RELATORIA TEOLOGIA SISTEMÁTICA

PRESENTADO POR: JOSE OSCAR AGUDELO GALVIS

PROFESOR: JABES NAHÚM

UNIVERSIDAD TEOLÓGICA EMMANUEL

JUNIO DEL 2022
ÍNDICE

CLASE #1

1.1 ETAPAS DE LA HISTORIA DEL ARTE

1.2 CARACTERISTICAS DEL ARTE BIZANTINO

1.3 CARACTERISTICAS DEL ARTE ROMANICO

CLASE #2

1.1 DIFERENCIAS ENTRE ARTE SACRO Y RELIGIOSO

1.2 CARACTERISTICAS QUE REPRESENTABAN EL ARTE

PROTESTANTE

1.3 DIFERENCIAS ENTRE EL ARTE CATOLICO Y PROTESTANTE

CLASE #3

1.1 PROPUESTA DE DANTE ALIGHIERI SOBRE EL INFIERNO,

PARAISO Y PURGATORIO

1.2 ANGELES MENCIONADOS EN EL LIBRO DE ENOC

1.3 PROPUESTA DE DIONISIO SOBRE EL MUNDO ESPIRITUAL

-BIBLIOGRAFÍA

COMENTARIOS PERSONALES DE CLASE

1.1 ETAPAS DE LA HISTORIA DEL ARTE

1. PREHISTORIA

Encontrar el punto inicial de la historia del arte, es una tarea difícil. Cuando creemos
haber encontrado la escultura más antigua del mundo, los estudios continúan y en
poco tiempo demuestran lo contrario. Sin embargo, a pesar de tener pocas
posibilidades de establecer una fecha exacta, si podemos definir las características
del arte prehistórico.

El primer eslabón de las etapas de la historia del arte podría haber surgido hace
más de 32 mil años, cuando antiguas tribus dejaban su huella en las piedras, hoy
consideradas pinturas rupestres.

Por otro lado, en paralelo a la pintura prehistórica, en aquella época también

diseñaron, con materiales muy básicos, figuras en madera que, por lo general,
representaban a la caza, a los dioses y a la fertilidad.
El Bisonte de Altamira, plasmado en una cueva de España, o el monumento de
rocas en Reino Unido conocido por Stonehenge, son claros ejemplos de
manifestaciones artísticas de la prehistoria, que debemos cuidar hasta la eternidad.

2. ARTE DE LA ANTIGÜEDAD

Dentro de las etapas de la historia del arte, la antigüedad tuvo muchas facetas.
Fueron momentos donde se vivieron situaciones que fueron desde expresar
sentimientos y vivencias en piedras, hasta diseñar construcciones monumentales,
únicas para la época.

Mesopotamia

A pesar de que el término “mesopotámico” se siente un poco más reciente, no es

así. Se calcula que inició hace cinco mil años, en antiguas regiones de Europa y
Asia, para llegar hasta nuestros días en el recuerdo de las etapas de la historia del
arte.

A diferencia del prehistórico, las pinturas en cuevas de este periodo artístico

son mucho más sencillas de entender. Además de complementarse con otros
objetos de madera, también se resaltan las expresiones en homenajes a guerreros.

Una de sus representaciones más históricas que han perdurado hasta hoy en día,
es la Puerta de Istar, ubicada en Irak, y construida en el año 575 a. C. Sin lugar a
dudas, un aporte muy importante para este resumen de la historia del arte.

3. ARTE CLÁSICO

A pesar de que se le pueden encontrar muchas similitudes con las obras de la

antigüedad, aquí la evolución del arte se encuentra marcada por procesos mucho
más extensos, vinculados a dos de los más grandes imperios que existieron en la
Tierra.

Grecia
Al hablar del arte girego, a estas alturas de la cronología de la historia del arte,
podrás notar que tiene muchas similitudes con el egipcio, y eso es verdad, ya que
compartieron tiempo y espacio, hace poco más de 2.000 años.

No caben dudas de que todos los trabajos artísticos griegos son de gran sostén
para la cultura. Sin embargo, su mayor legado en la evolución del arte se encuentra
por el lado de la arquitectura.

El Partenón, inaugurado en el año 432 a. C, o el Erecteion, con fecha de estreno en

el 406 a. C, fueron testigos de cómo desapareció el imperio que los construyó, pero
aún siguen en pie para demostrar la evolución de la arquitectura en las etapas de la
historia del arte.

Roma

Una vez más, nos situamos en los últimos siglos antes de Cristo para hablar del arte
en el Imperio Romano que, al igual que el egipcio, griego y helenístico, marcaron un
estilo en sus años dorados, y se conservan hasta nuestros días como fieles testigos
del cambio en la historia del arte por los siglos.

¿En este periodo artístico también se destaca la arquitectura? Sí, pero no es lo

único. El Coliseo Romano, la Columna de Trajano y el Anfiteatro
Flavio, acompañaron a la capital de Italia en su crecimiento, pero también dejaron
espacio a las esculturas, pinturas y obras musicales.

