what
is around it, like a frame. He carefully files those
frames, which are a sort of private collection
of absences. He extracts some of those items
and overlays them, combining them in different
ways. The most successful attempts in this
procedure allow him to handle fragments of those
frameworks. He uses them to produce compositions
in the form of collages, which he begins to use as
a template for the charcoal drawing. He ends by
transferring the result to the large-scale oil painting.

It seems as if only an arch tensioned by forms

of the destruction could bridge the huge gap that
separates the encountered poster from the final oil.
The lack of external reference means it is a calm
and sheltered, intimate encounter. In contrast,
32, 33. Waves 35 x 27 cm. Óleo sobre tela / Oil on canvas / Oihal gaineko olioa. 2024
the poster by definition looks outside itself and
always reaches out in a seductive or guiding way
to an anonymous mass, as encouragement to chose
what it is advertising. Unsurprisingly, only an act
of violence therefore enables it to catalyse the start
of this process: it must be gutted from its very
centre, from the choice of the person it is targeting.
The minimum elements to identify a poster –
interrupted graphics, image fragments, pieces to
secure it to the wall – remain around that void, like

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the edges of a wound. It is as if Gabriel Coca were
seeking to showcase the medium of the poster as
such, only to immediately destroy it by splitting it
up and then recombining it. Each oil is thus based
on the double destruction of a poster, which fills
it with potential to decry, erects it in opposition to
an image that is subservient to the trading of goods
and the political emergencies. That is, ultimately,
what embodies the medium of the poster in an
eminent way, even though they are easements that
apply in general to the image of our time, as we
come across them daily in semiocapitalism’s media
ecosystem.

I have so far relied on a description of this

pictorial process that offers the advantage of
underpinning a resounding reading. However, it is
partial and incomplete. First, because it shows a
linearity that is only apparent: the real process of
Gabriel Coca’s work – as is the case of any other
artist – includes taking steps backward, gets stuck
in dead ends and advances in different states at
the same time. Second, because it ignores two very
revealing details of the true mobiles of his painting.
He prints the posters in black and white, and when
he has cut out the torn area in them, he turns the
frame over and continues working on the back. In
other words, he removes all the colour information
as soon as he can and also leaves out anything that
can recall the initial situation of the poster that he

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came across: not staples, nor Sellotape, nor remains
of script, nor fragmented images. He seeks to have
the mere form of the cut out void, and the fact that
he found it in a torn poster does not seem to have
greater significance. His mobiles are eminently
intra-pictorial.

I should here let you into a secret about the

artist. Gabriel Coca acknowledges that he rather
struggles with drawing at the root of this work
procedure. A much more atmospheric understanding
of painting was seen in previous pieces, such
as those that could be seen at the SC Gallery of
Bilbao in early 2023. The planes of colour merged
with great fluidity, revealing a gestural painting,
external reference autonomy and any prior structure
restricting or supporting it. That channel has been
gradually depleted: the gesture, left to its own
spontaneity, tends to be repeated and come to a
close. Gabriel Coca rightly sensed in drawing a way
33. Sin título (RA) 162 x 114 cm. Óleo sobre tela / Oil on canvas / Oihal gaineko olioa. 2024
out of this constraint of the spontaneous gesture and
found in the encountered form the way to introduce
it into his painting. What he has found in the void of
torn posters could have come from streams of water
or fluctuations of the Dow Jones index. What is
important is not the origin of that encountered form,
but rather the way it can be used to give substance
to the resulting painting. And for that to happen, it
must be able to become one with the artist’s body, be
embodied to emerge again, as if by itself.

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 This is another of the misunderstandings
that follow on from the first description of the
process given at the start. In the case of Gabriel
Coca, the step from drawing to oil does not occur
automatically, as does the transposition of a graphic
content that is taken from one medium to another
without any change. Once he has a charcoal
drawing – starting from combinations of the poster
fragments – the next step is to modify the scale. The
relatively small scale of the drawing fosters a type of
handling that the artist considers to be excessively
cerebral and visual, “very doll like” as he puts it.
It is a very controlled and conscious way of acting
that – to allow for the unexpected – requires the
gesture, the whole body to be incorporated. That
is when Gabriel Coca starts painting standing
up, on a larger canvas affixed directly to the wall,
without a frame. Without using templates, he
takes the drawing to that scale, which is that of the
human body. But that stage is fleeting: the mere
37. Sin título (TVA) 81 x 65 cm. Óleo sobre tela / Oil on canvas / Oihal gaineko olioa. 2024

transposition of the form from one scale to another,

from one medium to another, does not work. In his
expression, Gabriel Coca needs to “break the image
with painting”: it is as if the encountered form
could only be functional in oil if it does not act as
external scaffolding, but rather is structured from
within the pictorial process. That can only happen
through the artist’s body, allowing the drawing
to guide new gestures, to gradually catalyse to a
final form that becomes present between phases

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of construction and destruction, of decision and
indecision. The earlier drawing (and, therefore, the
reference to the posters) ends up being invisible in
most cases, but that does not mean that its mark
does not continue there, embodied, incorporated in
the gesture.

