HISTORIA DEL ARTE DEL SIGLO XIX.

16 SEPTIEMBRE 2020

1. TEMA 1. CONCEPTO DE CLASICISMO. El Iluminismo. Las Academias de

Bellas Artes. Del Rococó al Neoclasicismo: el revival clásico.

La historia se ha estudiado desde dos perspectivas. La historia vertical y la historial

horizontal. La historia vertical es por ejemplo la experiencia de cuando vamos a un
museo y pasamos de una sala del trecento a una del cinquecento. Es un modelo que
permite entender de forma sistemática los diferentes procesos artísticos. Por otro lado, la
historia horizontal es algo similar a lo que ocurre cuando visitamos una ciudad en la que
conviven edificios antiguos, con falsos edificios viejos, con falsos modernos y
contemporáneos. Tiene más que ver con una mirada cultural más que cronológica.

Esto no solo ocurre en el siglo 19. Un ejemplo puede ser el baldaquino de Bernini con la
escalera de Borromini.

Lo que se pone en tela de juicio es la propia consideración del estilo artístico. Esa
valoración artística no siempre a unos criterios objetivos y coincidentes en el mismo
punto geográfico.

En 1751 un grupo formado por 160 colaboradores comenzaron a escribir un total de 70

volúmenes de texto y 11 de imágenes (encyclopedie) dirigido por Alembert y Diderot.
Esta obra cuestionaba esa historia vertical para basarse en la razón y abordar aspectos
como la cristiandad, la agricultura… En encyclpedie nace al amparo de un proyecto
mayor que tiene que ver con un cambio de mentalidad. Se busca la transformación de la
sociedad a través de criterios objetivos y de la razón (la ilustración). No se buscaba
criticar las monarquías aunque están se vieron amenazadas.

¿Cómo llego el pensamiento de la Ilustración a la población (teniendo en cuenta que

muchos eran analfabetos(¿)? Principalmente a través de las estampas. Imágenes
(algunas de carácter satírico) que permitían trasladar el pensamiento de la ilustración al
pueblo. En la 2º mitad del siglo 18  transformación lenta pero progresiva del
pensamiento europeo.

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Los artistas de esa 1era mitad del 18 se caracterizaron desde un punto vista estético por
llevar hasta sus ultimas consecuencias las fórmulas artísticas barrocas.

Se da el segundo escalón de lo artistas franceses del momento. Viajarán a España y

participaran en los reales sitios. Hasta 1775 ningún artista español trabajó para la
monarquía.

Se puso la mirada en la antigüedad grecorromana atendiendo de que estas habían

gozado de momentos ejemplares y vieron en estas antigüedades uno de los momentos
culminares de la Historia de la Antigüedad. El mundo clásico sirvió para inspirar a los
artistas de las segunda mitad del 18. Giovanni Piranesi publico le caceri invenzione que
son unas grandes laminas que ilustraban de forma fantástica el universo carcelario.

La relación entre arte y política se convirtió en una constante desde la segunda mitad del
siglo xviii.

La segunda mitad del siglo 18 constituye un momento notable de transformación en

todos lo ordenes (pensamiento, poderes…) que tendría indicaciones directas en el
desarrollo del siglo 19.

21/09/2020

Algunos modelos arquitectónicos, como la fachada de versailles, la sala de los espejos o

la sala de los espejos en el pabellón de caza del siglo 18 se va transformar en un
vocabulario clásico. Llamamos a esto ‘’revival clásico’’, que supone una recuperación
del vocabulario clásico. Se transmitirán las ideas de orden, de rigor, frente a unas
manifestaciones artísticas anteriores cuya concepción era mas frívola y donde
predomina la línea.

Desde esta perspectiva por tanto los arquitectos van a hacer propuestas de edificios
como el edificio de la madeleine en parís, inspirado en un antiguo templo griego,
frontón, columnas orden acanalado y ubicado en un punto urbano de la ciudad de parís.
Se tiene en cuenta en la segunda mitad del siglo 19, con la transformación urbana con
bulevares.

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La producción artiststica llevada a cabo en Paris se va a caracterizar por su enorme
pureza, otros arquitectos se inspiran en los modelos parisinos. como nocolini en el teatro
de la opera de san carlo en napoles, en la medida en que las propuestas se alejan del
centro neuralgico de parís, se advierte una mayor licencia en el vocabulario
arquitectónico. se utilizan elementos como el sillar a la rustica y dovelas acoradas y un
frontal en el primer piso que no guarda las proporciones con el piso inferior.

Hay una mirada hacia al pasado y una utilización del lenguaje clásico pero hay menor
rigor o pureza que en Paris. En este momento de inicios del S.19 algunos arquitectos
llegaran a hacer propuestas de lo que se ha llamado arquitectura utópica. Como el
monumento a Newton propuesto por Boullé, se trata de una esfera gigante que intenta
recoger el pensamiento del científico. estos proyectos en parte tuvieron que ver con el
socialismo utópico, ya que la principal razón de esta utopía radicaba en el hecho de que
en el momento que se planteaban los edificios no había suficiente tecnología para
llevarlos a cabo. cuando se empieza a construir en hormigón esas dificultades técnicas
hubieran sido solventadas. 

En el campo de la pintura ese ‘’revival clásico’’ del que hablamos tendrá un artista
principal responsable de la renovación de ese lenguaje. Hablamos de Jacques Louis
David. LA PINTURA DEBÍA DE SER EJEMPLAR, ESA EJEMPLARIDAD SE
MUESTRA en el uso formal, la reducción cromática, en la utilización de la luz natural y

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todos los elementos se observan en la principal obra representativa (El Juramento de los
Hracios Museo del Louvre) que es el ordenamiento de los espacios. columnas de fuste
liso de orden dórico.

En La Muerte de Marat se refleja la

tendencia del momento. En la parte derecha en la mano lleva su arma , la pluma de
escribir, se trata de una representación de una muerte neoclásica, luz para las zonas de
vida, la sombra para las de muerte. Mas de la mitad del lienzo es de color negro. En la
medida que el taller de David no seguía las directrices del maestro la pintura no seguía
las ideas clasicistas.

Otra obra es la Visita de Napoleón a los apestados en Jaffa.

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Recrea un espacio de forma ideal, reconvirtiendo un claustro de forma árabe, en una
arquitectura que se asemeja a la pintura gótica, esto proporciona un ambiente ideal y
contrasta con la actitud de napoleón representado como un héroe al acercarse a un grupo
de apestados y frente al gesto de uno de sus coroneles, se tapa la nariz con un pañuelo,
para no oler a los apestados, y napoleón toca con su mano a uno de estos enfermos. Este
es un ejemplo de pintura propagandística que intenta trasmitir el perfil humano del
emperador. Se trata de una buena síntesis que se aleja del esquema de David que se
acerca a las soluciones propias de la pintura romántica

DE LA COLECCIÓN AL MUSEO.

Desde el siglo XV se puede hablar de que en buena parte de Europa se había dado un
numero de colecciones cuyos objetos provienen de la naturaleza. Esto se desarrolla
hasta el siglo 18. Minerales, crustáceos, animales, forman parte del atractivo de las
colecciones vinculadas a las expediciones ultramar, que desde el siglo 16, descubren
nuevos universos. Esa reunión de objetos de distinta naturaleza eran reunidos en
gabinetes de curiosidades apreciándose especialmente los animales más exóticos como
el cocodrilo, en el gabinete del profesor Fernando. En la colecciona del patriarca en
valencia vienen con una colección de objetos raros procedentes de napoles, como
huevos de avestruz. En la iglesia del patriarca se pueden observar elementos como un
cocodrilo de esta expedición, se creía que auyentaba los malos espíritus. como en
culturas anteriores. se colocaban en puentes que daban a los exteriores de las ciudades,
como es el caso de valencia. Las figuras religiosas, o por ejemplo los leones del
congreso de los diputados. todo esto condujo a un gran interés por las bellas artes. sobre
todo a partir del siglo 17, lo refleja bien d TENIERS, EN SU GALERÍA. se trata de una
serie de ?, en la ue se concentran grandes colecciones de cuadros. en la actualidad
todavia hay museos que reflejan el interes del siglo 16-17 donde hay crustaceos y
animales como en un museo que existe en argelia.

En el siglo 18 el interes de difundir el conocimiento fue el que catapulto o contribuyo a

que vieran la luz las colecciones privadas, como las colecciones de la iglesia clemente
12 habrira al publico colecciones en el museo del campoidoglio, luego clemente abre el

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museo pioclemtino. francia sigue el modelo italiano en 1750 luis 15 abre el palacio de
luxemburgo que contiene grandes colecciones, museo, en 1793 se abre el museo del
louvre al público.

En un primer momento quienes tenian interés en acceder a los museos eran los artistas

En el prado se conservan los listados de la gente que estaba interesada en hacer visitas
para copiar obras, esta informacion es de gran relevancia. Se recomienda que se
combine luz artificial y natural para los museos. en inglaterra un coleccionista de
elementos de historia natural hizo donación de una coleccion de historia natural al
british museum, en 1816 consiguen parte de las esculturas del partenon por parte de lord
eihbin ??

TEMA 2. EL ‘’GRAND TOUR.”. El descubrimiento de la Antigüedad: Pompeya y

Herculano.; Grecia y Roma.; Winckelmann y Piranesi. El descubrimiento de la
naturaleza: el Vesubio. La teoría romántica.
EL GRAN TOUR, POMPEYA Y EL VESUBIO.
En 1670, se acuña el término grand tour se refería al proceso que se instala en la
sociedad europea en el que los jovenes noveles fundamentalmente del norte de
europa,era casi un proceso ideatico, que cosnsistia en realizar un viaje cuya duración se
estimaba entre 8 meses y 8 años. Generalemnete iban acompañados de un tutor que les
guiaba. se dirigieron a venecia florencia roma y napoles. La finalidad de este viaje
era mirar ver estudiar y comprar. se interesaron por las ruinas que haban aflorado en las
ciudades italianas como las excavaciones, siempre que pudieron se compraron
originales procedentes de estas excavaciones y cuando no, se generaron copias. Gran
parte de los palacios se llenaron de originales y copias de la sociedad. Todo genero un
gsuto e interes de la antiguedad grecoromana que se afinzo de la priemra mitad del 18 y
parte del19. ese gran tour tuvo un reflejo en las estampas en los grabados que sirvieron
para difundir las antiguedades entre los nobles eurpeos.

