In Memoriam Xabier Sáenz de Gorbea

BilbaoArte 2015

FUNDACIÓN
BILBAOARTE
FUNDAZIOA
Bilboko Udala
Ayuntamiento de Bilbao
Bilbao’s City Council

Juan Zapater López

FUNDACIÓN BILBAOARTE FUNDAZIOA

Zuzendaria

Edizioa

Director

Edición

Director

Editing

Juan Mari Aburto

Aitor Arakistain

BilbaoArte

Bilboko Alkatea

Jon Bilbao

Azalaren diseinua

Alcalde de Bilbao

Koordinazioa

Diseño portada

Bilbao’s Mayor

Coordinación

Cover design

Coordination
Aitor Arakistain

Nekane Alonso
Kultura Zinegotzia

Txente Arretxea

Alicia Prieto

Concejala de Cultura

Pilar Valdivieso

Maketazioa

Councillor of Culture

Muntaia

Maquetación

Montaje

Layout

Koldo Narbaiza

Assembly
Hori-hori

Alba Fatuarte
Inés Ibañez de Maeztu

Ana Canales

Itzulpenak

Beatriz Marcos

Estibaliz Erauskin

Traducciones

Amaia Arenal

Agurtzane Quincoces

Translations

Conchi García

Ekoizpen exekutiboa

BilbaoArte Fundazioko

Producción ejecutiva

Grafilur

Patronatuaren kideak

Executive production

Inprenta
Imprenta

Miembros del Patronato de la
Fundación BilbaoArte

BI-1704-2015

BilbaoArte Foundation’s board’s members

Legezko gordailua
Depósito legal
Legal deposit

Printing
Jon Ander Rodríguez, Cristina González,
Leonor Figuereido, Naroa Gallego,
Usue Egia, Imanol Zubiauz,
Uriel Gartzia, Ernesto Gómez.
Kolaboratzaileak
Colaboradores
Collaborators

UDALA
AYUNTAMIENTO
KULTURA ETA HEZKUNTZA SAILA
ÁREA DE CULTURA Y EDUCACIÓN

FUNDACIÓN BILBAOARTE FUNDAZIOA - Urazurrutia 32 - 48003 BILBAO - Tel. 94 415 50 97 - info@bilbaoarte.org - www.bilbaoarte.org

BilbaoArte 2015

AURKIBIDEA
ÍNDICE
INDEX

9

Aurkezpena

147

Amaia Vicente García

Presentación

151

Xandra Villar Amigo

Presentation

155

Robert Waters

159

Laura Ruiz Saenz & Nora Aurrekoetxea Etxebarria

13

Bekadun artistak

Artistas becados

163

Trukaketako artistak

Grant holder artists

Artistas de intercambio

Exchange artists

15

Roberto Aguirrezabala

19

Alberto Albor

165

Manuel Casellas

23

Patxi Alda Esparza

167

Ainara Elgoibar

27

Javier Arbizu

169

Bernard Garnicnig

31

Carolina Bácares

171

Josh Gibbs

35

Verónica Bapé

173

Patrik Grijalvo

39

Basurama (Pablo Rey Mazón)

175

Eva Kees

43

Ana Berenguer Sánchez

177

Annie Nelson & Chris Woodward

47

Ramon Churruca

179

Juan Pablo Ordúñez

51

June Crespo

181

Rosa Parma

55

Xabier Dobaran

183

Gonzalo Rodríguez

59

Katharina Fitz

185

Sheila Rodríguez

63

Martín Freire

67

Andrew GangoitI Robinson

187

Erakusketak

71

Iván Gómez

Exposiciones

75

Monika Grabuschnigg

Exhibitions

79

Iñaki Gracenea Zapirain

83

Hibernando

189 LÍMBICA

87

Tamara Jacquin

191

91

Daniel Jordán

193 “Foodlândia”

95

José Jurado

195

99

Karlos Martínez B.

197 SURFACES

103

Miriam Martínez Guirao

199 MATRIZ

107

Amaia Molinet

201 PROPRIOCEPTION

111

Claudia Müller

115

Francisco Navarrete Sitja

203

Zentrua

119

Mili Pecherer

El centro

123

Alicia Prieto Echániz

The centre

127

Florencia Rojas

131

Laia Sala

207

Jarduerak

135

Laurita Siles

Actividades

139

Víctor Solanas-Díaz

Activities

143

Tunipanea

THIS IS THE END OF THE WORLD AS YOU KNOW IT
WORK SPACES

Aurkezpena - Presentación - Presentation

BilbaoArte

U

rte batean zehar gertatutakoaren balantzea egiten duena arrarotasun-sentsazio gazi-gezarekin
geratzen da. Batetik, dena oso azkarra dirudi, dena azkar hautematen da, azkarregi joan den
sentsazioarekin geratzen gara.

Bestetik, ezdeuskeria-sentsazio horrekin batera, gertatutako guztiari erreparatzen diogunean, kontuak
ateratzen direla ikusten dugu: hil batetik bestera, aste batetik bestera, egun batetik bestera... Orduan,
ikasturtea aztertzean, egindako erakusketez gogoratzean, artistaz artista, ekitaldiz ekitaldi, 2015. urtea
bereziki bizia izan dela egiaztatzen dugu.
Ekitaldi honetan zehar Bilbao Arte Fundazioak sorkuntza artistikoari laguntzeko konpromiso irmoari eutsi
dio. Horrela, beka lortutako artista kopuruak gora egin duela esan dezakegu. Bestalde, jarduera kopurua
ere handitu egin da, zuzkidurak hobetu dira, 2015. urtean MediaLab eremu berria sortu da tailerrak antolatzeko, artistentzako ikasketa kopurua handitu da, beste zentro batzuekin egindako truke kopuruak
ere gora egin du, besteak beste Bregenz, Paris, Leeds, Leipzig, Andaluzia eta beste leku batzuekin
egindako hitzarmenei esker.
Urtekari honek horren guztiaren berri ematen du, eta gure jardueraren azken ekitaldia (Ateak zabalik) eta
hurrengo ikasturtearen hasiera adierazteko erreferentzia gisa ere erabil daiteke. Ehunka, milaka pertsona izan dira gurekin. Dozenaka pertsonentzat beren lantokia izan da Bilbao Arte, sortzeko habitata eta
topatzeko lekua. Igaro diren 365 egun hauetan ia 40 arte-proiektu gauzatu dira gure beka-programaren
bultzadari esker.

Hilabete hauetan nazioarteko hainbat artista etorri da Bilbao Artera, eta horren ondorioz, Euskadiko
artisten talde handi bat ere zenbait herrialdetan erakutsi dituzte beraien lana Bilbao Arteren ekimenari
esker. Tarte honetan, ehunka jaialdi, topaketa, ikastaro, tailer, mintegi eta emanaldi ere egin dira g
­ ure
instalazioetan.
Ekintza horiek guztiak Fundazio honi laguntzen dion udalaren ekimenari esker gauzatu dira. Baina Bilboko Udala ez dago bakarrik lan horretan. Bilbo sorkuntza plastikorako eta kulturarako aldeko gune bihurtu
nahi du, eta helburu hori lortzeko, BBK Fundazioaren eta Bizkaiko Foru Aldundiaren laguntza ere izan
du. BBK Fundazioak bekak emateaz gain, lankidetzan ere aritzen da, eta Aldundiak hemen egiten diren
jardueretarako laguntzak ematen ditu. Bestalde, hainbat erakundek eta enpresak ere laguntzen dute.
Eta horren guztiaren ondorioa da urtekari honetan labur jasotzen dena. Zaila da Bilbao Arteren ekarpena
zenbaterainokoa den adieraztea. Ez da lan erraza Bilbao Artek 2015. urte osoan egindakoa liburu-katalogo batean laburtzea, beraz, urruneko oihartzun bat baino ez da izango, erdizka ikusitako irudi bat.
Baina, gutxienez, 2015. urtean Bilbao Arten gertatutakoaren aztarna txiki gisa, haren arrastorik esanguratsuenak jasota geratu dira hemen.

Nekane Alonso
Bilboko Udaleko
Kultura zinegotzia

9

10

BilbaoArte

BilbaoArte 2015

H

acer balance de lo acontecido a lo largo de un año provoca, en quien lo realiza, una agridulce
sensación de extrañamiento. De un lado, todo aparece como demasiado fugaz, todo se percibe
veloz, con la sensación de que ha ido demasiado deprisa.

Al mismo tiempo, junto a esa sensación de futilidad, cuando se hace recuento de todo lo acontecido,
vemos que salen las cuentas: mes a mes, semana a semana, día a día... Entonces, al enumerar lo que
ha sido el curso, al rememorar exposición a exposición, artista a artista, evento a evento, se certifica que
hemos vivido un año 2015 especialmente intenso.
A lo largo de este ejercicio, la Fundación Bilbao Arte ha mantenido firme su compromiso con el apoyo a
la creación artística. En ese sentido, cabría hablar de que el número de artistas becados ha crecido; que
las actividades también; que las dotaciones han mejorado; que en 2015 se ha creado un nuevo espacio
de taller, MediaLab; que se ha aumentado el número de estudios para artistas; que los intercambios con
otros centros se amplían con convenios con Bregenz, París, Leeds, Leipzig, Andalucía,…etc.
De ello da cumplida cuenta este anuario que sirve como referencia para señalar el acto final de nuestra
actividad, Puertas Abiertas, y el comienzo de lo que será el nuevo curso. Son cientos, miles, las personas que nos han acompañado. Decenas las que de manera activa han hecho de Bilbao Arte su lugar de
trabajo, su hábitat de creación y su cita de encuentro. A lo largo de estos 365 días, casi 40 proyectos
artísticos se han consumado impulsados por nuestro programa de becas.
En estos meses, un buen número de artistas internacionales ha venido a Bilbao Arte, y en consecuencia, un nutrido grupo de artistas de Euskadi ha mostrado en diferentes países su trabajo a través de la
acción de Bilbao Arte. En este lapso, nuestras instalaciones han acogido festivales, encuentros, cursos,
talleres, seminarios y proyecciones muy por encima del centenar de citas.
Acciones desarrolladas gracias a la iniciativa municipal que sustenta esta Fundación. Pero el Ayuntamiento de Bilbao no camina solo en esta empresa. A su acción decidida por hacer de Bilbao un espacio
favorable para la creación plástica y la cultura se le suman los apoyos de la Fundación BBK para la
existencia de las becas y la colaboración activa de la Diputación Foral de Bizkaia que apoya las actividades que aquí se realizan. A su lado, decenas de instituciones y empresas contribuyen a esta realidad.
Y fruto de todo eso, es lo que aquí se plasma de manera escueta. No es posible transmitir lo que Bilbao
Arte significa en su totalidad. Resumir en un libro-catálogo lo que ha sido Bilbao Arte a lo largo de 2015
parece tarea compleja condenada a esbozar un eco lejano, una imagen apenas entrevista. Pero al menos, como un pequeño rastro de lo que 2015 ha sido en Bilbao Arte, aquí queda cumplida constancia
de sus huellas más significativas.

Nekane Alonso
Concejala de Cultura
del Ayuntamiento de Bilbao

Aurkezpena - Presentación - Presentation

BilbaoArte

T

aking stock of what has happened throughout the year leads to a bitter-sweet feeling of estrangement in the person in question. On the one hand, everything seems to be too fleeting, everything
is perceived as fast, with the impression that it has passed by too hurriedly.

At the same time, together with that sense of futility, when we take account of everything that has
occurred, we can see that the books have been balanced, from month to month, from week to week
and from day to day. Thus, when we go through the year, recalling one exhibition after another, one
artist after another and one event after another, we can declare that we have experienced a particularly
intense 2015.
During this period, the Bilbao Arte Foundation has remained firm in its commitment to supporting artistic
creation. In this sense, we should mention that the number of artists with scholarships has increased,
as has the number the activities. Endowments have gone up, MediaLab, a new workshop, has been
created and there has been a rise in the quantity of studios for artists. Finally, exchanges with other
centres have been extended, with agreements with Bregenz, Paris, Leeds, Leipzig, Andalusia and so on.
This yearbook provides an overview of the above, serving as a reference to mark Puertas Abiertas
(Open Doors), the final act of our activities and the beginning of the new year. There are hundreds and
thousands of people who have accompanied us and dozens who have actively made Bilbao Arte their
workplace, their home for creation and their meeting point. Nearly 40 art projects have been completed
over these 365 days, aided by our scholarship program.
Throughout these months a large number of international artists have come to Bilbao Arte and, as a result, a sizeable group of Basque artists have displayed their work in different countries with Bilbao Arte’s
support. During this period, our facilities have hosted well over a hundred festivals, meetings, courses,
workshops, seminars and projections.
These are events held as a result of the municipal initiative sustaining this Foundation. But Bilbao City
Hall is not alone in this endeavour. Its firm commitment to making Bilbao a favourable environment for
plastic creation and culture is accompanied by the BBK Foundation’s support for the existence of scholarships and the active collaboration of the Provincial Council of Bizkaia, which promotes the activities
organized here, while dozens of other institutions and companies also contribute to this reality.
The result of the above is what is succinctly reflected on these pages. It is impossible to convey what
Bilbao Arte represents in its entirety. Summarizing what it has experienced throughout 2015 in a bookcatalogue would appear to be a complex task, doomed to sketching out a distant echo, a barely visible
image. However, it does give us at least some idea of what the year has meant, constituting a record of
its most significant events.

Nekane Alonso
Councillor for Culture
of Bilbao’s City Council

11

12

BilbaoArte

BilbaoArte

13

BEKADUN ARTISTAK
ARTISTAS BECADOS
GRANT HOLDER ARTISTS

BilbaoArte

17

Roberto Aguirrezabala
Sestao, 1971
www.robertoaguirrezabala.com
roberto@adclick.es

ntropia, denboran zehar, XX. mendeko Europako mugimendu iraultzaileetatik, 1914. urtetik aurrera, hots
Lehen Mundu Gerra hasi zenetik, 1991.
urtean Sobietar Batasuna erori zenera arte
egindako bidaia da. Ibilbide analitikoa eta
gogoetatsua, iraultza horien oinarri filosofikoak XIX. eta XX. mendeetako nahiz gaur
egungo egileekin aztertzen dituena.
Proiektuak gizarte-gatazkak eta gatazka
politikoak sakonki aztertzen ditu, askotan
porrot egindako iraultzen barruan. Horrela,
gertaera horiek bizi izan zituzten pertsonaia
marjinaletara mugatzen da. Galduta eta ingurutik kanpo, itxita, dauden pertsonaiak
dira. Termodinamikan, sistema batean erabiltzen ez den energia kantitatearen propietate neurgarria da entropia. Alferrik galdutako energia da, balio ez duen sistematik
kanpo dagoena. Zentzu horretan, egiten
ditudan pertsonaiak sistematik kanpo dauden energiak dira, erabiltzen ez den energia,
marjinala dena.
Entropia sistema baten ordenarik eza da,
baina aldi berean ordena ere izan daiteke.
Gizarte-arloan, itxuraz ordenatua den gizarte
batek, ezinbestean porrotean amaituko duen
kontrolik gabeko kaos-egoera batek baino
entropia-fase gehiago izan ditzake. Iraultza isila da, ordenatua, eta arrakasta izateko auke‑
rarik gehien dituena.

ntropía es un viaje en el tiempo por los
movimientos revolucionarios europeos
del siglo XX desde 1914, comienzo de
la Primera Guerra Mundial, hasta 1991 con
la caída de la Unión Soviética. Un recorrido
analítico y reflexivo que indaga en las bases
filosóficas de estas revoluciones con a­utores,
tanto del siglo XIX y XX como actuales.
El proyecto profundiza en los conflictos sociales y políticos dentro de los escenarios
de revoluciones, muchas veces fracasadas,
para centrarse en una serie de personajes
marginales que vivieron esos acontecimientos. Son personajes perdidos y desubicados del entorno, encerrados. En termodinámica, la entropía es la propiedad medible
de la cantidad de energía no utilizada en un
sistema. Es la energía desperdiciada, fuera
del sistema que no sirve. En este sentido los
personajes que retrato son energías fuera
del sistema, energía no utilizada, marginal.
La entropía es el desorden de un sistema,
pero al mismo tiempo también puede ser el
orden. Trasladado a términos sociales, una
sociedad aparentemente ordenada puede
contener más estadios de entropía que una
situación de caos descontrolado, abocada
inevitablemente al fracaso. Es la revolución
silenciosa, ordenada y con más posibilidades de éxito.

E

E

E

Roberto Agirrezabala Arte Ederretan
lizentziatu zen Euskal Herriko Unibertsitatean
1995. urtean, ikus-entzunezko eta pintura
espezialitateetan.
Hasieratik
diziplina
anitzeko lana egin du. Ia hamarkada bat arte
elektronikoan aritu zen. Horrela, nazioartean
erakusteaz gain sariak ere lortu dituzten bost
net.art lan egin ditu. Interneten nortasuna
erakusteko bidea eta komunitate birtual
eta adimen artifizialeko sistemen barruko
gizarte-harreman berriak aztertzen dituzte.
Gaur egun, argazkilaritza hedatuan ari da,
irudiaren eta banakoaren nortasun-gatazken,
gatazka politikoen eta gizarte-gatazken
sorkuntza aztertzen dituzten lanekin.

Roberto Aguirrezabala es Licenciado
en BB.AA. por las especialidades de
Audiovisuales y Pintura en la Universidad
del País Vasco, 1995. Desde sus comienzos
ha desarrollado su trabajo de un modo
multidisciplinar. Dedicó casi una década al
arte electrónico, con cinco obras de net.art
expuestas y premiadas internacionalmente,
que indagan en la construcción de la identidad
en Internet y las nuevas relaciones sociales
dentro de comunidades virtuales y sistemas
de inteligencia artificial. Actualmente centra su
actividad artística en la fotografía expandida
con obras que exploran la creación de la
imagen y los conflictos, tanto de identidad
como sociales y políticos, del individuo.

Roberto Aguirrezabala graduated from the
University of the Basque Country in 1995
with a Degree in Fine Arts, specializing in
Audiovisuals and Painting. Since the start
of his career he has developed his work
in a multi-disciplinary manner. He devoted
almost a decade to electronic art, exhibiting
five net.art works with international awards
which delve into the construction of identity
on the Internet and new social relationships
in virtual communities and systems of
artificial intelligence. He currently focuses his
artistic activity on expanded photography,
with works which explore the creation of
images and the conflicts of the individual, in
terms of his or her identity and social and
political issues.

Europa (2015)
145 x 110 cm
Inpresio digitala Hahnemühle Photo Rag Ultra
Smooth paperean beira-arasan enmarkatua
Impresión digital sobre papel Hahnemühle Photo Rag Ultra Smooth enmarcado en vitrina

7 de Noviembre (2015)
145 x 110 cm
Inpresio digitalak Hahnemühle Photo Rag Ultra
Smooth paperean beira-arasan enmarkatuak
Impresiones digitales sobre papel Hahnemühle
Photo Rag Ultra Smooth enmarcado en vitrina

ntropía (Entropy) is a trip back in time
to the European revolutionary movements of the 20th century from 1914,
the beginning of the First World War, until
1991 and the fall of the Soviet Union. It is
an analytical and reflective journey which inquires into the philosophical foundations of
these revolutions with authors from the 19th
and 20th centuries and the current day.
The project explores social and political
conflicts within the scenarios of often unsuccessful revolutions, focussing on a series
of marginal characters who lived through
the events. They are characters lost and disoriented in their environment and trapped
within it. In thermodynamics, entropy is the
measurable property of the amount of energy not used by a system. It is wasted energy
outside the system which cannot be used.
In this sense, the characters I portray are
energies outside the system, unused and
marginal energies.
Entropy is the disorder of a system but,
at the same time, it can also be the order.
Translated into social terms, an apparently
orderly society may contain more states
of entropy than a situation of uncontrolled
chaos, inevitably doomed to failure. It is a
silent, orderly revolution with more chances
of success.

Revolución 360º (2015) (Fragmento)
145 x 110 cm
Inpresio digitalak Hahnemühle Photo Rag Ultra
Smooth paperean beira-arasan enmarkatuak
Impresiones digitales sobre papel Hahnemühle
Photo Rag Ultra Smooth enmarcado en vitrina

Parabellum (2015)
17 x 12 x 45 cm

BilbaoArte

21

Alberto Albor
Burgos, 1977
mralbor@yahoo.es

A

lantea sus cuadros como ventanas de
acceso a una realidad artificial, extraña, pero no por ello menos verosímil,
que sirve de soporte a una serie de objetos
asociados para configurar una narración,
que apela de manera directa a la memoria
colectiva, a través de códigos que son fácilmente reconocibles en parte de la producción literaria y audiovisual con­temporánea.
End Zone es ese límite en el que construye
una cosmogonía pictórica personal, que da
orden a un lenguaje simbólico que alude a la
evocación, al autorretrato, a lo inexplicable
y a la realidad que compartimos con el otro
lado del espejo.

P

lberto Conceives his paintings as
windows providing access to an artificial, strange, but no less plausible
reality which supports a set of associated
objects to configure a narrative which directly appeals to the collective memory
by means of codes easily recognizable
in some contemporary literary and audio-visual production.
End Zone is the limit at which he constructs
a personal pictorial cosmogony which gives
order to a symbolic language alluding to
evocation, the self-portrait, the inexplicable
and the reality we share with the other side
of the mirror.

Alberto Albor Arte Ederretan lizentziatu
zen EHUn (2000), eta doktorego-ikastaroak
egin zituen pintura espezialitatean. Bakarka
egindako erakusketen artean hauek ditugu:
“Hybris”, Eduardo Dato aretoan (Gasteiz,
2004); “Deliverance”, Ariz dorrean (Basauri,
2007); “El miedo acaba con el sueño”, Bilbao Arte Fundazioan (Bilbo, 2009); “Tales
from Mars”, Bastero Kulturgunean (Andoain,
2009); “Spoiler”, Rekalde Aretoan (Bilbo,
2012); eta Aranda de Dueroko Pago de
Los Capellanes upeltegian (Burgos, 2013).
Hauek izan dira parte hartu duen azken
erakusketa kolektiboak: 2014. urtean, “Arteshop 2014” (Bilbo); “Bosteko 2014” (Erakusketa ibiltaria, Bizkaia); “Cara a cara, cuaderno de notas” (Artium Museoa, Gasteiz);
eta “25º aniversario Beca Juan de Otaola”
(Ariz dorrea, Basauri).

Alberto Albor es Licenciado en Bellas Artes por la U.P.V (2000), realizando cursos
de doctorado especialidad de pintura. Entre
sus exposiciones individuales están: “Hybris” en la Sala Eduardo Dato (Vitoria, 2004);
“Deliverance” en la Torre de Ariz (Basauri,
2007); “El miedo acaba con el sueño” en la
Fundación Bilbao Arte (Bilbao, 2009); “Tales
from Mars” en el Centro Cultural Bastero
(Andoain, 2009); “Spoiler” en la Sala Rekalde (Bilbao, 2012); y en la Bodega Pago de
Los Capellanes de Aranda de Duero (Burgos, 2013). Las últimas exposiciones colectivas en las que ha participado son: en
2014, “Arteshop 2014” (Bilbao); “Bosteko
2014” (Exposición itinerante, Bizkaia); “Cara
a cara, cuaderno de notas” (Museo Artium,
Vitoria); y “25º aniversario Beca Juan de
Otaola” (Torre de Ariz, Basauri).

Alberto Albor has a Bachelor’s Degree in
Fine Arts from the UPV (2000), carrying out
doctoral courses specializing in painting. His
individual exhibitions include “Hybris” at the
Eduardo Dato Hall (Vitoria, 2004), “Deliverance” at the Torre de Ariz (Basauri, 2007),
“El miedo acaba con el sueño” at the Bilbao
Arte Foundation (Bilbao, 2009), “Tales from
Mars” at the Bastero Cultural Centre (Andoain, 2009), “Spoiler” at the Sala Rekalde
(Bilbao, 2012) and another at the Bodega
Pago de Los Capellanes in Aranda de Duero
(Burgos, 2013). The latest collective exhibitions he has taken part include, in 2014,
“Arteshop 2014” (Bilbao), “Bosteko 2014” (a
travelling exhibition, Bizkaia), “Cara a cara,
cuaderno de notas” (Artium Museum, Vitoria) and the “Juan de Otaola 25th Anniversary Scholarship” (Torre de Ariz, Basauri).

It’s over
100 x 81 cm
Akrilikoa paperean
Acrílico sobre papel

In dreams
180 x 150 cm
Akrilikoa mihise gainean
Acrílico sobre lienzo

Todos los arco iris del cielo
100 x 81 cm
Akrilikoa paperean
Acrílico sobre papel

lbertok errealitate artifizial edo arraro
batera sartzeko leihoak gisa erakusten ditu bere koadroak. Hala ere, horrek ez du eragiten ez izatea hain sinesgarria;
narrazio bat sortzeko lotuta dauden zenbait
objekturen euskarri gisa balio dute. Zuzenean oroipen kolektiboari egiten dio erreferentzia, gaur egungo literatura-ekoizpenaren
eta ikus-entzunezkoen ekoizpenaren barruan erraz ezagutu daitezkeen kodeen bidez.
End Zone kosmogonia piktoriko pertsonal
bat eraikitzen den muga da, oroipenari, autoerretratuari, esplikaezinari eta ispiluaren
beste aldearekin partekatzen dugun errealitateari buruz ari den hizkuntza sinbolikoari
agintzen diona.

A

BilbaoArte

25

Patxi Alda Esparza
Iruñea, 1972
genoma0110010.wordpress.com
vimeo.com/user1499858
patxi_alda@yahoo.com

P

l proyecto se fundamenta en la exploración de las relaciones, interferencias e implicaciones conceptuales
que se derivan de la incorporación de la
tecnología actual al discurso artístico. Se
plantea como una metáfora, una reflexión
en la que se propone una narrativa mediante la construcción de un arte-facto, un
artificio. La tecnología digital perfila nuevos
campos de significación. El hecho artístico
supone una revisión que puede ayudarnos
a replantear ciertos paradigmas anclados
en el imaginario colectivo. El proyecto hace
referencia al dispositivo conceptual planteado por Platón en el mito de la caverna. El
discurso se construye en base a una doble
lectura, la del interior/actor y la del exterior/
observador. Me interesa entender cómo se
construye el concepto de lo real, de lo que
conocemos por Realidad. Para ello debo
entender los mecanismos de la percepción,
de la cognición.

E

he project is based on an exploration
of conceptual relationships, interferences and implications arising from
the incorporation of modern-day technology
into artistic discourse. It is proposed as a
metaphor, a reflection proposing a narrative
by means of the construction of an art-facto,
an artifice. Digital technology outlines new
fields of signification. The artistic act represents a revision which can help us to rethink
certain paradigms rooted in the collective
imaginary. The project refers to the conceptual device proposed by Plato in the allegory
of the cave. The discourse is constructed
upon a double reading, that of the interior/
actor and the exterior/observer. I am interested in understanding how the concept
of what is real, what we know as Reality,
is built. To do so I have to understand the
mechanisms of perception and cognition.

Patxi Alda Esparza diziplina anitzeko artista eta ikertzailea da. Gaur egun, Doktorego Tesia egiten ari da EHUko Arte Ederren
Fakultateko Arte eta Teknologia sailean.
Bilbon, Barasoainen eta Iruñean lan egiten
du. Eskulturan, ikus-entzunezko sorkuntzan
eta 3D animazioan aritzen da, artearen eta
teknologiaren harreman sinbiotikoak aztertzen. Bere lan garrantzitsuenen artean
daude “Xalbador Puig Antic”, “Los Borgia”
eta “Pura Vida, the ridge” ” film luzeetan
izandako parte-hartzea; Arkeologia Museo
Nazionalaren AT1 aretoaren diseinua, eta
Nafarroako Gobernuak 2009. urtean beka
emandako Genoma0110010. Hainbat sari
ere jaso ditu, hala nola Iruñeko Eskulturako
artista gazteen saria (1996), film amateurrik
onena, teknologia berrien erabilera nabarmenari eta hedapen zientifikoari emandako
saria, eta Espainiako ekoizpen-lanik onenaren saria Telenatura Nazioarteko Jaialdian
(2002, 2007).

Patxi Alda Esparza es artista multidisciplinar e investigador. Actualmente está realizando la Tesis Doctoral en el Departamento
de Arte y Tecnología de la Facultad de Bellas
Artes de EHU/UPV. Trabaja entre Bilbao, Barásoain y Pamplona. Su trabajo se desarrolla
entre la escultura, la creación audiovisual, y
la animación 3D, explorando las relaciones
simbióticas del arte y la tecnología.
Entre los trabajos reseñables están la participación en los largometrajes Xalbador Puig
Antic, Los Borgia y pura Vida, the ridge, el
diseño y concepción de la instalación de la
sala AT1 del Museo Arqueológico Nacional y el Genoma0110010 becado por el
Gobierno de Navarra en 2009. Ha recibido
varios premios como el Pamplona Jóvenes
Artistas en escultura (1996), a la mejor película amateur, al uso destacado de nuevas
tecnologías y a la divulgación científica y a
la mejor producción española en el Festival
Internacional Telenatura (2002, 2007).

Patxi Alda Esparza is a multi-disciplinary
artist and researcher. He is currently studying for his doctoral thesis in the Department
of Art and Technology of the Faculty of Fine
Arts of the EHU/UPV. He works in Bilbao,
Pamplona and Barasoain. His work develops between sculpture, audiovisual creation
and 3D animation, exploring the symbiotic
relationships between art and technology.
His leading works include participation in
the Xalbador Puig Antic films, Los Borgia
and Pura Vida, the Ridge, the design and
conception of the installation of the AT1 hall
at the National Archaeological Museum and
the Genoma0110010 scholarship from the
Government of Navarre in 2009. He has
received several awards, such as the Pamplona Young Artists in Sculpture (1996), the
best amateur film, the prominent use of new
technologies, the popularization of science
and the best Spanish production at the Telenatura International Festival (2002, 2007).

Detalle de Arte-facto RD (realidad disminuida)
VR glassesak, TFT LCD (4.3 “) 2
VR glasses, 2 TFT LCD (4.3 “)

Into the city
5’
Deriba-akzioa. Bideo digitala HD
Deriva-acción. Video digital en formato HD

Into the forest
5’
Deriba-akzioa. Bideo digitala HDn
Deriva-acción. Video digital en formato HD

Into the forest (screenshot)
5’
Deriba-akzioa. Bideo digitala HD
Deriva-acción. Video digital en formato HD

Rediscovering Henri Moore
5’
Deriba-akzioa. Bideo digitala HD
Deriva-acción. Video digital en formato HD

Arte-facto RD (realidad disminuida)
Metakrilatoa, bizikleta kaskoa, raspberry pia, pikamera
eta bateriak
Metacrilato, casco de bicicleta, raspberry pi, picamera,
baterías

roiektu hau gaur egungo teknologia
arlo artistikoan sartzean eragindako harremanen, interferentzien eta
kontzeptuzko inplikazioen azterketan oinarritzen da. Metafora bat bezalakoa da,
arte-faktu edo artifizio bat eraikiz narratiba
proposatzen duen gogoeta bat. Teknologia
digitalak esangura-eremu berriak sortzen
ditu. Gertaera artistiko batek berrazterketa
dakar, eta horrek imajinario kolektiboan dauden zenbait paradigma berriro planteatzen
lagun gaitzake. Proiektuak Platonek haitzuloaren mitoan proposatutako tresna kontzeptualari egiten dio erreferentzia. Diskurtsoa irakurketa bikoitza batean oinarrituz eraikitzen
da: batetik, barrukoa dena, hots, aktorearena, eta bestetik, kanpokoa dena, hots, behatzailearena. Erreala denaren, hau da, errealitate gisa ezagutzen dugunaren kontzeptua
nola sortzen den ulertzea interesatzen zait.
Horretarako, hautematearen, kognizioaren
mekanismoak ulertu behar ditut.

T

BilbaoArte

29

Javier Arbizu
Estella, 1984
www.javierarbizu.com
arbizu0@gmail.com

“Egoera psikiko jakin baten aldibereko
gertaera, uneko egoera subjektiboan paralelo esanguratsu gisa agertzen direnak kanpoko gertakari batekin edo gehiagorekin – eta
alderantziz zenbait kasutan”.
Carl Jung

”Acontecimiento simultáneo de un cierto estado psíquico con uno o más sucesos externos que aparecen como paralelos significativos en el estado subjetivo momentáneo – y
viceversa en algunos casos.”
Carl Jung

“Simultaneous occurrence of a certain mental state with one or more external events
which appear as meaningful parallels in the
momentary subjective state - and vice versa
in some cases.”
Carl Jung

“Protoaztarna honetan iragana eta etorkizuna bateratzen dira, oroitzapenak
(Nachzeichen) eta augurioak (Vorzeichen),
oraina inoiz izan ez zen iragana etorkizunez
beterik egoten delako, gure oraingo aukeretara mugatu ezin den bigarren etorkizun
baten formarekin”.
Bernhard Waldenfelds

“En esta protohuella se tocan pasado y futuro, recuerdos (Nachzeichen) y augurios
(Vorzeichen,) pues un pasado que nunca
fue presente permanece preñado de provenir bajo la forma de un segundo futuro
que no es reductible a nuestras posibilidades de presente.”
Bernhard Waldenfelds

“Past and future, memories (Nachzeichen)
and predictions (Vorzeichen) touch each
other in this proto-print, as a past which
was never present remains filled with
prospects in the form of a second future which cannot be reduced to our present-day possibilities.”
Bernhard Waldenfelds

Javier Arbizu artista eta komisarioa da. Bilbon bizi da eta Bilbon bertan lan egiten du.
Arte Ederretan lizentziatu zen Salamancako
Unibertsitatean. Masterra egin zuen Arte
Ederretan (MFA) San Frantziskoko (Kalifornia) San Francisco Art Institute erakundean.
Beka hauek jaso ditu: Fulbright, MAECAECID Kultura Kudeaketa, egoiliarra izan da
Bilbaoarten, Arte Ikasketen handitzea eta
Nafarroako Gobernuaren Arte Plastikoetako proiektuetarako laguntza, eta Erasmus
beka truke-ikastaro bat egiteko Alemaniako
Kunsthochschule Kassel zentroan.
Honako golardoak jaso ditu: Guasch Coranty
lehen saria, La Casa Encendida-ko “Inéditos”
saria, San Francisco Art Institute-aren “Anne
Bremer Memorial Price”, “Murphy and Cadogan Award” San Francisco Art Foundationaren eskutik, Salamanca-ko Unibertsitatearen Vicente García Corselas Fundazioaren
“Segundo Vicente” saria, BMW Pintura Sarien “Mario Antolín”-a, eta Nafarroako Gobernuko “Encuentros” (Topaketak) saria.
Bere lana honako guneetan erakutsia izan
da: Scope Miami Beach, Arte Santander,
Uharte Arte Garaikideko Zentroa, DA2 Salamanca; hala nola, Badajoz-eko Ángeles
Baños, Bilboko Michel Mejuto, eta San
Frantziskoko Diego Rivera eta SOMArts galeriatan. Sudan-eko Museo Nazionalean eta
Madrileko La Casa Encendida-n komisariatu
ditu erakusketak.

Javier Arbizu es artista y comisario. Vive y
trabaja en Bilbao. Licenciado en Bellas Artes
por la Universidad de Salamanca. Master en
Bellas Artes (MFA) por el San Francisco Art
Institute de San Francisco, California.
Ha recibido las becas Fulbright, Gestión
Cultural MAEC-AECID, Residencia BilbaoArte, Ampliación de Estudios Artísticos y
la Ayuda para proyectos de Artes Plásticas
del Gobierno de Navarra, así como la beca
Erasmus para la realización de un curso de
intercambio en la Kunsthochschule Kassel
de Alemania.
Ha sido galardonado con el primer premio
Guasch Coranty, Inéditos de la Casa Encendida, Anne Bremer Memorial Price del
San Francisco Art Institute, Murphy and Cadogan Award de la San Francisco Art Foundation, Segundo Vicente de la Fundación
Vicente García Corselas de la Universidad
de Salamanca, Mario Antolín de los Premios
de Pintura BMW y Encuentros del Gobierno
de Navarra.
Ha mostrado su trabajo en Scope Miami
Beach, Arte Santander, el Centro de Arte
Contemporáneo Huarte, Da2 Salamanca,
las galerías Ángeles Baños en Badajoz,
Michel Mejuto en Bilbao, Diego Rivera y
SOMArts en San Francisco. Ha comisariado exposiciones en el Museo Nacional
de Sudan y La Casa Encendida en Madrid.

Javier Arbizu An artist and curator. He lives
and works in Bilbao. He has a Bachelor’s
Degree in Fine Arts from the University of
Salamanca and a Master’s Degree in Fine
Arts (MFA) from the San Francisco Art Institute, San Francisco, California.
The scholarships he has received include a
Fulbright, MAEC-AECID Cultural Management, a Bilbao Arte residency, an Extension
of Artistic Studies and Aid for Plastic Arts
Projects from the Government of Navarre,
as well as an Erasmus scholarship for the
completion of an exchange course at the
Kunsthochschule Kassel in Germany.
He received the Guasch Coranty First Place,
Inéditos from La Casa Encendida, Anne
Bremer Memorial Price from the San Francisco Art Institute, Murphy and Cadogan
Award from the San Francisco Art Foundation, Segundo Vicente from the Vicente
García Corselas Fundation of the University
of Salamanca, Mario Antolín from the BMW
Painting Price and Encuentros from the
Government of Navarre.
He has shown his work at Scope Miami
Beach, Arte Santander, the Contemporary
Art Center Huarte, Da2 Salamanca, the galleries Ángeles Baños in Badajoz, Michel Mejuto in Bilbao, Diego Rivera y SOMArts in San
Francisco. He has curated art exhibitions at
the National Museum of Sudan in Khartoum
and La Casa Encendida in Madrid.

Basamortuan sartu behar badugu,
banago basamortuan”.
Jorge Luis Borges

Si hemos de entrar en el desierto,
ya estoy en el desierto.”
Jorge Luis Borges

If we have to enter the desert,
I am already in the desert.”
Jorge Luis Borges

BilbaoArte

33

Carolina Bácares
Colombia, 1987
carolinabacares.wordpress.com
cabaja75@gmail.com

l proyecto “Los Caminantes” se
fundamenta en la búsqueda de un
archivo fotográfico de imágenes elaboradas por fotógrafos ambulantes en las
principales ciudades de España a principios y mediados del siglo XX. Este tipo de
fotografía habita entre una memoria privada
y otra colectiva, al registrar no solamente
a una persona en un momento específico,
sino también el espacio público y los lugares
de tránsito en la ciudad. Este doble registro,
el del transeúnte y la calle permite en el presente analizar un pasado, un atrás, un tiempo concreto y un espacio que posiblemente
se ha transformado o ha desaparecido. La
base principal del archivo recolectado fue
encontrado en mercadillos y ventas de segunda mano.
De este modo, la ausencia de un dueño,
la inexistencia de un relato por parte de
la persona fotografiada, visualiza a estas
imágenes en el borde de una inminente
desaparición. Y así mismo da cabida a la
reelaboración y ficción de nuevas historias y
encuentros a través de la exploración, yuxtaposición y disolución de la propia imagen
fotográfica.

E

he project titled “Los Caminantes”
is based on the search for a photographic archive of images taken by
itinerant street photographers in the main
cities of Spain in the early and mid 20th
century. This type of photography lies somewhere between a private and collective
memory, recording not only a person at a
specific moment in time but also the public space and transit areas in the city. This
double register, that of the passer-by and
the street, allows a present-day analysis of
the past, a step back into a particular time
and space which has possibly been transformed or disappeared. The main section of
the compiled archive was discovered at flea
markets and second-hand shops.
Thus, the absence of an owner and the lack
of an account by the person photographed
place these images on the verge of imminent disappearance. They also accommodate the rewriting and fiction of new stories
and encounters by means of the exploration, juxtaposition and dissolution of the
photographic image itself.

Carolina Bacaresek Bi dimentsioko arloko
Arte Plastikoetako masterra egin zuen Bogotako El Bosque Unibertsitatean. Bestalde, Valentziako Unibertsitate Politeknikoan
Produkzio Artistikoko masterra egin zuen,
Arte Publikoan espezializazioa eginez. Kolonbian nahiz Espainian egin ditu erakusketak eta jaso dituen beken eta sarien artean
hauek dira garrantzitsuenak: Gilberto Álzate
Avendaño Fundazioaren eta Bogotako Alkatetzaren 2014ko Ciudadanías Juveniles
Locales beka; XVII. Art Públic/Universitat
Pública erakusketarako hautatu zuten, Valentziako Unibertsitatea, 2013; SELECTA
proiektua hautatu zuten, Valentziako Unibertsitate Politeknikoan eta Kir Royal Galerian, Valentzian, 2012. urtean; atzerrian
ikasketa egiteko ICETEX Jóvenes Talentos
beka irabazi zuen 2010. urtean, eta 2008ko
Bogotako Arte Garaikideko Museoaren
Abuztuko Aretoan irabazi zuen.

Carolina Bácares es Maestra en Artes
Plásticas con Énfasis en el área Bidimensional por la Universidad El Bosque de
Bogotá y tiene un Máster en Producción
Artística con especialidad en Arte Público,
realizado en la Universidad Politécnica de
Valencia. Ha expuesto tanto en Colombia
como en España y ha recibido becas y premios como La Beca Ciudadanías Juveniles Locales 2014 de la Fundación Gilberto
Álzate Avendaño y la Alcaldía de Bogotá.
Seleccionada en la XVI muestra Art Públic/Universitat Pública, UV, Valencia 2013.
Selección Proyecto SELECTA, Universidad
Politécnica de Valencia y Galeria Kir Royal,
Valencia, 2012. Ganadora de la Beca Jóvenes Talentos ICETEX para la realización
de estudios en el exterior en el año 2010.
Ganadora  del Salón de Agosto Museo de
Arte Contemporáneo Bogotá 2008.

Carolina Bácares has a Master’s Degree
in Plastic Arts with Emphasis on the Bi-dimensional Area from the El Bosque University of Bogotá and a Master’s Degree in
Artistic Production specializing in Public Art
obtained at the Polytechnic University of Valencia. She has held exhibitions in both Colombia and Spain and has received scholarships and awards, including the 2014
Ciudadanías Juveniles Locales (Local Youth
Citizenships) Scholarship from the Gilberto
Álzate Avendaño Foundation and the Mayor’s Office in Bogotá. Selected for the 16th
Art Públic/Universitat Pública UV display,
Valencia, 2013. Selected for the SELECTA
Project at the Polytechnic University of Valencia and the Kir Royal Gallery in Valencia,
2012. Winner of the Young Talent ICETEX
Scholarship for studies abroad in 2010.
Winner of the Salón de Agosto competition
at the Museum of Contemporary Art in Bogotá in 2008.

De la serie “Reversos”
35 x 50 cm
Inpresio digitala paper gainean
Impresión digital sobre papel

Work in progress “Caminantes”
Neurri aldakorrak / medidas variables
Kollagea eta inpresio digitala paper gainean
Collage e impresión digital sobre papel

Work in progress “Caminantes”
Argazki artxiboa eta kuentahilosa
Archivo fotográfico y cuentahílos

Los Caminantes” proiektua argazkilari ibiltariek Espainiako hiri nagusietan XX. mendearen hasieran eta erdialdean egindako irudien argazki-artxibo
batekin osotu da. Kaleko argazkilaritza.
mota hori oroimen pribatuaren eta oroimen
kolekti­boaren artean dago, izan ere, erregis­
tratzean ez dago pertsona bat bakarrik une
jakin batean; eremu publikoa eta hiritik igarotzen diren lekuak ere badaude. Erregistro
bikoitz horrek, hots, oinezkoarena eta kalearena denak, orainean iragan bat, une jakin
bat, eta ziur asko dagoeneko aldatu edo
desagertu den eremu bat aztertzeko aukera
ematen du. Bildutako artxiboaren oinarri nagusia merkatu txikietan eta bigarren eskuko
gauzak saltzen dituzten lekuetan bildu zuen.
Horrela, jaberik, argazkian agertzen den
pertsonaren kontakizunik egon ezean, berehala desagertzeko zorian dauden irudiak
ikusten dira. Eta horrela, istorio eta topaketa
berriak berregiteko eta horien fikzioa egiteko
aukera ematen du, argazkiaren irudia bera
aztertuz, ondoan ipiniz eta deseginez.

T

BilbaoArte

37

Verónica Bapé
Ciudad de México, 1981
cargocollective.com/veronicabape
chipsihiva@gmail.com

Izenak zeinuak, gauzen irudi soinudunak
dira. Izen guztiek gauza bati erantzuten
diote. “Ez da sinetsi behar existitzen direla; ez da esan behar ez direla existitzen”.
J.M. de Barandiarán, “Mitología Vasca”.

Los nombres son signos, imágenes sonoras de las cosas. Todo nombre responde a alguna cosa. “No se debe creer
que existen; no hay que decir que no existen”.
J.M. de Barandiarán, Mitología Vasca.

Names are signs, sound images of
things. Every name responds to something. “Do not believe that they exist; do
not say that they do not exist”.
J.M. de Barandiarán, Basque mythology.

Proiektuaren helburua mamu-ideiaren inguruan garatuko diren lan-multzo bat sortzea
da, betiere Bilboko (Bizkaia) hiriaren barruan.
Kontzeptua kontuan harturik, gaiaren irekitzea eta subjektibotasuna direla eta, esparru historikoekin lotu dezake. Horrela,
“ahaztuta” eta “ezkutatuta” dagoena azterturik, euskal mitologiaren, hileta-errituen eta
euskararen zenbait alderdirekin lotzea lortu
zuen. Hori guztia irudi, pintura eta objektuen
bidez, euren artean hitz egin dezaketenak
nire proiektuaren gaiaren inguruko hainbat
erlaziori buruzko irakurketa sortuz.
Mamuaren ideia hori, paranormala dena
aurkitzeko nahiarekin hasi zen. Horrez gain,
jadanik ez dauden edo presentzia fisikorik
ez duten gauza horien bilaketa historikoa
egin nahi zuen. Zorioneko prozesu batean, proiektuak heriotzaren gaira jo zuen,
mamuaren ideiarekin lotuta. Horrela, tarte handiagoa sortu zen bere interesen eta
ekoizpen artistikoaren artean.