The long-winded series of operations of this

pictorial process is now better understood. It is a
self-imposed preamble that allows Gabriel Coca
to skirt along the edges of two hazards that could
be fatal for his own freedom as a painter: the
repetition of the spontaneous gesture left to itself
and the mere transposition of a previous form. The
first hazard, from within, crystallises painting into
a sterile singularity; the second, from outside, turns
it into a formality to receive the external. Skirting
along the edges of both without falling into either
requires a complex balance where each step, each
indecision, each repainting leaves visible trails. The
40. Purple haze 22 x 16 cm. Óleo sobre tela / Oil on canvas / Oihal gaineko olioa. 2024
edges of the smears of colour are thus loaded with
vibration and depth, presence. The void form of the
torn poster now reappears as a presence, and it is
then when Gabriel Coca stops. When he does so, of
course, he himself has been transformed as much as
the canvas. As happened in alchemy, with as long-
winded operations, the change happens both to the
elements handled as to the subject handling them:
that is a reflection of this.

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 I earlier said that the initial form could be
taken from streams of water or the Dow Jones
index and with the same productivity as that of
the torn posters. But that is not completely true.
A certain merit could be recognised on the first
reading proposed of Gabriel Coca’s procedure.
Yes, there is an opposition to the prevailing regime
of the image, although it may not be as immediate
and direct as it seems. The fundamental for that
opposition is not the initial destructive gesture,
but the following constructive one. It could
perhaps be said that these pieces do not as much
embody the opposition to the image of our time
as a resistance to our times of the images; in other
words, to the volatile automatisms that govern
our relationship with the image today. Whenever
we come across it, it seeks to push us to constant
choice. Its first function today is keep the ability
of the citizen-consumer well oiled to spontaneous
choose between the items shown to appeal to them.
Leaving access open to a Personalism reservoir of
spontaneity would seem to be the only guarantee
41. Zuha 22 x 16 cm. Óleo sobre tela / Oil on canvas / Oihal gaineko olioa. 2024

of our freedom. But it is this superstition, rightly,

that Gabriel Coca’s painting refutes in practice.
The sought-after spontaneity of consumer choice,
like the alleged immediacy of the pictorial gesture,
ends up enclosed in an automatism that may not be
transferable, but, is always identical to itself. True
freedom is not a precondition in which the filters
and mediation are suspended, but rather a delicate

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balance that is overcome as a self-imposed task.
Gabriel Coca teaches us how it should be done.
By painting.

44. Sin título (GAVA) 116 x 89 cm. Óleo sobre tela / Oil on canvas / Oihal gaineko olioa. 2024

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48. Still waiting 81 x 65 cm. Óleo sobre tela / Oil on canvas / Oihal gaineko olioa. 2024
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52, 53. Figura azul 81 x 65 cm. Óleo sobre tela / Oil on canvas / Oihal gaineko olioa. 2024
49. Entre tú y yo 195 x 292 cm. Óleo sobre tela / Oil on canvas / Oihal gaineko olioa. 2024
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 IRUDIA APURTU,
EDO ASKATASUNAREN LANAK

Jaime Cuenca

Batzuetan, testu batek amore eman behar du

bere tentazioen aurrean, tentazio horiek konjuratu
ahal izateko. Bestela, haien kontra jarri beharko
duen erresistentziak zama gaindiezina ezarriko dio
azkenean halabeharrez. Modu bakarra aurkitu dut
hasteko, alegia, Gabriel Cocak hemen aurkezten
dituen piezen balizko interpretazio bat proposatzea;
badirudi interpretazio hori berez ezartzen zaidala,
baina berehala aurkaratu beharko dut. Interpretazioa
aurkezteko, piezak egiteko jarraitu duen prozesua
berreraiki beharko dut aurrena. Has gaitezen
kalean, berarekin. Bertan aurkitu izan ditu, urte
hauetan, argazkitan bildu dituen erdi-kendutako
kartelak. Bera erakartzen duena ez dira oraindik ere
kontserbatzen diren hondakin grafiko edo ikonikoak,
baizik eta horiek suntsitzeko keinuak sortutako
hutsartea. Edo, hobeto esanda, hutsarte horrek
hartzen duen forma. Era horretan, formak hasiera
ematen dio pieza horien sustraian dagoen prozesuari,
baina absentziak markatuta egiten du. Presentzia gisa
berriz agertzea amaiera-puntu bat markatzeko modu
bakarra izatea hipotesi bat da, une honetatik beretik
iradokitzea merezi duena.

