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Historia del arte occidental

La historia del arte occidental se reduce, de acuerdo a la tradición historiográfica, a la
historia del arte europeo1 desde la Edad Media así como a sus orígenes en el arte clásico
greco-romano y sus precedentes inmediatos, Egipto y Próximo Oriente. La misma rescata
una colección de obras que para el mundo occidental "poseen significación estética".2

En consecuencia con la postura de la academia, las producciones artísticas de otras

civilizaciones como la china o la japonesa, e incluso las de zonas periféricas de la misma
civilización occidental (como la propia América colonial) han quedado por fuera de este
gran relato. Tal decisión suele ser acusada de eurocentrismo por parte de los partidarios de
una perspectiva global.3

Es caraterístico de la bibliografía la periodización, es decir, la división en sucesivas unidades

de estudio. Para definir los períodos se utilizan vocablos de muy diverso calibre como
nombres de países, ciudades, territorios, culturas, civilizaciones, escuelas o simplemente
rótulos puestos arbitrariamente a posteriori por la propia historia del arte.4 Como reconoce
Erwin Panofsky, esta tendencia a dividir en períodos o "megaperíodos", como él los llama,
se hace necesario en tanto que permite diferenciarlos y entenderlos.5

La división que prosigue es un ejemplo de ese orden, netamente cronológico y en parte

evolutivo.

Índice
Arte antiguo
Arte del Antiguo Egipto
Arte clásico: Grecia y Roma
Arte medieval
El Renacimiento
Manierismo, Barroco y Rococó
Neoclasicismo, Romanticismo, Academicismo, Realismo
Impresionismo, post-Impresionismo
Arte moderno y vanguardista
Arte contemporáneo
Referencias
Enlaces externos
Bibliografía

Arte antiguo

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Aunque el concepto de Arte es moderno, es perfectamente

utilizable en la arquitectura, escultura, pintura y joyería de la
antigüedad, siendo muchas de sus realizaciones auténticas obras
de arte y no simples trabajos utilitarios de artesanía. La
formulación de la estética clásica occidental se inicia con las
culturas griega y romana.
Gran pirámide de Guiza.
En la Antigüedad, el arte estuvo asociado a las necesidades
formales de los rituales religiosos: la mayor parte de monumentos
y elementos con innegable valor artístico que han perdurado (pintura, escultura,
arquitectura), tenían por finalidad simbolizar el poder real y los mitos del mundo celestial.
Esta visión del arte se encuentra especialmente entre los egípcios y babilonios.

Arte del Antiguo Egipto

En el arte egipcio hay una exaltación de la vida eterna,

manifestándose en las primeras épocas la idea que el faraón
seguía viviendo después de su muerte física. En Egipto, desde las
primeras dinastías, el faraón era concebido como responsable de
la Maat, el Orden y la Justicia Universal, y ello tendrá su reflejo
en el arte.

La arquitectura egipcia, de fuerte carácter simbólico y gran

monumentalidad, emplea por primera vez la piedra tallada, en
Escriba egipcio.
grandes bloques, con un sistema constructivo adintelado y sólidas
columnas. Las construcciones más características de la
arquitectura egipcia religiosa son los "complejos de las
pirámides", los templos y las tumbas (mastabas e hipogeos). Se
han conservados pocos restos de arquitectura civil, pues fueron
construidos con adobe. (véase: Arquitectura del Antiguo Egipto)

La escultura alcanza durante la cuarta dinastía el dominio

absoluto de la técnica en elegantes y realistas representaciones de
escribas y estatuas de faraones de porte majestuoso.
Predominaba la "ley de la frontalidad". (véase: Escultura del
Antiguo Egipto) Bajorrelieve. Louvre.

Las representaciones murales, en bajorrelieve o pinturas,

representan con criterio simbólico y jerárquico imágenes mitológicas, de la realeza y,
posteriormente, escenas de la vida cotidiana (en tumbas de nobles). Predominaba el "canon
de perfil". (véase: Pintura del Antiguo Egipto)

Arte clásico: Grecia y Roma

Los griegos son los responsables de un concepto de arte que impregnará prácticamente toda
la producción artística europea occidental durante más de 2000 años. La palabra griega
para el arte, tekné, que también significa técnica u oficio, estará asociada a la idea de
mímesis, que considera que en el mundo real, la manifestación artística debe representar la

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búsqueda de lo ideal. Lo ideal, para los griegos, era representado

por la Perfección de la Naturaleza, de esta forma, el arte debe ser
perfecto. Por lo tanto, según el punto de vista clásico, el arte es
una imitación de la naturaleza, más no se reduce a un simple
retrato de ella, sino que busca una naturaleza ideal y universal. La
búsqueda de este ideal universal de naturaleza es, para el arte
clásico, la búsqueda de la belleza universal, pues la naturaleza,
siendo perfecta, es bella. No existe separación, según este punto
de vista, entre arte, ciencia, matemáticas y filosofía: todo
conocimiento humano está destinado a la búsqueda de la
perfección.

