4.

ALGUNAS PROPUESTAS, TENDENCIAS Y/O ACTITUDES EN LA PINTURA DE PRINCIPIOS

DE SIGLO XXI
4.1. La pintura expandida: Angela de la Cruz, Miquel Mont, Guillermo Mora, Jessica Stockholder......

4.2. La tradición surrealista. Lo insólito y la oniria en la obra de Marcel Dzama, The Royal Art Lodge y
Neo Rauch
4.3. Obsesión y futilidad de la creación pictórica. Tom Friedman, Francis Alys, Marti Anson, Ignacio
Uriarte

4.4. El dibujo, su prevalencia y auge: Raymond Pettibon, Fernando Bryce, Vija Celmins, Toba Khedoori,
Martin Vitaliti...

4.5. La figuración bajo “el efecto Tuymans": De Richter, Luc Tuymans, Wilhelm Sasnal, Eberhard
Havekost y Magnus von Plessen a Michael Borremans, Alain Urrutia, Diego Vallejo o Nathaniel Evans

4.6. La vida desde la pintura:la figuración de la cotidianeidad, lo frívolo y lo sofisticado. Alex Katz,
Elizabeth Peyton, Karen Klimnik, Richard Philips, Martin Eder, John Currin, Lisa Yuskavage...

4.7. Recorrido por la abstracción: Mark Grotjam, Sarah Crowner, Odili Donald Odita, Wade Guyton,
Sarah Morris...

4.8. Otras propuestas figurativas

 EL EFECTO TUYMANS

“El pintor y teórico Jordan Kandor, lo explica, no

sin cierta ironía, en un texto publicado en
Artforum a finales del 2004, a propósito de tres
pintores interesantes como Wilhelm Sasnal,
Eberhard Havekost y Magnus von Plessen, bajo el
título ‘El efecto Tuymans’”
Barro, David: “La pintura como mensaje cifrado”, texto para Alain
Urrutia, en
http://www.alainurrutia.com/texts/spanish/pintura-como-medio/

"Toda mi obra, como la de muchos artistas

contemporáneos, se basa en imágenes existentes
que circulan por todo el mundo. ¿Cómo puede un
artista que cuestiona el mundo mediante sus
obras hacerlo sin utilizar esas imágenes?“
Tuymans
http://www.lavanguardia.com/cultura/20150122/54423860903/pintura
Katrijn van Giel: Fotografía de ean Marie Dedecker (2010) -foto-plagio.html
Luc Tuymans: A Belgian politician
Pleito perdido por Tuymans: prohibido la reproducción y exhibición
pública del retrato, so pena de multa de 500.000 euros.
 LA IMAGEN EN EL IMAGINARIO ACTUAL

Empacho visual (gran cantidad de información y de imágenes que nos rodean).

Objetivo: Recuperar la fascinación por las imágenes a través de la representación.

“Más que nunca, hoy, se puede decir de nosotros, aunque afirmarlo resulte
paradójico en un mundo hipervisible [sic], que tenemos ‘ojos para no ver’.
Muchas de las cosas que nos rodean y de situaciones que en un principio
podrían pasar desapercibidas tengan una lectura y un carácter estético que se
formaliza con su representación”. Alain Urrutia http://www.alainurrutia.com/

Alain Urrutia
Bilbao, 1981
 LA IMAGEN EN EL IMAGINARIO ACTUAL

- Empacho visual (gran cantidad de información y de imágenes que nos rodean).

Objetivo: Recuperar la fascinación por las imágenes a través de la representación.
 LA IMAGEN COMO EXCUSA DE LA PRÁCTICA PICTÓRICA

-¿Qué es una pintura? Una imagen, una representación o ambas a la vez...

"Una imagen puede ser hecha por una máquina, pero una representación debe ser realizada de
manera deliberada, de acuerdo a unos parámetros y a unos criterios que han sido desarrollados a lo
largo del tiempo y que continúan evolucionando sin cesar". Jeff Wall
- Empacho visual (gran cantidad de información y de imágenes que nos rodean).
Objetivo: Recuperar la fascinación por las imágenes a través de la representación.

Objetivo: Devolver una función presencial a la pintura, despegando a la obra de su referente

fotográfico. Constituyendo como principal objetivo la pura experiencia sensorial e introspectiva,
bajo una mirada propia y contemporánea.

“Gerhard Richter que conceptualmente entiende la pintura como un proceso de decisión y que
formalmente bebe directamente de la relación entre pintura y fotografía. “
Barro, David: “La pintura como mensaje cifrado”, texto para Alain Urrutia, en
http://www.alainurrutia.com/texts/spanish/pintura-como-medio/

-“La permanencia de la imagen estática en la memoria es más fuerte

que la de una imagen en movimiento”.
Barro, David: ibidem

GERARD RICHTER
Woman with Child (Beach), 1965, oleo-tela, 130x110 cm
 LA IMAGEN COMO EXCUSA DE LA PRÁCTICA PICTÓRICA

Como espectadores y lectores de imágenes somos capaces de interpretar y traducir unos códigos a los
que tenemos acceso.

¿Qué pasaría si dichos códigos fuesen difícilmente descifrables?

¿Sería una buena opción para tratar de representar lo que no se puede conocer?

REPRESENTAR LO IRREPRESENTABLE
 OPACIDAD VISUAL, PINTURA CIFRADA
“Su pretensión no es decirlo todo sino hacer visible un enigma”. David Barro

ALAIN URRUTIA
Hold me, 2014
 OPACIDAD VISUAL, PINTURA CIFRADA
“Lo que me interesa en general y esto también se aplica a la pintura, es aquello que no
entiendo, ocurre eso con cada pintura. No me gustan las que puedo entender”. Gerhard
Richter

GERARD RICHTER
Portrait Dieter Kreutz
1971 150 cm x 125 cm
Oil on canvas
 OPACIDAD VISUAL, PINTURA CIFRADA
“Sigo buscando la sensación de esas impresiones confusas que traemos al nacer”
Cezanne
Barro, David: “La pintura como mensaje cifrado”, texto para Alain Urrutia, en
http://www.alainurrutia.com/texts/spanish/pintura-como-medio/
 OPACIDAD VISUAL, PINTURA CIFRADA
-Una necesidad de no mostrarlo todo sino de despertar incógnitas en aquel que observa.
- Mostrar lo indiscernible, lo indecible, lo inenarrable, lo enigmático.

Everhard Havenkost
CAR PARK 4
2001
Oil on Canvas
90 x 180cm

Dan Hays
Overgrown Path, 2000
Oil on canvas
200 x 200 cm
 OPACIDAD VISUAL, PINTURA CIFRADA
- El empleo de una serie de recursos capaces de conseguir que las cosas se expresen con más fuerza
mediante su ausencia.
- Aumentar la intensidad, densificar la imagen
- Tensar, extremar e incomodar la mirada. Desvío de la mirada que siembra la duda.

Everhard Havenkost
CAR PARK 4
2001
Oil on Canvas
90 x 180cm

Dan Hays
Overgrown Path, 2000
Oil on canvas
200 x 200 cm
 OPACIDAD VISUAL, PINTURA CIFRADA
- El empleo de una serie de recursos capaces de conseguir que las cosas se expresen con más fuerza
mediante su ausencia.
- Aumentar la intensidad, densificar la imagen
- Tensar, extremar e incomodar la mirada

Everhard Havenkost
CAR PARK 4
2001
Oil on Canvas
90 x 180cm

Dan Hays
Overgrown Path, 2000
Oil on canvas
200 x 200 cm
 RECURSOS
LO INCOMPLETO,
LO FRAGMENTADO:
EL REENCUADRE

LA BORROSIDAD,
DESENFOQUE,
TINIEBLAS

DISTORSIONES VISUALES

REDUCCIÓN CROMÁTICA
(Grises)

Alain Urrutia
Chapter III, Pietà. Charcoal on paper
230 x 460.
 RECURSOS
Acercarse a la propia destrucción de la imagen

imágenes sumergidas, barridas, ocultas, que incomodan nuestra visión buscando la sensación de un
encuadre movido.

