ESTILOS UNIVERSALES

Helenístico

El arte helenístico es aquel que sufrió la influencia del arte griego o helénico. Surgió
entre finales del siglo IV a. C., tras la conquista de Alejandro Magno sobre Grecia,
y el siglo II a. C., cuando se impone Imperio romano. El arte helenístico fue un arte
fundamentalmente ecléctico, ya que en él se mezclaron tanto los elementos
estéticos del arte helénico como la cultura de los diferentes dominadores (asiática y
occidental).
Esto fue consecuencia de la vocación imperial de Alejandro Magno y sus
seguidores, así como de los romanos. Todos ellos fueron, además, admiradores de
la cultura helénica. En consecuencia, en este estilo se pueden observar a la vez
rasgos íntimos, solemnes, comunes, colosales y menudos.

Un elemento de la escultura helenística es el patetismo, por patetismo se entiende

la expresión de angustia o padecimiento para generar conmoción. Así, las
esculturas de este período serán expresivas, dinámicas y cargadas de tensión, en
busca de un mayor naturalismo y emotividad.

La escultura se regirá por el gusto por el naturalismo y el individualismo, el cuidado

de los detalles exteriores, la piel lisa, el detalle de los cabellos y la tensión muscular.

Cares de Lindos, por crear de la legendaria escultura de bronce de 32 metros

llamada Coloso de Rodas, apenas conocida por relatos.

En la arquitectura también se va dejando de lado la austeridad del orden dórico y

se favorecerá a los órdenes jónico y corintio, más recargados, al optar por un estilo
ecléctico. Será también común observar la tensión entre la estética europea y
asiática, como el uso de la construcción abovedada de herencia babilónica. Como
ejemplo de arquitectura helenística podemos mencionar el altar de Zeus, en
Pérgamo, que data del año 180 a. C. aproximadamente. En la pintura se observará
la técnica de mosaico de mármol de colores, así como las cerámicas llamadas
tanagras, que son figurillas de barro cocido. Sin embargo, son muy pocos los
vestigios que perduran de este período .En cualquiera de las disciplinas, seguirá
prevaleciendo el valor de la medida.

El sentido de las proporciones se mantiene aun cuando se desafíen otros elementos

clásicos. La tendencia estilística del arte helenístico-asiático fue una influencia
fundamental para el desarrollo del arte cristiano.
Arte Bizantino

Por arte bizantino se conoce el conjunto de manifestaciones artísticas desarrolladas

en el Imperio romano de Oriente, llamado Imperio bizantino, desde el siglo IV hasta
el siglo XV. Sin embargo, este estilo se mantiene vivo actualmente como vehículo
de expresión de la Iglesia ortodoxa. El arte bizantino nació con el ascenso del
cristianismo. A comienzos del siglo IV Majencio y Constantino se disputaban el
título de augusto en el Imperio romano, dividido entonces en dos administraciones:
el Imperio romano de Oriente y el de Occidente. Inspirado por un sueño que
auguraba su triunfo bajo el signo de la cruz, Constantino derrotó a Majencio en la
batalla del puente Milvio en el año 312. Constantino asumió el control del Imperio
romano oriental, puso fin a la persecución de los cristianos por medio del Edicto
de Milán (año 313) y adoptó el cristianismo como religión de su corte. La sede del
Imperio romano de Oriente fue establecida en Bizancio, de donde viene el nombre
de Imperio bizantino, a pesar de que Constantino hizo llamar a la
ciudad Constantinopla desde el año 330. En arquitectura adpataron las basílicas
romanas o salas reales a las necesidades de la liturgia y de la corte imperial. Con
el tiempo, la planta basilical se convirtió en un modelo de iglesia cristiana, al que
pronto se sumó la planta centralizada o de cruz griega en tiempos de Justiniano,
una aportación original del arte bizantino. Al nivel constructivo, los bizantinos
adoptaron las técnicas y recursos constructivos del Imperio romano. Entre los
elementos romanos usaron principalmente las bóvedas de cañón, las cúpulas y
los contrafuertes. Usaron también las columnas, aunque más con carácter
ornamental, excepto en las galerías donde funcionan como soporte de las arcadas.

La principal manifestación de la pintura bizantina son los íconos. La palabra ícono

proviene del griego eikon , que significa "imagen", pero están concebidos como
vehículos de oración personal y litúrgica. la sensualidad es suprimida
deliberadamente. En la antigüedad, los íconos eran hechos por iconógrafos, monjes
consagrados especialmente para el oficio de "escribir" teología en los íconos (hoy
en día los iconógrafos pueden ser laicos consagrados). Las piezas también se
consagraban. En sus inicios, los íconos sobre tabla registraban la influencia de los
retratos del Fayum en Egipto.

