Historia del arte gótica.

Examen y trabajos:

-Prueba 20% de la nota, arquitectura. Examen dunha sola imagen. Arquitectura gotica francesa.

-Examen 60% con duas imágenes. Comentario largo, un folio para cada unha 2h e media.

-20% traballo, elaboración trabajo en grupo estudios de miniatura (Biblioteca Xeral, traballar con facsímiles,
manuscritos). Traballos de 5 personas, en grupo. Vender que o noso traballo e o mellor, decir de que vai manuscrito, por
quen foi feito… E falar como mínimo de 3 imaxes do manuscrito e podemos compará las e usar outras imaxes, ou usar
vídeo, música, o que queiramos. 10 MINUTOS SOLO, ESTRICTO!! También podemos usar calquer soporte. Liberdade nas
estratexias de exposición. Seducir a la audiencia, o noso manuscrito ten que ser o mellor. Ten que haber contenido. O dia
do examen entregamos en papel o traballo, coas firmas das personas!!!!

-10% asistencia

-Práctica de campo a Pontevedra a partir del 25 de mayo.

TEMA INTRODUCCIÓN
- O arte gótico foi moi destruido. Destruccion arte gótico: a catedral de Reims destruirse polo bombarderos
alemanes e hoxe en dia a maioria das que se conservan son reconstruccións. Por eso e necesario controlar as
reconstruccións que se fixeron a nivel historiadora. Poucas obras orixinais do gótico se conservan pois
moitisimas foron destruidas.

GÓTICO A TRATAR NO TEMARIO: Mediados do XII en Francia-ata onde cheguemos. Do siglo XV como non imos poder dar
o gótico italiano, temos que leer duas obras: El otoño de la Edad Media de Luitinga (¿),

1. Debate arte gótico, origen y periodización

Gótico final: ligereza y fragilidad, como si fueran de papel. El gótico lo inventaron los godos? Idea de Vasari. La relación
de la arquitectura gótica con la madera se reflexiona a lo largo de los siglos, muy posiblemente la arquitectura gótica
tenga relación con el trabajo en madera. Gótico=madera

Vasari despreciaba el gótico y en el renacimiento siguieron despreciandolo. Por otro lado, Serlio en el renacimiento en
su texto retoma a Vitruvio: tragedia, comedia, satira. A pesar de las críticas que defendían la arquitectura clásica, se
seguía construyendo gótico incluso hasta el XVII, no sólo en el panorama inglés.

De hecho en Inglaterra ya temprano empezaron a adorar el gótico: Catedral de San Pablo en Londres con sus típicos
arcos apuntados y sus angulos agudos tan criticados. Reconstruida y sustituida por racionales ángulos rectos
posteriormente.

A finales del XVIII en Alemania casi al mismo tiempo que Inglaterra empezaron a defender y a construir en arte gótico.
Catedral de Estrasburgo fachada occidental increíble, ligereza y altura (ansias asociadas a la ascensión a Dios)> esta
teoría de pulsión vertical a Dios acabará generando el expresionismo. Gette queda seducido por el gótico cuando ve la
Catedral de Estrasburgo y va a generar un cambio de gusto frente a ese enraizamiento con el clásico.

En Inglaterra en cambio el fenómeno fue distinto, la apreciación del gótico a finales del XVIII fue impulsada por el gusto
de los terratenientes aristócratas ingleses. Aquí va a ser muy importante Horace Walpole que escribe una novela inglesa
gótica, la primera novela gótica y se construye una fachada norte de Strawberry Hill, donde mezcla gótico con otros
estilos, un pastiche. También tenemos el Royal Courts of Justice en Londres, de nuevo otro pastiche. El gótico así renace
een el imperio inglés, renace el neogótico en inglaterra con mezcla de otros estilos.

El gótico nace y pervive en una tradición paralela a la tradición clásica. Empieza como término aplicado a la arquitectura
pero luego se hace novela gótica como el Dracula, manteniendo una tradición viva.
El gótico es un renacimiento en sí mismo, aunque no se quiso llamar renacimiento. El renacimiento del gótico en el XIX
vino de la mano de los nacionalismo y romanticismo, reacción ante los racionalistas del siglo XVIII, se reivindica lo
emocional y lo irracional. En Francia en cambio son los católicos resentidos con la destrucción anterior, los que
reivindican el gótico como un arte que había nacido en Francia.

Pero dónde nació realmente el gotico? Se lo disputan porque es un elemento esencial en el nacionalismo del siglo XIX
(de hecho Hitler impuso la escritura gótica). En Francia fueron los católicos con la restauración del imperio ya catolico
los que apoyan el renacer del gótico (en Francia posiblemente naciera el gótico). En Francia a mediados del XIX vuelve la
razón y se mantiene, se racionalizan las líneas abiertas. Por otro lado el positivismo hace que se interesen como el gótico
se construye arquitectónicamente.

ARTE GÓTICO FRANCÉS SIGLO XIX: Viollet le duc fue el que hizo que se entendiera la arquitectura gótica. Revolución
ingenieril. Arcos apuntado, boveda de cruceria, roseton, vidrios de color. Paralelamente mientras el positivismo genera
esta tradición que dura, paralelamente Emile Male va a ser el gran escritor de la iconografía gótica, nos quiso convencer
de que cada catedral era una biblia en ellas se representaba la Biblia.

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Mitad siglo XII-siglo XVI

ARTE GÓTICA EN FRANCIA

Francia 2 modos de acercarse al arte gótico: el positivismo y mentalidad racional e ingenieril (vieron los edificios
góticos desde el punto de vista de los arq) y por otro lado la corriente de los iconógrafos con Emile Male (con su arte
religioso en Francia) que leía la catedral como si contuviese la Biblia entera.

1. Idea de la yuxtaposición en el gótico, literatura.

La idea que viene de la literatura (de la mano de Muscatine): la literatura de época gótica es una literatura abierta y que
funciona por yuxtaposición (ampliable por yuxtaposición, ir sumando). Esto pasa en la arq Artúrica pero también pasa en
literatura (Cantar del Mio cid>mocedades del cid). Ejemplo: la catedral de Milán se empezó en el 1450 con su coro y
transepto y se terminó en tiempos de Napoleon, ampliándolo. Añadían en arquitectura elementos góticos
armónicamente por yuxtaposición!!!! Armonía, paralelos, fenómeno que ayuda a entender el proceso del arte gótico!!

El patrón de la yuxtaposición adictiva como modo de proceder a las artes figurativas tenemos ejemplos como:
Busto-relicario de Santiago Alfeo, primera mitad del siglo XIV con añadidos del siglo XV (capilla de las reliquias). En su
añadido se le añade una corona en el siglo XV, una concha y numerosos camafeos romanos de su coraza y un collar muy
particular (que resume como a finales de la Edad media la división entre realidad y ficción es muy fina). El collar se lo
regaló Don Suero de Quiñones, que se había colocado una argolla al cuello y una empresa para conseguir el favor de su
amada y prometió estar en el puente durante ocho años retando a los caballeros, y si lo consiguiera tendría que realizar
el camino de santiago y poner la argolla al busto de Santiago> consiguiendo el favor de la amada, no le coloca su argolla
de hierro pero si un collar de oro que simboliza ese paso honroso de Don Suero. Las piezas de arte figurativo pueden
sumar distintos objetos por yuxtaposición!!!!

2.Estudios visuales de arte gótico. El positivismo o racionalidad y el estudio iconográfico, Camile Emile. La
diagonal y la visión carnal o espiritual.
***Arte gótico visiones gloriosas, Camile Emile*** Leer. Camile Emile fue rompedor.

Camile Emile, otro modo de acercarse al arte gótico: estudio visual.

Por ejemplo la Catedral de Amien, el espacio estaba compartimentado, lleno de misas, velas, colores, tapices, incienso,
tumbas, yuxtaposición de pintura sobre pilar y tumba… Parece no existir la composición unitaria. Por eso es muy
distinto pensar en los edificios de un estudio visual, que de un modo como lo hacían en la Edad Media.

Camile Emile habla de cómo entendían en la Edad media la visión: ¡No contemplaban y veían igual que nosotros! Ellos
iban a percibir y establecer asociaciones mentales muy distintas a nuestra mirada prosaica.

a. Camile afirma que lo que realmente fascina al gótico es la diagonal, más que el arco apuntado, la diagonal para
él era lo que realmente fascinaba al gótico, como en las bóvedas locas de la Catedral de Lincoln. Camile era
ingles, igual entonces la diagonal era propia del gótico inglés y no se debe generalizar, pero es rompedor!
b. Camile habla de los dos modos de visión medieval: visión corporal y visión espiritual. Ejemplo Salterio de San
Luis (inicial B con que comienza el primer verso del primer salmo. Mediados del siglo XIII): en ella nos muestra la
visión peligrosa que es la visión carnal y la visión espiritual a la que se debe aspirar, en la parte superior esta
David deleitándose ante la visión desnuda de la mujer en el baño; en la parte inferior tenemos a David
arrodillado sobre un tapiz de flores de lis contemplando a Cristo sosteniendo el cosmos rodeado de una
mandorla de flores azules. La visión carnal permite ver con los ojos carnales el mundo físico creado por dios,
la visión espiritual permite ver más allá desde los ojos del alma. Mediante lo espiritual podemos trascender de
lo material a lo inmaterial. Con los ojos espirituales es la única forma de poder acercarnos y de ver a Dios, lo
inmaterial e invisible. ¿Qué simboliza entonces la mandorla que vemos en la inicial? La mandorla es un signo
que delimita lo invisible, lo que no puede ver el ojo carnal, pone un límite a lo invisible y con las ondulaciones
simboliza las nubes, es decir en esa imagen la mandorla advierte que realmente eso no es lo que veríamos con
los ojos espirituales (las ondas de la mandorla también simbolizan el mar de cristal). EL ARTE MEDIEVAL SE DEBE
MIRAR DE UN MODO ESPECIAL (VISIÓN CARNAL O ESPIRITUAL) LA MANDORLA ES UNA ADVERTENCIA. David
nunca vio a Dios pero en esa imagen lo está intentando, la mandorla lo advierte, es un simulacro.
Si estudiamos la Edad Media no podemos mirar solo con los ojos carnales, pues la Edad Media representó
muchísimo lo invisible, es el arte de ver lo que no se puede ver. En la edad media querian hacer visible lo
invisible, asi o representan con formas simbólicas como la mandorla. En la Edad Media conseguían tener visiones
espirituales en sueños sobre todo pero también en vigilia. Ellos eran platónicos y entienden la visión como
platón lo hacía, proyectando en el mundo su visión (por ejemplo el mal de ojo), la visión era mucho más
potente.
Otro ejemplo es el Apocalipsis Douce, donde aparece Juan teniendo una visión, separado su mundo del mundo
celestial. También tenemos la Brígida de Suecia: a partir del siglo XII se pretende potenciar la visión, ya no es tan
ocultista la liturgia, sino que se eleva por ejemplo la ostia (transustanciación) para potenciar la visión en el
pueblo. Cuando levantan la ostia muestran el misterio del cuerpo de cristo nunca vista: mostrar el misterio era
una solución de gran genialidad para arrastrar masas.
Otro ejemplo: amuleto Relicario siglo XIV, Museo de Regensburg. Cristo como el gusano que se transforma en
esa mariposa con antenas con grandes perlas como si fueran ojos que protegen contra el mal de ojo.

Tema 1.- Arquitectura francesa, obras.

1.-Iglesia basilical de Saint Denis, París, 1135 segunda mitad del XII, ¿primer ejemplo del gótico?.
Sugirió la reconstruye. Texto de consagratione, ordenatione, conservatore (Texto de Sugirió para justificar sus
construcciones grandiosas).
A. El mito de los orígenes del arte gótico: Sugerio y Saint Denis. Era una abadía regia donde estaba enterrado
grandes reyes franceses, aquí nace el gótico en esta abadía regia, a pesar de que los reyes de Francia no fueran
tan importantes en la promoción del gótico. En Saint Denis todo cambia, y nace un nuevo modo de entender el
color, un nuevo género escultórico etc. También el mito de San Denis esta apoyado en las ampliaciones de la
iglesia promovida por el genio Sugerio: Sugerio sale en las vidrieras como abad postrado ante la virgen y
 ofreciendo una vidriera a la virgen. Sugerio aparece en las vidrieras y participa en los programas iconográficos de
las vidrieras, de la portada occidental, en al elección de ciertos materiales, tambien estaria en decisiones
artísticas importantes, etc. A la figura de sugerio le dedica Panofsky un gran estudio: Sugerio fue compañero de
estudio del futuro rey de francia (luis VII) y da la impresión que las dos ambiciones de Sugerio eran engrandecer
el reino de francia, reformar su abadía y la iglesia de su abadía. Sugerio junto a Luis VII quería engrandecer la
abadía para darle grandiosidad al reino de Francia.
● Logros de Sugerio. Entendimiento con el papa Bernardo:
Sugerio tenia mas ambicion que el rey, consiguió casar a Luis VII de un reino pequeño con Leonor de Aquitania
(que tenía el gran territorio de Francia, los graneros y gran parte de las bodegas, territorio muy fértil). Con este
matrimonio Francia dejó de ser un lugar pequeño a contar con un territorio importante. Tambien consiguió
apaciguar las disputas francesas con Roma, consiguió una alianza importante con el papado posiblemente
gracias a Bernardo (papa Cister). Sugerio y Bernardo llegan a un entendimiento: en una abadía real se
permitirían las imágenes pues tendría un sentido, concilian sus intereses. Fortaleció la monarquía francesa y
renovó su abadía, consiguió hacer reformas que proporcionaron a la abadía una economia saneada, una hábil
política de administración territorial.
● El desmesurado desembolso de dinero de Sugerio, problema:
Reformó la economía pero gastó mucho dinero en reformar la iglesia e intentó justificar los gastos que llevó a
cabo para renovar la abadía, desmesurados. Bernardo estaba detrás de la estética cisterciense (más comedida) y
Sugerio se sustentaba en la estética tan amplia y grandiosa benedictina. Bernardo buscaba una disciplina para la
vista para estimular la vida espiritual y Sugerio busca todo lo contrario, materiales ricos y obras ambiciosas para
celebrar la gloria de Dios: llegan a un acuerdo y curiosamente mueren muy cercanos en el tiempo.

B. Inicio de la iglesia, pies y cabecera:

Hacia 1135 comienza la reconstrucción de la planta de la iglesia abacial de Saint Denis hacia 1140.
● Empieza por los pies, fachada y nártex: para hacer un nártex grande donde estaría enterrado Pipino el
breve. La fachada de Sant Deni que diseño Sugerio respondia mucho a un modelo normando, una
fachada armónica muy normanda con sus dos torres y armonía. También el interior normando
(posiblemente llamara a arq normandos): en el interior hay arco apuntado y bóveda de crucería sobre
un muro grueso propio de muros normandos (finalmente estos muros normandos sostienen bóvedas
grandes y complejas). Sin duda si vemos el interior vemos que todavía mantiene esa estética de
robustez romana (aun no la ligereza gótica). El uso de bóveda de crucería cuatripartita ya no era tan
extraño, pues se había inventado en el norte Inglaterra en la catedral de Durham: con ese muro
normando se atrevieron a levantar estas bóvedas de piedra, antes los normando usaban madera pero
aquí se atrevieron con la bóveda de piedra. Los normandos desembarcaron en Saint Denis y vemos que
en el nartex de Saint Denis no se hizo nada nuevo, ni la bóveda de crucería ni el arco apuntado era algo
innovador.
**Nota: La bóveda de crucería ya apareció en el norte de inglaterra, pero también el arco apuntado apareció
anteriormente en el románico, en la iglesia de Sannt Angelo in Formis en su fachada occidental. Sicilia había sido
arabe y estos arcos apuntados podían haber llegado de la arq fatimí a Sicilia y al norte de Italia o del pasado
románico. Lo cierto es que en esta abadía cluniacense de Angelo in formis, tan poderosa, es que no sabemos
por que canal había llegado el arco apuntado. Pero también había llegado a Cluny III, por lo que pudo venir por
la via borgoñona como un reflejo de cluny iii (la casa madre cluniacense). El arco apuntado como vemos
entonces aparece ya en cluny.
● Cabecera, la novedad: la verdadera novedad en Saint Denis la vamos a encontrar en la cabecera, donde
Sugerio intervino mucho más. En las vidrieras de la cabecera es donde Sugerio mete mas mano y donde
vamos a encontrar la verdadera novedad. Sugerio era pequeño y como gran ambicioso quería una
cabecera enorme y grandiosa, es una cabecera muy grande con doble deambulatorio y capillas. La
comunidad monástica era importante y había mucho oficio que celebrar pero aun así resulta una
cabecera enorme. Pensamos que la gran revolución de la arq gótico se caracteriza por la altura, pero
realmente comienza ampliando en anchura el edificio (CONQUISTA DE AMPLITUD Y LUEGO SE
COMBINA CON CONQUISTA DE ALTURA). La tendencia a hacer cada vez más grandes los edificios es uno
de los ejes propios de estos cambios de la segunda mitad del XII. No solo es enorme, sino que es de una
regularidad implacable: parece un polígono complejo a partir de un semicírculo, no hay una
jerarquización de espacios clara en planta. De repente, se produce una suerte de homologación,
estricta regularidad pero se pierde esa búsqueda de subordinación de espacios como era propio en el
románico. ENORME NOVEDAD.
Cabecera de doble deambulatorio, gran anchura, regularidad estricta pero no subordinación de
espacios. Sugerio había colocado columnas con fustes monolíticos muy ligeros, en contraste a la
fortaleza y pesadez normanda del nartex (hoy las columnas se han cambiado). Estaba comunicado el
presbiterio con el deambulatorio con eses fustes monolíticos, parece que es un espacio único muy
amplio, una suerte de homologación y unicidad que no había en el románico (donde subordinan los
espacios, donde cambiaban las alturas y suelos). Regularidad obvia. Arco apuntado con bóveda de
crucería cuatripartita combinado, esa es la NOVEDAD: conjugar bóvedas de crucería con arcos
apuntados!!! = Mucha más libertad en el diseño de los edificios, porque la bóveda apuntada de crucería
no depende su altura del radio (como ocurría en la de cañón) y esto da mucha más libertad compositiva,
diseñando los edificios con formas novedosas y mucha más experimentación en volúmenes y cubiertas
C. Comparación con Saint Martin des Champs:
Esta tendencia a la grandeza era propia de Cluny, cabeceras enormes ya se encontraban en la abadía de Fécamp
en Normandía en lo románico. Sugerio no era arquitecto era abad, los arquitectos son los que se dan cuenta de
la libertad que le da la bóveda de crucería con el arco apuntado para representar esta grandeza. En la iglesia
prioral de Saint Martin des Champs por ejemplo vemos que aunque parece doble deambulatorio parecen más
capillas a nivel cubierta, una cabecera grandiosa pero diferente, en Saint Denis buscan esta regularidad pero en
Saint Martin vemos una gran protuberancia en la cabecera (ambos eran arquitectos que experimentaban)> el
arq de Sains Martin no consigue esa regularidad en planta, pero igual no estaban intentando conseguir la
regularidad de Saint Denis, sino que seguramente solo intentaron crear una cabecera grandiosa y no tenían las
aptitudes de los arquitectos de Saint Denis.
En Saint Denis Sugerio solo pidió una cabecera muy grande, pero fueron los arquitectos los que consiguieron esa
regularidad estricta y doble deambulatorio. El conocimiento en geometría va a enriquecerse mucho en este
momento.
Si en la planta Saint Martin des Champ mostraba esa jerarquización y subordinación de espacios en los
romanos, en el alzado también. Mantiene la tradición de entonces a diferencia de Saint Denis tan novedoso,
pero en Sant Martin a pesar de la tradición usaban arcos apuntados y bóvedas por lo que tuvo que haber algún
arq que sabía mucho de geometría POR LO QUE posiblemente algún arquitecto de San Martin trabajaría en
Saint Denis. San Martin es la EMBRIÓN.