Bajo una fachada se encuentra el contenido, pero este no disfruta de la visibilidad, comprensión e
importancia adquiridas a lo largo de la historia del arte.

“Hablamos de borrosidad, de desenfoque, de fragmentos, de esconder la habilidad de pintar bien, de

solapamientos, de recortes, de interrupciones, de reducciones tonales… Todo gracias al simple gesto
de procesar manualmente la ‘imagen’ de la fotografía buscando la densidad de ésta. Así ese latente
estado de violencia, de violación de la anatomía y el tiempo a modo de enigma irresoluble” Barro, David:
“El paraíso perdido de la pintura”, en http://www.alainurrutia.com/texts/spanish/el-para%C3%ADso-perdido-de-la-pintura/
 TRANSFORMACIÓN DE LO RECONOCIBLE EN EXTRAÑO
Una realidad reconocible es transformada hasta el punto de lo irreconocible.
Sensaciones como la angustia, la incertidumbre y el extrañamiento se convierten en hándicap de sus
pinturas con motivo de coartar nuestra condición de tranquilos espectadores.

Justin Mortimer
Enrique Marty

Razvan Boar Adrian Ghenie

Struggling, 2010 The Devil 3, 2010
oil on canvas, 60 x 50 cm
 LA BÚSQUEDA DEL AURA A TRAVÉS DE LO BANAL
"La imagen fotográfica impide ver de forma errónea y pintando trata de desbordar la banalidad"
Gerhard Richter
Sublimación de lo banal, de lo cotidiano y vulgar a través de la pintura. Imágenes ordinarias que son
alteradas, dejando la huella de su propia construcción.
Predominio de una mirada desvergonzada, cómica e irónica que se refleja claramente en la forma de
proceder con la pintura, donde la manufactura muchas veces no responde a reglas o normas.

Pere Llobera
Maqueta abandonadA, 2013
oil on canvas
81 x 100 cm Luc Tuymans

Gerhard Richter
 LA ESTÉTICA DEL “FRACASO TÉCNICO”, TAQUIGRAFÍA FIGURATIVA
Dichos términos acuñados por Jordan Kantor sirven para explicar un empleo deliberado de recursos
desligados de la tradición pictórica.
El libre empleo estilístico de recursos que derivan de lo inacabado, lo incompleto o la libre factura.
Una particular manera de aceptar y negar la pintura que da lugar a nuevas formas de trabajar con
fuentes fotográficas no basadas en nociones ideológicamente comprometidas de aptitud y talento.

Luc Tuymans Wilhelm Sasnal Logan T. Sibrel

der diagnotische blick IV Anthony Cudahy
Forest, 2003. Oil on canvas, 45 x 45 cm Troy, 2012
57,0 x 38,0 cm _1992 GiW, oil on canvas, 36” x 36” 2014
Oil on panel, 10 x 8 inches
 MEMORIA COLECTIVA E INDIVIDUAL, LO INSTANTÁNEO Y LO ETERNO
La reducción de la gama y de la visibilidad exigen un esfuerzo para interpretar lo que se nos cuenta, en
relación directa con como recordamos las cosas.
El ‘paréntesis’ pictórico, la pintura como fragmento incompleto retenido en el tiempo que esconde el
resultado y niega el acceso a las cosas

Johannes Kahrs
Silent depression, 1999
Luc Tuymans Oil on canvas
Gran Hermano 160 x 210.2 cm

Borremans
Dan Hays The Hovering
Overgrown Path, 2000 Wood - 2011
Oil on canvas
200 x 200 cm
“El vacío de un pasado eternamente inmóvil, en suspensión (…) Un presente vivo, ausente pero
inminente”
Barro, David: “El paraíso perdido de la pintura”,
en http://www.alainurrutia.com/texts/spanish/el-para%C3%ADso-perdido-de-la-pintura/

ALAIN URRUTIA
Judith and Beheaded Hands. Bilbao, 2012
 ALAIN URRUTIA
se inspiró en las fotografías que documentan las performances del accionismo vienés de los años setenta
para elaborar las obras que componen la exposición Aktionimus
 Paraleloam, 2013
´Óleo-tela, 250 x 400 cm

ALAIN URRUTIA ALAIN URRUTIA

Melodias prohibidas, 2011 Scènes dans Fontainebleau I, II, III, 2011
Óleo sobre lienzo
Díptico
 ALAIN URRUTIA
“algo que busco es la tensión, no el dramatismo, siempre a través de la ocultación, del reencuadre, o
tapando partes del cuadro con pintura, ya sea con veladuras o con masa de pintura, a través de eso
busco que el espectador nunca llegue a entender qué es lo que pasa en la imagen, y eso genera una
tensión. Quizás todo esto guarda relación con el hecho de que hasta hace unos años yo era mago, me
dedicaba a hacer magia profesionalmente, y esa tensión también estaba ahí, ya que lo que me interesa
de la magia es el ocultar, enseñar tan solo una parte, y como todo ello genera una tensión en el
público. Cuando alguien ve alguna de mis obras y dice: “me gusta este cuadro, pero le falta algo”, ese
“faltar algo” es ese punto de tensión, ese enigma, esa magia.”

Barro, David: “La pintura como mensaje cifrado”, texto para Alain Urrutia, en
http://www.alainurrutia.com/texts/spanish/pintura-como-medio/
 ALAIN URRUTIA
Il bacio (The kiss). Bilbao, 2012 . Oil on canvas, 41x33 cm.
Beheaded Hands IV. Bilbao, 2012. Oil on canvas ,130x160 cm.

“El trabajo de este artista se caracteriza por su capacidad de generar un mundo de sensaciones entorno a lo velado, a
la incógnita de qué es lo que está pasando al otro lado de esa imagen que se ofrece no resuelta.”
http://nicolamariani.es/2013/11/25/entrevista-a-alain-urrutia-el-enigma-de-la-imagen-que-se-nos-escapa-por-rocio-figueroa/
 ALAIN URRUTIA
Judith and Beheaded Hands. Bilbao, 2012
 ALAIN URRUTIA
Curtain (Rembrandt). London, 2014. Oil on canvas, 50x55 cm.
 ALAIN URRUTIA
The Blitz. London, 2015. Oil on canvas, 150x190-150x145 cm. and ratchet straps.
 ALAIN URRUTIA
Alain Urrutia, Chapter IV. Charcoal on paper. Variable size. Bilbao, 2013.
 ALAIN URRUTIA
Paraleloan/In parallel. Bilbao, 2013.
Oil on canvas, 250x400 cm
 ALAIN URRUTIA ALAIN URRUTIA
The curator. London, 2014. Oil on canvas, 65x60 cm. Paraleloan/In parallel. Bilbao, 2013. Oil on board, 35x30 cm
 ALAIN URRUTIA
Vrouw. Bilbao, 2012. Oil on canvas, 22x27 cm.
 ALAIN URRUTIA
The Secret. Bilbao, 2012. Oil on canvas, 23,5x33 cm.
Me interesa mucho cómo se van a ver las obras en un espacio determinado.
Es importante ver como dialogan los cuadros entre ellos, como se relacionan con el espectador, como reacciono yo mismo con ella.
Me gustan los contrastes, y por eso a veces busco poner en paredes grandes cuadros muy pequeños, o de repente llenar hasta la
saturación un espacio expositivo.
http://nicolamariani.es/2013/11/25/entrevista-a-alain-urrutia-el-enigma-de-la-imagen-que-se-nos-escapa-por-rocio-figueroa/
 ALAIN URRUTIA
Vrouw. Bilbao, 2012. Oil on canvas, 22x27 cm.
 ALAIN URRUTIA
Chapter I. Bilbao, 2011. Charcoal on paper.
 ALAIN URRUTIA
Untitled. Metal structure and oil on canvas. 2 elements of 220 x 500 each. Bilbao.
 ALAIN URRUTIA
'20 Minutos de Pensamiento Abstracto' Exhibition view. Galería Casado Santapau. Madrid, 2016.
 ALAIN URRUTIA
Symphony no. 5. London, 2015.
ALAIN URRUTIA
Symphony no. 5.
London, 2015.
 ALAIN URRUTIA

“La pintura de Alain Urrutia es la historia de una pérdida, pero también de una revelación. Lo no dicho. Lo no nacido.
Lo ajeno. Lo que todavía pertenece a lo invisible, a la intensidad de las tinieblas. Es una pintura misteriosa porque
reposa en su misma sombra. (…) Es la pintura como mensaje cifrado.”