Los íconos cumplían funciones litúrgicas. Por lo tanto, no pretendían imitar la

naturaleza, más bien, pretendían dar cuenta de una relación espiritual entre el orden
divino y terrenal, bajo estrictas normas teológicas y plásticas. omo rasgo general, la
escultura bizantina se afirmó sobre la tradición grecorromana. Incorporó los
elementos iconográficos del cristianismo: no solo las escenas, sino los símbolos y
las alegorías: animales, plantas, atributos, entre otros, formaron parte del nuevo
repertorio artístico.

La escultura bizantina estuvo al servicio de la arquitectura y de las artes aplicadas,

como era lo propio en el mundo medieval antiguo. Las esculturas de bulto redondo
no eran bien vistas por su semejanza con los ídolos paganos, de manera que se
prefirió la técnica del relieve para la escultura con fines religiosos.
Renacimiento temprano

Abarca desde el año 1420 hasta el año 1500 conto con muchos artistas, incluyendo
arquitectos, pintores y escultores que fueron los impulsores iniciales de la reforma
estilística. Estos artistas que empiezan a firmar sus obras abiertamente, se sienten
altamente inspirados por los pintores de finales del periodo gótico cuyas obras
venían mostrando el camino del nuevo pensamiento humanista. El inicio del
Renacimiento temprano es la ciudad de Florencia en la Península Itálica.

Los artistas del primer periodo del renacimiento conforman sus obras basados en la
tendencia humanista devota a la razón, e imprimen sus obras del clasicismo y la
perfección propia del arte griego y romano en la antigüedad. El nuevo culto a la fama
le propicia tener una clientela amplia que quiere ser inmortalizada en retratos o
esculturas o que quieren mostrar sus respetos por las figuras exitosas y
prominentes. Al mismo tiempo surten con bellos y valiosos objetos a la clase
pudiente con obras para decorar sus palacios o centros sociales las cuales
responden a su interés como clase opulenta deseosa de mostrar su riqueza y poder.

Las obras en este periodo son por tanto detallistas, proporcionadas, medidas y
apegadas a los dogmas del clasicismo griego y romano, pero poseen también el
orgullo de un hombre exitoso que quiere platear su realidad tal como es y en ese
sentido hay un despegue de la estética pura del idealismo griego y las obras se
tornan realistas y muy pormenorizadas, como si fueran a cobrar vida ante los ojos
del espectador. Los rasgos de los personajes son idénticos a los modelos, no
importaba si estos eran feos o bonitos. Hasta el temperamento de los mismos o la
emoción que estuviera siendo representada era indicado explícitamente para mejor
comunicación con el espectador. No estaban exentas sin embargo en las obras de
muchos de estos pintores, los signos velados o mensajes ocultos destinados a ser
comprendidos por un público culto. No eran personajes y escenas idealizadas y
perfectas, sino realistas y perfectas. Muchos artistas se destacan por su talento y
estilo propio lo que los sitúa como artistas prominentes y en demanda quienes se
convertirán a su vez en maestros o mentores; como el propio Verrocchio quien fue
maestro de Leonardo Da Vinci. Los artistas del Renacimiento defendían el valor
estético y cultural del arte de la antigüedad clásica. Este era muy superior a sus
antecesores medievales, razón por la cual rechazaron todo vínculo con su pasado
y adoptaron la armonía característica de las creaciones griegas y romanas.

El hombre fijó su interés hacia el conocimiento. Este era abordado a través del
estudio y la observación, mediante los cuales se obtuvo una idea más clara del
funcionamiento de nuestro planeta. En este punto de la historia, nacieron algunas
de las ciencias más relevantes de la actualidad, como la física, la biología o la
anatomía. Al dejar atrás el influjo del teocentrismo, la razón adquirió una importancia
nunca antes vista. Durante el Renacimiento, se defendió la idea de una explicación
lógica y científica para cualquier suceso o fenómeno. Desarrollando al mismo tiempo
el pensamiento racional que representa actualmente al ser humano.
Renacimiento Tardío o Alto