El proyecto tiene como objetivo la creación
de un conjunto de obras a desarrollarse alrededor de la idea de fantasma, dentro del
contexto de la ciudad de Bilbao, Bizkaia.
Conceptualmente, la apertura y subjetividad del tema le permite relacionarlo con
ámbitos históricos que, a partir de explorar
lo “olvidado” o lo “oculto”, logró trasladar y
vincular con ciertos aspectos de la mitología vasca, ritos funerarios y la lengua Euskera. Esto, a través de imágenes, pinturas
y objetos que puedan dialogar generando
una lectura sobre las diversas relaciones en
torno a la temática que articula mi proyecto
en residencia.
Mamu / Fantasma comenzó como un deseo por el encuentro con lo paranormal,
además de la búsqueda histórica de aquellas cosas que ya no existen o que carecen
de presencia física. En un afortunado proceso, el proyecto derivó hacia la temática
de la muerte ligada a la idea de fantasma,
abriéndose así una nueva brecha dentro de
sus intereses y producción artística.

The project aims to produce a heterogeneous set of works to develop around the idea
of ghost and in the context of the city of Bilbao, Bizkaia.
Conceptually, the theme allows to relate it
with historical areas that, from exploring the
concepts of “the forgotten” or “the hidden”
she achieved to translate and link them to
certain aspects of the Basque mythology,
the funeral rites and the Basque language.
All this research was translated through
pictures, paintings and objects that may
generate a dialogue around the subject that
articulates this residency project.
Mamu / Ghost began as a desire for the encounter with the paranormal, in addition to
the historical research of those things that no
longer exist or have no physical presence. In
a successful process, the project turned to
the subject of the death, attached to the idea
of ghost, opening new interests and new
ways of doing in her artistic production.

Verónica Bapék (Verónica Baltadano Pérez)
“La Esmeralda” Pintura, Eskultura eta Ma­
rrazketa Eskola Nazionalean egin zuen
lizentziatura (2003-2007, Mexiko Hiria). Banakako eta taldekako zenbait erakusketatan parte hartu du Mexikon eta atzerrian.
Horien artea, hauek nabarmentzen dira:
“Pararrayos”, Alemanian dagoen Mexikoko
enbaxadan (Berlin, 2015); “Filtros”, DIAGRAMA galerian (Mexiko Hiria, 2015); “Si tu puedes verme, también puedo verte”, La Trampa
Gráfica Contemporánea zentroan (Mexiko
Hiria 2013); UP / DOWN / CHARM / STRANGE / TOP / BOTTOM, Petite Mort Gallery galerian (Ottawa, Kanada, 2014); “The space
between” (Manheim, Alemania, 2013); “Viajero sobre el mar de niebla” Proyecto TRASLADOS Acción 10 (Oaxaca, Oax ,2012 );
“POLVO”, Carrillo Gil Arte Museoko Audio eta
bideko kabinetean (Mexiko Hiria, 2014).

Verónica Bapé (Verónica Baltadano Pérez)
estudió la Licenciatura en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La
Esmeralda” (2003-2007, Ciudad de México). Ha participado en varias exposiciones
colectivas e individuales en México y extranjero. Entre ellas destaca “Pararrayos” en la
Embajada de México en Alemania (Berlín,
2015); “Filtros” en DIAGRAMA Galería (Ciudad de México, 2015); “Si tu puedes verme,
también puedo verte” en La Trampa Gráfica
Contemporánea (Ciudad de México, 2013);
UP / DOWN / CHARM / STRANGE / TOP /
BOTTOM en la Petite Mort Gallery (Ottawa,
Canadá, 2014); “The space between” (Manheim, Alemania, 2013); “Viajero sobre el mar
de niebla” Proyecto TRASLADOS Acción 10
(Oaxaca, Oax ,2012 ); “POLVO” Gabinete de
audio y vídeo del Museo de Arte Carrillo Gil
(Ciudad de México, 2014).

Verónica Bapé (Verónica Baltadano Pérez).
B.A. in Arts at National School of Painting,
Sculpture and Engraving “La Esmeralda”
(2003-2007, Mexico City). She has exhibited
in solo shows at DIAGRAMA Gallery (Filtros,
in collaboration with artist Jose Porras, Mexico City, 2015); La Trampa, Contemporary
Graphic (If you can see me, I can see you.
Mexico City 2013); TRASLADOS PROJECT
(Traveller above the sea of fog, Action 10
Oaxaca, Oax , Mexico, 2012). Some group
exhibitions include UP / DOWN / CHARM /
STRANGE / TOP / BOTTOM at Petite Mort
Gallery (Ottawa, Canadá, 2014); “The space
between” (Manheim, Alemania, 2013);
“DUST ” Audio and video cabinet at Art Museum Carrillo Gil (Ciudad de México, 2014)
and “PARARRAYOS” (Embassy of Mexico in
Germany, 2015).

Fuego, casa y sepultura
80 x 183 cm
Beira, olioa paper gainean, argizaria eta akrilikoa
Vidrio, óleo sobre papel, cera y acrílico

El ojo que atraviesa las aguas
122 x 140 x 59 cm
Egurra, olioa eta papera
Madera, óleo y papel
Composición para la muerte
26,4 x 24 cm
Argazkia esku-hartuta, egurra, argizaria eta artilea
Fotografía intervenida, madera, cera y lana
El silencio y la sepultura
24 x 24,5 cm
Tolesturiko oihala
Tela doblada

Reflexión sobre el arcoiris #1
39,3 x 28,1 cm
Olioa paper gainean
Oleo sobre papel

Velador / Ofrenda para un cuerpo muerto
124 x 64,3 cm
Egurra, argizaria, akrilikoa, inpresio digitala eta papera
Madera, cera, acrílico, impresion digital y papel

La visita del bosque
81 x 64,5 cm
Olioa paper gainean
Oleo sobre tela

BilbaoArte

41

Basurama
Pablo Rey Mazón
Madrid, 1980
basurama.org
bilbao@basurama.org

hainwork Reverted kontsumoari,
hondakinei eta birziklatzeari buruzko
ikus-entzunezko proiektua da. Supermerkatuko orga hartzen da erosleak eta
birziklatzaileak, berriki erositako produktuen
garraioa eta zaborrontzitik hartutako materialak harremanetan jartzen dituen irudi gisa
–kontsumoaren sinboloa-.
Kontsumitzailea atal garrantzitsua da produkzio-katea zabortegiraino hedatzen duen
mekanismo horretan. Kontsumoa eta hondakinak prozesu berean daude. Basurama-rekin egin nuen Chainwork (kateko lana)
bideo-instalazioan gai hori landu genuen.
Horrela, supermerkatuko produktuak eta
hondakinak bata bestearen ondoan jarri genituen hondakinak bereizteko fabrikan.
Chainwork Reverted-ek kontsumoaren eta
hondakinen arteko erlazioa ikertzen du, aktore nagusiak barne hartuz eta birziklatzen
dutenek neurri batean prozesua aldatzen
dutela erakutsiz. Bideo-instalazioan erosleek
supermerkatuko organ beren erosketa nola
eramaten duten, eta birziklatzaileek zabo­
rrontzitik hartutako materialak nola eramaten
dituzten ikusten da.
Birziklatzea industriaren eta gizartearen beste mekanismo bat bada ere, kontzientzia
lasai izanda gehiago ekoizteko eta kon­
tsumitzeko, birziklatzaileek eginkizun oso
garrantzitsua dute hondakin horiek erabiliz
balioa bereizteko eta berreskuratzeko. Inork
egin nahi ez duen zeregina dute. Hala ere,
gizarteak baztertzen duenarekin lan egiten
dute, hau da, zaborrarekin, eta gaizki hartzen
eta gutxiesten dituzte. Proiektu honek, langile informal horiek egiten duten eta oso gutxitan aipatzen den lana nabarmendu nahi du.

hainwork Reverted es un proyecto
audiovisual sobre consumo, desecho y reciclaje. Se toma el carro de
supermercado como símbolo del consumo
que pone en relación a compradores y recicladores, el transporte de los productos
recién comprados y de los materiales rescatados de la basura.
El consumidor es una pieza clave de este
mecanismo que extiende la cadena de
producción hasta el vertedero. Consumo y
desecho son parte del mismo proceso. En
la video-instalación Chainwork (trabajo en
cadena) que realicé con Basurama, tratábamos este tema mostrando uno junto a otros
los productos del supermercado y los desechos en la planta de separación de residuos.
Chainwork Reverted investiga sobre la relación consumo/desecho incluyendo a sus
actores principales y mostrando cómo los
recicladores invierten, en cierta medida,
el proceso. La video-instalación muestra cómo transportan los compradores su
compra en el carro del supermercado y
cómo llevan los recicladores los materiales
rescatados de la basura.
Aunque el reciclaje es un mecanismo más
de la industria y la sociedad para producir y consumir más con la conciencia más
tranquila, los recicladores juegan un papel
clave a la hora de rescatar valor a partir de
residuos. Desempeñan una labor que nadie
quiere realizar.
Aún así, como trabajan con lo que la sociedad desecha, esto es, la basura, suelen ser
maltratados y minusvalorados. Este proyecto quiere destacar la labor que estos trabajadores informales realizan y que muy pocas
veces es reconocida.

C

C

C

Pablo Rey Mazón Basurama taldeko kidea da. Talde horrek, kontsumoarekin eta
zaborrarekin zerikusia duten prozesuak eta
materialak ikertzen ditu. Numeroteca.org
web-orrian idazten du eta proiektuak egiten
ditu, aktibismoaren, akademiaren eta artearen arloez baliatuz, Montera34, WikiToki
eta PublicLab webguneetan.

Pablo Rey Mazón es miembro fundador
del colectivo Basurama, dedicado a la investigación de procesos relacionados con
el consumo, la basura y la reutilización.
Realiza también proyectos entre activismo,
academia, ciencia y arte desde Montera34,
WikiToki y PublicLab y gestiona la web de la
Alianza global de recicladores. Su blog es
numeroteca.org.

Pablo Rey Mazón is a member of the Basurama collective, dedicated to research processes related to consumption, waste and
reuse. He also develops projects among activism, academia, science and art at Montera34, WikiToki and PublicLab and manages
the website of the Global Alliance of Waste
pickers. He blogs at numeroteca.org.

Chainwork Reverted
13’. Dimentsio aldakorrak / Dimensiones variables
Bideo-instalazio multikanala. Telebistak eta DVDak
Video-instalación multicanal. Varias televisiones y DVDs

hainwork Reverted is an audiovisual project on consumption, waste
and recycling. The shopping cart
is chosen as symbol of consumption that
relates buyers and recyclers, the transport
of newly-purchased products and materials
salvaged from trash.
The consumer is a key part in this mechanism, which extends the production chain
to the landfill. Consumption and waste are
part of the same process. In the video-installation “Chainwork (trabajo en cadena)”
that I made with Basurama, we presented
this topic displaying side by side supermarket products and trash at the waste separation plant.
“Chainwork Reverted” researches the consumption/waste relationship by including its
main actors and showing how the recyclers
reverse the process to a certain extent. The
video-installation shows how consumers
transport their purchases in their shopping
carts and how waste pickers carry the materials rescued from waste.
Although recycling is just another mechanism of industry and society to produce
and consume more with a clean conscience, waste pickers play a key role in recovering value from waste. They perform a task
nobody else wants to do.
Even so, as they work with what society
throws away, in other words, waste, they
are often mistreated and undervalued. This
project aims to highlight the work performed by these informal workers, so rarely
recognized.

Vida y muerte de un carro de supermercado
Dimentsio aldakorrak / Dimensiones variables
Kollagea. Argazkiak eta patentea
Collage. Fotografías y patente

BilbaoArte

45

Ana Berenguer Sánchez
Alicante, 1990
ana.berenguer.sanchez@gmail.com

Zuhaitzetarako bitxiak” proiektua gaur
egungo bitxigintzaren barruan koka
liteke, “bitxia” kontzeptua berrikusten
duelako. Aurkezten ditudan bitxiak ez dira
pertsonentzat; zuhaitzetan jartzeko dira.
Pieza txikiak dira, eta ederra dena, txikia,
boterea galdu duena edo gutxi baloratzen
dutena zaintzeak duen garrantziari buruz
hitz egiten digute. Zuhaitzaren irudiari buruz, gure landare-inguruko sinbolo gisa, edo
familiaren bildumak berak duen garrantzia
pertsonalari buruz.
Elementu txiki horien multzoak artxibo bat
sortzen du, zati bakoitza garrantzitsua den
unitate bat, eta zentzua ematen dio multzoari. Erabiltzea espero diren bitxien bilduma:
ingurune naturalean daudenak. Helburua
da zuhaitzaren irudi ikonikoaren garrantzia
nabarmentzea, “bitxigintzaren” kultura edo
giza ikuspegitik, orain arte ulertu den moduan: boterearen, hierarkiaren, aberastasunaren sinboloa...Formatu txiki hori jarduera
iraunkor gisa, hurbiltzera eta prozesu ikusezinen, zorroztasunaren, naturaren, oroimenaren eta “ukiezintzat” har daitezkeen beste
kontzeptu batzuen inguruan gogoeta egitera
gonbidatzen gaituena.

E

l proyecto Joyería para árboles se
trata de una serie que podría incluirse
dentro de la corriente actual de la joyería contemporánea, en la medida en que
se hace una revisión del concepto de “joya”.
El tipo de joyería que presento no esta dirigida a personas, sino que está concebida para ser aplicada a árboles. Pequeñas
piezas que nos hablan de la importancia de
preservar lo bello, lo pequeño, lo que ha perdido poder o es poco valorado; la figura del
árbol, como símbolo indudable de nuestro
entorno vegetal, o la relevancia personal que
conlleva el propio álbum familiar.
El conjunto de estos pequeños elementos
crea un archivo, una unidad en la que cada
fragmento es relevante y dota de sentido al
conjunto. Una colección de joyas que esperan a ser utilizadas: instaladas en el medio
natural. La finalidad es ensalzar la importancia de la figura icónica del árbol, desde la
perspectiva cultural/humana de la “joyería”
como se ha ido entendiendo hasta ahora:
símbolo de poder, de jerarquía, de riqueza…
El pequeño formato como práctica sostenible, que nos invita a acercarnos y reflexionar
sobre los procesos invisibles, lo sutil, la naturaleza, la memoria y otros conceptos que
pueden incluirse dentro de los “intangibles”.

T

he “Jewellery for trees” project is a
series which could be included within
the current of contemporary jewellery,
in the sense that it undertakes a revision of
the concept of “jewel”. The type of jewellery
I present is not aimed at people and instead
it is designed to be applied to trees. They are
little pieces which reflect the importance of
preserving what is beautiful and small, what
has lost power or what is undervalued: the
figure of the tree, as an undeniable symbol
of our natural environment and the personal
significance represented by a family album.
All these little elements create an archive,
a unit in which each fragment is significant
and gives meaning to the whole. It is a collection of jewels waiting to be used, set in
nature. The purpose is to extol the importance of the iconic figure of the tree from the
cultural/human perspective of “jewellery” as
it has been understood until now: a symbol
of power, hierarchy and wealth. The small
format is used as a sustainable practice,
inviting us to come closer and reflect on invisible processes, subtlety, nature, memory
and other concepts which may be included
among the “intangibles”.

Ana Berenguer Sanchez Arte Ederretan
lizentziatu zen Valentziako Unibertsitate Politeknikoan, eta Euskal Herri Unibertsitateak
eskainitako Zeramika: Artea eta Funtzioa
masterra egin du. Bere lana grafiko artistikoaren eta zeramikaren artean koka daiteke,
naturarekin eta banako eta taldeko oroimenarekin lotuta dauden kontzeptuen barruan.
Bere lanak penintsulako zenbait tokitan eta
Italian erakutsi ditu.

Ana Berenguer Sánchez es licenciada en
Bellas Artes por la Universidad Politécnica
de Valencia y ha realizado el Máster en Cerámica: Arte y Función ofertado en la EHU/
UPV. Su trabajo se sitúa entre la gráfica artística y lo cerámico, dentro de conceptos
relacionados con la naturaleza y la memoria
individual y colectiva. Su obra ha sido expuesta en diferentes localizaciones peninsulares y en Italia.

Ana Berenguer Sánchez has a degree in
Fine Arts from the Polytechnic University
of Valencia and has completed a Master’s
Degree in Ceramics: Art and Function at the
EHU/UPV. Her work lies between graphic
art and ceramics, within concepts related to
nature and individual and collective memory.
Her work has been exhibited in different locations in Spain and Italy.

Serie Joyería para árboles, 2015
23 x 4,2 x 0,5 cm
Serigrafia zuzena gres gainean
Serigrafía directa sobre gres

Serie Joyería para árboles, 2015
Serigrafia eta toner keramikoko inpresioa gres eta
portzelana gainean
Serigrafía e impresión de tóner cerámico sobre gres
y porcelana

Serie Joyería para árboles, 2015
15,6 x 3 x 0,5 cm / 20 x 4,5 x 0.5 cm
Kuatrikomia. Serigrafia zuzena portzelana gainean
Cuatricomía. Serigrafía indirecta sobre porcelana

BilbaoArte

49

Ramón Churruca
Bilbao, 1964
www.ramonchurruca.com
quanta48@gmail.com

B

a noche que estaba escribiendo este
texto para el catálogo de BilbaoArte
explicando la obra que he estado realizando allí, se me aparece en sueños una It girl
de Madrid que tocándome el brazo me dice :
- Todo lo que toco se convierte en tendencia y tú estás definitivamente out, darling. Lo
que haces es una tontería que no sirve para
nada. No lo entiendo y aunque me lo explicases no entendería nada de nada. Eres un
Señor Mayor Viejo Humano Artista Obsoleto...Me entra el terror y me despierto. Meto
el pen drive en el ordenador para justificarme. Copio y pego esto:
Se trata de la creación de Un Nuevo Tramo
de las Super-Autopistas de la (Des)Información que llevo realizando desde 1994. Cada
día compro varios periódicos todavía provenientes de la Era Analógica (p.e. El Correo, El
País, El Mundo, Deia y Gara) o reciclo los de
los días anteriores que ya hayan sido leídos.
Las imágenes fluyen a través de un cuidado proceso de selección automática como
películas cuyo argumento es el flujo sin fin
de imágenes. Se trata de una pieza fundamentalmente analógica que representa el
internet digital.
La obra recicla el concepto “Autopista de la
información” surgido a finales del Siglo XX,
que fue un término popularizado durante la
década de 1990 para referirse a la red de
los sistemas de comunicaciones digitales y
telecomunicaciones asociadas y orientadas
al transporte global de información y conocimiento conocida como Internet.

L

‌ he night I was writing this text for the
BilbaoArte catalogue, explaining the
work I have been doing there, when
an It girl from Madrid appeared to me in my
dreams, touched my arm and told me:
- Everything I touch becomes a trend and
you’re definitely out, darling. What you’re
doing is rubbish and useless. I don’t understand it and even if you explained it to me I
wouldn’t understand it. You are an Elderly
Man, Human Old Man, Obsolete Artist. Terror overcomes me and I wake up sweating.
I put the flash drive into the computer to justify myself. I copy and paste the following:
It is the creation of A New Stretch of Highway
of the (Mis)information Super-Highways I
have been making since 1994. Each day I
buy several newspapers from the analogue
age (e.g. El Correo, El País, El Mundo, Deia
and Gara) or recycle those from previous
days which have already been read.
The images flow by means of a careful automatic selection process, like a film whose
plot is made up of endless streams of images to be published in the press. It is a fundamentally analogue piece representing one
of the definitions of the digital Internet.
The work recycles the “Information Highway”
concept which emerged in the late 20th
century and became a popular term during
the 1990s to refer to the network of digital
communications systems and associated
telecommunications designed for the global transport of information and knowledge,
tending to identify itself with the Internet.

Ramón Churruca performance-ren diziplinaren adierazle nagusietako bat da Euskadin. Hainbat urtetan aritu da gai honekin,
eta artista honen karisma pertsonalak, bere
gorputza, hizkuntza, ideiak eta objektuak
ekintza eta igorpen eraginkorrerako bide
sortzaileak izatea eragiten du. Izan ere,
Churruca bertsolari baten oso antzekoa
da: gaia aukeratzen du, agertokia bilatu eta
ideiak ateratzen hasten da. Inguratzen duten
botere-sistemak kritikatzen ditu beti, gehien
mintzen duen lekura jotzen du, mihian haririk izan gabe. Harekin ekintza batera joatea,
sormenari bere egoera puru eta kartatikoan
begiratzea da. (Sonia Rueda Pardo, 2014.
Auñamendi Eusko Entziklopedia).
Baina bera -nik gehitzen dut- suposatzen
da kritikatzen duen botere zirkulu baten barnean dagoela, hau da bere isatzari kosk egiten dion arraina, jaten ematen dion eskuari
kosk egiten saiatuz.

Ramón Churruca es uno de los máximos
exponentes de la disciplina de la performance en el País Vasco. Su dedicación al tema
durante años y el carisma personal de este
artista, hacen que su cuerpo, su lengua, sus
ideas y sus objetos sean vehículo creativo
para la acción y la transmisión compulsiva.
Y es que Churruca se parece mucho a un
bertsolari; elige el tema, busca el escenario
y comienza a escupir ideas. Crítico siempre
con los sistemas de poder que le rodean,
apunta donde más duele, sin pelos en la
lengua. Asistir a una de sus acciones, es observar la creatividad en estado puro y catártico. (Sonia Rueda Pardo, 2014. Auñamendi
Eusko Entziklopedia).
Pero él -añado yo- pertenece a alguno de
esos círculos de poder que supuestamente critica así que la pescadilla se muerde la
cola intentando morder la mano que le da
de comer.

Ramón Churruca is one of the greatest exponents of the performance discipline in the
Basque Country. This artist’s devotion to the
subject for years and his personal charisma
make his body, language, ideas and objects
a creative vehicle for action and compulsive
transmission. Churruca is very much like a
bertsolari; he chooses the subject, looks for
the setting and begins to spit out ideas. Always critical with the power systems around
him, he goes for the jugular, without mincing
words. Attending one of his events involves
observing creativity in a pure and cathartic
state. (Sonia Rueda Pardo, 2014. Auñamendi Eusko Entziklopedia).
But he -I add- belongs to one of those circles of power that he supposedly criticizes
so it’s the fish biting its tail trying to bite the
hand that feeds him.

ilbaoArteren
katalogorako
lan
hau azaltzen zuen testua idazten ari nintzen gauean, Madrilgo It girl bat agertu zitzaidan ametsetan. Besoa ukitu eta hauxe esan zidan:
- Ukitzen dudan guztia joera bihurtzen da
eta zu, egia esan, out zaude, darling. Egiten
duzuna ezertarako balio ez duen tontakeria
bat da. Ez dut ulertzen, eta azalduko bazenit
ere, ez nuke bat ere ulertuko. Gizon zahar,
gizatiar, artista, zaharkitua zara...Beldurra
sartu zitzaidan eta izerditan esnatu nintzen.
Pen drive-a ordenagailuan sartu nuen justifikatzeko. Hauxe kopiatu eta itsatsi nuen:
1994. urtetik (des)informazioaren super-autopisten beste autopista-tarte bat
da. Egunero oraindik aro analogikotik datozen zenbait egunkari erosten ditut (esaterako, El Correo, El País, El Mundo, Deia
eta Gara), edo jadanik irakurrita dauden
aurreko egunetakoak birziklatzen ditut.
Irudi asko hartzen ditut, aukeraketa-prozesu
automatiko zaindu baten bidez, argumentua
komunikabideen argitaratzeko hainbat irudiren fluxua den filmetan bezala. Internet digitalaren definizioetako bat adierazten duen
pieza bat da, eta funtsean analogikoa da.
Lana XX. mendearen amaieran sortu zen
“informazioaren
autopista”
kontzeptua
birziklatzen du. Kontzeptu hori, 1990eko
hamarkadan hedatu zen komunikazio-sistema digitalen sareei eta informazio eta
ezagutzaren garraio orokorrarekin lotutako
telekomunikazioei buruz hitz egiteko, eta Internetekin lotzeko joera dago.

T

Desinformazioko Superautopistak
Desinformazioko Superautopistak

BilbaoArte

53

June Crespo
Iruña / Pamplona, 1982
www.junecrespo.com
june.crespo@yahoo.es

J

L

“Object trouvé-ren” eta Levi Straussek
deskribatutako bricoleur-en logikaren arteko
erdiko bidean daude June Cresporen lanak,
eta aurretik bildutako edo helburu jakinik gabeko egindako materialetan keinu afektibo
edo asoziatiboa egitearen ondorioz sortu
dira. Inguruan dituen elementuek topaketak eta kokapen iragankorrak konbinatzen
dituen metodoaren eragina dute, eta eragin
horretan, materialen espezifikotasunak ha­
rreman berriak izateaz gain, hainbat jabetze
itxura ere hartzen ditu.

En un proceder a medio camino entre el Object trouvé y la lógica del bricoleur descrita
por Levi Strauss, las obras de June Crespo surgen de un gesto afectivo y asociativo
sobre materiales previamente recopilados o
fabricados sin un fin definido. Los elementos de los que se rodea son activados por
un método combinatorio de encuentros y
disposiciones pasajeras y es ahí donde la
especificidad de los materiales se ve sometida a nuevas relaciones y diversas formas
de extrañamiento o apropiación.

June Crespo Bilbon bizi da eta Bilbon
egiten du lan. Gaur egun, egoiliar moduan
dago Ateliers-en (Amsterdam, 2015-2017).
Bere azken proiektuen artean “Cosa y tú”
(Carreras Múgica, Bilbo 2015) erakusketa
eta “Escanografías Vol.1/.2 CO-OP 20092011” argitalpenak nabarmentzen dira.
Bestalde, erakusketa kolektiboetan ere
parte hartu du: Hitting it off (P-exclamation,
New York, 2014); Wild Things (The Green
Parrot, Bartzelona 2014); First Thought Best
(Artium, Gasteiz 2014) Pareidolia (Bacelos,
Madril, 2014); Mitya (Iruñeko gotorlekua,
2012); Pop Politics (CA2M, Madril 2012);
“Esta puerta pide clavo” (Tatjana Pieters Galerie, Gent, 2012); Arte e Investigación 2010
(Montehermoso Zentroa, Gasteiz 2011) eta
“Antes que todo” (CA2M, Madril, 2010).

June Crespo vive y trabaja en Bilbao. Actualmente disfruta de una residencia en
de Ateliers (Amsterdam 2015-2017). Entre
sus últimos proyectos individuales destaca
la exposición Cosa y tú (Carreras Múgica,
Bilbao 2015) así como las publicaciones
Escanografías Vol.1/.2 CO-OP 2009-2011.
Ha participado en exposiciones colectivas
como: Hitting it off (P-exclamation, New
York, 2014); Wild Things (The Green Parrot,
Barcelona 2014); First Thought Best (Artium, Vitoria-Gasteiz 2014) Pareidolia (Bacelos, Madrid, 2014); Mitya (Ciudadela de
Pamplona 2012); Pop Politics (CA2M, Madrid 2012); Esta puerta pide clavo (Tatjana
Pieters Galerie, Gent, 2012); Arte e Investigación 2010 (Centro Montehermoso VitoriaGasteiz 2011) y “Antes que todo” (CA2M,
Madrid, 2010).

une Cresporen lan artistikoetan irudiaren berregitearen erabilera esperimentala nabarmentzen da, eta esperimentazio hori, arte grafikoen esparruan
eta eskulturetan erabiltzen du. Eskulturak
ikuspegi zabal batetik egiten ditu, askotan,
mihiztaketen eta collage-teknikaren artean
dauden objektuak sortuz.

a práctica artística de June Crespo se
caracteriza por un uso experimental
de la reproducción de la imagen y su
explotación en el campo de las artes gráficas
y la instalación escultórica. Aborda la escultura desde una perspectiva amplia, produciendo objetos que a menudo se sitúan en
los márgenes del ensamblaje y el collage.

J

une Crespo’s artistic work is characterized by an experimental use of image
reproduction and its exploitation in the
field of graphic art and sculptural installation.
She addresses sculpture from a broad perspective, producing objects which are often
on the margins of assemblage and collage.
In a process lying halfway between the object trouvé and logic of the bricoleur described by Levi Strauss, June Crespo’s works
arise from an emotional and associative
gesture towards previously compiled materials and others manufactured without a
defined purpose. The surrounding elements
are activated by a combinatory method of
encounters and passing provisions whereby
the specificity of the materials is subjected
to new relationships and different forms of
estrangement or appropriation.

June Crespo lives and works in Bilbao. She
is currently enjoying a residence in De Ateliers (Amsterdam 2015-2017). Her latest individual projects include the exhibition Cosa
y tú (Carreras Múgica, Bilbao, 2015) as well
as the publications titled Escanografías
Vol.1/.2, CO-OP, 2009-2011. She has taken
part in several group exhibitions such as Hitting it off (P-exclamation, New York, 2014),
Wild Things (The Green Parrot, Barcelona,
2014), First Thought Best (Artium, Vitoria,
2014), Pareidolia (Bacelos, Madrid, 2014),
Mitya (Ciudadela de Pamplona, 2012), Pop
Politics (CA2M, Madrid, 2012), Esta puerta
pide clavo (Tatjana Pieters Galerie, Gent,
2012), Arte e Investigación 2010 (Centro
Montehermoso, Vitoria-Gasteiz, 2011) and
“Antes que todo” (CA2M, Madrid, 2010).

Cheek to cheek 2015
45 x 75 x 30 cm
Zementua, pigmentua eta ehuna
Cemento, pigmento y textil
Régimen diurno (Brigitte)
125 x 50 x 50 cm
Hormigoia, burdina eta aldizkariak
Hormigón, hierro y revistas

Cheek to cheek 2015
44 x 44 x 30 cm
Zementua, pigmentua eta ehuna
Cemento, pigmento y textil

Cheek to cheek 2015
20 x 75 x 18 cm
Zementua, pigmentua eta ehuna
Cemento, pigmento y textil

BilbaoArte

57

Xabier Dobaran
Bilbao, 1979
xabierdobaran@hotmail.com

N

N

N

ACHGEBAUER.
Hurbiltasunean dagoena.
Har dezagun hiria espazioa, gizartea eta kultura elkar lotuta dauden tokitzat,
berariazko testuinguru historiko eta geografikoak definituz. Hiriko zati garrantzitsua,
haren prozesu kultural eta sinbolikoak dira,
gizarte-bizitzaren funtsezko zati gisa, han
bizi direnek hainbat modutara interpreta
­ditzaketenak.
Hirian bizitzea hura sentitzea da, han dauden erkidegoez jabetuz. Erlazionatzeak “he­
rri-habitat” baterako eskubidea aldarrikatzen
du, barneko eremuak eta eremu pribatuak
zeharkatuz, gure mugaz harago kokatuta
dauden lekuetan sartzea, hiria, komunitatea,
auzoa eta nortasuna batik bat eraikitzeko
beste modu bat da.
Zeramikazko 120 pieza, 40 egutegi, 40 kasko eta 40 maskor, Bilbon utzita 2015eko
abuztuan. Horrela kokatzen dira triangelu
bat, lana, hiria eta bestea. Erpinetako batean, lana, sortutako eta utzitako objektuez
harago dagoen zerbait gisa, zeramikaz gauzatutako gogoeta bat, ekintza bat, aztarna bat, opari bat. Bestean, hiria, jarduteko
toki gisa, hangoa izatearen sentimendua
berreskuratzeko ahalegina. Kalea hartzea
artearen onerako erabiltzeko, eta artea han
bizitzeko tresna gisa. Triangelua itxiz azken
puntua, bestea, paseatzailea, auzokoa, nire
kale berdinetatik ibiltzen den ezezagun hurbila, eta obra harekin duen harremanaren
bidez itxiko duena.

ACHGEBAUER.
Aquel que habita la proximidad.
Entendamos la ciudad, como un
lugar donde se interconectan, espacio,
sociedad y cultura, definiendo contextos
histórico-geográficos específicos. Parte importante de la urbe y de su vida social son
sus procesos culturales y simbólicos, que
pueden ser interpretados de infinidad de
formas por aquellos que la habitan.
Habitar la ciudad es sentirla, asumiendo la
presencia de las comunidades que la pueblan. Relacionarse es reivindicar el derecho
a un “hábitat comunal”, atravesando los espacios interiores y privados, ocupando los
espacios situados mas allá de nuestro umbral. Es otra forma de construir ciudad, comunidad, vecindario y sobre todo identidad.
120 piezas cerámicas, 40 calendarios, 40
cascos, y 40 coquillas, abandonadas en Bilbao en Agosto de 2015. De esta forma se establece un triángulo entre la obra, la ciudad y
el otro. En uno de sus vértices, la obra como
algo mucho que trasciende a los objetos producidos y abandonados, una reflexión materializada en cerámica, una acción, una huella,
un regalo. En otro, la ciudad como lugar de
actuación en un intento de recuperación del
sentimiento de pertenencia a la misma. Tomar la calle para utilizarla en favor del arte,
y el arte como herramienta mediante la que
habitarla. Cerrando el triángulo el último punto, el otro, el paseante, el vecino, el cercano
desconocido que transita mis mismas calles
y que cerrará la obra en su relación con esta.

ACHGEBAUER.
Someone who lives in the vicinity.
Let’s understand the city as a place
which interconnects space, society and
culture, defining specific historical and geographical contexts. An important part of the
city are its cultural and symbolic processes
as a fundamental part of social life, which
may be interpreted in endless ways by those
who live in it.
Inhabiting the city means feeling it, assuming the presence of the communities who
live there. By relating to each other we claim
the right to a “communal habitat” crossing
interior and private spaces and occupying
the areas beyond our doorstep. It is another
way of building a city, a community, a neighbourhood and, above all, an identity.
120 ceramic pieces, 40 calendars, 40 helmets and 40 shells, abandoned in Bilbao in
August 2015. In this way, a triangle of the
work, the city and the other is established.
In one of its vertexes, the work is something
which goes far beyond the produced and
abandoned objects; it is a reflection embodied in ceramics, an action, a print or a
gift. In another vertex is the city as a place
of activity in an attempt to recover the sense
of belonging to it. Taking to the streets to
use it on behalf of art, art as a tool by means
of which it can be inhabited. The last vertex
of the triangle is occupied by the other, the
passer-by, the neighbour, the stranger who
crosses my streets and completes the work
in his relationship with it.

Xabier Dobaran. Arte eszenikoetan 15 urte
emanda, eskulturarekiko zuen interesa zela
eta Arte Ederren fakultatean matrikulatu zen,
eta karrera amaierako aparteko saria lortu
zuen, Arteko gradua. Prestakuntza osatzeko Zeramika: Arte eta Funtzio masterra egin
zuen. Gaur egun, eskulturaren eta performatiboaren artean egonda, helburu berari
jarraitzen dio: “publikoa” zirikatzea.

Xabier Dobaran. Tras 15 años dedicados a
las artes escénicas, su interés por la escultura, le lleva a matricularse en la facultad de
Bellas Artes, donde obtiene el Premio Extraordinario Fin de Carrera, Grado en Arte.
Completa su formación con el Máster en
cerámica: Arte y función. Hoy, su práctica a
medio camino entre la escultura y lo performativo, sigue persiguiendo un mismo objetivo, provocar a “el público”.

Xabier Dobaran. After 15 years devoted to
the performing arts, his interest in sculpture
led him to enrol at the Faculty of Fine Arts,
where he obtained the Extraordinary Prize
for his Honour’s Thesis in Art. He completed
his training with a Master’s Degree in Ceramics: Art and Function. Today, his work, lying
halfway between sculpture and the performing arts, continues to pursue the same objective, namely to provoke “the audience”.

Nachgebauer. Calendarios 40/40
15 x 15 cm
Serigrafia zeramikoa lauzan
Serigrafía cerámica sobre azulejos

Nachgebauer. Coquillas 40/40
16 x 10 x 6 cm
Loza zuri beiratua
Loza blanca vidriada

Nachgebauer. Cascos 40/40
24 x 20 x 15 cm
Beiraturiko loza zuria
Loza blanca vidriada

Abandono 13/40
Abandono 27/40
Argazkia
Fotografía

BilbaoArte

61

Katharina Fitz
Dornbirn, Austria 1985
www.katharinafitz.com
fitz.katharina@gmail.com

ere proiektuetan gizarte, kultura eta
hiri argazkilaritza nagusiki lantzen
dira. Askotariko gaiak agertzen dira,
baina beti ikuspegi kritiko eta gogoetatsu
batetik. Horrela, hiri-eremuan giza elkarrekintzen eta gizarte-bizitzaren barruan
dauden egiturak, prozesuak, aldaketak eta
arazoak erakusten ditu.
Gizakiak bere eguneroko bizimoduaren barruan ingurura moldatzeko dituen aukerak, bai
hiriko nekazaritzaren bidez, bai auzo baten
barruan txertatuz, edo txatarra birziklatzen
duten pertsonak dira nire azken proiektuetan
islatzen diren errealitateetako batzuk.
CHATARRA proiektua zenbait kontzepturen inguruan, hala nola gure gizartean
gertatzen diren gehiegizko ekoizpenaren,
kontsumoaren eta birziklatzearen inguruan
egindako gogoetan oinarritzen da, betiere
txatar-biltzailearen ikuspegitik begiratuta.
Bilboko hirian gizartetik baztertzeko arriskuan dauden pertsona asko daude, eta
antza baliorik ez duten objektuak biltzen
aritzen dira geroago birziklatzeko eta bizibidea ­ateratzeko.
Sail honetako argazkietan txatar-biltzaileek
erabiltzen dituzten orga txikiak erakutsiko
dira, beti ikuspegi beretik. Orgatxo horietan,
bildutako objektuak jartzen dituzte.
Argazkiak ikusten dituenak txatar-biltzaileek
egindako lanaren gorabeheren berri izan
ditzan, irudiekin batera informazio osagarria
agertzen da: zer objektu aurkitu dituzten,
birziklatzearen merkatuan zenbat balio duten, biltzeko erabilitako denbora eta abar.

esde el año 2012, sus proyectos
se enfocan principalmente hacia la
fotografia sociocultural y urbana,
abordando temas de distinta naturaleza
pero siempre desde una perspectiva crítica
y reflexiva, mostrando las estructuras, procesos, cambios y problemas, que forman
parte de la vida social y de las interacciones
humanas en el espacio urbano.
Las posibilidades de adaptación del ser humano a su entorno en el contexto de su vida
cotidiana, ya sea a través de la agricultura
urbana, la integración dentro de un vecindario, o las personas que reciclan chatarra,
son algunas de las realidades reflejadas en
mis últimos proyectos.
El proyecto CHATARRA se fundamenta en
la reflexión sobre conceptos como la superproducción, el exceso de consumo y el
reciclaje en nuestra sociedad, observados
a través de la figura del chatarrero. En la
ciudad de Bilbao existen muchas personas
en riesgo de exclusión social cuyo sustento
depende de la recolección de objetos sin
aparente valor para su posterior reciclaje.
Las fotografías de la serie mostrarán, siempre desde el mismo punto de vista, los carritos utilizados por los chatarreros, donde se
almacenan los objetos acumulados durante
su búsqueda.
Para que el observador pueda hacerse una
idea sobre las circunstancias del trabajo llevado a cabo por los chatarreros, las imágenes irán acompañadas de información adicional: tipo de objetos encontrados, valor en
el mercado del reciclaje, tiempo empleado
en su recolección, etc…

B

D

S

Katharina Fitzek irudi ikasketak egin zituen
Sant Ignasí de Sarriá goi-eskolan (Bartzelona). Berlinen bizi da 2008. urtetik, eta han,
argazkilari autonomo gisa lan egiten du.
Bere “Dorbirn Houses” eta “Urban Gardering
Patchwork” proiektuek sariak irabazi dituzte
International Photography Awards 2013 eta
2014 sarietan. Azken sail hau zenbait aldizkaritan argitaratu da (“Photonews”, “Geo”),
eta Noorderlich argazkilaritza-lehiaketan
parte hartu zuen 2014. urtean.

Katharina Fitz cursó sus estudios de imagen en la escuela superior Sant Ignasí de
Sarriá (Barcelona). Desde el año 2008 reside en Berlín, donde trabaja como fotógrafa
freelance. Sus proyectos “Dorbirn Houses”
y “Urban Gardering Patchwork” han sido
premiados en los International Photography
Awards 2013 y 2014. Esta última serie ha
sido publicada en varias revistas (“Photonews”, “Geo”), y participa en la edición 2014
del festival de fotografía Noorderlich.

Katharina Fitz completed image studies
at the Escuela Superior Sant Ignasí de Sarriá (Barcelona). Since 2008 she has lived
in Berlin, where she works as a freelance
photographer. Her “Dorbirn Houses” and
“Urban Gardening Patchwork” projects won
prizes at the 2013 and 2014 International
Photography Awards. The latter series has
been published in several magazines (“Photonews”, “Geo”) and took part in the Noorderlich photography festival in 2014.

Chatarra, 2015
80 x 53 cm / u
Argazkiak FineArt PhotoRag 310g/m2 paperean
Fotografías en papel FineArt PhotoRag 310g/m2

ince 2012, her projects have chiefly
focussed on socio-cultural and urban
photography, addressing issues of
different natures with a constant critical and
reflective perspective, revealing the structures, processes, changes and problems
which form part of social life and human interactions in the urban space.
The possibilities of adaptation of human beings to their environment within the context
of their daily lives, through urban agriculture,
integration into a neighbourhood or the people who recycle scrap, are some of the realities reflected in my latest projects.
The SCRAP project is based on reflection
with regard to concepts such as overproduction, excess consumption and recycling
in our society, seen through the figure of the
scrap merchant. In the city of Bilbao there
are many people at risk of social exclusion
whose livelihoods depend on collecting objects with no apparent value for their later
recycling.
The photographs in the series show, always from the same point of view, the carts
used by the scrap merchants, where they
store the objects accumulated during their
searches.
For the observer to get an idea of the circumstances of the work carried out by the
scrap merchant, the images will be accompanied by additional information: the types
of objects found, the market value of the recycling, the time spent on the collection, etc.

BilbaoArte

65

Martín Freire
Sevilla,1975
www.martinfreire.es
rmartinfreire@yahoo.es

Behind the scene” ez da inolako proiektu zehatza, eta denak batera dira, “work
in progress” bat alegia, ahal duen neurrian, ideiak pertsonekin lotzen dituena, aurretik ezarrita dauden muga artistikoez harago
sinergiak sortzeko helburuarekin. Esku-hartze
lotesleak dira, eta haien lotura, inguratzen
gaituen eremuaren ikerketa da, bizimodu,
habitat eta gizarte-harremanen bidez. Urteetan zehar galtzen joan diren bizi-eremuak be­
rreskuratzeko beharrari buruz ari da. Eremu
horiek lagatzeak, eta gizarte-dimentsiorik ez
duten agindu espekulatibo berriek desoreka
eragin dute jardutean eta bere ingurua eraikitzean islatzen den banakoaren balantzan.
Besteak beste herritarren partaidetza eskasaren; gizabanakoak erakundeek ezarritako
proiektuen aurrean duen jarrera ahularen;
herritarren, elkarteen eta erakundeen arteko
komunikazio faltaren, eta espazio publikorik
ez izatearen aurrean, ekimen honen helburua
hauxe da: batetik, ikuspegi sortzailea ikuspegi ekonomiko-espekulatiboaren aurrean baztertu duten lekuetan jardutea; bestetik, guztion onerako herritarren lankidetzaren bidez
eremuak hartuz jokatu behar duen gizarte
ahul eta polarizatua kontzientziatzea.
Martín Freire. Berak bakarrik 2004. eta
2015. urteen artean egindako erakusketetatik
hauek nabarmendu ditzakegu: “Behind the
scene”, La Laboral, Arte eta Industria Sorkuntza Zentroan, “El triunfo del tiempo y del
desengaño”, “Invasores del espacio” eta “Parachute”. Site-specific zentroetarako egindako proiektuen artean Windows cut (The Stile
Outlet-erako Sevillan) eta Espacio disponible
(ArteLisboa´09 erakusketan) nabarmentzen
dira. Erakusketa kolektibo hauetan ere parte hartu du: “Procesos de producción en la
colección DKV”, Vigoko MARCO zentroan;
“Inicial/08”, Andaluziako Juntan, ABC sarietarako eta zenbait azoketarako hautakoa,
hala nola ARCO´12´13´14´15´, Preview Berlin Art Fair´10, Next´10 Chicago (AEBetan),
Swab (Bartzelonan) eta Arte Santander azokaren zenbait urtetan. DKV - Alvarez Margaride ekoizpen artistikoko beka eskuratu zuen
Laboral Arte eta Industria Sorkuntza Zentroan
eta XXX Experiencia de tecnoloxia e escola
libre erakusketan ere izan da. A Coruñan Sargadelos argitaletxearen zeramika-ikasketen
mintegian parte hartu du.
What can I...
Dimentsio aldakorrak / Dimensiones variables
Dibond, metakrilatoa, altzairua eta mekanismo elektronikoak
Dibond, metacrilato, metal y mecanismos electrónicos

Martín Freire. De sus exposiciones individuales entre el 2004 y 2015, podemos destacar;
“Behind the scene” en La Laboral, Centro de
Arte y Creación Industrial, “El triunfo del tiempo y del desengaño”, “Invasores del espacio”
y “Parachute”. Como proyectos individuales
para sites specific destacan Windows cut/
para The Stile Outlet en Sevilla y Espacio
disponible en ArteLisboa´09. Ha participado
en colectivas como “Procesos de producción en la colección DKV” en el MARCO de
Vigo, “Inicial/08” por la Junta de Andalucía,
seleccionado en el premio ABC y en ferias
como ARCO´12´13´14´15´, Preview Berlin Art
Fair´10, Next´10 Chicago en EE.UU., Swab
en Barcelona y en varias ediciones de Arte
Santander.Beca de producción DKV - Alvarez Margaride en Laboral Centro de Arte y
Creación industrial, XXX Experiencia de tecnoloxia e escola libre. Seminario de estudios
cerámicos de Sargadelos en La Coruña.