Habia tres lugares en el sur de italia que fueron redescubiertso en 1711, se redescubre
Herculano, 1748 pompeya, despues paestum. pompeya y herculano sufrieron la
erupcion del vesubio los dias 26 y 27 de agosto del año d.c pompeya quedo oculta por
17 m de lava y herculano por 34, fue un proceso muy rápido. todo acompañado de gases
tóxicos mucho humo. el descubrimiento de pompeya y erculano fue decisivo en el

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futuro de la historia, se tuvo conocimiento científico de como era la vida cotidiana. el
conocimiento d ela antiguedad era completamente distinto y diferente del que hasta al
momento se había tenido. las casas estavan decoradas con el rojo pompeyano, en 2013,
en un congreso internacional de restauración se tuvo eo conocimiento de que se tratava
de un color ocre que cambio de tonalidad por los gases del volcan. ademas de las
pinturas se localizaron miles de objetos que dabn luz a la vida cuotidiana como  vasos.
todo esto sirvio para que las reales fabricas del siglo 18 tomasen inspiracion de estos
objetos. en españa se creo la real fabrica de tapices, la de cristal o la de cermica.  las
guirnaldas y los colores ytienen una gran influencia de los yacimientos del sur de italia.
esto tambien se imita en francia, inglaterra e italia.

-Piranesi a mediados del siglo 18 reliza una serie de estampas en las que elevaba a la
categoria de objeto artistico la ruina, idea romantica, los restos de las ciudades.

Crea las carceri de invenccione traforma las ruinas romanas en calabozos romanticos
que no conducen a ningun sitio, estos grabados, ejercieron una enorme influencia en el
romanticismo del siglo XIX, jugando un papel importante en el siglo 19 esto influyeen
dali y otros artistas. Tambien influyo en cien como las escaleras de la buiblioteca del
nombre de la rosa, las prisiones de la isla de???? en el tratado de las sombras, o en el
laberinto de metropolis de nosequien. son ejemplos del repertorio de imagenes de la
cultura visual en la que la obra de Giovani piranesi influye.

La cosntruccion de un idea la clasicista en el que predomino la idea de winckelman que

lo definia como la enorme simlicidad y la extraordinaria grandeza, formaron parte del
ideal clasico que impero en europa a finales del 18y principios del19. Un ideal que
convivio en el tiempo con los principios del romanticismo, que huian de un presente
ingrato huian de un modelo de vida impuesto por la revolucion industrail. esta huida
llevo en el espacio a oriente y en el tiempo a los momentos gloriosos del pasado.

Esa huida del presente fue la busqueda de momentos gloriosos del pasado.

23/09/2020

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TEMA 3. ARQUITECTURA NEOCLÁSICA Y ROMÁNTICA en Francia, Italia, Alemania,
Inglaterra, Estados Unidos y España-

Claude Nicolas Ledoux, ‘’Barrière de la Vilette, París’’

De forma sencilla y se hace una mirada hacia el pasado. Ledoux consiguio un conjunto
de 48 edificios exactamente iguales con planta de cruz griega, conjunto del que se
conserva solo un edificio, esta barriere que, junto con las otra se situaba a las afueras de
paris y era el primer edificio que cualquier visitante advertia cuando se aproximaba a la
capital. La barriere fue altamente impopular el uso que tuvo fue para recaudar impuestos
de consumo, impuesto que se cargaba sobre el alcohol y el tabaco. Ledoux utiliza
referencias al mundo antiguo en la planta baja lo concibe con 4 porticos, de columnas
toscanas imples y sin basa sobre las que se superpone una terraza porticada que repite el
modelo serliano de arco sobre dintel y se remata con ventanas cuadradas y un friso
contiguo que alberga triglifos y metopas

La idea de Ledoux era trasladar una solidez a partir de formas simples que ponian en
relación la forma con la funcion del edificio. El centro de la planta contaba con una
cupula de luz natural par iluminar la estancia.

Ledoux destaco por unos proyectos utopicos que no fueron bien entendido en su tiempo
como la casa de jardineros concebida como una gran esfera a traves de 4 puntos se
podia tener un contrrol o supervisar la naturaleza o la casa del vigilante del rio fue
ideada a modo de desague en el que el prropio rio atravesaba la casa

A partir del siglo 17 hubo una corriente de pensamiento que afianzo la obsesion por la
naturaleza, la corriente perduro hasta mediados del 19 la naturaleza a estado muy
peresente en el imaginario pictorico.

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28/09/2020

Formulas arquitectónicas que se fueron consolidando. Arquitectos como Boullee,

hicieron planteamientos de planos utópicos, sin embargo durante el periodo
comprendido en el ultimo tercio del siglo 18 se llevaron a cabo numerosas
construcciones que estuvieron vinculadas con un proceso político y que se
caracterizaron siguiendo ese espíritu de la razón, por la intención de educar, de difundir
los conocimientos. Poco después de que la revolución fuese sucedida por el imperio, las
características arquitectónicas cambiaron. Las manifestaciones arquitectónicas de este
periodo estuvieron muy influenciadas por el imperio y la voluntad del emperador. La
hermana de napoleón fue la encargada de gestionar la escultura que procedía de carrara.
Hablamos de que fue ella quien dirigió la política escultórica llegando a producirse mas
de 500 bustos del emperador. En cuanto a signos de poder, la escultura o la pintura,
carecieron de la importancia de los grandes conjuntos arquitectonicos, el impacto de
edificios levantados en el imperio por la familia bonaparte, tuvieron una mayor
incidencia en la consecuecion d ellos objetivos que perseguian. Afianzaron el papel del
emperador en el imperio. Edificios que se levantaron con meritos innegables, fria
decision de las lineas, delicadeza en los detalles, contraste de texturas, y sobre todo por
una opulencia simple y una elegancia llena de soltura. Se alejaban de ese sentido inicial
de pureza, y en ocasiones quedaron en meros ejercicios de una decoracion superficial,
sinc onseguir llevar hasta sus ultimas consecuencias el principio racional que en su
origen las habia inspirado. El neoclasicismo busca la exaltacion de las virtudes
hogareñas, busca transmitir la idea de ejemplaridad, la incorruptibilidad, el sacrificio y
el heroismo patriotico. Hay que dejar claro que la influencia de la arquitectura imperial,
fue interpretada de forma desigual. Por ejemplo en francia la arquitectura construida de
este momento se interpretó como una autoafirmación democrática frente a las

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construcciones del antiguo régimen. Se vio el vocabulario arqitectonico como renovador
y revolucionario. Se identifico como un arte puramente francés. Esas construcciones sin
embargo fueron vistas por el resto de europa como un arte anti francés. En inglaterra en
este momento hay un especie de ‘’revival’’ de iñigo jones. En italia por ejemplo el
neoclasicismo tendrá unas connotaciones nacionalistas de vulta al pasado propio. Esta
autoafirmacion tiene unas raices de oposicion a la cultura católica y más concretamente
a la cultura jesuitica. Estamos ante una contiunidad de un vocabulario arquitectonico
clasico con distintas referencias al mundo griego, romano, que fue interpretado de forma
distinta por los diferentes paises.

Luis XV construir un edificio sobre una antigua iglesia, la iglesia de santa genoveva y
sobre es abase construir el ‘’Panteón de los hombre ilustres’’ y en 1758 se tuvo que
recurrir a la celebracion de unos juegos para poder financiar y concluir la constrccion de
dicho panteon. Hubieron mas problemas, en 1778 se produjeron movimientos sismicos,
que determinaron la necesidad de realizar una construccion muy bien afianzada en la
cual se unio los principios arquitectonicos y los principios de ingenieria.

PANTEON DE LOS HOMBRES ILUSTRES. (portico inspirado en el panteon, cupula

de san pablo…)

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El edificio esta construido sobre una planta de cruz latina y pese a esa ordenacion
estilistica que hemos visto en la fachada, el interior es más ecleptico, que el exterior,
todos los elementos son totalmente clásicos, romanos pero hay un elemento que no lo es
y es de origen medieval (gotico) y este es la concepcion del espacio. Hay una
concepcion espacial gotica elaborada con elementos formales clasicos. Esto se ve
principalemente en la luz cenital que procede de las vidrieras. El otro rasgo destacable
es que si hasta el siglo 19 la arquitectura se caracterizaba por ser eminentemente
experimental, en esta obra (panteon de hombres ilustres) el sistema empleado es
matematico, especialmente para la construccion de los tirantes. En 1816 y 1826 se lleva
a cabo la construccion de la capilla expiatoria, la absolucion de los pecados tenía como
finalidad por una parte construir un edificio a la memoria de luis xvi y maria antonieta,
y absolver del pecado la destruccion de todos los elementos religiosos de la revolucion.
Hay una clara referencia al mundo clasico, concretamente a la antigua roma, aunque no
tienen la claridad expresiva del panteón. El espacio es clásico pero dramatizado por
haberse inspirado en los grabados de piranessi. Fue concebido como una necropolis
grecorromana sobre una planta de cruz griega dividida por tres brazo y un abside y en el
centro una cupula que descansa sobre pechinas. Los principales rasgos de esta
construccion son el rigor en el uso de los volumenes y la simplicidad de la planta. Los
arquitectos se enfrentaron a otros retos más específicos y sobre los que no habia
precedentes, es decir a la urbanizacion de las calles, de viviendas particulares. Eso
desperto una capacidad creativa por parte de los arquitectos, ya que en eso no tenían
referentes alguno respecto a la urbanizacion de las calles, por tanto lo arquitectos tiraron
de imaginación, sin buscar nignuna relacion con el pasado. Crearon unos grandes
soportales que permitian el transito de los ciudadanos. Estos estaban dibujados por una
hilera de arcos de medio punto sobre los cuales se distribuian los tres pisos con tres
tipos de ventana de distinto tamaño que tenian la finalidad de distinguir a los grupos
sociales que allí habitaban. El primer piso un entablamento que descansa sobre
modillones con un balcón corrido.