D. Más novedades de la cabecera de Saint Denis:

Otra de las novedades de la cabecera de Saint Denis era abandonar el pilar cuadrado compuesto por columnas
con fustes monolíticos. Una columna frente a un pilar compuesto facilita la interconexión de espacio (permiten
ver las laterales a partir de la central, confundiendo el espacio en el que estamos): una columna redonda genera
la percepción de un espacio continuo y unitario, genera un enorme espacio interconectado. En la elección de
columnas Sugerio posiblemente estuvo algo que ver, razones de tipo ideológico y los arquitectos aprovecharon
esteticamente esta decisión.
Textos de Sugerio sobre su reconstrucción de Saint Denis: el quería columnas, porque las columnas romanas le
proporcionaban al monasterio una suerte de antigüedad (era el monasterio que tenía el cuerpo del
evangelizador de Francia). Posible cameo, la columna proporcionaba una dignidad espiritual al edificio. Pero
quizá fuera porque quería antigüedades o por esto último que hemos dicho.
 El doble deambulatorio tiene 12 y 12 columnas por cada lado: simbolizando los doce apóstoles y el número
de los profetas, apóstoles y profetas sostienen espiritualmente el edificio (las columnas se asocian con profetas
y apóstoles). ASOCIACIONES SIMBÓLICAS RELACIONADAS CON LOS ELEMENTOS ARQ PROPIAS DE LA EDAD
MEDIA, hay que mirar con estos ojos para entender realmente sus intenciones. Metáforas arquitectónicas que
pueden desatar la figuración.
Otra novedad: en la cabecera usaron muros muy delgado, mientras en el nartex los arq normandos usaron
muros gruesos, en la cabecera arq parisinos usaron muros muy delgados como ya vimos en Saint Martin des
Champs (TRADICIÓN PARISINA: MURO DELGADO, refinamiento). Una sola hilera de muro para soportar dichas
bóvedas, algo muy valiente y atrevido. Por ejemplo anteriormente en Saint Germain des Pres poco de románico
vemos y primaba la estética parisina, aun con techo de madera pero con muros ya muy delgados y cierta
unicidad en las naves. Finura en las formas de París.
Ya en Saint Germain y en Saint Martin marcaban acentos lineales muy esbeltos en las paredes: ligereza,
articulaciones de muro y muro muy ligero y regular en PARÍS!! ¡Apreciaban los valores lineales!

**Nota: Las catedrales góticas y sobre todo San Denis como abadía real sufre más que ninguna otra la piqueta de los
revolucionarios a finales del XVIII, simbólicamente era importante atacar y reconstruir posteriormente. Por eso a pesar
de la fachada armónica de Sugerio tan normanda, actualmente está muy reconstruida y cambiada.

E. El valor de la línea en el gótico, en Saint Denis:

Vemos en Saint Denis arcos con poca moldura, fuste monolítico... Una especie de red, de líneas que se
entrecruzan muy típica del gótico. La linealidad ya existía en la arquitectura normanda pero mucho menos
estructural realmente (no pretendía expresar un juego de fuerzas que soportan el edificio, zigzag mucho mas
bustos) pero en la arquitectura gótica la linealidad era diferente: el románico presenta la estética de la robustez
y fuerza (es mucho más plástica que lineal, más escultórico), es decir en el románico la escultura de capiteles
condiciona la vista; pero en el gótico los capiteles se convierten en vegetales y la vista ahora se centra en el
entramado de líneas en Saint Denis, nueva estética que ya surge en Saint Denis. Además no solo es una
estructura de red, sino que expresa, marca las líneas de fuerza del edificio, marca los puntos que hay que
reforzar para sostener las bóvedas, expresan visualmente el esqueleto tectónico del edificio (aunque realmente
se demostró que no refuerzan mucho estos nervios, sino que son más bien estéticos y ornamentales). JUEGO
CON LA ILUSIÓN, juego con la ilusión de ligereza con esta linealidad, algo propio de la arquitectura gótica (por
eso se aprecio en el barroco)
F. Vidrieras de la cabecera de Saint Denis:

Otra novedad de la cabecera de Saint Denis, son los ventanales de todas las caras de la cabecera. Se abren estos
vanos con la regularidad implacable pues pretenden que la superficie de vidrio se agrande y así liberar el muro.
Si en arquitectura revolucionaron en Saint Denis, también notamos una revolución estética importante en los
ventanales de la cabecera de Saint Denis!! Se empieza a cambiar el gusto. Llama la atención una vidriera en
concreto de la cabecera: se sabe que Sugerio participo en esta cabecera, Sugerio diseño estas vidrieras dificiles
de comprender, imágenes complejas que necesitan un gran conocimiento teológico, pues estaba pensado para
los monjes de Saint Denis para que se instruyan en el modo de entender la biblia.

Esta vidriera se bautizó como la vidriera anagógica por Panofsky, con una iconografía tipológica, pero como se
leía la biblia en la Edad Media para entender estas imágenes?? En realidad la biblia es un compendio de ideas
entre San JErónimo, Ambrosio etc que construyeron el sistema ideológico de la Biblia, Jeronimo traduce del
griego y organizó la biblia teniendo en cuenta las ideas de Agustin (platonico pero trajo la cuestión de tiempo
finito en la tierra) y su idea del fin del mundo (del fin del tiempo), entrecruzando ideas para que todo lo del
antiguo testamento se cumpliese en el nuevo. Jeronimo había organizado la biblia, Agustin ya distinguía entre
visión carnal intelectual y espiritual (cuatro modos de leer la biblia que sentaron ellos mismos); es decir los
padres de la iglesia acercaron las claves que nos permiten acercarnos al discurso complejo de imágenes
medievales bíblicas.

Así codificaron cuatro modos de leer la biblia:

*literal o histórica: leer la biblia de modo literal, pero este modo de lectura no se daba casi en la edad media y
no se hacían imágenes literales de escenas bíblicas.

* figurativa o tipológica: modo de leer la biblia en la que se entienden pasajes del antiguo testamento como
tipo/prefiguración del nuevo, piensan figurativamente, la forma esencial de pensar en la edad media era en
figuras!!! Para la gente medieval existe el mundo perceptivo y otro mundo metafísico superior donde habita Dios
que está siempre presente. Un mundo al que no se podía acceder pero nos vigilaba y era paralelo, en la edad
media las figuras que se veían en el mundo perceptivo seguían la concepción de platón (cada figura es figura de
otra cosa, a imagen y semejanza). Esta idea de que todo es figura de género en la edad media es un
pensamiento encadenado: tal cosa es figura de otra y otra… encadenamiento de episodios que se podían
relacionar figurativamente entre sí. Modo de pensar diferente al nuestro, siendo más fácil entender estas
vidrieras e imágenes. El sacrificio de Isaac es una prefiguración del sacrificio de cristo.

*moral o tropológica: imágenes con contenido moral, pues en la biblia había parábolas, recomendaciones
morales, etc. Imágenes con función moral destinadas a edificar al pueblo para que se ajustaran a un
comportamiento moral. En la Edad Media la iglesia reguló la vida de los fieles lanzando mensajes morales.

*la más elevada era la anagogica o mística: altamente espiritual, ligado a lo emocional a lo más irracional. La
lectura mística refiere a aquellos que al leer la biblia queda abstraído del mundo perceptivo y asciende a otro
estado en el que ninguna circunstancia terrena lo altera. Nada existe más que ese estado de transcendencia
espiritual al leer la biblia que permite acercarse a dios (espiritualidad semejante al enamoramiento=inventado
en la edad media en tristán e Isolda). Suerte de amor a dios, de perder los sentidos y trascender al leer la biblia.
Cantar de los cantares en la biblia. En la biblia hay dos libros de poemas: el salterio y el cantar de los cantares (un
canto nupcial, erotico). Así este cantar de los cantares tan erotico se le dio una lectura mística como amor a Dios
en términos carnales. Bernardo hizo una interpretación mística del cantar de los cantares, respecto a Dios.
Mística: acercamiento máximo al amor imposible, abstracción total del mundo terreno en ese proceso de
intentar acercarse al objeto de ese amor.

Vidriera de Sugerio que Panofsky llama anagogica: cinco medallones que llaman la atención en la vidriera.
● En el medallón más alto tenemos a Dios padre sosteniendo un crucifijo, es decir sostiene una imagen de la
imagen del hijo: el crucifijo apoya sobre el arca de la alianza transportada por el carro de Aminadab (pasaje de
samuel ii, donde david con el arca por el desierto hacia jerusalén se encuentra con Aminadab que le presta un
carro para llevarlo mejor). El crucifijo y el arca son engarzados de alguna manera y detrás del crucifijo está el
velo del templo y a los lados están los cuatro símbolos de los evangelistas (4 ruedas del carro, 4 evangelistas…).
Pero lo más interesante es el crucifijo sobre el arca y con el velo del templo que representa que el crucifijo de
cristo vino a abolir la antigua ley: Dios hizo dos pactos con la humanidad, uno en el monte donde da las tablas a
moisés y otro pacto de sangre, donde manda su hijo a morir por todo los seres humanos. El velo ocultaba el
arca de la alianza, y cuando cristo murió, se rompe el velo y se muestre el arca= nexo entre una ley y la otra. El
velo es importante. Al colocar el crucifijo, Sugerio esta defendiendo las imágenes en el interior de la iglesia
(Bernardo en contra de las imágenes y Sugerio a favor) por lo que es una declaración explícita de Sugerio de
cómo se deben tener ornamentos crucifijos en el interior de la iglesia, avala la necesidad de tener objetos
litúrgicos de gran valor en la iglesia (que critica bernardo y los monjes ya que sugerio gastaba mucho dinero en
esto). Texto de sugerio: donde defiende el uso de estos objetos de gran valor, no solo crucifijos sino lujosos vasos
que él mismo tenía en su tesoro, colección de relicario de Sant Denis (vaso helensitico que Sugerio reutiliza
como cáliz por ejemplo que hoy está en el Louvre, aunque el resto de objetos de oro se perdieron) y (tambien se
conserva un vaso de pórfido de Carlomagno que Sugerio transforma en un águila de San Juan o Cristo). La
justificación de estos objetos preciosos estaba inscrito en este primer medallón de la vidriera, y relaciona
antiguo y nuevo testamento
● En el segundo medallón: Moisés baja del Sinaí y le muestra las tablas al pueblo que Cristo le entrega, le quitan
el velo a Moises y lo desvelan. Cuando Moises sube al Sinaí no logro ver a Dios, sino que vio un resplandor
oscuro de tinieblas que era tan fuerte que tuvo que vendarse los ojos porque no lo podía soportar y escucho a
cristo. Así cuando baja a donde los israelitas es cuando se quita el velo de los ojos para desvelar los secretos.
Cristo desvelará lo que moisés velo.
● Tercer medallón: Cristo con los siete dones del espíritu santo está sacando el velo a la alegoría de la sinagoga.
Cristo coronando a la iglesia y sacando el velo a la sinagoga (que se representa ciega y sorda, porque como
comunidad de judios no se enteraron que Cristo fue el mesías). Sinagoga ciega como imagen del pueblo judio
que no se dio cuenta que cristo estaba entre ellos. A la sinagoga se le desvela al final de los tiempos. El velo
vemos que es una metáfora muy adecuada para un vidrio, pues el vidrio deja ver la luz pero la tamiza, desvela
las imágenes cuando sale el sol pero las tamiza de noches: el velo era una metáfora para desvelar la doctrina
cristiana pero era además muy adecuado para la vidriera en sí, pues la vidriera es un elemento arq que vela y
desvela cuando la luz incide en ella.
 G. ¿La arquitectura gótica era luminosa o oscura?

Realmente Saint Denis y su estética gótica era oscura, pero Panofsky jugó con esta idea suciamente para dar la
idea de arquitectura luminosa de la luz. Saint Denis estaba dedicada a san dionisio, evangelizador de las Galias, y
había en Saint Denis un texto que se atribuyó a dionisio pero era de un monje sirio del siglo VI (se confundió con
otro dionisio): 3 dionisos que llevaron a la confusión, Dionisio el areopagita. Ese texto realmente era de un
monje sirio del Vi, pero Sugerio creía que era de Dionisio el areopagita que a su vez confunde con San Dionisio
(fundía dos dionisios en uno). Panofsky creyó encontrar lo que sugerio y Dionisio defendía una estética de la luz:
esto tuvo tal repercusión que se defendió durante muchos años. Pero algunos historiadores del color tiempo
después, repensar esta estética de la luz que Panofsky decía de Sugerio, aunque le gustaran las joyas es evidente
que la arquitectura y las vidrieras daban oscuridad y no luz.

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>>En los margenes del gotico. Interactiva día 17 de febrero.

-Generos y margenes del gotico ocn escenas satiras, mas bien humoristicas. Imágenes marginales bastante humoristicas,
humor blanco, humor inocente en estos margenes.

-Tres genero especificos donde vemos el humor sutil del gotico:

*Gargolas (se hacen necesarias estructuralmente en el edificio aunque luego se las decoran)

*Margenes de los folios en el manuscrito, donde se rellena de imágenes tambien marginales

*Misericordias de las sillerias de coro

A. GARGOLAS:

-Gargola de la Catedral de San Vito de Praga: se lleva la mano al cuello y el caño del agua le sale por la boca. Gargola
viene de garguille, que significa garganta o hacer gargaras. Por esto, estas gargolas son autoreferenciales, se agarran la
garganta y escupen por la boca.

-Gargola Catedral de Colonia: con orejas y cuernos , algo hibrido que en ese tiempo era alo maligno, algo no creado por
Dios. Tambien agarra su garganta

-Las Gargolas tienen la funcion principal de desaguar el agua!!! Necesidad estructural!! La Catedral gotica era enorme y
grandiosa, y necesitaba d eestas gargolas para todo el agua que le llovia encima. El humor no estaba solo en que se
llevaban la mano a la garganta, sino que la gente que no entendia esta referencia tambien lo pasaba bien pues en su
paseo alrededor de la catedral, tenia que esquivar estas gargolas que escupian agua.

-Gargolas Catedral de Colonia: gargolas con agua helada en sus bocas, maravillosas para contemplarlas. Las gargolas
marcaban las estaciones. La Catedral se convierte en una fuente grandiosa donde el ruido del agua crea otra aura.

-Gargola Catedral de Friburg-imm-Breslau, fines del siglo XIII.

-Pero tambien habia gargolas no solo en Catedrales, sino tambien en lonjas. Gorgola de la Lonja gotica de la ciudad de
Valencia, siglo XV. Humor de nuevo, el agua sale de un caño entre los muslos.

B. MARGENES DE LOS MANUSCRITOS. MARGINALIA, DROLERIES (broma, palabra francesa)

-Se encontraban en los margenes del folio de los manuscritos.

-Estas imágenes no se encontraban en manuscritos anteriores.

-De la corte tenemos: Libro de horas de Jean Pucelle (1324-28): vemos en la imagen principal la Anunciacion y luego la
imagen de los margenes (se decia que era la valvula de creatividad de los artistas ante la opresora clase eclesiastica,
donde jugaban los artistas. Pero la clase eclesiastica no marcaba como hacer las obras, solo hacian los pedidos).
Normalmente lo que se representa en los margenes tiene relacion con la imagen principal del folio. En este caso, existe
una contraposicion entre amor sacro y profano, entre el mas puro de los amores y los amores impuros: en la
Anunciacion se muestra el amor mas puro, en los margenes en cambio vemos juegos de preludio amoroso cortesanos (la
reina se daria cuenta que se debia parecer mas a la virgen en la anunciacion, no al juego primaveral de ligue que se
realizaban en su palacio). > Ambas escenas estaban conectadas.

-En el ambito clerical, tenemos por ejemplo el Salterio de Omersby (primera mitad del XIV). Aunque era dificil la division
entre clerical y cortesano, muchos estaban en la corte, es decir la cultura clerical y cortesana se entremezclan (y clerigos
quieren seguir la vida cortesana). En este caso la imagen del margen 3es mas grande que la propia imagen principal.
Dixit insipiens in corde suo: en la D vemos a salomon entronizado con unos demonios que intentan atraerlo. La D se
representa en la imagen principal. Pero la insipiens (la locura) se presenta en los margenes, el loco se asocio en la edad
media a muchas figuras (habitalmente con Marcolfo). Vemos entonces en la insipiens, en los margenes, al loco, a
Marcofolo en sus escenas contra Salomon. Esta imagen realmente representaba un acertijo, lo que se consideraba un
humor muy sutil y que ademas era un reto intelectual. En las gargolas el humor era mucho mas infantil (los orificios
humanos son taboo y se juega con eso) pero en estos margenes era un humor de mas acertijo, intelectual.

**Nota: Marcolfo era un personaje que encarnaba todo lo que no era cortesano, ya fisicamente no respondia a los
canones cortesanos, no se ajusta ademas a los canones de comportamiento cortesanos. Pero es muy inteligente y gran
visitante de la corte de Salomon, pone en aprietos al rey Salomon, le proponia acertijos y Salomon no conseguia
resolverlos: poniendo en aprietos la supuesta sabiduria de Salomon. En la entrada para evitar que MArcolfo entrara
pone dos sabuesos: entonces Marcolfo con una cabra, medio desnudo y medio vestido, lleva una liebre en la mano para
llamaar la atencion de los sabuesos y asi logra entrar en el castillo.

-Salterio Rutland (hacia 1260): vemos en los margenes a un señor ofreciendo su culo y a su lado un señor en una
avestruz apuntando con su lanza. Esto es un juego de palabras: al lado del culo pone: in medio iuuenacularum cum
tympaistriarium.. Placer de nuevo del acertijo, es una burla erotica pero es un humor menos infantil, ligero pero mas
intelectual. Ademas era un juego de palabras que tenia funcion nemotecnica, al acordarnosde esta imagen graciosa nos
acordamos de que salterio se trataba.