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 Hemendik aurrera, operazioen segida luze eta
zorrotz bat abiatzen da. Gabriel Cocak bildutako
kartelen argazkiak inprimatzen ditu. Kartel
bakoitzean, kendutako zatitik geratu zena ebakitzen
du, eta inguruan dagoena uzten du, marko baten
antzera. Marko horiek arreta handiz artxibatzen
ditu, absentzien bilduma pribatu bat osatuz,
nolabait. Ale horietako batzuk hartu eta gainjarri
egiten ditu, hainbat modutan konbinatzen ditu.
Prozedura horren proba arrakastatsuenek marko
horien zatien manipulaziorantz gidatzen dute.
Marko horiekin, collage moduko konposizioak
sortzen ditu, eta txantiloi gisa erabiltzen hasten
da, ziri-ikatzez egingo duen marrazkirako. Emaitza
olio-pinturara eramaten du azkenean, eskala
handituan.

Badirudi, nonbait, suntsipenaren formek

tenkatutako arku batek soilik gainditu lezakeela
aurkitutako kartela amaierako olio-pinturatik
56, 57. Violeta 35 x 27 cm. Óleo sobre tela / Oil on canvas / Oihal gaineko olioa. 2024
bereizten duen distantzia. Inolako kanpo-
erreferentziarik gabe, pintura topaketa bare eta
baitaratu baterako prest agertzen da, topaketa
intimo bat eskaintzen du. Kartelak, aldiz, bere
kanpoaldera seinalatzen du, berez, eta modu
limurtzaile edo gidatzailean zuzentzen zaio masa
anonimo bati, iragartzen duena aukeratzera
bultzatuz. Ez da harritzekoa, beraz, indarkeria-
ekintza bat izatea prozesu horren hasiera
katalizatzea ahalbidetu diezaiokeen ekintza bakarra:

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bere erdigunetik beretik erraigabetu behar da,
bilatu nahi duen aukeraketatik. Hutsarte horren
inguruan geratzen dira, zauri baten ertzak bezala,
kartel bat identifikatzea ahalbidetzen duten
gutxieneko elementuak: etendako grafiak, irudien
zatiak, horman itsasteko elementuak. Badirudi
Gabriel Cocak kartelaren bitartekoa bera ikusarazi
nahi duela, baina berehala suntsitzeko soilik,
zatikatzearen eta konbinazio berriak egitearen
bitartez. Era horretan, olio-pintura bakoitza
kartel baten suntsipen bikoitzean bermatzen da,
eta horrek salaketarako ahalmena ematen dio,
merkantziaren trafikoaren eta politikaren premien
mende dagoen irudi baten oposizio bihurtuz. Hori
da, azken batean, kartelaren bitartekoak bereziki
irudikatzen duena; dena dela, gure garaiko irudiari
orokorrean aplikatzen zaizkion mendekotasunak
dira, irudia semiokapitalismoaren ekosistema
mediatikoan egunero aurkitzen dugun moduan.

Orain arte, irakurketa sendo bati euskarria

eskaintzeko ahalmena duen prozesu piktoriko
horren deskribapen batez baliatu naiz. Nolanahi
ere, deskribapen hori partziala eta osatugabea
da. Hasteko, itxurazkoa soilik den linealtasun bat
erakusten duelako: Gabriel Cocaren benetako
lan-prozesuak, beste edozein artistarenak bezala,
atzerapausoak ere sartzen ditu barne, kale itsuetan
trabatzen da, eta estadio desberdinetan egiten du
aurrera aldi berean. Bigarrenik, bere pinturaren

60
benetako eragingarriak ederki adierazten dituzten
bi xehetasun ahazten dituelako. Kartelak zuri-
beltzean inprimatzen ditu, eta urratutako zatia
jadanik ebaki duenean buelta ematen dio markoari,
eta haren atzealdearekin jarraitzen du lanean. Hau
da, informazio kromatiko guztia ezabatzen du, ahal
bezain laster, eta aurkitutako kartelaren hasierako
egoera gogora ekar dezakeen guztia ere uzten du
kanpo: ez graparik, ez zelorik, ez grafia-hondakinik,
ezta zatikatutako irudirik ere. Bere helburua da
ebakitako hutsartearen forma hutsa soilik uztea,
eta, dirudienez, urratutako kartel batean aurkitu
izanak ez du garrantzi berezirik. Bere eragingarriak
pinturaren barnekoak dira bereziki.