Altorelieve de refleja el jucio final???????? por lemaire. Templo periptero octastilo de

orden corintio, de inspiracion grecorromana, exterior, que contrasta con el instrados, un

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espacio totalmente barroco. Desde el punto de vista urbanistica, la Madelaine se ubica
proxima a la plaza de la concordia unos de los principales ejes urbanisticos de parís.

El Arco de Triunfo se ubica en la place de l’etoile (plaza de la estrella) al final de los 2

km y 200 m de los campos eliseos, en un punto neurálgico de la ciudad de parís, que
cuando fue construida separaba la ciudad de paris de la vecina ciudad de neully
(actualmente es un barrio). Fue concebido a imagen del arco de tito en roma. 50 metros
de alto por 45 de ancho y es un claro ejemplo de la arquitectura imperial de carácter
propagandístico. Encargada por napoleon. En las jambas cuenta con cuatro grandes
autorrelieve que represetnan el triunfo de 1810, la resistencia de 1814, la paz de 1815 y
la marsellesa de 1792. afan por representar las victorias de napoleon. En el intradós del
arco aparecen nombres de personajes que participaron en la revolucion y principalmente
558 nombres de generales franceses. Por tanto el arco de triunfo es uno de los pples
emblemas de la arquitectura imperial en la medida que cumple con los principales
rasgos propagandísticos.

Otra de las construcciones relevantes de este periodo, llevada a cabo tres años despues
es el Arco Carrusel. (1809). Este se inspira en dos arcos, el de Septimio Severo y el de
Constantino. Conmemora las victorias militares, abundando sobre la misma idea del
arco de triunfo de charles ?. Consta de 8 columnas de marmol rosa, 4 a un lado y 4 en el
lado opuesto, que procedian del antiguo castillo de l’ille de france. Se toma
directamente de un edificio de la antigüedad. El arco tiene tres ojos y esta perfectamente
proporcionado. El remate de la construccion es una copia en bronce de la cuadriga de la
Catedral de San Marcos.

La arquitectura imperial tuvo su eco mas alla de la propia ciudad de paris, eso se puede
observar en la intervencion en Napoles, donde se construyo el teatro de la Opera de San
Carlo.

30/04/2020

Otro de los grandes arquitectos ingleses fue John Nash. Este fue el arquitecto
encargado de desarrollar el urbanismo de Londres en dos de los principales momentos
históricos durante la regencia entre 1811 y 1820 y durante el reinado de Jorge IV entre

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1820 y 1830. Durante todos los primeros treinta años del siglo 19, John Nash trabajó en
muchas ocasiones por encargo del propio monarca incluso cuando recibió el encargo de
hacer el Pabellón Real de Brighton (1815-1822), hasta entonces príncipe jorge iv.

Este periodo, el de la regencia y el de reinado de jorge iv, contribuyó a consolidar dos

estilos (estilo regencia y georgiano), que perduran hasta la actualidad. Son dos estilos
que se identifica con la tradición inglesa. En el Pabellón, John Nash se toma unas
licencias en utilizar todas las posibilidades de vocabulario arquitectónico y hace una
fantasía inspirada en el taj mahal. Ademas fue el encargado de acometer parte de la
reforma del Buckingham Palace. También se le debe la construcción de esa puerta de
entrada al palacio de Buckingham conocido como marvel arc? A lo largo de toda su
vida, se deben a el las grandes reformas y proyectos que se llevaron a cabo en la ciudad
de Londres. No todos los edificios están firmados por John Nash pero de alguna forma,
el estilo y la marca de los edificios construidos por Nash, fueron imitados y copiados
por el resto de los arquitectos. Todo este estilo se conoce como estilo ‘’regencia’’,
mirada a la antigüedad y recuperación de determinados elementos clásicos. El estilo
regencia por otra parte coincido con el estilo ‘’biedermeier’’ que se dio en Alemania y
en Austria. Hay coincidencias estilísticas, que parten de una mirada hacia la antigüedad.
Ademas de el Pabellón real de Brighton, la reforma de Buckingham, John Nash fue el
impulsor de un nuevo modelo de vivienda urbana, que se conoció como Cumberland.
En total fueron 31 casas, originalmente fueron reconstruidos en los años 60 del siglo
XX. El bloque central se caracteriza por esa fachada rematada por un frontón
escultórico y dominada por una potente ?. Hasta este momento las viviendas mas

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habituales es lo que se conoce como Detached House, que eran vivienda aisladas tipo
‘’chalet’’ y frente a eso John Nash platea lo que hizo en cumberland (semi detached
house). Las características de Cumberland Terrace es que rodeaban ?????????? La
importancia de NASH EN EL URBANISMO Y EN LA ARQUITECTURA INGLESA
FUE ESENCIAL EN LA TRANSFORMACIÓN DE LA CIUDAD DE LONDRES.

El tercer arquitecto ingles de este periodo fue John Soane. La principal diferencia con
los demás, es que este viajo a Italia, realizo el Grand Tour y visito Roma y Sicilia. El
conocimiento de la antigüedad y la observación directa de las ruinas y de los edificios
antiguos por parte de Soane iban a influir decisivamente en su trayectoria y en las obras
que planteó. De toda su producción, el mas relevante fue el Banco de Inglaterra. Su
intervención la realizo sobre un edificio preexistente y amplio la base original del
banco. El resultado se ha tomado como referente del ‘’classic revival’’. 7 habitaciones
donde repetía el mismo esquema. Gran sala rectangular y en el centro una linterna
sostenida por pilares y pechinas. La luz natural penetraba a través de las ventanas que
estaban embarcadas por hierros.

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Las paredes y bóvedas eran de ladrillo. Pechinas sostenidas por pilares. Para la fachada
se inspiro en el Templo de Vesta en Tívoli, que personalmente había visitado y
admirado. Desde que intervino Soane en el banco de Inglaterra hasta la actualidad, ha
sufrido numerosas modificaciones. Solamente el cuerpo inferior se conserva de acuerdo
al proyecto original. El estilo de este arquitecto se caracteriza por la preocupación
funcional por la distribución racional del espacio, por el sentido de elegancia
arquitectónica, basada en la claridad de lineas y en la moderación de ornamentos. En
síntesis la arquitectura se caracteriza por la elegancia lineal, simplicidad compositiva,
por la desornamentacion, por el equilibrio de masas, y por el afinado uso de las
proporciones.

Thomas Jefferson es conocido por tres razones, fundamentalmente. Por haber sido el
tercer presidente de EEUU, haber sido gobernador de Virginia y ser el autor de la
declaración de independencia. Pero la verdadera vocacion de Thomas fue la arquitectura
y como arquitecto vivió durante bastante tiempo en Europa, en calidad de embajador,
concretamente en parís, lo que le permitió tener una proximidad y un conocimiento
directo de los nuevos ejemplos constructivos que se llevaron a cabo tanto durante la
revolución como durante el imperio. Fue una arquitecto familiarizado con el arte griego,
la arquitectura renacentista y con los nuevos ejemplos de arquitectura clasicista. Entre
los espacios mas destacados, son el Capitolio en Virginia, obra que realizo durante la
primera década del siglo 19 y que para la cual se inspiró en la Maison Carrée de Nimes.
Sustituyó el orden corintio de la masion carrée por el orden jónico. También, Thomas
Jefferson fue el encargado de diseñar el trazado urbano de Washington y de llegar a
construirse su propia casa en Monticcello. La casa de Jefferson en Virginia sufrió
numerosas intervenciones. Influencia que ejerció Jefferson en la arquitectura americana
del siglo XIX, una arquitectura teñida de un interés por el mundo clásico, el lenguaje
clásico, arquitectura cuya influencia se advierte hasta hoy en día. Columnas de orden
dórico, donde hace un ejercicio del uso de los ordenes. El edificio sufrió modificaciones
a lo largo de 40 años. Su interés no radicó tanto en hacer una utilización literal del
vocabulario clásico, no quiso trasladar el modelo académico clásico, sino que entendía
la arquitectura como una adecuación de ese vocabulario a las necesidades de su tiempo,

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por ello tanto la planta de la casa de Jefferson, como la fachada estuvieron influenciada
por las viviendas de nuevas construcción que Jefferson conoció en París. Sus objetivos
fueron fundamentalmente mejorar el gusto, aumentar la reputación arquitectónica para
conseguir el respeto y la alabanza del mundo. Buscaba situar la arquitectura americana
en un lugar destacado, dignificar la arquitectura de los estados unidos y esa intención es
lo que se conoce como ‘’federal style’’.

CAPITOLIO DE VIRGINIA

CASA DE THOMAS JEFFERSON

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05/10/2020

TEMA 4. DE LA TRADICIÓN BARROCA A LAS NUEVAS TENDENCIAS

ESCULTÓRICAS. Antonio Cánova y Berter Thordvalsen.

ESCULTURA.

