ARTE CLÁSICO

GRECIA Y ROMA
Antes de que el mundo helénico tuviera un papel
destacado en la historia, otras civilizaciones más
poderosas y desarrolladas (Egipto, Mesopotamia,
India o China) habían realizado ya magníficas
creaciones en arquitectura, escultura y pintura.

En particular, Egipto ejerció una profunda influencia

en los orígenes del arte griego. Pero un rasgo
diferenciador de Grecia fue la importancia concedida
a la razón humana, que marcó toda la evolución
posterior de su cultura y propició el surgimiento del
arte clásico (es decir, superior y modélico), cuyo
concepto de belleza obedecía a criterios objetivos y
racionales, pues se consideraba bella toda realización
que reuniera los principios de orden, armonía y
proporción.

Sin embargo, hasta la plenitud clásica del siglo V a.C.,

los artistas griegos tuvieron que emprender un largo
camino de indagaciones y tanteos a partir de las
herencias recibidas, algunas de las cuales se
remontaban en el tiempo a épocas remotas y casi de
leyenda, como la civilización cretense o la micénica.
 Un arte clásico que supone, en primer
lugar, un desplazamiento de los centros
Arte clásico es un concepto de la historia del
culturales hacia el Mediterráneo: Atenas
arte que nos remite a la antigüedad, época en
y Roma, así como también la
la que se forjan las bases formales y estéticas
constatación de un nuevo espíritu
del arte en Occidente.
ideológico más cercano a lo positivo, al
hombre y la razón.
El término ‘clásico’ en el s. XVIII se empezó a
aplicar por una serie de estudiosos para afirmar
que esa cima en el esplendor de las artes y las
letras había sido alcanzada en el pasado por la
cultura grecorromana.

En el campo artístico arte clásico designa en

sentido estricto las manifestaciones artísticas
griegas y romanas.

Formas artísticas que se mezclan a partir de las

diversas influencias de una sociedad
humanista como la griega y tienen su
continuidad práctica en el mundo romano.

El arte clásico tuvo total influencia sobre

periodos artísticos posteriores como el
Renacimiento y Neoclasicismo.
Las civilizaciones griega y romana se caracterizaron por: el dominio de la
razón en la concepción del universo. Por el humanismo como exaltación de
la condición humana. Y por la transcendencia del legado clásico en la
Historia de Occidente, que constituye una de las bases de nuestra
civilización.

A griegos y romanos debemos la extensión de la vida urbana, el nuevo

concepto de belleza y el origen de un buen número de lenguas actuales.
Por ello, este periodo histórico constituye un auténtico referente en la
cultura occidental.
GRECIA

Para comprender el mundo artístico griego, hay que

partir de las culturas desarrolladas en las islas Cícladas
y en torno a Troya en el tercer milenio antes de Cristo
y que se denomina Creto-micénica, debido a que es
en la isla de Creta y en el Peloponeso, en Micenas
concretamente donde alcanza su mayor desarrollo ya
en el segundo milenio antes de nuestra era.

El arte griego se inicia a principios del primer milenio

antes de Cristo, momento en el cual los dorios se
asientan en la Península y provocan paralelamente el
desplazamiento de anteriores emigrantes hacia las
islas del Egeo y el Asia Menor (la Jonia).

Los nuevos habitantes de este territorio compartirán

la vida en ciudades-estado independientes (polis),
muchas veces rivales entre sí, con diversas
características comunes: una estructura social
jerarquizada, con importante base esclavista, un
desarrollo económico y comercial, y un sistema de
pensamiento basado en el racionalismo, el
antropocentrismo y la búsqueda de la belleza ideal.
Estos aspectos se van a manifestar en el arte en lo
referente al equilibrio de proporciones tanto en la
arquitectura —los órdenes clásicos— como en las artes
figurativas —aparición del canon o medida perfecta, el
estudio de la anatomía y la preocupación por el carácter
narrativo de las historias contadas en frisos o frontones.
El arte de la Antigua Grecia

Está caracterizado por la búsqueda de la

belleza ideal, recreando al mundo con base
en el modelo platónico. Este arte es una
continua carrera hacia el triunfo del
naturalismo.