Bajo el efecto de el encausto, el temple y el fresco, los romanos tomaron el pincel y

crearon verdaderas obras de arte sobre tablas y murales. ¡Todos los antecedentes
del arte actual, que perduran en el tiempo!

4. ARTE MEDIEVAL

Durante nueve siglos, desde el año 500 al 1400, la Edad Media causó un cambio a
nivel mundial, sin retornos. Se modificaron sociedades, ciudades, culturas, formas
de investigar, estudiar, trabajar y, claro, también surgió una de las siguientes etapas
de la historia del arte.
Al prestar atención en las construcciones de aquella época, es imposible no detectar
que se diseñaron miles de templos a lo largo y ancho de Europa. Más allá de que
los arquitectos se modernizaron, con el paso de los años, los diseños de aquella
época también forman parte de la historia del arte gótico.

No caben dudas que, en este periodo artístico, representado por una de

las principales corrientes artísticas, todas las culturas vivieron cambios impactantes.
En la pintura medieval, por ejemplo, tuvieron lugar hacia el cierre de la Edad Media,
cuando surgió el Proto-Renacimiento.

El punto que diferenció esta era de las demás etapas de la historia del arte fue
su carácter religioso, sesgado por la una concepción teocéntrica del mundo. Los
principales movimientos artísticos de la Edad Media fueron los siguientes:

Arte bizantino

Es el conjunto de manifestaciones artísticas del Imperio bizantino. Las temáticas

tratadas durante esta época estaban estrechamente relacionadas con la religión.

El estilo de pinturas que más destacó durante esta etapa de la historia del arte
fueron los frescos. Es decir, pinturas realizadas sobre paredes, sobre todo en
iglesias, así como las pinturas en paneles y las miniaturas que se usaban para
ilustrar los libros.

La piedra y el ladrillo eran los materiales más empleados durante el Imperio

Bizantino. Además, gracias al emperador Justiniano, se destacó la influencia persa
en muchas obras, así como una influencia muy arraigada a la cultura oriental y
grecorromana, en especial de Asia menor y Siria.

Es importante mencionar que el arte bizantino era útil en el sentido religioso y nada
más. Es decir, no se concebían las obras como piezas artísticas.

Arte paleocristiano

Se caracterizó por la combinación del estilo clásico romano con la cosmovisión

cristiana. Una de las bases del arte paleocristiano fue su simbolismo.
Si bien se trata de un movimiento artístico desarrollado durante los primeros 5 siglos
de nuestra era, se lo considera una influencia importante del arte en la Edad Media.
Esto es debido a que en este periodo empiezan a configurarse las formas
arquitectónicas e iconográficas más representativas de esa época.

No se trata de un arte 100% original, sino que es una forma artística creada bajo la
influencia del imperio romano, pero que fue adaptándose según las necesidades del
culto cristiano.

Arte germánico

Se basó en las manifestaciones de los pueblos germánicos que, luego de las

invasiones bárbaras, fueron influenciadas por la cultura clásica y el cristianismo.
Una de las expresiones artísticas del arte germánico fue la orfebrería.

Se trata de un arte rústico, típico de tribus que tenían ciertas dificultades para
representar la figura humana. Por esta razón, era más habitual encontrar piezas
llamadas "artes menores": armas, fíbulas o adornos, realizadas en oro o plata y
decoradas con piedras preciosas o vidrio.

Arte islámico

El arte islámico fue otra de las etapas de la historia del arte medieval más
importantes.

Como su nombre indica, se trata de expresiones artísticas llevadas a cabo por el

islam a partir del siglo VII. Durante esta etapa, se le dio gran protagonismo al uso
de la línea y el color como elementos ornamentales.

Sin embargo, es habitual hablar de “artes del mundo islámico” en vez de “arte
islámico”, debido a la gran diversidad de expresiones artísticas, según los países y
las eras.

Mientras que las inscripciones caligráficas que se hacían presentes en gran

cantidad de obras, el arte religioso fue menos prominente en el arte islámico que en
el arte medieval occidental, con la excepción de la arquitectura islámica de las
mezquitas.
Arte carolingio

Es el arte producido en torno a la corte de Carlomagno. Las principales expresiones

del arte carolingio fueron palacios, residencias reales e iglesias.

Se trata de una de las etapas de la historia del arte que tuvo fuerte influencia de
Roma y Oriente, con un estilo cortesano y eclesiástico fuertemente marcado. Era
habitual que los carolingios usen las obras de arte para fines propagandísticos, de
exaltación del poder.

Arte románico

Fue un estilo artístico que se difundió en gran parte de Europa entre el siglo XI y los
primeros años del siglo XIII, coincidente con el feudalismo.

Se trató de un movimiento puramente cristiano, aunque sus bases artísticas fueron

asimiladas en otros edificios civiles de la época. Lo más interesante del arte
romántico es que cada nación o población fue adaptando esta corriente artística y
dándole su impronta.