-Salterio Luttrell, salterio de un caballero de la media nobleza: imágenes marginales que mantienen relacion con el texto
que esta justo encima. Traducen una palabra o frase que esta jsuto encima de la imagen. Gaudeabunt campi: se
alegraban los campos y todo en lo que ello habia. Asi vemos que el momento de mas gloria era cuando recogian el
campo con vino gallego, la cosecha era el momento de mayor gozo, vemos que ademas una de las figuras parece cantar
una cancion de siega. Se alegraban tanto en la cosecha que incluso cantaban.

-Pero en definitiva esto no es un margen de libertad del artista.

C. MISERICORDIAS DE LAS SILLERIAS DEL CORO

-Para que monjes y canonigos reposaran su trasero en la misericordia de las sillerias mientras cantaban

-Misericordia de la silleria de coro de la catedral de Plasencia

-Misericordia de la iglesia San Pedro de Saumur: figura olfateando debajo de la zona donde se sentaria el monje.

⮚ Pieza Aguamanil de mesa. Segunda mitad del XIV. Aguamanil de mesa que ocntiene agua, con la historia de Philis
y Aristoteles. Aristoteles se enamora de Philis y Philis mucho mas joven obliga a Aristoteles a muchos retos para
 evitar que consiguiese su amor: aquí se representa a Philis sobre Aristoteles a cuatro patas. Ademas Philis le toca
el culo a Aristoteles. Frontera entre la burla y lo erotico!!

-Hay mas goticos que la cabecera de Saint Denis en definitiva.

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Continuacion dos medallons de Saint Denis:

En los 3 medallones se repite el motivo del velo: el velo del templo rasgado por el sacrificio del hijo de Dios, el velo que
le quitan los israelitas a Moisés al bajar del monte Sinaí y el velo quitado a la sinagoga. Hay una suerte de teología de la
esperanza a finales del siglo XII: se piensa que los justos, aunque hubiesen sido judíos, podían salvarse. El velo es un
tema adecuado para ese tema iconográfico tan complejo, que solo con explicaciones y un público versado en la
interpretación tipológica podría entender. Por eso, las vidrieras tienen inscripciones. El discurso figurativo es complicado.

Del hecho de que la cabecera contara con tantas ventanas, pues cada uno de los planos del polígono complejo era una
vidriera, nació la idea de que una de las características del Gótico es una estética de la luz, que lo que se busca es que los
edificios sean cada vez más luminosos, pues se está perdiendo sustancia mural y se está sustituyendo por cristal. Se está
perdiendo masa sólida. Pero el gotico,

Saint Denis tiene una estetica de luz? Textos de pseudo Dionisio.

-Panofsky defendió en uno de sus libros que Sugerio defiende y busca una estética de la luz, y eso se puede ver en el
texto de las inscripciones de la puerta, de la portada. Pensó que esa estética de la luz tenía mucho que ver con la
supuesta lectura de Sugerio de los textos de pseudo-Dionisio, que pasaban por ser textos de alguien que casi vivió en
tiempos de Pablo, un texto casi evangélico. …………..
Leyendo estos fragmentos de uno de sus libros, parece que Sugerio buscaba una estética de la luz. A su vez, en los
primeros párrafos de La jerarquía celeste de pseudo-Dionisio, libro donde organiza las clases de ángeles, se ve esta
obsesión con la luz.

Pero tal y como pseudo-Dionisio habla de esto no parece estética. Es pura teología de la luz, es un monje hablando de
cómo Dios nos ilumina. Esto no es estética. Quizá Sugerio en las inscripciones de su puerta lo único que hace es hacer
una declaración teológica, no estética.

Además, aunque Sugerio pudo haber leído al pseudo-Dionisio, por aquel entonces no estaba muy traducido al latín y no
circulaba demasiado, por lo que no explica por qué todas las iglesias góticas buscan tanto la luz. Más que teología de la
luz parece estética de la luz.

-La teoria de Panofsky no encaja:

*Muchos años después, un investigador se dio cuenta de que las vidrieras de Saint-Denis son en verdad oscuras. El azul
del fondo está muy saturado, por ejemplo. Panofsky no tiene razón. Entra la luz y brilla, pero es una vidriera de la
primera generación del Gótico, son muy caleidoscópicas, predomina el color sobre la luz. Así, lo de que el gótico nace
acompañado de una estética de la luz tiene que ser revisado.

*Otro motivo por el que la teoría de Panofsky no encaja es porque leyéndonos el pseudo-Dionisio entero nos
encontramos el “Himno a la divina tiniebla'', todo lo contrario a una estética de la luz. Pseudo-Dionisio oscila entre
ambas ideas o teologías. Si nos ponemos a buscar en el libro, es teología, no estética, y además no es de la luz.

Pseudo-Dionisio utiliza la teología de la luz cuando habla de los seres angélicos y la jerarquía celeste, pero en otros casos
no, pues al fin y al cabo nadie vio a Dios. El que estuvo más cerca, Moisés, quedó cegado por una tiniebla
resplandeciente. El himno de pseudo-Dionisio es una teología negativa, de la tiniebla, del no saber. La teología de la
tiniebla es propia del pseudo-Dionisio, mientras que la teología de la luz aparece en los textos de algunos padres de
laIglesia, es algo agustiniana. Tanto este como otros conceptos suyos parecen resonar en las vidrieras de Saint-Denis.
Parece que se intenta plasmar en las vidrieras esa teología.

La teología negativa lo que defiende es que se alcanza más fácilmente un estado de acercamiento con Dios cuando uno
se olvida de todo, vacía su mente de todo. El no saber es bueno. El no saber es propio del monasticismo oriental, de
donde venía el pseudo-Dionisio, que era un monje sirio.

No es exclusiva de pseudo-Dionisio. En la época paleocristiana ya existían pinturas con nimbos y mandorlas azul oscuro.
La teología negativa del no saber tuvo consecuencias pronto, desde muy temprano.

A su vez, con probabilidad estas vidrieras oscuras se acercan mejor a una teología de la tiniebla que de la luz. Hasta el
mensaje es oscuro, complicado. Es cierto que es una vidriera del no saber: mensaje oscuro, materiales oscuros… Si
queremos relacionarlo con el texto del monje, se ajusta más a su teología negativa que a su exaltada luz de la jerarquía
celeste. Y Sugerio era consciente de lo que significaba en el ámbito monástico esta teología negativa.

-Pseudo Dionisio:

Pseudo-Dionisio fue el primero en formular una teoría del simbolismo, por eso da la sensación de que Sugerio sí que lo
leyó. Pero lo que de sus textos asimiló o lo que pudo tener influencia artística no fue la teología de la luz.
Pseudo-Dionisio, por ejemplo, habla de la “dissimilia signa”: a Dios padre no se lo puede representar, hay que colocar en
su lugar seres extraños, tronos vacíos…, signos y símiles (es decir, símbolos) que no se parecen a él porque no sabemos a
qué se parece en verdad.
“Dissimilia signa” es lo que usa Sugerio masivamente en las vidrieras, y aunque no sabemos si leyó a pseudo-Dionisio sí
que sabemos que tuvo un papel activo en el diseño y creación de las vidrieras, pues incluso se llegó a representar en dos
de ellas.

Si llegó a leer a pseudo-Dionisio, le impactó y de ahí sacó ideas para ciertas particularidades de las vidrieras de la
cabecera, lo que lo reflejaría en realidad sería el uso de símbolos complicados y oscuros y la utilización de un material
oscuro. En definitiva, el hecho de que la cabecera fuese un lugar espectacular, no luminoso, un lugar donde de la
oscuridad absoluta surgen a lo largo del día luces de colores pero muy matizadas, con colores muy saturados.

Además, Panofsky tampoco se fijó en otra cosa. Cuando describe las vidrieras, Sugerio habla de ellas como “vitruum
vestitum” (“vidrios vestidos”, que ocultan lo que en verdad significan. Al igual que el velo, el vestido oculta. La cadena
semántica de esta idea de desvelar y velar [luz, significados…] continúa). También dice que están hechas de “materia
saphirorum”. Son de vidrio de colores, polvos de minerales de colores a partir de los que se hace vidrio. No es vidrio
coloreado, otra técnica parecida pero con la que la coloración no dura mucho porque consiste simplemente en pintar
por encima del cristal.

“Materia saphirorum” no es otra cosa que vidrio hecho con lapislázuli. La nomenclatura del color en la Edad Media oscila
y no es la misma que en la actual. Así pues, llamaban “zafiro” al lapislázuli, un material carísimo porque hay unas únicas
minas en Afganistán, el único sitio de donde puede venir. El lapislázuli era tan caro como el oro o incluso más. Y es este
material el que da ese tono azul intenso al vidrio. Que Sugerio use el término “materia saphirorum” no es inocente: es el
término que se usa en la Biblia cada vez que un profeta- o Moisés en el Sinaí- entra en contacto con la divinidad. Se dice
que la persona en cuestión es rodeada por un halo de “materia saphirorum” (como no había una teoría del color y la
nomenclatura era variable, no sabemos de qué color era exactamente). Es un color que se asocia a la frontera de lo
humano y lo divino.

La coherencia de las vidrieras es extrema. El uso de usar constantemente la metáfora del velo habla de la oscuridad
revelada, lo que se relaciona a su vez con el programa iconográfico oscuro. El hecho de que las vidrieras se iluminen
lentamente a lo largo del día hace que parece que se desvelen. Además, la “materia saphirorum” era considerada un
espacio liminal entre un mundo y otro, prácticamente igual que lo que pasa con una ventana, que es muy delgada.

Está claro que Sugerio se tomó su tiempo diseñando lo que quería. Quería columnas de mármol romanas, zafiro, una
cruz de oro de dos metros de alto… La cabecera no fue barata, por eso tuvo que escribir un libro justificándose. Pero a
su vez esa coherencia extrema es propia de las grandes obras maestras de arte.

Con respecto a lo que sintió Sugerio al ver lo que había construido, en uno de sus textos dice que la vidriera, que parece
casi un conjunto de piedras multicolores, lo traslada de lo material a lo inmaterial. Cree poder ser transportado de un
mundo a otro “de manera anagógica” (por eso esta vidriera se bautizó así). Ante la contemplación de la vidriera vive una
experiencia anagógica. La contemplación del oro y el lapislázuli gustaba a Sugerio, pensaba verse transportado a “alguna
extraña región del universo que no existe”. Para él, a lo inmaterial se llega a través de lo material.

En Saint-Denis hay una revolución estética. Las vidrieras de color remiten a la Jerusalén Celeste, que es el referente
último siempre. Pero cada arquitecto o patrocinador (Sugerio, en este caso) interpreta esta idea de manera diferente,
pues es una imagen muy potente. Por ejemplo, a algunos les fascina su planta estrictamente cuadrada. A Sugerio le
debían de llamar la atención las piedras preciosas que decoraban los muros, pues la cabecera estaba casi hecha de
piedras preciosas.
Se hacen novedades estéticas, pero también hay cambios en escultura. Por eso se mitifica Saint-Denis: cambia todo.
Sugerio contrató a artistas de procedencias muy variadas, con sus tradiciones particulares, y les pidió cosas que nunca
habían tenido que hacer, era muy caprichoso. Esto dio al templo unas características muy particulares.

1. Timpano de Saint Denis. Escultura primera mitad del XII, SAINT DENIS:
El tímpano de la portada norte era de mosaico, pues había llamado a mosaiquistas italianos que en realidad trabajaban
con una tradición bizantina. El tímpano posiblemente tenía una Coronación de la Virgen. El uso del mosaico permite a su
vez el uso del oro (entre otros artistas, Sugerio llevó a orfebres lotaringios, que fueron quienes hicieron la cruz gigante),
ajustándose a la estética de la luz y del brillo que perseguía. El propio Abad señala que Saint Denis era la única
construcción que mezclaba escultura y mosaico. Lo cierto es que es bastante raro encontrar ambos elementos juntos,
pues se usan por separado normalmente.

La fachada occidental fue restaurada en el siglo XIX, pues quedó muy dañada en la Revolución. El tímpano no es el
medieval, está reconstruido, pues fue destrozado por la piqueta de los revolucionarios. Solo se conservan fragmentos
originales de dovelas y jambas, en las que se ve una estética muy propia, parecida a la filigrana del metal. Si la puerta
estaba pintada de colores brillantes (ya no tiene policromía) parecería metal. Se conservan unas maravillosas columnillas
muy trabajadas que podían producir esa sensación de estética casi del metal y de las piedras preciosas que tanto seducía
a Sugerio. También se conserva un ciclo de los meses tallado.m Fue reconstruida a sabiendas que la escena del tímpano
era un Juicio Final.

Pero la gran novedad de la portada occidental es que surge un nuevo género escultórico, la
estatua-columna!!.

No es una estatua, es la representación de una figura humana consustanciada a una columna. La importancia de esta
portada se encuentra en que de aquí provenían las más antiguas estatuas-columna, ahora perdidas. Las de Saint-Denis
no las conservamos, pero podemos conocer cómo eran gracias a dibujos que se realizaron antes de destruirse y a los
fragmentos esparcidos por museos americanos y franceses. Montfaucon, por ejemplo, hizo un grabado de ellas en el
siglo XVIII (los franceses son muy cuidadosos con su patrimonio).

Aunque no lo eran, las percibió como estatuas, les quitó la columna en su grabado. Se representan reyes y profetas. Los
revolucionarios creyeron que eran los reyes de Francia y por eso se ensañaron con ellas (incluso les cortaron la cabeza),
pero hoy se piensa que eran los reyes del Antiguo Testamento.

De todos modos, los revolucionarios no iban tan desencaminados, pues se pensaba que de ellos descendían los reyes de
Francia. Eran sus ancestros bíblicos, algo con lo que justificaban el poder espiritual que se atribuía a la monarquía
francesa (eran reyes ungidos y se consideraban descendientes de David).

Tenían un modo de esculpir con grandes planos, volúmenes muy simples y transiciones suaves, pero se deleitan en las
minucias de la barba y la cabellera. La transición de volúmenes es suave, hay pocos volúmenes. Las cuencas de los ojos
son muy llamativas. Los ojos almendrados, el cabello estriado para dar forma a los rizos y las líneas suaves recuerdan a la
escultura griega arcaica.

Sugerio también intervino en el claustro del monasterio, donde había más estatuas-columna,
como esta, supuestamente del rey David. Se ve la minuciosidad en la talla de los pliegues de la
ropa.-------------------------------------------------------------------------------------------------------------->>>>>

Como no las conservamos, las estatuas-columna de la fachada occidental de la Catedral de

Chartres nos permiten tener un ejemplo y reflexionar sobre este tema. Esta iglesia se hizo justo
después de Saint-Denis, inmediatamente después, y algunos escultores de Saint-Denis fueron
después a trabajar a Chartres, llevando posiblemente con ellos el género de la estatua-columna.
Son figuras de bulto: el género de la estatua, que había desaparecido, parece que resucita. Son independientes y tienen
su propio bulto, pero al mismo tiempo son consustanciales con la columna. Así, en realidad no son estatuas. No están
completamente exentas, no se han liberado de su soporte, pero sí del muro.

La figura ha salido del muro y depende solo de la columna. Tiene proyección volumétrica propia, esto ya no es un
relieve. Es un género intermedio entre relieve y estatua, pues la forma se está liberando del muro, aunque adquiere a la
vez otra servidumbre: son estatuas-columna, están limitadas por el fuste donde se inscriben.->

En este sentido, la famosa ley de adaptación al marco se debe relacionar más con el Gótico que con el Románico, que es
más libre en esa adaptación. El Jeremías de la portada principal de Moissac (iglesia románica), por ejemplo, no está
demasiado adaptado al muro. Parece que quiere salir del muro, que lucha por librarse, pero es aplastado y reprimido. Es
una figuración que no se adapta, se rebela. En realidad, pronto la figuración románica se rebela a esta adaptación.
Además, Jeremías mira hacia dentro, estaba pensado para que se viera al salir.

En cambio, las estatuas-columna, más cilíndricas, están prisioneras en el ritmo de la columna, de modo que son bastante
frontales y rígidas. Es cierto que en la Edad Media nunca tuvieron especial interés en proporcionar el cuerpo humano,
pero en este motivo figurativo las figuras están alargadísimas, pues siguen el largo de la columna.

Se liberan del muro, pero ahora están prisioneras de la columna, con quien comparten un mismo eje de gravedad. En el
Románico, los relieves se encastraban en el muro, formaban parte de él. Estas figuras no tenían un eje de gravedad
propio, sino que este era el mismo que el del muro. No se sostenían solas, formaban parte del muro, lo necesitaban, sin
él caían. En cambio, la estatua-columna tiene su propio eje de gravedad. Se independiza del muro, de la esclavitud del
soporte mural.

La figuración se ajusta al diseño del fuste. Tuvieron que sorprender mucho a sus contemporáneos. Pero con respecto a
por qué y cómo surgen las estatuas-columna (¿son un capricho de los escultores? ¿Es cosa de Sugerio? ¿Cómo pudieron
los escultores idear esta unión de columna y estatua?), se crean por petición de Sugerio y nacen de la euforia social que
se vivía en aquel momento.

Son la materialización plástica de una metáfora: los reyes de Francia se sitúan junto a los reyes y profetas del Antiguo
Testamento, al mismo nivel. Además, como ya vimos, Sugerio consideraba que las columnas de su cabecera eran como
los apóstoles y profetas sosteniendo metafóricamente el edificio. No es descabellado pensar que quizá decidió hacer
fustes monolíticos con figuras porque quería que en la portada esos apóstoles y profetas fuesen literalmente las
columnas que sostenían el edificio.

Con respecto a sus precedentes, cuando se labraba un relieve románico, la escultura se amoldaba perpendicularmente,
pero la estatua-columna es distinta. Abordan el bloque en diagonal para labrarlas casi en bulto redondo. Esto es un
cambio en el modo de empezar a trabajar.

Los primeros formatos donde se aborda la escultura de modo diagonal es en capiteles románicos, pero ya no del inicio.
Un ejemplo es un capitel del claustro de San Esteban de Toulouse donde se representa el festín de Herodes y la entrega
de la cabeza del Bautista a Salomé. Los escultores grabaron una escena frontal con Salomé como protagonista, pero en
los ángulos del capitel labraron unas figuras que demuestran que el bloque fue abordado en diagonal en su caso.
Además, ya en el claustro de San Esteban de Toulouse tallaron en las jambas diagonalmente bloques para el codillo de
jamba, la esquina, de unas piezas que durante mucho tiempo se atribuyeron a una entrada de la sala capitular del
monasterio. Se ve que son piezas de tentativa, el escultor está empezando a encontrar un nuevo método. En un
momento dado decidió cambiar de idea y cortar el bloque y abordar la figura desde el diagonal, abordar la figura en
ángulo.