El que se ha considerado el primer historiador del arte, Winckelmann, ya había

manifestado su admiración por el arte griego. Esa admiraciones e concretaba en la
definición en lo que el arte griego significaba para Winckelmann, la noble simplicidad y
la serena grandeza. Esa admiración por la cultura griega no fue unánime para todos sus
contemporáneos. Quienes destacaron, quienes pusieron en valor como el rango mas
relevante de su tiempo zeitgeist… esto quiere decir el espíritu de sus tiempos. En el
campo escultórico como en la pintura va a tener un reflejo directo los cambios sociales
que experimentó la sociedad europea de finales del siglo 18 y finales del 19. Hasta este
momento los artistas, se sentían favorecidos si contaban con el apoyo de un mecenas.
Los grandes mecenas fueron la iglesia, la monarquía y la aristocracia. Sin embargo,
razones históricas determinaron un cambio muy importante en la influencia de estos tres
mecenas. Con la revolución francesa comenzó a cuestionarse la institución monárquica,
la iglesia en el siglo 19 pasó por sus peores momentos históricos sufriendo, en España
por ejemplo, la expulsión de los jesuitas o en los años 30 la desamortización de
Mendizabal. Dos hechos que apuntan la perdida de valor de esta institución. Al igual
que con la monarquía o la iglesia, la aristocracia comenzó a decrecer en el peso de su
importancia. Todo este preambulo explica que los artistas se vieron obligados a
modificar las pautas que se habían instalado en relación a la comercialización de sus
obras. En el caso de la pintura ya no dispusieron del apoyo de los grandes mecenas y en
consecuencia tuvieron que comenzar a exhibir sus obras en las exposiciones anuales que
en Francia se denominaron ‘’salones’’, en España las ‘’nacionales’’, y en las que
aquellas obras de aquellos artistas que eran premiados, reconocidos, contaban con el
interés por parte del público, por esa clase social pujante (burguesia) que guiada por la

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critica y por el reconocimiento de los jurados de estas exposiciones se interesaba por
esos artistas. La pintura de historia se convirtio en uno de los principales reclamos de las
exposiciones anuales. Los pintores tuvieron que buscarse formulas imaginativas para
comercializar sus obras. La escultura tiene un camino distinto al de la pintura,
principalmente porque la exigencia económica de mostrar una pieza acabada, en los dos
principales materiales nobles era inviable por dos razones: la primera, por el coste que
tenía trabajar una pieza definitiva en una materiales (mármol o bronce) sin tener las
garantías de que esa obra se iba a vender. La segunda era el peso. Hasta la revolución
francesa, los escultores en Francia, exhibían sus piezas en el primer piso del palacio de
Luxemburgo y en el museo del Louvre, pero las esculturas tenían un peso desmedido
para exhibirse en la primera planta de estos edificios. Consecuentemente los escultores
tuvieron que cambiar la estrategia para mostrar sus obras de manera que los futuros
clientes pudieran conocerlas y que eso implicase una perdida económica. La solución la
encontraron en mostrar las obras en escayola. El yeso se aproximaba al resultado final
de los conjuntos escultóricos de la antigüedad. Fue en este material como presentaron
las obras publicamente y cuando eran del agrado de un cliente este formalizaba el
encargo y decidía en que material quería la pieza definitiva. Trabajan una idea en arcilla
y ese modelo en arcilla, lo realizaban a pequeña escala y cuando veían que respondía a
sus expectativas, entonces trasladaban a escala esa obra en arcilla a yeso. Se usaron
materiales mas baratos como el vaciado en zinc o la técnica de la ¿¿galbanoplastia ??
que consistía en aplicar sobre un cuerpo solido metales líquidos con ayudas de
corrientes eléctricas.

En la segunda mitad del siglo 18, en Francia, continuaron perviviendo la corriente

escultorica rococo.. en un proceso lento los artistas se fueron transformando de acuerdo
con el pensamiento ilustrado. Buen ejemplo es la figura de Jean Baptiste Pigalle,
Voltaire desnudo en el Museo Louvre. Pigalle tuvo la idea de presetnar a voltaire
desnudo con la intecion de asemjarlo al filosofo Séneca. La desnudez era simbolo de
divinizacion en la antigua roma. Ese realismo tan descarnado fue lo que restó clasicismo
con las esculturas clásicas. El propio voltaire no quedo contento con el resultado final.
El principal reto al que se enfrentaron los escultores fue el de realizar clasicos
modernos.

18
Otros de los escultores que trabajron en francia fue Falconet, fue el encargado de dirigir
la fabrica de porcelana de Sevres entre los años 1757 y 1766. quizás por ello se inspiró
en soluciones formales inspiradas en temas amables, angeles, amorcillos, propios, de la
pintura francesa rococó. El resultado es por ejemplo el Cupido de Falconet, propio de
una tecncina como era la porcelana. Lo cierto es que falconet, alcanzó una importante
fama hasta el extremo que diderot lo recomendó a catalina ii de rusia, quien en 1766 le
encargó realizar la estatua monumental de pedro el grande. Obra realizada en bronce
y esquisto de Finlandia. Le dedico 12 años a la elaboración de este proyecto
monumental y se inauguró en 1782 ubicado en la plaza del senado de San Petesburgo,
frente al rio neva? y al lado de la catedral de san isaac. Es conocida la escultura como el
‘’jinete de bronce’’ y fue un alarde de ingenieria trasladar la base del monumento ??? la
representacion ecuestre tiene una clara deuda con el luis xiv de bernini, son mas las
diferencias que las semejanzas. Pedro el grande monta a caballo, en corveta, creando
una diagonal y a diferencia de la escultura de bernini, falconet presicindio de una
indumntaria rizada y al viento de ese modelo ampuloso y expansivo, propio del barroco
de manera que equilibra los volumenes para proyectar la imagen de un gobernante
ilustrado mas que la de un monarca absoluto. Por ello hay detalles que no se pueden

19
obviar como es el que realiza la escultura de pedro el grande montado si estribos, en
aras de hacer una guiño hacia las esculturas antiguas. Hay un estudio historico de la
escultura romana aplicada a la nueva mentalidad ilustrada, pero ademas, faclonet tuvo
en cuenta el basamento para enfatizar la actiud y la pose del monarca.

Jean Antoine Houdon se intereso en ??????? técnica del écorché, que consistía en el
analisis. Houdon participo en ese entusiamo, por honrar la memoria de los pensadores
ilustrados, como era el caso de Voltaire. Para esta escultura posó el propio pensador y lo
hizo semanas antes de morir. La obra fue aclamada por la critica. A Voltaire se le
represento 4 maneras distintias, peluca, calvo y con ropa romana. Calvo y sin ropa o
sentado y a tamaño natural. Nadie habíaa encargado esta estatua pero el éxito de la
critica propicio que la comedie francesa la adquiriera. Representa a voltaire sentado
heroizado envuelto en toga romana e incluso el esculsor le puso algo de pelo para
justificar la banda clasica en su cabeza. A diferencia del voltaire desnido de pigalle, este
es su correlato moderno. Houdon intento reproducir a un hombre corriente ajustandolo a
la realidad para que sirva de modelo. El realismo se busca para explicar y dar a conocer
a un ciudadano ejemplar.

20
Por otro lado al mismo escultor se le encargo la representacion de diana cazadora. La
figra de diana es una diosa romana que tiene su equivalente en la cultura griega y que se
caracteriza por ser la perpetua virginidad, diosa de la luna, emblema de la castidad, y
reina de los bosques. Así entendemos que los atributos de diana son el arco, el ? Y la
flecha. Y sobre su cabeza la media luna. Diana es una prefigura de la virgen. Juego de
formas y de direcciones que marcan el rostro de diana girado tres cuartos a la derecha y
las piernas ligeramente inclinadas. La obra fue concluida en ? Y como la mayor parte de
las obras escultoricas de este tiempo se presentaban con un pulido encerado.

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Pero con todo el gran escultor fue Antonio Canova, nacido en venecia con una
formacion mas tardo barroca – rococo, pero que tras su estancia en roma , cambió para
convertirse en el escultor más representativo del clasicismo. Además a diferencia de sus
contemporaneos, antonio canova contó con la suerte de recibir encargos oficiales de
acuerdo con las formulas del mecenazgo del pasado. En 17?? la iglesia le encargo la
tumba del papa clemente xiv para la iglesia de los santos apostoles en roma. Antonio
canova estuvo trabajando en este conjunto. Trató de corregir el monumento papal
barroco. El drama de la muerte vencida por la eternidad ha dado paso a un concepto de
la muerte representada como una calma temporal, dominada por los volumenes de las
dos figuras alegoricas ubicadas de forma asimétrica una de perfil y otra de frente. No
solo están fisicamente separadas, sino que ambas parecen ignorarse entre si, estas
figuras infunden a la obra la noble sencillez y la serena grandeza de la que hablaba
winckelmann. Es muy problable que David, cuando realizo el juramento de los horacios
hubiera visto las maquetas del monumento de clemente xiv. Hay una notable similitud

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entre la digura de la humildad de canova y una de las hermanas de los horacios que
aparece a la derecha del juramento. Tambien realizó la tumba del papa clemente XIII .
Composicion piramidal con alegoria de la religion y a su derecha un joven efebo
apagando una antorcha y en actitud durmiente. Ese genio alado, se encuentran
acompañados de sendos leones. La presencia de esos dos animales a las puertas del
tumulo funerario tiene ese carácter profilactico de ahuyentar los malos espiritus. Con
todo los mas significativo, es la figura de ese genio alado que representaba a la muerte,
algo completamente alejado de los esqueletos barrocos en los que se rememoraba la
muerte en el siglo 17. Lessing había descrito las figuras de la muerte: un ángel. Es más
tranquilo que lo que se representaba. Goette escribió que la muerte y el sueño son dos
actitudes tan próximas que parecen hermanos con resultados diferentes. A menudo se
confunden. Schlegel, cuando escribió los Dioses de Grecia, describe la muerte como un
beso que quitaba el último aliento. Lo importante es que Canova se hizo eco del
pensamiento de su tiempo para construir un modelo iconográfico nuevo y diferente a la
que se había mostrado hasta entonces en el concepto de la muerte realizada en espacios
y para figuras religiosas. Esa consideración y transformación de la muerte en los
primeros encargos oficiales a Antonio Canova, fue un acierto y determinaron buena
parte del éxito de su carrera.