“La influencia de la fotografía y el cine en los encuadres de sus pinturas es indudable.”

“En pintura, desde Gerhard Richter, se ha luchado por representar lo irrepresentable a través de la borrosidad.”

“La memoria, individual y colectiva, y sus dificultades de aprehensión justifican esa reducción de la gama y de la
visibilidad. Entre tanto, el espectador ha de exigirse un esfuerzo para interpretar lo que se nos cuenta –contenidos
que sí esconden un sentido-, imaginar más allá de ese velo suspendido como fachada-telón.”

“En Alain Urrutia la borrosidad será un recurso capaz de conseguir que las cosas se expresen con más fuerza
mediante su ausencia.”

“una suerte de extrañeza que proviene de una conversión de lo familiar en paréntesis.”

“Alain Urrutia pinta, entonces, para guardar. Como memoria infinita.”

Barro, David: “La pintura como mensaje cifrado”, texto para Alain Urrutia, en
http://www.alainurrutia.com/texts/spanish/pintura-como-medio/
“De entre los artistas que empiezan hay quien trata de esconder sus referentes y quien los señala
abiertamente, revelando y asumiendo inmediatamente su momento de búsqueda, sin miedos ni
complejos. Me gusta confesar mi inclinación por los segundos, por esos que dejan que su trayectoria
despliegue su propio tiempo, esos que son capaces de acariciar sus devociones para posteriormente
desdibujarlas y partir para otra parte. Los primeros, salvo casos realmente excepcionales, corren el
peligro de ahogarse en su propio vómito de forzada originalidad, cayendo en su propio engaño. Los
segundos, prefieren hacerse preguntas y estudiar cómo artistas anteriores en el tiempo han tenido
que enfrentarse a ellas e intentar resolverlas.”
Barro, David: “El paraíso perdido de la pintura”, en
http://www.alainurrutia.com/texts/spanish/el-para%C3%ADso-perdido-de-la-pintura/
 GERHARD RICHTER

« Los cuadros que son interpretables y que contienen un significado, son malos cuadros. Un cuadro se
presenta como lo rebelde, lo ilógico, el sin sentido. Esto demuestra la infinita multiplicidad de
aspectos; nos quita nuestra certeza, porque priva a una cosa de su significado y de su nombre. Nos
muestra la cosa en toda su significación múltiple (...) que impide la aparición de cualquier significado
único »
Richter, Gerhard: Escritos, Entrevistas y cartas 1961-2007. Londres, Thames & Hudson, 2009, p. 32-33.
 GERHARD RICHTER

Portrait Klinker, 1965

100 cm x 80 cm
Oil on canvas

Ema (Nude on a Staircase)

Oil on canvas, 1966
200 cm x 130 cm
Group under Palm Trees Portrait Dieter Kreutz
1966 120 cm x 130 cm 1971 150 cm x 125 cm
Oil on canvas Oil on canvas
Gilbert and George, 1975 Curtain I
1965 200 cm x 180 cm
Oil on canvas
I.G. by Gerhard Richter, 1992 I.G. (portrait of Isa Genzken), 1993
 LUC TUYMANS
http://www.abc.es/20110702/cultura/abci-culturalarte-201106301717.html

- “Existe una especie de indiferencia en mis pinturas que las convierte en más violentas, porque
cualquier objeto representado está como borrado, suprimido”
- Luc Tuymans: Art now, Taschen, 2005, p. 318
- Indiferencia, ansiedad y atmósfera de violencia contenida que inquietan
- Imágenes de fotos, películas u otros cuadros.
- Paleta de grises sucios y amarillos que recuerdan fotos descoloridas o recortes amarillentos
de periódicos.
- Parecen pinturas antiguas y crean una distancia temporal entre la obra y el creador, a la vez
que estimulan la memoria del espectador.
- La memoria o su fracaso: recuerdos infantiles de miedo y ansiedad o el trauma colectivo de
los episodios más terribles de la historia reciente.
Camara de gas, 1986
Oleo, 50,0 x 70,0 cm Altar, 2002
Oleo, 232,0 x 313,0 cm

Gran Hermano
 La caminata, el paseo.
Pascua
oleo_37,0 x 48,0 cm_1993
oleo_128,0 x 179,0 cm_2006
der diagnotische blick IV der diagnotische blick VII der diagnotische blick V
57,0 x 38,0 cm _1992 65,5 x 45,5 cm _1992 58 x 40 cm_1992
 Fingers Flowers
oleo_37,5 x 33,0 cm_1995 oleo_79,5 x 72,5 cm_1993
Manchas de sangre, 1993 Apothee
Oleo, 57,5 x 47,5 cm 157,5 x 190,0 cm_oleo_2003
My Leg 2011 Jacket, 2011
 MICHAEL BORREMANS
http://cacmalaga.eu/2015/10/09/michael-borremans-4/

The Hovering Wood - 2011 The Devils Dress - 2011

 The Skirt, 2005 The Pendant, 2009.
70,0 x 60,0 cm, oil on canvas 60 x 40 cm, oil on canvas.
« La obra debe moverme, inquietarme. Tratarme de una forma determinada: como un cuahillo en el
ojo »
Borremans, M.: en el film de De Bruyn, G: Knife in the eye, 2013
 Sleeper, 2008
40,0 x 50,0 cm, oil on canvas
10 and 11, 2006, 36,0 x 42,0 cm, oil on canvas Red Hand, Green Hand (2010)
https://www.youtube.com/watch?time_continue=44&v=U9_KHi8nQrMç
 JUSTIN MORTIMER
http://justinmortimer.co.uk/index.html

Colony, 2009, 70 x 100 cms Cleaners, 2009, 61x 80 cm

JUSTIN MORTIMER

Collages que Mortimer realiza a

partir de fotografías extraidas de
libros e internet y que le sirven
para realizar sus cuadros.
 JUSTIN MORTIMER

Theme Park, 2009 , 80 x 60 cm Community Project, 2009, 80 x 60 cm

 JUSTIN MORTIMER

Family Dollar , 2009, 80 x 60 cm

JUSTIN MORTIMER
 ADRIAN GHENIE
1977, Baia Mare, Rumania
 ADRIAN GHENIE
1977, Baia Mare, Rumania

2001 Art Academy Cluj Napoca, Romania

Lives and works in Romania and Germany

Le tocó presenciar acontecimientos históricos que marcaron su vida, como la caída del muro de Berlín y las secuelas ideológicas de la
Segunda Guerra Mundial, por lo que entre los grandes temas que aborda se encuentran el abuso de poder, el exilio y la selección
natural.

Adrian no sataniza a los nazis en su obra, incluso busca ser comprensivo con ellos, pues asegura que aquello que en determinado
momento los corrompió pudo haber pervertido a cualquiera. Las historias que el artista cuenta a través de sus pinturas, así como su
técnica, utilizan elementos característicos del arte rumano, del canon occidental y otros que le son propios. Su serie de retratos Pie
fightle han dado fama alrededor del mundo y en esta edición del Art Basel 2012, que se celebra todo este mes en Miami, Adrian se
presenta como el pintor joven más cotizado del arte contemporáneo.
Para tener una idea clara de la magnitud y el costo de la obra de Ghenie, su trabajo actualmente se valora en más de 750 mil dólares
por pintura, tomando en cuenta que sus series suelen ser de 20 cuadros por tema
http://www.domingoeluniversal.mx/placeres/detalle/El+punto+que+divide+lo+abstracto+de+lo+real-697

- Fascinación con la historia y el trauma de la dictadura.