Martin Freire’s individual exhibitions between 2004 and 2015 include “Behind the
scene” at La LABoral, Art and Industrial Creation Centre, “El triunfo del tiempo y del desengaño”, “Invasores del espacio” and “Parachute”. His individual projects for specific
sites include “Windows cut/” for The Stile
Outlet in Seville and “Espacio disponible” at
ArteLisboa´09. He has taken part in collective exhibitions like “Procesos de producción en la colección DKV” at the MARCO
in Vigo and “Inicial/08” for the Government
of Andalusia. He was selected for the ABC
prize and at fairs like ARCO´12´13´14´15´,
Preview Berlin Art Fair´10, Next´10 Chicago
in USA, Swab in Barcelona and at several
Arte Santander events. He had a production
scholarship with DKV - Alvarez Margaride at
La LABoral, Art and Industrial Creation Centre, XXX Experiencia de tecnoloxia e escola
libre. A seminar of ceramic studies at Sargadelos in La Coruña.

Behind the scene” no es ningún proyecto en concreto y son todos a la vez,
un “work in progress” que conecta, en
la medida de lo posible, ideas con personas
con la intención de crear sinergias más allá
de los límites artísticos preestablecidos.
Intervenciones vinculantes tiene como nexo
de unión la investigación del espacio que nos
rodea a través de formas de vida, hábitat y
relaciones sociales. Hace alusión a la necesidad de recuperar espacios vitales que se
han ido perdiendo a lo largo de los años. La
cesión de estos espacios junto al empuje de
nuevos órdenes especulativos carentes de
dimensión social ha llegado a producir un
desequilibrio en la balanza del individuo que
se refleja a la hora de actuar y construir su
entorno. Frente a la escasa participación ciudadana, posición débil del individuo frente a
proyectos impuestos por instituciones, falta
de comunicación entre ciudadanos, asociaciones e instituciones y, privatización del
espacio público, esta iniciativa pretende, por
una parte, la actuación en lugares donde se
ha descartado el punto de vista creativo frente al económico-especulativo, y por otra, el
intento de concienciar a una sociedad débil
y polarizada que debe actuar tomando espacios a través de la cooperación ciudadana
para el bien común.

Behind the scene” is not any particular
project and several all at once, a “work
in progress” which, as far as possible, connects ideas with people, with the
intention of creating synergies beyond the
pre-determined artistic boundaries. The link
with biding interventions is the research of
the space around us by means of forms of
life, habitats and social relationships. It refers
to the need to restore habitats which have
been lost over the years. The giving away
of these spaces together with the impetus
of new speculative orders lacking a social
dimension has led to a disequilibrium in the
balance of the individual, which is reflected
when acting and constructing his or her
environment. Faced with low citizen participation, the weak position of the individual
against projects imposed by institutions, the
lack of communication between citizens, associations and institutions and the privatization of the public space, this initiative aims,
on the one hand, to act in places where the
creative point of view has been replaced by
the economic and speculative and, on the
other hand, the attempt to raise the awareness of a weak and polarized society which
must act, taking back spaces by means of
citizen cooperation for the common good.

Behind the scene
Dimentsio aldakorrak / Dimensiones variables
Altzairu, metakrilatoa, egurra, landaretza eta mekanismo elektronikoak
Metal, metacrilato, madera, vegetación y mecanismos electrónicos.

BilbaoArte

69

Andrew Gangoiti Robinson
Australia, 1962
www.andrewgangoiti.com
andrew.gangoiti@gmail.com

W

l West Wind Project se compone de
una serie de objetos que contienen
piezas móviles.
Las piezas que conforman este proyecto aúnan diversos intereses que he venido desarrollando. Parten del puro placer de dibujar.
El inicio de todas ellas es un punto marcado sobre el papel: la expresión mínima del
dibujo, que se va desarrollando desde ahí.
Partiendo de formas simples, el dibujo va variando, explorando distintas alternativas. Una
vez elegida la forma del dibujo, viene la fase
de conversión del dibujo en un objeto físico.
Pero el proceso no termina en el objeto
construido, sino que éste inspira nuevos
dibujos que se convertirán a su vez en nuevos objetos; constituyendo, por lo tanto, un
proceso circular. En palabras de R. Serra: “el
trabajo proviene del trabajo”.
Es decir, ninguna de estas obras es una
obra definitiva, ni agota la idea original. Todos y cada uno de los diseños que parten
de esa idea podrían dirigir a su vez el proyecto hacia otros diseños y otras obras diferentes. Ninguno de ellos, ni el primero ni el
último, culmina el trabajo ni excluye diferentes vías de estudio.
La necesidad de poner un límite en el desarrollo de cada pieza del proyecto no agota
por tanto las posibilidades de seguir creciendo y tomando otras formas tanto en el
papel como en el espacio. El punto en el
papel es el inicio… el final…

E

he West Wind Project consists of a
series of objects which contain moving parts.
The pieces which make up this project combine different interests I have been developing. They start from the pure pleasure of
drawing. They all begin with a dot marked
on the paper: the minimum expression of
drawing which unfolds from there. Starting
with simple shapes, the drawing changes,
exploring different alternatives. After the
shape of the drawing has been selected, the
phase of the conversion of the drawing into
a physical object begins.
But the process does not end with the constructed object; instead, it inspires new designs which, in turn, become new objects,
thereby constituting a circular process. In the
words of R. Serra, “work comes from work”.
In other words, none of these works is a
definitive work or exhausts the original idea.
Each and every one of the designs based
on this idea could in turn direct the project
towards other designs and other different
works. None of them, neither the first one
nor the last one, completes the work or excludes different lines of study.
The need to put a limit on the development
of each piece of the project does not, therefore, exhaust the possibilities of continuing
to grow and take on other forms, both on
paper and in space. The dot on the paper is
the beginning ... the end ...

Andrew Gangoiti Eskulturan graduatu zen
RMIT Unibertsitatean. Abusun (La Peña,
Bizkaia) bizi da eta han bertan lan egiten du.

Andrew Gangoiti está graduado en Escultura en la Universidad de RMIT. Vive y trabaja en Abusu (La Peña, Vizcaya).

Andrew Gangoiti graduated in Sculpture at
the RMIT University. He lives and works in
Abusu (La Peña, Bizkaia).

Drawings
18 orrialdeko 8. / Página 8 de 18
Marrazki originala paper milimetratuan
Dibujio original en papel milimetrado

8. e-7 / 8. e-8 / 8. b-9 / 8. a-10
15 cm
Latoia eta egurra
Latón y madera

8. d-9 & 8. b-9
30 cm & 15 cm
Latoia eta egurra
Latón y madera

est Wind Project proiektua pieza
mugikorrak dituen zenbait objektuz osatuta dago.
Proiektu hau osatzen duten piezek garatzen
joan naizen zenbait interes bateratzen dituzte. Marrazteko plazer hutsetik abiatzen dira.
Horien guztien abiapuntua paperean bertan
adierazitako puntu bat da: marrazkiaren
gutxieneko adierazpena, hortik garatzen
joaten dena. Forma soiletatik abiatuz, ma­
rrazkia aldatzen joaten da, beste aukera
batzuk aztertuz. Marrazkiaren forma aukeratuta, marrazkia objektu fisiko bihurtzeko fasea dator.
Baina prozesua ez da amaitzen eraikitako
objektuan; beste objektu batzuk bihurtuko
diren beste marrazki batzuetan oinarritzen
da, beraz, prozesu zirkularra da. R. Serrak
adierazi duen moduan: “lana, lanetik dator”.
Hau da, ez dago behin betiko lanik hauen
artean, eta ez du agortzen jatorrizko ideia.
Ideia horretatik abiatzen diren diseinu horietako bakoitzak beste diseinu eta bestelako lanetara zuzendu ahalko du proiektua.
Ez lehen proiektuak ez azkenak ez dute
lana amaitzen, ez eta bestelako azterbideak
baztertu ere.
Proiektuaren pieza bakoitzaren garapenean
muga bat jartzeko beharrak, beraz, ez ditu
agortzen hazten eta paperean nahiz espazioan bestelako moduak hartzen jarraitzeko aukerak- Paperean dagoen puntua da
abiapuntua...eta amaiera...

T

BilbaoArte

73

Iván Gomez
Irún, 1984
www.ivangomez.net
info@ivangomez.net

J

H

T

akinarazteko beharra, kontatzeko
nahia dago.
Narrazioa subjektuak bere buruarekin
eta beste objektu batzuekin harremanetan jartzeko duen modua da. /Objektutzat
hartzen dut sentimenduak gogora ekartzen
dituen muturreko gauza guztiak (subjektuak)./ Subjektuaren eta objektuen arteko
harremana inoiz ez da neutrala; teoria batetik, teoria horren ustetik abiatzen da beti.
Subjektuen eta objektuen arteko lotura ez
da zuzenean ematen, baizik eta horietan
oinarrituz sortzen ditugun irudien bidez, hau
da, harremanaren objektua gure objektua
da neurri batean, eta haren irudia sortu duen
subjektuari dagokio. Horrenbestez, edozein
interpretaziok oina­rriak ezartzen ditu beste
kontakizun/narrazio bat sortzeko.
Ez dago jatorrizko proposiziorik, beste proposizio batzuk daude beti aurretik. Era berean, inoiz ez gara kontakizun guztien jabeak.
Abiatu eta beste batzuekin lotzen dira, legatu
gisa, lotzen diren hondarrak gisa, eta fluxu
bera diren sentsazioa ematen dute; Historia.
Bere lana elkartasun horiek sortzen diren
eremuan kokatzen du, izarren artean, konstelazioak marrazten dituen irudizko lerroan.
Zertxobait gehiago zehaztuz, irakurtzeko eta
idazteko gailu horiek aipatzen diren modu
eta prozesuekin, eta aldi berean gizarte-ha­
rremanen inguruan berrirakurketak sortzen
dituzten kontakizun handiekin zerikusia du
bere ­interesak.

ay una necesidad de comunicar, un
deseo de relato.
La narración es una forma de relación
del sujeto consigo mismo y con otros objetos. / Entendiendo objeto como todo lo externo (al sujeto) que evoca sentimientos. / La
relación entre el sujeto y los objetos nunca
es neutral; se parte siempre de una teoría,
de la conjetura de esa teoría. El vínculo entre sujetos y objetos no se da directamente,
sino más bien a través de las imágenes que
nos construimos de éstos, es decir, el objeto
de la relación es, en cierta medida, parte de
nosotros, pertenece al sujeto que ha construido su imagen. Así que cualquier lectura
sienta las bases para la construcción de otro
relato/narración.
No hay una sentencia original, siempre está
precedida por otras. De la misma manera,
nunca somos dueños de la totalidad de los relatos. Ellos parten y se encadenan con otros,
como legados, como restos que se unen dando la sensación de un flujo común; la Historia.
Sitúa su trabajo en el espacio en el que nacen esas comuniones, entre las estrellas, en
la línea imaginaria que dibuja las constelaciones. Concretando un poco más su interés
tiene que ver con los modos y procesos en
los que se relacionan aquellos dispositivos
de lectura e inscripción y a su vez con los
grandes relatos que inscriben y generan relecturas sobre las relaciones sociales.

here is a need to communicate, a desire to relate.
Narration is a form of relationship
between the subject and himself and other
objects. / Understanding the object to be
everything external (to the subject) which
evokes feelings. / The relationship between
the subject and the objects is never neutral;
it is always based on a theory and on the
conjecture of that theory. The link between
subjects and objects is not direct, but rather
via the images we construct from them, in
other words, the object of the relationship,
to some extent, forms part of us, it belongs
to the subject which has constructed the image. So any reading lays the foundation for
the construction of another story/narration.
There is no original sentence, it is always
preceded by others. Similarly, we are never
owners of all the stories. They split up and
connect to others, as legacies, like remains
which join together, giving the feeling of a
common flow: History.
The artist places his work in the space
where these communions are born, among
the stars, on the imaginary line which draws
the constellations. To be a little more specific, his interest has something to do with the
ways and processes in which these reading
and inscription devices are related and, in
turn, with the great stories which are registered and which generate re-readings of
social relationships.

Iván Gómez Arte Ederretan lizentziatu zen
Bartzelonako Unibertsitatean, eta zinematografiaren eszenaratzeari buruzko goi-mailako
ikasketak Zinema eta Telebista Nazioarteko Eskolan egin zituen (San Antonio de los
baños, Kuba). Hauek dira bakarka egindako
erakusketa garrantzitsuenak: “El ángulo de
las cerezas” (Donostia, 2013), “Our Blood &
Guts” (Donostia, 2012), “Deseo de testigo”
(Bartzelona, 2012), “Lo más difícil, Nada” (Madril, 2011), “El corazón me estallaba” (Donostia, 2010), eta JUST Madrid azoka Arteko galeriarekin (Madril, 2010). Horrez gain, zenbait
erakusketa kolektibotan ere parte hartu du,
hala nola Donostian, Pärnun, Bartzelonan,
Medellinen, Bilbon, Madrilen, Berlinen, Caceresen, Kuban, Bruselan eta New Yorken.

Iván Gómez es Licenciado en Bellas Artes
por la Universidad de Barcelona, realizando
sus Altos Estudios sobre la puesta en escena
cinematográfica en la Escuela Internacional de
Cine y Televisión (San Antonio de los baños,
Cuba). Entre las exposiciones que ha realizado individualmente caben destacar: “El ángulo
de las cerezas” (San Sebastián, 2013), “Our
Blood & Guts” (San Sebatián, 2012), “Deseo
de testigo” (Barcelona, 2012), “Lo más difícil,
Nada” (Madrid, 2011), “El corazón me estallaba” (San Sebastián, 2010), y la feria JUST
Madrid con Galería Arteko (Madrid, 2010).
También ha participado en exposiciones colectivas en ciudades como San Sebastián,
Pärnu, Barcelona, Medellín, Bilbao, Madrid,
Berlín, Cáceres, Cuba, Bruselas y Nueva York.

Iván Gómez has a Bachelor’s Degree in
Fine Arts from the University of Barcelona
and completed his Higher Studies in cinema
staging at the International School of Film
and Television (San Antonio de los Baños,
Cuba). His individual exhibitions include
“El ángulo de las cerezas” (San Sebastián,
2013), “Our Blood & Guts” (San Sebastián,
2012), “Deseo de testigo” (Barcelona,
2012), “Lo más difícil, Nada” (Madrid, 2011),
“El corazón me estallaba” (San Sebastián,
2010) and the JUST Madrid fair with the
Arteko Gallery (Madrid, 2010). He has also
participated in collective exhibitions in cities like San Sebastian, Pärnu, Barcelona,
Medellín, Bilbao, Madrid, Berlin, Cáceres,
Cuba, Brussels and New York.

Barbecho
11’28’’
Bideo instalazio multikanala
Video instalación multicanal

Por la Sombra no quema
Kollageak seriea
Serie Collages

BilbaoArte

77

Monika Grabuschnigg
Vorarlberg, Austria, 1987
www.monikagrabuchnigg.com
grabuschnigg.m@gmail.com

B

ilbao Arte Fundazioan egon zenean
Espainian Grabuschniggek Afganistango gerrako tapizen fenomenoa
aztertu zuen, eta zenbait eskultura egiteko
erreferentziatzat erabili zituen. Grabusch­
niggi ez zaio interesatzen tapete bakoitzaren
atzetik dagoen istorioa. Irudiek kultura batetik bestera nola “bidaiatzen” duten aztertzen
du, haien forma eta testuinguru bisuala aldatuz, muga politikoak gaindituz, beraien esanahiak eta testuinguruak etengabe aldatzen
dituzten bitartean. Gerraren sinboloek “nortasun-aldaketa” bat izan dute tapizetan.
Gaurkotasunari buruzko gogoeta serioa
eginez gero, produktu komertziala bihurtu
ziren, soldaduek eBay-n saltzen zituztenak
edo mundu osoko fabrikatzaileek masan
egiten zituztenak. Grabuschniggek “itzulpenean gertatutako galera” horretan laguntzen
du, granada eta misilen indarkeriazko sinbolo horiek desira-objektu distiratsu eta hiri
dimentsioko objektu bihurtuz.
Dina Yakerson (Tel Aviv)
“Turismo cultural” testutik ateratako zatia,
Cosmos galeria, Bilbo, 2015.

Monika Grabuschnigg bere jaioterriko eskualdearen punk giroan politizatu zen, bere
aitak bizirauteko teknologian lan egiten zuen
eta bere etxean segurtasun-kamerak jartzen
zituen bitartean. Hamazazpi urterekin beka
bat eman zioten Salzburgoko Summer
Academy zen­troak ikasteko, eta bi hilabete
geroago Vienako Arte Ederren Akademian
eman zuen izena. Azkenik, 2011. urtean
master bat egin zuen. Jatorriz pintura ikasita, lehen aldia zen eskulturaren inguruko
ikasketak egiten zituena Israelen Arte eta
Diseinuko Bezalel Akademian eman zuen
urtean (2008-2009). Horren eraginez, ingurunearekin eta herrialdearekin harremanean,
truke hau kruziala bilakatzen da bere artearen praktikan, eta kulturaren kutsua duten
sinbolo, objektu eta apaingarriak erabiltzen
ditu artistak. Bere lanaren gai nagusiak
hauek dira: gizakiaren segurtasunaren bilaketa, aldibereko ordena-nahia eta indarkeriarekiko lilura, eta nola dauden gizarte eta
gizarte-klase bakoitzean. Berlinen bizi da eta
lan egiten du 2012. urtetik.

Clandestine trooper
47,5 x 17 x 17 cm
Zeramika beiratua
Cerámica vidriada

Draped empress
43,5 x 17 x 17 cm
Zeramika beiratua
Cerámica vidriada

D

urante su estancia en la Fundación
Bilbao Arte en España, Grabuschnigg exploró el fenómeno de los tapetes de guerra afganos y los utilizó como
punto de referencia para una serie de nuevas esculturas. A Grabuschnigg no le interesa la historia que hay detrás de cada tapete
particular. Los examina como un ejemplo
intrigante de cómo las imágenes “viajan” de
una cultura a otra; transformado su forma y
su contexto visual, superando las fronteras
políticas, al tiempo que modifican constantemente sus significados y contextos. Los
símbolos de la guerra en los tapetes han
sufrido un “cambio de identidad”. Desde
una reflexión seria sobre la actualidad se
convirtieron en un producto comercial,
vendidos por los soldados en eBay o producidos en masa por fabricantes de todo
el mundo. Grabuschnigg contribuye a esta
“pérdida en la traducción” existente mediante la transformación de estos símbolos violentos de granadas y misiles en objetos de
deseo brillantes y tridimensionales.
Dina Yakerson (Tel Aviv)
Extracto del texto “Turismo cultural”,
Galería Cosmos, Bilbao, 2015.

Monika Grabuschnigg se politizó en la escena punk de la región de su ciudad natal,
mientras su padre trabajaba en tecnología
de supervivencia e instalaba cámaras de
seguridad en su casa. A la edad de 17, se
le otorga una beca para la Summer Academy en Salzburg, y dos meses más tarde
se apunta a la Academia de Bellas Artes de
Viena, para completarlo en 2011 con un
Máster. Habiendo estudiado pintura originalmente, era la primera vez que realizaba
estudios sobre escultura en el año que pasó
en la Academia Bezalel de Arte y Diseño
en Israel (2008-2009). Este intercambio, en
relación con el país y el medio, se vuelve
crucial en la práctica de su arte y expande
su implicación estética con los símbolos,
objetos y adornos culturalmente cargados.
La búsqueda humana de la seguridad, el
deseo simultáneo de orden y la fascinación
con la violencia, y cómo se encuentran en
cada sociedad y clase social, forman el núcleo de su trabajo. Trabaja y vive en Berlín
desde 2012.

Grenade
38 x 17 x 17 cm
Zeramika beiratua
Cerámica vidriada

Blue emperor
39 x 15 x 15 cm
Zeramika beiratua
Cerámica vidriada

D

uring her residency stay at Bilbao Arte Foundation in Spain,
Grabuschnigg explored the phenomenon of Afghan war rugs and used
them as a point of reference for a series of
new sculptures. Grabuschnigg is not interested in the history behind each particular
carpet. She examines these rugs as an intriguing example of how images ‘travel’ from
culture to culture; transforming their shape
and visual content, exceeding geopolitical
borders, while constantly modifying their
meanings and contexts.
The warfare symbols on the rugs have undergone a ‘shift of identity’. From an earnest
reflection of current affairs they became a
commercial commodity, sold by soldiers on
eBay or mass produced by manufacturers
across the world. Grabuschnigg contributes
to this existing ‘loss in translation’ by transforming these violent symbols of grenades
and missiles into shiny, three-dimensional
objects of desire.
Dina Yakerson (Tel Aviv)
Excerpt from the text “Cultural Tourism”,
Cosmos Gallery, Bilbao, 2015.

Monika Grabuschnigg became politicized
in her hometown’s regional punk scene, while her father worked in survival technology
and installed security cameras in her home.
At the age of 17, she was awarded a scholarship for the Summer Academy in Salzburg. Two months later she enrolled at the
Academy of Fine Arts in Vienna, completing
a Master’s Degree there in 2011. Having originally studied painting, the first time she performed sculpture studies was during her one
year studies at Bezalel Academy of Art and
Design in Israel (2008-2009). This exchange,
country and medium wise, became crucial in
her art practice and expanded her aesthetic
involvement with culturally loaded symbols,
objects and adornments. The human search
for safety, the simultaneous desire for order
and the fascination with violence and how
they are to be found in every society and social class, form the core of her work. Since
2012 she lives and works in Berlin.

Rest, you restless guardians
Cosmos Gallery, Bilbao
Zeramika beiratua
Cerámica vidriada

BilbaoArte

81

Iñaki Gracenea
Donostia, 1972
inakigracenea@gmail.com

E

os últimos proyectos que ha realizado han tenido como uno de sus ejes
la violencia simbólica. Una forma de
violencia no ejercida directamente mediante
la fuerza física, sino a través de la imposición por parte de los sujetos dominantes
a los sujetos dominados. Una dominación
ejercida por medio de la arquitectura (la prisión), de las reglas, de una rutina impuesta, de una visión del mundo, de los roles
sociales, de las categorías cognitivas y de
las estructuras mentales. En un presidio, la
vestimenta, la comida, el aseo, todo discurre a través de unos cánones; pero, dentro
de esta estructura deshumanizadora el individuo muestra y deja seña de su particularidad. Este proyecto se basa en una serie
de armas requisadas a reclusos, a un objeto oculto que singularmente se crea en
las prisiones con un fin violento, que, a su
vez, habla de la huella, de la necesidad, de
la argucia, de la lucha por sobrevivir y de la
habilidad del preso.

L

he latest projects he’ve carried out
have had symbolic violence as one of
their axes; a form of violence not directly exerted by means of physical force but
through its imposition by dominant subjects
onto dominated subjects. This is a domination exercised by means of architecture (the
prison), rules, an imposed routine, a vision of
the world, social roles, cognitive categories
and mental structures. In a prison, clothing,
food, hygiene, everything runs by canons;
but, within this dehumanizing structure, the
individual shows and leaves indications of
his peculiarity. This project is based on a
number of weapons confiscated from prisoners, hidden objects which are singularly
created in prisons with a violent purpose,
which, in turn, reflect the prisoner’s print,
need, sophistry, struggle to survive and skill.

Iñaki Gracenea Arte Ederretan lizentziatu
zen EHUn (1990-1995), eta 1997. urtetik
1999. urtera Artelekun bizi izan zen (Donostia). Transfer proiektua dela eta egoiliar gisa
dago Kunsthaus Essen (2000) zentroan.
2002. urtean Botín beka eskuratu zuen ISCP
(NY) zentroan egoiliar gisa aritzeko. 2009.
urtean Errore Kodea tailerra eman zuen Artelekun. 2010. urtean Berlinen lan egin zuen
CAMen Arte Plastikoen Bekarekin. 2015.
urtean Lloyd Sealy Library (NY) zentroan
egon zen egoiliar gisa eta Roman dagoen
Espainiako Akademiaren beka eskuratu
zuen. Erakusketa hauetan parte hartu du:
“Transfer” CGAC, Santiago, 2000, “Painting
as Paradox” Artist Space, NY, 2002. “No
te separes de noso­tros”. Centro Recoleta.
Buenos Aires, 2003, “Existencias”, MUSAC,
2007, “Try Again”. La Casa Encendida,
2008. “The end of History, and The Return
of History Painting”.MMKA, Arnhem, 2011.
“11ª Bienal Martínez Gue­
rricabeitia, Nulla
aesthetica sine ethica”. “Abismos. Laberintos de la imagen”. KM, Donostia, 2012.
“Con el tiempo”, MACA, Alacant, 2013.
“Suturak, cerca a lo próximo”, San Telmo
Museoa, Donostia, 2014. “God save the
Queen”, MUSAC, 2015.

Iñaki Gracenea está Licenciado en BBAA
por la UPV-EHU 1990-95. Entre 1997-99
es residente en Arteleku (Donostia). Dentro
del proyecto Transfer reside en la Kunsthaus
Essen (2000). En el año 2002 recibe la
Beca Botín para residir en el ISCP (NY). En
2009 imparte el taller Código Error en Arteleku. En el año 2010 trabaja en Berlin con
la Beca de Artes Plásticas de la CAM. En
2015 reside en la Lloyd Sealy Library (NY), y
obtiene la beca de La Academia de España
en Roma. Ha participado en exposiciones
como “Transfer” CGAC, Santiago de Compostela, 2000, “Painting as Paradox” Artist
Space, NY, 2002. “No te separes de nosotros”. Centro Recoleta. Buenos Aires, 2003,
“Existencias”, MUSAC, 2007, “Try Again”.
La Casa Encendida, 2008. “The end of History, and The Return of History Painting”.
MMKA, Arnhem, 2011. “11ª Bienal Martínez
Guerricabeitia, Nulla aesthetica sine ethica”.
“Abismos. Laberintos de la imagen”, KM,
Donostia, 2012. “Con el tiempo”, MACA,
Alicante, 2013. “Suturak, cerca a lo próximo”, San Telmo Museoa, Donostia, 2014.
“God save the Queen”, MUSAC, 2015.

Iñaki Gracenea has a degree in Fine Arts
by the UPV-EHU (1990-1995). Between
1997 and 1999 he was a resident in Arteleku (Donostia). Within the Transfer project
he resided at the Kunsthaus Essen (2000).
In 2002 he received the Botín Scholarship
to reside at the ISCP (NY). In 2009 he taught
the workshop titled Código Error in Arteleku.
In 2010 he worked in Berlin with the Plastic
Arts Scholarship from the CAM. In 2015 he
is residing at the Lloyd Sealy Library (NY) and
has obtained a scholarship from the Academy of Spain in Rome. He has participated in exhibitions such as “Transfer”, CGAC,
Santiago de Compostela, 2000, “Painting
as Paradox”, Artist Space, NY, 2002, “No
te separes de nosotros”, Centro Recoleta,
Buenos Aires, 2003, “Existencias”, MUSAC,
2007, “Try Again”, La Casa Encendida,
2008, “The end of History and The Return
of History Painting”, MMKA, Arnhem, 2011.
“11ª Bienal Martínez Guerricabeitia, Nulla
aesthetica sine ethica”, “Abismos. Laberintos de la imagen”, KM, Donostia, 2012.
“Con el tiempo”, MACA, Alicante, 2013.
“Suturak, cerca a lo próximo”, San Telmo
Museoa, Donostia, 2014. “God save the
Queen”, MUSAC, 2015.

gin dituen azken proiektuek indarkeria sinbolikoa izan duten ardatzetako
bat gisa. Indar fisikoaren bidez zuzenean ez egindako indarkeria-mota; subjektu menderatzaileak mendeko subjektuen
au­
rrean nagusitzean egiten dena. Arkitekturaren (presondegia), arauen, ezarritako
errutina baten, munduaren ikuspegiaren,
gizarte-rolen, kategoria kognitiboen eta egitura mentalen bidez egindako menderatzea
da. Presondegi batean, jantziak, janaria,
garbitasuna, dena kanon batzuen bidez bideratzen da; baina gizatasuna kentzen duen
egitura horren barruan, banakoak bere berezitasuna erakutsi eta haren aztarna uzten
du. Proiektu hau presoei hartutako zenbait
armetan, presondegietan indarkeriazko helburu batekin sortzen den eta aldi berean
presoak bizirauteko egindako borrokari, beharrari, trebetasunari eta gaitasunari buruz
hitz egiten duen ezkutuko objektu batean
oinarritzen da.

S.T. 2015
Neurri aldakorrak / Medidas variables
Poliesterra eta beruna
Poliester y plomo

T

S.T. 2015
4u. 95 x75 cm
Olio ehun gainean
Óleo sobre tela

BilbaoArte

85

Hibernando
Pablo Escauriaza Gortazar

Sol Benavente Molina

Algorta, 1983

Santigo de Chile, 1981
www.hibernando.com
hibernando.estudio@gmail.com

L

a Tremebunda print machine consiste en la construcción de un dispositivo móvil para estampar serigrafía en
la calle, llevar el taller al espacio público.
Esta técnica fue elegida por su capacidad
de adaptación al medio, rapidez, economía
y efectividad. Su facilidad para reproducir
imágenes la convierte en un espacio de
resistencia frente a la contaminación visual
generada por la publicidad comercial.
De manera más amplia, este proyecto se
guía por una inquietud persistente dentro de
nuestra práctica artística y esta consiste en
un cuestionamiento de las fronteras físicas
y simbólicas que se han instaurado en el
arte. Las fronteras a las que nos referimos
se vislumbran desde diferentes ambitos de
la práctica artística, desde sus espacios de
ejecución, la imagen del artista, su valor
simbólico, económico, social o su funcionalidad. Nuestra discrepancia al respecto la
llevamos a nuestro trabajo de manera que
se vayan diluyendo o transformando. Desde
esta lógica construir un carro para estampar
serigrafía en la calle es coherente al acercarnos a un público espontaneo, plantear
una actividad y lo que queda es la experiencia y no un objeto de valor comercial.

L

he Tremebunda print machine consists of the construction of a mobile
device to stamp screenprints in the
street, to take the workshop to the public
space. This technique was chosen for its
capacity to adapt to the environment and its
speed, economy and effectiveness. Its ability to reproduce images makes it a space for
resistance against the visual pollution generated by commercial advertising.
More broadly speaking, the project is guided by a persistent concern within our artistic
practice, namely a questioning of the physical and symbolic boundaries which have
been imposed on art. The boundaries we
refer to can be seen in different fields of artistic practice, in their places of execution,
in the artist’s image and his or her symbolic,
economic, social value or functionality. We
convey our discrepancies in this respect to
our work, in such a way that they become
diluted or transformed. Using this logic to
build a cart to stamp screenprints in the
street is coherent with approaching a spontaneous audience and proposing an activity,
and what remains is the experience and not
an object of commercial value.

Hibernando Bilbon bizi diren artisten talde
bat da. Jatorri, nazionalitate eta diziplina
desberdinetakoak izanda, serigrafia, graffitia, pintura, baliabide berriak eta bestelakoak erabiliz, aniztasun hori bateratzea lortu
dute, haien proposamenak aberastuz.
Taldea 2013. urtean sortu zen, eta hortik
aurrera hainbat proiektutan parte hartu dute,
erakusketak, bertako artistekin egindako
lankidetzak eta eremu publikoan egindako
ekintzak barne. Horien artean hauek dira
garrantzitsuenak: erakusketa Torrene aretoan, “Las reglas del juego”, 2014. urtean;
La Karpinteria zentroan egotea, 2015. urtean; Bilbao Arte Fundazioaren 2015eko beka;
Zawp-ekin lankidetza, “Gentrigrafia”, 2015.

Hibernando es un colectivo de artistas residentes en Bilbao. De diferentes orígenes,
nacionalidades y disciplinas, desde la serigrafía, graffiti, pintura, nuevos medios, entre
otros, han podido conjugar esta diversidad
enriqueciendo sus propuestas.
Desde la formación del colectivo, el año
2013, han participado en diversos proyectos incluyendo exposiciones, colaboraciones con artistas locales, acciones e
intervenciones en el espacio público, cabe
mencionar: Exposición sala Torrene “Las
reglas del juego”,2014, residencia en La
Karpinteria,2015, beca 2015 Bilbao Arte,
colaboración con Zawp “Gentrigrafia”2015,
entre otros.

Hibernando is a collective of artists living
in Bilbao. From different backgrounds, nationalities and disciplines, including screen
printing, graffiti, painting and new media,
they have managed to combine this diversity
and enrich their proposals.
Since the formation of the collective in 2013,
they have taken part in different projects,
including exhibitions, collaborations with
local artists, initiatives and interventions in
public places, including “Las reglas del juego” at the Torrene Exhibition Hall (2014), a
residence at La Karpinteria (2015), a scholarship from Bilbao Arte (2015) and collaboration with Zawp, “Gentrigrafia” (2015).

a tremebunda print machine kalean
serigrafia estanpatzeko gailu mugikor bat sortzean datza, hau da, taile­
rra eremu publikora eramatea. Teknika hori
ingurunera egokitzeko gaitasunarengatik
eta haren azkartasun, ekonomia eta eraginkortasunarengatik aukeratu zen. Irudiak
erraz sortzen dituenez, erresistentzia-eremu
bihurtzen da publizitate komertzialak sortutako kutsadura bisualaren aurrean.
Modu zabalago batean, proiektu honek gure
jarduera artistikoaren barruan etengabe dagoen kezkan oinarritzen da. Gure jardueran
artean ezarri diren muga fisiko eta sinbolikoak eztabaidatzen ditugu. Muga horiek,
jarduera artistikoaren zenbait esparrutatik
ikusten dira, gauzatzen diren eremuetatik,
artistaren irudia, haren balio sinboliko, ekonomiko eta soziala, edo funtzionaltasuna.
Horrekin dugun desadostasuna gure lanetan islatzen dugu, desagertzen edo aldatzen
joan dadin. Logika horretatik, koherentea
da orga bat egitea kalean serigrafia estanpatzeko, berezko publiko batengana hurbiltzen garelako, jarduera bat proposatzea,
eta geratzen dena esperientzia da, ez balio
komertziala duen objektu bat.

T

Este es tu muro
Bilboko hirian serigrafitutako kartelekin egindako interbentzioa horma gainean
Intervención con carteles serigrafiados sobre muro en la
ciudad de Bilbao.
La Tremebunda print machine
100 x 80 x 80 cm
Serigrafia estanpazioa egiteko tresna mugikorra
Dispositivo móvil para estampación serigráfica

Frontera
Espazio publikoan deialdia, La Karpinteria egoitzak, Histeria Kolektiboa. Victoria Ascasoren argazkia.
Convocatoria a acción en el espacio público, residencias de La Karpinteria, Histeria Kolektiboa.
Fotografía por Victoria Ascaso

Acción subir 100 escaleras
3 ordu / horas
100 eskailera igo proiektuaren barne egindako akzioa.
Irudia, insolaketa eta estanpaketa kalean
Acción realizada en el marco del proyecto subir 100 escaleras. Dibujo, insolado y estampación en la vía pública

BilbaoArte

89

Tamara Jacquin
Chile, 1986
www.tamarajacquin.comt
tamarajacquin@ymail.com

A

A

A

rquitecturas Corporales diziplina anitzeko proiektua da eta eraikuntzan eta objektu eta protesien
azterketan oinarrituz arauen gorputzaren
eraikuntza ikertzen du metaforikoki, gaur
egungo kodeketaren gizarte- eta kultura-ereduak zalantzan jartzen dituzten
hainbat narrazio sortzeko helburuarekin.
Horretarako, objektua, performance, bideoa eta argazkiak erabiltzen ditut, menderatuta, zapalduta eta gizarteak baztertuta
dagoen gorputzaz jabetzeko.
Abiapuntua gorputza da, subjektuak bere inguruarekin ezartzen dituen harreman guztien
erreferentzia eta neurri gisa. Bere gorputzetik abiatuz, artistak narratibak eta irudiak
sortzen ditu. Narratiba horiek, norberaren
nortasunari buruzko galderak, zalantzak edo
gogoetak dira. Bere gorputza, beraz, bere
esperientziari dagokiona (pertzepzioa, mugimendua, oroimena eta presentzia) eta bere
kultura-eraikuntzari dagokiona bateratzen
dituen narrazio-eremu bat da.
Gaur egungo lan-ildoan gorputza eta objektuak integratzea da bere helburua. Ha­
rreman hori, pertsonarenak eta haren nortasunarenak izatera heldu diren kanpoko
objektuekiko eta jantziekiko artistak duen
interesaren ondorioz sortu da. Janzkera,
beraz, protesi bat modukoa da. Protesi ho­
rrek, kulturaren eta gizartearen eragin handia
du, gorputzetan sartzen dena eta eztabaidatzea interesatzen zaiona.

rquitecturas Corporales es un proyecto multidisciplinar que investiga
metafóricamente la construcción del
cuerpo normativo a partir de la construcción
y la exploración de objetos-prótesis, con
el fin de construir diversas narrativas que
cuestionen los modelos socio-culturales de
codificación del presente. Para ello, hago
uso del objeto, la performance, el vídeo y
la fotografía, para despertar conciencia de
un cuerpo dominado, oprimido o marginado
por la sociedad.
El punto de partida es el cuerpo, éste como
referencia y medida de toda las relaciones
que el sujeto establece con su entorno.
Desde su cuerpo, la artista genera narrativas e imágenes. Estas narrativas son preguntas, dudas, interrogantes o reflexiones
sobre la propia identidad. Su cuerpo se
constituye, entonces, como un espacio de
narración donde confluye tanto lo relativo
a su experiencia (percepción, movimiento,
memoria y presencia) como lo relativo a su
propia construcción cultural.
En su línea de trabajo actual, busca integrar
cuerpo y objetos. Esta relación nace de un
interés personal por la vestimenta y por los
objetos externos que han llegado a formar
parte íntegra de la persona y su identidad.
La indumentaria se constituye, por lo tanto,
como una prótesis, prótesis con una carga
cultural y social que se inscribe en los cuerpos y que le interesa cuestionar.

rquitecturas Corporales (Body Architectures) is a multi-disciplinary
project which metaphorically researches the construction of the regulatory body by means of the construction and
exploration of objects-prostheses, in order
to build different narratives which question
the socio-cultural models for codifying the
present. To do so, I use objects, the performance, videos and photography to raise
awareness of a body dominated, oppressed
and marginalized by society.
The starting point is the body, as a reference
and measurement of all the relationships the
subject establishes with his or her environment. Using her body, the artist generates
narratives and images. These narratives are
queries, doubts, question marks and reflections regarding her own identity. Her body
thus becomes a space for narration, bringing together aspects related to her experience (perception, movement, memory and
presence) and other aspects related to her
own cultural construction.
In her current line of work she seeks to integrate body and objects. This relationship
comes from a personal interest in clothing
and the external objects which have come
to form an integral part of a person and his
or her identity. The clothing therefore becomes a prosthesis, a prosthesis with a cultural and social load which is inscribed onto
bodies, something she wishes to question.

Tamara Jacquinek arkitektura ikasi zuen
Valparaison (Txile, 2010). Trukealdia egin
zuen Bretainiako L’École Nationale Supérieure d’Architecture eskolan (Frantzia,
2008-2009). Espainian Produkzio Artistikoko Masterra egin zuen 2014. urtean Valentziako UPVn. Gaur egun, Artea eta Sorkuntza Ikerketako Unibertsitate Masterra
egiten ari da (UCM). Espainiako, Mexikoko
eta Argentinako bideoarte erakusketa eta
jaialdietan parte hartu du.

Tamara Jacquin estudió Arquitectura en
la Universidad de Valparaíso (Chile, 2010).
Realizó un periodo de intercambio en
L’École Nationale Supérieure d’Architecture
de Bretagne (Francia, 2008-2009). En España realizó el Máster de Producción Artística
(UPV, Valencia, 2014). Actualmente cursa el
Máster Universitario de Investigación en Arte
y Creación (UCM). Ha participado en diversas exposiciones y festivales de videoarte
en España, México y Argentina.

Tamara Jacquin studied Architecture at the
University of Valparaíso (Chile, 2010). She
performed an exchange at L’École Nationale Supérieure d’Architecture de Bretagne
(France, 2008-2009). In Spain she obtained
a Master’s Degree in Artistic Production
(UPV, Valencia, 2014). She is currently studying for a Master’s Degree in Research in Art
and Creation (UCM). She has taken part in
different exhibitions and video art festivals in
Spain, Mexico and ­Argentina.

Pensando en Penelope (2015)
61 x 91 cm
Argazkia kolorean, pigmentatutako tintan inpresioa
310gr-ko Museo Baryta Satin Photo paperean
Fotografía a color, impresión de tinta pigmentada en papel Museo Baryta Satin Photo de 310 gr.

Arquitectura corporal IV (2015)
120 x 100 x 80 cm
Egurra, goma eta larruzko kordoia
Madera, goma y cordón de cuero

Nueve maneras de colocar una manta-palos (2015)
50 x 50 cm/u
Argazkia kolorean, pigmentatutako tintan inpresioa
310gr-ko Museo Baryta Satin Photo paperean
Fotografía a color, impresión de tinta pigmentada en papel Museo Baryta Satin Photo de 310 gr.

BilbaoArte

93

Daniel Jordán
Valencia, 1983
danieljordangarcia.tumblr.com
danjorga@gmail.com

I

I

I

’m the fool. I’m the fool. I’m the fool. I’m
the fool. I’m the fool. I’m the fool. I’m the
fool. I’m the fool. I’m the fool. I’m the fool.
I’m the fool. I’m the fool. I’m the fool. I’m the
fool. I’m the fool. I’m the fool. I’m the fool.
I’m the fool. I’m the fool. I’m the fool. I’m the
fool. I’m the fool. I’m the fool. I’m the fool.
I’m the fool. I’m the fool. I’m the fool.

’m the fool. I’m the fool. I’m the fool. I’m
the fool. I’m the fool. I’m the fool. I’m the
fool. I’m the fool. I’m the fool. I’m the fool.
I’m the fool. I’m the fool. I’m the fool. I’m the
fool. I’m the fool. I’m the fool. I’m the fool.
I’m the fool. I’m the fool. I’m the fool. I’m the
fool. I’m the fool. I’m the fool. I’m the fool.
I’m the fool. I’m the fool. I’m the fool.

’m the fool. I’m the fool. I’m the fool. I’m
the fool. I’m the fool. I’m the fool. I’m the
fool. I’m the fool. I’m the fool. I’m the fool.
I’m the fool. I’m the fool. I’m the fool. I’m the
fool. I’m the fool. I’m the fool. I’m the fool.
I’m the fool. I’m the fool. I’m the fool. I’m the
fool. I’m the fool. I’m the fool. I’m the fool.
I’m the fool. I’m the fool. I’m the fool.

Daniel Jordán. 2002. Urtean Kanariar
Uharteko Lanzarote irla utzi eta Tenerifeko
La Lagunako unibertsitatera joan nintzen
bertan Arte Ederretako ikasketak burutzera.
Arteak baino, etxetik kanpo bizitzeko esperientziak bultzatu ninduen aldaketara. 2006.
urtean, hiri handiago baten beharra sentitu
nuen eta Valentziara egin nuen aldaketa.
Bi urte beranduago bertako Unibertsitate
Politeknikoan lizentziatu nintzen eta jarraian
Ekoizpen Artistikoaren master ofiziala egin
nuen. Ohartu gabe arteak nire bizitzan geroz
eta leku handiagoa zuela konturatu nintzen.
Hurrengo lau urteetan zehar, arte munduan
sakontzen aritu naiz, baita bestelako lanak
egiten ere eguneroko bizitzan mantentzeko. Zenbait erakusketa kolektiboetan parte
hartzeko aukera izan dut, sariren bat ere
eskuratu dut, baita bekaren bat ere. 2014.
urtean salmentaren batzuk egin ostean, Valentziako hiria atzean utzi eta nire aiton-amonen sorlekura joan nintzen: “Teresa de Cofrentes” herrira, Valentzia barneko herri txiki
bat.Herri txiki honetan nire obrak gauzatzeaz
gainera, artearen mundua gustuko dudan
edo ez ausnartzeko aukera izan nuen.”

Daniel Jordán. En 2002 me desplazo desde la isla de Lanzarote a Tenerife para comenzar los estudios de Bellas Artes en la
universidad de La Laguna por motivos más
relacionados con vivir la experiencia universitaria que por interés en el arte. En 2006
me traslado a la Universidad Politécnica de
Valencia para seguir explorando la vida universitaria en un sitio más grande; dos años
más tarde obtengo la licenciatura. Seguidamente realizo en esta misma universidad el
Máster Oficial de Producción Artistica. Sin
darme cuenta el arte ya ocupa un espacio
importante en mi vida.
Los siguientes cuatro años transcurren profundizando en mi práctica artística, al mismo
tiempo que trabajo de varias cosas para
mantenerme. Durante este tiempo participo
en exposiciones colectivas y obtengo algunas becas y premios sin mucha relevancia.
En septiembre de 2014, tras un par de ventas esporádicas, decido dejar mis otras ocupaciones y trasladarme a la casa que tenían
mis abuelos en Teresa de Cofrentes (un pequeño pueblo en el interior de la Comunidad
Valenciana) para dedicarme únicamente a la
producción de obra y reflexionar sobre si de
verdad quiero llevar este tipo de vida.

Daniel Jordán. In 2002 I move from Lanzarote Island to Tenerife, just to study arts
in La Laguna University, more than being interested in Art, I was interested in the experience of having an academical life. In 2006
I exchange to Valencia Politecnic University
to continue on my academic life exploration, now, in a bigger city; two years after I
achieve the B.F.A. Just after that I continue
with the Oficial Master of Artistic Production.
At that time, I still has not realized that art
occupied an important space in my life.
The next four years pass by going deeper in
my artistic practice, at the same time I work
in other things to keep on. During this time
I participate in colective shows and I obtain
some grants and not so important awards.
In september of 2014, after a couple of sporadic sales I decide to left my other occupations and move to my grandfathers house in
Teresa de Cofrentes (a very small town in the
heart of Valencian Community) to especifically produce my work and meditate if this is
the kind of life I want to live.