Es entre 1475 y 1525, Miguel Ángel, Rafael, Leonardo Da Vinci y Tiziano seguín
siendo los exponentes y realizaban obras comisionadas por mecenas o personas
importantes públicas como el grupo de los Medici que para entonces controlaban
las finanzas italianas. El arte del renacimiento se expande por toda Europa en este
periodo pero fundamentalmente se acoge muy bien en Francia, Inglaterra, Alemania
y la Península Ibérica. Responde este arte eficazmente a las necesidades de una
sociedad burguesa en busca de rodearse de confort, con obras que expresaran su
refinamiento y poder como buena clase social. Un interés grande por la naturaleza
y el mundo animal se ilustran en los bocetos de artistas como Albrecht Dürer (Alberto
Durero) (1471-1528), figura dominante del Renacimiento Alemán quien como
científico represento los elementos de las figuras en detalle. Sus pinturas, dibujos,
grabados y escritos teóricos sobre arte ejercieron una profunda influencia en los
artistas del siglo XVI de su propio país como Lucas Cranach el Viejo (1472-1553) y
también en los artistas de los Países Bajos. Héroes y leyendas son representadas
con viveza y realismo como si fueran a cobrar movimiento. En ellas la figura
humana; como en el caso del David de Miguel Ángel (hecho a tamaño natural),
expresan el detallado estudio de las formas del cuerpo, sus curvas, las venas, la
flexión natural de piernas y caderas. Miguel Ángel logra representar la acción, el
dramatismo del momento. Él fue además el autor de la decoración de la bóveda de
la capilla Sixtina y en esta excelsa creación refleja sus conocimientos del cuerpo
humano tal y como lo hiciera cuando esculpía. Fue Miguel Ángel Buonarroti el primer
pintor que logró representar este capítulo de la biblia sobre la creación con realismo
y detallado trabajo, enteramente a base de las poses, dramáticos gestos y
expresiones del rostro de las figuras, que transmiten el mensaje del caótico
desasosiego ante el juicio final.
En este periodo santos, vírgenes y apóstoles son dotados en las obras artísticas de
una dignidad y nobleza que se expresa en sus humanizadas figuras, que se
representan con los cánones clásicos de belleza pero lejos de estar totalmente
idealizados se representan naturales, cercanos y realistas.
Filósofos clásicos conversan dentro de la composición de Rafael en su obra “La
escuela de Filosofía” rodeados de personalidades de la época renacentista, en
donde la ilusión espacial que representa muestra una profundidad tridimensional
sorprendente. La suavidad de los rostros de sus vírgenes y retrato de
personalidades parecen hechos sin esfuerzo, cuando en realidad un dominio
increíble de la técnica y gran capacidad de trabajo nos regalan en sus suaves y
dulces figuras un verdadero y emotivo deleite visual donde la luz es la verdadera
protagonista. Leonardo estudio el comportamiento de los pigmentos y adhesivos
para pintar, termino pocas obras enteramente pero en las que se preservan se
observa la pulcritud del dibujo y el uso del color. Su utilización de la perspectiva
aérea y la creación del llamado Esfumado lo sitúan como uno de los grandes genios
de la pintura del renacimiento. Otro destacado artista de este periodo fue Tiziano
Vecellio en cuya obra logra representar a través del color, el control sobre las luces
y sombras, con su estilo arrebatado y dinámico mueve emocionalmente al
espectador de forma impactante. Su estilo rebuscado sentó las bases del
Manierismo.
Manierismo

Esta tendencia dispuso de una literatura teórica desarrolladísima que sin embargo
no encontró eco en la burguesía que no podía comprender su sofisticación
conceptual. El Manierismo coincide con el periodo de la crisis del cristianismo y las
luchas en Europa contra los invasores musulmanes.

Esta tumultuosa etapa marca el estilo de numerosos pintores en toda Europa

influenciando a pintores de los países bajos, Alemania, Francia y sobre todo en
España donde la figura del pintor conocido como El Greco era muy apreciada en las
cortes españolas.
Las figuras humanas se representan más alargadas alejándose del equilibrio
clásico, utilizan la luz contrastada en sus pinturas, el cromatismo intenso,
arrebatamiento de las formas, composiciones recargadas. Se muestra alta
expresividad de las emociones y se aumentan la sensación de inquietud y zozobra.
Son pinturas destinadas a provocar reacciones emocionales en el espectador.

Son sin duda la respuesta ante clásica que se viene desarrollando y que toma auge
a finales del siglo XVI. La paleta contrastante del Greco por ejemplo, enfatiza el
mensaje de la obra mediante una elocuencia particularmente dramática, es casi
como si estuviéramos viendo personajes reales en una puesta de escena teatral, en
su obra El entierro del Conde de Orgaz el patetismo ante la muerte queda
representado tan vívidamente que nos sobrecogemos ante su contemplación.