En la obra de Saint-Denis debió de haber escultores borgoñones y también del sur de Francia, lo que explicaría el
traspaso de esta nueva técnica, aunque no se sabe con certeza.
Sus orígenes o antecedentes debemos buscarlos también en la escultura mobiliar, esta permite mayor libertad porque
es de menores dimensiones. De aquí habrían derivado piezas como las románicas columnas del monasterio de San Paio
de Antealtares, 4 columnas con 3 apóstoles tallados en cada una alrededor del cilindro (en esta época, la vida apostólica
se asoció a la vida comunitaria del monasterio, y ahí están como monjes, todos juntos, apiñados). Matías sustituye a
Judas. Se pensó que eran los soportes de un altar, pero quizá sostenían un baldaquino. Estas esculturas pudieron inspirar
a las estatuas-columna, aunque no podemos rastrear su genealogía clara.

Otro elemento curioso, aunque algo forzado para la teoría, es que a mediados del siglo XII se empieza a valorar de un
modo que no se hacía antes el mundo creado. Se considera que la belleza está en la armonía del Cosmos, en lo creado
por Dios, la figura humana. Nace una apreciación del valor del individuo. La individualidad del ser humano se refleja en
el uso de la primera persona por parte de Sugerio en sus escritos.

Asimismo, este nacimiento del individuo va parejo a la representación humana tridimensional. Aunque las
estatuas-columna tienen un eje de gravedad consustancial a la columna, también poseen identidad propia como
estructuras volumétricas que ocupan un espacio. Cada personaje ocupa su propio lugar, un sitio individualizado. Esto
pasa incluso en las dovelas, que se colocan de forma vertical y cada figura tiene su propio espacio de muro y su propio
bloque de piedra.

Con respecto a esto, nace en Saint-Denis también la figura-dovela!!. Cada figura está en una dovela (ley de
adaptación al marco). Antes se disponían radialmente, pero ahora la figuración en la dovela es vertical.

Este estilo proviene del sur de Francia, de un tipo de portada de hacia el 1130 que no usaba tímpano, en la Gascuña.
Normalmente en la arquivolta externa hay figuras radiales, pero en el resto se disponen de manera vertical. En este
ejemplo se representa la lucha entre los vicios y las virtudes, iconografía muy abundante en la Edad Media que viene de
la Psicomaquia de Prudencio (alegoriza una experiencia humana en la que uno se siente como un campo de batalla entre
el bien y el mal. Prudencio la interpreta como una lucha física).

Es muy curioso el ambiente de multiculturalidad que tenía montado Sugerio, pues para la construcción de la catedral
implicó a orfebres lotaringios, escultores borgoñones y del sur de Francia, mosaiquistas bizantinos…
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Interactivas 24 febreiro

-Hoy se habla de post humanismo, el ser humano ya no es el centro del mundo, sino que todas sus extensiones son el
centro.

-TRansplantes, organos artificiales, etc. Esto obliga a repensar el cuerpo!!

-Feminismo, revoluciones medicas y enfermedades> hacen que nos replanteemos el cuerpo.

- Imagen Barbara Kruger- Your body is a battleground (1989): tu cuerpo es un campo de batalla. Saca a la palestra las
dudas que las mujeres pueden tener sobre su cuerpo o el papel de su cuerpo y identidad. Esta imagen se utilizo en una
manifestacion pro aborto en EEUU. Es un cuerpo politico, hay decisiones politicas que tienen que ver con tu cuerpo (el
aborto, etc)

-El cuerpo esta sometido a una intervencion politica.

-El pecho de la virgen llamó mucho la antencion. Por ejemplo de Cindy Sherman do 1989 temos autoretratos historicos,
no que se viste como se fora un contexto tardo mediaval (lleva una protesis de porcelana de Limoges, era un anuncio de
esas protesis tan caras y costosas). Ella muestra que no va a alimentar al niño: reflexion sobre la capacidad nutricional
del hombre. Temos que ser nutridoras e ter fillos???

-O leite da virxe vai ser estudiado polo estudosos: lactacion de San Bernardo, no que a virxe do leite lanza leite na boca d
esna bernardo para outorgarlle unha capacidade oratoria.

Ejemplo: Madonna dell Latte. Ambroggio Lorenzetti.

A virxe do leite e de orixe bizantina.

-AS virxes do leite pasan a portada de ARTE GOTICO. Vemos certo tono erotico.

-Ademais do leite, outro fluido que vai chamar moito a atencion vai ser o sangre.

Dibujo de una monja, siglo xiv? (Colonia Schnutgen Museum, 25 por 18 cm)> Vemos que cristo, o nimbo e todo el e unha
grna mancha de sangre. Primeiro publicariase en blanco e negroe logo en color.

O sangue chamaria a at3encion dos artistas contemporaneos.

Ejemplo: obra de Anish KApoor, Blood (2000).

-Feminizacion da imaxe de cristo na idade media, que alimentaba co se sangue (pois no medievo crian que leite e sangue
eran intercambiables).

Libro: Jesus como madre, Jesus as mother.

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2.-Gusto cortesano y arte 1200. Escultura!!. Segunda mitad del XII.

Cambios segunda mitad del siglo XII en escultura:
**Portada catedral de Senlis (?)

-Cambia el estilo y la iconografia, aparecen nuevos discursos

-Dintel: Maria gana un protagonismo especial, la virgen aparece con el ismo protogannismo que Cristo. Dos escenas de
la muerte y la asuncion de la virgen. Esta estetica proviene de bizancio.

** La muerte o adormicion de la virgen esta mas destruida: la virgen no muere, se queda dormida, cristo lleva su alma al
cielo y despues de tres dias su cuerpo fue elevado al cielo, resucito.

**La asuncion de la virgen: la policromia se pierde en ambas escenas, pero vemos ya est euevo estilo dinamico
preocupado por mostrar el instante y el movimiento d elos angeles cuando van a tomar el cuerpo de Maria.

Ambos son relieves bajisimos volumetricamente hablando pero d ala sensacion ya de que hay una gran profundidad
espacial> ilusion de espacio tridimensional y sensacion de movimiento!!!! Este nuevo lenguaje del movimiento y de
profudidad que se inaugura en Sen Lis puede provenir del dialogo de los escultores con los orfebres.

-Timpano: Cristo coronando a la Virgen, en pie de igualdad, sentado en un unico escaño como si fueran un matrimonio
regio. La policromia continua en restos, todavia con ese lapislazuli. Maria entronizado con el niño en su regazo> imagen
que se conoce como Sedes sapientiae (Maria es silla, mueble).

Fue increible ver a la virgen ver a la virgen como reina en igualdad con Cristo, cuando normalmente estaba sentada con
el niño. Esta nueva representacion revolucionaria de la virgen proviene del Cantar d elos Cantares, de ese problema
nupcial erotico de la Biblia> se intepreta de forma msitica (asocia el amor entre novios al amor entre alma y cristo) y de
otra forma mas comun, de forma eclesiológica (los amores entre novio y novia representan los amores entre cristo y su
iglesia). Esta ultima interpretacion eclesiológica del Cantar de los CAntares, da lugar a que la Virgen se intepreta como la
iglesia, la novia de Cristo.
Esto ya se habia hecho en el mundo bizantino y posiblemente ya en Saint Denis (portada de mosaico de herencia
bizantina con la Coronacion de la Virgen).

Como es que la mujer tiene tal protagonismo en esta portada (la virgen hasta entonces no lo tenia)??Es un discurso
narrativo comun pero nos habla de una historia de la Virgen, porque es un momento de grandes reinas (Leonor de
Aquitania era mujer del enemigo, pero tenemos a su hija tambien). Un ciudadano laico viendo esta escena y sin
conocimieno teologico, ve aqui a un rei y una reina, y aqui las reinas tienen un protagonismo nunca visto (p ej la segunda
mujer de Luis VII tambien fue importante). Puede ser que el exito de esta formula (que se repitira en el siglo XIII) estea
relacionado con la presencia de grandes reinas.

Y como un discurso de muerte y resurrección protagoniza una portada?? A partir de a 1160 hasta el concilio de Letran
(donde se deja de discutir sobre eso), las escenas d emuerte y resurreccion como estas seran habituales en esta reflexion
constante. Este discurso sobre la muerte era muy adecuado para una portada de una iglesia (aun a dia de hoy los atrios
de las iglesias eran cementerios privilegiados solo para los mas ricos). Delante de las portadas había un cementerio por
lo que un discurso de muerte y resurrección era muy adecuado > de esta forma al morirse un ser querido y ver que la
virgen fue resucitada, esperanza mucho al que se lamenta. El como resucitaremos preocupo mucho a los teólogos del
siglo XII, Augusto decia que se resucita en forma, pero la discusion era como va a ser el cuerpo al resucitar. Decian que
resucitariamos con el cuerpo integro!!! Y con que edad resucitariamos??? Decian que todos resucitariamos con la
apariencia de 33 años (como lo hizo Jesucristo). Pero el cuerpo que resucita es igual que el nuestro terrenal?? El Cuerpo
no puede ser carnal en el cielo, debe ser un cuerpo espiritual.

Finalmente en el concilio de Letran deciden finalmente que resucitariamos en el cuerpo espirtual de 33 años, de forma
integra, luminosos, con capacidad de desplazarnos a toda velocidad, con habilidades especiales pues estamos en el
cielo,etc. Acabandose la discusion!!!!!

En la escena d ela muerte y resurreccion vemos que los escultores debian saber representar el movimiento y la
apariencia organica del cuerpo en movimiento (pies en suelo, cadera…) y lo consiguen. Se plantearon problemas sobre
como representar el movimiento d elas alas, los pies, las caderas… Y consiguen que las figuras bidimensionales creen
ilusion de tridimensionalidad y de organicidad corporal. Los angeles tambien tienen cuerpo, eran seres de luz pero
tienen un cuerpo organico, incluso las alas parecen naturales y organicas!!!! Ademas vemos como levantan a la Virgen,
en esa asuncion, con unos movimientos delicados de sus brazos levantando a la virgen: ya no esta levantado como en
asunciones anteriores, sino que esta medio recostada y representan el movimiento exacto en el que la levantan del
sepulcro poco a poco!!!

Los escultores de Senlis se plantean problemas y crean recetas rompedoras y soluciones como vemos. Por ejemplo en el
pelo tambien vemos esa ilusion de realidad, de cuerpo organico, con eses caracolillos en el peo de casquete (e acuña en
sent lis este pelo, aunque proviene de la orfebreria del metal).

-Arquivoltas: Parecen que los escultores luchan contra la piedr ay buscan figuras en movimiento, quieren experimentar
con formulas. Aqui vemos de nuevo movimiento convulso de las figuras de las arquivoltas que sorprenden!! Figuras
trepando hacia arriba, en ¾ y espaldad; figuras bailando y cruzando las piernas… Formato que hasta entonces era
estático (en las arquivoltas estaban las figuras en vertical) ahora parecen luchar
contra el marco.

Arbol de Jese representado en el timpano simbolicamente: los alveolos de las

arquivoltas con ese marco sobre la coronación simbolizan el arbol de jese y ademas
ese Marco en forma de M hace referencia directa a la Virgen Maria (culto muy
importante a la Virgen). El culto a la virgen crece y se empiezan a relatar milagros
asociados a la Virgen.
-Estatuas columna: en un formato que se resiste tanto al movimiento como la estatua columna era aun mayor reto. En
Saint Denis las estatuas columnas tenian ya cierta gana de movimiento, pero en Chartres eran rigidas totalmente. En Sen
Lis las estatuas columnas muestran ahora los momentos de la muerte de Cristo. Las estatuas columna no han quedado,
pero se hicieron vaciado en escayola que hoy estan en un museo de Paris, son vaciados en escayolas, no originales en
piedra> La piqueta revolucionario del XVIII impidio que se conservaran de nuevo las originales. Estas estatuas columnas
tambien luchan por representar el movimiento y ademas vemos atributos que unido a la figura condensa el relato (es
decir ya no es una narracion extensa, sino que se condensa el relato en el atributo). Estatuas columnas que hacen
refencia a la Pasion de Cristo, son prefiguraciones de la pasion de Cristo, salvo una.

#Al lado izquierdo tenemos a San Juan Bautista: cn ese neófito medio desnudado para ser bautizado que permite
identificar a San Juan Bautista, con esa piel de camello con la que se vestia en el desierto. San Jjuan Bautita murio
decapitado tambien.

#Luego tenemos a Moises que lleve en su mano la vara de bronce y pisa el becerro de oro. Esta figura resume una teoria
sobre la imagen sagrada: con la vara de bronce de Moises como un elemento positivo y el becerro como uno negativo
(Moises estaba en el desierto con los israelitas y de repente viene una plaga de serpientes, Moises pide ayuda a Yahvé el
cual le dice que funda una vara de bronce con una figura de serpiente para asi matar inmediatamente a als serpientes).
La vara de bronce con la figa de la serpiente era una vara milagrosa que Yahve manda a Moises hacer. Frente a esto esta
el becerro de oro tan adorado por los israelitas.

#Luego tenemos a un padre con un niño el cual tira dle pelo: Abraham e Isaac con el carnero y la empuñadura de la
espada en la mano de Abraham. Estas estatuas columnas se apoyan, buscan la organicidad. Prefiguracion de Cristo
tambien.

#Luego tenemos a Simeon con el niño Jesus en brazos: episodio en el que la Virgne Maria luego de tener al niño debe
guardar cuarentena 40 dias porque es impura, y luego cuando por fin lleva al niño al templo para que lo bendigan.
Cuando Simeon coge al niño en brazos le3 dice que le va a atravesar el corazon a la virgen, pues ya sabia el horrible
destino que iba a tener JEsus y que tanto iba a hacer sufrir a la madre. De esta profecia de la muerte de Cristo que hace
Simeon nacerian las virgenes con la espada atravesando en el corazon.
#Luego tenemos a David como autor de los Salmos con su cartela, bailando con una piedra cruzada (esto ya lo veiamos
en la arquivolta pero alli era un relieve, no estatua columna): en la mano llevaba además clavos. David bailaba delante
del arca de la alianza.

NOTA: en Saint Denis ya las estatuas columnas se mueven un poco, en Chartres no, pero en Senlis se mueven mucho
mas, buscan la organicidad de los cuerpos.

3. Escultura tras SenLis, arte 1200

**La orfebreria como inspiracion!! Arte mosano, orfebreria> inspirando a la escultura.

-La orfebreria en cambio permite mucha mas libertad que la escultura monumental. Orfebres como Godofredo Huwi (?)
eran muy importantes.

1.Primera generación en el arte mosano:

Ejemplo: pie de cruz de esmalte de bronce dorado de la iglesia de Saint Bertin en St-Omer (Bertin era un santo
normando, iglesia normanda). Es un npie de cruz y aunque no tenemos el de Sugerio (que era de oro) podemos
imaginarnos comos seria, pues Sugerio decia que su cruz tenia como base un capitel invertido con los cuatro
evangelistas> esto lo vemos en esta cruz de Saint Bertin, con esa base en forma de capital invertido rodeado de esos
evangelistas y profetas. En estas figuras vemos piernas torsionadas, pliegues en la ropa, buscan la representacion del
movimiento. Posiblemente en Sen Lis los escultores se inspiraron en el arte orfebre mosano. Una de las figuras se tira de
la barba, gesto de gran carga emocional y de gran tensión ante el momento de encuentro con la divinidad.

Los escultores mosanos vemos que tienen mucha mas libertad con el trabajo el bronce que los escultores de piedra:
empezaban su proceso en arcilla para luego pasar a bronce, lo que permitia mucha mas libertad que en piedra, ademas
eran estatuillas diminutas exentas practicamente pudiendo pulir con más facilidad en arcilla. Luego la arcilla con el
proceso de la cera perdida se pasaria a bronce. Por esto los orfebres pudieron experimentar con el movimiento organico
de las figuras y los escultores de Sentlis tuvieron contacto con los orfebres y tomaron su solucion!! Incluso no solo el
movimiento organico sino tamien esos rulos en el pelo de casco ya lo crearan los orfebres. Incluso en la orfebreria
mosano vemos ya las alas de los angeles con gran realismo y organicidad, como veremos en Sen Lis. Los orfebres le
proporcionan a los escultores un repertorio de formas!!
2. Otra generacion de orfebres mosanos. Arte 1200:

Era un ambón que se entiende como retablo. Era el ambón Klosterneuburg hecho por el famoso orfebre Nicolas de
Verdun (maximo representante de este arte 1200).

El arte 1200 engloba una estetica de gusto aulico europeo pero tiene raices bizantinas (contactos obvios con bizancio en
esta epoca).

De Senlis a este arte 1200 hay solo 10 anos de diferencia, pero es increible el cambio.

-Cada vez los escultores en este momento buscan un lenguaje ilusionista. Los orfebres estaban llevando las soluciones
ams radicales pero enseguida los escultores buscan este nuevo camino hacia el ilusionismo, hacia la apariencia sensible
de las cosas. Este camino ilusionista posiblemente tenga que ver con los cambios de interes que muestran teologos o
fisicos ya en catedrales como chartres

-Se abandona la abstraccion, interesa la apariencia real de las cosas.

-Hacia 1200 un clerigo ingles visita roma y al ver las esculturas las describe y dice que son muy hermosas porque parecen
vivas> lo bello y lo importante pasa a ser lo mundo terreno, la carnalidad terrena.

Artistas escultores 1200:

-En el encontramos como en muy poco tiempo una serie de obras de gran calidad parecen casi bizantinas. Pero es mas
ilusionista que lo bizantino, van a intentar buscar lo que hacían los orfebres mosanos, van a mirar a bizancio.