Los griegos estaban convencidos de que a

través de la representación del hombre se
podían también transmitir valores, junto a
la perfección de un cuerpo sin defectos, la
perfección del espíritu, el pensamiento y la
acción.
Estas relaciones se explicitan en el Canon
de Policleto. Aunque los griegos conocían el
El Doríforo de Policleto es una de las esculturas más importantes de la
Canon egipcio. El escultor Policleto, fue el
antigüedad, la obra original en bronce (450-440 a. C.) desapareció,
primero que escribió un tratado sobre la
pero se conservan hasta 70 copias romanas de la que se considera la
escultura y como esta debía solucionarse.
obra auténtica.
Es importante comprender los nuevos
El canon de Policleto, reflejada en el Doríforo, recoge los principios
conocimientos que poseía la Grecia Clásica:
teóricos de la nueva corriente escultórica.
matemáticos (la escuela Pitagórica),
médicos y quirúrgicos, musicales,
Su regla de proporciones se basa en dos principios fundamentales: el
filosóficos, etc. muchos de ellos influyen en
rhytmos que es composición y la symmetria el equilibrio entre las
la obra de Policleto. Copia en mármol de la estatua del
Doríforo, Policleto, s. I a. C. Imagen:
partes, que se conseguían por medio de la proporción matemática.
Museo Arqueológico Nacional de
Nápoles
La manera de representar al ser humano en las esculturas de la antigua
Grecia cambió en el siglo V a. C.
La escultura arcaica, que se caracterizaba por su rigidez y disciplina, dejó
paso a una nueva generación de escultores que desarrollaron obras con
nuevas proporciones, posturas y composiciones. Las estatuas presentaban
un lenguaje naturalista.

Los escultores griegos fueron de los primeros en buscar la identidad propia

en sus obras, básicamente en la forma en la que debían representar un
cuerpo determinado, desarrollar un diseño de autor.
Los egipcios basaron su arte en el conocimiento; los griegos comenzaron a
servirse de sus ojos.

Los artistas desarrollaron en sus talleres nuevas ideas y nuevos modos de

representar la figura humana. Cada innovación fue ansiosamente recibida por
otros que añadieron a ella sus propios descubrimientos. Cuando uno de estos
artistas descubría la forma de esculpir el torso, otro hallaba que una estatua
podía parecer más viva si los pies no estaban afirmados exageradamente al
suelo. De esta forma y no exclusivamente en este arte, el artista fue
aprendiendo y desarrollando nuevas técnicas, no solo por su conocimiento y
observación personal, sino también por el contacto con otros artistas.
El relieve griego cambia todas las limitaciones
de la rigidez en sus piezas. La distribución deja
de ser geométrica ni angulosa, se vuelve limpia
y bella, holgada y flexible.
No existe ningún cuerpo vivo tan simétrico, tan
bien construido y bello como los de las estatuas
griegas. Se cree con frecuencia que lo que
hacían los artistas era contemplar muchos
modelos y eliminar los aspectos que no les
gustaban.

Comienzan con una meticulosa reproducción de

un hombre real al que iban embelleciendo,
suprimiendo toda irregularidad o todo rasgo
que no se ajustara con su idea de un cuerpo
perfecto.

Según Gombrich (1992): «Hay quienes dicen

que los artistas griegos idealizaban la
Naturaleza a la manera como un fotógrafo
retoca un retrato eliminado en él los pequeños
defectos».
La idea del retrato, tal como se concibe en la actualidad,
era extraña a los griegos y comenzaron a concebirla
como una imagen con una relación de fuerte parecido
con un individuo hasta comienzos del período
helenístico.

En los períodos anteriores las estatuas, no tuvieron gran

parecido referencial. Un retrato sería poco más que la
representación convencional de una apuesta figura
humana ataviada con la vestimenta y los atributos de su
función y actividad y el artista no se preocupaba por
reproducir la forma de su nariz, o los rasgos y expresión
característicos del personaje.