Los pintores y escultores Manieristas con su recargamiento de elementos en las

obras, su respuesta ante clásica a los dogmas compositivos, la experimentación con
diferentes paletas de colores, difuminación de fondos, dibujo nervioso y dramatismo
exacerbado plantean las bases estéticas y estilísticas que toma la nueva generación
de pintores, que influenciados por la nueva situación económica, política y social
impulsan un cambio que se aleja aún más del academicismo en la plástica.
Arte Gótico

La arquitectura fue la primera manifestación artística que desarrollo el arte gótico y

la misma tiene una gran riqueza de formas y recargamiento ornamental que cubren
los muros de los edificios. Esculturas con motivos religiosos, vegetales y
geométricos se unen a gárgolas, y bestias de aspecto temeroso en sus pináculos y
balcones. La catedral Gótica es el edificio principal durante la edad media. Esta
arquitectura es de tipo monumental, está constantemente a la búsqueda de
extender sus estructuras lo más alto posible. Esta búsqueda de proximidad a Dios
y su bóveda celestial justifican la búsqueda de verticalidad y elevación. Las regiones
compiten por tener la catedral más alta. Las tendencias religiosas hacen de la luz
un elemento protagónico ya que para ellos la luz representa a dios y cuanto más
iluminados estuvieran los recintos más efectiva era la comunicación con dios. Los
temas utilizados en la decoración de los edificios en la arquitectura del arte gótico
son: líneas ramificadas, motivos geométricos, vegetales, animales y bestias míticas
como gárgolas. La pintura del arte gótico representaba los temas religiosos, vida
cotidiana , retratos de la burguesía y temas mitológicos, la pintura era sobre tabla y
sobre manuscritos. Además de los vitrales historiados, hacían dípticos y trípticos
con temas religiosos. Los pintores son Giotto Di Bondone, considerado uno de los
más importantes, el pintaba las ventanas y las bóvedas con temas de la biblia. Los
hermanos Limburgo son ilustradores de manuscritos destacaron como miniaturistas
y manejaron muy bien el color y la perspectiva en sus obras. Nuevas técnicas
pictóricas como es el caso del oleo sobre tabla permiten magnificas pinturas donde
los personajes y las escenas en que se representan poseen gran naturalidad. Esto
contribuyo a llevar a los espectadores en forma mucho más efectiva las emociones
humanas que se representan como son el dolor, la humildad, la devoción religiosa,
la tragedia o fervoroso jubilo devocional. La pintura al oleo permite retoques y
aplicación por capas por lo que el resultado final es muy bueno y terminado.

No obstante la forma en que usan el color y las líneas de definición de la figura suple
un tanto la falta de conocimiento en cuanto a cómo representar profundidad y
tridimensionalidad. Se experimentaron con nuevas sustancias y se profundizo en el
conocimiento de algunas ya conocidas para obtener nuevas tonalidades de
pigmentos entre los cuales el azul obtenido ya que se adiciona a la mezcla lapislázuli
fue muy famosa y su utilización era símbolo de nivel y poder adquisitivo por lo difícil
de su obtención. Los hermanos Limbourg utilizaron mucho este pigmento para sus
famosos cielos y para decorar el manto de la virgen.

El pintor Jan Van Eyck destaco por sus retratos de la burguesía de la época y doto
a los personajes representados de vida atraves del detalle de rostros, miradas
ropajes y mensajes ocultos en la representación de objetos o pistas en las escenas
que trasmiten un gran valor conceptual. Este estilo puede decirse marco las bases
que con el tiempo retomarían los pintores renacentistas. Su obra destacada fue
precisamente el retrato de una pareja de burgueses “El Matrimonio Arnolfini”.
Arte Barroco

Es la tendencia artística predominante en la segunda mitad del siglo XVII en Europa

que se prolonga hasta la siguiente centuria y se caracteriza por la decoración de los
muros, especialmente de las bóvedas de edificios. El Barroco decorativo favorece
una pintura más dinámica y voluptuosa con gamas mas amplias de colores que
contribuyen a los efectos de tridimensionalidad y el dramatismo en las escenas. Los
personajes parecen flotar en las bóvedas mientras “se mueven” en su dinámica
etérea.