A. Nicolás de Verdún, obra: ambon de Klosterneuburg (no retablo). Aprox 1200. Interes especial en la
tipologia biblica en este 1200 como ya hablaba la Glosa ordinaria de Laon. Ejemplo claro de tipologia bibliba, parece
que la glosa ordinaria esta representado en en ambon, siguiendo esa cadena de pensamiento. Es obvio que los
creadores pensaban en cadena. Tres registros en los que colocan placas esmaltadas y cada resgistro corresponde a una
era del tiempo cristiano. Nosotros medimos el tiempo de una manera pero en la edad media tenian muy claras als
edades temporales:

*Era ante legem, anterior a la ley. Antes de que moisés subiera al Sinai. Primer registro, el registro superior, escenas de
ante de la ley,, escenas del éxodo.
 #Como prefiguración del bautismo de cristo en este caso, se eligió el paso del mar rojo. En rimer lugar vemos
unas anatomías muy ilusionistas, ya en la fuente de salomón lo veíamos en los bueyes, pero aqui vemos figuras
humanas en movimiento, también escorzadas. Pero lo que mas llama la atención no solo es la fuente de bronce
(que convierte en icono) sino que en el mar rojo presenta una escena narrativa que resuelve de manera
sorprendente: a el le importa la figura humana ante todo (como en el arte griego) y al suelo con esa hojita
apenas le da importancia, ni al fondo, quien cuenta la historia son las figuras humanas con esse dibujo organico
en la que se percibe una estructura orgánica del cuerpo (a diferencia de los mosaiquistas musainos aqui el
movimiento ya es mucho mas organico). Quiere marcar la anatomía de la figura y el pliegue en abanico de la
generación anterior para marcar la cadera sigue aqui. Ademas vemos que presentan paños mojados semejando
que acaban de salir del agua, que el mar rojo les salpico. Para lograr todo esto reflexiona mucho sobre el plegado
de la indumentaria! Plegados que parecen una variante de paños mojados pero fueron nombrados por la critica
alemana como: mulden falten stil. Además vemos que es un plegado singular, porque está haciendo un
sombreado negativo, lo que marca no es el pliegue, lo que señala es la profundidad, el sombreado del pliegue
(ya no marca el blanco, sino la sombra para generar volumetría). Peinado bizantino en moises claramente. Por
otro lado tenemos la metonimia: vemos que las figuras son casi recortables sobre un fondo de esmalte, nos
quieren evocar el agua pero y los propios paños parecen representar las ondas del agua. Es sorprendente como
representa la escena: ya no representa el mar separado, sino que representa a los niños y el perro asustado para
representar como pasan a través del mar. Esta ademas utilizando el humor: niño con el dedo en la nariz, perro
escapando del agua. Se brinda solo de la figura, actitdes y atributos de la figura para contar, es casi teatro. No lo
cuenta en tono epico sino en un modo menor, casi de humor!! No todo es serio en la iconografía religiosa, tiene
un tono de vida cotidiana. Es a lo que los retoricos llama el sermo humilis (tambien hay el sermo solemne, pero
este no se da aqui), Nicolas usa aqui este lenguaje figurativo mas simple, mas humilde, mas cercano, el sermo
humilis. Vemos con todos los sentidos y aunque el mar no se ve claramente, sentimos la escena.

*Era sub lege, cuando estan bajo la ley, las tablas de la ley (que cristo da a Moises). Segundo registro, registro inferior,
escenas tras las tablas. Empezando en este registro tenemos:

#Prefiguración del bautismo de cristo, fuente de bronce que Salomón habia ordenado fundir para colocar
delante del templo. Con esta fuente de Salomon y este pensamiento en cadena se refleja una prefiguracion del
bautismo de cristo. La fuente de bronce se apoya sobre 12 bueyes. Nicolas de verdun represento esta fuente
sobre 12 bueyes con un picado, viéndola desde arriba. Lo mas llamativo de todo son los dibujos y diversas
 representaciones del buey, representado en todas las disposiciones posibles, como si fueran las agujas de un
reloj y práctica así todo tipo de escorzos y posiciones. HAy un verdadero estudio del escorzo en la representacion
de los bueyes en esta fuete de bronce. Si la escena se escogio como prefiguracion del bautismo de cristo. Esto es
un icono claro, forma geométrica central que se puebla por los bueyes, es el estilo grave, el sermo gravis.

*Era sub gratia, cuando cristo baja a la tierra, empieza con la encarnacion. Registro central, escenas centrales desde el
bautismo de cristo hasta su resurreccion.

(((Nota : Laon tenia una escuela y Chartres tambien. El texto la glosa ordinaria se escribe en laon a finales del 12, y es un
ejemplo de esta nueva tipologia biblica e incluso por sistematizar la tipologia. La glosia ordinaria coge un pasaje de la
biblia y lo relaciona con otro, se establecen cadenas de pensamiento: moises hace brotar agua de la roca, fuente de
salomon, bautismo de cristo… (todo lo que tenia agua lo relacionaban en esta cadena de pensamiento). ))))

Nicolas de verdun, su verdadera revolucion es el cambio en la tecnica para buscar el ilusionismo>> busca un lenguaje
mas ilusionista y entonces va a cambiar la tecnica del esmalte: el esmalte se resistia mucho a la posibilidad de un
lenguaje ilusionista (al ser fragmentadas las unidades cuesta mucho combinarlas, (((ejemplo de la aparicion de la
heraldica ??? existen codigos paralelo). Anteriormente en el esmolte el colro se reservaba a la figur ay los fondos eran
neutros: nicolas de verdun en cambio en sus escenas de cobre y esmalte pone el color en el fondo y las figuras las hace
con el buril (como si fuera una escultura en metal, no como esmalte, con su buril). Utiliza bronce dorado para la figura y
esmalte colorido azul para el fondo, cambia la tecnica como vemos!!! Evoca el uso del oro y del lapislazuli. Cambia la
tecnica porque para lo que quiere hacer el no le vale usar esmalte de colores en las figuras humanas, el necesita lo
metalico en las figuras humanas para darle mayor ilusionismo al cuerpo humano.

Son figuras de toque bizantino pero mucho mas ilusionistas, sobre todo en la anatomia. Inspirados en el arte bizantino
(herederos del arte griego que van esclerotizando, porque se creyeron que ellos tenian la verdadera imagen de cristo y
de la virgen, tenia los arquetipos que apenas cambiaban): modo de diseñar las cabezas por ejemplo. Occidente no tenia
los prototipos ni arquetipos, a diferencia de bizancio, por lo que los occidentales aqui ven el arte bizantino con ojos
nuevos e inocentes, a partir de los modelos bizantinos recuperan el arte ilusionsita original de bizancio (como hemos
dicho el arte bizantino en principio era heredero del ilusionismo del arte griego, luego eliminaron el ilusionismo a favor
de sus prototipos, pero originalmente si eran mas ilusionistas). Cogen modelos bizantinos y adquieren aqui un cuerpo
ilusionista, algo que los bizantinos habian dejado atras, revitalizan a partir de las recetas bizantinas cuerpos ilusionistas!!

Como hemos dicho lo mas bizantino en estas imagenes no es el ilusionismo sino otros elementos: las columnas y sobre
todos las cabezas, muy bizantinas, que responden a un patron que habian ideado los bizantinos. Diseñan las cabezas
siguiendo un patron de cabezas ideado en bizancio. Bizancio deja atras el ilusionismo griego para ahora substituir el
sistema de dimensiones griego en un sistema de proporciones muchisimo mas simple: tres circulos para crear la cabeza,
desde el cuello hasta el nimbo, ley de los tres circulos (esto genera un pelo especial en estas cabezas, con una especie de
moña muy característico de lo bizantino que responde a esta ley d elos tres circulos).

Pero como les llego el arte bizantino a nicolas de Verdun y a estos artistas del 1200?? sabemos que lo bizantino si había
penetrado en Italia (capilla palatina de Monreale en Sicilia, donde mosaiquistas musainos trabajaron pero llevan el arte
bizantino oya empiezan a reformarlo y escapar de las rígidas normas bizantinas. Recuperan el sombreado y poco a poco
en occidente van recuperando el ilusionismo). Estos maestros del mosaico bizantinos estaban trabajando para la corte
de Sicilia y esto da lugar a que tras cortes europeas conocidas empiecen a apreciar el arte bizantino!! Lo cierto es que ya
en bizancio hacia 1170 ya empezaban a romper con los esquemas, no solo cuando llegaron a occidente sino ya en el
mismo bizancio y luego esta ruptura se desarrolla en occidente.
Fresco bizantino de hacia 1160 de la iglesia de San PAntaleon, Gorno Nerezi en Macedonia: ejemplo claro de estos
cambios en el arte bizantino extendiendose por europa Ya lo veiamo en Sicilia pero aqui tambien vemos como tambien
el arte bizantino intenta recuperar aspectos ilusionistas clasicos. Vemos aqui el llanto de maria sobre el cristo muerto.
Dramatismo, una madre con el cadaver de su hijo. Aquii han resucitado una serie de formulas del art ebizantino>> sobre
todo el gesto de dolor en el rostro, exagerando el gesto en las cejas, esto venia de las mascaras del teatro clásico que
toman los bizantinos en su prototipo. Ademas de rescatar esas cascaras clasicas dramaticas, por otro lado vemos
tambien como resucitan el esplendor griego, el uso de los brochazos blancos para crear un volumen sobresaliente. LA
anatomia en cambio todavia responde a prototipos bizantinos, no buscan todavia el ilusionismo en la anatomia.

La anatomia de Nicolas de Verdun es mucho mas ilusionista, va mucho mas alla y recupera las proporciones humanas.

Nicolas de Verdun no fue el unico que volvio la vista al arte bizantino:

B.Hoja Morgan en la Pierpont Morgan Library. Biblia de Winchester encargada por el hombre mas
rico de Inglaterra, obispo de Winchester Henry of Blois, de la segunda mitad del XII. 1150-1175.

Casi toda la biblia se conserva en Winchester, pero una de las hojas está en esta biblioteca. El coleccionista sabia lo que
queria porque la biblia de Winchester es romanica, pero esta hoja es la ultima y responde a una estetica diferente. Este
hombre se tiene que ir porq lo destierran y tiene una vida turbia por lo que numerosos artistas trabajaron en la biblia e
incluso no llegaron a acabarla porque este hombre acabo muriendo. Aqui en esta hoja vemos a miniaturistas buscando
ilusionismo: historia de David, con goliat, la uncion de David…

Y en esta hoja interesa sobre todo el último registro: muerte de Absalón (uno de los hijos de David que se le enreda el
pelo de una higuera y lo matan los enemigos al quedar colgado) con el rostro con esas cejas dramáticas de las mascaras
clásicas que ya veíamos.

Luego tenemos el momento en el que a David le comunican que ha muerto su hijo y se cubre la cara con el manto (el
velo de timantes, pintor que al pedirle que representase la muerte de Ifigenia que al no conseguir representar el rostro
dolorido de Agamenón decide ponerle un velo, por eso le llaman el velo de Timantes) , llora la muerte de su hijo, vemosa
demas que hay la ley de los tres ciruclos con su moña en el pelo, manchas blancas en la volumetria>>> lenguaje
totalmetne bizantino. Referencia a la escena del velo de Timantes

C.También llegan estas recetas bizantinas a aragon, pintura Monasterio de Sigena (un princesa inglesa
se casa con uno de Aragon). Sigena era el monasterio regio femenino del cister de la casa de Aragon. Tambien data de
cerca del 1200 y tambien aparece este arte bizantinizante. Del monasterio de Sigena pasaron al museo de arte nacional
de Cataluña, debatiéndose en quien tienen derecho a estas pinturas, Sigena o Cataluña. Vemos ese concepto, esa
particularidad del arte 1200 de centrar el interés en la figura, como un icono y que el arte importe poco.

D.Fresco de san pablo en la capilla de san anselmo en la catedral de Canterbury. Vemos de nuevo algo
muy parecido a lo que hacia nicolas de verdun, el pintor inglés representa a san pablo sobre un fondo liso, misma
esrategia. Es el milagro en el que san pablo va a Sicilia y al llegar a la orilla los atacan las serpientes, entonces san pablo
lanza una serpiente al fuego y todas mueren> esto es lo que se representa. Vemos esas manchas blancas. Es muy
minimalista: fondo monocolor, suelo minimalista, pequeña serpiente y el centro está en la figura (con ese blanco que da
brillo, superficie muy amplia del brillo tipico de Nicolas de Verdun).

Luego interesa también la greca inferior, donde vemos que resucitan la capacidad ilusionista del arte antiguo (clasico):
estas columnas son pintura o estuco?? es pintura en superficie plana (además vemos en las columnas el descubrimiento
de apeles: la mitad de la columna se pinta de escuro para dar sensación ilusionista tridimensional, un gran truco de
apeles!!).

Como circula este gusto cortesano del arte 1200 por los distintos países europeos????? tiene que haber relaciones entre
las casas reales y un gusto común, que es un gusto que se observa mas en las casas reales que en el alto clero. Se pone
de moda este gusto entre las casas reales en occidente. Gusto cortesano sin duda. Idea del rizoma: parece que como una
raiz aparecen en sitio que se encuentran lejos las mismas cosas casi paralelamente.

Sin duda uno de los grandes artistas del arte 1200 sera Nicolas de Verdun, pero tambien tendriamos el portico de la
Gloria.

Igual que hemos visto en Senlis, se produce un nuevo diálogo entre la escultura monumental y el color, esto se
produce en la catedral de Laon. Esta revolucion que se produce en escultura tiene mas que ver con la relacion de las
miniaturas que con la orfebreria. El dialogo entre miniaturistas y escultores en Laon fue muy fuerte y era muy comun
en la Edad MEdia (Vasari trajo esta relacion entre pintura y escultura).

E. PORTADA OCCIDENTAL DE LAON, NOVEDAD EN ESCULTURA:

-Esta portada triple inaugura un sistema discursivo que se perpetuará en el silo XIII y que tiene que ver ocn las funciones
litúrgicas que se llevaban a cabo delante de las puertas de la catedral. En esta ceremonias participaban ciertas personas
que se verian reflejadas en esas imágenes.

-Lo que inaugura son una trilogía que se va a repetir: infancia de cristo es la portada norte del astial occidental, el juicio
final en la portada sur del hastial occidental, y en el centro la coronación de la virgen. Esto coincide pues delante de la
iglesia se desarrollan los tres sacramentos: bautismo, matrimonio y las exequias (delante de las catedrales había
cementerio). Son als tres ceremonias que marcan los ritos de pasaje en la religion cristiana: uno entra en la iglesia
espiritualmente (bautismo), union matrimonial con la iglesia y luego contribuye a un mejor destino final para los
difuntos las plegarias delante de la portada. ((En el matrimonio y el bautismo en la edad media, delante de la portada se
iniciaba la ceremonio de bautismo o matrimonio))

Asi una portada de infancia era adecuada para iniciar el bautismo, una de la coronacion de la virgne (boda de cristo y
maria) para el matrimonio y el juicio final muy adecuado para las exequias. Portadas de pasaje para ritos de pasaje (que
acompañaban un cambio, bautismo, matrimonio y muerte). Imagenes de pasaje en lugares de pasaje (entrada inicial y
salida definitiva con la muerte)

*Juicio final: (FOTO) de nuevo vemos ese interes en el cuerpo y no en el fondo ni en la línea de base. La linea de base es
minima (pero poéticamente grande) pero lo que importan son los cuerpos, cada vez mas organicos (pesan, apoyan los
pies en el suelo, tienen una anatomía que se ve a través de esos pliegues blandos donde se marca el hueco anatómico).
Los plegados utilizan esa volumetría en negativo para marcar los huecos en la anatomía podia venir de esa relación entre
escultores y pintores.

Aparece San Miguel separando a los bienaventurados de los pecadores. Los bienaventurados levantan la cabeza hacia
arriba, preguntándose que habrá en el cielo: una de las teorías más conservadoras decia que ibamos estar contemplar
permanentemente a Dios en el cielo, produciendo tanto placer que no necesitamos nada mas. Aqui contemplan
eternamene a Dios. En cambio los pecadores no parecen sufrir tanto como lo que sufriran despues, estan siendo
arrastrados hacia el infierno (solo se distingue a un pecador porque el demonio cuelga una bolsa de monedas al
abaricioso). Ademas llama la atencion que todos los pecadores son canonigos (no el obispo obviamente)>> muestran a
un canónigo abaricioso, advirtiendo a los peregrinos que tengan cuidado de que los clerigos los pueden estafar. Esto era
un sermon para los canonigos.

Tambien nos habla de hasta que punto las imagenes de las portadas goticas tienen un caracter especular: estan
pensadas para que el espectador se pueda ver reflejado en estas imagenes: asi los canonigos se darian cuenta que
tienen que tenercuidado con la abaricia con el dinero sino iran al infierno. O miras eternamente a dios o ….
*Infancia de Cristo: (FOTO) vemos en el timpano una epifania, con una virgen entronizada a la antigua con el niño y los
reyes magos que parece que llegan corriendo. Tenemos a Herodes como niño rey que viene a redimir a la humanidad y
al rey que mata niños a la derecha.

El niño se gira pero la virgen es muy frontal: parece que se representa la imagen de la virgen de Laon anunciada en la
portada de la iglesia. Tambien se ha hablado de si puede tener influencia.. Que sea una epifania tambien tiene relacion
con un posible discurso bautismal en la protada: epifania y san juan bautista coinciden el 6 de enero.

En el dintel tenemos (Estilo 1200): a la izquierda la anunciacion y en lecho de maria llaan la atencion los pliegues. En
esta cama pasamos de la gran mancha blanca de verdun con Nicolas de Verdun a ahora una mayor complejidad en los
pliegues. Llama la atencion que nosotros pace que podemos entrar en la intimidad de MAria, de una mujer que acaba de
parir, con esos pliegues de la cama que parecen evocar el esfuerzo del parto. Este procedimiento de colocar un marco
arquitectónico (interior diáfano bautizado por panofsky) para introducirnos en el interior se ve perfectamente en esos
marcos de la cama que nos hacen penetrar en la intimidad de Maria, nos acercamos a una mujer que acaba de parir.
Quienes fuesen a acercarse a la portada con sus niños en el bautismo, en definitiva, se verían reflejados en esa virgen
recien parida, en esos niños en peligro ante el rey que mata niños, etc es algo típico del arte gotico que intentaba
siempre acercar la divinidad a los devotos laicos (INTENTABAN QUE SE IDENTIFICARAN CON LA IMAGEN).

Posiblemente la relacion entre pintura y escultura es esencial, el trasvase entre la pintura policromada y la escultura
monumental en Laon no debió producirse con las artes del metal sino con la miniatura, llamando la atencion la imagen
del: Salterio de la reina Ingeburga. Ingeburga era una princesa danesa que se caso con el rey de Francia y posiblemente
el salterio fuese un regalo de boda. Este manuscrito introduce el pan de oro para los fondos (algo que venia de bizancio,
el oro del romano era de mucha peor calidad simple polvo, era en bizancio donde usaban pan de oro) y lapislazuli en las
vestimentas>> era un salterio riquísimo y lujoso. En este salterio no aparece David: tenemos la escena final de la vida de
cristo, donde aparece la expositio in lapide y las marias en el sepulcro. LA piedra en la que se tumba la piedra de Cristo
es una de las reliquias esenciales de Cristo (en el santo sepulcro no hay sepulcro, sino la piedra sobre la que reposó el
cuerpo de cristo, de forma que los peregrinos tocaban la piedra y cogian el aceite que emanaba de la piedra en la que se
ungió a Cristo). (FOTO)
4.-Arte parisino en espacios de la monarquia. El prestigio de la corte parisina y la difusion
de los nuevos lenguajes visuales. SIGLO XIII. Punto de inflexión con el REY SAN LUIS.
-El rey San Luis como hilo conductor, empezamos antes de su mismo nacimiento.