Dentro del arte románico en la Edad Media, se destacaron las obras de arquitectura.
Era habitual encontrar esculturas en las fachadas y en los capiteles, en las cuales
se reflejaban temáticas relacionadas al Apocalipsis o el Pantocrátor.

Arte gótico

Este movimiento artístico surgió en Francia a mediados del siglo XII y se difundió
por toda Europa.

Según el portal Mi Historia Universal, “los burgueses ya no se conformaron con el

románico, simple y tosco, y quisieron que el arte fuese un verdadero objeto de valor.
Entonces, financiaron un nuevo estilo de construcciones en las ciudades y, de esta
manera, nació el gótico, que volvió a crear obras artísticas verdaderamente bellas”.
El arte gótico fue, entonces, un movimiento artístico urbano y burgués.

5. ARTE DE LA EDAD MODERNA

Entre el siglo XV y el XVII, la evolución del arte se vio marcada por un enorme
cambio: el comienzo del arte de la Edad Moderna. Además de notar cambios en el
desarrollo artístico de Europa, en ese mismo período ocurre la llegada de Cristóbal
Colón a América, por lo tanto, fue una corriente que se comenzó a trasladar rumbo
a lo que, por ese momento, se lo conocía cómo el "Nuevo Mundo".

Renacimiento

Tal cual lo adelantamos en el párrafo anterior, el periodo entre los siglos XVI y
XVII forma una de las etapas de la historia del arte, gracias a todos los cambios
encontrados en la pintura, arquitectura, ciencia, investigación, educación y muchas
disciplinas más.

Al mirar con detenimiento, notamos que el ser humano de aquella época tiene
muchas similitudes con el actual. Es por eso que a la hora de construir,
desarrolló técnicas especiales que sirvieron de antesala para las utilizadas en lo que
fue la historia del arte contemporáneo.

Sandro Botticelli, Leonardo da Vinci y Miguel Ángel, son algunos de los nombres
más famosos del Renacimiento, que tuvieron un desempeño fundamental para
aportar a la evolución de la historia del arte.

Manierismo

Es probable que, si no tienes amplios conocimientos en las etapas de la historia del

arte, nunca hayas escuchado hablar del Manierismo, y no te culpamos, porque fue
un periodo realmente corto.

Entre 1527 y 1580, casi al final de la historia del arte del renacimiento, surgió un
movimiento que, en palabras de profesionales, llegó para “romper las
reglas”. Aunque no duró mucho tiempo, también podría ser el antepasado de los
diseños actuales, como los grafitis, que ya escribieron muchos capítulos en la
historia del arte callejero.

Barroco
El arte prehistórico fue muy importante, las etapas de la pintura griega se mantienen
muy presentes, y es imposible olvidar todos los cambios positivos que tuvo la
historia del arte renacimiento, pero dentro de las etapas de la historia del arte, la
dedicada a los 150 años del arte Barroco, es de las más importantes.

Como ocurre casi siempre, las modificaciones en la sociedad de siglos pasados, no

solo tiene al arte como protagonista, pero sí representa una parte muy importante.
A este periodo artístico se lo recuerda cómo dinámico, teatral, efectista.

Rococó

A pesar de que fue un movimiento breve en la cronología de la historia del arte,

dado que se extendió entre 1730 y 1760, su paso dejó una huella muy importante,
con réplicas presentes en obras mucho más modernas.

Los trabajos del Rococó se caracterizaban por tener colores luminosos, suaves y
claros, acompañados de un estilo vinculado a la naturaleza y la mitología. En las
etapas de la historia del arte, se expresa, principalmente, en los techos de templos
religiosos.

Neoclasicismo

El impacto que generó el Neoclasicismo como una de las siguientes etapas de la

historia del arte, nos lleva a pensar que estuvo vigente durante cientos de años,
pero para tu sorpresa, abarcó el periodo histórico desarrollado entre 1750 y 1820.

Dicen que dar pasos hacia atrás no es una buena idea, pero aquí vemos una
excepción. En esta cronología de la historia del arte, este momento representa una
vuelta al arte clásico y, gracias al trabajo de sus representantes, toda la energía fue
puesta en recuperar el arte desarrollado por el Imperio Romano y el Imperio Griego.

6. ARTE CONTEMPORÁNEO

En esta nueva etapa de la historia del arte, su versión "contemporánea" nos permite
acceder a movimientos que siguen siendo, en su mayoría, muy populares hasta la
actualidad. Existen muchas variantes, pero todo comienza con el Romanticismo.
Romanticismo

El periodo artístico del Neoclasicismo fue interesante para recordar viejos tiempos,
pero no hubo mucha innovación. ¿Fue un problema? Para nada, el mundo se estaba
preparando para recibir a una de las etapas de la historia del arte más importantes:
el Romanticismo.