Esto cambia en el periodo helenístico, donde el artista

intenta no solo copiar las facciones del individuo al que
retrata, sino que comenzaban a mostrar algún tipo de
expresión.
Entre sus contribuciones originales a la tradición griega
de la escultura se encuentran el desarrollo de nuevas
técnicas, el perfeccionamiento de la representación de
la anatomía y de la expresión emocional humana. Se
busca dar una enfatización de los aspectos humanos
cotidianos y del encaminamiento de la producción para
fines puramente estéticos y, ocasionalmente,
propagandísticos.
El arte griego se define por las siguientes cualidades, que lo diferenciaban del
egipcio o mesopotámico:
Racional, las reglas del arte eran fruto de la reflexión y no de la tradición.
Naturalista, el arte aspiraba a imitar la naturaleza con fidelidad.
A escala humana, no era un arte colosal sino a la medida del hombre.
En continuo progreso, los artistas indagaron y el arte evolucionó con el
tiempo, libre de convencionalismos y rigideces.
Bello, como todo el arte antiguo, tenía una finalidad práctica, pero también
perseguía la belleza, entendida como orden, armonía y proporción.
Línea de tiempo
Grecia
ROMA
Una gran extensión temporal del llamado Periodo
Romano, más de mil años, centra su historia en
tres grandes periodos: Monarquía, República e
Imperio.
El arte romano, entendido como producto de la
mentalidad romana estaba ya plenamente
formado a finales del siglo I a. C. y se mantuvo
hasta finales del siglo IV con la llegada de las
invasiones bárbaras.

Se asienta sobre dos grandes pilares en un

ejercicio de perfecto sincretismo, de tal manera
que el legado romano constituirá una base
cultural uniforme entre los pueblos de Europa
hasta el desarrollo del arte románico.

Es evidente que estamos ante unas

manifestaciones artísticas producto de una
sociedad, una estructura socio-económica y unas
necesidades que satisfacer completamente
distintas a las de los griegos.
En arquitectura las técnicas, materiales, la
finalidad y la concepción son nuevas, mientras
que en la escultura y la pintura, pese a existir
un arte oficial al servicio del Estado dominado
por patrones griegos, los romanos transforman
el lenguaje artístico griego, abstracto y
racionalista, adecuándolo a sus necesidades
cotidianas e históricas: la narración indirecta y
mitológica se convierte en la exaltación
individual de sus gestos e historia concretos, la
representación idealista se convierte en el
retrato de individuos concretos.

Una de las características estilísticas

fundamentales del arte romano, es el
eclecticismo, no sólo la exposición a las
influencias exteriores, sino también la facultad
de y la afición a yuxtaponer en una misma obra
elementos de estilos diferentes e incluso
opuestos, supone una concepción extraña al
arte griego, muy sensible a la unidad y la
homogeneidad de sus creaciones.
Estas características, unidas a la proverbial sobriedad, clave del espíritu
romano, los hace más preocupados por los aspectos prácticos y técnicos,
todo el mundo asocia rápidamente lo romano con sus obras de ingeniería y
ciudades, que por la elaboración de programas estéticos coherentes y
unitarios. Ello explica que los artistas romanos no gocen de la fama que
tuvieron los griegos.
Predomina un arte estatal, de la República, que cumple una doble función: adornar y ser
útil, aspectos básicos en el arte romano. La nueva estructura estatal se refleja en los nuevos
edificios arquitectónicos. El dominio militar de Roma obliga a construir con una fortaleza sin
precedentes, carreteras, puentes, acueductos, y el centralismo impuesto desde la Urbe
determinó la fuerte unidad que se ofrece en todas las manifestaciones de este arte, a pesar
de la extensión territorial y espacial abarcada. Quizá una de las expresiones más
ejemplificadoras de esta influencia es el desarrollo de las ciudades: la civilización romana es
por encima de todo, una civilización de grandes ciudades, con una a la cabeza: Roma.
El arte romano es un arte de gran personalidad, a
pesar de que durante mucho tiempo se consideró una
copia del griego pero degradado. Pensar que lo
romano era copia o consecuencia de lo griego es una
equivocación, a pesar de que tampoco se puede
negar una conexión entre el arte de las dos culturas

A las relaciones entre griegos y romanos hará

referencia Cicerón (S.Ia.C.) que nos indica como
muchos gobernadores republicanos se hicieron ricos
gracias al expolio (y a veces robo y compra) de los
bienes que conformaban el patrimonio griego.