Esta tendencia pictórica contribuye a que los techos de las iglesias y palacios
europeos de finales del XVII y buena parte del XVIII se creen con una tradición de
efectismo ilusorio monumental y teatral dirigido a enaltecer el poder eclesiástico y
monárquico.
El Barroco decorativo gusta del efectismo, llegando a fingir arquitecturas en los
techos, mediante el uso de complejas perspectivas axonométricas (sistema de la
cuadratura) . Es escenográfico y teatral. Son obras llenas de dinamismo, con gran
riqueza cromática y expresiva. Sus características generales son: Utilización del
TRAMPANTOJO: Técnica pictórica que pretende trucar ilusoriamente el entorno
arquitectónico; sea simulado o real, a la vista del espectador, produciendo la
sensación de que lo que se observa es real, mediante el uso de la perspectiva, el
sombreado y otros efectos ópticos ilusorios. Por ejemplo: que el fondo se proyecta
más allá del muro o del techo o que las figuras sobresalen de él.
• Utilización del sistema de la cuadratura, (Un sistema de división del espacio
pictórico en cuadriculas).
• Representación de arquitecturas con escorzas muy pronunciadas y fuertes efectos
de perspectiva, exige grandes conocimientos de óptica y geometría por parte de los
pintores.
• Personaliza el espíritu triunfante del barroco que se persigue transmitir, tanto por
el poder religioso como el monárquico.

Dramatismo escenográfico y teatral pictórico que busca expresión de dinamismo y

efecto tridimensional para dar sensación al espectador de su integración a la escena
como un personaje más.

Entre los artistas destacados de este estilo decorativo en el barroco tenemos a:

1) Pietro da Cortana, primer representante del barroco, su pintura es escenográfica

y con elementos de naturaleza.
2) Andrea del Pozo decoró la iglesia de San Ignacio en Roma, el decoro puras
iglesias Jesuitas.
3) Luca Giordano hace lienzos para basílicas en España.

La pintura del Barroco utilizaba la óptica, la geometría, las matemáticas y la

perspectiva que hacen de las pinturas escenarios tridimensionales. Lo que más
representaban eran escenas religiosas y el triunfo de la fe.
Arte del Clasicismo

Se desarrolla en el siglo XVII en Bolonia Italia, resulto ser una corriente en pintura
que se aleja del Manierismo, en busca de expresar la belleza ideal edulcorada y
perfecta, en las que se enfatiza el balance, lo ecuánime y equilibrado en las escenas
de las pinturas, con intención de representar una dignidad expresiva; emocional
pero ecuánime y racional en la pintura, mirando más a un pasado clásico de la
antigüedad en la que encuentran un legado afín a sus propósitos. Los principios de
esta corriente pictórica se contraponen al naturalismo de Caravaggio y sus
seguidores de la corriente naturalista. Un grupo de pintores boloñeses entre los que
se encuentran como máximos representantes:

Guido Reni, Los hermanos: – Agostino Carracci y Annibale Carracci.

Intentaron recuperar la serenidad de espíritu del mundo grecorromano, adicionando

la presencia de hermosos paisajes, tranquilos y armoniosos donde no faltan las
representaciones de las ruinas antiguas, en alegoría a su homenaje y emulación de
los principios de proporción, balance y equilibrio de la antigüedad clásica.

Características generales de la corriente clásica.

- Esta corriente rechaza las formas idealizadas en exceso, pero también la

representación de la realidad inmediata, con sus imperfecciones agrestes y
crudas.

- Pintan las cosas no como son, sino como deberían ser, buscando la belleza
ideal de forma meditada y razonada.

- La iluminación que utilizan es uniforme.

- También los colores son suaves cuidando el dibujo sobre la mancha. Su

dibujo es firme, con líneas y contornos muy definidos.

- Los pintores neoclásicos fueron influidos grandemente por los maestros del
siglo XVI como Rafael y Miguel Ángel lo que se observa en la composición
de las escenas y paleta utilizada.

- Representan paisajes equilibrados, serenos a veces con ruinas romanas .

- En estos cuadros de paisaje, aunque hay figuras humanas, lo que domina es

la representación de la naturaleza muy cuidadosamente dibujada, pero
idealizada.

- El hombre no es el tema principal de representación en estas pinturas.

Rococó

Nace en Francia a principios del siglo XVIII y se desarrolla durante los reinados de
Luis XV y Luis XVI.

Ha sido considerado como la culminación del Barroco, sin embargo, es un estilo

independiente que surge como reacción al barroco clásico impuesto por la corte de
Luis XIV. El rococó a diferencia del barroco, se caracteriza por la opulencia, la
elegancia y por el empleo de colores vivos, que contrastan con el pesimismo y la
oscuridad del barroco.