Entre 1790 y 1880, en el planeta Tierra se vivió una exploción cultural y artística,
donde se modificó todo. Tras el paso del Romanticismo, las construcciones se
actualizaron y, en la pintura, talentos cómo Théodore Géricault, también aportaron
lo suyo para confeccionar la historia del arte hasta la actualidad.

En el marco de la evolución del arte, a partir de este periodo, se buscó expresar a

través de los sentimientos humanos.

7. ARTE DIGITAL

Luego de avanzar más de 30 mil años por la línea del tiempo de las etapas de la
historia del arte, seguro tienes mucho interés en saber cuál es la que predomina en
nuestros días.

Aunque algunos artistas consideran que el vanguardismo aún no se extinguió y que

pertenece a la historia del arte hasta la actualidad, desde 1970 la Postmodernidad,
con todas sus variantes, se ha ganado el protagonismo. Una de ellas es el arte
digital que, gracias al permanente desarrollo de innovaciones tecnológicas, crece
minuto a minuto.

La historia del arte postmoderno, que aún se sigue escribiendo, permite entender la
diversidad del arte. Como ya no existe una respuesta única, todo vale, y es por eso
que las obras representan sensaciones que van desde el cinismo hasta la
superficialidad. ¿En dónde lo podemos comprobar? En el arte expresado en fotos,
videos, presentaciones, exposiciones y muchos ámbitos más.

Criptoarte

Seguramente has escuchado nombrar esta categoría de arte digital varias veces,
pero ¿realmente sabes qué es el criptoarte? Se trata de un movimiento artístico
gestionado a través de la tecnología blockchain, o cadena de bloques.
Específicamente, las obras de arte digitales se vuelven piezas de criptoarte cuando
se pueden vincular con un “non fundable token” (NFT), lo que asegura su
autenticidad. Cabe mencionar que estas piezas se pagan con criptomonedas.

La característica fundamental de las obras en esta etapa de la historia del arte es

que se trata de piezas que no se pueden tocar, ya que, como su categoría lo indica,
son digitales. Pero, además, son irrepetibles: piezas de arte únicas en el mundo e
imposibles de replicar.

1.2 CARACTERISTICAS DEL ARTE BIZANTINO

Características principales del arte bizantino

Recibió influencia directa de la cultura grecorromana y oriental, principalmente de

Siria y Asia menor, realizando una mezcla de estos diferentes aspectos culturales.

Estilo artístico con fuerte presencia del uso de colores.

Fuerte presencia de temas religiosos (dado el poder imperante del cristianismo).

Es un arte estático, que tiene a Cristo como tema central.

En Arquitectura se destacaron las basílicas con cúpulas, o las iglesias con forma de
cruz griega, siendo una característica predominante el uso de arcos y capiteles
decorados.

En el exterior continuaron usando el ladrillo y la piedra.

La influencia persa fue notable en época del emperador Justiniano.

Durante los siglos VII a IX el arte bizantino empezó a tener influencia del
islamismo, ya que los árabes sitiaron Constantinopla en el año 674, durante el
reinado de Justiniano II;

1.3 CARACTERISTICAS DEL ARTE ROMANICO

El románico fue un estilo artístico que se difundió en gran parte de Europa entre el
siglo XI y los primeros años del siglo XIII d. C.

Se manifestó de manera más relevante en arquitectura, caracterizándose por su

aspecto de solidez y por el uso del arco de medio punto y las bóvedas de cañón y
de arista. Por este motivo, cuando el estilo comenzó a ser identificado y estudiado
en el siglo XIX, se le dio el nombre de «románico» al ser considerado una derivación
del arte romano.

Su desarrollo coincidió con la expansión del feudalismo, la fundación de la orden

religiosa del Cister, la reforma de la orden benedictina que daría lugar a la orden de
Cluny, las cruzadas y un intenso movimiento de peregrinaje hacia las iglesias que
poseían reliquias sagradas.

Características del arte románico

Las principales características del arte románico son las siguientes:

Presentó un gran número de corrientes locales con características propias.

La manifestación más importante del arte románico fue la arquitectura

religiosa, especialmente sobre iglesias y monasterios.

Las distintas disciplinas artísticas, como la pintura, escultura y el mosaico, estaban

subordinadas a la arquitectura. Las paredes de las iglesias estaban cubiertas por
pinturas y relieves que tenían una función narrativa: transmitir a los fieles,
generalmente analfabetos, los principios del cristianismo. Por ese motivo se ha
llamado a las iglesias románicas «biblias de piedra».

La estructura de sus construcciones sentó las bases del estilo posterior, el gótico.

Durante la Edad Media, tanto la arquitectura como la escultura y la pintura eran

consideradas artes mecánicas, es decir manuales, y no tenían la misma valoración
que las actividades intelectuales. Como consecuencia, los artistas románicos no
tuvieron relevancia social y sus nombres no han perdurado
CLASE 2

1.1 DIFERENCIAS ENTRE ARTE SACRO Y RELIGIOSO

Tanto el arte religioso como el sagrado tienen un punto en común y un punto

fundamental que les diferencia.