-San Luis nacio en 1217 y nacio de Luis VIII y la española Blanca de Castilla. Durant esu reinado se asiste a una serie de
cambios, un gotico mas exportable. Cuando nacio Charthes no estaba de todo terminada, las portadas tampoco

A.Portadas Chartres:

-Las portadas datan en torno de 1210: vemos tres portadas en chartres (la occidental era la antigua que quedo del
incendio, reformandola pero manteniendo la escultura) y se labraron dos pportadas triples, una sur y otra norte. En la
portada hay una figuracion que estaba pensada para un claustro, que hoy no esta. Eran portadas con sus
particularidades, se le esperaba una audiencia especifica no como Laon, estas son distintas: los devotos entraban por la
puerta antigua principal. La portada sur es la mas especifica del claustro (escultores de Laon van a Chartres, en realidad
hay un relevo generacional).

En Laon los cuerpos eran muy organics, en Chartres tambien pero no tanto, eran mas armoniosos, buscaban mas los
pliegues blandos (ya no la mancha blanca) que la organicidad en los cuerpos. Chartres es un ejemplo como lo sera
Bourges, de esa cantidad de escultores que tuvieron que trabajar para la gran cantidad de esculturas de las portadas.

*Portada de la coronación, hastial norte: en ella pudo haberse reflejada Blanca de castilla y su marido. Trabajan desde un
prisma que colocan en diagonal. Vemos que repiten los modelos de cabeza por la gran cantidad de esculturas que tenian
y ademas los repertorios de mantos estan llenos de pliegues. Con la gran cantidad de esculturas, necesitan escultores
que apriendan rapido y que utilicen libros de modelos: Peter Kurmann dijo que los escultores no solo llevaban dibujos a
las alforjas sino pequeños modelitos en barro o otr material para seguirlo, y ademas se intercambiaran los modelos
(habia modelo de cabeza, manos y cuerpos segun el). Aqui vemos que el modelo de cabeza se repite: en la edad media
era importante la variedad, y aqui lo ponen en practica porque a pesar de tener el mismo rostro, los varian, aun asi
Chartres resulta algo monotono>>> Estes son: Aaron (primer sacerdote), Abraham con Isaac en el pseudosacrificio (casi
esta acariciando a Isaac y ademas Abraham mira hacia arriba, REVOLUCION ESPACIAL), Moises con las tablas, Samuel
sacrificando y David con clavos (salmo 22, lleva instrumentos de la pasion porque en este salmo se dice eso, David
prefiguracion de la pasion algunas veces).

Abraham mira hacia arriba, hacía un ángel que va a impedir el sacrificio: aqui el escultor rompe con la tirania de
esstatua-columna-baldaquino y esta robando espacio al baldaquino contiguo para crear una narracion. Sigue siendo
estatua columna pero el baldaquino que corona presenta ese angel, la narracion pasa al ambito de la estatua columna.
En la portada contigua la narración pasa a la jamba: vemos a la Virgen e Isabel charlando entre si. Aqui hay un claro
cambio de escultor (a chartres vinieron escultores de Sens y Laon) aunque gusta de esos pliegues exagerados en los
mantos. Son estatuas columnas pero aqui ya compone una escena narrativa, han roto la imaginaria caja espacial (ya no
son estrictamente frotnales), componen una escena, una escena habitual de timpano que ahora pasa a jamba en calidad
estatuaria. Asistimos a la narracion!!!

Portada coronacion, natividad y juicio final.

En el hastial sur de la catedral de Chartres vemos una enorme cantidad de santos (y a esto se suman los santos de las
vidrieras, casi 100 santos). Esa empezando una nueva espiritualidad donde los santos tienen un papel importante: no
solo los santos canonicos. Vemos a San lorenzo, san esteban, san clemente y uno posterior. Mismo tipo de cabeza,
misma caida de mantos… San esteban el martir mas antiguo, San clemente un papa que muere en el mar negro (por eso
aparece con el oleae a sus pies con la iglesia donde se enterro en una illa) y el santo antiguo San Lorenzo. Pero ahora
ademas en el siglo XIII van a surgir nuevos santos, aqui vmeos un cuarto santo: podria ser san jorge o san mauricio
(santos militares que viene de oriente y que se instaura el culto en occidente)>>> esto viene de el desarrollo de la idea
de intercesión ( empieza en el siglo XIII a multiplicarse la plegaria a los difuntos y a buscarse la intercesion en los santos).

En la fachada sur tenemos un angel, el angel del meridiano. El sostiene un enorme reloj de sol. Relojes de sol en el muro
sur de la iglesia fueron habituales desde la edad media (en el sur sale el sol para medir la hora) y este es un ejemplo
claro de como en la edad media pensaban que Dios media el tiempo: pensaban que Dios habia construido el tiempo,
que la iglesia tenia derecho a regular el tiempo terreno de los fieles. Es un angel el que lleva el tiempo, el angel es un
mensajero de Dios que nos trae el tiempo.
B.Panteon de Fontevraud, abadia de Fontevraud, 1204:

Había sido su construcción favorecido por Leonor de Aquitania y quiso cosntruir un panteon alli (en la normandia, 3 años
antes de que cayera) para la corte, para Felipe II y Leonor de Aquitania. Todo esto es anterior todavia al nacimiento de
San Luis. Lo mas llamativo es que resucite en la edad media, la esfinge del difunto descansando sobre la tumba!!! Esto es
pseudo morfosis (termino que inventa Panofsky), un nuevo genero! Igual que la estatua columna, este es un nuevo
genero> de hecho si sabes labrar una estatua columna, esto parece una estatua columna tumbada horizontalmente
(escultores emparentados con los de Chartres, realmente es como una estatua columna tumbada sobre una cama). La
novedad es la idea de la presencia de la esfinge del difunto sobre la cama, porque esta necesidad de mostrar la
corporeidad del difunto??? Debe ser por la necesidad de creer en la resurrección corporal (es un modo de expresar la
esperanza en la resurreccion). Pero ademas se sabe que Enrique II ni Ricardo corazon de leon murieran en Fontevraud.

El lleva la corona, el cetro, el manto, el anillo (todo lo que lleva cuando fue coronado como rey). Pero llama mas la
atencion la de Leonor: que tiene los ojos cerrados y un libro en la mano. Que hace un difunto con las manos levantadas
con el libro?? Que momento exacto es, su muerte, anterior, posterior?? Esto pasa mucho en la escultura funeraria del
norte de los pirineos. Esta Leonor leyendo, muerta, con los ojos cerrados (posiblemente el llibro estaria escrito): se ha
hablado que fue porque ella era una gran amante de las artes (y siendo ella quien encargo estas esculturas igual quiso
ser representaba como patrona de las artes).... Estas esculturas estaban dispuestas originalmente en el coro donde las
monjas oraban, por eso ella se une como una monja mas cantando sus plegarias y oraciones, no tanto como patrona de
las artes, sino como una monja mas.

Las historias biblicas que habiamos visto en Laon (la virgen en su cama deshecha podia parecer cualquiera mujer luego
de parir), ahora en Chartres hemos vista un santo guerrero bizantino (el san jorge con esas armas contemporaneas). En
la Edad Media surgio una suerte de anacronismo: vemos que visten a los personajes de la biblia con atuendos
contemporaneos, a los santos con atuendos contemporaneos para lograr esa mayor cercania con los fieles. Empatia que
genera que una figura vista igual que nosotros.

C. Vidriera catedral de bourges:

Este anacronismo llega a extremos mayores, a hacer el pasado presente. Por ejemplo en la vidriera del hijo prodigo en
Bourges. Hacia 1220-25. En ella sale el hijo prodigo a caballo que sale a aventuras con la herencia de su padre, se va a la
aventura como si fuera un caballero mediaval (asi quiso la iglesia traducirlo). Parece un caballero en busca e aventuras, la
aventura es un invento mediaval. Aqui se puede hablar de imaginería laica, volgare. El sermon es en latin, pero las
imagenes, donde el hijo prodigo aparece como si fuera un caballero local de aventuras por ahi, con ese lenguaje vulgre
hace que sintamos empatia con el. El anacronismo, ya se empezaba a contar no en latin, sino en lengua romance. Son
muy interesantes las vidrieras.

Novedad: Una cosa fundamental de las vidrieras y que tendra influencia en los libros, pensamiento y en general: como
cuenta la historia esta vidriera, el modo de contar vemos que se complica por primera vez, el ductus (el camino, el viaje,
la linea argumental) era lineal ya en la edad media pero aqui vemos que es un ductus muy complejo y experimental.
Tenemos que leer la vidriera en zig zag, complicada lectura, en esto experimentaron mucho los artistas y mentores
medievales (relación estrecha en teoría literaria y artes). Algo que tuvo que ver en esto es que, la vidriera es alargada, un
formato poco adecuado para la narracion lineal!!!! >> la vidriera exige asi experimentar con la narración.

La vidriera puede considerarse un arte mayor del gotico, de ese siglo XIII, y empiezan a narrar de otras formas,
experimentando. Las vidrieras influyen en el diseño de la biblia moralizada, existen 4 biblias moralizadas (se piensa que
todas fueron encargo de Blanca de CAstilla).

D. Biblias moralizadas, Paris, esta la mas antigua entre el 1115-30:

Hecha mas antigua por Blanca de Castilla para su hijo San Luis. Esta biblia se conserva en Viena y el texto esta ya en
romance, frances antigua (empieza el romance, ya las vidrieras eran mas volgare). Uno de ellas que tambien encargo ella
como todas las 4, esta en Toledo dedicada a Alfonso X. Esta imagen es el comienzo del genesis de la biblia, Dios como
arquitecto del mundo. Vemos la moña bizanitna, el pliegue blando (con restos de plegado negativo)... ecos bizantinos
aun.

Dios como arquitecto dle mundo, idea platonica (la obra de Platon llego a traves del romano Calcidio)> Calcidio comento
la obra de Platon, siendo su comentario uno de los textos más leídos en la disciplina de física en su epoca (Platon
hablaba del demiurgo). Aqui vmeos el demiurgo de platón convertido en arquitecto en el siglo XIII. Porque en el siglo XIII
Dios se convierte en arquitecto?? Es interesante ademas como en su mano soporta lo que es el redondo cosmos, con el
sol y la luna, agua, el mar de cristal (que encierra el mundo terrenal y lo separa de la divinidad) y lo mas bello es incluso
su formula mimetica pero abstracta (Dios esta creando el mundo y vemos que ese cosmos es redondo pero algo caotico
y abstracto y dinamico). El cosmos, el mundo esta surgiendo de donde? Parece que eso negro oque vemos es la materia
primordial, la nada y dios parece crear el mundo a partir de ahi. Porque un arquitecto? porque en este momento del
siglo XIII los artistas mas grandes, los que levantan las grandes catedrales, los que cobran mas, los que tienen mas
relevancia, son los arquitectos sin duda, por eso Dios es Arquitecto.

Si seguimos con la biblia, nos encontramos un diseño de libro que viene de la vidriera, con esos medallones dispuestos
en vertical, con ese uso de colores llamativos con marcos circulares (sin duda la vidriera era muy importante). Se les
llama las biblias moralizadas por su discurso mural, pero ajustado a un discurso tipologico: esta ademas es la biblia para
san luis, gigante, con pan de oro, lapislazuli, un gran codice, este es el lujoso codice con el que se educo san luis. El texto
es minimo, pasajes de la biblia cortos, organizandose de la siguiente manera: los medallones 1,2,5,6 presentan episodios
biblicos mientras que el 3,4,7,8 en cambio presentan comentarios visuales a esos episodios biblicos. Vemos:

*Historia del matrimonio de Adan y Eva, aparecen casandose en el paraiso (aunque esto no aparece en la biblia). En
1214 el matrimonio se habia convertido en sacramento y antes ya habia surgido la nocion del matrimonio de adan y eva
(habia que3 poner orden en el paraiso). Asi inventan que cristo caso a Adan y Eva en el paraiso.

*La glosa moral, el paralelo al matrimonio de adan y eva, es las bodas de Cristo y la Iglesia (cristo y la virgen)> tipo de
matrimonio cristiano. Se equiparaba el matrimonio como sacramento con las bodas de cristo y su iglesia.

*El pecado de Adan y Eva no solo fue de soberbia y desobediencia, sino que en la edad media se interpreto como un
pecado de lujuria que nace del pecado original (la mordida dle fruto). No se debe comer de la fruta del bien y del mal y
no se debe ser lujurioso.

*Luego la glosa, la glosa moral a la tentacion de adan y eva, muestra la lujuria homosexual con el diablo. Las chicas con
las chicas y chicos con chicos, lo que no tenia ni nombre en la edad media, era el pecado nefando.

Llama la atención la composición: la vidriera tiene una estructura vertical que permite conectores distintos (como la
rima) y en esta biblia tambien hay esa rima interna. Los personajes en la parte inferior salen hacia fuera hacia la derecha:
esos paralelismos facilitan como en los poemas, fijar en la memoria las cosas. La composicion es muy similar a los
poemas.
E.En la Catedral de Reims, en 1226, se corona San Luis:

-Reims todavia estaba en obras, no terminada, y no habian colocado aun las estatuas de las portadas. Solo estaban
labrando tres de la portada occidental: composición fruto de un montaje de 1206 que no llegaron a montarse. Cuatro
estilos diferentes en 4 esculturas.

Nos fijamos en la visitacion de Reims, muy famosa. Ya se habla de clasicismo en Reims, entendido no solo por el
equilibrio, sino por estas dos estatuas de la visitacion (estilo del pliegue blando mas anguloso, parecen esculturas de
fuentes romanas). Vemos que la virgen e isabel visten a la romana, tienen modelos romanos a mano (semeja el
clasicismo, el retorno a lo romano). Parecen haber echado la vist a afuentes romanos, parecen paños mojados mas que
pliegues blandos. Porque esto aqui?? Reims tuvo un pasado romano muy fuerte: Reims fue Durocortorum en el mundo
romano.

La isabel aparece envejecida que llama la atencion. Además de los pliegues casi fídiacos, Isabel aparece representada
como anciana. Pero esas esculturas romanas habian estado en reims siempre a la vista, pero los escultores no las habian
mirado, pero en este siglo XIII los escultores miran la escultura romana como modelo.

Conviven tres estilos distintos. Cuanto se monta la portada, 3 esculturas se hacen en 1230, pero posteriormente se hace
el angel sonriente. Esa convivencia de esculturas de momentos y fechas distintas, indica que la escultura se empezaba a
labrar cuando habia un paron en las obras, instalandose una escultura mucho tiempo despues conviviendo con las
otras>> esto es habitual en el gotico, donde hay siempre una capacidad de ampliacion perpetua de la obra, siempre
reformandose y ampliandose pero a pesar de las diferencias hacen que combinan a la perfeccion.

Proyectan las esculturas desde el inicio de la obra, y lo que nos vamos a encontrar a veces es que esculturas pensadas
para una portada, se colocan finalmente en otras> versatilidad de movimiento y de instalacion final de la escultura en
epoca gotica.

En la virgen y isabel: vemos las dos esculturas con plegados casi augusteos que semejan mucho esos plegados de la
virgen en la cama de Laon o en el salterio de la reina ildeburga. Se inspiraron en modelos romanos antiguos que estaban
en reims para modelar su propia variante Muldenfaltenstil, se ispiraron en el mundo clasico. La virgen tiene un peinado
julio claudio, con esas ondas y mechones ordenados. Se inspiran en lo romano para los rostros, tambien para el rostro de
Isabel representada como una anciana por primera vez (inspirado en imagen de una anciana en el sarcofago de freda en
reims). El sarcofago de freda y los modelos romanos siempre estuvieron a la vista, pero es ahora en el gotico cuando las
miran, cuando realmente son capaces y quieren emular esas formulas de esculturas antiguas en Reims, esta gente
conoce REALMENTE el muldenfaltenstil!! Pero las proporciones de estas dos figuras son descompensadas, la anatomia
de las figuras vemos que no les importaba, solo le interesaban los plegados!!!! Le interesaban plegados, rostros y manos
solo.

Nota: tambien tenemos imitacion en la escultura de san pedro respecto a la escultura de Julio Claudio, pero el peinado
ha cambiado> San Pedro aparece con caracolillos en el pelo y un bigote rizado, una barba rizada(es una imitacion pero
hay un estilo diferente en esas ondas del bigote, puede ser que fuera la moda de la epoca, actualizan asi un retrato
antiguo a la moda de la epoca)!!!!!!!!!

Convivencia de dos estilos de 1230 entre la virgen sin mano y las otras dos: la virgen tiene un estilo totalmente distinto a
la composicion de isabel y la virgen. Parece del estilo de pliegues rectos y ordenados de la de la catedral de Amien. Son
las tres del 12330 pero tienen distinto estilo. En Reims prolifera mucho mas el estilo anterior, pero este estilo con figuras
geometricas simples, pliegue en V, pliegues ordenados y paraleleos>>> se ha calificado en ocasiones como el cubismo
gotico, aunque no es realmente asi. Antes veiamos libertad de movimiento y vibrante plegado pero ahora vemos una
ordenada Maria mucho mas racional>>> se entendió que eran dos estilos contemporaneos que convivian al mismo
tiempo (hacer esto era realmente contemporáneo y moderno). Estos dos estilos convivian sin problema en un mismo
momento, el 1230.

F. Estatuas Catedral de Amiens

Recuerda a la indumentaria de las virgenes en Amiens,

con ese plegado en V, ese orden y ritmo. Sujeto a
geometria pura. Esculpen con esa tendencia a la ley y
orden. Pero ahora la novedad en Amien es que son
capaces por fin de separar la estatua de la columna, en
Amien porfin hay estatuas, se separan ya, en Reims
casi pero ahora por fin la estatua tiene su propio eje de
gravedad independiente de la columna y del muro.
NOVEDAD. Son estatuas pero nunca en epoca gotica se
habian encontrado estatuas separadas ya del muro,
ahora ya se separan pero d ala sensacion igual de que
estan enjauladas en una jaula imaginaria entre el
baldaquino y la peana, nunca saldran de esa especie
de prision en la epoca gotico, la escultura gotico sera
siempre escultura ante mural, siempre pegadita al muro, nunca se distancia realmente!!!

Edificio, catedral de Amiens:

Se empezo cuando San Luis ya vivia. Cuando se corono san luis en reims en 1222, esta catedral estaba empezando
todavia a construirse. Empezo a construirse en 1210, su arquitecto es Robert de Luzarches y a partir de aqui
conoceremos el nombre de los arquitectos. Colaterales dobles, gran cabecera y nave larga (aunque reims tiene una nave
mucho mas larga, pues era la catedral de la coronacion). Robert era de la zona de Paris, y este modelos venia del norte,
como en chartres y reims, con muro espeso y plasticidad, y ahora ese modelo lo va a usar un parisino> va a usar un
modelo norteño en zona parisina, aunque hace mas compacta la planta. Las catedrales goticas eran mas grandes que als
romanas y a veces se tragaban otras iglesias, como ocurrio en Amiens, se trago una iglesia vecina parroquial: y asi coloco
una capilla auxiliar en la cabecera.