- Las fuentes de sus imágenes derivan de una combinación de su propia memoria junto con libros de historia, archivos, documentales y
películas..
- Densas pinturas de varias capas.
- Hace una selección de imágenes, crea collages con imágenes impresas que después pinta.
- Atmósferas claustrofóbicas, densas y opresivas.
- Gran capacidad de crear las diferentes texturas de cada elemento que integra la obra,
- Uso de las luces y las sombras: por medio de la oscuridad oculta partes del cuadro y les da un toque misterioso
- Punto inquietante de sus obras, esa sensación de que algo está pasando
http://reimasterr.blogspot.com.es/2012/06/pintores-rumanos-adrien-ghenie.html
 Pie Fight Pie Fight
Study 2, Study 4, 2008
2008, oil on oil on canvas
canvas, 55 x
59 cm

Untitled ,
2011.
Oil on
canvas,
50.2 cm
x 39.7
cm
 Dr. Josef, 2011,
oil on canvas, 60 x 50 cm
Pie Fight Study, 2012, oil on canvas, 40 x 50 cm
Self-portrait as Charles Darwin, Oil on canvas, 200 x 230 cm Selfportrait as Charles Darwin II, 2012
 Dada is Dead, 2009
acrylic and collage on paper, 42 x 52 cm

Dada is Dead, 2009, oil on canvas, 200 x 220 cm

USO DE COLLAGE
The Devil 3, 2010
The Devil, 2010, oil on canvas, 205 x 230 cm
Pie Fight Interior 9 – 115 x 80 cm, 2012
Pie Fight Interior 8 (2012)
Pie Fight Interior 2 (2012)
ALEXANDER TINEI
ALEXANDER TINEI
ALEXANDER TINEI
 MAGNUS VON PLESSEN

Atelier, 2007 Oil on canvas, 193 x 284 cm

Atelier, 2007 Oil on canvas, 193 x 284 cm

in and out of my shirt, 2006 Oil on canvas

116 x 100 cm
 PERE LLOBERA
http://www.perellobera.com/index.html

Maqueta abandonadA, 2013 Involució, 2011

oil on canvas oil on canvas
81 x 100 cm 40 x 50 cm
 PERE LLOBERA

San Francisco talking to the machines, 2011

oil on canvas
130 x 170 cm
Untitled, 2010
oil on canvas
46 x 33 cm
 PERE LLOBERA

Ex voto, 2007
oil on canvas
73 x 100 cm

Armour, 2008
oil on canvas
150 x 170 cm
 PERE LLOBERA
s/t.. 2016. oil on canvas. 65x48 cm
s/t.. 2016. oil on canvas , 70x100 cm
 DIEGO VALLEJO
http://www.nosotros-art.com/artistas/la-cotidiana-ingravidez-la-ingravida-presencia-diego-vallejo-pierna
 Ventanas 1/121 “paisajes” 2009 (serie abierta)
Accidentes, 2010
 PEPE TALAVERA
https://www.flickr.com/photos/josetalavera
 MIAZ BROTHERS
http://www.miazbrothers.com/

Roberto y Renato Miaz, hermanos nacidos en

Milán en 1965 y 1968 respectivamente,
estudiaron Bellas Artes y continuaron su
formación en el European Institute of Design.
Desde el inicio de su carrera trabajan como
colectivo, casi como extensión de su relación
fraternal, extendiendo juego y niñez a la praxis
artística.
Entre 1990 y 1996, fuera de todo circuito
artístico,decidieron romper con la tradicional
vía que va desde la universidad hasta el centro
de creación o galería, exponiendo en entornos
menos vinculados al arte pero más cercanos al
público, explorando así diversas disciplinas y
situaciones.
Más tarde, entre 1996 y 2000, Miaz Brothers
comenzaron a trabajar en una serie de
proyectos creativos para organizaciones, en un
nuevo intento de experimentar en espacios no
habituales al arte.
Poco después, en el año 2001, deciden
embarcarse en un nuevo proyecto, y eligen
Nueva York como destino, donde comienzan a
desarrollar su estilo original.

Sin embargo, después del incidente del 11S, los hermanos optaron por trasladarse a París, donde continúan con el trabajo iniciado en NY.
Después de cinco años trabajando y experimentando con vídeo, fotografía y pintura comienzan un tour por Sudamérica, Sudeste de Asia y
Europa, estableciendo su residencia actual en Valencia.
Es en este viaje donde los hermanos Miaz estructuran el proyecto Antimatter, reuniendo todas aquellas experiencias vividas y desarrollando
estéticamente las cuestiones metafísicas del ser humano como eje de su investigación. .
 MIAZ BROTHERS
http://www.miazbrothers.com/

MIaz Brothers han desarrollado una técnica

plástica que juega con el espectador, quien ante
una de sus pinturas puede percibir diversas
formas dependiendo del lugar en el que se
observa la pieza. Son las distancias y las
situaciones frente un mismo lienzo que hacen
que aparezcan o desaparezcan elementos que
generan unas definiciones u otras. La suya es
una técnica que aunque se basa en la mimesis
se centra más en las ideas de similitud, parecido
y engaño, de trampantojo, y por ir más allí, en
una constante generación de reflexión sobre las
certezas de lo que observamos, y de los límites,
tanto del ojo como de la capacidad del artista de
falsear lo que se ve.
 NATHANIEL EVANS
http://www.nathanielevansart.com/

"Sibling" 2015 Oil on Paper 12 x 16 Old Timer 2015 Oil on Paper 9 x 12

"Sermon" 2015 Oil on Panel 8 x 10 "Hymnal" 2015 Oil on Paper 11 x 14 "Cold Front" 2015 Oil on Paper 12 x 16
"Congregation" 2015 Oil on Canvas 24 x 30 "A Message" 2015 Oil on Canvas 30 x 40
"Worker;Survivor;Hunter;Gatherer" 2015 Oil on Linen 18 x 24 "No Place Like Home" 2015 Oil on Panel 8 x 10
"Worker's Song" 2015 Oil on Canvas 24 x 24 "In The Dark Brought To Light" 2014 Oil on Mylar 18 x 18
 JOHANNES KAHRS
1965 Bremen, Alemania

Silent depression, 1999

Oil on canvas
160 x 210.2 cm

Girl with yellow wig, 2005

Figure turning, 2005
Oil on canvas
Oil on canvasv
(63 x 56.4 cm)
(200 x 132.3 cm
Man with flag, 2008
Untitled (figure with star), 2007
Oil on canvas
Charcoal and pastel on paper
(54.1 x 83.2 cm)
(255.8 x 156.5 cm
 Big Men, 2008
Untitled (hand), 2012
Oil on canvas
Oil on canvas
(284.1 x 281.3 cm)
(66 X 56 cm)
Two men (sweat), 2008 Untitled (big girl red corner), 2011
Oil on canvas Oil on canvas
(85.2 x 58.2 cm) (165.2 x 114.2 cm)
 SARAH DE VOS
1985, Brussels
http://www.sarahdevos.be/nl/sarahdevos.html

Blouse, 2012 Blue Coat, 2011

Paintings to myself when I'm 80, 2013 85 x 85 cm, óleo-tela 82 x 60 cm, olieverf op hout
60 cm x 50 cm, óleo-tela
 I want U, 2008, oleo-tela
Limbo, 2009, 120 cm x 160 cm, oleo-tela
 Facebook, 2009
Paintings to myself when I'm 80, 2014
60 x 50 cm, olieverf op doek
95 x 75 cm, olieverf op doek
 EVERHARD HAVEKOST

Realiza sus obras a partir de fuentes fotográficas (imágenes congeladas de televisión y vídeo, imágenes que saca de revistas y catálogos y sus propias fotografías). Después de
hacer una selección realiza impresiones de inyección de tinta como punto de partida de sus pinturas.
st_1997_oleo_150 x 100cm zeite II_1998_oleo_183 x 140cm