Ambos buscan, a través de diferentes representaciones o manifestaciones propias

del arte, ser una especie de catequesis para que el común de la gente se conecte
con el misterio y se acreciente tanto su conocimiento, como su fervor o piedad
religiosa.

La diferencia fundamental radica en, que en el arte religioso “las obras realizadas
se subordinan a la fe, al amor que se siente por Dios”. Mientras que en el arte
sagrado, aunque es semejante al religioso, se diferencia en que “tiene un destino
litúrgico, es decir que tiene que servir para el culto divino”. Por esta razón en el
Sacrosantum Concilium se dirá que el arte sacro es cumbre del religioso, puesto
que se destina a un fin de mayor importancia

Arte y los objetos sagrados: El arte religioso y el arte sacro son actividades de las
más nobles del ingenio humano. Están relacionadas con la infinita belleza de Dios
que de alguna manera intentan expresar con el fin último de orientar santamente los
hombres hacia Dios. La Santa Madre Iglesia ha buscado siempre sus servicios
principalmente para que las cosas destinadas al culto sagrado fueran en verdad
dignas, decorosas y bellas, signos y símbolos de las realidades celestiales. Más
aún, la Iglesia actúa como árbitro de las mismas, buscando siempre que estén de
acuerdo con la fe, la piedad y las leyes religiosas tradicionales para ser
consideradas aptas para el uso sagrado.

Libertad de estilo en el arte de la Iglesia: La Iglesia no posee un estilo artístico

determinado, antes bien, se acomoda al carácter y condiciones de los pueblos, a
las necesidades de los ritos y acepta las formas de cada tiempo. El arte actual se
ha de ejercer libremente con tal que sea con el debido honor y reverencia,
uniéndose así al admirable concierto de los artistas a la fe católica en la historia.

Exclusión de obras que ofenden el sentido religioso: En el arte se ha de buscar más

una noble belleza que la mera suntuosidad. Debe ser excluido de los lugares
sagrados todo arte que repugne a la fe, a la piedad cristiana y ofendan el sentido
auténticamente religioso, ya sea por la depravación de las formas, o por la
mediocridad o falsedad del arte.

Las imágenes sagradas en las Iglesias: Se ha de exponer imágenes sagradas a la

veneración de los fieles, cuidando que no sean muchas y que mantengan un orden
que pueda desfavorecer una devoción ortodoxa.

Comisiones diocesanas de arte sagrado: Los ordinarios del lugar se pueden

asesorar con la comisión diocesana de arte sagrado. Se debe vigilar con cuidado
para que los objetos sagrados y obras preciosas no se vendan ni se dispersen.

Interés de los obispos por los artistas sagrados: Los obispos han de interesarse por
los artistas con el fin de imbuirlos y formarlos en el espíritu del arte sacro y de la
sagrada liturgia. Para ello se recomienda se establezcan academias de arte
sagrado.

El artista, que desea glorificar a Dios en la santa Iglesia, ha de recordar que su

trabajo es una cierta imitación sagrada de Dios creador, y que sus obras están
destinadas al culto, edificación e instrucción religiosa.

Revisión de la legislación sobre el arte sagrado: El arte sacro se ha de ordenar de

acuerdo con las disposiciones de la iglesia, sobre todo en lo referente a la digna
edificación de los templos, al orden conveniente a las imágenes sagradas, de la
decoración y el ornato entre otras cosas.

Tiene la facultad las asambleas territoriales de obispos de adaptar las materias y

formas de los objetos y vestiduras sagradas de acuerdo a las costumbres y
necesidades locales.

Formación artística del clero: Es necesario que el clero en formación reciban

formación referente a la historia y los sanos principios del arte sacro, para que
aprecien y conserven los venerables monumentos de la Iglesia y puedan orientar a
los artistas en la elaboración de sus obras.

1.2 CARACTERISTICAS QUE REPRESENTABAN EL ARTE

PROTESTANTE

Las principales características del arte de la Reforma surgieron de la teología

protestante que se centró en la relación individual entre el adorador y Dios. Este
énfasis se reflejó en el número de personas comunes y escenas cotidianas
ordinarias que fueron retratadas en el arte protestante. También el protestantismo
enseñó que el tema de la salvación estaba reservado exclusivamente para Dios: no
podía ocurrir como resultado de la intervención terrenal del Vaticano o cualquier otra
autoridad eclesiástica. El arte protestante reflejó debidamente esta enseñanza.
Además, una serie de importantes "misterios de la fe" fueron minimizados o
ignorados por los teólogos y artistas protestantes, incluyendo La Inmaculada
Concepción , La Anunciación de la Virgen , La Transfiguración de Cristo , por
nombrar solo tres. La transubstanciación (la transformación del pan y el vino de la
Comunión en el cuerpo y la sangre de Cristo) fue otra área clave de desacuerdo
entre Lutero y Roma. El catolicismo romano creía en una interpretación estricta de
esta doctrina y, por lo tanto, tendía a usar escenas de crucifixión para sus retablos,
mientras que las iglesias protestantes, al menos aquellos que toleraban pintura de
figura – Insistió en un significado simbólico detrás de la Eucaristía, y por eso prefería
las escenas de la Última Cena .