Luchando con los cartagineses (guerras púnicas) los

romanos invadirán algunas ciudades griegas (Grecia
continental y Asia menor) y a través de estos saqueos
A pesar de que la sociedad romana culta se hace cada vez más sensible al arte
llegarán a Roma gran cantidad de obras de arte.
griego, no faltan tampoco los nuevos ricos que buscando la suntuosidad caen en el
mal gusto Así pues, el arte romano no fue una prolongación del helenístico, sino
En un segundo momento comienzan a llegar a Roma
que adoptó nuevas formas y tuvo sus propias metas.
destacados artistas griegos (por iniciativa de la familia
de los Escipiones), y se fomentará un gusto por lo
La originalidad y grandeza de Roma se manifestará principalmente en su
griego que prende en las clases altas, en el patriciado
arquitectura, llegando la técnica a ser más notable que las propias formas
romano.
arquitectónicas. Por el contrario, la escultura romana fue menos independiente.
En el género del retrato, con el retrato realista
superaron todo lo realizado hasta el momento y lo
mismo sucedió con la pintura decorativa.

Otra diferencia, con respecto a Grecia, es que son

menos los escritores que en sus obras dejan traslucir
una mayor sensibilidad hacia el arte, sin embargo,
arropan a sus personajes distinguidos con la mención de
las obras públicas por ellos emprendidas.

Asimismo, apreciamos también una falta de estudios

teóricos sobre el arte, a pesar de que se circunscribe al
ámbito romano el único tratado sobre arquitectura de la
antigüedad que ha llegado hasta nosotros es el de
Vitruvio.
La ciudad de Roma, capital de este gran imperio, fue fundada en 753 aC
(Rómulo). La cronología del Imperio Romano se divide en dos grandes
períodos, el Período Republicano (siglo III - siglo I aC) fue momento de gran
expansión territorial donde se da la síntesis entre las corrientes itálicas
(pueblos que habitaban la península itálica), el arte etrusco y el helenístico
(influencia del arte griego). Y el Periodo Imperial (a partir de 1 / 2 siglo I aC- )
concretamente del año 27a.C, cuando Augusto es proclamado emperador, se
subdivide en etapas correspondientes a los emperadores o dinastías más
importantes.
El arte romano se caracteriza por tener
antecedentes en el arte etrusco e influjo griego.
Un carácter ecléctico, los romanos asimilaron
muchas influencias de los pueblos conquistados y
elaboraron una cultura propia. La gran extensión
geográfica del Imperio provoca que el arte deba
adaptarse a gustos y necesidades muy diferentes.
Extraordinaria capacidad para resolver problemas
constructivos, urbanísticos y representativos.
En las artes plásticas hay una tendencia al
realismo y a la plasmación de cosas concretas y
cotidianas, se manifiesta especialmente en el
retrato.
Anonimato de los artistas, el artista como
individualidad no tiene ninguna importancia, ya
que el arte se entiende como glorificación del
mecenas y no como sensibilidad artística de sus
creadores. En época imperial el arte se convertirá Es un arte particularmente urbano, Roma define el modelo que luego se
en medio de representación y glorificación del exporta a todo el imperio. Continúan utilizándose los órdenes griegos,
poder. Se insiste en que se trata de un patrocinio aunque de forma más libre, sin asociarse con una forma constructiva
público de las edificaciones y de las obras de arte. determinada, pero incorporan el toscano (parecido al dórico, pero con el
Crean una arquitectura del espectáculo. fuste liso y con base) y el compuesto (con elementos del capitel jónico y
corintio, más riqueza ornamental). El entablamento juega un papel
decorativo, no tiene función estructural y asimilan y potencian aportaciones
de otras culturas.
Se da la posibilidad de fabricación en serie para mano de
obra barata. Y los materiales usados son los mármoles de
colores y otras piedras ornamentales. Madera está
presente en determinadas cubiertas.