EVERHARD HAVEKOST
CAR PARK 4
2001
Oil on Canvas
90 x 180cm

Bowling 2
2000
Oil on Canvas
200 x 200cm

EVERHARD HAVEKOST
Inkjet Flatscreen B12, 2012 Minus 2 Meter 1, B08, 2008 Beton, B08, 2008
Oil on canvas Oil on canvas Oil on canvas
110 1/4 x 66 15/16 inches 78 3/4 x 59 inches 47 1/4 x 31 1/2 inches

EVERHARD HAVEKOST
 EVERHARD HAVEKOST
Secrets (of Success) 4/4 (German Window), B10; 2010, Oil on canvas; 160 x 100 cm
Secrets (of Success) 2/4 (Projection), B10; 2010, Oil on canvas; 190 x 120 cm
 EVERHARD HAVEKOST
Plakat, B09; 2009, Oil on canvas; 170 x 110 cm
Secrets (of Success) 1/4 (Carpet), B10; 2010, Oil on canvas; 180 x 120 cm
 Future, 2002 DD
Lifesize B12, 2012
Oil on canvas
Oil on canvas
31 1/2 x 23 5/8 inches
23 5/8 x 39 3/8 inches

EVERHARD HAVEKOST
 DAN HAYS

Overgrown Path, 2000 Colorado Impression 16d, 2007

Oil on canvas oil on canvas, 107 x 137cm
200 x 200 cm
 Dissolve
1998
Oil on canvas
190 x 230 cm

DAN HAYS Returning Wanderer

2009, oil on canvas, 75 x 98cm
 WILHELM SASNAL
1972, Tarnów, Polonia

Forest, 2003. Oil on canvas, 45 x 45 cm

Without Title, Speaker 1, 2003. Oil on canvas. 27 x 33 cm
WILHELM SASNAL
WILHELM SASNAL
 Untitled, 2013
Oil on canvas
30 x 50 x 2.5 cm

WILHELM SASNAL
 Untitled, 2013 Untitled, 2011
Oil on canvas Oil on canvas
120 x 160 x 2.5 cm 121 x 100 x 3 cm

WILHELM SASNAL
Wilhelm Sasnal
Andrea Bellini

REIMPRESIÓN - Flash Arte n. 243 - 2005

No hay reglas

Andrea Bellini: Empecemos con errores. ¿Alguna vez destruyes tus obras?
Wilhelm Sasnal: Muy a menudo. A veces pinto el mismo trabajo cinco ocasiones.
AB: ¿Qué es la pintura para usted?
WS: Es una buena manera de pasar tu tiempo.
AB:. A menudo cambia de un modo pictórico a otro, de la figuración a la abstracción ¿Por qué? Es por hacer valer las infinitas posibilidades
de la pintura? O, en cierto sentido, ¿esta variedad tiene algo que ver con la idea de los límites de la representación?
WS: Ninguno. No puedo poner en palabras. Hago lo que puedo. Lo hago por mí mismo. Es por eso que creo que cometer errores es
importante. Justifico errores.
AB: Parece que en cada pintura siempre tratas de descubrir algo nuevo.
ws: Sí, y la intuición juega un papel fundamental en mi trabajo. No me gustaría tener miedo de usar algo si así lo quiero.
AB: ¿Cuánto tiempo le dedicas a pintar una obra?
WS: Yo pinto mis obras en uno o dos días pues me gusta la sensación de terminar o cerrar algo..
AB: ¿Esta rapidez también tiene algo que ver con la idea de descubrimiento constante?
WS: Quizás, sí, creo que sí.
AB: Su actividad como pintor parece tener algo que ver con un proceso, con el movimiento, y no sólo llegar al destino de un estilo o lenguaje
particular ¿El movimiento reemplaza cualquier destino.?
WS: No tengo ni idea. No hay reglas. Se deriva a alguna parte. Yo no sé de dónde, pero está a la deriva. No es un movimiento controlado. De
todos modos, me gusta la sensación de moverse hacia adelante, de no perder el tiempo.
AB: En un artículo titulado "El efecto Tuymans", publicado en Artforum (noviembre de 2004), JordaniKantor escribió que "una de las lecturas
más fuertes de la obra de Tuyman viene del pintor polaco de treinta y dos años Wilhelm Sasnal." ¿Qué piensa usted de eso? ¿Cree que su
trabajo se puede leer en este sentido, como una especie de "trabajar a través 'de las implicaciones del modelo deTuymans?
WS: Yo no lo creo. Estoy tratando de trabajar por mi cuenta, no a la sombra de Tuymans. Yo trabajo en diferentes medios. El es un pintor muy
grave.
AB: ¿Qué quieres decir con eso?
WS: Creo que él no tiene ninguna distancia con su trabajo. Me gusta mucho su obra, pero por otro lado, tengo esta distancia. Esa es su
manera, pero me temo que mi trabajo no.
AB: ¿Puedes explicar este concepto con mayor claridad? ¿Está buscando una distancia entre usted y su trabajo?
WS: Sí, pero sólo se dieron cuenta de que, recientemente, sentí que estaba atrapada por el miedo a los colores, y que yo iba por un camino
trillado..
AB: ¿Así que los pintores han influido más en tu trabajo?
WS: Por supuesto, Gerhard Richter y Sigmar Polke. También hay un pintor polaco que ha tenido una gran influencia para mí. Su nombre es
Andrzej Wroblewski. Estaba pintando en los años 40 y los años 50.
Wilhelm Sasnal
Andrea Bellini

REIMPRESIÓN - Flash Arte n. 243 - 2005

No hay reglas

AB: ¿De qué manera cree usted que su trabajo ha mejorado o evolucionado desde que empezó a pintar?
WS: Cuando terminé mis estudios en 1999 estaba bastante cerca de los temas de la vida cotidiana. Antes estaba bastante cercano al pop..
He trabajado para empresas de publicidad y desde entonces muchas cosas han cambiado. Pero esta es la deriva que he mencionado antes.
No sabía cuál sería el objetivo después de dos o tres años de pintar cosas oscuras y pesadas. También me gustaría hacer cambios en mi
trabajo en términos de materia. Creo que ahora soy más consciente de lo que estoy haciendo.
AB: Usted es un tipo solitario del artista. Es curioso, pero los pintores suelen ser solitarios por naturaleza. Estoy pensando en Anselm Kiefer y
muchos otros pintores. También desarrolla su proceso creativo en una especie de vacío. ¿Crees que la pintura necesita este tipo de
concentración y atención a la privacidad?
WS: No. Es bueno para desarrollar un estilo que no está demasiado influenciado por lo que está a su alrededor, pero no hay reglas. A veces,
el ruido puede ayudar. Lo que ocurre es que yo no vivo en una gran ciudad y no tengo contacto con ningun tipo de escena del arte. Pero yo no
controlo eso. No es necesario. Un contraejemplo podría ser Kippenberger, que siempre estaba rodeado de gente e hizo un gran trabajo.
AB: ¿Así que podría decirse que hay algún tipo de relación entre su personalidad y las cosas que pintas?
WS: Bueno, hay un cierto porcentaje de intimidad y emoción en el trabajo. Pero también está la cuestión de cálculo y ser consciente de lo que
estás haciendo.
AB: ¿Cómo eliges tus imágenes? ¿Es al azar?
WS: A veces me aparece un tema que me fascina y luego quiero seguirlo pero básicamente es muy aleatorio..
AB: ¿Y lo que inspira su trabajo abstracto?
WS: No sé si he pintado alguna vez una obra completamente abstracta. Siempre hay alguna referencia a la realidad. Si a veces se convierte
en abstracción, es porque veo la pintura esencialmente como algo muy sensual. Si la pintura es algo vago o difuso, es porque quiero dar a la
gente de muchas maneras diferentes para leerlo.
AB: ¿Son importantes los títulos de pinturas para usted? ¿Cómo interactúan con las imágenes?
WS: Bueno, si ves una flor en un cuadro, no tiene sentido poner un título porque usted puede ver lo que es. Por supuesto, cuando hay alguna
historia detrás de la imagen, tiene sentido dar algún tipo de pista a los espectadores. A veces usted no sabe nada sobre el fondo de una
pintura y es imposible interpretar nada. Pero a veces eso no es el caso. Yo diría que la mitad de mis obras tienen título y la otra mitad no.
Yuxtaponer una imagen y una sola palabra, no basta para hacer poesía.
AB: Sus pinturas se basa en gran medida en las fotografías preexistentes. ¿Me puede decir algo acerca de su relación con la fotografía?
TV LATINA: ¿Realmente el tema es más importante que el medio. Tomo fotografías para apoyar a mis pinturas, pero también pinto de la vida
real.
AB: ¿Alguna vez ha mostrado sus fotografías?
WS: Muy pocos de ellas.
Wilhelm Sasnal
Andrea Bellini