07/10/2020

Antonio Canova se enfrento a proyectos escultóricos de una notable complejidad, este

es el caso de el grupo formado por Hércules y Licas, grupo que realizo en yeso en
1796. para transformarla en mármol en 1815. Sin duda es una obra en la que conviene
conocer las características del tema tratado para comprender exactamente la importancia
del resultado obtenido por el escultor. Se trata de un momento culmen en la biografía de
Hércules. Hércules acompañado de su esposa, se ven en la obligación de cruzar un rio y
ante esa contrariedad se ofrece el centauro a ayudar a la mujer de hércules, sin embargo
no eran esas las intenciones ya que una vez alcanzada la otra orilla intento violarla.
Hércules se dio cuenta y le disparo una flecha envenenada llevándolo a la muerte. Poco
antes de morir le hizo una confidencia a la esposa en el sentido de que si untaba alguna
prenda de hércules con la sangre del centauro, conseguiría unos efectos consistentes en
avivar el cariño conyugal, y devolver a su esposa la fidelidad. Pasado el tiempo

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hercacles marcho y su esposa envió a licas con una túnica impregnada con sangre del
centauro. Cuando licas se encuentra con hércules y le da el presente de su esposa y este
se pone la túnica, realmente se cumple la venganza del centauro ya que la túnica
impregnada envenena el cuerpo de hércules. El momento que recoge Antonio canova es
el posterior a recibir los efectos del veneno de la prenda que le ha llevado licas y la
reacción de este ante su inminente muerte es la de tratar de deshacerse de Licas. Es un
alarde técnico, que se ve en el cuerpo perfectamente esculpido de Hércules, y la túnica
esta perfectamente encajada en el torso y piernas. Hay un estudio de la simetría, de los
volúmenes, y sobre todo hay un análisis de la tensión y del gesto.

Los escultores del 19 concibieron sus obras para ser rodeadas, seguramente Antonio
Canova tuvo en cuenta el grupo escultórico clásico del Laooconte, pero a diferencia de
este, que está concebido para ser visto desde el frente, la obra de Canova incita a girar
alrededor de ella para comprender en toda su extensión la expresividad y la fuerza
narrativa del escultor. Con esta obra demostró que podía crear un nuevo clásico que
compitiera en igualdad, con el grupo del Laooconte. Canova se encumbra con esta obra
y pasa a ser el escultor más reconocido de su tiempo. Desde 1796 y hasta 1814,
Napoleón Bonaparte desempeñó buena parte de sus campañas de conquista en Italia. En
aquel momento Italia estaba constituida por un sistema feudal de ducados y tras la

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presencia y la conquista en todo el territorio italiano, comenzó lo que e conoce como
risorgimento, que no es otra cosa que proceso de unificación de Italia. Al hilo de la
presencia de Napoleón en Italia, se expoliaron un importante numero de obras de arte.
Una muy venerada por los florentinos, que era la Venus Medici. Encargaron una copia a
Antonio Canova del original antiguo. El resultado fue la Venus Itálica una escultura en
la que trabajo entre 1804 – 1812. Hay un punto de inspiración claramente en la venus
medici, pero el resultado final, se aleja extraordinariamente de la obra antigua. La venus
de Canova imita a su predecesora solo en el tratamiento suave, frío , del mármol. Las
proporciones, la postura incluso el peinado son invenciones de Canova. En lo que se
inspiró Canova fue en el momento en el que esta mujer sale del baño, y es descubierta
por un intruso y ese momento de pudor es que el quiso reflejar canova con la Venus
Itálica. En la visión frontal, el movimiento es apenas perceptible, casi hierática, pero a
medida que seguimos la dirección de su mirada y adoptamos el lugar del intruso,
entonces el movimiento se proyecta hacia delante y se convierte en el rasgo
predominante. Con todo, el propio escultor manifestó públicamente que la venus itálica
no era su mejor trabajo.

Además de la escultura funeraria y de la escultura inspirada en los grandes mitos del

pasado, Canova atendió encargos, como consecuencia de la fama lograda, de retratos.

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En este caso aceptó el encargo de Camilo Borghese, de retrata a Paulina Borghese,
quien decidió que se la representase como a una Venus, y como tal fue ella misma la
que propuso aparecer desnuda. Esa circunstancia, fue muy criticada y de alguna forma
reforzó, la imagen que se tenía de ella en Italia, imagen de mujer frívola, atrevida, al
margen de las normal y reglas sociales. Antonio Canova la represento como una Venus
Vencedora. Hay copias de la escultura en varios museos, porque de alguna forma quedó
como un referente de la retratística de su tiempo. En la mano izquierda sostiene una
manzana en clara referencia cultura al juicio de paris, donde la manzana adquiere el
significado de la victoria. La actitud de Paulina Borghese, sobre una agrippina, se pone
en relación con una pintura muy conocida en estos momentos como fue el tema de
Venus y Marte de Botticelli. La representación de Paulina Borghese, de nuevo, es
equiparable al retrato que de Madame Recamier, realizó Jacques Louis David. Hay un
paralelismo indudable entre la obra de Canova y la obra de David. Durante muchos años
la Paulina Borghese se exhibió sobre una base en la que había un mecanismo giratorio,
para que el espectador no tuviera que rodear la pieza, sino que era la propia pieza la que
girando proporcionaba la visibilidad de las habilidad del escultor. Antonio Canova una
vez había trabajado al mármol las piezas seguía un procedimiento que consistía en
aplicar una policroma que después lavaba para finalmente presentar la obra encerada.

Por tanto Antonio Canova, consiguió la más alta reputación de los escultores de su
tiempo. Tan solo un escultor estuvo a la altura de Canova y fue un danés, Bertel
Thorvaldsen (1770-1844), quien consiguió alcanzar el nivel escultórico de Canova.

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Thorvaldsen tuvo la suerte de contar con una ayuda para ampliar sus conocimiento en
Italia, cuando en 1802 se le acaba el dinero y concide con la paz entre inglaterra y
francia, hubo un coleccionista inglés NOSE SU NOMBRE? Visitó el taller de
Thorvaldsen y le encargó la escultura de Jasón y el vellocino de oro, una escultura que
conoció inicialente en yeso pero que transformó en mármol en 1828. La escultura es de
un tamaño superior al original. Para hacer esta obra se inspiró en la obra Doríforo de
Polícleto. Tomo fundamentalmente la nobleza, la perfección de las formas y el
equilibrio de volumenes.

A diferencia de las obras de Canova, en lugar

de emular el estilo helenístico, acudió a un estilo más severo, el de la grecia de
mediados del siglo V a.C, con lo que el escultor se convirtió en el primer escultor
neoclásico que retomó la fase más heroica del arte ateniense. Comparada con esta obra,
cualquier obra de canova, tiene una suvidad sensual que Thordvalsen hizo todo lo
posible para evitar, destacando el tratamiento arqueologístico que lo aproxima a la
tradición clásica.

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14/10/2020

TEMA 5.- LA PINTURA EUROPEA ENTRE DOS REVOLUCIONES. Del

Neoclasicismo al Romanticismo.

V.1. Francia: Jacques-Louis David, Antoine-Jean Gros, François-Pascal

Gérard, Jean-Dominique Ingres, Théodore Géricault, Eugène Delacroix.

Jacques Louis David, va a ser el máximo exponente de una corriente que se instalará a
lo largo de la primera mitad del siglo 19 en Francia pero tendrá influencia mas allá del
ámbito francés. Fue un artista que trabajó bajo la república, la revolución y en el
imperio. Esta circunstancia ha hecho que sea difícil de clasificar como un pintor
ideologicamente vinculado con momentos políticos tan distintos. David se formó en
París, en la escuela de Vienne, su principal característica fue la de imponer un
clasicismo frente a la notable presencia de Boucher. Por eso en las primeras obras
vamos a ver como está presente todavía, de una forma notable, el peso de la tradicion
pictórica. Uno de los primeros temas llevados a cabo por David fue Antioco y
Estratonice (1774?). Como siempre ocurre con los temas mitológicos, conviene
reconocer cuales fueron los rasgos principales que inspiraron estas escenas. En esta
obra, David, va a concentrar el punto de atencion en un momento de la historia de tres
personajes, Estratonice que contrajo matrimonio con el rey de Siria, Selenco (capa roja),
y por último Antioco.

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Es la representación de un rey magnánimo que lucha contra su destino. El tema gozó de
tal fortuna que en 1786, se llevo a representar como una opera en Versailles. Un tema en
definitiva que imitaba las tragedias clasicas griegas. Soluciones formales como la
enorme cortina para resolver cromaticamente el espacio. La crítica la definio como
pintura blanca, cromaticismo reducido (blanco rojo y azul). Con todo no se debe pasar
por alto algunas soluciones tecnicas que David aporta como son por una parte la
disposición de los personajes en planos consecutivos y sobre todo la iluminación. David
nunca se sintio influenciado por la cultura clásica. Su primer contacto con la antigüedad
clásica lo hizo a traves de la pintura de Anton Raphael Mengs (1728-1779). Desde el
momento que se instaló en Roma pudo comprender el pensamiento de Winckelmann y
conocer los edificios antiguos clasicos. Fue en roma donde llevo a cabo este relato
sentimental de Belisario pidiendo limosna, data del 1781.

Lo que pinta David es un tema social, conmovedor, con un lema moralizante. David
concentra en 4 personajes el contenido de esta historia. Belisario fue desterrado. Esta
situacion le condujo a tener que sobrevivir pidiendo limosna. David representa a tres

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personajes con las manos horizontales como señal de ayuda, de debilidad o de caridad.
En esta obra David actualiza la representación del tema de la ‘’pietá’’ y lo hace
siguiendo un proceso formal, similar a Antioco y Estratonice, a base de una conjunción
de luces y sombras y a un medido uso del color. Uno de los elementos iconográficos
que van a estar latentes en la pintura del 19 será el uso de elementos arquitectónicos,
generalmente fustes de columna, con la intención de asimilar esa forma arquitectónica
con la persona retratada a su lado. David alcanzaría el máximo reconocimiento en 1785
cuando concluyo esta obra que lleva por titulo El Juramento de los Horacios.