The fool show
500 x 500 x 150 cm
Olioa eta akrilikoa ehun gainean
Oléo y acrílico sobre tela

The fool show #8
150 x 120 x 80 cm
Olioa, akrilikoa, modelaketa pasta eta egurra
Oléo, acrílico, pasta de modelar y madera

The fool show
Neurri aldakorrak / medidas variables
Instalazioa. Teknika mixtoa
Instalación. Técnica mixta

BilbaoArte

97

José Jurado
Villanueva del Duque, Córdoba, 1984
www.josejurado.com
jojurgom@gmail.com

z gara ez hemengoak ez hangoak
da 2015eko abuztuaren 3an Bilbotik
Badajozeko probintzian dagoen Monterrubio de la Serena herriraino autobusez
joateko bidaia bat hastean emakume batek
esaten duen esaldia.
Egiten ari den proiektua, Sangre Nueva,
iragan mendearen erdialdera bizitzetan
oparotasun eta garapen hobea bilatzeko
beraien herrietatik atera ziren Extremadurako emigratzaile guztiei egindako omenaldia
da. Euskadiko beste herri eta hiri askotan
amaitu zuten, eta horrenbestez, haien giza
paisaiak bihurtu ziren.
Hemendik proiektuan parte hartu duten
pertsona guztiei eskerrak eman nahi dizkiet
emandako laguntzarengatik, Extremadurako
Elkarteen Euskadiko Federazioari eta Euskadiko lurralde osotik sakabanatuta dauden
Extremadurako Zentroei batik bat.

o somos ni de aquí ni de allí, es
la frase pronunciada por una señora con la cual arranca un viaje en
autobús desde Bilbao hasta el pueblo de
Monterrubio de la Serena en la provincia de
Badajoz el día 3 de agosto de 2015.
El proyecto en proceso Sangre Nueva es un
homenaje a todos los emigrantes extremeños que a mediados del siglo pasado salieron de sus pueblos buscando un desarrollo
y prosperidad mejor en sus vidas. Acabaron recalando en otros muchos pueblos y
ciudades de Euskadi formando parte de su
paisaje humano.
Desde aquí agradecer a todas las personas
participantes en el proyecto su colaboración, especialmente a la Federación de Asociaciones Extremeñas de Euskadi y a los
Centros Extremeños repartidos por todo el
territorio de Euskadi.

E

N

W

José Jurado Arte Ederretan lizentziatu zen
Granadako Unibertsitatean. Argazkilaritza
Profesionala eta Erreportaje Dokumentala
masterra egin zuen EFTIn; Artea, Sorkuntza
eta Ikerketa masterra Unibertsitate Konplutentseko Arte Ederren Fakultatean (Madril)
eta MA Fine Art, Manchester Metropolitan
University MMU unibertsitatean. Zenbait
baliabide eta formaturekin lan egiten duen
diziplina anitzeko artista da, eta interes berezia agertzen du inguratzen duen gizartearekiko, gizarte-proiektuen, proiektu kritiko
eta parte-hartzaileen bidez. Prestatzeko eta
proiektuak ekoizteko bekak eta laguntzak
jaso ditu. Prestatzeko beka edo laguntzei
dagokienez, Iniciarte, Erasmus eta Séneca
aipa daitezke, eta proiektuak ekoiztekoen
artean, Iniciarte, Toledoko ECAT, Kordobako
Rafael Botí Arte Plastikoen Probintzia Fundazioa, eta Matadero Madrid zentroa. Erakusketei dagokienez, leku hauetan egon dira
ikusgai: Madrilgo Canal de Isabel II aretoa;
Bartzelonako D’Art Jove aretoa; Toledoko
Espacio ECAT zentroa; Madrilgo Off Limits;
Madrilgo Asm28 galeria; Matadero Madrid;
CAAC Sevillako Arte Garaikideko Andaluziako Zentroa; Amadís aretoa, Madrilen; Santanderreko Villa Irís Fundación Botín eta
Kordobako Puerta Nueva aretoa.

José Jurado está Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Granada. Master
de Fotografía Profesional y Reportaje Documental de EFTI, Master en Arte Creación e
Investigación de la Facultad de Bellas Artes
de la Universidad Complutense (Madrid) y
MA Fine Art en la Manchester Metropolitan University MMU. Artista multidisciplinar
que trabaja con diversos medios y formatos
mostrando especial interés en la sociedad
que le rodea mediante proyectos de carácter social, crítico y participativo. Ha recibido
becas y ayudas tanto de formación (Iniciarte, Erasmus, Séneca) como para la producción de proyectos (Iniciarte, ECAT de Toledo, Fundación Provincial de Artes Plásticas
Rafael Botí de Córdoba, Matadero Madrid)
Participación en exposiciones en espacios
como la Sala del Canal de Isabel II de Madrid, Sala d’Art Jove de Barcelona, Espacio
ECAT de Toledo, Off Limits Madrid, Galería
Asm28 de Madrid, Matadero Madrid, Centro
Andaluz de Arte Contemporáneo CAAC de
Sevilla, Sala Amadís, Madrid, Villa Irís Fundación Botín de Santander y Sala Puerta
Nueva de Córdoba.

José Jurado has a Bachelor’s Degree in
Fine Arts from the University of Granada, a
Master’s Degree in Professional Photography and Documentary Reporting from the
EFTI, a Master’s Degree in Art Creation and
Research from the Faculty of Fine Arts of the
Complutense University (Madrid) and an MA
in Fine Art from the Manchester Metropolitan
University (MMU). He is a multi-disciplinary
artist who works with different media and
formats, showing particular interest in the
society around him by means of projects
of a social, critical and participatory nature.
He has received scholarships and grants for
both training (Iniciarte, Erasmus, Seneca)
and the production of projects (Iniciarte, the
ECAT in Toledo, The Rafael Botí Provincial
Plastic Arts Foundation in Córdoba and Matadero Madrid). He has taken part in exhibitions at venues such as the Canal de Isabel
II Hall in Madrid, the Sala d’Art Jove de Barcelona, Espacio ECAT in Toledo, Off Limits
Madrid, Galería Asm28 in Madrid, Matadero
Madrid, the Andalusian Centre for Contemporary Art in Seville, Sala Amadís in Madrid,
Villa Irís of the Botín Foundation in Santander
and Sala Puerta Nueva in Córdoba.

No somos ni de aquí ni de allí
Neurri aldakorrak / Medidas variables
Instalazioa
Instalación

e are from neither here nor there
is the sentence pronounced by a
lady with whom a bus journey from
Bilbao to the town of Monterrubio de la Serena in Badajoz begins on 3 August 2015.
Sangre Nueva (New Blood), the project in
progress, is a tribute to all the emigrants
from Extremadura who, in the middle of
the last century, left their homes looking for
a better future and prosperity in their lives.
They ended up settling in many towns and
villages of Euskadi and going on to form part
of its human landscape.
I’d like to take the opportunity to thank all
the people involved in the project for their
collaboration, especially those from the
Federation of Associations of Extremadura
of Euskadi and the Centres of Extremadura
spread throughout the territory of Euskadi.

BilbaoArte

101

Karlos Martinez B.
Durango, 1982
karlitos53@hotmail.com

...Noski, bizitza oro eraispen-prozesuak dira, baina lanaren zati dramatikoa egiten dituzten kolpeak –etortzen
diren bat-bateko kolpeak, edo kanpotik
datozela diruditen kolpeak-, norberak gogoratzen dituenak eta gauzei errua botarazten dietenak, eta ahultasun-uneetan lagunei hitz egiten dietenak, ez dira berehala
nabaritzen. Badaude barrutik datozen beste kolpe batzuk, beraiekin zerbait egiteko
beranduegi den arte, nolabait dagoeneko
gizon hain osasuntsua ez dela izango behin betiko konturatzen den arte nabaritzen
ez ditugunak. Lehen motatako eraispena
badirudi azkar gertatzen dela, bigarrena
ia konturatu gabe gertatu da; bat-batean
gertatzen da.
Jarraitu aurretik ohar orokorra egingo dut:
goi-mailako adimena izatea da buruan
kontrakoak diren bi ideia aldi berean gordetzeko eta funtzionatzeko ahalmenarekin
jarraitzeko gaitasuna da. Esaterako, konponezinak diren gauzak ikusteko eta beste
era batera izatera behartzeko gai izango
beharko ­ginateke...”.
1936ko otsaila, El Crack Up. F. S. Fitzgerald

...Claro, toda vida es un proceso de
demolición, pero los golpes que llevan a cabo la parte dramática de la
tarea—los grandes golpes repentinos que
vienen, o parecen venir, de fuera—, los que
uno recuerda y le hacen culpar a las cosas,
y de los que, en momentos de debilidad,
habla a los amigos, no hacen patentes sus
efectos de inmediato. Hay otro tipo de golpes que vienen de dentro, que uno no nota
hasta que es demasiado tarde para hacer
algo con respecto a ellos, hasta que se da
cuenta de modo definitivo de que en cierto
sentido ya no volverá a ser un hombre tan
sano. El primer tipo de demolición parece
producirse con rapidez, el segundo tipo se
produce casi sin que uno lo advierta, pero
de hecho se percibe de repente.
Antes de seguir, permítaseme hacer una
observación general: la prueba de una inteligencia de primera clase es la capacidad
para retener dos ideas opuestas en la mente
al mismo tiempo, y seguir conservando la
capacidad de funcionar. Uno debería, por
ejemplo, ser capaz de ver que las cosas son
irremediables y, sin embargo, estar decidido
a hacer que sean de otro modo...”

... Of course, any life is a process of
demolition, but the blows performed
by the dramatic part of the task - the
big, sudden blows which come, or seem
to come, from outside - the ones you remember and make you blame things, those
which, in moments of weakness, you talk
to friends about, don’t reveal their effects
immediately. There are other kinds of blows
which come from within, which you don’t
notice until it’s too late to do anything
about them, until you finally realize that, in
some ways, you won’t be such a healthy
man again. The former type of demolition
appears to occur quickly, the latter type occurs almost without being noticed, but in
fact you suddenly perceive it.
Before continuing, let me make a general
observation: the proof of first-rate intelligence is the ability to hold two opposing
ideas in the mind at the same time and still
retain the ability to function. One should,
for example, be able to see that things are
hopeless and yet be determined to make
them otherwise...”
February 1936, The Crack Up. F. S. Fitzgerald

Febrero de 1936, El Crack Up. F. S. Fitzgerald
Karlos Martinezek arte grafikoen eta diseinuko goi-mailako ikasketak egin ditu.
Horrez gain, historia eta geografia ere ikasi
du. Zenbait beka eta sari jaso ditu banakako eta taldekako proiektuak eta erakusketak eginez, Bilbon, Manchesterren, Leipzigen, Kordoban (Argentina), Montevideon,
Bartzelonan edo Aljerren. Bere azken erakusketen artean hauek nabarmentzen dira:
“Historias Incomparables”, Koldo Mitxelena
Kulturuneko erakusketa-aretoan (Donostia 2013), Abwehr Waldrand, Galerie Lisi
Hämmerle Galerian egindakoa, Bilbao Arte
Fundazioaren truke-bekarekin / Kunsthaus
Bregenz, Vorarlbergen (Austria 2014) edo
2015eko Generación sarien erakusketa, La
Casa Encendida zentroan (Madril 2015) eta
Plataforma Revólver (Lisboa 2015).

Karlos Martinez ha cursado estudios superiores de artes gráficas y diseño, así como
de historia-geografía. Ha recibido varias becas y premios realizando proyectos y exposiciones tanto individuales como colectivas
en Bilbao, Mánchester, Leipzig, Córdoba
(Argentina), Montevideo, Barcelona o Argel.
Entre sus últimas muestras destacan Historias Incomparables, en la sala de exposiciones del Koldo Mitxelena Kulturunea (San Sebastián 2013), Abwehr Waldrand, celebrada
en la Galerie Lisi Hämmerle con motivo de la
beca de intercambio Fundación Bilbao Arte
/ Kunsthaus Bregenz en Vorarlberg (Austria
2014) o la exposición de los premios Generación 2015, en La Casa Encendida (Madrid
2015) y Plataforma Revólver (Lisboa 2015).

Karlos Martinez has completed advanced studies in graphic arts and design and
history-geography. He has received several
scholarships and awards, performing both
individual and collective projects and exhibitions in Bilbao, Manchester, Leipzig, Córdoba (Argentina), Montevideo, Barcelona
and Algiers. His latest exhibitions include
“Historias Incomparables” at the Koldo Mitxelena Kulturunea exhibition hall (San Sebastián 2013), Abwehr Waldrand, held at
the Lisi Hämmerle Gallery on the occasion
of the Bilbao Arte Foundation/Kunsthaus
Bregenz scholarship exchange in Vorarlberg (Austria 2014), the exhibition for the
2015 “Generación” awards at La Casa Encendida (Madrid 2015) and Plataforma Revólver (Lisbon 2015).

BilbaoArte

105

Miriam Martínez Guirao
Elche, 1981
www.miriamguirao.com
miriam.m.guirao@gmail.com

K

C

P

ontzientzia psikoterratikoak
“Egia da: gizakia inguru natural batetik abiatu zen eta inguru artifizial
bihurtu zuen etapaka”
Gillo Dorfles

on- ciencias psicoterráticas
“Es cierto: el hombre partió de un
ambiente natural y lo trasformó por
etapas en un ambiente artificio”
Gillo Dorfles

sychoterratic con-sciences
“It’s true: man came from a natural
environment and transformed it by
stages into an artificial environment”
Gillo Dorfles

Eromena sena edo ezaguera galtzea edo
gabetzea bada, gure bizitzetan naturaren
erabilera gabetzeak nolabait eromena eragin behar du. Denboraren igarotze azkarrak
gure naturaren zatia ikusteko dugun desgaitasuna erakusten digu, ez baitago modu
natural batean elkarri eragiten. Historikoki,
industrializaziotik gaur egun arte, landaretza
arrazionalizatzen eta mugatzen joan gara,
natura gure bizitza, soro eta hirietan “gizatiartuz”. Prozesu motel eta historiko horretan, naturaren urritasun-arazoak direlakoek
sortu dituzten nostalgia, solastalgia eta gabeziak direla eta sortu diren arazo psikoterratiko eta somaterratikoak eraginez.

Si la locura es la privación o anulación del juicio o del uso de la razón, la privación del uso
de la naturaleza en nuestras vidas, tiene que
provocar de alguna manera la locura. El paso
dilatado del tiempo nos va mostrando la incapacidad de ver nuestra parte de naturaleza
y como interactuar con ella de modo natural.
Históricamente, desde la industrialización
hasta el día de hoy, hemos ido racionalizando y acotando la vegetación, “humanizando” la naturaleza en nuestras vidas,
campos y ciudades. Generando trastornos
psicoterráticos y somaterráticos a causa de
la nostalgia, solastalgia, carencias que en
ese proceso lento e histórico, han llegado
a generar los llamados Trastornos de Déficit
de Naturaleza.

If madness is the loss or nullifying of judgement or the use of reason, the loss of the use
of nature in our lives must somehow cause
madness. The drawn-out passage of time
shows our inability to see our part of nature
and how to interact with it in a natural way.
Historically, from the period of industrialization until today, we have rationalized and
constrained vegetation, “humanizing” the
nature in our lives, fields and cities, generating psychoterratic and somoterratic
disorders due to nostalgia, solastalgia and
deficiencies which, in this slow and historical
process, have generated so-called Nature
Deficit Disorders.

Miriam Martínez Guirao Arte Ederretan lizentziatu zen UMH unibertsitatean, eta Puenting Beka eskuratu zuen
UMHn /Mustang Art Gallery + JustMad4.
Arteen Produkzioa eta Ikerketa masterra egin zuen www.jardinesefimeros.com
proiektuarekin eta gaur egun, doktoregoa
egiten ari da UCMn.
Lanean beti erabili ditu landareekin zerikusia duten gaiak, fabrikatutako eta eskuz
egindakoaren, galkorraren, iraunkorraren,
bakarraren eta serietan egindakoaren artean elkarrizketak sortuz. Beti daude lotuta
naturarekin eta artifizioekin. Hainbat erakusketa egin ditu, bakarrik, besteak beste
Miguel Hernandez Fundazioan, Orihuelan,
Elxeko L’Escorxador zentroan, eta Alteako
Palau jauregian. Erakusketa kolektiboei dagokienez, hauek nabarmentzen dira: International Collaborative Exhibition Altea-Ann
Arbor, Michigan, Isabel Hurley Galerian,
Malagan. Ikas Art erakusketan aukeratu
zuten eta beka eman zioten, AV sailean/
Blanca (Murtzia), Manresako CACIS, Biodivers Carricolan, Valentzia, Arteshop, Bilbon.
Gaur egun, “Residencias A Quemarropa”
egoitzaren zuzendarietako bat da.

Miriam Martínez Guirao está Licenciada en
Bellas Artes por la UMH, con la Beca Puenting, en la UMH/Mustang Art Gallery + JustMad4. Realizó Master en Producción e Investigación en Artes, con el proyecto www.
jardinesefimeros.com. Actualmente cursa
doctorado en la UCM.
Trabajando siempre desde los motivos vegetales, generando diálogos entre lo manufacturado y artesanal, perecedero, duradero, entre lo único y lo seriado y siempre
relacionado con los motivos entre naturaleza y artificio. Ha realizado exposiciones individuales en la Fundación Miguel Hernández,
Orihuela, L’Escorxador de Elche, Palau de
Altea o colectivas como International Collaborative Exhibition Altea-Ann Arbor, Michigan, Galería Isabel Hurley, Málaga, entre
otras. Seleccionada y becada en el Ikas Art,
departamento AV/Blanca Murcia, CACIS de
Manresa, Biodivers en Carricola, Valencia,
Arteshop en Bilbao. Actualmente es parte
de la dirección de Residencias A Quemarropa en Alicante.

Miriam Martínez Guirao has a Bachelor’s
Degree in Fine Arts from the UMH with the
Puenting Scholarship at the UMH/Mustang
Art Gallery + JustMad4. She completed
a Master’s Degree in Production and Research in Arts with the www.jardinesefimeros.com project. She is currently doing her
doctoral studies at the UCM.
Always working with plant motifs, she generates dialogues between the manufactured
and the handmade, the perishable and the
durable and the unique and the mass-produced, always related to motifs lying between nature and artifice. She has held
individual exhibitions at the Miguel Hernández Foundation in Orihuela, L’Escorxador
in Elche and the Palau de Altea, as well as
collective exhibitions like the Altea-Ann Arbor International Collaborative Exhibition in
Michigan and the one at the Elizabeth Hurley
Gallery, Málaga. She has been selected and
received scholarships at the Ikas Art, the
AV/Blanca Murcia department, the CACIS in
Manresa, the Biodivers in Carricola, Valencia
and Arteshop in Bilbao. She currently forms
part of the management of Residencias A
Quemarropa in Alicante.

“Bordando solastalgia vegetal”
Talla 58
Alkandora hertsagarria. Laia Salaren argazkia.
Camisa de fuerza. Fotografiada por Laia Sala.

Locura de la camisa de fuerza
26 x 13 x 16 cm
Beira, haria, ehuna eta egurra
Cristal, hilo, tela y madera

La mano izquierda
50 x 12 cm
Pago egurra eta larrua
Madera de haya y cuero

BilbaoArte

109

Amaia Molinet
Lodosa, 1988
www.amaiamolinet.com
amaiamolinet@gmail.com

Amaia Molinet. Arte Ederretan lizentziatu
zen eta Arte Garaikidea, Teknologikoa eta
Performatiboa masterra ikasi zuen Euskal Herriko Unibertsitatean, Cluj-Napocan
(Errumania) Erasmus beka jaso ondoren.
Bere jarduera artistikoa testuinguruaren
inguruko ikerketa bat bezala garatzen du,
nortasun-eragineko esparru bat moduan.
Banakako erakusketak egin ditu, besteak
beste “País paisaje; lurra eta lurraldea” Civivox-en (Iruñea, 2013) eta “Fragile Human”
Casa Matei Corvin galerian (Cluj-Napoca,
2012). Erakusketa kolektiboetan ere parte
hartu du Iruñean, Bilbon, Gasteizen, Donostian, Madrilen, Palermon eta Londresen.
Nabarmenenak, 2014-ean: “Suturak. Cerca
a lo próximo”, San Telmo Museoan (Donostia), “Ampliación del campo de batalla”,
Montehermoso Kulturunean (Gasteiz) edo
“Emerge”, Rafael Pérez Hernando galerian
(Madril). 2015. urtean Ertibil saria jaso du
Bizkaiko Foru Aldundiaren eskutik, eta bere
lana Intransit (Madril) plataforma eta artxi­
borako eta ARTifariti (Mendebaldeko Sahara) topaketarako aukeratu dute.

Amaia Molinet. Licenciada en Bellas Artes
y Titulada Máster en Arte Contemporáneo,
Tecnológico y Performativo por la Universidad del País Vasco, tras optar a una beca
Erasmus en Cluj-Napoca (Rumanía). Desarrolla su práctica artística como una investigación en torno al contexto como marco
de influencia identitaria. Ha realizado exposiciones individuales como “País paisaje; lurra
eta lurraldea” en Civivox (Pamplona, 2013)
y “Fragile Human” en la Casa Matei Corvin (Cluj-Napoca, 2012). Ha participado en
exposiciones colectivas en ciudades como
Pamplona, Bilbao, Vitoria, San Sebastián,
Madrid, Palermo y Londres; destacando en
2014: “Suturak. Cerca a lo próximo” en el
Museo San Telmo (San Sebastián) “Ampliación del campo de batalla” en el Centro Cultural Montehermoso (Vitoria) o “Emerge” en
la galería Rafael Pérez Hernando (Madrid).
En 2015 ha sido premiada en Ertibil por la
Diputación Foral de Bizkaia y su trabajo ha
sido seleccionado para la plataforma y archivo Intransit (Madrid) y en ARTifariti (Sahara Occidental).

Amaia Molinet. She has a Bachelor’s Degree in Fine Arts and a Master’s Degree in
Contemporary, Technological and Performing Arts by the University of the Basque
Country, after qualifying for an Erasmus
Scholarship in Cluj-Napoca (Romania). She
develops her artistic work as research into
the context as a framework for identity influence. She has had individual exhibitions
such as “País paisaje; lurra eta lurraldea”
at Civivox (Iruñea-Pamplona, 2013) and
“Fragile Human” at the Matei Corvin House
(Cluj-Napoca, 2012). She has participated in
group exhibitions in cities like Pamplona, Bilbao, Vitoria, San Sebastián, Madrid, Palermo
and London; highlighting, in 2014, “Suturak.
Cerca a lo próximo” at the San Telmo Museum (Donostia-San Sebastián), “Ampliación
del campo de batalla” at the Monteher­
moso Cultural Centre (Vitoria-Gasteiz) and
“Emerge” at the Rafael Pérez Hernando Gallery (Madrid). In 2015 she won a prize at the
Ertibil organized by the Provincial Council of
Bizkaia and her work has been selected for
the Intransit platform and archive (Madrid)
and at ARTifariti (Western Sahara).

#Nociones de habitabilidad
2’ 15’’
HD bideoa
Vídeo HD

“Herliebe”
Dimentsio aldakorrak / Dimensiones variables
Argazki Inprimaketa hahnemühle paperean. Egurrezko
estruktura, enborra, harria eta txori kabiak
Impresión fotográfica en papel hahnemühle. Estructura
de madera, tronco, piedra y nidos de pájaro

Nociones de habitabilidad
100 x 65 cm
Argazki Inprimaketa, argi kutxa
Impresión fotográfica, caja de luz

Bizigarritasun nozioak” Ebro ibaiaren
ertzean, Nafarroako Erriberan kokatuta
dagoen natura-inguru batean bizitzeko, markatzeko eta mugatzeko aukerak
konnotatzeko interesaren ondorioz sortu
zen. Nolabaiteko kezka ekologiko batetik,
lan hau argazki eta bideo erregistroen bidez gauzatu da, eta leku beretik hartutako
material organikoak barne hartu ditu, beste
baliabide batzuk erabiliz sortutako egiturekin
lotuta dago. Horri esker, egileak normalean
artean lan egiteko erabiltzen duen argazkilariaren nortasuna zabaltzeko aukera izan
du. Hori guztia etxetxoa bizitzeko oinarrizko
gutxieneko unitate gisa hartuta abiatzen da,
eta argazkilaritzan konbentzionalak ez diren euskarriak eraikiz izandako esperimentazioaz baliatzen da.

Nociones de habitabilidad” surge de
un interés por connotar formas alternativas de habitar, marcar y delimitar
un entorno natural, situado a orillas del río
Ebro a su paso por la ribera de Navarra.
Desde una cierta preocupación ecológica,
esta línea de trabajo se materializa a partir
de registros en fotografía y vídeo, e incluye
materiales orgánicos tomados de la misma
localización, vinculándose a estructuras generadas a partir de otros recursos que permiten a la autora expandir la naturaleza fotográfica de su trabajo habitual en arte. Todo
ello parte de una seducción formal en torno
a la casita como unidad mínima básica de
vivienda y desde la experimentación en la
construcción de soportes no convencionales en fotografía.

Notions of habitability” stems from an
interest in connoting alternative forms
of inhabiting, marking and delimiting a natural environment, situated on the
banks of the river Ebro as it passes through
Navarre. Based on a certain ecological concern, this line of work is embodied in photographic and video records and includes
organic materials taken from the same location, linked to structures generated from
other resources which allow the author to
expand the photographic nature of her usual
art work. All the above forms part of a formal
seduction based on the cottage as a basic
minimum unit of housing and experimentation in the building of unconventional photographic formats.

“Un arquitecto tiene hoy ante sí un inmenso paisaje: el arte de la construcción con sus complejos contextos culturales y
disciplinares, su profunda historia y el afán de invención, sus interrelaciones e interacciones con muchos otros ámbitos, así
como sus fronteras (…) A menos que uno prepare un mapa conceptual del territorio que pretende atravesar, la confusión y
la desorientación tomarán las riendas del viaje. (…) Los materiales y las superficies poseen un lenguaje propio. La piedra nos
habla de sus remotos orígenes geológicos (…) El ladrillo nos obliga a pensar sobre la tierra y el fuego (…) La madera nos
habla de sus dos experiencias y escalas temporales: su primera vida como árbol en crecimiento y su segunda vida como
artefacto humano labrado.”
Juhani PALLASMAA. Una arquitectura de la humildad. Fundación Caja de Arquitectos, colección la cimbra nº 8. 2010.

BilbaoArte

113

Claudia Müller
Santiago, Chile, 1983
www.claudiamuller.net
artemuller@gmail.com

royecto “Catastros de Agua”.
El proyecto realizado durante la Residencia investiga acerca del agua
como medida de tiempo estableciendo
una relación con la Ría de Bilbao. La investigación indaga en su recorrido, distancia,
forma y caudal para fabricar una pieza de
cerámica, bronce y madera que representa
un tramo de la Ría, precisamente del sector
de La Peña, Bilbao. La pieza es un circuito
de tuberías fabricadas por medio de moldes de escayola, unidas mediante grapas
de cobre y sostenida por torres de madera.
Como un sistema de tejas, el líquido fluye
pendiente abajo por gravedad; por el interior de la pieza circula agua extraída de la
Ría a fin de que el fluido, con su recorrido
sistemático, manche el interior de la loza sin
vidriar, funcionando como un reloj temporal
que va tiñendo la cerámica en la medida
que circula el agua por dentro del circuito.
El agua desciende gravitatoriamente gracias
a un sistema electrónico de Arduino, que
controla una válvula solenoide y una bomba
de agua. La bomba succiona desde el bidón
contenedor 10 litros de agua para rellenar el
bidón de descarga, deteniéndose para dar
paso a la apertura del Solenoide durante 6
minutos. Así mismo, se ha filmado con una
cámara acuática bajo la superficie de la Ría
y del mar. Estas imágenes bajo el agua traen
a representación un medio acuoso diferente
al nuestro, desestabilizando el espacio.

P

Catastros de Agua” project.
The project completed during the residency investigates water as a measurement of time, establishing a relationship with
the Bilbao Estuary. The research explores its
route, distance, shape and volume to make
a piece of pottery, bronze and wood which
represents a section of the estuary, namely
the La Peña sector in Bilbao. The piece is
a piping circuit manufactured by means of
plaster moulds, joined together with copper
staples and supported by wooden towers.
Like a system of tiles, the liquid flows downhill by gravity; water taken from the estuary
flows inside the piece in such a way that the
fluid, with its systematic route, stains the inside of the unglazed earthenware, functioning as a temporary clock which colours the
ceramics as the water circulates within the
circuit. The water falls by gravity by means
of an Arduino electronic system which controls a solenoid valve and a water pump. The
pump sucks ten litres out of the container
drum to fill the discharge drum, stopping to
make way for the opening of the solenoid
for six minutes. Filming with an underwater
camera was conducted beneath the surface
of the estuary and the sea. These underwater images represent an aqueous medium
different from ours, destabilizing the space.

Claudia Müller. Erakusketa hauek egin ditu
berak bakarrik: “La Tierra, la Luna, El Sol”,
Die Ecke Contemporani galeria, Bartzelona,
2014 / “SEMIDIURNO” Die Ecke Galeria,
Santiago, 2013 / “Fall/Winter”, Tajamar Galeria, Santiago, 2013 / “A tiempo Real”, Galería Temporal, Santiago, 2011. Sari hauek
irabazi ditu: 2009-2010. urtean Fondart
beka lortu zuen master bat egiteko; 2013.
urtean Fondart finantzazioa lortu zuen SEMIDIURNO proiekturako Die Ecke galerian.
2015. urtean BilbaoArte Fundazioaren beka
bat eta finantzazioa lortu zituen Fondarten
“Catastros de Agua” proiekturako.

Claudia Müller. Ha realizado las siguientes exposiciones individuales: “La Tierra, la
Luna, El Sol” Galería Die Ecke Contemporani, Barcelona, 2014 / “SEMIDIURNO” Galería
Die Ecke, Santiago, 2013 / “Fall/Winter” en
Galería Tajamar, Santiago, 2013 / “A tiempo
Real” en Galería Temporal, Santiago, 2011.
Premios y distinciones: entre 2009 y 2010
recibe la Beca Fondart para estudios de Magíster. El año 2013 obtiene el financiamiento
Fondart para el proyecto SEMIDIURNO en
la galería Die Ecke. El año 2015 obtiene una
beca de la Fundación BilbaoArte para el proyecto “Catastros de Agua” de Fondart.

Claudia Müller. She has held the following
individual exhibitions: “La Tierra, La Luna,
El Sol”, at the Die Ecke Contemporani Gallery, Barcelona, 2014, “SEMIDIURNO”, at
the Die Ecke Gallery, Santiago, 2013, “Fall/
Winter”, at the Tajamar Gallery, Santiago,
2013 and “A tiempo Real”, at the Temporal
Gallery, Santiago, 2011. Awards and distinctions: in 2009-2010 she received the Fondart
Scholarship for master’s degree studies and
in 2013 she obtained Fondart funding for the
SEMIDIURNO project at the Die Ecke Gallery.
In 2015 she obtained a scholarship from the
Bilbao Arte Foundation and financing for the
“Catastros de Agua” project from Fondart.

Catastros de Agua” proiektua.
Egoiliar gisa egon zenean egindako
proiektuak uraren inguruko ikerketa
egin zuen, denboraren neurri gisa, eta erlazioa ezarri zuen Bilboko itsasadarrarekin.
Ikerketa horretan, haren ibilbidea, distantzia,
forma eta emaria aztertu zituen, zeramikazko, brontzezko eta zurezko pieza bat
egiteko. Horren bidez, Itsasadarraren zati
adierazi zuen, Abusu hain zuzen, Bilbon.
Pieza igeltsuzko moldeen bidez egindako
hoditeria-zirkuitu bat da, eta hodiak kobrezko grapen bidez lotuta daude, zurezko
dorreen bidez eutsitakoak. Teila-sistema
batean bezala, likidoa beherantz erortzen
da grabitatearen ondorioz; piezaren barrutik
Itsasadarretik hartutako ura joaten da, bere
ibilbide sistematikoan beiratu gabeko loza
zikin dezan. Ura zirkuituaren barrutik joaten
den heinean zeramika tindatzen joaten den
denborazko erloju bat gisa funtzionatuz. Ura
grabitatearen ondorioz behera erortzen da,
Arduinoren sistema elektroniko bati esker.
Sistema horrek, balbula solenoide bat eta
ur-ponpa bat kontrolatzen ditu. Ponpak 10
litroko bidoi-edukiontzitik zurrupatzen du ura
deskarga-bidoia betetzeko. Gero, gelditu
egiten da sei minutuz, solenoidea irekitzeko.
Uretako kamera batekin filmatu da, itsasadarraren eta itsasoaren urpean. Urpeko irudi horiek, gurea ez bezalako uretako ingurunea adierazten du, espazioa ezegonkortuz.

Catastros de agua
1,20 x 80 x 1,50 m
Loza bitifrikatuarekin egindako tutu zirkuitoa, kobrea, egur aglomeratua, ura,
mundruna, denbora sistema elektronikoa, balbula solenoidea, ur-ponpa eta
mahuka.Tunipaneak diseinatutako kutxa akrilikoa
Circuito de tubería fabricada con loza vitrificada, cobre, madera aglomerada,
agua, alquitrán. sistema electrónico de temporización, válvula solenoide,
bomba de agua y manguera. Caja de acrílico diseñada por Tunipanea

Catastros de agua
1080 x 1920
After Effects-en animazioa.
Bideo frameak
Animación en After Effects.
Frames de vídeo

Medidas mareales
Uztaila eta Abuztuaren 31 eguneko Bilboko errekaren
itsasgoren eta itsasbeheren araberako sistema grafikoa.
After Effects-en animazioa
Sistema gráfico compuesto según los 31 días del mes
de julio y de agosto, en base a pleamares y bajamares
de la Ría de Bilbao. Animación en After Effects

© Katharina Fitz

BilbaoArte

117

Francisco Navarrete Sitja
Santiago de Chile, 1986
francisconavarretesitja.tumblr.com
francisco.sitja@gmail.com

l proyecto “Meteoros, aparatos y
vórtices” pretende generar un dialogo
entre el entorno natural e industrial de
Bizkaia y ciertas manifestaciones técnicas
y atmosféricas vinculadas a la visualidad
del cine Tech Noir; referente visual que da
cuenta de la exigencia de otros universos
posibles, producto de la faceta distópica
con lo artificial. Conceptualmente, la propuesta busca articular expresiones formales
disímiles; impresiones visuales y sonoras
que, oscilando entre la representación del
entorno y la ficción, dejarían en evidencia la
experiencia ubicua de nuestra relación con el
territorio producto de la mediación técnica.
Los procesos creativos desplegados en la
ejecución del proyecto –laboratorio abierto
a diferentes derivas disciplinares a partir de
material recopilado durante la residencia;
material de viajes y caminatas; archivos,
imágenes de localizaciones y objetos encontrados; además de la relación con la
visualidad y temporalidad de ciertas manifestaciones atmosféricas, paisajes sonoros,
imaginario arquitectónico post-industrial de
la zona y pistas de audio provenientes de
cintas cinematográficas sobre la cultura vasca–, intentarán dar cuenta, desde lo cinematográfico, de la incertidumbre simbólica
de Bizkaia, el imaginario de indeterminaciones que recaen sobre el paisaje y la forma
en como interpretamos el entorno.

E

he project “Meteoros, aparatos y
vórtices” (Meteors, apparatuses and
vortices) aims to generate a dialogue
between the natural and industrial environments of Bizkaia and certain technical and
atmospheric manifestations linked to the
visuality of Tech Noir cinema; a visual reference which renders account of the requirement of other potential universes resulting
from the dystopian facet and the artificial.
Conceptually, the proposal seeks to structure dissimilar formal expressions; visual
and sound impressions which, ranging from
representations of the environment to fiction, reveal the ubiquitous experience of our
relationship with the territory resulting from
technical mediation.
The creative processes deployed in the execution of the project -the laboratory open to
different disciplinary drifts based on materials collected during the residency, travel and
hiking materials, files, images of locations
and discovered objects, as well as the relationship with the visual and temporary nature of certain atmospheric manifestations,
soundscapes, the post-industrial architectural imaginary of the area and audio tracks
from films on Basque culture- will attempt
to render account, by means of a film, of
the symbolic uncertainty of Bizkaia and the
imaginary of uncertainties which relapse on
the landscape and the way we interpret the
environment.

Francisco Navarrete Sitja Arteetako
lizentziaduna da (2010) eta Txileko Uniber­
tsitateko Ikusmen Arteetako masterra ere
egin du (2014). Navarretek zenbait beka
eta sari irabazi ditu argazkiak, bideoak eta
multimediak ikertzeko eta sortzeko. Gehienak site-specific proiektuak eta eremu-ikerketak garatzeko izan dira.  Zenbait erakusketa egin ditu bakarka eta taldeka, Txilen
eta atzerrian.

Francisco Navarrete Sitja es Licenciado
en Artes (2010) y tiene un Máster en Artes
Visuales por la Universidad de Chile (2014).
Navarrete ha sido galardonado con varias
becas y premios para la investigación y creación fotográfica, videográfica y multimedial,
en su mayoría para desarrollar proyectos de
carácter site-specific e investigaciones de
trabajo de campo. Ha realizado diversas exposiciones individuales y colectivas en Chile
y en el extranjero.

Francisco Navarrete Sitja has a Bachelor’s
Degree in Arts (2010) and a Master’s Degree in Visual Arts by the University of Chile
(2014). Navarrete has been awarded several
scholarships and prizes for photographic,
videographic and multimedia research and
creation, mostly to carry out projects of a
site-specific nature and fieldwork research.
He has held several individual and collective
exhibitions in Chile and abroad.

S/T. Serie Meteoros, aparatos y vórtices.
90 x 60 cm
Argazki digitala. 310 gramoko Museum Rag Hetching
Mate paperean inpresioa
Fotografía digital. Impresión sobre papel Museum Rag
Hetching Mate 310 gr

S/T. Serie Meteoros, aparatos y vórtices.
Neurri aldakorrak / Medidas variables
Digitalizatutako material grafikoa. Argazki inpresioa paper
desberdinetan
Material gráfico digitalizado. Impresión fotográfica en diversos papeles

S/T. Serie Meteoros, aparatos y vórtices.
30 x 20 cm
Argazki digitala. RC HighGloss 315 paperean inpresioa
Fotografía digital. Impresión en papel RC HighGloss 315

S/T. Serie Meteoros, aparatos y vórtices.
80 x 53 cm
Argazki digitala. 310 gramoko Museum Rag Hetching
Mate paperean inpresioa
Fotografía digital. Impresión sobre papel Museum Rag
Hetching Mate 310 gr

S/T. Serie Meteoros, aparatos y vórtices.
110 x 73 cm
Argazki digitala. 310 gramoko Museum Rag Hetching
Mate paperean inpresioa
Fotografía digital. Impresión sobre papel Museum Rag
Hetching Mate 310 gr

S/T. Serie Meteoros, aparatos y vórtices.
Stop-motion Loop, 10’
Frameak
Frames

Meteoros, aparatos y vórtices” proiektuaren xedea da Bizkaiko natura- eta
industria-ingurunearen artean eta Tech
Noir zinemaren bisualtasunarekin lotuta
dauden zenbait adierazpen tekniko eta atmosferikoren artean elkarrizketa sortzea;
arlo distopikoak artifizialarekin duen loturaren ondorioz sor daitezkeen bestelako
unibertsoen betekizuna adierazten duen
erreferente bisuala da. Kontzeptualki, proposamen honen xedea desberdinak diren
adierazpen formalak sortzea da; iritzi bisual
eta soinudunak, inguruaren eta fikzioaren
adierazpenaren artean mugituz, baliabide
teknikoen eraginez lurraldearekin dugun
harremanaren nonahiko esperientzia agerian
uzten dutenak.
Proiektua gauzatzean sortutako prozesu
sortzaileak –hainbat diziplinetarako irekita
dagoen laborategia, egoiliar gisa egon zenean bildutako materiala erabiliz; bidaietako
eta ibilbideetako materiala; artxiboak, aurkitutako lekuen eta objektuen irudiak; zenbait
adierazpen atmosferikoren bisualtasunarekin eta denborazkotasunarekin dagoen
harremana, paisaia soinudunak, eremuko
industriaren osteko imajinario arkitektonikoa
eta euskal kulturari buruzko zinema gordeta dauden zintetako audio-pistak–, paisaian
eta ingurua interpretatzen dugun moduan
dauden zehaztugabetasunen imajinarioa eta
Bizkaiko ziurgabetasun sinbolikoa azaltzen
saiatuko dira zinematografian oinarrituz.

T

A film by Mili Pecherer

Starring: God, Jeff Koons, Napoleon Bonaparte
Evelyne Namenwirth, Ramon Churruca, Mainah
BDS Bilbao, Thierry Demutyer, Eric Dubois, Thierry Normand
and Alfred the hemorrhoid

BilbaoArte

121

Mili Pecherer
Isarel, 1988
milik88.wix.com/mili-pecherer
milik88@gmail.com

La vie sans pompe” (bizitza ponparik
gabe) 50 minutuko dokumentala da.
Samuelen lehen liburuaren istorio bi­
bliko batean oinarrituta dago. Nola Israelgo
Jainkoak filistiarrak zigortzeko beraien atal
intimoetan hemorroideak jarri zizkiela deskribatzen du. Jainkoak mina arin zezala, es­
kaintzak egin zizkioten beren hemorroideen
formekin. Artearekin eta haren ondorioekin
zerikusia duenean munduan nahastuta eta
galduta egoteko joera duen neska baten
(nire) istorioa da. Horren eraginez, neskak
“hemo­rroideekin” ere zigortu zutela pentsatu zuen, min ematen duten baina kontatzea
lotsa ematen dizun zerbait direlako. Hemo­
rroide horiek tratatzeko Jerusalem utzi zuen
berak, Jainkoaren eskutik urruntzeko, eta
oso hemorroide puzgarri handia egin zuen
Txinan, bere formarekin.
Alfred izena jarri dio. (Alfredo Handiarengatik,
IX. mendean Wessexeko erregea izan zena.
Alfredek hemorroideak izan zituen, baina
jainkoen opari gisa hartu zuen bere gaixotasun mingarria, Jainkoak bidalitakoa, bere
desirei eusten laguntzeko eskatu zionean).
Neskak (nik) bere bidaiari eta ezagutu zituen
irudiei, hala nola bere abenturaren ahotsak
eta kontuak adierazten dituzten beste “Jainko” batzuei buruzko informazioa bildu zuen,
nolabaiteko aringarria izan zedin.

La vie sans pompe” (la vida sin bomba), es un documental de 50’ inspirado
en una historia bíblica del primer libro
de Samuel, que describe cómo el Señor de
Israel castigó a los filisteos con hemorroides
en sus partes íntimas. Para que el Señor les
aliviara, le hicieron ofrendas con las formas
de sus hemorroides. Esta es la historia de
una chica (yo) que tiende a estar confusa y
perdida en el mundo, especialmente cuando
trata con el arte y todas sus consecuencias.
Estas condiciones la llevaron al sentimiento
de que también ella había sido castigada
con “hemorroides”, ya que son algo que te
duele pero te da demasiada vergüenza para
contarlo. Para tratarlas, ella abandonó Jerusalén, para alejarse de la mano del Señor y
fabricó una enorme hemorroide inflable en
China, con su forma.
Le ha puesto el nombre de Alfred. (Por Alfredo el Grande, rey de Wessex del Siglo
IX. Alfred padeció hemorroides, pero recibió
su dolorosa enfermedad como recompensa
divina, enviada por Dios cuando se lo pidió
para ayudarle a resistir sus deseos).
La chica (yo) documentó su viaje y las figuras que conoció, otros “Dioses” que representan las voces y las cuestiones de su
aventura, hacia algún tipo de alivio.

Mili Pecherer Frantziako eta SESBeko
etorkinen alaba eta Israeli Society for Napoleonic Research (Ikerketa Napoleonikoen
Israelgoko Elkartea) elkarteko kidea da. Egin
zuen lehen dokumentala bere jaiote­
rriko
atzerriei buruzkoa zen. “Vaginal blues” (baginako bluesa) izeneko film bat egin zuen
Finlandiako Lahti unibertsitatean ikasi zuenean, eta espioitzari buruzko dokumental
bat (“2pac its olrait”) VGIKeko tailer baten
barruan, Erru­­
siako Zinematografiako Estatu Unibertsitatean. Bere filma, “Yeruham off
season”, BFAn graduatzeko filma gisa egin
zen, pantailetan oinarritutako Arte Sailean,
Jerusalemeko “Bezadel” Arte eta Diseinuko
Akademian. “La vie sans pompe” izeneko
film berri eta zoragarria sortu du BilbaoArte Fundazioaren laguntzarekin. Horrez gain,
mundu osoan ja­rri ditu ikusgai bere filmak
eta hainbat sari ere irabazi ditu. Baina hori
nori axola zaio.

Mili Pecherer es hija de inmigrantes de
Francia y de la URSS y miembro de la Israeli
Society for Napoleonic Research (Sociedad
Israelí de Investigaciones Napoleónicas). Su
primer documental trataba sobre extranjeros
en su ciudad natal. Realizó una película denominada “Vaginal blues” (el blues vaginal)
durante sus estudios en la Universidad Lahti
de Finlandia y un documental de espionaje denominado “2pac its olrait” como parte
de un taller en el VGIK, Universidad Estatal
Rusa de Cinematografía. Su película “Yeruham off season” se realizó como película
de graduación de BFA en el Departamento
de Arte basado en pantallas de la Academia de Arte y Diseño Bezalel de Jerusalem.
Ha creado una nueva y maravillosa película
denominada “La vie sans pompe” con el
inestimable apoyo de BilbaoArte. También
ha proyectado y ganado premios en todo el
mundo, pero a quién le importa.

Mili Pecherer is daughter of immigrants
from France and the USSR, and a member
of The Israeli Society for Napoleonic Research. Her first documentary was about
aliens in her hometown. Made a film called
“Vaginal blues” during her studies at Lahti
University in Finland and a spy documentary called “2pac its olrait” as part of a workshop at the VGIK, Russian State University
of Cinematography. Her film ”Yeruham off
season” was made as a BFA graduation
film at the Screen-based Art Department at
the Bezalel Academy of Art and Design of
Jerusalem. She has created the new and
wonderful film “La vie sans pompe” with
the kind support of BilbaoArte. And she has
also screened and won prizes all over the
world, but who cares.

“La vie sans pompe”
Kartela
Cartel

“La vie sans pompe”
53’10’’
Bideoa
Vídeo

Alfred
Hemorroide puzgarria
Hemorroide hinchable

La vie sans pompe” (life without a
pump), is a 50’ documentary inspired
by a biblical story from the 1st book
of Samuel, which describes how the Lord
of Israel punished the Philistines with hemorrhoids, in their secret parts. In order to
make the Lord ease on them, they made
him hemorrhoid presents, in the shape of
their own. This is a story of a girl (me), that
tends to be confused and lost in the world,
especially when dealing with art and all it’s
consequences.
These conditions led to the feeling she was
also punished with “hemorrhoids”, as they
are something that hurts you but you’re too
ashamed to talk about. To deal with them,
she left Jerusalem, to get far from the hand of
the Lord, and manufactured a huge inflatable
hemorrhoid in china, in the shape of her own.
She called him Alfred. (Named after Alfred
the Great, king of Wessex from the 9th
century. Alfred suffered from hemorrhoids,
but received this painful ailment as a divine
reward, sent by god at his own request, to
assist him in resisting desires.)
The girl (me) documented her journey and
the figures she met, other “Lords”, representing the voices and questions of her
quest, towards some relief.