REIMPRESIÓN - Flash Arte n. 243 - 2005

No hay reglas

AB: ¿Qué pasa con los videos que se mostraron en Islandia en el 2005?
WS: Hay tres películas de 16 mm. Se hacen con tres canciones de amor, como videos musicales, aunque tal vez no en un sentido estricto. A
veces son imágenes abstractas, aunque tratan los estados de ánimo, así que tienen algo de calidad narrativa. Ellos no son tan graves,
aunque se tratan con seriedad. Esto es lo que a veces falta en mi trabajo, que puede ser un poco pesado. Siempre pienso en la música y
luego pienso en la interacción entre la imagen y la música. Pero no tengo ninguna experiencia que mostrarles. Todavía estoy buscando en
este campo. La música es muy importante para mí.
AB: ¿Esto es también cierto para su pintura?
WS: Tal vez, pero de nuevo, no de una manera estricta. Escucho mucha música y soy consciente de la fuerza de la música. Es paralela a la
cultura del arte, pero es más accesible y eso me gusta, pues es lo que realmente influye en la gente.
AB: En una entrevista Damien Hirst dijo que la pintura contemporánea es muy diferente de la pintura en el pasado, y que es menos
importante. ¿Qué piensa usted de eso?
WS: Sí, creo que tiene razón. La pintura ha perdido el papel documental que tenía antes. Otros medios han traído una avalancha de
imágenes. Mi escuela siempre trató de arrastrar la atención de los estudiantes a la historia del arte. Cuando terminé mis estudios yo estaba
harto de la pintura. No iba a los museos en ese momento porque estaba tratando de escapar de la historia de la pintura. Pero ahora me siento
libre de ella. Es genial cuando se puede jugar con la historia del arte. Miro pinturas americanas del siglo 19 y veo la calidad de la acción y la
narración. Estoy bastante sorprendido de que la gente todavía esté buscando y buscando en la pintura. Esto es algo que es bastante curioso.
AB: ¿Cómo usted va sobre la organización de sus trabajos en un espectáculo como su 2005 en Anton Kern Gallery de Nueva York ?
WS: ¿Ese programa es muy especial para mí porque me presenté casi todas las obras que hice en Marfa , Texas . Cuando pienso en una
exposición de pintura, sin embargo, no lo hago en términos de un proyecto.
AB: No es función de un proyecto necesariamente, pero ¿existe una relación entre los grupos de pinturas eporsu estilo, tema o tamaño, por
ejemplo?
WS: Sí, creo que si hay. Para mí, exhibir pinturas es como el propio acto de pintar. Hay tensión e interacción entre ellos por sus tamaños e
intensidad, por cómo lo hacen o no.
AB: Cuando comenzamos la entrevista hablando de errores, vamos a cerrar con la peor posible pregunta: ¿quién es Wilhelm Sasnal?
WS: Estoy tratando de permanecer igual, de ser el mismo, pero no como un artista.

Andrea Bellini era EE.UU. editor de Flash Art 2004-2007, desde entonces se ha convertido en el director de la feria de arte en Artissima Turín
.
Wilhelm Sasnal nació en Tarnów, Polonia, en 1972.
Vive y trabaja en Tarnów
 RAZVAN BOAR
1982 Lugoj, Romania
http://www.razvanboar.com

Razvan Boar, Foam Sister, 2010, oil on canvas, 60 x 50 Razvan Boar, Belle, 2010, oil on canvas, 120 x 120 cm Razvan Boar, Struggling, 2010, oil on canvas, 60 x 50 cm
cm
Razvan Boar, Untitled, 2011, oil on canvas, 46 x 40 cm
Razvan Boar, Chroma, 2013
Razvan Boar, The Cave, 2011.

Swirl, 2012
 RINUS VAN DE VELDE
http://rinusvandevelde.com/
 RINUS VAN DE VELDE
decor for 'the islander'
RINUS VAN DE VELDE
The Deluge
The visitors
 RINUS VAN DE VELDE
The Arrival
La llegada. Por último, sólo que mi
barco iba a la deriva, cediendo a
los sueños de la fiebre y
alucinaciones. Los temores:
serpientes, joyería, alturas,
muchos otros. Cuando una
repentina ola volcó la
embarcación, nadé medio
despierto y con los ojos cerrados a
través de lo que parecía ser un
océano de imágenes interiores, los
restos de las innumerables
narraciones que habían
sobrevivido hasta ahora,
moléculas de vidas que vivieron,
un universo metafórico que iba
perdiendo su coherencia, cada vez
más fluido.
Imagen tras imagen, me moví más profundamente en el corazón de la oscuridad que era mi propia conciencia, mi
perspectiva personal inevitable como artista, me lo fui testigo de mí mismo como una tercera persona. Justo cuando
estaba a punto de ahogarse en este mar de uno mismo, mi mano encontró una roca sólida. Por supuesto que no morí,
pensé: hubiera sido en contra de toda lógica. Yo estaba intacta, de alguna manera, y yo estaría para la eternidad. Abrí los
ojos y vi un cielo nocturno que se cernía sobre el mar como una construcción, una azotea, el fin del mundo por encima
de mí. Usando mis últimas fuerzas, me arrastré hasta la roca resbaladiza que se levantó de la mar, hacia lo que yo no
sabía, sin embargo, algo que se cayó de mis fotos. Una luna extrañamente brillante iluminó mi cuerpo, moldeando mi
musculatura.
 RINUS VAN DE VELDE
building decor for "the story of frederic, conrad, jim and rinus'
Jim had left, said the letter on his desk.
 RINUS VAN DE VELDE
installation views 'The Story of Frederic, Conrad, Jim and Rinus' at Tim Van Laere Gallery Antwerp
 LOGANT SIBREL
http://logantsibrel.com/

Slight Pooch, 2013 Fired Up, 2013 deine Haare, 2013

Oil on panel Oil and acrylic on panel Oil and acrylic on panel
10 x 8 inches 24 x 18 inches 10 x 8 inches
 Dudes, 2013 Throat, 2013
Sorry (PPP), 2013
Oil on panel Oil on panel
Oil on canvas
10 x 10 inches 8 x 10 inches
8 x 6 inches

Peegirl That’s
2013 Alright
Oil on 2012
panel Oil on panel
11 x 14
inches
 ANTHONY CUDAHY
http://www.anthonycudahy.com/

Given 32” X 32” Oil on canvas IS(ii), oil, 24" x 31" 2013 It was violence too, gouache, 16x20 2013
FULCRUM/’The Voice of Everything’ 48" x 36", 2014 Untitled, oil, 20"x20" 2012
 MARIA TINAUT
http://tinaut.tumblr.com/