Aquí hay una unidad de lugar, de

tiempo y unidad de tratamiento. A la izquierda, los tres hermanos, hijos de Horacio que
es el personaje barbado con capa roja que aparece en el centro de la composición y a la
derecha una nodriza con dos niños y en primer plano una esposa de uno de los Horacios
y la otra una de sus hermanas. La historia remite a los origenes de la ciudad de roma, un
enfrentamiento que se decidio resolver enfrentando a tres romanos, con tres hermanos
de los Curiaceos. El problema estaba en que una de las hermanas de los Horacios,
estaba casada con uno de los Curiaceos y vicerversa. El eje central de la composicion
esta marcado por el brazo de Horacio padre sujetando las espadas que van a conducir al
enfrentamiento entre las dos familias. La razon por la que se inspiro en este tema es
porque la comedia francesa puso en escena la comedia Horacio. La pintura neoclasica
tiene como una de las características diferenciar el espacio masculino del espacio
femenino. El masculino es el espacio publico, guerra o trabajo, y el femenino será

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siempre el del hogar, el de la intimidad, o el de llorar a sus herores. Provocó una
reaccion publica que es dificil de entender hoy en dia. Precisamente porque hay que
recordar todos los elementos todas las claves que fueron tenidas en cuenta para
reconocer el valor de esta pintura. El colorido sobrio y serio ha de interpretarse como
espartano, romano y varonil. Los Horacios expresan en su juramento un patriotismo que
está por encima y mas alla de todo lo personal, incluso son indiferentes al lamento de
sus propias mujeres. Con ello David alzaba una luz moral contra todo lo femenino,
contra todo el pasado rococó.

David, se implicó con la facción más violenta de la revolución, concretamente con

Robespierre y durante la revolución en 1793, retrató a tres de sus mártires. Del primero
de ellos de Peletier se ha perdido la obra, pero contamos con un grabado que nos
muestra los ultimos momentos de este revolucionario.

La mas exponente la Muerte de Marat, esta obra a diferencia de las que hemos visto es
de formato mucho más reducido. Y una de las cosas que mas llama la atencion es el
recurso inspirado en Caravaggio de dejar sin pintar casi un tercio del lienzo.

19/10/2020

David se manifiesta partidario de la corriente mas radical. Realiza tres retratos de tres
heroes, de tres martires de la revolucion.

Se conserva una copia, realizada por Pierre Alexander Tarideu, Les derniers ??

Pero sin duda la obra mas importante es Marat Asesinado. David conocio de una forma
directa a la persona que retrataría como consecuencia de haber sido asesinado. Cuando
visitó a Marat lo encontró en una bañera, trabajando. Ese trabajo lo desarrollaba a base
de escribir y de ayudar a los mas desfavorecidos. Hay una enorme simplificación formal
en los elemnetos que David selecciona para que formen parte de esta composición.
Ademas son elementos que adquieren un valor simbolico, como es ese cajón viejo, que
habla de la situacion economica del propio Marat y lo muestra con su arma (la pluma).
En el mismo plano, a la izquierda, está el arma con la que acaba de ser asesinado. Sobre

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la mesa vemos un talón, que está dirigido a una mujer y a sus hijos, que han perdido a
su marido en el campo de batalla. La postura, que erige David se inspira especialmente
en la forma de abandonar el brazo, en el Entierro de Cristo de Caravaggio. David realizó
un dibujo directamente del natural de Marat muerto. En su mano izquierda sostiene un
escrito de la asesina. Simplificación de formas y de elementos. Sigue un discurso
narrativo construido a base de verticales y horizontales. La luz es completamente
artificial, ilumina la vida y oscurece la muerte. En el fondo, david no está retratando el
asesinato real de Marat, está realizando el retrato de un heroe. El espacio en el que tiene
lugar la accion se dibuja de manera concisa y con una inscripción en la base de esa
mesa-cajón. En el pecho apenas apreciamos la herida que le ha ocasionado la muerte.
No es una muerte dramática, ni violenta, más bien es un concepto filosófico de la
muerte, que ni es cristiana ni es pagana, sino que es atea. No describe la violencia del
asesinato, no describe el sufrimiento de Marat, describe el paso del ser a la nada y para
ello pone todos los elementos que tiene a su disposicion, en especial el color y la luz,
para construir un nuevo tipo iconografico que se convertirá en un precedente del heroe
del siglo XIX.

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Desde ese momento y hasta la actualidad, el tema del asesinato de la muerte de marat,
ha sido abordado por artistas, como Edvard Munch, Joe Forkan, Bob Wilson, etc.

El tercero de los mártires que David representó fue Bara, La muerte de Bara. Lo
presentó a modo de boceto, pero que en definitiva está en la misma linea de reflejar la
tragedia del patriota.

Vemos como David se implica

durante la revolución, lo hace con la faccion mas extremista y eso le lleva en 1790 a
realizar un gran lienzo, que no concluyó, que refleja el Juramento del juego de pelota y
que corresponde a uno de los momentos clave de la Revolucion Francesa, cuando mas
de 300 miembros de la asamblea nacional francesa, decidieron reunirse, en la defensa
del tercer estado, en la defensa de la población caremente de privilegios jurídicos y
económicos. En el centro de la obra tres religiosos de tres religiones distintas
eemplifican la unidad religiosa y el apoyo al juramento. Un carácter simbolico en el
conjunto de la escena se observa en las cortinas de la parte superior izqierda de la
composicion, en una alusión al viento de la revolución. En la parte superior derecha,
aparece david con sus dos hijos, que se
retrata para evidenciar el grado de
compromiso con este acontecimiento
historico.

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Esta situacion de compromiso con la revolución llevó a David a la carcel y su amigo
Robespierre fue decapitado y a finales del siglo XVIII, cuando David sale de la carcel,
su pensamiento cambió drasticamente reninciando a ese grado de compromiso que hasta
entonces había adquirido. De ahí que en 17?? realice el Rapto de las Sabinas, todo
atisbo de signos revolucinarios habían desaparecido de su pensamiento artístico. Una
vez más para entender es lienzo, hay que conocer el origen del mismo. Remite a los
origenes de Roma, cuando los romanos encabezados por su rey Romulo, decidieron
diseñar una estrategia, de organizar unas competiciones deportivas, para de esa manera
invitar a los pueblos vecinos con sus mujeres e hijxs y en su plan entraba el seucetros de
las mujeres e hijos con la intencion de repoblar roma. Eso lo hicieron con el pueblo
Sabino, pueblo proximo a Roma. El rey de los Romanos era Rómulo, el rey de los
Sabinos era tito tacio? David se inspiró en obras tan célebres como el Apolo Belvedere.
Este tema había sido interpretado por otros artistas, siendo Poussin el artistas más
representativo. A estas alturas, David ya no dependía de la influencia de la pintura
barroca, sino que construyó su propia iconografía, en una escena desarrollada a modo de
friso corrido, con diferentes escenas, y secuenciadas en distintos planos.

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David además de relizar esta serie de pintura de carácter historico, también recibió
encargos de realizar diferentes retratos, uno de ellos fue el de Madame Reacmier.
Permanece sin acabar porque en opinion de la retratada, david se retrasaba demasiado
en concluir el retrato. De nuevo, David simplifica la composicion de este retrato a solo
un candelabro, un triclineo, y un ¿escabel? a los pies de la retratada. La obra data del
año 1800 y y por encima de otros aspectos cabe reconocer el estudio analítico de la
fisionomía de la retratada que la viste a la griega, la peina a la griega y que la dispone en
una actitud forzada. La dureza de la linea recta, tanto del candelabro como del triclineo,
queda compensada por esa línea serpentinata que dibuja desde el hombro derecho y su
pierna derecha. Establece un juego de sombras y con ello llegamos al periodo del
imperio, en el cual David, comulgo y acepto los encargos de parte del emperador.

En esos encargos, por encima de otros aspectos predominó el realismo. Napoleón

encargó 4 grandes lienzos, de los que solo quedaron concluidos dos. Uno de ellos de los
que tenemos testimonio, seguramente Napoleon fue aconsejado que no se concluyera,
donde se ve al propio Napoleon autoproclamandose como emperador ante la
presencia del papa. Otra obra fue Recepción de Napoleón en el Hotel de la Ville,
formaba parte de la serie de encargos que Napoleon formulo a david como testimonio,
de los días y los momentos que los formalizaron oficialmente como emperador.

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Distribución de las águilas imperiales, Jacques Louis David.

Según las constumbres de las regiones romanas, que es lo que se inspira este acto
presidido por Napoleón, el emperador distribuye la nueva bandera con el simbolo
imperial a los jefes del ejercito, al mismo tiempo que recibe el juramento de los oficiales
en este mismo acto. Con todo, tratandose de una pintura de gran formato hay una cierta
desproporción. La luz se focaliza en la figura del emperador, y entre la figura del
emperador y las legiones se observa un exraño vacio en el que se sugiere que napoleon
habria previsto la presencia de una alegoria de la victoria lanzando laurel a los oficiales.
Esa propuesta, no fue aceptada finalmente porque el propio emperador queria que las
obras de david reflejasen la veracidad historica.