En general, en lo que respecta a otros temas bíblicos, el arte protestante solía evitar:
imágenes grandiosas de Jesús o la Virgen María; grandes escenas de la Biblia
(como la Pasión de Cristo); imágenes de los santos; y, en particular,
representaciones de los papas y otros clérigos de alto rango. En cambio, el arte
protestante se centró en representaciones humildes de escenas bíblicas y
representaciones moralistas de la vida cotidiana contemporánea.

No todos los protestantes tenían opiniones idénticas sobre lo que el arte de la Iglesia
era aceptable: los luteranos, por ejemplo, tendían a ser más tolerantes que los
calvinistas, que prohibieron todo lo figurativo. arte de retablo y consideraba que la
mayoría de las imágenes religiosas eran idólatras. Sin embargo, algunas formas de
arte se consideraron más acordes con un enfoque modesto y personal de la religión:
incluyeron ilustración de libro y varias formas de grabado ,
como grabado y aguafuerte (centrado en Amberes), todos los cuales fueron
utilizados por las autoridades protestantes para transmitir sus ideas religiosas a sus
congregaciones, y la educación religiosa en los hogares de la gente común. En
particular, estos tipos de arte a pequeña escala permitieron el desarrollo de una
iconografía específicamente protestante, que incluía imágenes de estilo protestante
de Cristo, la Sagrada Familia, los santos y los apóstoles, así como ilustraciones de
todas las personas y eventos en la Biblia.
1.3 DIFERENCIAS ENTRE EL ARTE CATOLICO Y PROTESTANTE

TEMAS RELIGIOSOS

Una de las diferencias más significativas entre el arte católico y el protestante del
periodo Barroco es el uso de temas religiosos. Los países católicos, entre los que
se encontraban Italia, España y Francia, produjeron obras de arte con temas
exclusivamente religiosos. Los países protestantes, como Inglaterra, Alemania y
Holanda, siguieron las ideas de John Calvin y la doctrina calvinista, que no permitía
que las figuras religiosas fuesen utilizadas dentro de las obras de arte, con lo que el
arte de estos países se centró en la vida cotidiana, los retratos y los paisajes.

ARTE NATURALISTA

De acuerdo con la Universidad de Saint Michael (Saint Michael's College), las obras
de arte creadas durante el período Barroco eran naturalistas, opuestas al arte
idealizado del Renacimiento. Por ejemplo, la escultura de Gianlorenzo Bernini
llamada "David" cuenta con una definición muscular real y una cara de apariencia
seria. La pintura barroca era muy detallada, y de hecho el término "barroco" en
realidad fue utilizado por primera vez como un término despectivo para referirse a
la concentración de demasiados detalles que hacía que una obra de arte fuera
demasiado ruidosa

ESPACIO

Las obras del arte barroco de los artistas tanto católicos como protestantes tienen
más espacio abierto que las obras de períodos anteriores. Con frecuencia este arte
también muestra movimiento y centra la atención visual utilizando una disposición
diagonal o circular. Un ejemplo de la diagonal es "La Pittura", de Gentileschi, que es
un autorretrato de la artista pintando. Su brazo se eleva en un ángulo, haciendo que
la línea diagonal sea muy clara dentro de la pintura.

MENSAJES
El arte barroco católico, que se centraba en las imágenes religiosas, fue un intento
de la Contrarreforma que tenía por objeto volver a integrar a los individuos a la
Iglesia. Un ejemplo es el "Santo Entierro" de Caravaggio, que representa a Juan
bajando a Jesús de la cruz. Esta pintura fue creada para estimular la tristeza y la
compasión, conectando al espectador con la Iglesia. Los mensajes protestantes,
que no incluían imágenes religiosas, eran más moralista. Por ejemplo, "La criada de
la cocina" de Vermeer, muestra a una sirvienta vertiendo agua. Mirando
atentamente, encontramos una trampa para ratones situada en el suelo de la
pintura. El pintor estaba dando el mensaje de que si una persona puede permitirse
tener una criada tal vez se encuentre bien financieramente, pero su espiritualidad
puede ser cuestionable.

CLASE 3

1.1 PROPUESTA DE DANTE ALIGHIERI SOBRE EL INFIERNO,

PARAISO Y PURGATORIO

Dante describe el infierno indicando que está compuesto por nueve círculos
concéntricos, que se van achicando y enterrando más profundamente en dirección
al centro de la Tierra y continúa expresando que mientras el Infierno y el Purgatorio
son sitios terrestres, el Paraíso es un mundo inmaterial, etéreo, dividido en nueve
cielos. Los primeros siete llevan el nombre de cuerpos celestes del sistema solar,
que en su orden son Luna, Mercurio, Venus, Sol, Marte, Júpiter, Saturno.