Maria Tinaut
Maria Tinaut
Untitled, 2013. Oil on canvas, 24x24 cm
The letter, 2013. Oil on canvas
 Maria Tinaut
Sin título, 2014. 20x24 cm
www.mariatinaut.tumblr.com
 Maria Tinaut Maria Tinaut
Febrero en el estudio, 2014. 80x100 cm Colorado, 2014. 80x100 cm
 Maria Tinaut Maria Tinaut
Summer pool, 2014. 60x80 cm Laía’s Mattress, 2014. 24x35 cm
 Maria Tinaut Maria Tinaut
Halle, 2014. 27x41 cm Before the funeral, 2014. 24x35 cm
 Maria Tinaut Maria Tinaut
‘Can’t wait to be gone’ ‘Farewell’
Esmalte sobre lienzo / Enamel on canvas Esmalte sobre lienzo / Enamel on canvas
46×38 cm 160×132 cm
 Maria Tinaut Maria Tinaut
‘Der Traum/Calpe’ ‘Sin título’
Esmalte sobre lienzo / Enamel on linen Esmalte sobre lienzo / Enamel on canvas
130×97 cm 146×116 cm
 Maria Tinaut Maria Tinaut
Hard and Holy. 2015 I don’t want anything to make waves’
Spray sobre lienzo. 81x65 cm Esmalte sobre lienzo / Enamel on canvas
146×100 cm
 Maria Tinaut Maria Tinaut
Hard and Holy. 2015
Spray sobre lienzo. 81x65 cm
 ALEX MARCO
http://www.alexmarcopaintings.com/images
https://www.pinterest.com/mightymise/alejandro-marco/
 Alejandro Marco Montalvo(detalle)
Óleo sobre lienzo
100x81cm, Dani Coves

Formación y Becas:
2005-2009 Licenciado en Bellas Artes en la Facultad de Bellas Artes San Carlos. Universidad Politécnica de Valencia
2007-2008 Beca Sócrates-Erasmus en la Accademia di Belle Arti di Brera. Milán, Italia
2009-2010 Máster en Producción Artístisca en la Facultad de Bellas Artes San Carlos. Universidad Politécnica de Valencia.
 2011. Óleo sobre lienzo,
81x81cm.

Antiguo estudio, 2010. Óleo

sobre lienzo, 90x120cm.

Bodegón (detalle), 2008.

Óleo sobre tabla, 50x50cm.
Bodegón abandonado (primera Bodegón abandonado (segunda versión), 2011.
versión), 2011. Óleo sobre lienzo, Óleo sobre lienzo, 60x60cm.
25x40cm.
 Mireia, 2008. Óleo
sobre lienzo, 76x76cm

Las manos de la experiencia, Retrato del pintor Carlos mondriá, 2007.

óleo sobre lienzo 170x140 Óleo sobre tabla, 120x90cm.
Estudio limitado de una
identidad, 2008. Óleo sobre Luz cenital, 2012. Óleo sobre lienzo, 73x92cm.
lienzo, 150x105cm.
 Ryan Lay (detalle), 2011.
Óleo sobre lienzo, 150x150
cm.

2009. Óleo sobre lienzo, 60x60cm. Steve Durante, serie “American

People”, 2012. Óleo sobre lienzo,
14x11cm.
The burned landscape, 2012. Óleo The burned landscape (segunda versión),
sobre lienzo, 73x73cm 2012. Óleo sobre lienzo,
120x150cm.
2012. Óleo sobre lienzo, 50x55cm. S/T, 2012. Óleo sobre lienzo, 54x54cm.

Paisaje nevado, 2010. Óleo sobre lienzo, 49x49cm.

 2012. Óleo sobre lienzo, 33x33cm.

2010. Óleo sobre lienzo, 2012. Óleo sobre lienzo, 30x35cm.

81x81cm.
 Trabajo final de Máster (TFM)
Descanso, muerte, engaño

Hipótesis de un autorretrato muerto, 2010. Previo a disección, 2011.

Óleo sobre lienzo, 81x81cm. Acuarela, cera y carboncillo
sobre papel y acetato,
40x40cm.
 Modelo de anatomía, 2011.
Acuarela, cera y carboncillo sobre papel y acetato,
29x29cm.
Piezas clave al desarrollo

Cráneo, 2010. Óleo sobre lienzo, 60x60cm.

El descanso del guerrero, 2008.

Óleo sobre lienzo, 81x81cm.

Autorretrato, 2010. Óleo sobre lienzo, 165x165cm.

 Mesa, 2011. Óleo sobre lienzo,
Perro muerto, 2010. Óleo sobre lienzo,
116x89cm.
60x60cm.
 El perfume, 2011. El perfume, 2011.
Óleo sobre lienzo, 33x27cm Óleo sobre lienzo, 42x54cm.
Piedad, 2012. Óleo sobre lienzo, Apunte de un cadáver putrefacto,
100x170cm. 2012. Óleo sobre tabla para
cortar fiambre, 13x27cm.
 ALEX MARCO
Galería Luis Adelantado.
CALL 2014
 ALEX MARCO
S/T. 2014, Óleo y esmalte sobre lienzo. 195x146 cm
S/T. 2014, Óleo y esmalte sobre lienzo. 195x146 cm
 ALEX MARCO ALEX MARCO
Subject-2. 2014 Plant room. 2014
Óleo y esmalte sobre lienzo. 195x146 cm Óleo sobre lienzo. 46x38 cm
 ALEX MARCO
Había un bosque por debajo,. 230x150cm.
Luxury object, 2016. 25x17cm.Current show, "Bête noire" in Berlin.
 ALEX MARCO
Stand 9F11, galería Luis Adelantado ARCO 2016
33x24cm.
 ALEX MARCO
195x130cm.
Ink and spray on paper, 208x130cm., Current show at Luis Adelantado Valencia
ALEX MARCO
33x24cm
33x24cm.

.
ALEX MARCO
BIN
25x17cm.
 ALEX MARCO
Collage de tela sobre cartón y madera, 2017.
Óleo y spray sobre lienzo. 2017
 RUBEN GUERRERO

“Rubén cuestiona la realidad y su condición de veracidad. Como si de una tramoya se tratara, sus
escenografías pictóricas -ajadas, decadentes-, dejan entrever su trasfondo, su doblez, el otro lado, con
sus miserias y destellos. Frente a sus obras, el espectador se encuentra en el incómodo trance de
decidir si nos hallamos ante el anverso o el reverso de esa realidad. Ante sus obras, al igual que ante
las grandes expresiones públicas de nuestra sociedad, se debe decidir si asumir esa realidad y
disfrutarla, aún a sabiendas de su transitoriedad y reversibilidad, o rascar la superficie y descubrirnos
ante el hecho ficticio y, tal vez, descorazonador.”
http://www.scan-arte.com/ruben-guerrero-bio
“Rubén Guerrero (Sevilla, 1976) realiza una investigación singular sobre la construcción de la imagen
pictórica. En la exposición cuenta con una serie de obras realizadas por medio de superficies planas,
que aparentemente niegan toda ilusión de profundidad, creadas a partir de una serie de espacios
matéricos que construyen una escenografía que resulta tanto real como ficticia y a la vez mezcla
elementos abstractos y figurativos, dotando a la obra de una connotación irreal que la hace mucho
más críptica. Guerrero acentúa la imagen subvirtiendo su sentido lógico y posicionando al espectador
en un territorio indefinido desde el cual debe configurar el sentido de la obra a partir de las múltiples
referencias reconocibles que el artista toma de la iconografía mediática, el cómic, la ilustración, la
publicidad, el diseño, la fotografía y la televisión.”
Marlborough Barcelona, con el arte joven emergente. Hoyesarte. 17.11.2011 en http://www.luisadelantado.com/index.php
“El cuadro apunta más bien a la fusión de espacios
típica de nuestra época: visiones de la naturaleza
propias del veraneante medio, reclamos
publicitarios, iconos que bullen en la cultura de
masas. Esa mezcla, heteróclita como nuestra
imaginación, es la que subtiende, a mi juicio, los
trabajos de Guerrero.”
Díaz-Urmeneta, Juan Bosco. “Pintura y pensamiento”. Diario de Sevilla
05/07/2010 en http://www.luisadelantado.com/index.php
 S/T (Sounds good). 2008
Óleo y esmalte sobre lienzo. 200x250 cm
“El trabajo de Guerrero, fuera de parámetros previsibles, notablemente personal y reconcentrado, de
pinturas pseudo-figurativas y muy pop de aires hard edge; pintura como encintada, decididamente
plana, a base de abundantes enmascarados, donde se recrea la iconosfera juvenil más actual,
enlazando con prototipos de la ilustración y del diseño en , por ejemplo, las más punteras revistas de
tendencia, las páginas web, el escaparatismo, o el diseño aplicado (instrucciones de uso, gráficos de
montaje, logos, señales urbanas). Pero más allá de estas características sintácticas, la pintura de
Guerrero, dura, esmaltada, en su suceder de opacidades capa sobre capa, plantea sobre todo un muy
complejo campo de yuxtaposiciones, donde caben imágenes de ídolos del rock o logotipos de grandes
compañías de la cultura del entretenimiento, junto a retazos frágiles y exquisitos de una naturaleza
casi idealizada, incluso citas cultas sobre óptica y la propia historia del arte que, con frecuencia, han de
ser leídas en clave metalingüística.”
Alonso Molina, Óscar. Inicial/08 [cat. Expo. Inicial/08. Espacio Iniciarte] en http://www.luisadelantado.com/index.php