Hemen, komenigarria da artistaren

konfidentzia bat jasotzea. Lan-prozedura honen
sustraian, Gabriel Cocak aitortzen du nolabaiteko
deserosotasuna sentitzen duela marrazkiaren
aurrean. Aurreko piezetan, hala nola Bilboko SC
60. Sin título (RVT) 81 x 65 cm. Óleo sobre tela / Oil on canvas / Oihal gaineko olioa. 2024
Galleryn 2023ko hasieran ikusi ahal izan zirenen
kasuan, pinturaren inguruko ulermen askoz ere
atmosferikoagoa agertzen zen. Kolore-planoak
jariakortasun izugarriz batzen ziren elkarrekin,
keinu-pintura autonomo bat azaleraziz, hau
da, kanpo erreferentziarik gabekoa eta mugatu
edo sostengatuko zuen ezein aurre-egiturarik
gabekoa. Bide hori agortuz joan da: keinuak, bere
berezko bat-batekotasunaren eskuetan utzita,
errepikatzeko eta ixteko joera hartzen du. Hain

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 zuzen ere, Gabriel Cocak keinu espontaneoaren
muga horretatik irteteko modu bat sumatzen zuen
marrazkian, eta aurkitutako forman topatu zuen
berau bere pinturan sartzeko bidea. Urratutako
kartelen hutsuneak eman diona ur-xirripek
eman ziezaioketen, edo Dow Jones indizearen
fluktuazioek. Garrantzitsuena ez da aurkitutako
forma horren jatorria, baizik eta nola izan daitekeen
baliagarria ondorioztatutako pintura gorpuzteko.
Eta hori gertatu dadin, artistaren gorputzarekin bat
egiteko aukera izan behar du; barneratu egin behar
da berriz ere agertzeko, berez egingo balu bezala.

Hori da prozesuari buruz lehen egin dudan

lehenengo deskribapenak sortzen dituen gaizki-
ulertuetako bat. Gabriel Cocarentzat, marrazkitik
olio-pinturara pasatzea ez da automatikoki
gertatzen den zerbait, bitarteko batetik beste batera
inolako aldaketarik gabe migratzen duen eduki
grafiko baten transposizioarekin gertatzen den
bezala. Ziri-ikatzez egindako marrazki batera iristen
denean, kartel-zatien konbinazioetatik abiatuta,
61. Evie 100 x 81 cm. Óleo sobre tela / Oil on canvas / Oihal gaineko olioa. 2024

hurrengo urratsa eskala aldatzea da. Marrazkira

nahiko eskala txikian iristen da, eta horrek berekin
dakarren manipulazio mota zerebralegia eta
bisualegia da artistarentzat, “oso eskumuturrekoa”,
berak dioen bezala. Jarduteko modu oso kontrolatu
eta kontziente bat da, eta espero ez den guztia
barne hartzeko keinua txertatzea exijitzen du,
gorputz osoa txertatzea exijitzen du. Orduan hasten

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da Gabriel Coca oinez pintatzen, armazoirik gabe
hormari zuzenean atxikitako mihise handiago
baten gainean. Eta txantiloiak baztertuta,
marrazkia eskala horretara eramaten du, hots, giza
gorputzaren eskalara. Baina estadio hori efimeroa
da: eskala batetik beste batera –bitarteko batetik
beste batera- pasatzera daraman transposizio hutsak
ez du funtzionatzen. Bere adierazpidean, Gabriel
Cocarentzat beharrezkoa da “irudia pinturarekin
apurtzea”: badirudi aurkitutako formak modu
bakarra duela olio-pinturatan funtzionala izateko,
hots, kanpo-egitura bezala ez jokatzea, baizik eta
prozesu piktorikoaren barnetik egituratuta balego
bezala. Hori artistaren gorputzaren bitartez soilik
egin daiteke, marrazkiari keinu berriak gidatzen eta
azkeneko forma bat katalizatzen uzten; forma hori,
hain zuzen ere, eraikuntza eta suntsipen faseen
artean agertzen da, erabakimen- eta zalantza-faseen
artean. Aurretiko marrazkia (eta, hortaz, kartelei
64. Sin título (GVR) 162 x 114 cm. Óleo sobre tela / Oil on canvas / Oihal gaineko olioa. 2024
buruzko erreferentzia) ikusezin bilakatzen da
amaieran, kasu gehienetan, baina horrek ez du esan
nahi bere aztarnak ez duela hor jarraitzen keinuan
txertatuta, barneratuta.