Sacré (Coronacion de la emperatriz Josefina por Napoleón). Por esta obra David
cobro 65000 francos franceses. David asistio personalmente al acto de al emperatriz
josefina por napoleon. Con todo en la obra aparecen mas de cien figuras, que posaron

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personalmente para David. Tardo tres años en concluir la obra. En el primer plano a a
derecha aparecen tres consules, que portan tres distintivos, alusivos a la corona, el cetro,
la mano d ella justicia y el orbe. Para realizar el retrato del papa Pio VII realizo tambien
bocetos, lo sufiecientemente claros e indicativos, en la representación papal, de manera
que aparece sin mitra ni tiara. Madame Letizia no acudio a este acto. David hizo un
estudio pormenorizado de la indumentaria de los tejidos, texturas, terciopelos… el
resultado ultimo es el de una gran pintura, donde aparece un conjunto de mas de 100
figuras trabajadas de forma individualizada… agrupo y distribuyó a las distintas figuras,
en diferentes grupos, que funcionaban de forma independiente. El resultado final es
naturalista, realista…

David se encumbro como el gran artista del imperio. Se puede considerar que de todo su
taller, aquellos quee estuvieron mas influidos por David fueron Gros, Gerard y ?? Sin
embargo, la escuela de David, no observaron ni fueron tan fieles a los patrones que
David había marcado. Uno de los temas favoritos que se había instalado en la cultura
occidental ya desde el siglo XVII fue la representación de la peste, de la que existen
numerosos ejemplos como la representacion de san roque, o la de san carlos borromeo
en la peste de Milán. A Gros, le encargó Bonaparte acompañarle en la campaña d
conquista del sur de Italia y del norte de Africa, en 1804 le pidio que representase a
Napoleon visitando a los apestados de Jaffa. Gros se inspiró más en la literatura
orientalista que en su conocimiento directo de oriente. Recrea un claustro de inspiracion
gotica con arcos de herradura y un remate de inspiración árabe. El celaje de la escena

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esta cubierto de humo como consecuencia de las luchas en aquel territorio. Hay un
estudio muy medido del nutrido grupo de figuras que aparecen en la escena. Uno de los
personajes principales es el personaje barbado y desnudo de rodillas el cual vemos
influencia pr el pintor italiano domenicino. Gros transforma a napoleón en héroe
humano. Sin embargo todo ese juego lumínico, esta más próximo a una fantasía oriental
que a una representación científica y real de napoleón.

21/10/2020

La Batalla de Eylau, Antoine-Jean Gros. Musée du Louvre. Corresponde a un

momento imaginado, y remite a una de las campañas de napoleón que llevó a cabo en
rusia. Lo que nos itneresa de la obra y del planteamiento que formula Gross, es la
eleccion de un momento en el cual, el emperador Napoleón, sale a caballo al campo de
batalla a confortar a sus tropas. Establece esos tres niveles de estados de las personas
que están representadas. Uso de luz dorada que da un tono épico, irreal, sobre la propia
escena. El resultado es una obra que parte de unos principios clasicistas pero con tintes
propios del romanticismo.

Otro de los discípulos de David fue François-Pascal Gerard y destacó sobre todo por
sus retratos. En 1802 Madame Recamier, instaisfecha con el retrato inacabado de
David, encargó a Gerard este retrato que se ajustaba más al gusto de su propietaria y
posiblemente al de la época. Presenta el personaje vestido a la moda del momento, traje
de corte imperio y un espacio concebido siguiendo el sentido del decoro antiguo. De ahí

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que emplee esos elementos arquitectonicos, arco de medio punto, fuste de columna de
orden dórico.. e incluso el telón rojo de la parte posterior de la retratada. Esta secuencia
de plano, es decir focalizar la atención en el primer plano, desdibujar el segundo plano e
iluminar el tercero, también será un rasgo distintivo de esta época y de este momento.
Madame Recamier quedó muy satisfecha con este retrato ya que la representaba en un
todo mucho más calido, humano y cercano de lo que la había hecho David. El empleo
de elementos arquitectónicos en los retratos, adquirió en muchos casos un valor
simbólico como se muestra en esta conocida obraa mujer de Napoleón de Josefina,
justamente el año que fue repudiada por su marido (1805) por no darle descendencia. La
principal caracteristica del retrato es que la representa en la residencia del emperador a
las afueras de paris y la retrata en el bosque, recostada sobre unas piedras, vestida con
un traje de corte imperio y el manto propio de su status. Es un signo identitario de la
posición de la retratada. El gesto, la pose, apoyando el brazo izquierdo sobre el que
descansa su cabeza, remite a la representación iconográfica de la melancolía. El dibujo
que adquiere el cuerpo de la emperatriz josefina, marcado por esa linea serpentinata. El
único elemento que permite poner en relacion este retato con la antigüedad lo
encontramos en la parte izquierda de la composición donde se advierte una basa
rectangular sobre la que descansa un vaso antiguo, un vaso de cerámica antiguo. Todo
ese tinte melancólico, esa tristeza que representa la emperatriz, situaría esta obra en el
tránsito entre el clasicismo y el romanticismo.

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En España los llamado davidianos, apenas tuvieron una gran presencia e influencia. José
Aparicio, Godoy presentado la Paz a Carlos IV, esta obra es representativa del
momento artístico de transición entre la iconografía y los recursos formales de
inspiración barroco a los nuevos planteamientos conocidos a partir de su experiencia en
el taller de David en París.

Es representativa de ese momento de transición hacia modelos propiamente davidianos

como el que realiza en 1818 con El hambre de Madrid. Lo que pinta corresponde a la
hambruna que sufrió España cuando el país estaba gobernado bajo el yugo de los
franceses. Esta obra tuvo mucho impacto. La figura del anciano está inspirada en la
representacion del Conde Ugolino de Henry Fuseli.

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El segundo de los artistas españoles que concluyó su formacion en parís fue Jose de
Madrazo y Agudo. Recibió el encargo en 1817 – 1819 , pintar 4 alegorías que
reflejaran las horas del días para el casino de la reina Isabel de braganza. Para estas 4
obras que representan la alegoría del alba, la del mediodía, la de la tarde, y la de la
noche, se inspiró en los grabado que se habían difundido de las pinturas encontradas en
las excavaciones de Pompeya y Herculano. Con todo hay que reconocer que esta
tipología pictorica corresponde a una excepcionalidad en la trayectoria del primer
miembro de la saga como fueron los Madrazo. Que además ocuparon el cargo…

Por último el tercero de los artistas fue Juan Antonio Ribera, que llevó a cabo entre
1804 – 1807 que representa a Cincinato, un héroe de la Roma republicana y que recoge
el momento en el que los senadores entregan el manto purpura como simbolo de poder a
cincinato, que había abandonado el senado y se dedicaba a las labores agrícolas. Ribera
recurre a la disposición a modo de friso antiguo. Con un dominio de la luz, como se
demuestra utilizando diferentes focos o puntos de atención y una perfecta disposición de
las figuras.

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En cualquier caso los davidianos españoles fueron pocos, muy mal reconocidos por la
historia del arte y sus obras fueron escasas.

26/10/2020

V.3. España: Francisco de Goya y Lucientes.

En el año 1700 se produce un cambio entre la dinastía de los Salzburgo y los Borbones
y Felipe V gobernará hasta 1746. Por lo que confiere a la segunda mitad del siglo 18 se
preocuparon de rodearse de artistas franceses que habían conocido en la corte de
Versalles y que llegarán a España para trabajar. Dos aspectos importantes, uno es que
los borbones instalan la monarquía en España sin hablar español y otra que os borbones
inicialmente llaman a los principales pintores de la Corte francesa, contactan con
Fragonard, Boucher y Batteau, sin emabargo ninguno de estos tres accedió a irse a
España y fue el segundo escalón, es decir, los artistas formados bajo la influencia de
fragornard, boucher (los ‘’discípulos’’) llegarían al país. No fueron artistas de primer
orden, sino que fue un segundo escalón el que se desplazó a nuestro país para participar
en la decoración de los reales sitios. Por ejemplo uno de ellos fue Hyacinthe Rigaud,
también Michel Ange Houasse (perfilado muy propio de la pintura francesa).
También contratarán a artistas italianos como por ejemplo a Giovanni Pellegrini. El
último de los grandes artistas que vino a España fue Anton Rafael Mengs, quien pintó
aCarlos III. La pintura italiana tiene mayor naturalismo, volumen, no es tan refinado
como la pintura francesa. Todo esto nos conduce a una situación de descontento
generalizado por parte de la población española, porque estas medidas que hemos visto,
adoptadas por los borbones, adoptaron los principales ragos de su politica, y eso generó
un descontento popular. A ese descontento popular se le conoce como El motín de
Esquilache (1766). Fue precisamente el ministro del secretario de hacienda que creó un
edicto en el que quedaba prohibido el empleo del sombrero de ala ancha y capa larga,
esa decisión provocó una reacción (motín) en la que participaron 40 mil personas pero
al que se sumaban la hambruna, la subida de precios de los productos de primera
necesidad, y ese recelo hacia la presencia de ministros extranjeros o la constante
presencia de artistas extranjeros que hemos visto. La alternativa que propugnaba el

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edicto era la utilización de capa corta, y el tricornio o sombrero de tres picos. El
sombrero de ala ancha y capa larga hacía invisible la identidad de sus portadores,
igualando a los villanos con los que no lo eran. La resistencia en parte de debió a que no
existía un sistema de alcantarillado y las aguas mayores y menores se vertían en los
balcones y estos sombreros y capas evitaban que les cayera encima.

Goya es contratado en 1755 por la Real Fábrica de Tapices, para realizar una serie de
cartones, en concreto 52. Lo primero que hay que tener claro respecto a los cartones de
goya es que no estamos ante la obra final, sino ante el paso intermedio, a partir del cual,
los tejedores de la real fabrica de tapices, se servían para trasladar a la urdimbre en
formato tapiz la obra, los temas diseñador por Goya. Ese trabajo se conoce como cartón,
aunque el soporte es lienzo. Los tapices, servían para ornamentar. Tenían una doble
finalidad, ornamentar los reales sitios, concretamente los grandes vanos, las
sobrepuertas y sobre balcones y las rinconeras, por otra parte, la obra final, no eran los
cartones sino eran los tapices. Otra cuestión a considerar, es que el primer gran encargo
fue por parte de los príncipes de Asturias, que encargaron la decoración de su vestidor.
Por tanto toda esa teoría de que goya solo pintaba los temas populares es carente de toda
ciencia. Para ese vestidor goya pintó y diseñó un programa que necesariamente debía
contar con el visto bueno de sus promotores en este caso de los príncipes de asturias. En
ese conjunto, estamos ante una escena cotidiana, pero hay un mensaje más profundo, en
estas y en otras de las pinturas. Lo que goya pinta es a una ‘’petimetra’ de acuerdo con
la moda francesa, con un abanico cerrado y con un perro de lana en su regazo, que en la
pintura de goya este animal se indentifica con mujeres sentimentalmente próximas a
goya. Frente a esa figura, está un ‘’majo’’ que protege del sol a la mujer. En el contexto
de ese programa iconográfico, esta obra hay que interpretarla como una alusión a uno de
los 7 pecados capitales, concretamente la vanidad.