En el interior vemos que es muy alta y esbelta, construyen con muros delgados, baquetones menos sobresalientes, linea
de imposta fina, aligeran el pilar acantonado y los baquetones y estructuran el edificio de un modo visible. Lo
estructuran de forma que la nave central es el doble de alta que la colateral y la linea de imposta marca la mitad de la
altura. Respecto a Chartres y Reims, vemos que Amien va creciendo en altura y ligereza (sigue la carrera en altura y en
ligereza)!!
Producen esa sensación de ligereza, pero demas Robert concibe el edificio de tal modo que la impsota dividia dos
estructuras diferentes: una unica unidad que englobaba triforio y claristorio, y el muro que separaba con las laterales. Se
desdibujó el triforio, ya no es un cinturón horizontal, ahora se difumina. Vemos ademas una linea de imposta con
decoración vegetal, Amien estaba dedicada a San Fermin y las fiestas tenian una procesion religiosa pero tambien una
procesion con tradiciones pre cristianas y los devotos llevaban ramas e incluso algunos iban disfrazados con hojas y
ramas (los hombres verdes) >> de forma que los hombres verdes decorarian con ramas y guirnaldas el interior del
edificio, pues lo verde tenia gran protagonismo, por lo que esa linea de imposta de reims con decoracion vegetal es
fundamental para hacernos preguntas (Que pasa con los olores, con las decoraciones vegetales en las fiestas goticas???)
Quiza esta imposta explique todo esto.

El siguiente paso fue la nueva Saint Denis, suprimir el muro trasero del triforio y todo el cierre de la nave central se
convertiria en una pantalla de cristal.

—-------IMPRIMIRRRRRRR—-------------------

G. La nueva Saint Denis. INICIO GOTICO RADIANTE Francia:

-Obras 1135/1141

-Los arquitectos dieron un paso mas en la busqueda de la ligereza. La cabecera de sugerio ya existia, ahora lo que hacen
es suprmir el muro exterior del triforio y entonces toda la parte superior del edificio es una gran pantalla de cristal
organizada a partir de la estructura d ela gran ventana y las tracerias del triforio. Busqueda progresiva de deshacer el
muro, se buscaba ya en el original de saint dneis ventanas, pero en la saint denis de sugerio el vidrio era oscuro, pero
ahora es tal la cantidad de vidrio que el edificio empieza a ser mucho mas claro!!!!

-Ya empieza el aclarado de los edificios goticos que no veiamos con Sugerio!!! Busqueda de la luz en los interiores.

-La nave esta pensada ahora como una sucesion de pantallas. En estructura apenas ha cambiado, quitan el muro exterior
del triforio pero apenas cambia> desaparece n tejado y ahora surgen las gargolas masivamente porque la pendiente del
tejado ahora es minima.
-Ademas llama la atencion el modo de organizar esos paneles de vidrio: un pasaje que forma parte del cuerpo de
ventana justo debajo que se puede transitar. Los paneles del vidrio: un arco que aloja un roseton y dos lancetas y asi
continuamente, mismo esquema a diferentes escalas (uun embrio de esto estaba en bourges)!!! Se repite el esquema de
arco-roseton-2 lacentas que se repite a diferentes esqualas: matematicamente es el llamado fractal. Semeja el sistema
de un indice o introduccion en literatura, con series de subdivisiones subordinadas>> si existe el habito mental de
subdividir ese habito mental de los escolasticos lo pudieron tener los arquitectos!! No sabemos si los arquitectos fueron
a la universidad de paris aprender el metodo escolastico o era algo que estaba en el aire. Metodo escolastico? (de esta
relacion entre metodo escolastico y estos arquitectos hablaba Panofsky).

Esta idea de habito mental es mucho mas creible, porque estes habitos mentales de la literatura tambien lo
encontramos despues en el modo de organizar las imagenes. Ademas curiosamente en este momento se inventa el
soneto, una forma muy codificada de hacer poesia.

-El muro se convierte totalmente en pantalla de vidrio. Paran la carrera en altura porque quizas ahora han cambiado los
gustos: esto no tiene que ver con la robusta ingenieria de chartres, es arq de cristal. Lo que importa no es la organizacion
de estructuras ahora, sino saber hacer tracerias. GOTICO RADIANTE !!!!

-No necesitamos tener grandes arquitectos para hacer un edificio de GOTICO RADIANTE, solo se necesitaba la traceria
para estar a la moda!! Ademas aqui Saint Denis estaba ganando una fama especial graciass a la politica de San Luis.

Solo necesitabamos traceria para que el edificio estuviera a la moda, por eso triunfaria el gotico radiante.

H. Saint Chapel de Paris:

-Capilla real del anterior palacio real al que pertenecia (no se conserva el palacio).

-Pertenece al gotico radiante. El goticor adiante no solo sirve para las catedrales sino tambien para pequenas cpaillas
como esta.

-Fachada de la saint chapel con un enorme roseton y una puerta. Tectonicamente vemos que es bastante sencilla con
contrafuertes escalonados y gabletes (elementos picudos y apuntados). Ademas de esto tiene la traceria tipica. Con los
gabletes apuntados y la traceria conseguimos un edificio tipico del gotico radiante!!!

Revolucion tecnica en el modo de cortar la piedra y gracias a esto se complicaron cada vez mas los diseños.

-Construida entre 1141 y 1145, construida para alojar als reliquias que habia comprado luis IX (san luis) al emperador
Balduino II de Bizancio (constantinopla). Se trajo (saqueo realmente) la corona de espinas de cristo, un trozo de la cruz,
la esponja… No regalo la corona de espinas, san luis la saqueo… Este es el reliquiario para la corona de espinas.

-A la consagracion de la capilla vino incluso el rey ingles. Esta consagracion fue realmente la consagracion del gotico, la
saint chapel va a ser el escaparate del arte gotico por excelencia. Los capetos poco habian hecho en la rev
arquitectonico, pero ahora luis IX si que convierte el arte gotico en el arte de los capetos, de la monarquia francesa!!!
San luis tenia la corona de espinas.

-en el interior como capilla palatina vemos que tiene 2 cuerpos: cuerpo inferior y otro superior (reliquiario para la
espina, lanza, esponja y cruz). Lo que estaba colocado en el baldaquino era la corona de espinas. El cuerpo superior
parece un reliquiario gigante dado vuelta: esto lleva a pensar que el gotico radiante debe mucho a la micro arquitectura
de los reliquiarios (posiblemente existio un dialogo entre esta micro arquitectura d elos reliquiarios y la arquitectua
general).
 Planta baja (arriba)

Parece un reliquiario gigante cubierto de traceria, mucho mas que en la nueva sant denis. Ahora practicamente todo el
muro es cristal. Es un edificio ya de cristal de colores!!! YA no son tan oscuros como la saint denis primitiva> el brillo de
color es mucho mas caleidoscopico > Jerusalen Celeste siempre presente.

Estructura de cristal y ahora vemos un cielo de estrellas!! Parece un cielo estrellado, como si en realidad no hubiese
techo y pudiesemos ver el cielo. Hay esta ilusion de crear un cielo fisico en lsa bovedas que es propio de esta epoca!!
Antes se colocaban pinturas como el cordero o angeles, pero ahora se pinta el cielo fisico en la boveda.

-En el cuerpo inferior en cambio las estrellas de la boveda se substituyen por flores de lis. Esteticamente tambien parece
un reliquiario, parece tela y parece que3 estamos dentro de un estuche o joyero.

-Esculturas en la saint chapel donde tambien vemos un cambio de estilo: San luis ya tiene una edad y ahora hay un claro
cambio de estilo. Ahora se prefieren unos volumenes mucho mas compactos >> se ha dejado la seda y se ha puesto de
moda la lana. Paños de mas caida y contundencia, contraste de volumenes mucho mayor y pesados.

DOCE apostoles colocados en los muros, siempre debabjo de su baldaquino y sobre su peana (en esa jaula imaginaria, a
pesar de ser exenta): doce apostoles. Plegados mucho mas acartonados, volumenes mas rotundos. Estos apostoles
sostienen todos ellos una cruz de consagración> en el ritual de consagracion de una iglesia, se llevaba a cabo una
ceremonia que siempre debía presidir el obispo, en la que en esta ceremonia tan larga, el obispo unge doce cruces
alrededor de toda la iglesia (de esta ungicion de las cruces, quedó huella físicamente en la arquitectura). Estas ruedas
que llevan los apostoles en la mano, son una imagen de 12 cruces de consagracion, estan asi perpetuando el ritual de la
consagracion de forma figurativa!!!
Son esculturas exentas ya no de portada, sino que estan en el interior del edificio. Se abandono ya el bizantinismo oy la
estructura bizantinizante de la cabeza.

El original de uno de estos apostoles esta en eel museo de cluny: vemos los plegados que pesan y como caen hacia los
lados. Lo interesante de este apostol es el gesto melancolico: empiezan a importar la representacion de las emociones
en la escultura (hay cierta busqueda de la percepcion ilusionista). En esa busqueda de soluciones mimeticas que se
constata cada vez mas, vemos que ahora se preocupan por emociones. Apostol melancolico que llevaba una cruz de
consagracion y esa melancolia tenia su razon de ser. Ademas vemos que tiene un mini flequillo que era la moda en el
momento. REPRESENTACION DE LAS EMOCIONES

I.Salterio de San luis, para su hijo Felipe o Luis:

-Otro folio que resulta interesante: es pan de oro y lapislazuli y lo que se presenta es la
historia de Balaan y su burra. Valan era un visionario que vivia entre los moabitas, los
jordanos. Era un visionario por lo que el rey de los moabitas le pidio que fuese a
maldecir jerusalen porque querian entrar en guerra. Pero Balaan se nego porque era
cristiano, pero al tercer intento Balaan va en su burra, y se le aparece en el camino un
angel con una espada y la burra se aparta. Valan sigue con el burro pero a la tercea que
se aparece el angel la burra se para, por lo que nunca puede llegar a jerusalen.

Esta historia tiene lugar entre dos muros y entonces que hace representada en el
interior de un edificio gotico??? pone de manifiesto como las manifestaciones artisticas
mas importantes en este momento son sin duda las vidrieras. Las vidrieras tienen un peso muy importante en este
momento. LA evocacion de las vidrieras es clara.

J. Portada juicio final catedral de Bourges. Emociones:

-Tiene 5 portadas, pero no todas son del XIII, hay una del XV.. .Solo tres son del XIII.

-La central es la que interesa, la del juicio final. Ya desde Laon los juicios finales eran un tema fundamental en las
portadas. El juicio final preside normalmente la portada central. El tema del juicio final va a ser fundamental. Porque
tiene tanta importancia el juicio final ahora? Por la gran creencia en la resurrección ahora, pero tambien porque han
surgido nuevas ordenes religiosas que predican en lengua vernácula que acercan al pueblo no olo el dogma, sino
también la moral (los sermones son mas morales que otra cosa y consiguen despertar emociones)>> y esto es lo que
pretenden las imagenes, igual que el sermón que apela a las emociones, apelan también a las emociones.

Se busca representar la esperanza y el miedo.

Se estructura como Conques: entre registros. En la parte superior cristo, abajos san miguel pesando las almas con los
bienaventurados y los pecadores, y en el dintel la resurreccion de los muertes. 3 partes. En el dintel se habla de la
resurrección corporal de los muertos.

FOTOOOOO

Aqui vemos la esperanza y el miedo.

En el segundo registro:

● Vemos los bienaventurados dirigiéndose al seno de Abraham (las almas que Abraham recoge en su seno son las
almas de los bienaventurados, feminizacion de Abraham como mama). Los bienaventurados son: san pedro
como guardian de las puertas del cielo, luego san francisco (que ya era santo para entonces), le sigue un rey
sonriente, una dama sonriente, arriba un angel sonriente y un bebe sonriente. El rey puede ser el padre de san
luis> pero no podemos saber si hay referencia o no, tiene una flor de lis en la mano pero no podemos saberlo. La
dama tambien tiene la flor de lis. Todos sonrien y nos dan ganas de sonreir (empatia), sonrien porque son
bienaventurados. Una fisionomia moral bipolarizada: los bienaventurados sonrien y los torturados sufren. Dan
felicidad, ante la gloria.
● Los torturados en el infierno en cambio tienen un gran gesto de dolor fisico y emocional. Falta el común avaro,
pero vemos una mujer a la que un sapo le muerde el pecho, luego un clerigo al que el sapo le muerde la lengua
(peco con la lengua, seria un mentiroso o fraudolento). Alrededor vemos monstruos con culos devoradores,.
Uno de ellos aplasta a otro obispo para que caiga en esa caldera central. Los demonios románicos eran casi bufos
pero ahora cada vez mas tieenen un aspecto terrible y terrorifico. Ademas vemos que tienen multiples armas.
Incluso es interesante porque vemos un demonio pero femenino: con pechos y vaginas devoradoras. El que haya
esta diablesa no es extraño, ya en el mundo nordico el diablo era mujer!!! Dan miedo ante el pecado.
***Angel de la sonrisa en Reims

-Porque sonríe este angel?? Esta saludando a maria, pero

no sabemos porque sonríe. La sonrisa esta reservada
exclusivamente a ciertos personajes, no sonrien los
pastorcillos de belen ni los reyes magos. Sonrien los
angeles, virgenes y bienaventurados> la virgen resucitó y
esta en el cielo, son seres celestes los que sonríen!!!!
Pretenden hacer atractivo el paraiso celeste pero tambien
tiene que ver con la descripcion de la naturaleza de estos
seres celestes y con el color y el brillo. Resucitan estos
seres con cuerpos radiantes y celestes, y estas son
sonrisas radiantes, que significan tambien la naturaleza
radiante de los seres celestes.

Luz, brillo y claridad van asociado a la sonrisa! La sonrisa

gótica no es una sonrisa para cualquiera, es un rasgo
exclusivo de los seres bienaventurados, de unos cuerpos
celestiales.

Esa sonrisa refleja la naturaleza extraordinaria.

Influencia en el Imperio germano del arte frances. El arte mosano tuvo influencia en el arte
alemana?

K.Portada sur de la catedral de Estrasburgo

-Puerta bifora con copias actuales (las originales estan en el museo).

En el centro esta el rey salomon sentado como juzgado, al lado la sinagoga condenada y al otro la iglesia triunfante. Es
interesante que salomon sea una figura tan importante en esta portada: un historiador demostro que delante de la
portada se llevaban a cabo los juicios de derecho canonico (poder judicial de la iglesia). Pero no era la unica portada en
que se llevaban a cabo los juicios, por eso en otras encontramos a reyes sentados con las piedras cruzadas (caracteristica
de los reyes en la edad media) con una espada. Las portadas servian como entrada para los sacramentos (bautismo,
portada nupcial, cementerio) pero habia tambien esta otra funcion: la judicial.

-Tenemos la escena de la adormicion de la virgen con unos tintes

expresivos del que carecia el arte frances. El arte aleman es mucho
mas expresvio que el arte frances. Los escultores alemanes del siglo
XIII experimentaron mucho con la expresion (aun no es facial aqui,
pero la propia composicion refleja el dolor contenido de juan o de
magdalena). En esa composicion se refleja el dolor por la muerte de
Maria. Pero esta muerte de Maria presenta los pliegues de francia (el
muldestaing.dsgsg)>> tienen un aire con las piezas mas modernas de
Chartres, pero no sabemos hasta que punto hubo comunicacion.

Aunque la composicion sea una composicion con un esquema

geometrico simple radial, hay una suerte de movimiento en los paños
de la virgen que se arremolinan, los apostoles se afligen asombrados. La gran caracteristica del imperio fue: la
representacion del movimiento (fueron conscientes de que la escultura se percibia en movimiento) y la expresividad.

-La sinanoga derrotada de la portada sur de Estrasburgo: siempre con los ojos vendados porque no se habian dado
cuenta que cristo era el mesias. Pero aqui ademas aparece con las tablas de moises (judia) pero aparece con una lanza
roto (como una mujer derrotada). La sinagoga se gira, pero porque? Se gira hacia afuera o se gira para encontrarse con la
iglesia? El escultor planeo la figura haciendola girar como si estuviera encerrada en una caja helicoidal, dentro de ese
marco estricto, dentro de esa jaula todavia, pero ahora la hace girar, posiblemente hacia afuera. El movimiento no
excede nunca los margenes de esa caja espacial!!! Estos escultores ya piensan en la percepcion en movimiento de la
escultura: los dos planos son de interes (las estatuas columnas se percibian de un
modo unico, pero incluso ahi ha movimiento) pero es sobre todo aqui cuando la
escultura escapa de la columna cuando planean la escultura para ser vista desde
distinto angulos. Se gira para marchar o para reconciliarse con la iglesia?

La sinagoga de estrasburgo tiene otra particularidad: es muy guapa, realmente si

fueran tan antisemitas esculpirian al enemigo tan guapa??? Esto ha llevado ha
cuestionarse i esto es un discurso anti semita o si es un discuros de invitacion a los
judios amigable a la conversion. A pesar de estar en 1125 (En 1215 en el cuarto
concilio de Letran se decidio que los judios llevasen una banda amarilla)...-->>>>>

-Mientras que la iglesia se muestra triunfante con el estandarte y la copa del nuevo
sacrificio. Se presentan como contendientes de un juicicio presidido por salomon.
Esta tematica ya viene de epoca carolingia (viene de una pieza de teatro liturgico de
un juicio entre sinagoga y iglesia, donde gana la iglesia)>> es de aqui de donde viene
la tematica la confrontacion de contienda juridica entre sinagoga vs iglesia. Aqui hay
un discurso anti semita: este discurso antisemita lo encontraremos en el siglo XIII no
solo en Alemania sino tambien en muchos otros paises europeos tambien.

-El pilar de los angeles esta en el interior de la catedral: es enorme y se

representan angeles en la parte superior y en la inferior apostoles. Los angeles
parecen estar suspendidos entra el cielo y la tierra. Se encuentra cerca de la
puerta sur. Los angeles se giran de nuevo, tocando las trompetas del apocalipsis
y las alas despegadas (tiene que ver con el juicio final, en la parte superior esta
Cristo)>> de la justicia terrena en la portada, juicio celestial en el interior. Lo
curioso es como representan a los angeles bajando, como si el pilar fuera una
conexion entre el cielo y la tierra y los angeles bajaran por este pilar a la tierra.

Es lo que llamamos arquitectura inquieta: parece que el edificio permite

moverse desde el cielo hasta la tierra, desde un cielo metafísico hasta la tierra.
Esto indica que la concepcion del edificio es mas compleja de lo que parece: el
techo atravesa el cielo fisico (el mar del cielo) y llega al cielo metafisico en el
que habita dios. De nuevo movimiento, de nuevo los ángeles estan pensados
para ser vistos en movimiento y desde distintos angulos (diversos files
armoniosos).

L.Coro de la Catedral de Naumburgo.