BilbaoArte

125

Alicia Prieto Echániz
Bilbao, 1990
aliciaprietoechaniz@gmail.com

K

abibi La es un personaje ficticio que
se construye y distribuye como un
producto, habiendo sido concebido
artísticamente. El objetivo de este personaje
es comprender y explorar la no-pertenencia
a un colectivo mayoritario, la incomunicación
y el sentimiento de soledad en la exclusión.
El proyecto proviene de un interés por la artista de servir a una causa y no a un cliente. Es por una parte una rebelión contra su
formación original (comunicadora), al utilizar
herramientas y procedimientos propios del
marco corporativo de la comunicación para
la creación artística; pero también es una
afirmación, la de que el arte es un medio de
comunicación más.
El proyecto consiste en la construcción del
personaje-producto y en la representación
y documentación de su vivencia ficticia en
múltiples formatos (vídeos, fotografías, collages y performances) y medios (redes sociales, publicaciones en webs y apariciones
en revistas/periódicos). El formato final acaba condicionado por la experiencia mutable
e interactiva del personaje al ponerlo en
contacto con los habitantes de Bilbao.
Así, la artista vive una doble vida a lo largo de un mes. Una vivencia ficticia pero de
tono realista que hace dudar al espectador
de su veracidad.

K

abibi La is a fictional character who
is built and distributed as a product,
having been artistically conceived.
The objective of this character is to understand and explore non-belonging to a majority group, lack of communication and the
feeling of loneliness in exclusion.
The project stems from the artist’s concern
to serve a cause and not a customer. It is
partly a rebellion against her original training
(communicator), using tools and procedures typical of the corporate framework of
communication for artistic creation, but it is
also an affirmation that art is just one more
means of communication.
The project consists of the construction of
the character-product and the representation and documentation of his fictional life
in multiple formats (videos, photographs,
collages and performances) and media (social networks, website publications and appearances in magazines/newspapers). The
final format is conditioned by the changing
and interactive experience of the character
as he comes into contact with the inhabitants of Bilbao.
The artist thus lives a double life throughout
one month, a fictional but realistic experience
which makes the viewer doubt its veracity.

Alicia Prieto Echániz Publizitatea eta Harreman Publikoetan lizentziaduna da eta
Komunikazio Korporatiboko masterra egin
du Euskal Herriko Unibertsitatean. Argazkilaritzan, diseinu grafikoan eta on line marketinean aditua da. Bi film laburreko lehiaketetan finalista geratu da, eta ikasteaz gain
boluntario gisa ere aritu da (eguneko zentroetan, kultura-ekitaldietan, haurrentzako
hiriko udalekuetan eta abar).

Alicia Prieto Echániz está Licenciada en
Publicidad y Relaciones Públicas y tiene un
máster en Comunicación Corporativa, por
la Universidad del País Vasco. Especializada en fotografía, diseño gráfico y marketing
online, ha quedado finalista en dos concursos de cortometrajes y ha compatibilizado
sus estudios con labores de voluntariado
(centros de día, eventos culturales, colonias
urbanas para niños, etc.).

Alicia Prieto Echániz is a graduate in Advertising and Public Relations and has a
Master’s Degree in Corporate Communication by the University of the Basque Country.
Specializing in photography, graphic design
and online marketing, she was a finalist in
two short film competitions and has combined her studies with voluntary work (day
care centres, cultural events, city children’s
camps, etc.).

abibi La alegiazko pertsonaia bat da,
produktu bat gisa sortu eta banatzen
dena, nahiz eta artistikoki sortuta
egon. Pertsonaia honen helburua da talde
gehiengodun batekoa ez izatea, komunikazio eza eta bazterketan bakardade-sentimendua ulertzea eta aztertzea.
Proiektu hau, artistak kausa bati eta ez
bezero bati erantzuteko zuen interesarengatik sortu zen. Batetik, bere jatorrizko
prestakuntzari aurka egiten dio, izan ere,
komunikatzailea da, sorkuntza artistikorako
komunikazioaren esparru korporatiboaren
berezko prozedurak eta tresnak erabiltzen
dituelako. Bestetik, baieztapena ere bada:
artea beste komunikabide bat ere dela.
Proiektuan pertsonaia-produktua eraikitzen
da, eta bere fikziozko bizipena hainbat formatutan (bideotan, argazkitan, collage eta
performance-etan) eta baliabidetan (gizarte-sareak, web-orrietan egindako argitalpenak, aldizkari eta egunkarietan agertuz)
adierazten du. Azken formatuan pertsonaiaren esperientzia aldagarri eta interaktiboak eragina du, Bilboko biztanleekin harremanetan jartzen duelako.
Horrela, artistak bizitza bikoitza du hilabete
batean zehar. Fikziozko bizipena da baina
kutsu errealista du, ikusleak zalantzak dituelako egiazkoa den ala ez.

Kabibi La
Performancea
Performance

Discovery || Imitation || Observation || Isolation
Neurri aldakorrak / medidas variables
Argazki digitalen serie. BilbaoArte eta Cristina Zafraren laguntzarekin
Serie de fotografías digitales. Con la colaboración de BilbaoArte y Cristina Zafra

K

My research on #colors
15 x 15 cm/u
Sare sozialetan argitalpenak. Ebakinak eta zarama
Publicaciones en redes sociales. Recortes y basura

BilbaoArte

129

Florencia Rojas
Argentina, 1984
www.florenciarojas.com
contacto@florenciarojas.com

G

H

H

Florencia Rojas Rabellinik Argazkilaritza
artistikoa ikasi zuen Madrilen, eta Berlin
geratu zen bizitzera 2010. urtean. 2012.
urtean Descubrimientos Photoespaña topaketarako aukeratu zuten, eta “Vírgenes”
bere proiektuak VEGAPen Propuestas beka
irabazi zuen. Horrela, proiektu horrekin, bakarkako erakusketa egin zuen izen berekin
6mas1 Galerian, Madrilen. 2014. urtean
Creadores en La Térmica (Malaga) beka jaso
zuen, eta han egoiliar gisa aritu zen. Horrez
gain, lehen saria irabazi zuen Andaluziako
Gazte Institutuko Desencaja argazki-lehiaketan. Hainbat erakusketa kolektibotan parte
hartu du Espainian, Portugalen, Alemanian,
Argentinan eta Kuban. Bere lanak Addaya
Col-leció, Malagako Diputazioaren eta Andaluziako Juntaren bildumen barruan daude.

Florencia Rojas Rabellini estudió fotografía
artística en Madrid y se afincó en Berlín en
2010. En 2012 fue seleccionada para Descubrimientos Photoespaña y su proyecto “Vírgenes” fue ganador de la Beca Propuestas de
VEGAP, con el que realizó la exposición individual bajo el mismo título en la Galería 6mas1
(Madrid). En 2014 recibió la Beca Creadores
en La Térmica (Málaga), donde disfrutó de un
periodo de residencia, asimismo ganó el primer premio de fotografía Desencaja del Instituto Andaluz de la Juventud. Ha participado
en numerosas exposiciones colectivas tanto
en España, como en Portugal, Alemania, Argentina y Cuba. Su obra forma parte de las
colecciones Addaya Col-leció, Diputación de
Málaga y Junta de Andalucía.

Florencia Rabellini Rojas studied artistic photography in Madrid and settled in
Berlin in 2010. In 2012 she was selected
for Descubrimientos Photoespaña and her
“Vírgenes” project won the VEGAP Propuestas Scholarship, with which she held
an individual exhibition under the same title
at the 6mas1 Gallery (Madrid). In 2014 she
received the Creators’ Scholarship at La Térmica (Málaga), where she enjoyed a period
of residency. She also won the Desencaja
first prize in photography at the Andalusian
Institute of Youth. She has taken part in numerous collective exhibitions in Spain, Portugal, Germany, Argentina and Cuba. Her
work forms part of collections such as those
of Col-leció Addaya, the Provincial Council
of Málaga and the Government of Andalusia.

izartearen arlo txikitan queer pen­
tsamendu baterantz aurrera eginda,
aurretik ezarritakoaren mugak lausotu egin ditugun transgeneroa dena -maskulinoa/femeninoa, baita gizona/emakumea
ere- hauxe galdetzen diot neure buruari:
Aurreko borrokak -gaur egun bistakoak iruditzen zaizkigunak- arrakastarekin amaitu al
ziren? Jar diezaiegun arreta gaur egungo
edertasunaren kanonari, denboraren atzerapena zientifikoki frogatuta dauden promesen
bidez saltzen dizkiguten publizitate-mezuei,
emakumearen adierazpenari zineman, pornoan, modan... Betiereko gaztetasunaren,
ezinezkoak diren idealak bilatzen egoten
den gorputz kontsumitzailearen eta edertasunaren industriak mendebaldeak egindako
ezarpenen ideiarekin bizitzera ohitu gara.
Honen guztiaren inguruan gogoeta eginez,
lerro bat jarri dut handikeria barrokoaren eta
kosmetikaren publizitatearen artean, biek
denboraren igarotzearekin duten harremanarengatik: bertako edertasunaren erreginei
argazkiak atera dizkiet eta elkarrizketatu
ditut, subjektibotasunean oinarrituz irudiak
sortu ditut, Oscar sarien artxiboko materialarekin lan egin dut, baita pornoaren materialarekin ere bai. Denbora guztian aurrean
dugunaren aurrean jarri dut nire begirada,
gure erabakiak eta gure subkontzientea inguratzen dituen bilgarri handi horretan.

Reina peña “Los tímidos”
70 x 50 cm
Argazki digitala. Kotoiezko paperean inkjet
inpresioa, pago egurrez enmarkatua
Fotografía digital. Impresión inkjet en papel
algodón, enmarcada en haya

abiendo avanzado en pequeñas esferas de la sociedad hacia un pensamiento queer, transgénero en el
que hemos difuminado los límites de lo previamente establecido -masculino/femenino,
incluso hombre/mujer- me pregunto: ¿Acaso las anteriores luchas -asuntos que hoy
nos parecen evidentes- se completaron con
éxito? Prestemos atención al canon de belleza actual, a los mensajes publicitarios que
nos venden el retraso del paso del tiempo
a través de promesas comprobadas científicamente, a la representación de la mujer en
el cine, en el porno, en la moda... Nos hemos acomodado a convivir con la idea de la
eterna juventud, del cuerpo consumidor que
vive en la búsqueda de ideales imposibles y
a las imposiciones de la industria de la belleza en occidente. Reflexionando sobre todo
esto, he marcado una línea entre el vanitas
barroco y la publicidad de cosmética por
la relación de ambos con el paso del tiempo: he fotografiado y entrevistado a reinas
de belleza locales, he construido imágenes
desde la subjetividad, he trabajado con material de archivo de los Oscar, así como del
porno. He puesto mi mirada en lo que tenemos delante todo el tiempo, en ese gran
envoltorio que rodea nuestras decisiones y
nuestro inconsciente.

Timexpert
30 x 40 cm
Argazki digitala. Ledekin atzetik argiztatutako blacklight paperean inprimatua, pago egurrez enmarkatua
Fotografía digital. Impresión sobre papel backlight retroiluminada con leds, enmarcada en haya

Chanel
3 x 20 cm
Hezurrean laser
grabaketa
Grabado láser
sobre hueso

aving advanced in small spheres of
society towards a queer, transgender
thought, in which we have blurred the
boundaries of what was previously established - masculine/feminine, even man/woman - I ask myself: Were the previous struggles
-something which seems evident to us today- by any chance successfully completed?
Let’s pay attention to the current canon of
beauty, the advertising messages which sell
us the slowing down of the passing of time by
means of scientifically proven promises, the
representation of women in cinema, in pornography and in fashion, etc. We have got
used to living with the idea of eternal youth,
the consumer body which lives in search of
impossible ideals and the impositions of the
beauty industry in the West. Reflecting on the
above, I have drawn a line between the baroque vanitas and cosmetics advertising due
to the relationship of both with the passage
of time. I have photographed and interviewed
local beauty queens, I have constructed images based on subjectivity and I have worked
with archive material from the Oscars, as well
as pornography. I have set my eyes on what
lies ahead of us all the time, in that mass of
wrapping which surrounds our decisions and
our subconscious.

Cinderellas
8´14´´
Proiekzioa
Proyección

Framing porn
12´19´´
Kanal bakarreko bideoa kolorean
Vídeo monocanal a color

BilbaoArte

133

Laia Sala
Barcelona, 1992
www.laiasala.com
info@laiasala.com

G

N

N

auza berriak sortzen dira ezerezetik; artistaren interes nagusietako batetik sortu da; ingurua eta
haren eragina bakoitzaren buruan. Gizakiak
ezezaguna denari (kasu honetan Bilbo me­
tropolia eta inguruak) aurre egitean sortzen
den bakardade-sentimenduari buruz hitz
egiten du.
Proiektuaren lehen zatia argazki-kamera
unibertsal batekin egindako zenbait argazkiz osatuta dago. Horri esker, egileak, bizi
zen eremuetara lehen hurbilketa bat egiteko aukera izan zuen. Ezezaguna denera
egindako hurbilketa horren irudiak dira.
Bigarren zatia, Bilboko itsasadarrean bildutako elementu naturalekin egin zuen.
Elementu horiek, gero, gela ilunera eraman
zituen. Han, zenbait irudi egin zituen fotogramaren argazkilaritza-teknikaren bidez,
ikusleari uraren eta naturaren sentsualitatea, materialtasuna eta tonuak hurbiltzeko.

uevas cosas emergen de la nada
nace de uno de los principales intereses de la artista; el entorno y la
influencia de este en uno mismo. Habla, a
la vez, del sentimiento de soledad resultante
de la confrontación del ser humano con lo
desconocido (en este caso, el área metropolitana de Bilbao y sus alrededores).
La primera parte del proyecto está integrada
por una serie de fotografías disparadas con
cámara de paso universal que permitieron
a la autora el acercamiento inicial a los espacios donde transcurriría su vida; son una
traducción en imágenes de su aproximación
a lo desconocido.
La segunda parte estuvo desarrollada a partir de elementos naturales recolectados en
el interior de la Ría de Bilbao, siendo trasladados posteriormente al cuarto oscuro.
En él, llevó a cabo una serie de imágenes
mediante la técnica fotográfica del fotograma que tienen la voluntad de acercar al espectador a la sensualidad, materialidad y las
tonalidades del agua y la naturaleza.

ew things emerge from nothing
arises from one of the artist’s main
interests, the environment and its influence on her. In turn, it addresses the feeling of loneliness resulting from the confrontation of human beings and the unknown (in
this case, the metropolitan area of Bilbao
and the surrounding area).
The first part of the project consists of a
series of photographs shot with a universal
standard camera which allowed the author
to make an initial approach to the places
where she would spend her life, a translation
of her approach to the unknown into images.
The second part was developed on the
basis of natural elements collected in the
Bilbao Estuary and later transferred to the
darkroom. She made a series of images by
means of the photographic frame technique
with the aim of bringing the viewer closer to
the sensuality, materiality and shades of water and nature.

Laia Sala. 2014. urtean argazkilaritza-ikasketak amaitu zituen Kataluniako Institut
d’Estudis Fotogràfics (IEFC) erakundean,
eta argazki artistikoetan espezializatu zen.
Beste prestakuntza osatzeko “Kolodioi
hezea”, “Argazki-emultsioak” eta “Antzinako
teknikak” tailerretan parte hartu zuen. Prozesu analogikoetan metodologia egokia aurkitu du bere proiektuak egiteko, azken urteetan fotogramaren argazkilaritza-teknikaren
ikerketara mugatu direnak. Bestelako eremuen artean, bere lanak Setba Fundazioan,
Barcelona Visions galerian eta Limited Editions Gallery galerian erakutsi ditu.

Laia Sala. En el año 2014 finaliza los estudios de fotografía en el Institut d’Estudis Fotogràfics de Catalunya (IEFC), especializándose en Fotografía Artística. Complementa
su formación con los talleres de Colodión
Húmedo, Emulsiones Fotográficas y Técnicas Antiguas. Encuentra en los procesos
analógicos la metodología idónea para llevar
a cabo sus proyectos, que en los últimos
años se han centrado en la investigación de
la técnica fotográfica del fotograma. Entre
otros espacios, ha mostrado su obra en la
Fundació Setba, la galería Barcelona Visions
y la Limited Editions Gallery.

Laia Sala. In 2014 she completed her
studies in photography at the Institute of
Photographic Studies of Catalonia (IEFC),
specializing in Artistic Photography. She
complemented her training with the workshops on the Collodion Process, Photographic Emulsions and Ancient Techniques.
She finds in analogue processes the appropriate methodology for carrying out her projects which, in recent years, have focused
on research into the photographic frame
technique. Among other locations, she has
exhibited her work at the Setba Foundation,
the Barcelona Visions Gallery and the Limited Editions Gallery.

Advenimiento
13 x 24 cm
Kopia paper baritatuan
Copia sobre papel baritado

Poíetes
3,5 x 20 cm
Fotograma. Kopia paper baritatuan
Fotograma. Copia sobre papel baritado

Microscopias I y II
20 x 20 cm
Fotograma. Kopia paper baritatuan
Fotograma. Copia sobre papel baritado

Cuerpos I
12 x 17 cm
Urgrama. Kopia paper baritatuan
Aguagrama. Copia sobre papel baritado

BilbaoArte

137

Laurita Siles
Marbella, 1981
folklorenomada.com
4ritasiles@gmail.com

M

M

M

utur Beltz da Joseba Edesa lagunarekin eta haren aitarekin aita
martxan jarritako bizitza-proiektu umil baten hasiera. Edesa familiaren
artzain-jatorria oinarritzat hartuz hasi genuen, ardien mundua ezagutzeko nuen jakin-minaren eraginez. Abiapuntutzat aurpegi
beltzeko Karrantzako ardiak hartu genuen,
gaur egun desagertzeko zorian dagoen espeziea dena.
Jarduera artistikoarekin esperimentatuz bi
objektu edo eskultura sortu ditugu:  batetik,
BiziKarder (ardia kardatzen duen bizikleta bat); bestetik, BiziRueka (bizikleta baten
gainean dagoen iruteko gurpil bat). Artilea
lantzeko bi tresna horiek, zenbait ekintza eta
piezen hasiera izan dira, eta dira. Esaterako,
Mutur Beltz Txapelak izeneko sail mugatua
(aurpegi beltzeko Karrantzako ardien artileaz
egindako txapelak).
Bizitza osasungarri, sortzaile eta parte-hartzaile baten aurrean jarrera umila
izanda; proiektu honen helburuetako bat da
artilearen balioa produktu gisa handitzea eta
tradizio iraunkorrak berreskuratzea, ondarearen kontserbazioan eta berritzean parte
hartuz. Horretarako, ibilbide bat egiten dugu
gaur egun ardien arraza horri mantentzen
duten artzainen baserrietatik. Bestalde,
Karrantza haraneko ohiko irute-prozesua
ezagutzen duten emakumeekin ere elkartu
gara. Esperientzia horien zati bat ikus-entzunezko dokumentu batean jaso dugu.
Gero, dokumentu hori, Balmasedako txapela-fabrikan aurkeztu genuen, eta han izan
ziren elkarrizketatutako artzainak eta iruleak.
Han bertaratutako pertsona bakoitzari Mutur Beltz Txapel bat eman zitzaion, bizitzan
egindako lana eskertzeko.

utur Beltz es el comienzo de un
humilde proyecto de vida junto a
mi compañero Joseba Edesa y su
aita. Este nace a partir del origen pastoril de
la familia Edesa, contagiado del afán común
por el mundo ovino, tomando como punto
de partida las ovejas carranzanas de cara
negra, actualmente una especie en peligro
de extinción.
Desde la experimentación en la práctica
artística hemos creado dos objetos-esculturas: Una BiziKarder (una bicicleta cardadora
de lana) y una BiziRueka (Una rueda de hilar
sobre un bicicleta). Estos dos artilugios para
trabajar la lana han sido y son el inicio de
un compendio de acciones y piezas. Como
por ejemplo, una serie limitada de Txapelas
Mutur Beltz, txapelas de lana de oveja carranzana de cara negra.
Bajo una actitud humilde hacia la vida saludable, creativa y participativa; este proyecto
tiene como uno de sus objetivos revalorizar
la lana como producto y la recuperación
de tradiciones sostenibles, participando en
la conservación y renovación del patrimonio. Para ello, realizamos un recorrido por
los caseríos de los pastores que hoy en día
mantienen esta raza de ovejas; así como
el encuentro con mujeres conocedoras del
proceso de hilado tradicional del valle de
Karrantza. Recogiendo parte de estas experiencias en un documento audiovisual.
Posteriormente, presentamos este documento en la fábrica-museo La Encartada de
Balmaseda, junto a la asistencia de todas
las personas entrevistadas. Allí tuvo lugar la
entrega de una Txapela Mutur Beltz, a cada
una de estas personas como agradecimiento por su labor de vida.

utur Beltz is the beginning of a
humble life project together with
my colleague Joseba Edesa and
his aita. It is based on the pastoral origins
of the Edesa family, infected by a common
interest in the world of sheep and taking as
its starting point the black-faced carranzana
sheep, currently an endangered species.
Based on experimentation in artistic practice
we have created two objects-sculptures: a
BiziKarder (a wool-carding bicycle) and a
BiziRueka (a spinning wheel on a bicycle).
These two devices to work the wool have
been and are the beginning of a compendium of actions and pieces, such as a limited number of Mutur Beltz Txapelas (blackfaced carranzana sheep wool berets).
Beneath a humble attitude towards healthy,
creative and participatory life, one of the
aims of this project is to increase the value
of wool as a product and to recover sustainable traditions, participating in the conservation and renovation of our heritage. To do so
we performed a tour of the shepherds’ hamlets which still retain this breed of sheep and
met the women familiar with the traditional
spinning process in the Karrantza valley. We
then included some of these experiences in
an audiovisual documentary.
We then presented this action-documentary
in the former txapela factory in Balmaseda,
which is now a museum, with the attendance of all the shepherds and spinners we
interviewed. A Mutur Beltz txapela was given
to each of these people to thank them for
their life’s work.

Laurita Siles diziplina anitzeko artista eta
ikertzailea, eta Arte Ederretan prestatu da:
Valentzian, Islandian, Kanadan eta Bordelen.
Duela ia hamarkada bat Euskal Herrian bizi
da. Bere lanak praxi sortzaile batetik leku batekiko kezka erakusten du, krisi ekologikotik
erroen galerak eragindako nostalgiaraino.
Askotariko jarduerak egin ditu berak bakarrik
eta beste batzuekin, Estatuan nahiz atzerrian.

Laurita Siles es una artista e investigadora
interdisciplinar con una formación nómada
en Bellas Artes. Es desde hace casi una década residente en Euskal Herria. Su trabajo
muestra a través de la praxis creativa una
preocupación por el lugar; desde la crisis
ecológica hasta la nostalgia provocada por
la pérdida de las raíces. Ha realizado actividades de diferente índole de carácter individual y colectivo tanto en el Estado como en
el extranjero.

Laurita Siles is an inter-disciplinary artist
and researcher with nomadic training in Fine
Arts in Valencia, Iceland, Canada and Bordeaux. She has been living in Euskal Herria
for almost a decade. By means of creative
praxis, her work shows a concern for the
place, based on the ecological crisis and
nostalgia caused by the loss of roots. She
has conducted different kinds of individual
and collective activities at home and abroad.

BilbaoArte

141

Víctor Solanas-Díaz
Tolosa, Gipuzkoa 1977
soladiaz@hotmail.com
tapeartsociety.com/portfolio/victor-solanas-diaz/

N

l proyecto NEITHER consiste en una
investigación sobre las estructuras y
patrones compositivos que se pueden realizar con un único elemento: Warning
tape, cinta señalizadora adhesiva de diagonales amarillas y negras. Se trata de realizar
un ejercicio de análisis y estudio sobre las
posibilidades del material, de manera que
se puedan llegar a ampliar las estructuras
generadas hasta el momento, para dotar
de mayor dinamismo y tensión interna a las
futuras intervenciones en espacios y arquitecturas. Las franjas diagonales amarillas
y negras son los elementos básicos de la
obra: generan la forma, el color y la textura,
y son tomados como píxels que se combinan mediante un sistema binario sencillo
que se torna complejo desde el momento
en que se aplican direccionamientos vectoriales y distintas fórmulas matemáticas para
crear efectos de movimiento o distorsión.
Este efecto pixelado, ejemplo de precisión
y rigor, origina formas cercanas al Op-art
que obligan al espectador a releer el espacio continuamente y cuestionarse la realidad
física de su entorno y su relación con ella.

E

he NEITHER project consists of research into compositional structures
and patterns which can be made with
a single element: warning tape, an adhesive
tape with yellow and black diagonals. It is
an exercise of the analysis and study of the
possibilities of the material, in such a way
that the structures generated so far can be
expanded to give greater dynamism and internal tension to future interventions in places and architectures. The yellow and black
diagonal stripes are the basic elements of
the work: they create the shape, the colour and the texture and are taken as pixels
which are combined by means of a simple
binary system which becomes complex
from the moment when vector addressings
and different mathematical formulas are
applied to create effects of movement and
distortion. This pixellated effect, an example
of precision and rigour, creates forms close
to Op-art which force the spectator to constantly reread the space and question the
physical reality of the environment and his
relationship with it.

Víctor Solanas-Díaz Arte Ederretan
lizentziatu zen Salamancako Unibertsitatean, eta zenbait proiektu egin ditu (Best
before, Vertical thoughts, Intermissions),
eta proiektu horietan material plastikoekin
eta zinta itsaskorrekin lan egin du. Bere lanak Espainia, Portugal eta Mexikon erakutsi
ditu, eta arte plastikoen inguruko 70 lehiaketa baino gehiagotan hautatu dute. Solanas-Díazek zenbait beka eta sari jaso ditu,
hala nola: Emergencias 2014 saria (Noain,
Iruñea), Proyecto Galerías saria (Segovia),
Primer premio Recepción de proyectos Zink
(Salamanca), Zaragozako Diputazio Probintzialaren Beca Ampliación de estudios
artísticos beka eta pintore gazteen Ibercaja
bigarren saria.

Víctor Solanas-Díaz es Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca
y ha realizado varios proyectos (Best before,
Vertical thoughts, Intermissions) en los cuales ha trabajado con materiales plásticos y
cintas adhesivas. Su obra ha sido expuesta en España, Portugal y Méjico y ha sido
seleccionada en más de 70 certámenes de
artes plásticas. Solanas-Díaz ha recibido
varias becas y premios, como son: Premio
Emergencias 2014 (Noáin, Pamplona), Premio Proyecto Galerías (Segovia), Primer premio Recepción de proyectos Zink (Salamanca), Beca Ampliación de estudios artísticos
de la Diputación Provincial de Zaragoza, o el
Segundo premio Ibercaja de pintura joven.

Víctor Solanas-Díaz is a Graduate in Fine
Arts by the University of Salamanca and has
completed several projects (Best before,
Vertical thoughts, Intermissions) working
with plastic materials and adhesive tapes.
His work has been exhibited in Spain, Portugal and Mexico and he has been selected
for more than 70 plastic arts competitions.
Solanas-Díaz has received several scholarships, grants and awards, such as the Emergencias Award, 2014 (Noáin, Pamplona),
the Proyecto Galerías Award (Segovia), First
Prize in the Zink Reception of Projects (Salamanca), a Grant for the Extension of artistic
studies of the Provincial Council of Zaragoza
and second Ibercaja prize for young painters.

EITHER proiektuan elementu bakar
batean egin daitezkeen egitura eta
konposizio-ereduei buruzko ikerketa egiten da. Elementu hori warning tape
da, diagonal horiak eta beltzak dituen zinta
itsaskorra. Materialaren aukerei buruzko azterketa eta ikerketa ariketa bat da, orain arte
sortutako egiturak handi daitezen, dinamismo eta barneko tentsio handiagoa emateko
eremuetan eta arkitekturetan geroago egiten
diren jarduerei. Zerrenda diagonal horiak eta
beltzak dira lanaren oinarrizko elementuak:
forma, kolorea eta egitura sortzen dute, eta
norabide bektorialak eta mugimendu edo
distortsio efektuak sortzeko hainbat formula
matematiko aplikatzen diren unetik aurrera
konplexu bihurtzen den sistema bitar erraz
baten bidez konbinatzen diren pixel gisa
hartzen dira. Efektu pixelatu horrek, zehaztasunaren eta zorroztasunaren adibidea
denak, Op-art artetik hurbil dauden formak
sortzen ditu, eta ikuslea eremua etengabe
berrikustera eta bere inguruko errealitate
fisikoa eta harekiko harremana zalantzan
jartzera behartzen du.

NEITHER 114 (Detalle)
200 x 200 cm
Zinta adierazgailua liho silikonatuan
Cinta señalizadora sobre lino siliconado

T

NEITHER 87
450 x 980 cm
Zinta adierazgailua horman
Intervención. Cinta señalizadora sobre pared

BilbaoArte

145

Tunipanea
Jonathan García Lana
Hasselt, Bélgica, 1985
www.tunipanea.com
tunipanea@gmail.com

E

R

R

rrizoma[ta] adierazpen-tresna paregabea da. Automata musikal elektromekaniko baten forma du eta espazio
bateko hainbat elementutara egokitu daiteke. Metafora gisa botanikaren berezitasun
bat hartzen du: hazkuntza errizomatikoa.
Energetikoki independenteak diren moduluen sare bat da. Modulu horiek, partitura birtualak gauzatzeko eta kolpatzeko
mekanismo txiki batzuen bidez egindako
kolpe bihurtzeko gai dira. Erraz garraiatzeko diseinatuta dago eta zenbait egoeretara
molda daiteke, instalazio gisa edo zuzenetarako tresna gisa. Hedatu, kopiatu eta
bereiz daitekeen moduluzko teknologia da.
Ez dago berez obra gisa; baizik eremu eta
ozentasunen kolonizatzaile gisa, kontzeptuen eta beste teknologia batzuen biztanle
gisa, inguratzen gaituen materialtasunaren
esploratzaile gisa. Ingurunera egokitzeko
prozesuan hartzen du zentzua. Hor, bizi garen ingurunearen sinbionte gisa egoten da
uki daitekeen ingurunearekin batera.

izoma[ta] es una herramienta expresiva única en forma de autómata
musical electromecánico, adaptable
a diferentes elementos de un espacio y que
toma como metáfora una particularidad
botánica: el crecimiento rizomático. Consiste en una red de módulos independientes energéticamente capaces de ejecutar
partituras virtuales y convertirlas en golpes
percutidos a través de unos pequeños mecanismos de golpeo. Está diseñado para
ser fácilmente transportable y adaptable
a situaciones diferentes, como instalación
o como instrumento para directos. Es una
tecnología modular expansible, copiable,
separable, no existe como obra en sí misma, sino como colonizadora de espacios y
sonori­dades, como habitante de conceptos
y otras tecnologías, como exploradora de la
materialidad que nos rodea. Es en el proceso de adaptación al medio donde cobra vida
y sentido, donde existe junto al entorno palpable y vibrante como simbionte del entorno
que habita(mos).

izoma[ta] is a unique expressive tool
in the form of an electromechanical
musical automaton -adaptable to
different elements in a space-, which takes
as a metaphor a botanical particularity: rhizomatic growth. It consists of a network of
energetically independent modules, capable
of executing virtual scores and converting
them into blows given by means of small
striking mechanisms. It is designed to be
easily transportable and adaptable to different situations, as an installation or as an
instrument for live performances. It is an expandable, copyable and separable modular
technology; it does not exist as a work in itself, but as a colonizer of space and sounds,
as an inhabitant of concepts and other technologies and as an explorer of the materiality
surrounding us. The process of adaptation
to the environment is the point at which it
comes to life and acquires meaning, where
it exists next to the palpable and vibrant environment as a symbiont of the environment
which it and we inhabit.

Jonathan García Lana a.k.a. Tunipanea,
Arte Ederretan lizentziatu zen Euskal Herriko
Unibertsitatean, eta Arte Garaikidea, Teknologikoa eta Performatiboa masterra egin
du. Soinuen ingurunearen inguruan nagusiki
lan egiten duen intermedia artista da. Bere
ikerketa eguneroko teknologiaren erabilerak
adierazten egiten du, adierazteko tresna
gisa eta aztertzeko mekanismo gisa.
Musika esperimentala egin du zuzenean
hainbat eremu eta jaialditan. Eusko Jaurlaritzak Sorkuntza Fabriken barruan saritu du
“Variaciones del Intonarumori” proiektuarekin, eta Bilboko Udalak ere saria eman zion
“Oasis floracústicos” proiektuarekin. Irakaslea izateaz gain, tailerrak eta hitzaldiak ere
egiten ditu zenbait erakundetan, hala nola
Artiumen, Bilboko Guggenheim Museoan,
Kunst Universität Linz, EHUko Arte Ederren
Fakultatea, Bilbaoarte, Hirikilabs (Tabakalera) edo Bilboko Azkuna Zentroan.

Jonathan García Lana a.k.a. Tunipanea,
Licenciado en Bellas Artes por la UPV/EHU,
con un Máster en Arte Contemporáneo,
Tecnológico y Performativo. Es un artista
intermediario que trabaja principalmente en
torno al medio sonoro. Desarrolla su investigación resignificando los usos de la tecnología cotidiana como herramienta expresiva y
mecanismo de exploración.
Ha tocado música experimental en directo en multitud de espacios y festivales. Ha
sido premiado por el Gobierno Vasco en
Fábricas de Creación con el proyecto “Variaciones del Intonarumori” y por el Ayuntamiento de Bilbao con el proyecto “Oasis
floracústicos”. Desarrolla de forma paralela
su actividad docente, realizando talleres y
conferencias en diferentes entidades como
Artium, Museo Guggenheim Bilbao, Kunst
Universität Linz, Facultad de Bellas Artes
UPV/EHU, Bilbaoarte, Hirikilabs (Tabakalera)
o Alhóndiga Bilbao.

Jonathan García Lana a.k.a. Tunipanea,
has a Bachelor’s Degree in Fine Arts from
the UPV/EHU and a Master’s Degree in
Contemporary, Technological and Performing Arts. He is an inter-media artist who
chiefly works with the sound medium. He
conducts his research by re-signifying the
everyday uses of technology as expressive
tool and exploration mechanism.
He has played experimental music live at
many venues and festivals. He has received
an award from the Creation Factories of the
Basque Government for the “Variaciones
del Intonarumori” project and from the City
Hall of Bilbao for the “Oasis floracústicos”
project. At the same time he conducts his
teaching activity, giving workshops and lectures at different institutions like Artium, the
Guggenheim Bilbao Museum, the Kunst
Universität in Linz, the Faculty of Fine Arts
of the UPV/EHU, Bilbao Arte, Hirikilabs (Tabakalera) and Alhóndiga Bilbao.

Rizoma[ta]
Perkutoreak barandan. Metakrilatoa, 3D inpresioa,
osagarri elektronikoak, imanak
Percutores en barandilla. Metacrilato, impresión 3D,
componentes electrónicos, imanes

Rizoma[ta] Nodo#2
Neurri aldakorrak / medidas variables
Instalazioa. Nodo#2 8 perkutoreekin. Metakrilatoa,
osagarri elektronikoak
Instalación. Nodo#2 con 8 percutores. Metacrilato,
componentes electrónicos
Rizoma[ta] Nodo#2
Metakrilatoa, osagarri elektronikoak
Metacrilato, componentes electrónicos

Rizoma[ta]
Perkutoreak paperontzian. Metakrilatoa, 3D inpresioa,
osagarri elektronikoak, imanak
Percutores en papelera. Metacrilato, impresión 3D,
componentes electrónicos, imanes
Rizoma[ta]
Perkutorea barandan. Metakrilatoa, 3D inpresioa,
osagarri elektronikoak, imanak
Percutor en barandilla. Metacrilato, impresión 3D,
componentes electrónicos, imanes

BilbaoArte

149

Amaia Vicente García
Bilbao, 1976
amaiavicente.com
amaialma@yahoo.es

L

stos trabajos pertenecen a la serie
“Europe XXI”, donde habla de los falsos paraísos creados por el sistema
económico frente a la pérdida de los paraísos personales.

E

hese works belong to the “Europe
XXI” series, in which she speaks of
the false paradises created by the
economic system set against the loss of
personal paradises.

Amaia Vicente Arte Ederretan lizentziatu zen
2000. urtean. Gaur egun, Arte Garaikidea,
Teknologikoa eta Performatiboa masterra
egiten da EHUn (2014-2016). Bestalde, ikerketa-beka bat lortu du Kunstuniversität unibertsitatean, Linzen, Austrian (2016). 2008.
eta 2010. urteen artean Ikerketa Feministak
eta Generokoak Masterra egin zuen.
2015. urtean PLATTFORM FÜR KREATIVE
MENSCHEN (Austria) plataformarekin egoiliar gisa aritzeko beka lortu du, eta baita
Etxepare Institutuko laguntza ere, Euskaditik
kanpo erakusketak egiteko. Bestalde, produkzio beka lortu du Bilbaoarte Fundazioan
(2015, 2010, 2007), Bizkaiko Foru Aldundian (2012-2013) eta truke-beka (Kunsthaus
Museoa, Bregenz, Austria, 2007).
2015. urtean berak bakarrik egindako erakusketen artean hauek nabarmendu daitezke: Ariz Dorrean, Basauri, “Paradise”
erakusketa; “Löve Söng”, Deustuko zubiko
etxolan, eta Bilbao Art District ekitaldiaren
barruan “Europe” lana.
2015, 2014. eta 2013. urteetan beste artista
batzuekin ere egin ditu erakusketak zenbait
areto eta galerietan, hala nola Austrian, Bilbon, Rekalde Aretoan, “Monumento” lanarekin, 2014. urtean AKMEn, “No Cost”, artista gonbidatu gisa, (AKME eta UPV-EHU),
Connsoni, Bilbon. 2011. urtean “ErreakzioaReacción” talde feministak Bizkaia Aretoan
(Bilbo) antolatutako  erakusketan parte hartu
zuen. Urte berean, REKALDE ARETOAN egin
zuen erakusketa, “Bodies Unlimited”, Subrosa taldearekin, Bilbon. 2009. urtean, MUA
ALACANTEKO UNIBERTSITATE MUSEOAN,
Alacanten. 2008. urtean ABISAL GALERIAN,
Bilboko “ZINEBI 50 urte” zine eta dokumentalen zikloaren barruan egindako erakusketan. 2008. eta 2007. urteetan LISI HÄMMERLE GALERIAN, Bregenzen, Austria.

Amaia Vicente es Licenciada en BBAA
(2000). En la actualidad está realizando un
Master en Arte Contemporáneo Tecnológico y Performativo en la UPV-EHU (2014
– 2016). Ha obtenido una beca de investigación en Kunstuniversität, Linz, Austria
(2016). Del 2008 al 2010 realiza el Máster
de Estudios Feministas y de Género.
En 2015 ha obtenido becas de residencia
con PLATTFORM FÜR KREATIVE MENSCHEN (Austria) junto a la ayuda del Instituto
Etxepare Institutoa, para realizar exposiciones fuera del ámbito del País Vasco. También la beca de producción en la Fundación de Bilbaoarte (2015, 2010, 2007), en
Diputación de Bizkaia (2012- 2013) y de
intercambio (Museo Kunsthaus, Bregenz,
Austria, 2007).
En 2015 ha expuesto de forma individual
en Torre de Ariz, Basauri, con la exposición
“Paradise”; con “Löve Söng” en la caseta
del puente de Deustu y dentro del festival
Bilbao Art District con su obra “Europe”.
En 2015, 2014 y 2013 ha expuesto de forma colectiva en diferentes salas y galerías
de Austria, en la Sala Rekalde (Bilbao) con
“Monumento”; en 2014 para AKME, “No
Cost”, como artista invitada, (AKME y UPVEHU), Connsoni, Bilbao. En 2011 participa
en la exposición organizada por el colectivo
feminista “Erreakzioa- Reacción”, en Bizkaia
Aretoa, Bilbao. Ese mismo año expone en
la SALA REKALDE, “Bodies Unlimited”, con
el colectivo Sub-rosa, Bilbao. En 2009 en el
MUA (MUSEO UNIVERSITARIO ALICANTE),
Alicante. En 2008 en la GALERÍA ABISAL,
en la exposición realizada dentro del ciclo
de cine y documental “50 años de ZINEBI”,
Bilbao. En 2008 y 2007 en la GALERÍA LISI
HÄMMERLE, “Bregenz, Austria.

Amaia Vicente has a Bachelor’s Degree in
Fine Arts (2000). She is currently studying for
a Master’s Degree in Contemporary, Technological and Performing Arts at the UPVEHU (2014-2016). She has obtained a research scholarship in Kunstuniversität, Linz,
Austria (2016). Between 2008 and 2010 she
obtained a Master’s Degree in Feminist and
Gender Studies.
In 2015 she obtained residence scholarships with PLATTFORM FÜR KREATIVE
MENSCHEN (Austria) with the help of the
Etxepare Institutoa Institute, to hold exhibitions outside the Basque Country. She has
also obtained production scholarships at the
Bilbao Arte Foundation (2015, 2010, 2007),
the Provincial Council of Bizkaia (20122013) and for an exchange (Kunsthaus Museum, Bregenz, Austria, 2007).
In 2015 she held individual exhibitions titled
“Paradise” at Torre de Ariz, Basauri, “Löve
Söng” at the stand on Deusto Bridge and
“Europe” at the Bilbao Art District festival.
In 2013, 2014 and 2015 she took part in
collective exhibitions at different halls and
galleries in Austria, at the Sala Rekalde in Bilbao with “Monumento”, in 2014 for AKME,
“No Cost”, as a guest artist (AKME and
UPV-EHU), Connsoni, Bilbao. In 2011 she
took part in the exhibition organized by the
“Erreakzioa-Reacción” feminist collective
in Bizkaia Aretoa, Bilbao. In the same year
she exhibited at the SALA REKALDE, “Bodies Unlimited”, with the Sub-rosa collective,
Bilbao, in 2009 at the MUA (MUSEO UNIVERSITARIO ALICANTE), Alicante, in 2008
at the ABISAL GALLERY, in the exhibition
held within the cinema and documentary cycle titled “50 years of ZINEBI” in Bilbao and
in 2008 and 2007 at the LISI HÄMMERLE
GALLERY, Bregenz, Austria.

“Europe”, perteneciente a la serie “EUROPE XXI”
120 x 120 x 110 cm
Instalazioa, kanpadenda, audioa (7’35’’-ko loopa)
Instalación, tienda de campaña, audio (7’35’’ en loop)

“Welcome to Europe”, perteneciente a la serie
“EUROPE XXI”
Soinudun instalazio interaktiboa. 15 zerria, sentsoreak.
Lanaren Pd-n programatutako lenguaia informatikoa
Instalación sonora interactiva. 15 felpudos, sensores.
Lenguaje informático de la programación de la obra en Pd

“Europe 015, Marca España”
5’30’’
Bideo instalazioa, erle argizari naturaleko 2.500 eskultura
Video instalación, 2.500 esculturas en cera natural de abejas

an hauek “Europe XXI” sailarenak dira,
eta sistema ekonomikoak norberaren
paradisuen galeraren aurrean sortutako paradisu faltsuei buruz hitz egiten du.

T

BilbaoArte

153

Xandra Villar Amigo
León, 1988
www.xandravillaramigo.com/
igualmentediferente@hotmail.com

N

N

N

EXT LEVEL. Errealitatearekin jolasean jolasen funtzionamendua
aztertzen duen proiektua da, baina
jolasak mezu ideologiko eta konduktualak modu masiboan hedatzeko gai diren
ikus-entzunezko
komunikazio-kodetzat
hartuz. Jolas tradizionalak, bideo-jokoak
eta herri-abestiak aztertu ziren, haien esloganak, packaginga eta publizitate-kartelak barne. Aztertuko jolasen estetikaz eta
arauez jabetuz, beste jolas batzuk sortu
ziren zenbait elementu aldatuta. Aldaketa
horren bidez jatorrizko mezua aldatu zen,
mezu sozialago bat jarriz, gure eguneroko
aktualitatearekin zerikusi handiagoa zuena.
Ezagutzean eta ulertzean salatzeko tresna
bihurtuko dira jolas berri horiek, ironiaz tratatzen dena haien izaera ludikoaz baliatuz.
Esanahi-aldaketari esker, jolasetan dauden
hezkuntza-balioen falta agerian geratzen da,
eta jolasak hedapen ideologikorako tresnak
gisa aurkezten dira. Jolasak harremanetan
jartzeko eta mundu-sistema ulertzeko beste modu bat izan beharko lirateke, hala ere,
errealitatearen aurkezpen bat gisa erakusten
dira, gure balio eta portaeren inguruan erakusten duena. Horretarako, errepikapena
erabiltzen da erakusteko metodotzat, irabazi-galdu berdin asmatu-huts egin binomioan oinarrituz.

EXT LEVEL. Jugando con la realidad es un proyecto que estudia el
funcionamiento de los juegos, entendidos como códigos de comunicación
audiovisuales capaces de divulgar mensajes ideológicos y conductuales, de forma
masiva. Se analizaron juegos tradicionales,
videojuegos, y canciones populares con sus
respectivos eslóganes, pakaging y carteles
publicitarios. Mediante la apropiación estética y normativa de los juegos estudiados,
se crearon otros nuevos en los que se ven
modificados ciertos elementos. Esta variación consigue modificar el mensaje original
por otro de carácter social, relacionado con
nuestra actualidad más cotidiana. Su reconocimiento y legibilidad convertirán a estos
nuevos juegos en un arma de denuncia,
que es tratado con un carácter irónico valiéndose de su naturaleza lúdica. El cambio
de significado permite evidenciar la falta de
valores educacionales en los juegos, que
se presentan como una herramienta de difusión ideológica. Los juegos deberían ser
una forma diferente de relacionarse y entender el sistema-mundo; sin embargo, son
mostrados como una representación de la
realidad que alecciona sobre nuestros valores y comportamientos, usando la repetición
como método de instrucción basado en el
binomio ganar-perder igual a acierto-error.