Dante menciona que el Purgatorio es el segundo de los tres cantos, Lo antecede el

del Infierno y le sigue el del Paraíso. El Purgatorio de Dante se divide en
Antepurgatorio, Purgatorio y Paraíso terrestre.

Dante habla sobre La estructura moral del Purgatorio, sigue la clasificación tomística
de los vicios del amor mal dirigido, y no hace referencia a culpas específicas. Se
divide en siete giros, en las cuales se expían los siete pecados capitales: soberbia,
envidia, ira, pereza, avaricia, gula, lujuria.

1.2 ANGELES MENCIONADOS EN EL LIBRO DE ENOC

Las imágenes de ángeles y arcángeles poblaron las obras de arte occidentales
durante muchos siglos. Esos seres misteriosos, mensajeros de lo divino, siempre
han llamado la atención de los seres humanos, creyentes o no.

El Libro de Enoc menciona un total de 200 ángeles caídos. El motivo más grave que
llevó a rebelarse a algunos ángeles fue el orgullo o vanidad. Según las Sagradas
Escrituras Dios creo al arcángel Lucifer a quien dotó de una gran inteligencia,
perfección y hermosura para que organizara al resto de los arcángeles; de esta
manera Lucifer llegó a ser tan poderoso que la vanidad y el amor por su humana se
apoderó de él y lo hizo sentirse superior a Dios, lo que lo llevó a competir en su
contra. Por esta razón Dios lo desterró del paraíso y junto con él una tercera parte
de la corte celestial que se le había unido. Lucifer luchó seriamente con su hermano,
quién lo desterró de los cielos tras el mandato de Dios

Los 7 arcángeles del libro de Enoc

Los 7 arcángeles concebidos como un grupo es una tradición de las religiones

abrahámicas. Por primera vez aparecen todos juntos en el libro de Enoc, aunque
este libro no está en el canon judío, los arcángeles forman parte de la tradición
hebraica. Los nombres de los 7 arcángeles son: Gabriel, Miguel, Rafael, Uriel,
Azrael (Selafiel), Raziel (Raguel o Jegudiel) y Sariel. Hay que tener en cuenta que
según las traducciones y las tradiciones religiosas, los nombres pueden variar
aunque se refieran al mismo arcángel.
1.3 PROPUESTA DE DIONISIO SOBRE EL MUNDO ESPIRITUAL

Según Dionisio, un estudioso de fuentes bíblicas y no bíblicas, que vivió en Medio

Oriente hacia el siglo V, d. C, nos dice, que hay nueve coros o clases de Ángeles,
agrupados en 3 esferas diferentes. A esto se le llama: Jerarquías Angélicas.
Estas esferas o jerarquías se componen en total por 72 Ángeles o Genios.
Las Sagradas Escrituras nos enseñan, que Jesucristo escogió, además de los doce
apóstoles, a 72 discípulos, que fueron enviados a todas las partes del mundo, para
anunciar la palabra de Dios a las naciones.
Las jerarquías, están basadas en los distintos nombres que se encuentran en la
Biblia, para referirse a ellos.
Dentro de estas Jerarquías Angélicas, los coros de Ángeles Superiores hacen
participar a los Inferiores de sus conocimientos.
La Biblia indicaría que hay siete arcángeles,10 aunque se menciona el nombre de
sólo tres: Miguel (Apocalipsis 12:7-9), Gabriel (Evangelio según Lucas 1:11-20; 26-
38) y Rafael (Tobit 12:6, 15). Los nombres de los otros cuatro arcángeles no
aparecen en la Biblia, pero se encuentran unas descripciones de éstos en el textos
apócrifos, como el Libro de Enoc (que es canónico para la Iglesia Copta), el cuarto
libro de Esdras y en la literatura rabínica.
La palabra «Arcángel» de un fragmento de la Epístola de Judas (hermano de Jesús)
en el Códice Sinaítico (330-350 d. C.).
Es importante tener en cuenta que el término “arcángel” como todo adjetivo del
griego antiguo aplica en plural, dual y singular.
En el libro de Tobías (12,15) San Rafael se presenta como “uno de los siete ángeles
que están delante de la gloria del Señor y tienen acceso a su presencia”. Mientras
que en el Apocalipsis (8,2) San Juan describe: “vi a los siete Ángeles que estaban
delante de Dios, y ellos recibieron siete trompetas”. Por estas dos citas bíblicas se
afirma que son 7 Arcángeles.
La letra inicial de la palabra “espíritu” está escrita con minúscula y no con
mayúscula, ya que, en las Escrituras, “Espíritu” con mayúscula hace referencia al
Espíritu Santo único de Dios; de otra manera, puede referirse a un arcángel, ángel,
demonio, Satanás y hasta al mismo espíritu humano. “Hay cuerpo animal y hay
cuerpo espiritual” (1.ª Corintios 15:44)
“Estos siete son los ojos de Yahvéh, que recorren toda la tierra.” (Zacarías 4:10b).
Es decir, este simbolismo indica que Dios utiliza a esos siete espíritus para enviarlos
como “su penetrante visión” (Baruc 6:6; Esdras 5:5).
“Son los siete ojos de Yahvé (Zac. 4:10b), y, por lo tanto, de Cristo.” (Ap. 5:6).
Esos siete ángeles con dominio o “arcángeles” quedan entonces simbolizados con
lámparas, delante del trono de Dios, y son utilizados como “la penetrante visión” del
Creador.
Pero en ningún caso se menciona que posean alas.
En la Sagrada Escritura es posible encontrar alas cuando se describe a los
querubines (con cuatro los ve Ezequiel —1:6—). También cuando se describe a los
serafines (con seis los ve Isaías —Is 6:2—).
Pero no se las puede encontrar cuando se describe a los ángeles. Contrariamente
a lo que normalmente aparece en la iconografía, los ángeles no poseen alas dado
que, al ser seres espirituales, no necesitan de un cuerpo ni de sus apéndices
(brazos, piernas, etc.).
Según la gran mayoría de traducciones a Rafael no se le llama santo arcángel, sino
uno de los siete santos ángeles, además se hace referencia a siete espíritus con
acceso a la gloria de Dios, de forma recurrente en el libro del Apocalipsis o
Revelaciones. Aunque esto no es impedimento para ser jefe de los ángeles, ya que
Satanás siendo ángel caído es jefe de ángeles (Apocalipsis 12:7), podemos concluir
que decir que es un arcángel dependería de la traducción a la que se haga
referencia o al papel que ejerza ese ángel.
En Apocalipsis 1:4 se hace referencia a los “siete espíritus” de Dios que están
delante de su trono, y después se dan siete mensajes, resaltando para algunos el
papel de estos espíritus como mensajeros (ángel significa mensajero de Dios), cada
uno de los cuales concluye con la exhortación de “[oír] lo que el espíritu dice a las
congregaciones”. (Rev. 2:7, 11, 17, 29; 3:6, 13, 22).
Estos mensajes contienen declaraciones de juicio que invitan a un examen de
conciencia y promesas de recompensa por la fidelidad. Se dice que el Hijo de Dios
tiene estos “siete espíritus de Dios” (Rev. 3:1)