“Rubén Guerrero parece querer ir más allá de las convenciones del marco de la pintura, siendo sin
embargo respetuoso con ella. (…) Hay desvíos hacia dentro y hacia fuera, desplazamientos y desalojos,
obstáculos y barreras, yuxtaposiciones y mixturas que colman su pintura, en modos muy diversos, de
aposentos de todo tipo.(…)
Construyendo arquitecturas imposibles y engañando al ojo, compone y vuelve a componer, para
acabar bloqueando el acceso a espacios de los que finalmente no se puede salir. (…)
Rubén Guerrero descoloca al espectador lo lleva de un lado a otro, a saltos, de un cuadro a otro,
cegando la posibilidad de ver más allá. En estas otras obras, sin apenas resistencias compositivas, a
base de amplias manchas de pintura e introduciendo gestos mínimos con ceras o spray, la pintura
aparenta ser más ligera cuando, sin embargo, es robusta y, de nuevo, aprisionadora.”
 S/T. 2009
Óleo y esmalte sobre tabla. 126x92 cm
 S/T. 2009 S/T (Extreme beyond this point!). 2008
Óleo y esmalte sobre tabla. 91x70 cm Óleo y esmalte sobre papel encolado sobre tabla. 150x120 cm
 S/T (La trampa del ojo II). 2006 S/T (Acme). 2005
Óleo y esmalte sobre tabla. 130x92 cm Óleo y esmalte sobre tabla. 86x80 cm
 S/T. 2012 S/T (2). 2012
Óleo y esmalte sobre madera. 198x125 cm Óleo y esmalte sobre lienzo. 249x168,5 cm
S/T (Marco negro sobre papel blanco). 2012 S/T. 2013
S/T (1). 2012
Óleo y esmalte sobre lienzo. 250x150 cm Óleo y esmalte sobre madera. 51x44 cm
Óleo y esmalte lienzo. 223,5x121,5 cm
 The gift. 2012 S/T (Nseo). 2011
Óleo y esmalte sobre lienzo. 250x200 cm Óleo y esmalte sobre lienzo. 300x200 cm
 S/T. 2014
Óleo y esmalte sobre lienzo. 200x250 cm
 ST (paint by number). 2014 S/T (Segundo fulcro óptimo). 2013
Óleo y esmalte sobre lienzo. 200x125 cm Óleo y esmalte sobre lienzo. 198x150 cm
 S/T (Buchi trasversale). 2014 S/T (Buchi trasversale). 2014
Óleo y esmalte sobre tela sobre tabla y bastidor. Óleo y esmalte sobre tela sobre tabla y bastidor.
205x130 cm. 205x130 cm.
 S/T (El cuadro secreto M.R.). 2011
Óleo, esmalte, vinilo y spray sobre lienzo. 200x300 cm
 S/T (Ideé de peinture 1). 2014 S/T (Ideé de peinture 2). 2014
Óleo y esmalte sobre lienzo. 250x150 cm Óleo y esmalte sobre lienzo. 250x150 cm
 S/T. 2014 S/T. 2014
Óleo y emalte sobre lienzo. 203x127 cm Óleo y esmalte sobre lienzo. 203x127 cm
 S/T (Mapping the studio). 2012
Óleo y esmalte sobre lienzo (Díptico). 250x400 cm
 S/T (3). 2012
Óleo y esmalte sobre lienzo (Díptico). 198x356,5 cm
 Canvas is the place. 2009
Exposición en Luis Adelantado Valencia, España
 Nivel cero. 2014
Luis Adelantado Valencia
 S/T (El marco). 2013
Óleo y esmalte sobre lienzo (políptico de 5 piezas). Medidas
variables
http://cacmalaga.eu/2017/11/10/ruben-guerrero-3/
https://www.youtube.com/watch?v=cgb_aJn039k
https://www.youtube.com/watch?v=vaaELHl_h1Y
 ANA BARRIGA
http://espaitactel.com/artists/ana-barriga/
http://www.caac.es/asecas/dossiers15/03.pdf
http://www.abc.es/cultura/cultural/abci-barriga-pinta-aire-201710110044_noticia.html
http://www.abc.es/cultura/cultural/abci-autentico-escenario-escenarios-fingidos-barriga-http://www.abc.es/cultura/cultural/abci-barriga-confio-posibilidad-
y-necesidad-reinventar-pintura-201602240937_noticia.html
201703300132_noticia.html

ANA BARRIGA
La fantástica clave.Óleo/tela 195 x 132, 2013
Y ahora cómeme. Óleo/tela.180 x 81 cm, 2015
 ANA BARRIGA
No tengo nada mio, Acrílico y óleo sobre papel 76x56 cm 2015
Tangram Ana Barriga, Óleo sobre tela, 2015
 ANA BARRIGA
EN ALGO HAY QUE CREER, 2015.Óleo, rotulador y spray, 195 x 115 CM
Macorina, 2015, oleo/papel, 74 x 46 cm
 ANA BARRIGA
AUNQUE LLORES, , 2015, Óleo sobre papel, 53 x 72
ANA BARRIGA
Canción de amor.
 ANA BARRIGA
Viva el vino. Premio Internacional de Pintura 2016, Fundación Focus
 ANA BARRIGA
Perro policia 2017, Mixed media on canvas, 195 x 130 cm

.
Ana Barriga
(Jerez, Cadiz 1986)

Su trabajo trata de hacer una revisión de la pintura figurativa a través de la imagen

fotográfica, situándonos en caminos emprendidos por este medio, incidiendo en
las nuevas vertientes pictóricas que surgieron a finales del siglo XX.

Afronta amplios campos de experimentación que aborda desde la pintura de corte

y recorte hasta la figuración fondo y figura, ampliando así la técnica y el estilo de
su trabajo hacia una nueva perspectiva de exploración.

Pretende indagar en la imagen traducida a la pintura, en un proceso no lineal y

flexible que amplíe el abanico de posibilidades plásticas. Aplicar la idea de
laboratorio, asumiendo el error y el hallazgo como método de investigación. En
estos trabajos se pretende remarcar el carácter de la pintura, todo se simplifica con
el fin de llegar a la pintura misma; Es por tanto, que la finalidad no resulta
programada, más bien es una secuencia de lucha paulatina del arte por su
autonomía, reflexionando sobre cada una de las decisiones tomadas desde el
principio, comenzando por la más esencial, la propia elección de la pintura como
medio.
Se trata de obras con carácter multifocal, es un juego donde las connotaciones las
pone el público, es él quien decide y piensa sobre la obra. Es inevitable que el
espectador haga asociaciones aunque no hayan sido previstas ni intencionadas
por parte del creador-artista, al menos de forma consciente. Las percepciones son
tan subjetivas cómo la propia experiencia frente al objeto.

Su trabajo parece remitirnos a una escena teatral donde la soledad y el silencio de

los espacios y las profundas sombras de naturaleza dramática, son rebatidos
intencionadamente con títulos de apariencia ilógica no exentos de cierto humor,
esto nos alerta contra esa belleza seductora, advirtiéndonos que se trata de una
belleza adulterada, mediada y en parte construida.