EXT LEVEL. Playing with reality is
a project that studies the functioning
of games, perceived as audiovisual
communication codes capable of spreading
ideological and behavioural messages on a
massive scale. It analysed traditional games,
video games and popular songs with their
respective slogans, packaging and posters.
By means of the aesthetic and regulatory
appropriation of the games studied, new
ones were created in which certain elements
were modified. This variation managed to replace the original message with another of
a social nature, related to our present-day
everyday lives.
These new games’ recognition and legibility will make them into weapons of protest,
treated with an ironic character availing itself
of their recreational nature. The change in
meaning reveals the lack of educational values in the games, which are presented as
tools of ideological diffusion. Games should
be a different way of relating to each other
and understanding the system-world, but
they are shown as a representation of the reality which teaches us about our values and
behaviours, using repetition as a method of
instruction based on the win-lose equals
success-error binomial.

Xandra Villar Amigo Arte Ederretan
lizentziatu zen Euskal Herriko Unibertsitatean, eta han arte garaikidearen erakusketan
espezializatzeko ikasketak ere egin zituen.
Ikastaroak egiten prestatzen jarraitzen du,
hala nola Advertising and society (Duke University) edo Concha Jerezen El lugar como
soporte de instalación (Musac).Guggenhei
Museoak, Artium Arte Garaikideko Euskal
Zentro-Museoak eta Santander Bankua
beka eman diote. Hainbat erakusketetan ere
parte hartu du, hala nola Et nunc, Windsor
galerian; Rollo vasco, Expotronik aretoan;
Premiados arte jóven Castilla y León, Unamuno aretoan edo Ni arte ni educación, Matadero aretoan, Madrilen.

Xandra Villar Amigo es Licenciada en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco
donde continuó sus estudios de especialización en la exhibición de arte contemporáneo.
Sigue formándose mediante cursos como
Advertising and society (Duke University) o El
lugar como soporte de instalación de Concha Jerez (Musac). Ha sido becada por el
Museo Guggenheim, el Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo Artium y el Banco Santander. Ha participado en diferentes
exposiciones como Et nunc (Galería Windsor), Rollo vasco (Expotronik), Premiados
arte jóven Castilla y León (Sala Unamuno) o
Ni arte ni educación (Matadero Madrid).

Xandra Villar Amigo has a Bachelor’s Degree in Fine Arts from the University of the
Basque Country, where she furthered her
studies, specializing in the exhibition of contemporary art. Her training continued with
courses like Advertising and society (Duke
University) and El lugar como soporte de instalación given by Concha Jerez (MUSAC).
She has received scholarships from the
Guggenheim Museum, the Artium Basque
Centre-Museum of Contemporary Art and
Banco Santander. She has taken part in
different exhibitions such as Et nunc at the
Windsor Gallery, Rollo Vasco at the Expotronik, Premiados arte jóven Castilla y León
at the Sala Unamuno and Ni arte ni educación at Matadero Madrid.

Hundir los paises
Neurri aldakorrak / Medidas variables
Kartela, diseinu digitala
Cartel, diseño digital
Comepasta
Neurri aldakorrak / Medidas variables
Kartela, diseinu digitala
Cartel, diseño digital

Cuatro en calla
Neurri aldakorrak / Medidas variables
Kartela, diseinu digitala
Cartel, diseño digital
Acción comecocos
230 x 160 cm
Bilboko tranbiaren muppien inbertzioa. Arriaga Antzokiko
geltokia. Beatriz Masidesen argazkia.
Intervención en los muppis del tranvía de Bilbao. Estación del Teatro Arriaga. Fotografía de Beatriz Masides.

Europe loses
Bideojoko framea
Frame de videojuego
Europe loses
Bideojokoaren azken framea
Último frame de videojuego

BilbaoArte

157

Robert Waters
London, Canada, 1974
www.robertwaters.ca
robwaters@gmail.com

A

n la práctica artística utiliza tanto medios tradicionales como no convencionales para investigar las divisiones
percibidas entre el cuerpo y la mente, y el
deseo de trascender las limitaciones biológicas. El cuerpo varonil es el sujeto que usa
actualmente para explorar la transformación
de los seres humanos en la sociedad postindustrial bajo las presiones del control social,
la ingeniería genética, la teoría queer y la angustia tecnológica. Bajo el nombre “Change
Room”, que significa “vestuario” en inglés
pero literalmente se traduce como “sala de
cambio”, el cuerpo de trabajo que ha desarrollado en BilbaoArte está compuesto por
obras multidisciplinares y únicas que forman
parte de una instalación. La rejilla es un matiz recurrente en varias obras, mostrando la
medición y la ordenación como una obsesión de dominar. La ausencia también es una
idea importante en las obras, reflejando los
limites implícitos en la negación y la muerte.

E

n his artistic work he uses traditional
and unconventional means to investigate the perceived divisions between
the body and mind and the desire to transcend biological limitations. The male body
is the subject he currently uses to explore
the transformation of human beings in a
post-industrial society under the pressures
of social control, genetic engineering, the
queer theory and technological anguish. Using the play on words “Change Room”, the
main part of the work he has developed at
BilbaoArte is made up of multi-disciplinary
and unique works which form part of an
installation. The grid is a recurrent theme in
several works, demonstrating measurement
and organization as obsessions to be controlled. Absence is also an important idea
in the works, reflecting the implicit limits of
denial and death.

Robert Waters Londresen jaio zen 1974.
urtean, Kanadatik ibili zen eta landa-eremuko Ontarion hazi zen, aintzira handien eskualdean. Arte Ederretan lizentziatu zen Yorkeko Unibertsitatean, Toronton, 1998. urtean,
eta hamar urtetan artearekin zerikusia duten
zenbait lanetan ibilita Toronton, Mexikora
joan zen artea bakarrik egitera. 2010. urtean Espainiara joan zen, eta han, Ikerketa eta
Sormena Artean masterra egin zuen Euskal
Herriko Unibertsitatean 2012. urtean. Gaur
egun, doktoregoa egiten ari da. Pm Gallery
galerian, Toronton, erakusten ditu bere lanak
2005. urtetik. Bestalde, banakako erakusketak ere izan ditu Kanadan, Mexikon, Espainian eta Japonian. Halaber, erakusketa kolektiboak egin ditu Erresuma Batuan, Estatu
Batuetan, Kolonbian, Frantzian, Danimarkan
eta Alemanian. Gaur egun Gasteizen bizi da.

Robert Waters nació en 1974 en Londres,
Canadá y creció en el Ontario rural, en la
región de los grandes lagos. Recibió su Licenciatura en Bellas Artes en la Universidad
de York (Toronto) en 1998, y después de trabajar diez años en varios empleos relacionados con el arte en Toronto, se fue a México
D. F. para centrarse en hacer arte. En 2010
se trasladó a España, donde hizo un Máster de Investigación y Creación en Arte en la
Universidad del País Vasco en 2012, y actualmente está cursando un doctorado. Ha
estado representado por pm Gallery, Toronto, desde el 2005. Ha tenido exposiciones
individuales en Canadá, México, España y
Japón, y exposiciones colectivas en el Reino
Unido, Estados Unidos, Colombia, Francia,
Dinamarca y Alemania. Actualmente reside
en Vitoria-Gasteiz.

Robert Waters was born in 1974 in London, Canada, and grew up in rural Ontario
in the region of the Great Lakes. He received
his Degree in Fine Arts at the University of
York in Toronto in 1998, worked for ten
years in various art-related jobs in Toronto
and then went to Mexico City to focus on
making art. In 2010 he moved to Spain,
where he obtained a Master’s Degree in
Research and Creation in Art at the University of the Basque Country in 2012. He is
currently doing his doctoral studies. He has
been represented by the pm Gallery, Toronto, since 2005. He has had individual exhibitions in Canada, Mexico, Spain and Japan
and group exhibitions in the United Kingdom, the United States, Colombia, France,
Denmark and Germany. He currently lives in
Vitoria-Gasteiz.

Masculine Objectivity
265 x 198 mm
Kollage digitala
Collage digital

Controlled Negation
100 x 70 cm
Litografia
Litografía

Resistance (detalle)
Dimentsio aldakorrak / dimensiones variables
Instalazioa. Erretxina, kollagea
Instalación. Resina, collage

rtearen arloan aritzen denean baliabide tradizionalak eta ez konbentzionalak erabiltzen ditu gorputzaren
eta buruaren artean hautemandako zatiak
eta muga biologikoak gainditzeko nahia
ikertzeko. Gizonezkoen gorputza da gaur
egun erabiltzen duen subjektua gizakiek
industriaren osteko gizartean gizarte-kon­
trolaren, ingeniaritza genetikoaren, Queer
teoriaren eta larritasun teknologikoaren
presiopean izandako aldaketak aztertzeko.
“Change Room” izena erabiliz (ingelesez
aldagela esan nahi duena baina hitzez hitz
aldaketa-gela gisa itzultzen dena), BilbaoArten garatu duen proiektua instalazio batekoak diren diziplina anitzeko lanez osatuta
dago. Sareta askotan erabiltzen dut zenbait
lanetan, eta neurketa eta antolaketa menderatzeko obsesio gisa agertzen dira. Gabezia
ere ideia garrantzitsua da lanetan, eta ezeztatzean eta heriotzaren barruan dauden mugak islatzen ditu.

I

BilbaoArte

161

Laura Ruiz Sáenz & Nora Aurrekoetxea Etxebarria
Bilbao, 1989
lauraruizsaenz.com / noraaurrekoetxea.com
lauraruizsaenz@gmail.com / nora.aurrekoetxea@gmail.com

S

I VIS PACEM PARA BELLUM trata
de reconfigurar símbolos, imaginario,
moldes de lucha y resistencia dentro
de los conflictos socio-políticos.
Partimos de un territorio o imaginario local,
el contexto vasco tras el alto al fuego, situación identificable en cualquier conflicto
político global.
¿Qué ocurre con elementos sólidos válidos,
legitimados en una época pasada, cuando
llega una época de transición y proceso en
la que estos elementos se diluyen en un
tiempo líquido?
Vivimos en la rapidez, la instantaneidad,
ideas fragmentadas de carácter inconstante, voluble, donde los referentes y estructuras sociales ya no perduran lo suficiente
como para arraigarse. Sin darnos cuenta
hemos ido sufriendo pérdidas, como la renuncia al pensamiento, la renuncia a la memoria, “el olvido se presenta como condición del éxito”.
Estos cambios y renuncias son muy visibles
en una sociedad vasca marcada por la falta
de cambio tras el final de la lucha armada.
En este contexto S.V.P.P.B. supone un enfrentamiento entre la solidez de la memoria
y la fragilidad del instante. Se muestra lo que
no alcanzamos a ver o no queremos ver, simultáneamente a lo que deseamos mirar y
enfocar, “la presencia de lo ausente”.
El resto del objeto de resistencia, la huella,
lo quemado, destruido, fundido… forman
parte del paisaje, transformándose en símbolos y tótems. Se da la descontextualización de sus ruinas para dotarlas de nuevos
usos simbólicos.

S

I VIS PACEM PARA BELLUM attempts to reconfigure symbols, imaginary, forms of struggle and resistance
within socio-political conflicts.
It starts from a local territory or imaginary,
namely the Basque context following the
ceasefire, a situation identifiable in any global
political conflict.
What happens to valid solid elements, legitimized in a bygone era, when there comes a
period of transition and process in which these elements become diluted in a liquid time?
We live in an age of speed, instantaneousness, fragmented ideas, with a changeable
and unpredictable nature, in which social references and structures no longer last long
enough to take root. Without realizing it, we
have suffered losses such as the renunciation of thought and the renunciation of memory, “forgetting is presented as a condition
for success”.
These changes and renunciations are very
visible in a Basque society distinguished by
a lack of progress following the end of the
armed struggle. In this context, S.V.P.P.B. represents a confrontation between the solidity
of memory and the fragility of the moment. It
shows what we fail to see or do not want to
see, at the same time as we wish to watch
and focus on “the presence of absence”.
The rest of the object of resistance, the trace and what has been burnt, destroyed and
melted form part of the landscape, becoming
symbols and totems. Their ruins are decontextualized to give them new symbolic uses.

Nora Aurrekoetxea eta Laura Ruiz Arte
Ederretan lizentziadunak dira (EHU) eta
2010. urtetik bikote artistiko gisa lan egiten dute. Nora OKELA sormen lantegiaren
sortzailea da eta Laura artisten sareko kidea.
Duela gutxi Daniel Txopitea beka irabazi dute,
eta BilbaoArte Fundazioan Bizkaiko Foru Aldundiaren Ikusmen Arteen bekari esker hasitako proiektua garatzen jarraitzen dute.

Nora Aurrekoetxea y Laura Ruiz Licenciadas en Bellas Artes por la UPV/EHU, trabajan como pareja artística desde 2010. Nora
es miembro fundador de la fábrica de creación y gestión cultural OKELA y Laura forma
parte de la red de artistas.
Han sido nombradas recientemente ganadoras de la Beca Daniel Txopitea y siguen desarrollando el proyecto iniciado en BilbaoArte
gracias a la Beca de producción de Artes Visuales de la Diputación Foral de Bizkaia.

Nora Aurrekoetxea and Laura Ruiz, graduates in Fine Arts at the UPV/EHU, have
worked as an artistic duo since 2010. Nora
is a founding member of OKELA, the factory
of cultural creation and management, and
Laura forms part of the network of artists.
They were recently announced as winners
of the Daniel Txopitea Scholarship and continue to develop the project they began at
Bilbao Arte, thanks to the Grant for the production of Visual Arts funded by the Provincial Council of Bizkaia.

S.V.P.P.B (2015)
Aerosola polibinilo urtutako azetatoan, tutua eta
burdinezko listoiak.
Aerosol sobre acetato de polivinilo fundido, tubería y
listones de hierro.

S.V.P.P.B. (2015)
Posterra. Kollage analogikoa + fotokopiatuta
Poster. Collage analógico + fotocopiado

S.V.P.P.B (2015)
Artxibo irudia
Imagen de archivo

I VIS PACEM PARA BELLUM gatazka sozio-politikoen baitan sorturiko
iruditegi, sinbolo, borroka eta erresistentzia moldeak berkonfiguratzean datza.
Lurralde eta iruditeri lokal batetik abiatzen
gara, su etenaren osteko Euskal Herriko
kontestutik ain zuzen ere, urteetan zehar
jasandako iruditegi kolektiboa berrikusi eta
eruditeri ezartzaile berriak sortzeko momentu aproposa. Zer gertatzen da iraganean
aliagarriak eta legitimatuak ziren elementu
solidoak trantsizio eta prozesu garaietan
desagertu edota deseraiki direnean, egungo
garai likidoetan?
Garai likidoak bizi ditugu; non arintasunak,
bapatekotasunak, etengabeko aldaketek,
osatu gabeko ideiek, izaera ezegonkorrek,
aldakorrek...erreferenteak eta estruktura sozialak desegin dituzten, ez dute irauterik, ez
dute errotzerik. Ia ia konturatu gabe hainbat
galera izan ditugularik, oentsamenduari errenuntzia, memoriari errenuntzia,”ahazte hutsa
garaipenaren ordaingarri gisa agertzen da”.
Aldaketa-galera hauek oso nabariak dira borroka armatuaren etenaren ondorioz euskal
gendartean sorturiko ezjakintasunean. Kontestu honetan S.V.P.P.B. memoriaren tinkotasunaren eta uneak duen hauskortasunaren arteko elkarrizketa batean kokatzen da.
Ikusi ezin edo ikusi nahi ez dena erakustean
datza, begiratu eta enfokatzen dugunarekin
batera, hor dago auzia. Ausentziaren presentziaz ari gara.
Paisaiaren parte den, eta sinbolo eta totem
bilakaturiko iruditeri horri, hondakin tratamendua ematen zaio, arrastoa materia bihurtuz, eraldaturiko aztarna bereraldatuz.

S

Trukaketako artistak 2015
Artistas de intercambio 2015
Exchange artists 2015

Bregenz (austria) - Bregenz (austria) - Bregenz (austria)

BilbaoArte

167

Manuel Casellas
Sevilla, 1979
www.manuelcasellas.com
casellasmanuel@gmail.com

Manuel Casellas Arte Ederretan lizentziatu
zen Sevillako Unibertsitatean, unibertsitate
hauetan ikasketak eginda: Bilboko EHU,
Milango (Italia) Brerako Akademia eta Rosarioko (Argentina) Unibertsitate Nazionala.
Doktoregoa egiten ari da Sevillako Arte
Ederren Fakultateko Eskultura sailean, eta
Sevillan eta Euskal Herrian lan egiten du.
Gaur egun, Euskal He­rrian bizi da.

Manuel Casellas es Licenciado en Bellas
Artes por la Universidad de Sevilla, tras
haber cursado estudios en universidades
como: UPV de Bilbao, Academia de Brera
de Milán en Italia y Universidad Nacional de
Rosario en Argentina. Doctorando del Departamento de Escultura de la Facultad de
Bellas Artes de Sevilla, desarrolla su trabajo
a caballo entre Sevilla y el País Vasco, que
es donde reside actualmente.

Manuel Casellas is a Graduate in Fine Arts
by the University of Seville, after studying at
universities like the UPV in Bilbao, the Brera
Academy in Milan, Italy and the National University of Rosario in Argentina. He is doing
his doctoral studies at the Department of
Sculpture of the Faculty of Fine Arts in Seville and carries out his work between Seville
and the Basque Country, which is where he
currently lives.

Shelter from the Storm” da garatzen
ari den proiektu berri baten izenburu
metaforikoa. Aurreko ikerketa baten
osagarria izango da, ikerketa hori ixteko ere
balioko du: “Programatutako zaharkitzea”.
Ikerketa sortzeko eta oinarritzeko gaur egungo testuingurua kontuan hartu zuen. Aurreko
proiektu hori, engainua sistema ororen zati
substantzial gisa hartuz sortu ziren zenbait
galderetan oinarritu zen. Horrela, lan berri
honetan galdera horiek aztertu nahi ditu.
Sistemen eta banakoen artean itun soziala
apurtuta, ezezaguna ezagutzeko aldaketa-garai batean gaude, eta gizakiak bizirik jarraitu beharko du ekaitz handi horren
aurrean. Meteorologikoaz harago doan eta
inguruko eraketa-sistema guztiak bustitzen
dituen ekaitz horretatik babestuta egotea da
xedea. Inguruari buruz ari garenean ez gara
lurralde geografikoari buruz bakarrik aritzen;
banakoa bermerik gabe, bakarrik eta sistemaren hainbat mekanismoren kontra errebindikatzeko aukeren au­
rrean babesgabe
utzi dituen lurralde politiko eta sozialari buruz
ere ari gara.

Sin título, 2015
65 x 65 x 12 cm
Zementu armatua eta soka
Cemento armado y soga

Shelter from the Storm” es el metafórico título de un nuevo proyecto en desarrollo que servirá de complemento y
cierre a una investigación anterior, Obsolescencia Programada, que a grandes rasgos
basó su concepción y fundamentación en
lo efímero del contexto actual. A su cauce,
este proyecto antecesor, sedimentó una
suerte de cuestiones ligadas a la idea del
engaño como parte sustancial de todo sistema, que ahora pretenden ser analizadas
por este nuevo trabajo.
Tras la ruptura del pacto social entre sistemas e individuos a la que asistimos, nos encontramos en una época de cambio hacia
lo desconocido que pasará por la supervivencia del hombre ante este gran temporal.
Mantenerse a salvo bajo esta tormenta que
va más allá de lo meteorológico y que moja
a todo sistema de constitución del entorno.
Nos referimos a un entorno no sólo como
territorio geográfico, sino también a un territorio político-social que ha dejado al individuo sin garantías, solo y desvalido ante toda
posibilidad de reivindicación como tal, frente
a los distintos mecanismos del sistema.

Shelter from the Storm” is the metaphorical title of a new project under development which will complement and
complete a previous research work, titled
Programmed Obsolescence, which broadly
based its conception and foundations on the
ephemeral of the current context. As it went
on, the previous project established a range
of issues related to the idea of deception as
a substantial element of any system, which
will now be analysed by this new work.
Following the breaking up of the social contract between systems and individuals we
are witnessing, we find ourselves in a time
of change towards the unknown which will
question the survival of man in the face of
this great storm. It is a question of staying
safe in the storm, which goes beyond the
meteorological and soaks all the system
constituting the environment. We refer to the
environment not only as a geographical territory but also as a political and social territory
which has left the individual without any form
of guarantee, alone and helpless against any
possibility of making demands of the diffe­
rent mechanisms of the system.

Bregenz (austria) - Bregenz (austria) - Bregenz (austria)

BilbaoArte

169

Ainara Elgoibar
Mungia, 1975
ainaraelgo@gmail.com

regenzera egindako bidaian apurtu
zitzaion Gold 20 urre-koloreko beirazko pieza bat berregiteko aitzakiarekin, bere ohiko lanean guztiz salbuespena
den eskala txikiko produkzio-prozesua bideoz grabatzea proposatu zion Glas Marte
Gmbh enpresari. Glas Marte Bregenzen kokatuta dagoen familia-enpresa da, eta beirazko elementu arkitektonikoak egiten ditu.
Glas Marte eta eskualdeko beste enpresa
batzuk bisitak egiteko prest agertu ziren,
eta horiei esker, artistak eremuko industria-egitura eta arte-lanen ekoizpenarekin
duen harremana zertxobait ezagutzeko aukera izan zuen. Erakusketa Bregenzeko Lisi
Häemmerle galerian izan zen eta egoiliarra
izan zen bitartean egin zuen lana erakutsi
zuen: “Marte Cut” bideoa. Glas Marteren
produkzio-prozesua eta enpresak prozesatutako eta KUBek utzitako beirazko bi
pieza erakusteko diseinatutako egitura bat
jasotzen ditu.

on el pretexto de reproducir una pequeña pieza de vidrio dorado Gold
20 que en el traslado a Bregenz había resultado dañada, propuso a la empresa Glas Marte Gmbh producir un vídeo que
captara el proceso de producción de algo
cuya reducida escala resulta totalmente excepcional a su actividad productiva habitual.
Glas Marte es una empresa familiar afincada
en Bregenz que se dedica a la producción
de elementos arquitectónicos en vidrio. Tanto Glas Marte como otras empresas de la
región se mostraron abiertas a visitas que
permitieron a la artista conocer un poco el
tejido industrial de la zona y su relación con
la producción de obras de arte. En la exposición que tuvo lugar en la galería Lisi Häemmerle de Bregenz mostró parte del trabajo
realizado durante el período de residencia:
“Marte Cut”, un vídeo que recoge el proceso
de producción de Glas Marte, y una estructura diseñada para mostrar dos piezas de
vidrio procesadas por la empresa y cedidas
por el KUB.

B

C

W

Ainara Elgoibar Enpresen Administrazio eta
Zuzendaritzan lizentziatu zen Deustuko Unibertsitatean, eta 2004. urtean bere jarduera
beste bide batetik bideratzea erabaki zuen.
Horrela, Arte Ederrak ikasi zuen Bartzelonako Unibertsitatean (UB). Ikasten zegoen
bitartean Cooper Union School Of Art (NYC)
zentroan Manchester Metropolitan University unibertsitatean (Manchester, UK) egon
da. Azken lanean industria-jarduera landu
du, baina oraingoan jarduera artistikoaren
bidez. Haren lan batzuk erakunde hauetan
egon dira ikusgai: MACBA (Bartzelonako
Arte Garaikideko Museoa), Fundació Tàpies
(Bartzelona), Artium (Gasteiz), La Capella
(Bartzelona) eta DAFO Galera (Lleida).

Ainara Elgoibar es Licenciada en Dirección
y Administración de Empresas por la Universidad de Deusto. En 2004 decide reorientar su carrera y obtiene una licenciatura en
Bellas Artes por la Universidad de Barcelona (UB), con estancias en Cooper Union
School Of Art (NYC) y Manchester Metropolitan University (Manchester, UK). En su trabajo más reciente ha abordado la actividad
industrial, ésta vez desde la práctica artística. Parte de los resultados han podido verse
instituciones como MACBA (Museo de Arte
Contemporaneo de Barcelona), Fundació
Tàpies (Barcelona), Artium (Vitoria-Gasteiz),
La Capella (Barcelona), y Galería DAFO (Lleida), entre otros.

Ainara Elgoibar has a Bachelor’s Degree
in Business Management and Administration from the University of Deusto. In 2004
she decided to re-direct her career and she
obtained a Bachelor’s Degree in Fine Arts
from the University of Barcelona (UB), with
stays at the Cooper Union School of Art
(NYC) and Manchester Metropolitan University (Manchester, UK). Her most recent work
addresses industrial activity, based on her
artistic practice. Some of the results have
been seen at institutions such as MACBA
(the Barcelona Museum of Contemporary
Art), the Tàpies Foundation (Barcelona), Artium (Vitoria-Gasteiz), La Capella (Barcelona)
and the DAFO Gallery (Lleida).

Marte Cut
16’40’’
Bideo digitala HD
Vídeo digital HD

ith the pretext of reproducing a
small piece of Gold 20 golden
glass which had been damaged
on a journey to Bregenz, she proposed to
the Glas Marte Gmbh company the making
of a video to capture the production process of something whose small size makes
it totally exceptional. Glas Marte is a family
business based in Bregenz which produces
architectural elements made of glass. Both
Glas Marte and other companies in the region were happy to receive visits allowing
the artist to learn a little more about the industrial fabric of the area and its relationship
with the production of artworks. During the
exhibition held at the Lisi Häemmerle gallery
in Bregenz she displayed part of the work
she had performed during the residency
period; “Marte Cut”, a video which shows
the production process of Glas Marte and
a structure designed to show two pieces of
glass processed by the company and lent
by the KUB.

Bregenz (austria) - Bregenz (austria) - Bregenz (austria)

BilbaoArte

171

Bernhard Garnicnig
Austria, 1983
www.bernhardgustavanton.com
hello@bernhardgustavanton.com

P

L

T

intura Milli Vanilliren 1989ko “Girl I’m
Gonna Miss You” bideoaren pantaila-argazki batetik atera da. Alemaniako disko-pop taldea hango arrakasta-zerrenden gailurrean zegoen bere abesti
guztiak bakarlari profesionalek grabatu zituztela eta eurak ezpainak eta aldaka sinkronian mugitzera baino ez zirela mugatzen
jakin zen arte.

a pintura está reconstruida a partir de
un pantallazo del vídeo de Milli Vanilli
“Girl I’m Gonna Miss You” de 1989.
La banda alemana de disco-pop se encontraba en la cima de las listas de éxitos
alemanas hasta que se filtró la escandalosa
revelación de que todas sus canciones habían sido grabadas por solistas profesionales, y que ellos únicamente se dedicaban
a mover sus labios y caderas en sincronía.

he painting is reconstructed from a
screenshot from the Milli Vanilli video
“Girl I’m Gonna Miss You” from 1989.
The german disco-pop band was riding the
wave of the German music charts until the
scandalous revelation that all of their songs
were recorded by professional vocalists,
with the two performers merely moving their
lips and hips in synchronisation.

Bernhard Garnicnigen lana aurrerakoitasun teknologikoaren eta beldurrak eta desirak dituen gizakiaren paradigmen artean
dagoen baldintza zentzugabe eta paradoxikoan oinarritzen da. Haren lanak erakusketetan, hitzaldietan eta tailerretan, galerietan
eta artearen inguruko azoketan egon dira
ikusgai, Europan eta AEBn. Bregenzeko
Bienalaren sortzaileetako bat eta komisarioa da, continentcontinent.cc plataformako
koeditore sortzailea eta Vienako Palais des
Beaux Arts zentroko zuzendari artistikoa.

La obra de Bernhard Garnicnig existe en
la absurda y paradójica condición que hay
entre los paradigmas del progresismo tecnológico y el ser humano con sus miedos y
deseos. Su obra se ha presentado en forma
de exposiciones, charlas y talleres en galerías y ferias de arte en Europa y los EE.UU.
Es el cofundador y comisario de la bienal
de Bregenz, co-editor fundador de continentcontinent.cc y el director artístico del
Palais des Beaux Arts en Viena.

Bernhard Garnicnig works exist in the absurd and paradox condition in between the
paradigms of technological progressivism
and the human being with its fears and desires. His works have been presented in the
form of exhibitions, lectures and workshops
at galleries and art fairs in Europe and the
USA. He is the co-founder and curator of
the Bregenz biennale, a founding co-editor
of continentcontinent.cc and the artistic director of the Palais des Beaux Arts Wien.

Abstraction is to music as lip sync is to painting
Reconstructing Milli Vanillis’ legacy in painting and the art of delegation
130 x 130 cm
Artxiboko pigmentuaren inprimaketa eta akrilikoak mihise gainean
Impresión de pigmento de archivo y acrílicos sobre lienzo
Archival Pigment Print and Acrylics on Canvas

Leeds (Erresuma Batua) - Leeds (Reino Unido) - Leeds (United Kingdom)

BilbaoArte

173

Josh Gibbs
London, 1989
jgibbs596@gmail.com
www.joshgibbs.co.uk

A

A

T

urkitutako objektuetan oinarritutako
eskulturaren eta instalazioaren bidez,
naturaren eta eraikinen garapenean
gurutzatutako ereduen arteko harremanak,
haien kolapsoa eta berreraikuntza, ikuspegi sendoa bihurtu dira Josh Gibbsen lanetan azken urteetan. BilbaoArte Fundazioan
egoiliar gisa aritu zenean bere proiektu be­
rrienaren aurretiko faseetan hedatzea lortu
zuen. Proiektu hori Darkhouses da, hitzez
hitz etxe ilunak esan nahi duena. Hemen,
hainbat eginkizun hartzen ditu: esploratzaile
batena, hiriko eta kostaldeko topografo batena, harrobiko langile batena, komunetako
alikatatzaile batena, adreilu-fabrikatzaile batena, igeltsero batena, arkitekto batena, eta
azkenik, sustatzaile batena. Eginkizun horiek
ausaz bultzatzen dira, Erresuma Batuan eta
mundu osoan etxebizitza eskuragarri bat segurtasunez bermatzeko.
Etxean, Leedsen, neguko gau ekaiztsu batean bakarrik zegoenean bururatu zitzaion
ideia. Bat-batean etxeko argi guztiak itzali
behar izan zituen, eta bere buruari nolabait
xuxurlatuz “Dark house” (etxe iluna) esan
zion. Geroago bere lagunei ere esan zien lo
egiten zuten bitartean.
Hala ere, Darkhouses lana duela gutxi
gehiago garatu du, eta etxebizitzen joeretan eta eraikuntzan oro har agerikoak diren
desberdintasunetan eta gertakarietan oinarritzen da. Horren adibidea Adamstown
dugu, Dublinen, sustatzaileek 2005. urtean
eraikitzen hasi ziren hiribildua. Etxeak 2006.
urtean hasi ziren merkatura sartzen. Proiektuaren oinarria etapaka garatu zenez, eta
atzeraldiaren ondorioz aurrerapenak moteldu zirenez, hainbat eraikin amaitu gabe
geratu ziren eta alferrik galdu ziren. Atzeraldiaren beste zorigaiztoko ondorio bat izan
zen etxe asko hutsik geratu zirela.
Artistak hustasun-egoera horiek kontuan
hartzen ditu, eta ongi bideratzen duen estetika baten bidez, forma garrantzitsu bihurtu
eta ausazko nahaste batean batzen ditu.

través de instalaciones y esculturas
basadas en objetos, las relaciones
entre la naturaleza y los patrones
cruzados de los edificios en su desarrollo,
derrumbamiento y reconstrucción se han
convertido en motivos principales de la
práctica de Josh Gibbs en los últimos años.
Sus residencias en BilbaoArte y Pocagallery
le han permitido experimentar y expandir las
fases preliminares de su último proyecto,
Darkhouses. Aquí, adopta los roles motivados por la suerte de explorador, superviviente del medio urbano y marítimo, coleccionista, obrero de baldosa de baño urbano,
peón de azulejo de baño urbano, fabricante
de ladrillos, albañil, arquitecto y, finalmente,
constructor para asegurar definitivamente la
promesa de vivienda asequible en el Reino
Unido y el resto del mundo.
La idea fue provocada por un instante en
el que estaba solo en casa una noche tormentosa de invierno en Leeds, cuando de
pronto se hizo muy necesario apagar todas
las luces de la casa y se dijo a sí mismo en
un susurro, “Dark house” (casa a oscuras)
(también más tarde a sus amigos mientras
ellos dormían).
Sin embargo, el desarrollo más reciente de
Darkhouses se inspira en las desigualdades
y percances evidentes en las tendencias de
la vivienda y la construcción en general. Un
ejemplo es Adamstown, Co. Dublín, una
villa urbana que promotores comenzaron a
construir en 2005. Las casas empezaron a
entrar en el mercado en el año 2006. Debido a la base por etapas del desarrollo del
proyecto y el hecho de que los progresos se
ralentizaron debido a la recesión, numerosos edificios quedaron sin terminar y se tiraron por la borda. Otro resultado desastroso
de la recesión fue que muchas de las casas
habitables quedaron vacías. El artista se
apropia de estas situaciones de vacuidad,
la estética que él desgrana alegremente y
la convierte en formas transcendentes y las
une en una mezcla aleatoria.

hrough found object-based sculpture and installation, relationships
between nature and the intersecting
patterns in the development of buildings,
their collapse, and their reconstruction
have become a heavy focus in Josh Gibbs’
practice in recent years. The residency
at BilbaoArte allowed him to expand on
the preliminary stages of his newest project, Darkhouses. Here, he assumes the
chance-driven roles of explorer, urban and
seaside landscape surveyor, collector, urban bathroom tile quarry operative, urban
bathroom tile mason, brickmaker, bricklayer, architect, and finally, developer to assuredly secure affordable housing in the UK
and the wider world.
The idea was sparked by a moment when
he was at home alone one stormy Winter
night in Leeds where it suddenly became
very necessary to turn off all the lights in
the house and he whispered to himself,
“Dark house” (also later to his friends while
they slept).
However, the more recent development of
Darkhouses is inspired by inequalities and
mishaps evident in trends in housing and
construction in general. One example is
Adamstown, Co. Dublin, an urban village
that developers began building in 2005.
The houses started going on the market in
2006. Due to the phased basis of the project’s development and the fact that progress slowed down due to the recession,
numerous buildings remained unfinished
and were boarded off. Another disastrous
result of the recession was that many of the
habitable houses remained vacant.
The artist appropriates these situations of
vacuity, the aesthetics of which he playfully
strips down into more transcendent forms
and blends them together into a haphazard
mix.

Josh Gibbs Erresuma Batuko artista da.
Bilbon lan egin zuen 2015eko abuztuan.
Leeds College of Art and Design zentroan
eskuratu zuen gradua 2011. urtean.

Josh Gibbs es artista del Reino Unido, y
trabajó en Bilbao en agosto de 2015. Se
graduó en el Leeds College of Art and Design en 2011.

Josh Gibbs is an artist from the UK, working in Bilbao over August 2015. He graduated from Leeds College of Art and Design
in 2011.

Bilbao Darkhouse 4 (abandonada en el lugar)
30 x 30 x 60 cm
Aurkitutako lauzak, zementua, lokatza, kartoia, hostoak, egurra, esmaltea, txirrina
Baldosas encontradas, cemento, barro, cartón, hojas, madera, esmalte, timbre

París (Frantzia) - París (Francia) - París (France)

BilbaoArte

175

Patrik Grijalvo
Bilbao, 1984
www.patrikgrijalvo.net
patrikgrijalvo@gmail.com

P

arisen egon nintzenenetik “The physical nature of the image” proiektuak
zenbait aldaketa izan ditu lanen aurkezpenari dagokionez. Aurreko “Photography as object” proiektuan garapen artistiko
bera izan arren, zenbait inprimaketa-material erabiltzeak beste irtenbide batzuk bilatzea ­ekarri du.
Laurogeita hamarreko hamarkadan garatutako Eduardo Chillidaren “Grabitazioak” lanaren edo moztutako argazkiekin egindako
Jerry McMillanen estudioen antzeko jolas
bat egiteko asmoarekin sortu zen (haren
galera ezagunarekin: “Argazkiak laua izan
behar du?”). Hala ere, bere lehengaia berak egindako Parisko arkitekturaren argazkiak dira. Hori garrantzitsua da, Chillidak,
papera (zuria edo beltza pigmentatua) eta
McMillanek lausotuta zeuden argazkiak
erabiltzen zutelako. Horrela, bere asmoa
da ikuslearen begiak, nahiz eta hor ez
egon, dagoeneko hirugarren dimentsio bat
ikusten duen elementuak erabiltzea.
Lanek benetako hiru dimentsioko geruzak eta ikusleak ikusitako irudizko geruzak
konbinatzen dituen irudien gainezarpenak
dituzte. Irudi horiek, aurreko beste irudi
batzuetan oinarrituz sortzen dira, eta Chillidaren grabitazioen antzekoak dira, izan
ere, nire helburua eraikuntzaren berezko
materialen aurrean (granitoak, marmolak,
harria, beirak eta abar) hauskorrak diren
orekak egitea da.
Nabarmendu behar dut egoiliar gisa aritu
nintzenean baterako erakusketa bat egin
nuela Parisko Cité zentroko “La Galerie”
galerian, “Zaman-Time” izenburuarekin.
Han, Parisko Cité International des Arts
zentroko nazioarteko zazpi egoiliarrek parte
hartu ­genuen.
* Erakusketako artistak: Alaa Abdelhamid,
Said Afifi, Qingmei Yao, Ana Riaño, Amine
Oulmakki, Agathe Simone eta Patrik Grijalvo, Natalia Bento Rodriguezek zuzenduta.

D

urante mi estancia en París el proyecto “The physical nature of the
image” ha sufrido unas variaciones
en cuanto a la presentación de las obras.
Aún teniendo el mismo desarrollo artístico
que en el proyecto anterior “ Photography
as object” el uso de distintos materiales de
impresión ha obligado a buscar soluciones
diferentes.
La idea nace de desarrollar un juego cercano al de las “Gravitaciones” de Eduardo
Chillida, desarrolladas en los años noventa, o el de los estudios con fotografía recortada de Jerry McMillan (con su famosa
pregunta “¿Debe la fotografía ser plana?”),
pero con el matiz de que la materia prima
con la que cuento son fotografías de arquitectura parisina realizadas por mí mismo.
El matiz es importante, porque mientras
que Chillida usaba papel (blanco o pigmentado en negro) y McMillan fotografías
veladas, mi idea es partir de elementos en
los que el ojo del espectador ya proyecta
una tercera dimensión, aunque no esté allí.
Así, las obras presentan superposiciones
de imágenes que combinan capas de
tridimensionalidad real y otras figurada,
proyectada por el espectador. El modo
de construir estas imágenes partiendo de
otras imágenes previas es cercano al de
las gravitaciones de Chillida, en el sentido en que mi idea es plantear equilibrios
frágiles que contrasten con el material retratado, propio de la edificación (granitos,
mármoles, piedra, cristales, etc).
Cabe destacar que durante la residencia realicé una exposición conjunta en
“La Galerie” de la Cité de Paris con título
“Zaman-Time”, en la cual tomamos parte
siete residentes internacionales de La Cité
International des Arts de Paris.
* Artistas de la exposición: Alaa Abdelhamid,
Said Afifi, Qingmei Yao, Ana Riaño, Amine
Oulmakki, Agathe Simone y Patrik Grijalvo
comisariada por Natalia Bento Rodriguez.

S/T de la serie “The physical nature of the image”
120 x 110 x 15 cm
Hasselblad kamera analogikoarekin ateratako erdi formatuko argazkia, Porta 400 pelikularekin, korte laserreko metrakilatoan digitalizatua eta imprimatua
Fotografía tomada con cámara analógica Hasselblad de formato medio, con película
Porta 400, digitalizada e impresa sobre metacrilato con corte laser

D

uring my stay in Paris the project
titled “The physical nature of the
image” has undergone certain variations with regard to the presentation
of the works. Even though the artistic development is the same as in the previous
project, “Photography as object”, the use
of different printing materials has led to the
seeking of different solutions.
The idea began by developing a game close
to that of “Gravitaciones” by Eduardo Chillida, developed in the nineteen nineties, or
studies with cropped photos by Jerry McMillan (with his famous question “Should photography be flat?”), but with the difference
that the raw materials I have are photographs of Parisian architecture taken by myself.
The distinction is important, because while
Chillida used paper (white or pigmented on
black) and McMillan used veiled photos,
my idea is to use elements in which the
spectator’s eye already projects a third dimension, even though it might not be there.
Thus, the works present the superimposing of images which combine layers of real
three-dimensionality and others which are
figurative and projected by the spectator.
The way of building these images based
on other previous images is close to that
of Chillida’s “Gravitaciones”, in the sense
that my idea is to propose fragile balances
which contrast with the portrayed material,
characteristic of building (granite, marble,
stone, glass, etc.).
I should highlight that, during my residency,
I put on a joint exhibition at “La Galerie” in
the Cité de Paris titled “Zaman-Time” involving seven international residents of La Cité
International des Arts de Paris.
* Artists at the exhibition: Alaa Abdelhamid
Said Afifi, Qingmei Yao, Ana Riano, Amine
Oulmakki, Agathe Simone and Patrik Grijalvo Bento, curated by Natalia Rodriguez.

Bregenz (austria) - Bregenz (austria) - Bregenz (austria)

BilbaoArte

177

Eva Kees
Bregenz, 1982
www.evakees.com
mail@evakees.com

S

ail hau aurretik adierazitako 5 argazkiek osatzen dute, ikuspegi emozional
batean; hori adierazten saiatzen da.
Behaketa luzearen eta esperientzia pertsonalaren bidez, hainbat komunitate itaunduz,
ahozko eta berezko erantzunetan sortu ziren hitzak (hala nola hornitzea edo kexa
bat) zehazteak askotan betikoa izatea eta
inoiz ez erabiltzea ekartzen du. Normalean
gehiegikeria batek atsekabearen larritasuna
egoera baten tratamendu jakin batekin edo
kontrakoaren tratamenduarekin adierazten
du. Hala ere, egoera mental emozional baten adierazpena dago batik bat.
Labur esanda, adibide batekin ulertzeko:
“Inoiz ez nauzu entzuten!”.
“Beti zaude ni mintzen!”.
Hori dela eta, argazkietan oso lagunartekoak diren esaldiak ikus daitezke argazkietan,
behaketetatik hartutakoak, hala nola berriro
ia ikusi ezin diren esaldi laburrak. Ikuslearen
hurbiltzea gaiarekin erabat enpatizatzen
duenean gaiaz jabetzeko, askotan desatsegintzat edo haserregarritzat hartzen dena,
eta norbera hurbiltzen denean bakarrik,
edo lehen erreflexua behin gaindituta, beste modu batera ikusten dira ohiko aipamen
horietako bat irakurtzeko, eta une horretan
grabatzen dira hain zuzen testuinguru egokian, subjektua gezur isileko estetika klasikoari eusten dionean.

Eva Kees Vienan (Austria) bizi da eta han
bertan lan egiten du. 2003. urtetik 2004.
urtera moda-diseinua ikasi zuen ADM Düsseldorf zentroan, Alemanian. 2004tik 2008ra
argazkilaritza ikasi zuen Fotok Wien zen­
troan. 2007. urtean argazkilaritza analogikoa
ikasi zuen Fotok Wienen. 2012. urtetik 2015.
urtera artista egoiliar gisa aritu zen Vienan,
Land Vorarlbergen (Berlín) eta BilbaoArten
(Bilbo). Bestalde, urteko Hospiz arte saria irabazi zuen 2014. urtean. Lan hauek
erakutsi ditu: “Hearshaped/Superbonus”,
ImErsten-en (Viena), “Konsum”, Künstlerpassage Volksgarten-en (Viena), “Herr Ober
Bitte”, MAK-en (Wien) eta “Marseille Je t’aime”, Offspace zentroan (Lustenau).

Inner sense
90 x 120 cm
Argazkia
Fotografía

E

sta serie, previamente formada por
5 fotografías comunicadas desde un
mismo punto de vista emocional, es
un intento por ilustrar esto.
A través de la extensa observación y experiencia personal, y el interrogatorio de diferentes comunidades, la determinación de
los términos que resultaron en respuestas
verbales emocionales y espontáneas como
la provisión o una queja a menudo tienden a
reforzar que sea para siempre y nunca se utilice. Que normalmente una exageración está
representado la urgencia del desagrado con
un tratamiento concreto de una situación o
incluso el tratamiento de lo opuesto. Sin embargo, hay sobre todo una representación
de un estado mental emocional.
Simplificado para entenderlo con un ejemplo:
“¡Nunca me escuchas!”
“¡Siempre me estás hiriendo!”
Por eso en las fotografías pueden encontrarse frases muy familiares, de estos resultados de observaciones, como breves
frases apenas visibles otra vez. La aproximación del espectador para ser consciente
cuando empatiza totalmente con el tema,
que a menudo se percibe como desagradable o irritante, dirigido, y solo cuando uno
se acerca, o una vez superado el primer reflejo a menudo se ven de otra forma una de
estas clásicas citas para ser leídas y, es ahí
cuando, el sujeto se mantiene en una estética clásica de mentira silenciosa, se graban
en el contexto adecuado.
Eva Kees vive y trabaja en Viena, Austria.
Desde 2003 hasta 2004 estudia Diseño de
Moda en ADM Düsseldorf, Alemania. De
2004 a 2008 estudia fotografía en Fotok
Wien. En 2007 estudia fotografía analógica
en Fotok Wien. De 2012 a 2015 es artista
residente en Viena, Land Vorarlberg (Berlín)
and BilbaoArte (Bilbao). También gana el premio anual de arte Hospiz (2014). Ha expuesto “Hearshaped/Superbonus” en ImErsten
(Viena), “Konsum” en Künstlerpassage
Volksgarten (Viena), “Herr Ober Bitte” en
MAK (Wien) y “Marseille Je t’aime” en Offspace (Lustenau).