Los griegos son responsables también de una serie de avances

desde el punto de vista técnico de la producción artística. El arte
griego por excelencia fue la escultura: los griegos la desarrollarán
de forma impresionante, y será considerada un modelo a seguir
por otras culturas del mismo periodo. La búsqueda de las
proporciones naturales perfectas6 llevó también a que la
escultura griega estableciese determinados cánones de belleza
Escultura clásica. que, aunque absolutamente naturalistas, estaban alejados de la
realidad cotidiana. Las proporciones de los cuerpos humanos
ideales seguían normas rígidas, de forma que la producción
escultórica fuese una búsqueda y una consecuencia de estos cánones: por ejemplo, la altura
del cuerpo masculino debería corresponder aproximadamente a siete veces y media la
altura de la cabeza. Esta proporcionalidad llegó hasta nuestro días principalmente gracias a
la conservación de los textos vitruvianos durante la Edad Media, aunque es probable que
tratados distintos reflejasen reglas diferentes.

En el terreno de la arquitectura, los edificios más característicos del arte griego son los
templos, los cuales suelen clasificarse según la tipología de sus plantas y el orden o estilo de
las columnas. Los romanos reproducirán muchos de los esquemas arquitectónicos griegos,
pero introduciendo además nuevos elementos como el arco, así como nuevas técnicas y
materiales de construcción. En Roma, por otro lado, la arquitectura civil cobrará una mayor
importancia.

Arte medieval
El arte durante la Edad Media estuvo casi exclusivamente ligado a la religión, más
concretamente al cristianismo. Durante este periodo, en el que la inmensa mayoría de los
campesinos era iletrada, las artes visuales eran el principal medio para comunicar las ideas
religiosas junto con los sermones. La Iglesia católica era una de las pocas instituciones lo
suficientemente ricas como para pagar la obra de los artistas, y por tanto la mayor parte de
las obras de este periodo eran de naturaleza religiosa (condicionando la aparición de lo que
se conoce como arte sacro).

Desde la caída del Imperio romano, muchas de las técnicas artísticas de la Grecia Antigua se
perdieron, lo que llevó a la pintura medieval a ser mayoritariamente bidimensional. Como
no existía ninguna noción de perspectiva en el arte, las personas retratadas eran pintadas
mayores o menores de acuerdo con su importancia. Junto con la pintura, la tapicería era la

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más importante forma de arte medieval, teniendo en

cuenta que los tapices eran necesarios para mantener el
calor interno de los castillos (construidos en piedra)
durante el invierno. La tapicería medieval más famosa
es el ciclo de La Señora y el Unicornio.

Los dos principales estilos arquitectónicos

(relacionadas principalmente con la construcción de
catedrales) fueron el románico y el gótico.

El románico se caracterizaba por muros gruesos y

estructuras macizas, apenas aligeradas por vanos. El
gótico, caracterizado por construcciones de una mayor
altura y con un gran número de vanos, supuso la
aparición de nuevas técnicas de construcción, Pintura medieval: pedagógica,
pudiéndose prescindir de muros gruesos gracias al uso religiosa: Ábside de Sant Climent de
de las bóvedas de crucería en las que la estructura de Taüll
nervios se independizó de los paños. En la construcción
de las catedrales se buscaba crear una sensación
"mística" en el interior de las mismas, es decir, se buscaba unos interiores que recrearan un
ambiente "celestial", efecto que se hace más notorio en el gótico.

Un hecho a tener en cuenta es la aparición de los gremios en este periodo, reuniendo a

artesanos que detentaban el monopolio del conocimiento práctico de determinada rama de
la producción.

Se debe resaltar que el pueblo durante la Edad Media no poseía el hábito de la lectura, y
eran muy pocos los que tenían acceso a la escritura y podían leer. Por lo tanto, el arte fue
una forma de difundir en la sociedad la doctrina del cristianismo.

Resulta difícil identificar a artistas individuales en este periodo, salvo algún maestro de
obra en las construcciones arquitectónicas, y la mayor parte de las obras son de autores
anónimos.