El ejercicio del arte en Roma será muy apreciado, pues el

arte se considera algo más que el trabajo manual y esto
se ve reflejado en la indumentaria de los artistas, que
visten suntuosamente. Sin embargo, estaba mal visto
que el arte se pudiera comprar y vender.

Vitruvio el arquitecto, va a ser más apreciado en Roma

que el resto de los artistas, pues la arquitectura es la
manifestación artística privilegiada. La que más
abrumaba e impresionaba al espectador. Por ello será
una actividad regia que tenía como finalidad ser un bien
público, social, dirigido a la masa, y a través de la
El arquitecto podía ser una persona educada en el ambiente familiar,
arquitectura el emperador demuestra al pueblo romano
conocedor de la profesión. El acceso a la misma podía realizarse por dos vías:
su benevolencia y preocupación por las gentes a las que
una como carrera privada (formación en las artes liberales y prestación de
gobierna. Al arquitecto romano (muchos de origen
servicios con un maestro establecido) y a través de la carrera militar (camino
griego o muy influidos por la cultura griega) se le exigirán
que parece siguió Vitruvio).
muchos conocimientos teórico-prácticos para
desempeñar su profesión y para dirigir adecuadamente a
Por lo general el arquitecto procedía de las clases bajas, pero se relacionaba
grandes cuadrillas: a escultores y pintores y demás
con los integrantes de las clases altas, e incluso muchos aristócratas
especialistas (carpinteros, mosaistas, ceramistas,
contrataron a estos profesionales de forma permanente
ladrilleros, canteros, …)
En la escultura romana podemos observar la pervivencia de
la doble influencia igual que en la arquitectura, la griega,
sobre todo del Periodo Helenístico.

A esto hay que añadir la fascinación que las clases

acomodadas sentían por lo helénico y la gran cantidad de
artistas griegos que trabajaban en Roma al final del
helenismo.

Esta corriente idealista coexistirá con otra más naturalista y

procedente de la estatuaria etrusca que se manifiesta en el
afán por la representación individualizada y el dominio de
las diferentes técnicas, tanto el trabajo del mármol como el
del bronce. Sin embargo, no existe la misma homogeneidad
presente en el arte griego, debido en buena medida a la
existencia de talleres locales y provinciales que mezclan las
constantes del arte romano con sus tradiciones autóctonas.
Dos son los temas y estilos que caracterizan a la escultura
romana: el retrato y el relieve histórico.

Tuvo infinidad de representaciones, soportes y funciones,

pero el retrato es la más sobresaliente. En el mundo romano
las estatuas y relieves escultóricos adornaron los edificios
públicos y privados. De hecho, algunas construcciones
romanas fueron poco más que soportes monumentales para
la escultura. El retrato escultórico romano compone uno de
los grandes capítulos en la historia del arte antiguo.
La pintura mural romana es conocida sobre todo a
través de las ruinas de Pompeya que quedó enterrada
por las ruinas del Vesubio en el año 79 d. C.
La clasificación de los tipos de pintura en cuatro
estilos llamados pompeyanos se establece a través
de lo que conocemos en esta ciudad, aunque existen
otros ejemplos importantes dentro de los
territorios del Imperio romano.

Los ciudadanos más ricos encargaban la decoración

de las paredes de sus casas con el rojo ladrillo como
base, simulando ricos elementos arquitectónicos y
mármoles.

En los temas figurados, Roma pudo copiar las

famosas pinturas griegas que conocemos a través
de las descripciones que sobre ellas hicieron los
historiadores.
Línea de tiempo
Roma