T

his series, previously consisted of 5
photographs with communicated by
an emotional point of view. This series
is an attempt to illustrate this.
Through long observation and personal experience, and questioning of different communities, the determination of the terms that
resulted in spontaneous emotional verbal
responses such as a provision or a complaint tend to reinforce often be forever and
never used. What usually an exaggeration
is representing the urgency of displeasure
with a particular handling a situation or even
the handling of the opposite. However, there
are mostly a representation of an emotional
state of mind.
Simplified to understand with an example:
“You never listen to me!“
“I’ll wronged by you always!”
Thus can be found in the photographs, very
familiar phrases, from these results of observations, as brief sentences barely visible
again. The focus of the viewer to become
aware once fully to match the subject, which
is often perceived as disgusting or irritating,
steered, and only when getting closer, or the
overcoming of the first reflex is often look the
other way, one of these classic quotations to
be read and thus the subject, which is deliberately kept in a classic silent lie aesthetics,
are recorded in the proper context.

Eva Kees lives and works in Vienna, Austria.
From 2003 to 2004 studies Fashion Design
in ADM Düsseldorf, Germany. From 2004 to
2008 studies photography in Fotok Wien.
In 2007 studies analogue photography in
Fotok Wien. From 2012 to 2015 is a resident artist in Vienna, Land Vorarlberg (Berlin)
and BilbaoArte (Bilbao). She also wins the
Hospiz anual art award 2014. She has exhibited “Hearshaped / Superbonus” in ImErsten (Wien), “Konsum” in Künstlerpassage
Volksgarten (Wien), “Herr Ober Bitte” in MAK
(Wien) and “Marseille Je t’aime” in Offspace
(Lustenau).

Leeds (Erresuma Batua) - Leeds (Reino Unido) - Leeds (United Kingdom)

BilbaoArte

179

Annie Nelson & Chris Woodward
Reino Unido, 1987
www.annienelson.co.uk / www.mrchriswoodward.com
artistyoke@gmail.com
Instagram/Twitter: @artistYoke

A

A

A

nnie Nelson eta Chris Woodward
2007. urtetik Leedsen egoiliar gisa aritu diren artistak izan dira. Duela gutxi
bidaia bat hasi dute Europa osotik autokarabanaz ekoizpen eta ikerketa lana egiteko.
Autokarabana hori, haien garraiobidea, etxea
eta lan egiteko tokia izango da. Errepidea
hartu dute artea nola lantzen den, artistak
nola existitzen diren eta nola kultura nomadek gaur egungo gizartean eragina duten aztertzeko. BilbaoArte Fundazioan egoiliar gisa
aritu direnean (2015eko abuztuan), pertsonak
babestuta dauden eta mugitzea debekatzen
zaien mugak eta forma fisikoa aztertu dituzte. Nola muga fisiko eta fisiologikoen ideiak
aurrerapena eragotzi dezakeen, eta finkatuta
dauden kultura-taldeen eta nomaden artean
tentsioak sor ditzakeen.

nnie Nelson y Chris Woodward han
sido artistas residentes en Leeds
desde 2007 y recientemente se han
embarcado en un viaje de producción e
investigación exploratoria por toda Europa
en una auto-caravana que actuará como
su medio de transporte, hogar y estudio.
Tomando la carretera para investigar cómo
se cultiva, se presenta el arte, cómo existen
los artistas y cómo las culturas nómadas
tienen un impacto en la sociedad de hoy
día. Durante su residencia en BilbaoArte
(agosto de 2015) han mirado los límites y
la forma física en que las personas están
contenidas, protegidas y se les prohíbe
moverse. Cómo la idea de los límites físicos y fisiológicos puede inhibir el progreso
y crear tensiones entre los grupos culturales asentados y nómadas.

nnie Nelson and Chris Woodward
have been Leeds based artists since
2007 and have recently embarked on
an exploratory research and production trip
across Europe in a self converted van that
will act as their transport, home and studio.
Taking to the road to research how art is
cultivated, presented, how artists exist, and
how nomadic cultures impact on today’s
society. During their residency at BilbaoArte (August 2015) they looked at boundaries
and the physical way people are contained,
protected and prohibited from moving. How
the idea of physical and psychological boundaries can inhibit progression and create
tensions between cultural groups both settled and nomadic.

Bi artistek Arte Ederrak ikasi zuten Leeds­
eko Unibertsitate Metropolitarrean 2007tik
2010era. Aro horretan, Woolgather arte-talde sortzen ere lagundu zuten. Unibertsitateko ikasketak burututa, Woolgather elkartea
garatu zuten John Slemensek artistarekin
batera. Funts publikoak darabiltzan arte-elkartea da, eta artistak sustatzen zituen
beste plataforma batzuen bidez, hala nola
autosalmenta-makinen bidez. Horri esker, Woolgather 2011 & 2012 Arte saria eta
Woolgather’s Art Vend saria irabazi zituzten.
Annie Nelsonek artisau-lan tradizionalak
ditu gustuko, eta gaur egun duten garrantzia
eta kultura iraunkorra izateko zer nolako ga­
rrantzia duten aztertu du. Annie Kordobara
(Espainia) joan zen 2013. urtean, eta han,
egoiliar gisa aritu zenean zura eta raku zeramika landu zituen. Erresuma Batuan urtebete ere eman zuen zurgintza eta ebanisteria
ikasten. Chris Woodwardek urtebete eman
zuen egoiliar gisa 2014. urtean Inc Work­
shop-en, Leedsen. Han, makinekin, teknologiarekin eta prozesu fisikoekin aritu zen
bere eskultura-lanarekin jarraitzeko. Artistek ideologia bera dute beren lanari buruz:
Fa­
brikatutako edo aurkitutako materialak
bilduz, prozesu fisikoak erabiliz materialak manipulatzeko, eskulturazko objektuak
sortzeko, eta espazioaren historiarekiko,
gure inguruarekiko eta harekin ditugun ha­
rremanekiko interesa. Artistak gisa harreman
estuagoa izanez lan egitea erabaki eta Artist
Yoke bikote artistikoa sortu zuten.

Ambos artistas estudiaron Bellas Artes en
la Universidad Metropolitana de Leeds de
2007 a 2010, época durante la cual ayudaron a crear el colectivo artístico Woolgather.
Tras sus estudios universitarios, junto con
el artista John Slemensek, desarrollaron
Woolgather, una organización artística con
fondos públicos que promovía artistas a
través de las plataformas alternativas como
las máquinas de autoventa. Esto les llevó a
ganar el Premio de Arte Woolgather 2011 &
2012 y el Woolgather’s Art Vend. Annie Nelson está interesada en las artesanías tradicionales, su relevancia a la práctica contemporánea y la importancia de ambas para la
sostenibilidad cultural. En 2013 Annie fue a
Córdoba, España, en una residencia donde
desarrolló habilidades en la cerámica raku
y la talla de madera. También pasó un año
en el Reino Unido estudiando carpintería
y ebanistería. En 2014 Chris Woodward
pasó un año como artista residente en Inc
Workshop, Leeds, donde experimentó con
máquinas, tecnología y procesos físicos
para continuar su trabajo escultórico. Los
artistas tiene ideologías comunes sobre su
trabajo: reapropiándose de materiales fabricados o encontrados, utilizando procesos
físicos para manipular materiales para crear
objetos escultóricos y un interés por la historia del espacio, nuestro entorno y nuestras
relaciones con esto. Decidieron colaborar
de forma más estrecha como artistas y formaron el dúo artístico Artist Yoke.

Both artists studied Fine Art at Leeds Metropolitan University 2007-2010 during which
time they helped form the art collective
Woolgather. Post University, alongside artist
John Slemensek, they developed Woolgather into a publicly funded arts organisation that promoted artists through alternative
platforms such as vending machines. This
resulted in The Woolgather Art Prize 2011 &
2012 and Woolgather’s Art Vend.
Annie Nelson has an interest in traditional
crafts, its relevance to contemporary practice and the importance of both for cultural sustainability. In 2013 Annie went to
Cordoba, Spain on a residency where she
developed skills in raku ceramics and wood
carving. She also spent a year in the UK studying carpentry and joinery.
In 2014 Chris Woodward spent a year as a
resident artist at Inc Workshop, Leeds where he experimented with machines, technology and physical processes to forward his
sculptural work. The artists have found common ideologies in their work: in re appropriating manufactured or found materials, using
physical processes to manipulate materials
to create sculptural objects and an interest
in the history of space, our surroundings and
our relationships with this. They decided to
collaborate more closely as artists and have
formed the duo Artist Yoke.
No Sleeping
80 x 100 cm
Eskultura, egurra
Escultura, madera

Leeds (Erresuma Batua) - Leeds (Reino Unido) - Leeds (United Kingdom)

BilbaoArte

181

MawatreS
Juan Pablo Ordúñez
Madrid, 1986
mawatres.com
mawatres@hotmail.com

T

T

I

he Clash taldeak 1979. urtean argitaratu zuen Lodon Calling bilduma, eta
horretan, DEATH or GLORY jasotzen
da. DEATH or GLORY monumentalari erreferentzia egiten dion guztiaren mugak direla
iruditzen zaigu. Proiektu hau pizteko abesti
horretan oinarritzen zen. Xede zehatzik izan
gabe handitzen joaten den artxibo batetik
abiatzen da proiektua. Lan eta marrazkiak
egitean erabiltzen dituen materialak zehaztasuna eta zementua dira. Marrazkiak gizarte-jarduerak testuingurua aldatzeko oinarritzen den ekitaldi eta gertaeretara mugatzen
den artxibotik abiatzen dira. Testuinguru hau
garatzeko testuinguru egokia Leeds izan da,
Erresuma Batuan...just another story!

he Clash publican en el año 1979 el
álbum London Calling, donde se incluye DEATH or GLORY. DEATH or
GLORY nos parece que son los límites de
todo lo que hace referencia a lo monumental, pero es el título de una canción. Canción que sirven de motor para activar este
proyecto. Proyecto que parte de un archivo
que se va ampliando sin un fin concreto.
Concreto y cemento son el material con el
que se decide trabajar y con el que hacer
dibujos. Dibujos que parten del archivo centrado en eventos y sucesos en los que la
actividad social se centra en cambiar el contexto. Contexto apropiado para desarrollar
este proyecto ha sido Leeds en UK... just
another story!

n 1979 the Clash published their album
titled London Calling, which includes
DEATH or GLORY. DEATH or GLORY
appears to us to be the limits of everything
monumental, but it is the title of a song, a
song which serves as the driving force to
activate this project. The project forms part
of an archive which is growing without any
particular purpose. Concrete and cement
are the materials which have been chosen to
work with and to make the drawings, drawings which are based on the archive, focusing on events and incidents in which the
social activity concentrates on changing the
context. The context suitable for developing
this project has been Leeds in the UK...but
that’s another story!

Juan Pablo Ordúñez / MawatreS Arte
Ederretan lizentziatu zen Euskal Herriko
Unibertsitatean. Esku-hartze Artistikoak
Deustuko Zubian proiektua kudeatzen du
2011. urtean sortu zenetik.   Bakarka egindako lanak zentro hauetan egon dira ikusgai: Gasteizko Montehermoso Kulturunean
(“Residuos como yo”, 2009), Beijingo (Txina)
MA Studio zentroan (“No como picante”,
2011), BilbaoArte Fundazioan (“Hasta la
bandera”, 2014), Sicart Galerian (“Polvo y
Barro”, 2014) eta Leedseko (Erresuma Batua) East St Arts zentroan (Death Or Glory,
2015). Beste batzuekin egindako lanak
zentro hauetan egon dira: Leongo MUSAC,
Bilboko Guggenheim Museoa, Bartzelonako
Arts Santa Monica zentroa, Acvic (Vic-en)
edo INMERSIONES Gasteizen.

Juan Pablo Ordúñez / MawatreS es licenciado en Bellas Artes por la Universidad del
Páis Vasco. Gestiona el proyecto de Intervenciones Artísticas en el Puente de Deusto
desde su comienzo en el 2011. De manera
individual su trabajo ha podido verse en CC.
Montehermoso de Vitoria (residuos como
yo, 2009), MA Studio de Beijing, China (No
como picante, 2011), Fundación BilbaoArte
(Hasta la bandera, 2014), Galería Sicart (Polvo y Barro, 2014) y East St Arts de Leeds,
UK (Death Or Glory, 2015). De manera colectiva ha participado en MUSAC de León,
Museo Guggenheim de Bilbao, Arts Santa
Mónica en Barcelona, Acvic en Vic ó INMERSIONES en Vitoria, entre otros.

Juan Pablo Ordúñez / MawatreS has
a Bachelor’s Degree in Fine Arts from the
University of the Basque Country. He has
managed the Artistic Interventions project
on the Deusto Bridge since it began in 2011.
Individually, his work has been seen at the
Montehermoso Cultural Centre in Vitoria
(“Residuos como yo”, 2009), the MA Studio in Beijing, China (“No como picante”,
2011), the Bilbao Arte Foundation (“Hasta
la bandera, 2014), the Sicart Gallery (“Polvo
y Barro”, 2014) and East St Arts in Leeds,
UK (“Death or Glory”, 2015). He has taken
part in collective exhibitions at the MUSAC
in León, the Guggenheim Museum in Bilbao,
Arts Santa Mónica in Barcelona, Acvic in Vic
and INMERSIONES in Vitoria, among others.

DEATH or GLORY
2800 x 160 cm
Interbentzioa. 500 A4 orri
Intervención. 500 folios A4

Leeds (Erresuma Batua) - Leeds (Reino Unido) - Leeds (United Kingdom)

BilbaoArte

183

Rosa Parma
Barakaldo, 1979
www.rosaparma.com
rosaparma@rosaparma.com

M

E

D

arrazketa, serigrafia, kamiseta, argazkia, fotokopia, fanzinea.
2013. eta 2014. urteetan “Chicas
Enojadas” eta “RRR” proiektuak egin zituen.
Bietan emakumeen irudien azterketa per­
tsonala egiten du, askotan, artistak erakutsi
nahi izan duen energia inkonformista igor­
tzen dutelako. Hasierako erreferentzia Riot
Grrrls mugimendua da. Punk filosofiatik
hartutako jokaera feminista aldarrikatzen eta
sustatzen dutena, DIY delakoa, emakumeez
bakarrik osatutako musika-banda guztiak,
emakumeentzat bakarrik diren musikajaialdi esklusiboak, bilera-taldeak eta argitalpen independente feministak antolatzeko
azpikultura-forma bat dena.
“Chicas Enojadas” eta “RRR” proiektuak
marrazkien bidez garatu ziren, eta horietako
batzuk, elastikoetan jaso dira. Beste batzuei,
gorputzetan eta hurbil dauden eremuetan
egin zaie argazkia. Argazki- eta fotokopiatutako marrazki-sorta bat erabiliz fanzineak
sortu ziren:  RIOT FLESH eta RRR.
East Street Arts proiektuan, metodologia
berarekin jarraituz, ikerketa laburra egin du
Dora Marsfenen irudiaren inguruan, irakurketen eta marrazkien bidez. Horiekin batera,
Leedsen egon nintzen bitartean egindako
zenbait argazki ere badaude.
Dora Marsden (1882 - 1960 Yorkshire, UK)
idazle anarkoindibidualista eta feminista
izan zen. Zenbait literatura-egunkariren editorea ere izan zen, eta hainbat idazki filosofikoren egilea.
Ikerketa hau 2015. urtean hasi zen, Sabadelleko La NauEstruch-en egoiliar gisa aritu
nintzen bitartean. Han, emakumeentzako
eskubideak aldarrikatzen dituzten emakume-taldeekiko interesa izaten hasi nintzen,
horien artean, “Guerrilla Girls” eta Ingalaterrako mugimendu sufragista.
Urte horretan zehar egindako lanaren aukera
bat eginda, JANE WARTON izeneko hirugarren fanzinea sortu dut.

l dibujo, la serigrafía, la camiseta, la
fotografía, la fotocopia, el fanzine.
Durante 2013 y 2014 realizó los proyectos Chicas Enojadas y RRR. Ambos
elaboran un análisis personal de imágenes
de mujeres que, a menudo, transmiten
una energía inconformista que la artista ha
querido retratar. La referencia inicial es el
movimiento Riot Grrrls, quienes proclaman
y fomentan una manera de actuar feminista tomada de la filosofía punk, el llamado
DIY, una forma de subcultura para organizar a todas las bandas musicales integradas sólo por mujeres, festivales musicales
exclusivos o especializados para mujeres,
grupos de reunión y publicaciones independientes feministas.
Chicas Enojadas y RRR se desarrollaron
mediante el dibujo, algunos son trasladados a camisetas y fotografíados en cuerpos
y espacios cercanos y disidentes. Una selección de fotografías y dibujos fotocopiadas dieron lugar lugar a los fanzines: RIOT
FLESH y RRR.
En East Street Arts, continuando con la misma
metodología, he realizado una breve investigación en torno a la figura de Dora Marsden,
a través de lecturas y dibujos acompañados
de registros fotográficos de mi propia experiencia durante la estancia en Leeds.
Dora Marsden (1882-1960 Yorkshire, UK)
fue una escritora anarcoindividualista y feminista, editora de algunos periódicos literarios y autora de escritos filosóficos.
Esta investigación se inicia en 2015 durante
una residencia en La NauEstruch de Sabadell donde empecé a interesarme por colectivos de mujeres que reivindican diferentes
derechos para mujeres, entre ellas las Guerrilla Girls y el movimiento sufragista inglés.
Articulando una selección del trabajo realizado a lo largo de este año he creado un
tercer fanzine titulado JANE WARTON.

rawing, screen printing, the T-shirt,
photography, the photocopy, the
fanzine.
In 2013 and 2014 she performed the “Chicas Enojadas” (Angry Girls) and “RRR”
projects, both of them personal analyses
of images of women, which often convey
a non-conformist energy that the artist attempts to portray. The initial reference is
the Riot Grrrls movement, which proclaims
and promotes a feminist form of action taken from the punk philosophy, the so-called
DIY, a form of subculture to bring together all
all-female groups, exclusive and specialized
music festivals for women, meeting groups
and independent feminist publications.
Chicas Enojadas and RRR were developed
by means of drawings, some of them transferred to T-shirts and photographed onto
bodies and near and dissident spaces. A
selection of photocopied photographs and
drawings resulted in the fanzines titled RIOT
FLESH and RRR.
At East Street Arts, continuing with the same
methodology, I conducted brief research
work into the figure of Dora Marsden, by
means of readings and drawings accompanied by photographic records of my own
experience during my stay in Leeds.
Dora Marsden (1882-1960, Yorkshire, UK)
was an anarcho-individualist and feminist
writer, the editor of some literary journals
and the author of philosophical texts.
This research began in 2015 during a residency at La NauEstruch in Sabadell, where
I became interested in women’s collectives
who claim different rights for women, including the Guerrilla Girls and the English suffragette movement.
By putting together a selection of the work
I have done this year I have created a third
fanzine titled JANE WARTON.

Rosa Parma Bilbon bizi da eta han bertan lan
egiten du. Marrazki horietako batzuk marrazten ditu, eta elastikotara eramaten ditu serigrafiaren bidez. Bere tresna edo esparruak
autoedizioa, feminismoa, punka eta ezegonkorra dena dira. 2013. urtetik “PUERTA”
proiektuan lan egiten du lanaldi partzialean.

Rosa Parma vive y trabaja en Bilbao. Ella
dibuja y algunos de estos dibujos los traslada a camisetas a través de la serigrafía. Sus
herramientas-ámbitos son la auto-edición,
el feminismo, lo punk, de entre sus manos
lo precario. Desde 2013 trabaja a tiempo
parcial en “PUERTA”.

Rosa Parma lives and works in Bilbao. She
transfers some of the drawings she does
to T-shirts by means of screen printing. Her
tools-fields are self-publishing, feminism,
punk, what is precarious in her hands. Since
2013 she has worked part-time at PUERTA.

Córdoba (Fundación Viana - Cajasur)

BilbaoArte

185

Gonzalo Rodríguez
Córdoba, 1984
gonzbelmez@hotmail.com

P

l proyecto plantea paralelismos entre
los procesos de transformación naturales y los que provoca el artista en la
propia creación plástica. A partir de la observación directa sobre superficies desgastadas o empobrecidas por la erosión nace el
interés por ensalzar la riqueza estructural de
ciertos enclaves emocionales o cargados de
historia y simbología. Es la traslación analítica del espacio la que permite desarrollar
un proceso plástico donde el leitmotiv es la
constante modificación de las formas y en el
que el error aparece, no como un perjuicio
o un contratiempo, sino más bien como una
válida y conveniente herramienta de trabajo.
La extensa variedad de embarcaderos a lo
largo de la ría de Nervión invita a profundizar
en estos armazones como hitos fragmentados y desligados de su función pasada, una
fragmentación traducible en composiciones
seriadas como el políptico, que con su red
modular permite conjugar los innumerables
estados de estos esqueletos de hormigón.

E

he project raises parallels between
natural transformation processes and
those provoked by the artist in his
artistic creation. Based on the direct observation of surfaces worn or impoverished
due to erosion, his interest lies in extolling
the structural richness of certain emotional enclaves and others loaded with history
and symbolism. It is the analytical translation of space which allows him to develop a
plastic process whereby the leitmotiv is the
constant modification of forms in which an
error appears not to cause damage or be a
setback but is, rather, a valid and desirable
business tool.
The wide variety of piers along the Nervión
Estuary invites us to study these frames as
fragmented landmarks detached from their
past function, a fragmentation translatable
into serial compositions like the polyptych,
whose modular network allows it to combine the countless states of these concrete
skeletons.

Gonzalo Rodríguez Arte Ederretan lizentziatu zen Sevillako Unibertsitatean. Ikasketekin jarraitzeko unibertsitate bereko masterra
egin zuen, Erresuma Batuko Winchester
School of Art zentroan grabaketako espezializazioa ikasi ondoren. Zenbait erakunderen
beka jaso du, hala nola Rodríguez-Acosta
Fundazioarena, Centre d´Art Contemporani
La Rectoría zentroarena, Uncastillo Fundazioarena, San Quirceko Historiaren eta Artearen Errege Akademiarena, Royal Bath &
West of England Society elkartearena edo
Viana Fundazioarena. Bere lanak Cuscoko
(Peru) Arte Garaikideko Museoaren bildumetan, Ramon Areces Fundazioan eta Tres
Culturas del Medioterraneo Fundazioan
daude ikusgai; baita galeria hauetan ere: Jovan Popovic (Serbia) eta Rowley Contemporary Art Gallery (Erresuma Batua).

Gonzalo Rodríguez es Licenciado en Bellas
Artes por la Universidad de Sevilla. Continúa
sus estudios en el Máster de la misma universidad tras haber cursado la especialidad
de grabado en la Winchester School of Art
(Reino Unido). Ha sido becado por diferentes instituciones como la Fundación Rodríguez-Acosta, el Centre d´Art Contemporani
La Rectoría, la Fundación Uncastillo, la Real
Academia de Historia y Arte de San Quirce,
la Royal Bath & West of England Society o
la Fundación Viana. Su obra está presente
en las colecciones del Museo de Arte Contemporáneo de Cusco (Perú), la Fundación
Ramón Areces y la Fundación Tres Culturas
del Mediterráneo, o en galerías como Jovan
Popovic (Serbia) y Rowley Contemporary Art
Gallery (Reino Unido).

Gonzalo Rodríguez is a Graduate in Fine
Arts by the University of Seville. He is continuing his studies in the Master’s Degree at
the same university after studying the speciality of engraving at the Winchester School
of Art (United Kingdom). He has received
scholarships from different institutions such
as the Rodríguez-Acosta Foundation, the
Centre d´Art Contemporani La Rectoría, the
Uncastillo Foundation, the Royal Academy
of History and Art of San Quirce, the Royal Bath & West of England Society and the
Viana Foundation. His work is present in the
collections of the Museum of Contemporary Art of Cusco (Perú), the Ramón Areces
Foundation and the Tres Culturas del Mediterráneo Foundation and at galleries like
the Jovan Popovic (Serbia) and the Rowley
Contemporary Art Gallery (United Kingdom).

roiektuak paralelismoak egiten ditu
aldaketa-prozesu naturalen eta artistak sorkuntza plastikoarekin. Higaduraren eraginarengatik hondatuta edo kaltetuta dauden gainazalen gaineko zuzeneko
behaketatik abiatuz, leku emozional edo
historiaz eta sinbologiaz kargatuta dauden
zenbait lekuren egiturazko aberastasuna nabarmentzeko interesa sortu zen. Espazioaren lekualdatze analitikoa da prozesu plastiko bat garatzeko aukera ematen duena, non
leitmotiv formen etengabeko aldaketa baita,
eta errorea, kalte edo ezbehar bat gisa agertu ordez, baliozkoa eta komenigarria den
lan-tresna bat gisa agertzen da.
Ibaizabal itsasadarrean zehar dauden askotariko kaiek armazoi horiek zatituta dauden
eta lehen zuten funtzioa galdu duten gertaera gisa sakontzea eskatzen du. Zatiketa
hori, sailetan dauden konposizioetan egin
daiteke, hala nola poliptikoetan, moduluzko
sareari esker, hormigoizko eskeleto horiek
hainbat egoera konbinatzeko aukera ematen duelako.

De la serie “Lo que calla la buhardilla”
50 x 50 cm/u
Olioa taula gainean
Óleo sobre tabla

T

Córdoba (Fundación Viana - Cajasur)

BilbaoArte

187

Sheila Rodríguez
Málaga, 1991
sheilarodriguez576.blogspot.com.es
sheilarodriguez576@gmail.com

atailaren ondorengo paisaiak sail
piktorikoa da, espresionista, eta gaur
egun utzita edo hondatuta ikus di­
tzakegun lekuak adierazten ditut. Kezkatzen
nauen gaur egungo gizarte-egoera baten
irudi metaforikoak dira. Ikusleari zalantza eta
hutsune existentziala igortzen dizkiote.
Hori egiteko, Bilbon aurkitutako eremu horien argazkiak erabili ditut, prozedura motel
eta konstante baten bidez oihalera eramateko. Sail honen pinturak tonu murriztuetan
landuta daude, ukipen eta argi kalitatea bilatzeko asmoarekin beti.
Hondatzearen kontzeptua ere badago
prozesu artistikoan. Irudia etengabe sortzen
da, pintura geruza batetik bestera, edo oihala agerian utzi arte kenduz. Figurazioa
eta abstrakzioa nahasten dira, bata bestean
urtu arte, dena barne hartzen duen atmos­
fera baten barruan, argia eta iluntasuna, indarra eta ahultasuna, ikusgaia eta ikusezina,
erreala eta irreala, kaosa eta ordena konbinatuz. Aurkariek ez diote elkarri aurka egiten, osatzen dira.

aisajes después de la batalla es
una serie pictórica, de inspiración
expresionista, donde represento
lugares abandonados y destruidos que
podemos encontrar en la actualidad. Son
imágenes metafóricas de una situación social contemporánea que me inquieta y que
transmiten al espectador una cierta incertidumbre y vacío existencial.
Para su elaboración he partido de fotografías de estos espacios encontrados en Bilbao para trasladarlas a la tela a través de
un procedimiento lento y constante. Las
pinturas de esta serie están trabajadas en
tonalidades reducidas, buscando en todo
momento una calidad táctil y lumínica.
El concepto de destrucción también está
presente en el proceso artístico. La imagen
se va construyendo en todo instante, capa
sobre capa de pintura o arrancándolas hasta dejar la tela al descubierto. Figuración
y abstracción se mezclan hasta fundirse
la una en la otra dentro de una atmósfera
que lo envuelve todo; una combinación de
luz y oscuridad, fuerza y debilidad, visibleinvisible, real e irreal, caos y orden, donde
los contrarios no se oponen entre sí, sino
que se complementan.

B

P

Sheila Rodríguez Arte Ederretan lizentziatu
zen Malagako Unibertsitatean Séneca bekarekin Salamancako Unibertsitatetik igarota.
2014. urtean Arte eta Sorkuntza Ikerketako
master ofiziala amaitu zuen Madrilgo Uniber­
tsitate Konplutentsean.
Parte hartu duen erakusketa kolektiboan artean hauek nabarmentzen dira: “Saque de
puerta” (Centro de Arte Complutense zen­
troa, Madril, 2014); “Artista en cons­trucción”
(Matadero, Madril, 2014) eta “I Jornadas
de Arte Joven en CyL” (Da2, Salamanca,
2015). Lehen saria irabazi zuen VIII. Premio
Pintura UMA lehiaketan (Muralla del Rectorako erakusketa-aretoa, Malaga, 2014).
Bere lanak Malagako Unibertsitateko bilduman ere daude ikusgai.

Sheila Rodríguez es Licenciada en Bellas
Artes por la Universidad de Málaga, tras su
paso por la Universidad de Salamanca con
la Beca Séneca. En el año 2014 finaliza los
estudios de Máster oficial de Investigación
en Arte y Creación en la Universidad Complutense de Madrid.
Entre las exposiciones colectivas en las que
ha participado destacan “Saque de puerta” (Centro de Arte Complutense, Madrid,
2014); “Artista en construcción” (Matadero,
Madrid, 2014) y “I Jornadas de Arte Joven
en CyL” (Da2, Salamanca, 2015). Ganadora
del Primer premio VIII Premio Pintura UMA
(Sala de Exposiciones la Muralla del Rectorado, Málaga, 2014). Con obra en la colección de la Universidad de Málaga.

Sheila Rodríguez is a Graduate in Fine Arts
by the University of Málaga after studying at
the University of Salamanca with the Séneca Scholarship. In 2014 she completed her
official Master’s Degrees studies in Research
into Art and Creation at the Complutense
University in Madrid.
The group exhibitions she has taken part in
include “Saque de puerta” (Complutense Art
Centre, Madrid, 2014), “Artista en construcción” (Matadero, Madrid, 2014) and “1st
Young Art Seminar at the CyL” (Da2, Salamanca, 2015). She won first prize at the 8th
UMA Painting Awards (La Muralla del Rectorado Exhibition Hall, Málaga, 2014). Her
work can be found in the collection of the
University of Málaga.

Sin título, de la serie Paisajes después de la batalla
40 x 30 cm
Akrilikoa ehun gainean.
Acrílico sobre tela.

Landscapes after the battle” is a pictorial series with expressionist inspiration
in which I represent the abandoned
and destroyed places we can currently find.
They are metaphorical images of a contemporary social situation which troubles me
and which transmit to the spectator a certain uncertainty and existential vacuum.
To compile it I have used photographs of
these areas located in Bilbao and transferred them to the canvas by means of a
slow and constant process. The paintings in this series are created in reduced
shades, constantly seeking a tactile and
luminous quality.
The concept of destruction is also present
in the artistic process. The image is built
up at every moment, with layer upon layer
of paint, or pulled apart to leave the fabric
bare. Figuration and abstraction are mixed
until they merge into each other in an atmosphere which envelops everything: a combination of light and darkness, strength and
weakness, the visible and invisible, the real
and unreal, chaos and order, where opposites do not oppose each other but instead
are complementary.

Erakusketak 2015
Exposiciones 2015
Exhibitions 2015

BilbaoArte

191

LÍMBICA
opn studio
20/03/2015 - 24/04/2015

Ballesteros eta Montañesek teknologia
erabiltzen dute gizakiari buruz hitz egiteko
eta publikoarengan emozioak sortzeko.
Beraiena arte interaktiboa da, eta ikuslea
beti dago lanaren barruan, zentzua ematen
dio. Horrela, eskulturak bakarrik aktibatzen
dira sentsoreek gizaki bat dagoela nabaritzen dutenean.

Ballesteros y Montañés utilizan la tecnología para hablar del ser humano y suscitar
emociones en el público. El suyo es un arte
interactivo en el que el espectador forma
siempre parte de la obra y le da sentido,
hasta el punto de que las esculturas sólo
se activan cuando sus sensores advierten
la presencia humana.

Ballesteros and Montañés use technology to refer to human beings and to arouse
emotions among their audience. Theirs is an
interactive kind of art in which the spectator
always forms part of the work and gives it
meaning, to the extent that the sculptures
are only activated when their sensors notice
human presence.

Límbica” denboran zehar gertatzen
diren zenbait esperientzia subjektibo
adierazten dituzten eskultura mekaniko
eta robotikoez osatutako zirkuitu emozionaltzat hartzen da. Besteak beste indibidualismoa, isolamendua eta gizabanakoaren
ikuskera (izaki sozial gisa) jorratzen dira,
gaur egungo garaian hain ohikoa den hizkuntza teknologikoaren bidez.

Límbica” se concibe como un circuito
emocional compuesto por esculturas
mecánicas y robóticas que aluden a
diversas experiencias subjetivas que se suceden a lo largo del tiempo, tratando temas
como el individualismo, el aislamiento y la
concepción del individuo como ser social, a
través del lenguaje tecnológico, tan presente en la época actual.

Límbica” is conceived as an emotional circuit made up of mechanical
and robotic sculptures which allude to
different subjective experiences occurring
over time, addressing issues such as individualism, isolation and the concept of the
individual as a social being by means of
technological language, very present in the
current age.

BilbaoArte

193

THIS IS THE END OF THE WORLD AS YOU KNOW IT
Kepa Garraza
08/05/2015 - 29/05/2015

E

a exposición ofrece un relato visual
que comienza con una guerra entre
EE UU y Corea del Norte, sigue por la
completa desestabilización de España donde estallan revueltas muy violentas, continúa
con la llegada al poder de Amanecer Dorado en Grecia y terminan con el hipotético
secuestro de la actual directora del FMI.

L

he exhibition provides a visual account
which begins with a war between the
United States and North Korea, goes
on with the complete destabilization of
Spain, where extremely violent riots break
out, continues with the coming to power of
Golden Dawn in Greece and ends with the
hypothetical kidnapping of the current head
of the IMF.

“This is the end of the world as you know
it” erakusketan telebista-kate edo prentsa-goiburu nagusien irudiak berregiten dituzten zenbait kazetaritza-lan agertzen dira. Gainerako lanetan bezala, xehetasun guztiekin
egindako tenperak dira. Egunkarietako benetako lehen orrialdeak dirudite, hala nola titulu
hauekin: `Christine Lagarderen gorpua aurkitu
dute Londresen kanpoaldean´ edo `Orgazeko
Kondearen hileta basatiki eraso dute´.

“This is the end of the world as you know
it” incluye varias obras periodísticas que
reproducen imágenes de las principales cadenas de TV o cabeceras de prensa. Son
témperas realizadas, al igual que el resto de
las obras, con tanto detalle, que parecen
portadas reales de periódicos con titulares
como `Hallan el cadáver de Christine Lagarde a las afueras de Londres´ o `El entierro
del Conde de Orgaz salvajemente agredido´.

“This is the end of the world as you know
it” includes several journalistic works which
reproduce images of the main TV channels
and newspaper headlines. They are temperas painted, like the rest of the works, with
great detail, looking like real front pages of
newspapers with headlines like “The body
of Christine Lagarde found on the outskirts
of London” and “The Burial of the Count of
Orgaz savagely attacked”.

rakusketak kontaketa bisual bat ematen du. Horrela, hasieran, AEBren eta
Ipar Korearen arteko gerra ikusten
da. Ondoren, Espainiaren ezegonkortzea
agertzen da, indarkeria handiko matxinadekin. Gero, Grezian Urrezko Egunsentia
alderdia boterera heldu zeneko garaia, eta
azkenik, FMIren gaur egungo zuzendariaren
balizko bahiketa ikusten da.

T

BilbaoArte

195

“FOODLÂNDIA”
Rut Briones & Raquel Durán
05/06/2015 - 26/06/2015

Erakusketan bost eremu daude, eta horietako bakoitzak elikadura-katearen faseak
adierazten ditu: ekoizpena-hondakina, banaketa, kontsumoa, gosea eta komunikazioa.
Segmentu bakoitza ikus-entzunezko estilo
baten arabera eginda dago. Horrela, proiektuak ikus-entzunezko lengoaiaren tresnak
erabiltzen ditu, hala nola stop motion, zinemaren narratiba, bideo artea edo dantza.

La muestra se divide en cinco espacios que
representan cada uno de los estadios de la
cadena de alimentación: producción-desperdicio, distribución, consumo, hambre y
comunicación. Cada segmento está producido de acuerdo a un estilo audiovisual y el
proyecto utiliza así diferentes herramientas
del lenguaje audiovisual como el stop motion, la narrativa cinematográfica, el vídeo
arte o la danza.

The exhibition is divided into five sections
which represent each of the stages of the
food chain: production-waste, distribution,
consumption, hunger and communication.
Each segment is produced in accordance
with an audiovisual style and the project thus
uses different tools of audiovisual language
like stop motion, cinematographic narrative,
video art and dance.

Foodlândia” erakusketaren arreta nagusia gure elkarrizketa-tresnarik eraginkorrenetako batean dago: ikus-entzunezko irudian alegia. Proiektuak estudioaren
kutxa beltza erabiltzen du segmentu bakoitza komunikazio-eredu batera egokitzeko. Ikus-entzunezko irudiaren bidez, inoiz
baino denbora gutxiago izan arren, aurreko
edozein une historikotan baino mezu gehiago jaso eta egiten dituen gizarte baten paradoxak aztertzen ditu.

Foodlândia” centra la mirada en una
de nuestras herramientas de conversación más potentes: la imagen audiovisual. El proyecto utiliza la caja negra del
estudio para modelar cada segmento a un
modelo de comunicación. A través de la
imagen audiovisual explora las paradojas de
una sociedad con menos tiempo que nunca
y que, a pesar de ello, recibe y produce más
mensajes que en cualquier momento histórico anterior.

Foodlândia” focuses its gaze on one of
our most powerful conversation tools:
the audiovisual image. The project uses
the black box of the studio to mould each
segment into a model of communication. By
means of the audiovisual image it explores
the paradoxes of a society with less time
than ever and which, nevertheless, receives
and produces more messages than at any
previous historical time.

BilbaoArte

197

WORK SPACES
Íñigo Garatu
03/07/2015 - 24/07/2015

Iñigo Garatuk industria- eta gizarte-errealitate honen zatiak jaso ditu bere kamerarekin, helburu batekin. Erakusketan Arratiako
haraneko eta Ibaizabalen ezkerraldeko fabrikak ere ikusgai egon ziren.

Iñigo Garatu ha captado con su cámara
fragmentos de esta realidad industrial y social con un objetivo. En la muestra se pudieron ver también fábricas del Valle de Arratia,
del Duranguesado y de la Margen Izquierda
del Nervión.

With his camera Iñigo Garatu has captured fragments of this industrial and social
reality with an aim. Factories from the Arratia Valley, the Duranguesado and the Left
Bank of the Nervión river can also be seen
in the exhibition.

Su trabajo persigue “dejar patente el rastro
social de la lucha obrera en estos tiempos
de crisis” con fotografías como “Indignados”
o “Edesa no se rinde”.

His work seeks to “demonstrate the social
legacy of the working-class struggle in these
times of crisis” with photographs like “Indignados” and “Edesa no se rinde”.

Eremu hauen erretratua egiten dut
oroimenean gorde daitezen, gure historiako dokumentu bat gisa, horietako
asko ixten, aldatzen edo desagertzen ari
direlako”.

Bere lanaren helburua da “langileek krisi-garai hauetan egindako borroka agerian
uztea”, hala nola “Indignados” edo “The factory” argazkiekin.

Retrato estos espacios para que pasen
a formar parte de la memoria, como un
documento de nuestra historia porque
muchos de ellos se están cerrando, transformando o derribando”.

I portray these places so that they go
on to form part of our memory, like a
document of our history, because many
of them are being closed, transformed and
knocked down”.

BilbaoArte

199

SURFACES
Marie Sommer
04/09/2015 - 25/09/2015

“Surfaces” erakusketak Marie Sommeren
bidaia sortzaile hau erakusten du. Oroimena
eta denbora aztertzen ditu, eta horretarako,
bere begirada artistikoaren aurrean bizitza
hartzen duten diruditen harriei eta haitzei
erreparatzen die. Irudi batzuk naturatik bertatik hartu ditu, eta beste batzuk museoetatik, hala nola Madrilgo Museo Geominerotik.
“Pieza guztietan agertzeak eta desagertzeak
adierazten dira. Grabatuak lana desitxuratzen joaten den teknika batekin egin dira”.

“Surfaces” ofrece este viaje creativo de
Marie Sommer que indaga en la memoria y
en el tiempo a través de rocas y piedras que
parecen cobrar vida bajo su mirada artística.
Algunas imágenes están captadas en la propia naturaleza y otras proceden de museos
como el Geominero de Madrid. “Todas las
piezas hablan de aparición y desaparición.
Incluso en los grabados, realizados con una
técnica que va desdibujando la obra”.

“Surfaces” reflects this creative journey by
Marie Sommer, which explores memory and time by means of rocks and stones
which seem to come alive under her artistic
gaze. Some images are captured in nature
itself and others come from museums such
as the Geominero in Madrid. “All the pieces
speak of appearance and disappearance,
even the prints, made with a technique
which blurs the outlines of the work”.

Anamnèse” proiektuaren lehen zatia da
“Surfaces” eta oroimenari egiten dio
erreferentzia. Artistak bi urte daramatza
horretan lanean. Marie Sommerek harrien
irtenguneei eta denboran eta oroimenaren
izan dute gauzatzeei erreparatu die Espainiako lurraldea aztertzeko. Bere lanaren
emaitza Bilbao Arteren erakusketa honetan
bilduko argazkietan, grabatuetan eta instalazioetan erakusten da.

Surfaces” es la primera parte del proyecto “Anamnèse”, que hace referencia
a la memoria y en el que la artista lleva
trabajando dos años. Marie Sommer ha explorado el territorio español a través de los
diferentes afloramientos rocosos y su materialización en el tiempo y la memoria. El resultado de su trabajo se muestra en las fotografías, grabados e instalaciones de vídeo
reunidas en esta exposición de Bilbao Arte.

Surfaces” is the first part of the “Anamnèse” project referring to memory,
which the artist has been working on for
two years. Marie Sommer has explored the
Spanish territory by means of the different
rocky outcrops and their realization in time
and memory. The results of her work are
displayed in the collection of photographs,
prints and video installations at this Bilbao
Arte exhibition.

BilbaoArte

201

MATRIZ
Iago Rey de la Fuente
02/10/2015 - 23/10/2015

Zura, burdina, igeltsua eta hormigoia dira
bere eskulturetan erabilitako materialak.
Prozesu sortzailean artistak oso kontuan
hartu ditu korapiloaren eta tolesturaren
kontzeptuak. Korapiloa kontzeptu orokor
gisa agertzen da, sortze-prozesuari ekiteko modu gisa. Tolestura, irudia eraikuntza
gisa ulertzeko moduan bultzatzen dute.
Irudi horiek, tolestuta eta berriro tolestuta
dauden piezak dira, fotokopiagailu bat behin berriz erabiliz, jatorrizko irudia zenbait
paneletan ikusten diren beste irudi bitxi
batzuk bihurtu arte.

Madera, hierro, escayola y hormigón son los
materiales que ha utilizado en sus piezas escultóricas. Durante el proceso creativo el artista ha tenido muy presente los conceptos
de nudo y pliegue. El nudo aparece como
concepto general, como modo de abordar
el proceso de creación y el pliegue, se ve
impulsado en su manera de comprender el
territorio de la imagen como construcción.
Dichas imágenes son piezas plegadas y replegadas utilizando una fotocopiadora una y
otra vez hasta convertir la imagen original en
otras ciertamente curiosas que se muestran
sobre varios paneles.

Wood, iron, plaster and concrete are the
materials he has used in his sculptures. Du­
ring the creative process the artist has been
very aware of the concepts of knotting and
folding. The knot appears as a general concept, as a way of addressing the process
of creation, while the folding is promoted in
his way of understanding the territory of the
image as construction. These images are
folded and re-folded pieces, using a photocopier again and again to turn the original
image into other very curious ones, displayed on several panels.

Matriz” erakusketan esperimentazio
formal maila handia duten eskulturak
eta irudiak daude. Artistari ikuspegi
sentikorretik eta harremanen ikuspegitik interesatzen zaio arkitektura, eta lotura hori
bistakoa da aurkezten dituen lanetan. Bere
iraganaren eraginez, afektibitate-lotura du
materialekin eta prozesu arkitektonikoekin.

Matriz” reúne esculturas e imágenes
con un alto grado de experimentación
formal. Al artista, que por su pasado
mantiene un vínculo afectivo con los materiales y procesos arquitectónicos, le interesa
la arquitectura desde el punto de vista sensible y relacional y dicho lazo es patente en
las obras que presenta.

Matriz” brings together sculptures and
images with a high degree of formal
experimentation. The artist who, due
to his past, maintains an emotional bond
with architectural materials and processes,
is interested in architecture from a sensitive
and relational point of view and this bond is
evident in the works he displays.

BilbaoArte

203

PROPRIOCEPTION
Alessandra Torres
30/10/2015 - 20/11/2015

Erakusketan Bilbon bizi izan nuen esperientzia azaltzen da, modu bisual baten
bidez. Lan hauek, leku honek eragin
zizkidan sentsazioak islatzen dituzte: jendez
beteriko kale estuetan mugitzearen sentsazioa, esfortzu mentala eta nire gaztelania
mugatuarekin adierazteko konplexuegiak
diren pentsamenduak izatearen frustrazioa,
eta biltzen ninduten hainbat kolore, forma
eta testuren esperientzia”.

La exposición cuenta la experiencia que
viví en Bilbao de manera visual. Estas
obras reflejan las distintas sensaciones
que me evocó este lugar: la sensación de
moverme entre sus calles abarrotadas y estrechas, el esfuerzo mental y la frustración de
tener pensamientos demasiado complejos
para poder articularlos en mi limitado castellano y la experiencia visual de tantos colores, formas y texturas que me envolvían”.

The exhibition recounts the experience I
had in Bilbao in a visual manner. These
works reflect the different feelings this
place evoked in me. The feeling of moving along its crowded, narrow streets, the
mental effort and the frustration of having
thoughts too complex to articulate in my limited Spanish and the visual experience of so
many colours, shapes and textures around
me”.

Erakusketaren izenburuak berak haren edukiari egiten dio erreferentzia. “Proprioception” latinaren “proprius” (propioa dena, indibiduala) eta “capere” (hartu, heldu) hitzen
arteko nahastea da. Gorputzetik igarotzen
diren estimuluak sentitzeko gaitasunari egindako erreferentzia da, jarrerari, mugimenduari eta orekari dagokienez. Kontzeptu horiek gustukoak ditu sortzaile honek, eta bere
lanetan beti agertzen dira.

El propio título de la exposición habla de su
contenido. “Proprioception” es una mezcla
entre las palabras del latín “proprius” (lo propio, lo individual) y “capere” (coger, agarrar).
Es una referencia a la habilidad de sentir los
estímulos que recorren el cuerpo en lo que a
postura, movimiento y equilibrio se refieren,
conceptos que le interesan a esta creadora
y que están presentes en sus obras.