Orain hobeto ulertzen da prozesu piktoriko

hori egituratzen duen operazio-serie luze eta
zorrotzen zentzua. Gabriel Cocak bere buruari
ezarritako inguraketa bat da, zeinaren bidez
lortzen baitu pintore gisa duen askatasuna hondatu
lezaketen bi arriskuak saihestea: libre utzitako

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 keinu espontaneoaren errepikapena eta aurretiko
forma baten transposizio hutsa. Lehenengo
arriskuak, barrutik, singulartasun antzuan
kristalizatzen du pintura; bigarrenak, kanpotik,
arrotza dena jasotzeko tramite bihurtzen du.
Biak inguratzeak, batean zein bestean jausi gabe,
oreka konplexua inplikatzen du; bertan, urrats
bakoitzak, zalantza bakoitzak, birpintatze bakoitzak
ageriko arrastoak uzten ditu. Era horretan orban
kromatikoen ertzak bibrazioz eta sakontasunez
kargatzen dira, presentziaz kargatzen dira.
Kartel urratuaren forma hutsa presentzia bezala
berragertzen da orain, eta orduan gelditu egiten
da Gabriel Coca. Eta gelditzen denean, jakina,
bera mihisea bezainbeste eraldatu da. Alkimiaren
operazioetan gertatzen zen bezala -horiek ere luzeak
eta zorrotzak ziren-, aldaketa gertatzen da bai
manipulatutako elementuetan eta bai manipulatzen
dituen subjektuarengan: hura honen isla da.
65. Sin título (VA) 116 x 89 cm. Óleo sobre tela / Oil on canvas / Oihal gaineko olioa. 2024

Goian esan dudanez, hasierako forma

ur-xirripetatik edo Dow Jones indizetik hartu
liteke, eta kartel urratuen produktibitate
berbera mantendu. Baina ez dirudi hori guztiz
zuzena denik. Gabriel Cocaren prozedurari
buruz proposatzen nuen lehenengo irakurketari
nolabaiteko zuzentasuna aitortu geniezaioke orain.
Badago irudiaz nagusitzen den erregimenaren
aurkako oposizio bat, baina agian ez zirudien
bezain berehalakoa eta zuzenekoa. Oposizio

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horretarako, funtsezkoena ez da hasierako
keinu suntsitzailea, baizik eta horren ostean
datorren keinu eraikitzailea. Agian esan liteke
pieza horiek ez dutela hainbeste islatzen gure
garaiko irudiaren aurkako oposizioa, baizik eta
gure irudiaren denboren aurkako erresistentzia,
hau da, irudiarekin dugun erlazioa gaur egin
gidatzen duten borondatezko automatismoen
aurkako erresistentzia. Irudia agertzen zaigunean,
etengabeko aukeraketara bultzatu nahi gaitu.
Gaur egun, bere lehenengo funtzioa da herritar
kontsumitzailearen nahimenari eskaintzen
dizkion objektuen artean modu espontaneoan
aukeratzeko gaitasuna ondo koipetuta mantentzea.
Badirudi, nonbait, gure askatasunaren berme
bakarra esponentaneotasun-gordailu oso pertsonal
baterako sarbidea irekita uztea dela. Baina
superstizio hori da, hain zuzen ere, Gabriel Cocaren
pinturak praxian gezurtatzen duena. Aukeraketa
kontsumitzaileari egozten zaion espontaneotasuna,
keinu piktorikoaren ustezko berehalakotasuna
bezala, automatismo batean ixten da azkenean,
68. Flux 27 x 22 cm. Óleo sobre tela / Oil on canvas / Oihal gaineko olioa. 2024

hots, agian transferiezina baina beti berarekin

erabat berdina den automatismo batean. Benetako
askatasuna ez da aurre-baldintza bat, zeinera
iragazki eta bitartekotzak etetearen bidez itzultzen
baita, baizik eta norberari ezarritako zeregin bezala
konkistatzen den oreka prekario bat. Gabriel Cocak
erakusten digu nola egin behar duen. Pintatzen.

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69. Corrientes 35 x 27 cm. Óleo sobre tela / Oil on canvas / Oihal gaineko olioa. 2024

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