COROS ANGELICALES
Cada tres coros de Ángeles constituyen un nivel jerárquico. Todos ellos juntos,
forman la corte celestial.
I. Jerarquía Suprema:
Querubines, Serafines y Tronos
II. Jerarquía Media:
Dominaciones, Virtudes y Potencias o Potestades
III. Jerarquía Inferior:
Principados, Arcángeles y Ángeles

LOS PRÍNCIPES DE LAS JERARQUÍAS ANGELICALES

Cada una de las jerarquías angelicales está regida por un príncipe y se
corresponde con una letra del alfabeto hebreo:
ÁLEPH: Corresponde a los Serafines y el Príncipe es Metatron.
BETH: Corresponde a los Querubines y el Príncipe es Raziel.
GHIMEL: Corresponde a los Tronos y el Príncipe es Tsaphkiel.
DALETH: Corresponde a los Dominios y el Príncipe es Tsadkiel.
HE: Corresponde a las Potencias y el Príncipe es Camael.
VAU: Corresponde a las Virtudes y el Príncipe es Raphael.
ZAIN: Corresponde a los Principados y el Príncipe es Haniel.
HETH: Corresponde a los Arcángeles y el Príncipe es Mikael.
TETH: Corresponde a los Ángeles y el Príncipe es Gabriel.

BIBLIOGRAFIA

https://dialnet.unirioja.es/servlet/tesis?codigo=223295

https://redhistoria.com/resumen-del-libro-de-enoc-que-contiene-y-que-
dice-de-los-angeles-caidos/

https://academia-lab.com/enciclopedia/arte-durante-la-reforma/

COMENTARIOS DE CLASES

Clase de introducción del Semestre

Tratamos escatología, demonología, arte pudimos aprender y tratar la

apertura del semestre

Clase 1

Como se produjo el Desarrollo del arte en la historia, Mencionando

también las diferentes posturas de diferentes teólogos tratados en
clase, Tocamos los referentes bíblicos sobre los artistas y como esta
se produjo en los diferentes movimientos en la historia, Pinturas,
imágenes, Etc

Clase 2

Tratamos las diferencias del arte sacro, religioso entre otro tipo de
artes.

Tocamos características del arte protestante, altares, pinturas,

esculturas mosaicas Etc y como hombre marcaron la historia atreves
de ello

Clase 3

En esta ultima clase tocamos puntos finales sobre las relaciones

artísticas y espirituales que influyeron en temas como el mundo
espiritual y como obras como la divina comedia plantean perspectivas
de forma explicita del cielo e infierno Etc, y otros teólogos tocantes a
este tema

Estudiamos el hecho de como podemos usar el arte para expresar lo

que pensamos y sentimos y como plantar esas ideas a través de esta.