The title of the exhibition explains its content. “Proprioception” is a mixture of the
Latin word “proprius” (own, individual) and
“capere” (to take, grip). This is a reference
to the ability to sense the stimuli which go
through the body as far as posture, movement and balance are concerned, concepts
which interest this creator and which are
present in her works.

Zentrua
El centro
The centre

BilbaoArte

207

Zentrua
El centro
The centre

B

ilbaoArte ekoizpen artistikorako
zentro bat da eta Bilboko Udal Gorenaren Kultur Sailari lotuta dago.
Sortzaile gazteen eskura jartzen ditu beha­
rrezkoak diren baliobide eta azpiegiturak
euren egitasmo artistikoak garatzeko.
1998an sortu zenetik, ondoko ekintzen garapenean zentratu da:
• Proiektu artistikoak garatzeko bekak.
• Ikastaroak, mintegiak eta hitzaldiak;
hauetan, nazioartean ospea duten
sortzaileek parte hartzen dute.
• Sortzaile gazteen erakusketak eta
ateak zabalitako jardunaldiak.
• Artistak beste nazioarteko (Leeds,
Bregenz, Paris) eta nazioko (Viana Fundazioa - Cajasur, Córdoba) arte-zentroekin
trukatzea.
• Aholkularitza artistikoa erakundeen
proiektuak garatzeko.

BilbaoArteren helburu behinena, sortzaile
gazteen profesionalizazioa erraztea da eta,
era berean, artearen praktikarako beha­
rrezko azpiegitura modernoak komunitate
artistikoaren eskura jartzea. Honetarako,
BilbaoArtek 3.500 m2 inguruko azalera
erabilgarria dauka, lau solairutan banatuta,
zamaketarako kaia, eta gainera:

B

ilbaoArte es un centro de producción
artística, dependiente del Área de
Cultura del Excmo. Ayuntamiento de
Bilbao, que pone a disposición de los artistas residentes los medios e infraestructuras
necesarias para el desarrollo de sus propuestas. Desde su inauguración en 1998,
centra su labor en las siguientes actividades:

B

ilbaoArte is an artistic production
centre belonging to the Culture Department of the Bilbao City Council.
It provides young creators with the means
and infrastructures required to develop their
artistic ideas. Since it opened in 1998, it has
been focused on the development of the following activities:

• Becas para el desarrollo de
proyectos artísticos.

• Grants for the development of
artistic projects.

• Cursos, seminarios y conferencias en
las que participan creadores de consolidado prestigio internacional.

• Courses, seminars and conferences
involving consolidated and prestigious
international creators.

• Exposiciones de jóvenes creadores y
jornadas de puertas abiertas.

• Exhibitions by young creators and
open days.

• Intercambios de artistas con otros
centros artísticos, nacionales (Fundación
Viana - Cajasur, Córdoba) e internacionales
(Leeds, Bregenz, París).

• Artist exchanges with other national
(Viana Foundation - Cajasur, Córdoba)
and international (Leeds, Bregenz, Paris)
artistic centres.

• Asesoramiento artístico para el desarrollo de proyectos institucionales.

• Artistic advice for the development of
institutional projects.

El objetivo fundamental de BilbaoArte es
proporcionar una destacada profesionalización de los artistas y poner a disposición
de la comunidad artística modernas infraestructuras para la práctica artística. Para ello,
BilbaoArte cuenta con una superficie aproximada de 3.500 m2 útiles, divididos en
cuatro plantas, un muelle de carga y descarga, además de:

The main aim of BilbaoArte is to provide outstanding professionalisation of young creators
and making available modern infrastructures
for artistic practices within the art community. For this, BilbaoArte has a usable surface
area of approximately 3,500 m2, divided into
four floors, as well as a loading and unloading
area and the following facilities:

• Erakusketa gela, edozein jarduera
artistikorako egokituta.

• Sala de exposiciones, acondicionada
para cualquier intervención artística.

• Exhibition room equipped for any
artistic intervention.

• 12 lagapen-gune, egitasmo artistikoak
garatzeko.

• 12 espacios de cesión o estudios para
el desarrollo de proyectos artísticos.

• 12 studio spaces that are lent out for
the development of artistic projects.

• Argazkigintza, eskultura, grabatu,
serigrafia eta teknologia berrietarako
tailerrak, filmazio-aretoa, MediaLab-a
(3D inprimaketa eta laser mozketa), eta
abar, arte jarduerarako beharrezko makineria eta bitarteko guztiez hornitutak.
Halaber, langile adituak ere badaude.
Hauek erabiltzaileei aholkuak eman eta
azpiegituren funtzionamendu zuzena
bermatzen dute.

• Talleres de fotografía, escultura,
grabado, serigrafía, nuevas tecnologías,
plató de filmación, MediaLab (impresión
3D y corte láser), etc., equipados con
todo tipo de maquinaria y de útiles para
la práctica artística. Asimismo, disponen
de personal especializado encargado de
asesorar a los usuarios y de garantizar el correcto funcionamiento de las
infraestructuras.

• Photography, sculpture, printing,
silkscreening and new technology
workshops, as well as a film set, a
MediaLab ( 3D printing & laser cut), and
so on, provided with all the equipment
and facilities needed for artistic practice.
There’s also specialised personnel in
charge of providing information for users
and guaranteeing the correct use of the
infrastructures.

• Art House Zinema: proiekzio eta
hitzaldietarako areto polibalentea.

• Art House Zinema: sala polivalente
para proyecciones y conferencias.

• Art House Zinema: screenings &
lecture room.

• Liburutegi-kafetegia: aldizkaritegi bat
dauka etengabe eguneratzen dena
eta arte diziplina desberdinei buruzko
agerkari eta katalogo ugari.

• Biblioteca-Cafetería: con una colección
de revistas permanentemente actualizada
y numerosas publicaciones y catálogos
sobre diferentes disciplinas artísticas.

• Library-cafeteria, including a constantly
updated magazine collection and
numerous publications and catalogues
dealing with various artistic disciplines.

Jarduerak 2015
Actividades 2015
Activities 2015

Erakusketak - Exposiciones - Exhibitions

BilbaoArte

211

Erakusketak
Exposiciones
Exhibitions
Erakusketa gela

Sala de exposiciones

Exhibition room

Otsailaren 6tik martxoaren 6ra:
Horizon, Rainbow and Horizon
Maki Na Kamura

Del 6 de febrero al 6 de marzo:
Horizon, Rainbow and Horizon
Maki Na Kamura

From 6th of February to 6th of March:
Horizon, Rainbow and Horizon
Maki Na Kamura

Martxoaren 20tik apirilaren 24ra:
Límbica
OPN STUDIO

Del 20 de marzo al 24 de abril:
Límbica
OPN STUDIO

From 20th of March to 24th of April:
Límbica
OPN STUDIO

Maiatzaren 8tik 29ra:
This is the end of the world as you know it
Kepa Garraza

Del 8 al 29 de mayo:
This is the end of the world as you know it
Kepa Garraza

From 8th to 29th of May:
This is the end of the world as you know it
Kepa Garraza

Ekainaren 5etik 26ra:
Foodlândia
Rut Briones & Raquel Durán

Del 5 al 26 de junio:
Foodlândia
Rut Briones & Raquel Durán

From 5th to 26th of June:
Foodlândia
Rut Briones & Raquel Durán

Uztailaren 3tik 24ra:
Work Spaces
Iñigo Garatu

Del 3 al 24 de julio:
Work Spaces
Iñigo Garatu

From 3rd to 24th of July:
Work Spaces
Iñigo Garatu

Uztailaren 30etik abuztuaren 26ra:
Non gaude (Wo Wir Sind)
Erakusketa BilbaoArten.

Del 30 de julio al 26 de agosto:
Donde estamos (Wo Wir Sind)
Exposición en BilbaoArte.

From 30th of July to 26th of August:
Where we are (Wo Wir Sind)
Exhibition in BilbaoArte.

Irailaren 4tik 25era:
Surfaces
Marie Sommer

Del 4 al 25 de septiembre:
Surfaces
Marie Sommer

From 4th to 25th of September:
Surfaces
Marie Sommer

Urriaren 2tik 23ra:
Matriz
Iago Ruiz de la Fuente

Del 2 al 23 de octubre:
Matriz
Iago Ruiz de la Fuente

From 2nd to 23rd of October:
Matriz
Iago Ruiz de la Fuente

Urriaren 30etik azaroaren 20ra:
Propioception
Alessandra Torres

Del 30 de octubre al 20 de noviembre:
Propioception
Alessandra Torres

From 30th of October to 20th of November:
Propioception
Alessandra Torres

Beirazko Patioa

Patio de Cristal

Glass Courtyard

Apirilaren 15etik 24ra:
In The Street, David Hornbacken hitzaldia
eta erakusketa.

Del 15 al 24 de abril:
In The Street, conferencia y exposición
de David Hornback

From 15th to 24th of April:
In The Street, David Hornback´s lecture
and exhibition.

Ekainaren 10etik 26ra:
Behatzailearen ametsa
Lourdes de la Villa

Del 10 al 26 de junio:
Sueño del Observador
Lourdes de la Villa

From 10th to 26th of Jun:
Dream of the Observer
Lourdes de la Villa

Uztailaren 7tik 30era:
Lugar Común, Lugar Extraño
Leandro Feal

Del 7 al 30 de julio:
Lugar Común, Lugar Extraño
Leandro Feal

From 7th to 30th of July:
Lugar Común, Lugar Extraño
Leandro Feal

Irailaren 16etik urriaren 2ra:
Herliebe
Politiko Poetiko

Del 16 de septiembre al 2 de octubre:
Herliebe
Político Poético

From 16th of September to 2nd of October:
Herliebe
Político Poético

212

BilbaoArte

Erakusketak - Exposiciones - Exhibitions

Azaroaren 16etik 20ra:
Valérie Mréjén-en ikus-entzunezko instalazioa

Del 16 al 20 de noviembre:
Instalación audiovisual de Valérie Mréjén

From 16th to 20th of November
Valérie Mréjén’s audiovisual installation

Bestelakoak

Otros

Other

Martxoaren 26tik maiatzaren 3ra:
Wo Wir Sind (Non gaude)
Erakusketa Leipzigen

Del 26 de marzo al 3 de mayo:
Wo Wir Sind (Donde estamos)
Exposición en Leipzig

From 26th of March to 3rd of May:
Wo Wir Sind (Where we are)
Exhibition in Leipzig

Uztailaren 8tik 20ra:
Zaman/Time.
Fragments, restitutions, perspectives.
Erakusketa Parisen.

Del 8 al 20 de julio:
Zaman/Time.
Fragments, restitutions, perspectives.
Exposición en París.

From 8th to 20th of July:
Zaman/Time.
Fragments, restitutions, perspectives.
Exhibition in Paris.

Urriaren 16etik 31ra:
“They make me feel so happy, they make
me feel so blue.”
Erakusketa Michel Mejuto Galerian

Del 16 al 31 de octubre:
“They make me feel so happy, they make
me feel so blue.”
Exposición en la Galería Michel Mejuto.

From 16th to 31st of October:
“They make me feel so happy, they make
me feel so blue.”
Exhibition in the Michel Mejuto Gallery

Abenduaren 4tik 18ra:
Ateak Zabalik 2015

Del 4 al 18 de diciembre:
Puertas Abiertas 2015

From 4th to 18th of December:
Open days 2015

Mintegiak eta hitzaldiak
Seminarios y conferencias
Seminaries and lectures
Urtarrilak 20an:
Münster Studio
David Hernandorekin topaketa.

El 20 de enero:
Münster Studio
Encuentro con David Hernando.

20th of January:
Münster Studio
Meeting with David Hernando.

Otsailaren 11tik apirilaren 4ra:
El Arte de Bailar sobre el papel
Jihnee Kimekin.

Del 11 de febrero al 4 de abril:
El Arte de Bailar sobre el papel
por Jihnee Kim.

From 11st to 4th of April:
El Arte de Bailar sobre el papel
by Jihnee Kim.

Martxoaren 2tik 5era:
Esther Ferrerekin topaketa.

Del 2 al 5 de marzo:
Encuentro con Esther Ferrer.

From 2nd to 5th of March:
Meeting with Esther Ferrer.

Apirilaren 7tik 28ra:
Encuentros con la investigación IV.
Arte Ederreko EHU-ko Fakultatean egindako ikerketa proiektuen aurkezpena.

Del 7 al 28 de abril:
Encuentros con la investigación IV.
Presentación de trabajos de investigación realizados en la Facultad de Bellas Artes de la UPV.

From 7th to 28th of April:
Encuentros con la Investigación IV.
Presentation of UPV-Fine students´
investigation works.

Apirilaren 7tik 10era:
Taller de Ilustración
Isidro Ferrerekin.

Del 7 al 10 de abril:
Taller de Ilustración
con Isidro Ferrer.

From 7th to 10th of March:
Taller de Ilustración
by Isidro Ferrer.

Mintegiak - Seminarios - Seminaries

BilbaoArte

213

Apirilaren 13tik 17ra:
Taller de Ilustración
Kveta Pachovskarekin.

Del 13 al 17 de abril:
Taller de Ilustración
con Kveta Pachovska.

From 13rd to 17th of April:
Taller de Ilustración
by Kveta Pachovska.

Apirilaren 15etik 24ra:
In The Street, David Hornbacken hitzaldia
eta erakusketa.

Del 15 al 24 de abril:
In The Street, conferencia y exposición
de David Hornback.

From 15th to 24th of April:
In The Street, David Hornback´s lecture
and exhibition.

Apirilaren 15etik 21era:
La ciudad abierta, Street Photo,
David Hornbacken argazki ikastaroa.

Del 15 al 21 de abril:
La ciudad abierta, Street Photo,
curso de fotografía por David Hornback.

From 15th to 21st of April:
La ciudad abierta, Street Photo,
photography course by David Hornback.

Apirilaren 20tik 24ra:
Taller de Ilustración,
Gabriel Pachecorekin.

Del 20 al 24 de abril:
Taller de Ilustración,
con Gabriel Pacheco.

From 20th to 24th of April:
Taller de Ilustración,
by Gabriel Pacheco.

Maiatzaren 5etik ekainaren 4ra:
Serigrafía aplicada a la cerámica.
Taller Karraturen Iratxe Longasekin.

Del 5 de mayo al 4 de junio:
Serigrafía aplicada a la cerámica.
Por Iratxe Longas del Taller Karratu.

From 5th of May to 4th of June:
Serigrafía aplicada a la cerámica.
by Iratxe Longas from Taller Karratu.

Maiatzaren 26tik ekainaren 4ra:
FABRIKAZIO DIGITALERAKO TAILERRAK.
BilbaoArteko MediaLab-ean.

Del 26 de mayo al 4 de junio:
TALLERES DE FABRICACIÓN DIGITAL
En el MediaLab de BilbaoArte.

From 26th of May to 4th of June:
DIGITAL PRODUCTION WORKSHOPS.
In BilbaoArte’s MediaLab.

Ekainaren 1etik 3ra:
Portugal: zinea iraultza baino lehen,
Martin Pawley-ren eskutik.

Del 1 al 3 de junio:
Portugal: el cine después de la revolución,
impartido por Martin Pawley.

From 1st to 3rd of June:
Portugal: cinema before the revolution,
by Martin Pawley.

Ekainaren 10etik 12ra:
Lurraldeak eta Mugaldeak 2015.

Del 10 al 12 de junio:
Territorios y Fronteras 2015.

From 10th to 12nd of June:
Territorios y Fronteras 2015.

Ekainaren 22etik 24ra:
EREMUAK 2015.

Del 22 al 24 de junio:
EREMUAK 2015.

From 22nd to 24th of June:
EREMUAK 2015.

Ekainaren 23tik uztailaren 2ra:
FABRIKAZIO DIGITALERAKO TAILERRAK.
BilbaoArteko MediaLab-ean.

Del 23 de junio al 2 de julio:
TALLERES DE FABRICACIÓN DIGITAL
En el MediaLab de BilbaoArte.

From 23th of June to 2nd of July:
DIGITAL PRODUCTION WORKSHOPS.
In BilbaoArte’s MediaLab.

Irailak 9an:
BERBERA BAINA KONTRARA.
Paulino Viotaren zineari buruzko mintegia Manuel Asínekin.

El 9 de septiembre:
LO MISMO PERO AL CONTRARIO.
Seminario en torno al cine de Paulino
Viota por Manuel Asín.

9th of September:
LO MISMO PERO AL CONTRARIO.
Seminary about Paulino Viota’s films by
Manuel Asín.

Irailaren 22tik 23ra:
Bideo esperimental tailerra,
Slawomir Milewskirekin.

Del 22 al 23 de septiembre:
Taller de vídeo experimental,
por Slawomir Milewski.

From 22nd to 23rd of September:
Experimental video workshop,
by Slawomir Milewski.

Irailaren 15etik azaroaren 17ra:
IDAZKERA ZINEMATOGRAFIKOA
Kurtso-tailerra Paulino Viotaren eskutik.

Del 15 de septiembre al 17 de noviembre:
ESCRITURA CINEMATOGRÁFICA.
Curso-taller por Paulino Viota.

From 15th of September to 17th of November:
CINEMATOGRAPHIC WRITING
Course-workshop by Paulino Viota.

Urriaren 1etik 2ra:
VIDEO STEAL
Santanderreko eta Bilboko bideogileen
lehen topaketa.

Del 1 al 2 de octubre:
VIDEO STEAL
Primer encuentro de videocreadores de
Santander y Bilbao.

From 1st to 2nd of October:
VIDEO STEAL
First edition of Bilbao’s and Santander’s
filmmakers meeting.

214

BilbaoArte

Mintegiak - Seminarios - Seminaries

Azaroaren 15etik 16ra:
IRUDIGINTZA BEKA-TAILERRA.
Ellen Weinsteinekin.

Del 15 al 16 de noviembre:
BECA-SEMINARIO DE ILUSTRACIÓN
Con Ellen Weinstein.

From 15th to 16th of November:
ILLUSTRATION GRANT-SEMINARY.
With Ellen Weinstein.

Urriaren 29tik 30era:
Bilbao Fonografikoa.
Paisajes sonoros improbables
Elisa Mendiola eta Jonathan García (Tunipanea)-ren eskutik.

Del 29 al 30 de octubre:
Bilbao Fonografikoa.
Paisajes sonoros improbables
Por Elisa Mendiola y Jonathan García
(Tunipanea).

From 29th to 30th of October:
Bilbao Fonografikoa.
Paisajes sonoros improbables
By Elisa Mendiola & Jonathan García
(Tunipanea).

Azaroaren 2tik 25era:
Bilbao bere arkitekturaren bidez,
Francisco J. García de la Torre eta Bernardo I. García de la Torre arkitektoen
eskutik.

Del 2 al 25 de noviembre:
Bilbao a través de su arquitectura,
impartido por los arquitectos Francisco
J. García de la Torre y Bernardo I. García
de la Torre.

From 16th to 20th of November:
Bilbao through its architecture,
by the architects Francisco J. García de
la Torre & Bernardo I. García de la Torre.

Azaroaren 6etik 15era:
FABRIKAZIO DIGITALERAKO TAILERRAK.
BilbaoArteko MediaLab-ean.

Del 6 al 15 de noviembre:
TALLERES DE FABRICACIÓN DIGITAL
En el MediaLab de BilbaoArte.

From 6th to 15th of November:
DIGITAL PRODUCTION WORKSHOPS.
In BilbaoArte’s MediaLab.

Azaroaren 16etik 20ra:
Sormen artistikorako topaketa-tailerra,
Valérie Mréjenekin.

Del 16 al 20 de noviembre:
Encuentro-taller para la creación artística,
impartido por Valérie Mréjen.

From 16th to 20th of November:
Meeting-workshop for artistic creation,
by Valérie Mréjen.

Abenduaren 1etik 2ra:
Orson Welles-i buruzko jardunaldiak
Santos Zunzunegui-ren eskutik.

Del 1 al 2 de diciembre:
Jornadas dedicadas a Orson Welles
Por Santos Zunzunegui.

From 1st to 2nd of December:
Conferences on Orson Welles
By Santos Zunzunegui.

Art House Zinema Proiekzioak
Proyecciones Art House Zinema
Art House Zinema Screenings
Urtarrilak 8an:
Future Shorts Winter Season 2014.

El 8 de enero:
Future Shorts Winter Season 2015.

8th of January:
Future Shorts Winter Season 2015.

Urtarrilaren 15tik 16ra:
Peter Watkinsen La Commune.

Del 15 al 16 de enero:
La Commune de Peter Watkins.

From 15th to 16th of February:
La Commune by Peter Watkins.

Urtarrilak 20an:
Scout Shannonen Just Like Being There.

El 20 de enero:
Just Like Being There de Scout Shannon.

20th of February:
Scout Shannon´s Just Like Being There.

Urtarrilak 22an:
Óscar Martínezen Melania. Paciente Cero.

El 22 de enero:
Melania. Paciente Cero de Óscar Martínez.

22th of February:
Melania. Paciente Cero by Óscar Martínez.

Urtarrilaren 26tik 30ra:
Pier Paolo Pasolini zikloa.

Del 26 al 30 de enero:
Ciclo Pier Paolo Pasolini.

From 26th to 30th of January:
Pier Paolo Pasolini cycle.

Proiekzioak - Proyecciones - Screenings

BilbaoArte

Urtarrilak 26an:
Pajaritos y Pajarracos
Urtarrilak 27an:
El Decamerón
Urtarrilak 28an:
Los cuentos de Canterbury
Urtarrilak 29an:
Las mil y una noches
Urtarrilak 30ean:
Saló o los 120 días de Sodoma

26 de enero:
Pajaritos y Pajarracos
27 de enero:
El Decamerón
28 de enero:
Los cuentos de Canterbury
29 de enero:
Las mil y una noches
30 de enero:
Saló o los 120 días de Sodoma

26th of January:
Pajaritos y Pajarracos
27th of January:
El Decamerón
28th of January:
Los cuentos de Canterbury
29th of January:
Las mil y una noches
30th of January:
Saló o los 120 días de Sodoma

Urtarrilaren 27tik 30era:
Off Zinegoaken parte hartzearekin.

Del 27 al 30 de enero:
En colaboración con Off Zinegoak.

From 27th to 30th of January:
In collaboration with Off Zinegoak.

Urtarrilak 27an:
Cruising Electric
Hermes and Aphrodite
Metube: August sings Carmen “Habanera”
Tots Els Camins de Déu
Urtarrilak 29an:
El Adán
Pierrot Lunaire
Intrinsic Moral Evil
Kuhani (Priest)
Urtarrilak 30ean:
Il Segreto del Serpente
One Deep Breath
Ouch
Pifuskin
Teagan

27 de enero:
Cruising Electric
Hermes and Aphrodite
Metube: August sings Carmen “Habanera”
Tots Els Camins de Déu
29 de enero:
El Adán
Pierrot Lunaire
Intrinsic Moral Evil
Kuhani (Priest)
30 de enero:
Il Segreto del Serpente
One Deep Breath
Ouch
Pifuskin
Teagan

27th of January:
Cruising Electric
Hermes and Aphrodite
Metube: August sings Carmen “Habanera”
Tots Els Camins de Déu
29th of January:
El Adán
Pierrot Lunaire
Intrinsic Moral Evil
Kuhani (Priest)
30th of January:
Il Segreto del Serpente
One Deep Breath
Ouch
Pifuskin
Teagan

Urtarrilak 28an:
“La cita del último miércoles”.
Zine frantziar klasikoko zikloa,
Jacques Beckerren C´asque D´or.

El 28 de enero:
“La cita del último miércoles”.
Ciclo de cine clásico francés,
C´asque D´or de Jacques Becker.

28th of January:
“La cita del último miércoles”.
Classic french film cycle,
C´asque D´or by Jacques Becker.

Otsailak 2an:
Mikel Ruedaren A escondidas.

El 2 de febrero:
A escondidas de Mikel Rueda.

2th of February:
A escondidas by Mikel Rueda.

Otsailaren 5etik 26ra:
Kenji Mizoguchi zikloa.

Del 5 al 26 de febrero:
Ciclo Kenji Mizoguchi.

From 5th to 26th of February:
Kenji Mizoguchi cycle.

Otsailak 5ean:
La Señorita Oyu
Otsailak 11n:
Cuentos de la luna pálida
Otsailak 12an:
Los Músicos de Gion
Otsailak 28an:
El intendente Sansho
Otsailak 19an:
La mujer crucificada
Otsailak 26an:
La emperatriz Yang Kwei Fei

5 de febrero:
La Señorita Oyu
11 de febrero:
Cuentos de la luna pálida
12 de febrero:
Los Músicos de Gion
18 de febrero:
El intendente Sansho
19 de febrero:
La mujer crucificada
26 de febrero:
La emperatriz Yang Kwei Fei

215

5th of February:
La Señorita Oyu
11st of February:
Cuentos de la luna pálida
12nd of February:
Los Músicos de Gion
18th of February:
El intendente Sansho
19th of February:
La mujer crucificada
26th of February:
La emperatriz Yang Kwei Fei

216

BilbaoArte

Proiekzioak - Proyecciones - Screenings

Otsailak 6an:
Ulrike Ottingeren The Korean Wedding
Chest proiekzio dokumentala

El 6 de febrero:
Proyección del documental The Korean
Wedding Chest de Ulrike Ottinger.

6th of February:
Projection of the documentary The Korean Wedding Chest by Ulrike Ottinger.

Otsailaren 13etik 27ra:
Hitoshi Matsumoto zikloa

Del 13 al 27 de febrero:
Ciclo Hitoshi Matsumoto.

From 13rd to 27th of February:
Hitoshi Matsumoto cycle.

Otsailak 13an:
Big Man Japan
Otsailak 20an:
Symbol
Otsailak 27an:
Scabbard Samurai

13 de febrero:
Big Man Japan
20 de febrero:
Symbol
27 de febrero:
Scabbard Samurai

13rd of February:
Big Man Japan
20th of February:
Symbol
27th of February:
Scabbard Samurai

Otsailak 16an:
Ciutat Morta dokumentalaren proiekzioa
Xabier Artigas eta Xapo Ortega zuzendariekin.

El 16 de febrero:.
Proyección del documental Ciutat Morta
con los directores Xabier Artigas y Xapo
Ortega.

16th of February:
Projection of the documentary Ciutat
Morta with directors Xabier Artigas y
Xapo Ortega.

Otsailak 25ean:
“La cita del último miércoles”.
Zine frantziar klasikoko zikloa, Chantal
Akermanen La Folie Almayer.

El 25 de febrero:
“La cita del último miércoles”.
Ciclo de cine clásico francés, La Folie Almayer de Chantal Akerman.

25th of February:
“La cita del último miércoles”.
Classic french film cycle, La Folie Almayer
by Chantal Akerman.

Martxoaren 3tik 31ra:
Korear zinema zikloa.

Del 3 al 31 de marzo:
Ciclo Cine Coreano.

From 3rd to 31st of March:
Korean cycle.

Martxoak 3an:
Memories of Murder
Martxoak 10ean:
The Yellow Sea
Martxoak 17an:
Ebrio de mujeres y pintura
Martxoak 24an:
The Face Reader
Martxoak 31n:
Dos Hermanas
Martxoaren 5etik apirilaren 23ra:
Jacques Rivette zikloa.
Martxoak 5ean:
El amor por tierra
Martxoak 12an:
Cumbres Borrascosas
Martxoak 26an:
La banda de las cuatro
Apirilak 9an:
La bella mentirosa
Apirilak 16an:
Confidencial
Apirilak 23an:
Historia de Marie y Julien

3 de marzo:
Memories of Murder
10 de marzo:
The Yellow Sea
17 de marzo:
Ebrio de mujeres y pintura
24 de marzo:
The Face Reader
31 de marzo:
Dos Hermanas
Del 5 de marzo al 23 de abril:
Ciclo Jacques Rivette.
5 de marzo:
El amor por tierra
12 de marzo:
Cumbres Borrascosas
26 de marzo:
La banda de las cuatro
9 de abril:
La bella mentirosa
16 de abril:
Confidencial
23 de abril:
Historia de Marie y Julien

3rd of March:
Memories of Murder
10th of March:
The Yellow Sea
17th of March:
Ebrio de mujeres y pintura
24th of March:
The Face Reader
31st of March:
Dos Hermanas
From 5th of March to 23rd of April:
Jacques Rivette cycle.
5th of March:
El amor por tierra
12nd of March:
Cumbres Borrascosas
26th of March:
La banda de las cuatro
9th of April:
La bella mentirosa
16th of April:
Confidencial
23th of April:
Historia de Marie y Julien

Proiekzioak - Proyecciones - Screenings

BilbaoArte

217

Martxoak 11n:
Gizazinea programa, Caostica
Laburmetraia proiekzioa.

El 11 de marzo:
Programa Gizazinea, Caostica
Proyección de cortometrajes.

11st of March:
Gizazinea program, Caostica
Short films projection.

Martxoak 25ean:
“La cita del último miércoles”.
Zine frantziar klasikoko zikloa, Jacques
Tatiren Jour de Fête.

El 25 de marzo:
“La cita del último miércoles”.
Ciclo de cine clásico francés, Jour de
Fête de Jacques Demy.

25th of March:
“La cita del último miércoles”.
Classic french film cycle, Jour de Fête by
Jacques Demy.

Apirilak 20an:
Future Shorts Spring Season 2015.

El 20 de abril:
Future Shorts Spring Season 2015.

20th of April:
Future Shorts Spring Season 2015.

Apirilak 29an:
“La cita del último miércoles”.
Zine frantziar klasikoko zikloa, Jacques
Demyren Les Parapluies de Cherbourg.

El 29 de abril:
“La cita del último miércoles”.
Ciclo de cine clásico francés, Les Parapluies de Cherbourg de Jacques Demy.

29th of April:
“La cita del último miércoles”.
Classic french film cycle, Les Parapluies
de Cherbourg by Jacques Demy.

Apirilak 30ean:
Ahmad Natcheren Dos metros de esta tierra.

El 30 de abril:
Dos metros de esta tierra de Ahmad Natche.

30th of April:
Dos metros de esta tierra by .Ahmad Natche.

Maiatzaren 4tik 25era:
Francia Inédita zikloa

Del 4 al 25 de mayo:
Ciclo Francia Inédita.

From 4th to 25th of May:
Francia Inédita cycle.

Maiatzak 4an:
Laburmetraia saioa I
Extrasystole
Shadow
Molii
Les Insouciants
Aïssa
Maiatzak 5ean:
Eastern Boys
Maiatzak 6an:
Respire
Maiatzak 11n:
Comment j´ai détesté les maths
Maiatzak 12an:
Tirez la langue, mademoiselle
Maiatzak 13an:
L´éstrange couleur des larmes de ton corps
Maiatzak 18an:
Tristesse Club
Maiatzak 19an:
Vandal
Maiatzak 20an:
Une place sur la terre
Maiatzak 25ean:
Laburmetraia saioa II
Le retour
La virée à Paname
La Bûche de Noël
Guy Moquet
Dip N´ Dance

4 de mayo:
Sesión cortometrajes I
Extrasystole
Shadow
Molii
Les Insouciants
Aïssa
5 de mayo:
Eastern Boys
6 de mayo:
Respire
11 de mayo:
Comment j´ai détesté les maths
12 de mayo:
Tirez la langue, mademoiselle
13 de mayo:
L´éstrange couleur des larmes de ton corps
18 de mayo:
Tristesse Club
19 de mayo:
Vandal
20 de mayo:
Une place sur la terre
25 de mayo:
Sesión cortometrajes II
Le retour
La virée à Paname
La Bûche de Noël
Guy Moquet
Dip N´ Dance

4th of May:
Short films showing I
Extrasystole
Shadow
Molii
Les Insouciants
Aïssa
5th of May:
Eastern Boys
6th of May:
Respire
11st of May:
Comment j´ai détesté les maths
12nd of May:
Tirez la langue, mademoiselle
13rd of May:
L´éstrange couleur des larmes de ton corps
18th of May:
Tristesse Club
19th of May:
Vandal
20th of May:
Une place sur la terre
25th of May:
Short films showing II
Le retour
La virée à Paname
La Bûche de Noël
Guy Moquet
Dip N´ Dance

218

BilbaoArte

Maiatzak 5etik 29ra:
Joao César Monteiro zikloa
Maiatzak 7an:
Recuerdos de la casa amarilla
Maiatzak 14an:
La Comedia de Dios
Maiatzak 21ean:
Las Bodas de Dios
Maiatzak 28an:
Va y viene
Maiatzak 29an:
Laburmetraia saioa

Proiekzioak - Proyecciones - Screenings

Del 5 al 29 de mayo:
Ciclo Joao César Monteiro.
7 de mayo:
Recuerdos de la casa amarilla
14 de mayo:
La Comedia de Dios
21 de mayo:
Las Bodas de Dios
28 de mayo:
Va y viene
29 de mayo:
Sesión de cortometrajes

From 5th to 29th of May:
Joao César Monteiro cycle.
7th of May:
Recuerdos de la casa amarilla
14th of May:
La Comedia de Dios
21st of May:
Las Bodas de Dios
28th of May:
Va y viene
29th of May:
Sesión de cortometrajes

Maiatzak 27an:
“La cita del último miércoles”.
Zine frantziar klasikoko zikloa, Abdellatif
Kéchicheren Vénus Noire.

El 27 de mayo:
“La cita del último miércoles”.
Ciclo de cine clásico francés, Vénus Noire de Abdellatif Kéchiche.

27th of May:
“La cita del último miércoles”.
Classic french film cycle, Vénus Noire by
Abdellatif Kéchiche.

Ekainaren 1etik 3ra:
Portugal: zinea iraultza baino lehen.

Del 1 al 3 de junio:
Portugal: el cine antes de la revolución.

From 1st to 3rd of June:
Portugal: cinema before the revolution.

1 de junio:
¿Dónde yace tu sonrisa escondida?
Pedro Costa
2 de junio:
Inventario de Navidad
Treinta y uno
Kalkitos
Cántico de las criaturas
Miguel Gomes

1st of June:
¿Dónde yace tu sonrisa escondida?
Pedro Costa
2nd of June:
Inventario de Navidad
Treinta y uno
Kalkitos
Cántico de las criaturas
Miguel Gomes

Ekainak 1ean:
¿Dónde yace tu sonrisa escondida?
Pedro Costa
Ekainak 2an:
Inventario de Navidad
Treinta y uno
Kalkitos
Cántico de las criaturas
Miguel Gomes
Ekainaren 4tik uztailaren 16ra:
Aleksandr Sokurov zikloa.
Ekainak 4an:
Dolorosa Indiferencia
Ekainak 11n:
Días de Eclipse
Ekainak 18an:
Madre e Hijo
Uztailak 2an:
Moloch
Uztailak 9an:
El Arca Rusa
Uztailak 16an:
Padre e Hijo

Del 4 de junio al 16 de julio:
Ciclo Aleksandr Sokurov.
4 de junio:
Dolorosa Indiferencia
11 de junio:
Días de Eclipse
18 de junio:
Madre e Hijo
2 de julio:
Moloch
9 de julio:
El Arca Rusa
16 de julio:
Padre e Hijo

From 4th of June to 16th of July:
Aleksandr Sokurov cycle.
4th of June:
Dolorosa Indiferencia
11st of June:
Días de Eclipse
18th of June:
Madre e Hijo
2nd of July:
Moloch
9th of July:
El Arca Rusa
16th of July:
Padre e Hijo

Ekainak 24an:
“La cita del último miércoles”.
Zine frantziar klasikoko zikloa, Olivier
Assayasen Irma Vep.

El 24 de junio:
“La cita del último miércoles”.
Ciclo de cine clásico francés, Irma Vep
de Olivier Assayas.

24th of June:
“La cita del último miércoles”.
Classic french film cycle, Irma Vep by Olivier Assayas.

Uztailaren 20etik 23ra:
Patrice Chéreau omenezko zikloa.

Del 20 al 23 de julio:
Ciclo homenaje a Patrice Chéreau.

From 20th to 23rd of July:
Patrice Chéreau tribute cycle.

Proiekzioak - Proyecciones - Screenings

Uztailak 20an:
Otra soledad
Uztailak 20an:
Fedra
Uztailak 20an:
Cosi fan tutte
Uztailak 20an:
Persecución

BilbaoArte

20 de julio:
Otra soledad
21 de julio:
Fedra
22 de julio:
Cosi fan tutte
23 de julio:
Persecución

219

20th of July:
Otra soledad
21st of July:
Fedra
22nd of July:
Cosi fan tutte
23rd of July:
Persecución

Uztailak 29an:
“La cita del último miércoles”.
Zine frantziar klasikoko zikloa, Claire Simonen Gare du nord.

El 29 de julio:
“La cita del último miércoles”.
Ciclo de cine clásico francés, Gare du
nord de Claire Simon.

29th of July:
“La cita del último miércoles”.
Classic french film cycle, Gare du nord by
Claire Simon.

Uztailaren 30etik abuztuaren 27ra:
Retrospective Raoul Peck zikloa.

Del 30 de julio al 27 de agosto:
Ciclo Retrospective Raoul Peck.

From 30th of July to 27th of August:
Retrospective Raoul Peck cycle.

Uztailak 30ean:
Haitian Corner
Abuztuak 6an:
Lumumba, la mort du prophéte
Abuztuak 18an:
Lumumba
Abuztuak 20an:
Le profit et rien d’autre
Abuztuak 27an:
Moloch tropical

30 de julio:
Haitian Corner
6 de agosto:
Lumumba, la mort du prophéte
18 de agosto:
Lumumba
20 de agosto:
Le profit et rien d’autre
27 de agosto:
Moloch tropical

30th of July:
Haitian Corner
6th of August:
Lumumba, la mort du prophéte
18th of August:
Lumumba
20th of August:
Le profit et rien d’autre
27th of August:
Moloch tropical

Abuztuaren 5ean:
Future Shorts Summer Season 2015.

El 5 de agosto:
Future Shorts Summer Season 2015.

5th of August:
Future Shorts Summer Season 2015.

Uztailak 29an:
“La cita del último miércoles”.
Zine frantziar klasikoko zikloa, Benoît
Jacquoten La fille seule.

El 26 de agosto:
“La cita del último miércoles”.
Ciclo de cine clásico francés, La fille seule
de Benoît Jacquot.

26th of August:
“La cita del último miércoles”.
Classic french film cycle, La fille seule by
Benoît Jacquot.

Irailaren 3tik 24ra:
Paulino Viota zikloa.

Del 3 al 24 de septiembre:
Ciclo Paulino Viota.

From 3rd to 24th of September:
Paulino Viota cycle.

Irailak 3an:
Las Ferias
José Luis
Tiempo de busca
Irailak 10ean:
Fin de un invierno
Contactos
Irailak 17an:
Jaula de todos
Con uñas y dientes
Irailak 24an:
Cuerpo a cuerpo
Irailaren 11tik 28ra:
BIDEODROMO 2015.

3 de septiembre:
Las Ferias
José Luis
Tiempo de busca
10 de septiembre:
Fin de un invierno
Contactos
17 de septiembre:
Jaula de todos
Con uñas y dientes
24 de septiembre:
Cuerpo a cuerpo
Del 11 al 28 de Septiembre:
BIDEODROMO 2015.

3rd of September:
Las Ferias
José Luis
Tiempo de busca
10th of September:
Fin de un invierno
Contactos
17th of September:
Jaula de todos
Con uñas y dientes
24th of September:
Cuerpo a cuerpo
From 11th to 28th of September:
BIDEODROMO 2015.

220

BilbaoArte

Proiekzioak - Proyecciones - Screenings

Irailak 30an:
“La cita del último miércoles”.
Zine frantziar klasikoko zikloa, Lucas
Belvauxen 38 témoins.

El 30 de septiembre:
“La cita del último miércoles”.
Ciclo de cine clásico francés, 38 témoins
de Lucas Belvaux.

30th of September:
“La cita del último miércoles”.
Classic french film cycle, 38 témoins by
Lucas Belvaux.

Urriaren 5etik 9ra:
DOCTUBRE IB. Mexiko Hiriaren Zine
Dokumentaiaren Nazioarteko Emanaldia.

Del 5 al 9 de octubre:
DOCTUBRE IB. Festival Internacional de
Cine Documental de la Ciudad de México.

From 5th to 9th of October:
DOCTUBRE IB. International Festival of
Documentary Cinema of the City of Mexico.

Urriak 5ean:
Félix. Autoficciones de un traficante
Urriak 6an:
Bad Card
Urriak 7an:
La hora de la siesta
Urriak 8an:
Mais náufragos que navegantes
Urriak 9an:
Enseguida anochece
No estoy muerto sólo estoy dormido
Slikebal
33
Urriaren 15etik azaroaren 26ra:
Frantzia garaikidearen zinemagileak zikloa
Urriak 15ean:
Week-ends
Urriak 22an:
Augustine
Urriak 29an:
Un château en Italie
Azaroak 5an:
La vie domestique
Azaroak 12an:
Lulu femme nue
Azaroak 19an:
Valérie Mréjen-en laburmetraiak
Azaroak 26an:
Grand Central

5 de octubre:
Félix. Autoficciones de un traficante
6 de octubre:
Bad Card
7 de octubre:
La hora de la siesta
8 de octubre:
Mais náufragos que navegantes
9 de octubre:
Enseguida anochece
No estoy muerto sólo estoy dormido
Slikebal
33
Del 15 de octubre al 26 de noviembre:
Ciclo Cineastas de la Francia contemporánea
15 de octubre:
Week-ends
22 de octubre:
Augustine
29 de octubre:
Un château en Italie
5 de noviembre:
La vie domestique
12 de noviembre:
Lulu femme nue
19 de noviembre:
Cortometrajes de Valérie Mréjen
26 de noviembre:
Grand Central

5th of October:
Félix. Autoficciones de un traficante
6th of October:
Bad Card
7th of October:
La hora de la siesta
8th of October:
Mais náufragos que navegantes
9th of October:
Enseguida anochece
No estoy muerto sólo estoy dormido
Slikebal
33
From 15th of October to 26th of November:
Filmmakers of contemporary France cycle
15th of October:
Week-ends
22nd of October:
Augustine
21st of October:
Suzanne
5th of November:
La vie domestique
12th of November:
Lulu femme nue
19th of November:
Short films by Valérie Mréjen
26th of November:
Grand Central

Urriak 19an:
Luis Vilen Escisión

El 28 de octubre:
Escisión de Luis Vil

28th of October:
Luis Vil’s Escisión

Urriaren 21etik 23ra:
¡¡Que nos quiten lo bailao!! Gorputzak,
musika eta dantza zine garaikidean, BADekin harremanetan.

Del 21 al 23 de octubre:
¡¡Que nos quiten lo bailao!! Cuerpos, música y danza en el cine contemporáneo,
en colaboración con BAD.

From 21st to 23rd of October:
¡¡Que nos quiten lo bailao!! Bodies, music
and dance in the contemporary films, in
collaboration with BAD.

Urriak 21ean:
Corps à corps
Urriak 23an:
Cadencia
Fish market
Hipopotamy

21 de octubre:
Corps à corps
23 de octubre:
Cadencia
Fish market
Hipopotamy

21st of October:
Corps à corps
23rd of October:
Cadencia
Fish market
Hipopotamy

Bestelakoak - Otros - Other

BilbaoArte

221

That dizzying crest
Unfit
Urriak 26an:
Entrenamiento elemental para actores
Estrellas

That dizzying crest
Unfit
26 de octubre:
Entrenamiento elemental para actores
Estrellas

That dizzying crest
Unfit
26th of October:
Entrenamiento elemental para actores
Estrellas

Urriak 28an:
“La cita del último miércoles”.
Zine frantziar klasikoko zikloa, Philippe
Garrelen La jalousie.

El 28 de octubre:
“La cita del último miércoles”.
Ciclo de cine clásico francés, La jalousie
de Philippe Garrel.

28th of October:
“La cita del último miércoles”.
Classic french film cycle, La jalousie by
Philippe Garrel.

Azaroaren 2tik 30era:
“No ficción francesa” III zine zikloa.

Del 2 al 30 de noviembre:
Ciclo “No ficción francesa” III.

From 2nd to 30th of november:
“No ficción francesa” III zinema season.

Azaroak 2an:
Laburmetraiaren jaialdia
Azaroak 9ean:
Las régles du jeu
Azaroak 16ean:
Chante ton bac d’abord
Azaroak 23an:
Souvenirs de la Géhenne
Azaroak 30an:
Brûle la mer
Kamen las pierres
Azaroak 25ean:
“La cita del último miércoles”.
Zine frantziar klasikoko zikloa, Julien Duvivierren Pépé le moko.

2 de novembre:
Festival del cortometraje
9 de noviembre:
Las régles du jeu
16 de noviembre:
Chante ton bac d’abord
23 de noviembre:
Souvenirs de la Géhenne
30 de noviembre:
Brûle la mer
Kamen las pierres
El 25 de noviembre:
“La cita del último miércoles”.
Ciclo de cine clásico francés, Pépé le
moko de Julien Duvivier.

2nd of November:
Short film’s festival
9th of November:
Las régles du jeu
16th of November:
Chante ton bac d’abord
23rd of November:
Souvenirs de la Géhenne
30th of November:
Brûle la mer
Kamen las pierres
25th of November:
“La cita del último miércoles”.
Classic french film cycle, Pépé le moko
by Julien Duvivier.

Esker onak / agradecimientos / thanks to: Institut Français, Intermedio & Golem.

Bestelakoak
Otros
Other
Maiatzaren 26tik 31ra:
“Athletic gu gara”. Autobusen esku-hartzea.

Del 26 al 31 de mayo:
“Somos Athletic”. Intervención de autobuses.

From 8th to 20th of June:
“We’re Athletic”. Bus intervention.

Ekainaren 8tik 20ra:
ARTESHOP 2015.

Del 8 al 20 de junio:
ARTESHOP 2015.

From 8th to 20th of June:
ARTESHOP 2015.

Uztailak 8an:
Make up Camarena
Body Painting erakusketa.

El 8 de julio:
Make up Camarena
Exhibición Body Painting.

July 8th:
Make up Camarena
Body Painting exhibition.

Azaroaren 26tik 28ra:
Humanae proiektua
Angélica Dass-ren eskutik.

Del 26 al 28 de noviembre:
Proyecto Humanae
por Angélica Dass.

From 26th to 28th of November:
Humanae project,
by Angélica Dass.

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