-Pieza mas interesante del arte gotico que fue condenada luego de la 2 guerra mundial por ser alemana. Donde mas y
mejor se conservaban los cierres de coros fue en Alemania aunque se habian dejado de lado. Las iglesias alemanas eran
iglesias con coro oriental y occidental, este es el coro occidental.

El cierre de coro tenia la funcion de limitar el espacio donde se colocaba la comunidad canoniga para realizar los oficios.
Tenia por un lado un altar de la santa Cruz con un crucifijo (donde los laicos podian entre ver un poco el oficio aunque no
podian entrar a la capilla mayor)>> estrategia de ocultacion que recuelda a lo bizantino, aunque despues del conciclio
de letran (del dogma de la transustanciación) se crean los retablos ya que dan vista libre. Pero aqui ocultaban a medias
la transustanciación.

Por otro lado contaban con lo que se llamaba un leedoiro: unos pulpitos muy anchos que incluso podian realizar
reuniones cpaitulares en ellos. En esos pulpitos se predicaba en dos momentos del año: en la navidad y en la pascua.
Estaba decorado con un ciclo de navidad, de hecho normalmentes estes leedoiros estaban decorados con la pasion o el
juicio final> esto ess porque la puerte del color era un lugar de sepultura muy deseado.

Interesa hablar de la portada del cierre del coro: es interesante por la experimentacion de la percepcion en movimiento
y por el caracter transitivo que adquiere la escultura (ahora las esculturas empiezan a mirarnos directamente!!!!).
Cuando uno mira a la portada, Cristo te mira directamente desde el crucifijo: cuando uno entra en el coro siente la
mirada triste de Cristo crucificado (carga emotiva,nueva espiritualidad que pretende acercar a dios y la virgen a los fieles
y laicos mas emocionalmente)> ahora la divinidad nos mira, nos llora, nos sonrie… Estan apelando a las emociones del
espectador, escultura altomediaval caracterizada por una gran tension emocional. Tambien tenemos a ese Juan que de
nuevo nos mira triste directamente.

-En el cierre del pulpito tenemos el relato de la pasion, un relato triste que
ya anunciaba cristo y juan. El cierre se comenzo a comienzos de 1250 y a
raiz del hecho de que se le concediese a Naumburgo el estatuto de
catedral. Era un cierre de coro dedicado con un ciclo de pasion, con ua
imagen muy famosa: la ultima cena en la que en vez de doce apostoles se
colocan seis (no cogian todos). Cristo preside la mesa, le da de comer a
Juan (institucion de la eucaristia qu es cuando cristo dice que se haga eso
en memoria suya a lo largo de los siglos)>> gran caracter volumetrico,
experimentacion espacial incluso con un comensal en espalda, Cristo noss
mira y otro personaje roba un pescado de un cuenco (Judas es el que roba
el pescado, ademas de traidor es un ladron)> Este ciclo es mucho mas anti
semita!!!!! Sobre esta ultima cena se ha hablado mucho: se a comparada al
maestro de Naumburgo con Caravaggio. El maestro representa las figuras
sagradas en actitud pagana, cenando comodamente. Pero estamos en el
siglo XIII, era habitual que se comiese con las manos, era algo habitual
incluso en los palacios, por lo que no es una escena tan campechana, era algo habitual en el siglo XIII, aunque si
sorprende esa busqueda del ilusionismo, de la realidad. Ademas tenia policromia.

-Dentro del coro encontramos una serie de efigies de 8 personajes sobre columnas: los del punto central forman pajas y
destacan los otros dos que estan separados. Estos dos separados son Eckehart y Uta y la pareja son Hermann y Reglindis.

*Eckehart y Uta: son estatuas exentas colocadas en el interior de edificios sobre columnas (ya lo veiamos en la saint
chapel por lo que se dice que posiblemente conociesen la saint chapel, aunque pudo haber otro genero que pudo
contribuir a la aparicion de este genero). El maestro de Naumburgo alcanza logros en expresividad. Dos personajes laicos
del siglo XI estan expuestos exentos en el itnerior de un coro del siglo XIII, son efigies de dos personajes del XI que
fueron los promotores de la antigua iglesia de Naumburgo, que habian sido enterrados en el antiguo coro occidental>>
en realidad son efigies funerarios porque fueron enterrados alli, y se les conmemora. Colocar a estos promotores
contribuia a crear un pasado glorioso, cuando esto era falso, una ilusion. Tenemos a Uta hermosa para ser vista desde
distintos perfiles (de ella sale la madrastra de blancanieves)> segun el angulo Uta parece que tienemedo, frio o incluso
no. Parece que no quieren tanto representar emociones sino construir caracteres: como en el helenismo (igual que con
las estatuas columnas se repetian las cabezas arcaicas). Querian construir caracteres a traves de la fisionima y el cuerpo
de los personajes. Pensados para poder verse desde distintos puntos de vista. El agresivo Eckehart y la friolera Uta.

*Hermann y Reglindis: alegre Reglindis y triste Hermann. Reglindis a diferencia de Uta aparece dulce y alegre (no era la
sonrisa gótica un elemento semantico que tenia que ver con individuos extraordinarios?? parece que en alemania no).
Es esto un retrato moral?? Donde Reglindis tras la muerte va al cielo pero Hermann va al infierno y por eso aparece
enfadado?? Es muy tentador ir a las cronicas locales para ver porque reglindis esta contenta y herman triste-enfadado,
pero esto no se encuentra en lass cronicas. Decian que no es una representacion fiel, sino un semulacro: pero igual esta
conclusión es demasiado reduccionista, nadie se atrevia a comprometerse para explicar sus gestos. Las cronicas no
coinciden, pero igual habia tradiciones orales que los recordaban de otra manera o igual el escultor quería
representarlos asi (igual fue el, el que genero su propia imagen de Reglindis y Hermann con la solucion de la sonrisa
francesa de reims o paris). Lo que persigue el escultor de Naumburgo aun asi es mas que eso: le interesa el movimiento,
la expresividad y la trannsicion (Naumburgo era un cnetro de experimentacio, ocn una personalidad artistica muy
creativa).!!!! Puede ser el que creo su propia imagen creativa de estas parejas, pero puede ser que encierre un relato.
Camino hacia la busqueda del experimetnaicon, del movimiento, de la expresivdad……… Llega hasta:

M. Portada sur del hastial occidental de Estrasburgo. Ultimo tercio del XIII.
--Ciclo de las virgenes prudentes y necias. Movimiento y expresividad grandioso. 6 de las virgenes se dedican a divertirse
por las noches y se le apagan las lamparas, el novio las rechazan. Las otras seis si mantienen la luz encndida y la acepta el
novio. Estas son las virgenes necias!!! Hay mucho movimiento pero todavia no salen de esa jaula imaginaria.

Dos estan tristes pero otra lo pasa bien: una de ellas mira y coquetea con el principe del mundo (que aparece con una
manzana tentando a la virgen). Pero esta virgen no se da cuenta que el principe del mundo esta siendo carcomido desde
atras por serpientes (por eso esta pensado para ser visto desde diferentes puntos). Es una representacion de Eva y ell
infierno que esconde todos los castigos del mundo.

AHORA NOS VAMOS A INGLATERRA. Una inglaterra que se habia resistido al gotico (no
queria lo frances) y hasta mediados del siglo XIII (unicamente Canterbury que sigue lo
frances) no se deciden a lanzarse a lo gotico.
-El gotico radiante que estamos viendo era fácilmente exportable. Ahora en mediados del siglo XIII, con el prestigio de la
corona parisina con San Luis hace que en iglaterra el rey Eduardo III se rinda ante los encantos del gotico radiante
frances.

N.Abadia de Westminster
-Roseton parecido a la catedral de pais. Tiene traceria, glabetes, etc. Pero en el interior usa columnas de marmol negras
para darle siempre el toque ingles y no resistirse de todo a lo frances. Pero todo lo anterior es un vocabulario frances.

-Queda solo una parte de la cripta de la antigua abadia. Pero cuando el rey Eduardo III vuelve de la consagracion de Saint
Chapel y de Saint Denis es cuando reforma toda esta abadia de Westminster.

-En Westmisnter no solo trabajan arquitectos ingleses que aprendieron en francia, sino que llaman a artistas italianos
que trabajaban en pavimentos. Asi en la tumba de Eduardo el confesor tenemos nuevas labores de artistas italianos que
trabajan en pavimentos y hacen una taracea de distintos marmoles complejas. La arquitectura es francesa y los suelos y
la tumba del confesor italianas. Este tipo de suelos se habia e3mpezado a hacer en san pedro del vaticano pero se
extendo por iglesias italianas,llegando a aqui a inglaterra, con ese prestigio que le conferia haber sido iniciada en san
pedro del vaticano. Suelos italianos. Hasta que punto el mateerial puede significar?? Ese marmol veteado significa algo??
El orbe, el material significa algo!!!! En esta monarquia consagrada por dios y sancionada por el papado se coloca este
material con el orbe represe3ntado (hacen referencia al primum movile). Pavimentos italianos

O. Tumba de los caballeros cruzados de la orden del temple. Iglesia

de Temple Church en el centro de londres.
-Se enterraron caballeros templarios. Cuyo cuerpo no descansaba sobre una tumba, se le
depositaba en tierra, por eso las efigies estan representadas en el suelo. Cruzan lsa
piernas y no se sabe bien porque: parece que estan queriendo arrancar a caminar, muerto
con los ojos cerrados.

-Son difuntos pero estan desenvainado la espada, cuando resuciten haran ver a Dios que
lucharon por el. algo tipico del gotico ingles.

P.Dimension multisensorial de una portada

en el gotico inglés. Fachada de la Catedral
de Wells.
-Llama la atencion de esta portada unos huecos donde se
colocaban los niños del coro para cantar> en la fachada
cantaban. Todavia hoy se representa en Pascua se canta
desde este pasaje que está detrás, pareciendo que la
fachada cante. Cuando nos acercamos a la fachada, no
solo la vista sino el oido nos recuerda que estamos
entrando en la jerusalén celestial.
ITALIAAAAAAAAA

A.Capilla Scrovegni, Giotto

-Es dificil identificar a Giotto, ‘Giotto non giotto’. Se ha llegado al consenso porque lo que mas se parece a la capilla
scrovegni se atribuye a Giotto.

-Ciertas cuestiones de Asis parecen aparecer en la capilla Scrovegni.

-La capilla esta abierta y restaurada la pintura. Es una capilla en la que solo hay ventanas en el muro sur y en el muro
occidental solo una ventana triple. Pero con todo parece muy luminosa y sobre todo tremendamente azul, un azul que
brilla.

-Quien encargo la capilla queria algo parecido a Asis, recubierta de frescos. Quien la encargo fue Enrico Scrovegni, un
usurero famoso.

-Se empieza en 1300 y se acaba en 1305 porque en 1304 protestan los vvecinos por el ruido, por lo que realmente en
1305 esta acabada. Ahi Giotto tambien estaba activo, esto, y la similitud con Asis, afirman que fue Giotto.

Parte oriental

Parte occidental (juicio final contrafachada)

-Bandas narrativas en paredes laterales, pero en el frente y en la boveda hay mas cosas. Pintura:

*Pinturas parte superior del muro oriental: en la pintura encastra Giotto un icono. Este proceder no es exclusivo de
Giotto, esta tradicion ya existia en Roma. El que coloque un icono en vez de una imagen pintada, tiene su sentido, lo que
coloca aqui es un icono para representar que a Dios no lo podemos ver (lo unico que podeos ver es una representacion,
a Cristo lo podiamo ver, a Dios no)>>> en otros lugares se usaba la mandorla, pero aqui se suaron iconos para
representar lo mismo. Constituye una escena de la anunciacion, de tal modo que ese Dios icono invisible esta en paralelo
con el huevo de la puerta para amandar la encarnacion (Dios se encarna en Maria)>> ese hueco es el ‘no sabemos como
fue que se encarno maria, como se quedo embarazada’ de ahi el hueco. La anunciacion esta ahi inserta en un relato.

Pero no solo hay narracion, en realidad la capilla abarca un tiempo: primero encarnacion en la parte oriental (cristo llega
a la tierra) y en la parte occidental el final de los tiempo (juicio final en el muro contrafachada occidental).

La narracion es complicada, rompe la linealidad estricta que existia en Asis. Giotto rompe la linealidad de la narracion
como en las vidrieras, para privilegiar un discurso transversal que existe en la capilla. Antes no se llamaba Capilla de
Scrovegni o de la arena sino Santa Maria de la Caridad (un usurero promoviendo un capilla de la caridad). Fertilidad del
amor—infertilidad de la usura

*Transcurso de la narracion: empieza la narracion en los extremos en circular y va circulando en circulos hacia adentro
(quiere contraponer dos imagenes concretas). En el relato se quiere poner en paralelo la vida de la virgen y la vi de cristo
(casi ocupa mas la de la virgen)> la fuente no pueden ser los evangelios canonicos sino en el pseudoevangelio de Mateo
(textos apocrifos, uy usados en la predicacion en lengua vulgar para acercar la religion al pueblo). Este pseudo evangelio
nos cuenta la historia de la inmaculada conccepcion de la virgen: Maria fue concebida sin pecado original. Ponen en
paralelo una concpecion extraordinaria de Cristo con otra concepcion extraordinaria de Maria.

*Primer episodio (55)en adelante: Joaquin es expulsado del templo. Esteril no pudo tener hijos con ana, por eso se
expulsa del templo. Expulsan a Joaquin del templo y se siente muy mal polo que se retira al desierto, donde parece un
angel, para que haga un sacrificio a Dios y le perdone la infertilidad.

Luego le vuelve a aparecer el angel, para decir que ya es fertil. Esa misma noche a Ana le aparece otro angel
anunciandole que va a ser capaz de tener descendencia. Asi se concibe a Maria, con un beso entre Joaquin y Ana, sin
trato carnal, simplemente se besaron delante de la puerta dorada de Jerusalen.

Es un beso fertil, es un beso de amor fertil. Giotto invento el beso occidental, el beso de todo el cine mudo y clasico.
Despues del beso aparece el nacimiento de la virgen, primer baño, infancia (todo igual que cristo) y llegan al momento
en que maria es anunciada (anunciacion de maria).

Luego saltan a la partee medio de la puerta: aparece la visitacion. Vemos que la pintura de Giotto tiene un bulto muy
pronunciado, bastante estatuarias. Maria e Isabel embarazadas y otras dos embarazas> se canta a la caridad y fertilidad.
Maria y Isabel se abrazan, hay amor, ternura y fertilidad.

VS

Justo al otro lado como oposicion a la visitacion, aparece la traicion de Judas recogiendo las treinta monedas con las que
va a traicionar a JEsus. Amarillo y rojo en las vestimentas de ambas escenas, composiciones paralelas para contraponer:
la fertilidad de Maria en oposicion a la infertilidad de la usura (Judas).
En los relatos de la vida de Cristo aparece por ejemplo la entrada a Jerusalen: donde ya no aparece Zaqueo subido al
olivo sino detras: de nuevo referencia al dinero.

Los mercaderes en el templo, de nuevo el dinero. Es un hipócrita el promotor

pues a pesar de ser un usurero condena el dinero!!!!!!

El beso de la traicion de Judas: ejemplo claro de esa condena al dinero,

ademas no solo se condena al dinero sino tambien se condena la
homosexualidad. Vemos que esto es un nocturno, giotto pinta diurnos y
nocturnos!! Judas besa a Jesus en la boca. El dinero es infertil pero la
homosexualidad tambien es infertil, condenando ambas. Hasta entonces se
habia representado el beso en la mejilla pero Giotto pinta un beso en la boca
para condenar la homosexualidad. De nuevo el beso esteril de Judas en
contraposición al beso fértil de Ana y Joaquin.

Imagen de la crucifixion. Llama la atencion el desmayo de maria cuando muere

cristo. Es un dolor emocional pero tambien fisico, porque maria sintio los dolores d
eparto cuando vio a su hijo morir. Es un dolor por amor y al lado aparecen rifandose
la tunica de Cirsto. Oposicion entre el dolor de amor de Maria y el grupo de los
soldados codiciosos rifandose la tunica de Cristo. Giotto incluye escenas que no se
representaban habitualmente. Condena la avaricia de bienes ajenos.

Llanto sobre el cristo muerto: hay una inspiracion directa en sarcofagos romanos!!
Sienten atraccion hacia lo romano. Poderosas figuras de espaldas, con grna capcidad
estatuaria. Tridimensionaliadd y profundidad. Figuras incluso de espaldas. Aqui la
magdalena acaricia el pie de cristo, la irgen se abalanza sobre el cuerpo de Cristo y
lloran los angeles (llanto cosmico). Expresiones de dolor no contenido: aquel decoro
que se mantenia anteriormente ante los llantos de muerte ahora aparecen
desgarradoras. Emocion triunfa en esta espiritualidad.

Contrafachada occidental: Juicio final (lo que nos espera al final de los tiempos). al entrar veiamos al encarnacion y al
salir el juicio final. A la derecha de Cristo estan los bienaventurados y a la izquierda los condenados. Entre los
bienaventurados aparece Enrico Strovegni, ofreciendo a los angeles la capilla (el esta en el cielo por haber hecho esta
capilla, es un usurero que se salva por hacer esta capilla). En el infierno en cambio nos encontramos alusiones a esa
infertilidad del mal y del dinero: sorprende el diablo gordo, casi embarazado. El diablo pare condenados, los come y los
pare> es esa infertilidad del mal. Encontramos incluso otra alusion en el infierno: encontramos a judas suicidado. Judas
esta colgado pero su vientre esta abierto y de el salen tripas, un vientre infertil.
Porque giotto escoge una bóveda de cañon y no de cruceria??? Tiene una explicacion iconografica: parte superior de la
pared occidentall>> dos angeles enrrollando el pergamino del cielo como si fuese un pergamino. El mundo fisico y el
cielo fisico desaparecen en el fin del mundo, por eso se enrrolla como un pergamino. Por esto la boveda es de cañon
porque encajan mucho mejor los angeles asi enrrollando el cielo. En la boveda aparece el cielo muy muy azul, donde
pinta el cielo fisico con sus estrellas y lo que queda de los arcos fajones>> parece una iglesia descapotable que permite
ver el cielo.

El sol y la luna aparecen enrrollados debajo de las estrellas: esto es habitual, porque la luna y el sol estaban por debajo
del cielo de las estrellas fijas segun su vision. Primero aen el cielo y la luna que son enrrolladas y luego caeran las
estrellas fijas>> el cielo metafisico ya se esta desintegrando (lso apostoles ya sueltan sus pergaminos hacia abajo.
Arquitectura inquieta.

También tenemos una arquitectura fingidas (no solos esas bandas que imitaban arcos fajones) tambien finge los famosos
coretti: dos estancias, una nocturna y otra diurna (finge los coreti, esas dos estancias arquitectonicas). No sabemos que
hacen aqui los coretti.