Es un estilo aristocrático, revela el gusto por lo elegante, lo refinado, lo íntimo y lo

delicado. Armoniza con la vida despreocupada y agradable que la sociedad ansía y
se desentiende de cuestiones religiosas. Es un arte mundano, sin conexión con la
religión, que trata temas de la vida diaria, no simboliza nada social ni espiritual, sólo
superficialidad. Por todo esto se considera al Rococó un arte frívolo, exclusivo de la
aristocracia. Se difundió en Alemania y Austria.

El término rococó proviene de la palabra francesa "rocaille" (piedra) y "coquille"

(concha), elementos de gran importancia para la ornamentación de interiores.

En arquitectura, los edificios mantienen un trazado externo simple, sin embargo, en

el interior la decoración se desborda.

El rococó impone la acumulación de elementos decorativos basados en líneas

ondulantes y en la asimetría. Alcanza mucha difusión el gusto chino, que había
entrado en Europa con las piezas de porcelana, telas o lacas, y que decorará los
salones occidentales con sus temas más representativos.

En pintura, los temas más abundantes son las fiestas galantes y campestres, las
historias pastoriles, las aventuras amorosas y cortesanas. Las composiciones son
sensuales, alegres y frescas, predominan los colores pasteles, suaves y claros. La
mujer se convierte en el foco de inspiración, ya que es la figura bella y sensual.

Respecto a la escultura, el estilo provoca en España la aparición de ciertos rasgos

que se incorporan al vocabulario básico del Barroco, pero que no llegan a
modificarlo. Entre ellos, una mayor dulzura e intimismo en la interpretación de los
temas y un mayor aprecio por lo pintoresco y por los detalles más triviales.
Arte Neoclásico

Movimiento estético y artístico por toda Europa a mediados del siglo XVIII y hasta
el siguiente siglo. Surgió para oponerse a la estética ornamental y recargada del
movimiento Barroco al que sucedió.

Fue el final de los movimientos y representaciones artísticas de manera universales,

decir, este estilo de arte afecto a todo el mundo y a todos los estilos de arte. Se
podría decir que el arte neoclásico es un movimiento social, moral, filosófico e
intelectual que está unido y enlazado a ideales ilustrados. Esta clase de arte se
podía observar en todo el mundo pero este estilo de arte se asentó en Francia,
principalmente en Paris, reemplazando a Roma como la nueva capital artística. El
objetivo de este tipo de arte era representar los sentimientos y el movimiento, un
arte absolutamente pensado y racional, con reglas y muy sencillo. En lo que
llamamos arte Neoclasicismo hay que distinguir dos corrientes: Una primera que
responde a pura reacción estética contra el barroco, intentando buscar la desnudez
en lo que el barroco encubría y ocultaba, aunque sigue atado a la exaltación del
poder, como el barroco. La otra corriente responde a los postulados ilustrados:
funcionalidad, racionalidad, claridad… símbolo de una nueva sociedad que está en
ciernes. La arquitectura puede ser clasificada como una ramificación de las artes
morales y sociales. Por esta razón, destacan las construcciones y edificios que tiene
como fin poder mejorar la calidad de vida humana como por ejemplo los teatros,
bibliotecas, museos, parques, hospitales, entre otros edificios que tiene una
naturaleza monumental.

La escultura neoclásica se trabajaba, principalmente con varios materiales pero el

más destacado siempre fue el mármol blanco, no eran demasiado llamativas ya que
querían darle un aire de esculturas con gran antigüedad y por ello lo que destacó
de la escultura neoclásica fue la sencillez y la tranquila belleza que tenían sus obras.
Los temas más destacados de la escultura en estos siglos fueron el desnudo y el
retrato que tomó un importante lugar en la escultura neoclásica.

Entre la pintura neoclásica podemos destacar a un gran artista llamado Jacques-

Louis David, tanto este artista como otros pintores intentaban imitar imágenes de la
revolución y realzaron los mitos romanos. La luminosidad estructural y el dominio
del dibujo son las principales características de la pintura neoclásica

Características generales:

Es un arte comprometido socialmente, buscan lo funcional en las construcciones, la

escultura se define con el retrato, es un arte educativo y cívico, los personajes
históricos retratados son ejemplos de moralidad y buena conducta, el paisaje se
pone de moda con escenas costumbristas de vida cotidiana social.