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Otro de los cartones que Goya pintó, representa una escena en la que aparecen 5
personajes, dos hombres y un niño en primer plano y dos hombres y una mujer en
segundo plano. Pintado en naturaleza. En ella vemos a un hombre bebiendo vino y al
niño comiendo nabos. Hay elementos suficientes como para identificar algo más allá de
los representado. Remite al primer capitulo del lazarillo de Tormes. narra cómo el
hombre ciego se hace acompañar de un muchacho joven que le ayude a moverse con
cierta independencia y concretamente una de las escenas que se narran en el lazarillo de
Tormes en el primer capítulo corresponde a la que el lazarillo distrae la atención de su
amo momento que aprovecha para robarle parte de sus alimentos concretamente nabos y
pan. Mirada perdida del hombre central debido a su ceguera. Estas obras no estuvieron
pensadas para se publicadas publicamente, sino a un publico muy reducido. En el caso
del bebedor aludiría al pecado capital de la gula.

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Además pinto dos grandes vanos donde representó a las Lavanderas, tres están
descansando y las dos del fondo están teniendo la ropa. Aparentemente y de acuerdo
con esa concepción de la pintura de goya como pintor costumbrista sería este un fiel
reflejo de los hábitos y las costumbres madrileñas. Si nos fijamos, la pintura evidencia
de que en muchas de las pinturas de las obras de goya centra la composición en un
primer plano, oscurece un segundo plano y de nuevo recupera la iluminación en un
tercero.

Para entender la pintura hay que meterse en el contexto de la época. Carlos III publicó
un edicto en el cual se especificaba tajantemente prohibido, que las mujeres que fueran
a lavar al manzanares, pronunciaran palabras malsonantes e hicieran gestos obscenos.
Visualmente está concebida para que el punto central recaiga en la cabeza del carnero y
más concretamente en el gesto de la mujer vestida de granate sujetando el cuerno del

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carnero, gesto que tiene el mismo significado que en la actualidad significa ‘’cabrón’’.
Goya define el espacio en el que la obra se iba a colgar que espacialmente enfrentaba
con esta obra titulada ‘’La Novillada’’ en la que solo aparecen hombres. De manera que
el insulto de estas mujeres, lo manifestaban mediante el gesto de los cuernos del
carnero.

El cacharrero Goya. Había dos niveles, el que aparece en primer plano y en segundo,
aparecen tres mujeres y un hombre, que está de espaldas y por la indumentaria sabemos
que es valenciano. Las tres mujeres corresponden a tres edades distintas, una más mayor
izquierda, mediana edad centro y la más joven derecha. La más mayor tiene el rostro
muy moreno, porque ha trabajado en el campo y lleva un cacharro no de cerámica sino
de barro, la mujer de la derecha lleva un cacharro de cerámica , es cerámica de Alcora.
Los colores de la cerámica de Alcora son iguales a los que viste la mujer de la derecha.

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Las tres mujeres que representan las tres edades, hay que ponerlas en relación con el
gesto que está enseñando el cacharrero. De lo que se está hablando en ese primer plano
es una cita entre la mujer joven y el cacharrero que le indica dónde se pueden ver fuera
de tanta gente. Ese flirteo de primer plano con la mujer y el cacharrero se reproduce en
una escala social. En un segundo plano, lo que aparece es una misma escena de flirteo y
la mujer. Por tanto, Goya lo que hace es utilizando como recurso las costumbres y
tradiciones populares, elaborar un programa culto dirigido para los borbones y la familia
real para espacios privados.

La mujer más mayor lleva en su mano un cacharro de barro. Lo que goya quiso reflejar
fue un momento en el que el vendedor de cerámica, está formalizando una cita con la
muchacha joven. Las tres mujeres representarían las tres edades.

Francisco de goya retrato de Sebastián Martínez. Fue realizado en 1792 y que refleja
la proximidad y la relación que el artista mantuvo con este empresario afincado en
Cádiz en cuya casa Goya permaneció durante seis meses convaleciente, qué le llevó a
perder la completa audición. coincide con una de esas crisis de Goya y es una
agradecimiento por haberle acogido en Cádiz. Es moderno, aparece en tres cuartos de

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perfil, vestido a la última moda, con una casaca aseada, presentando al ilustrado como
un hombre de su tiempo, en el que se advierte ya con una de las características de Goya,
buscando el equilibrio por el color, de manera que el papel ha sido reflejado de la
misma forma azul de la casaca que viste el retratado, esto lo hace para que el resultado
final no sea desequilibrado.

Pintó a dos mujeres, una vestida y otra desnuda para el gabinete de Godoy. En la maja
desnuda la técnica es muy pulida, mientras que en la vestida son pinceladas mas sueltas.
Desde un punto de vista técnico, Goya invirtió los términos , ya que el retrato de la maja
desnuda está, desde un punto de vista técnico, completamente acabado. Mientras que el
retrato de la dama vestida es el resultado más abocetado con pincelada más amplia sin
responder a los principios académicos más formales. Las dos obras, sobre todo la
desnuda, no se podían exhibir públicamente, fueron pensadas únicamente para el
gabinete de Godoy. Se dispusieron a modo de bocaporte de manera que de forma
permanente se exhibía la maja vestida y por un sistema de poleas según quien visitará el
gabinete aparecía la maja vestida o la desnuda .

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28/10/2020

Goya es el unico pintor español que ha pintado a 4 reyes, y el primero de ellos Carlos
III, que lo pinta de cazador. Carlos III caracterizó su reinado por realizar de forma
sistemática cada día 4 actividades (rezar, comer, hacer política y cazar). Sobre el retrato
de Carlos III se ha escrito mucho. El blanco de su frente como protección del tricornio.
La historiografía ha querido ver una crítica hacia el monarca. Hay que recordar que ya
Palomino, escribía respecto a las características que debía tener el retrato en general y el
retrato de personajes vinculados con la monarquía, debían ser retratos sinceros pero los
pintores debían poder permitirse ciertas licencias en el grado de fidelidad con el
retratado cuando se trataban de figuras reales. Goya pintó a Carlos III tal y como lo vió
y este se vistió para la ocasión, por ese aparece con ese atuendo, toisón de oro y con la
banda de la orden. Aquellos rasgos más distintivos de su rango. El retrato gustó por que
lo que representaba era lo que se reflejaba en el espejo, y por tanto no se entendió en
ningún momento como una crítica hacia la monarquía. Utiliza un recurso que es situar a
la figura de cuerpo entero, con las piernas separadas, con un fondo bastante neutro y con
su fiel perro sentado a sus pies, en cuya correa se lee (y con eso refuerza el valor
simbólico del animal) ‘’Rey Nuestro Señor’’.

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Carlos IV cazador. El maestro solo dibujaba los detalles anatómicos, el resto era cosa del
taller.

María Luisa con mantilla. Aparece una gama cromática bastante uniforme, rota solo
con el lazo que aparece en la cabeza. Reina además que tuvo una enfermedad que le
llevó a tener la piel en un tono muy amarillento y a perder parte de su dentadura. Se le
ha relacionado con Godoy, pero lo cierto es que tuvo 14 embarazos, de los cuales
sobrevivieron 10, se pasó media vida embarazada y poco tiempo le quedaba para flirtear
con Godoy.

La reina María Luisa a caballo.

De los retratos de la familia real el más importante es el que se le encarga en 1800 y que
representa a Carlos IV María Luisa de Parma y Fernando VII y demás miembros de
la familia real. Goya tuvo en cuenta los precedentes de los retratos de familia real.
Guarda relación con la obra de Velazquez, el propio goya se retrato en un tercer plano,
pintando este lienzo. Para entender la importancia de este retrato, para el cual la familia

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real se vistió a la última, con tejidos de París, es que se quiso presentar como una
monarquía moderna. Goya estudió a todos y cada uno de los personajes, hizo estudios
fisionómicos de ellos, como el de la Hermana del Rey, Josefa Carolina, con detalles
como la mancha que aparece en la parte derecha de la sien de la infanta Carolina, que no
es una mancha sino que es un emplasto, una solución médica sobre dónde tenía dolor.

Goya realiza dos lienzos que representan el 2 de mayo de 1808 (la carga de los
mamelucos) y el 3 de mayo de 1808 (los fusilamientos de la moncloa). Esta obras
estuvieron ‘’guardadas’’ hasta los años 60 del siglo XIX y posiblemente se tratase d eun
conjunto en su origen de 4 grandes lienzos que tendrían por objeto ornamentar uno de
los arcos de triunfo que se construyeron en el marco de la arquitectura para conmemorar
el regreso de Fernando VII, En la pintura del 3 de mayo, pelotón de fusilamiento, a la
derecha, que representan la máquina de matar y a la izquierda, aparecen una gradación
de muertos, heridos y una figura de ese héroe anónimo que se enfrenta a esa máquina de
matar. Esa gradación, que coincide en la Balsa de Medusa, de 1814 cuenta con una
fuente de información o de inspiración como es el grabado realizado un año antes por
Andrés Rúa y Miguel Gamborino que representa el fusilamiento de los padres
franciscanos en el Camp de Morvedre y con el que vemos notables coincidencias con la
obra de Goya.

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