Periodo: siglo VI - siglo XV

El Renacimiento
Artículo principal: Renacimiento

Durante la Edad Media europea, las pinturas y esculturas tendían a estar centradas en el
tema religioso, especialmente en el Cristianismo. Pero, a medida que el Renacimiento
emergía, el foco de atención de los artistas se traslada hacia el pasado clásico, buscando
influencias en la Grecia Antigua y Roma, llevando a profundos cambios tanto en los
aspectos técnicos como en cuanto a los motivos y temáticas de la pintura y la escultura. Los
pintores pasaron entonces a aumentar el realismo de sus trabajos usando las nuevas
técnicas de perspectiva (recién redescubierta y bastante desarrollada), representando de un
modo más realista las tres dimensiones. La manipulación de la luz y la sombra, presente en
los trabajos de Ticciano con contraste de tonos, fue realizada excelentemente mediante las

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técnicas de chiaroscuro y de sfummato desarrolladas

por Leonardo da Vinci. Los escultores también
redescubrirán muchas técnicas antiguas como el
contrapposto.

También se adoptarán muchos elementos de la

arquitectura griega y romana, pero la gran innovación
de la arquitectura renacentista va a ser el
perfeccionamiento de la construcción de cúpulas,
destacando la cúpula de Santa María del Fiore, en
Florencia.

Siguiendo el espíritu humanista del periodo, el arte se

volcó hacia temáticas más laicas, buscando motivos en
la mitología clásica añadiéndolos a los temas cristianos.
Este género de arte suele denominarse clasicismo
renacentista. Los tres artistas renacentistas más
El Hombre de Vitruvio de Leonardo
influyentes son Leonardo da Vinci, Michelangelo
da Vinci es el símbolo del espíritu
Buonarroti y Rafael Sanzio, pertenecientes al
humanista del Renacimiento. El arte
renacimiento italiano.
de este periodo A arte do período
refleja las características del diseño:
Otra figura igualmente importante aunque menos
clasicismo, razón y simetría.
conocida del Renacimiento (en este caso, de la pintura
flamenca) es Jan van Eyck, pintor holandés.

Periodos:

Renacimiento italiano - finales del siglo XIV hasta mediados del siglo XVI
Renacimiento nórdico - siglo XVI

Manierismo, Barroco y Rococó

Artículos principales: Manierismo, Barroco, Rococó

En el arte europeo, el Clasicismo renacentista dio lugar sucesivamente a dos movimientos

diferentes: el Manierismo y el Barroco. El primero, una reacción contra la perfección
idealista del Clasicismo, empleó la distorsión de la luz y de los espacios en la obra con el fin
de enfatizar su contenido emocional y las emociones del artista. El arte barroco llevó las
técnicas de representación del Renacimiento hasta nuevas alturas, enfatizando los detalles y
el movimiento en su búsqueda de la belleza. Tal vez los pintores barrocos más conocidos
sean Rembrandt, Rubens y Velázquez.

El manierismo supone una época de transición y de profunda crisis del arte. Los artistas
jóvenes, criados en la veneración del oficio de sus geniales predecesores (Miguel Ángel,
Leonardo y Rafael), creen en su mayoría insuperables los logros de estos. Se prueban
diferentes alternativas para poder continuar su estela: imitar el estilo -la maniera, que da
nombre al manierismo-, a base de complicar todavía más escorzos y contrastes, o buscar
extraños colores y armonías, o representar extrañas alegorías que incluso en su época eran
oscuras para los no iniciados.

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El barroco se ha despreciado posteriormente por ser un

arte recargado, en el que se le da un especial énfasis a la
expresividad, muchas veces exagerada.

Pero también es la época de mayor esplendor de las

artes visuales, música, literatura y arquitectura en
muchos países europeos. Pintores como Rembrandt,
Rubens o Velázquez suelen utilizarse como paradigma y
son mencionados ampliamente como cumbre de la
perfección técnica en pintura.

El arte barroco es frecuentemente visto como parte de

una estrategia de la Contrarreforma o reforma católica:
el elemento artístico del auge de la vida espiritual de la
Iglesia católica. Para algunos historiadores del arte el
énfasis que el arte barroco da a la grandiosidad es visto Retrato de Rembrandt.
como un reflejo del Absolutismo. Luis XIV de Francia
dijo: "Yo soy la encarnación de la
grandiosidad" [cita requerida] , y muchos artistas barrocos servirán a los reyes buscando ese
mismo objetivo. Sin embargo, el amor barroco por el detalle es con frecuencia considerado
como el resultado de un excesivo ornamentalismo, en cierta forma, vulgar, especialmente
cuando el Barroco evoluciona hacia el estilo decorativo del Rococó. Después de la muerte de
Luis XIV, el rococó floreció por un corto período, decayendo enseguida. Como efecto de la
aversión a la ornamentación excesiva del Rococó tendrá lugar el nacimiento del
neoclasicismo.

Periodos:

Manierismo - siglo XVI

Barroco - siglo XVII hasta mediados del siglo XVIII
Rococó - mediados del siglo XVIII

Neoclasicismo, Romanticismo, Academicismo,

Realismo
Artículos principales: Neoclasicismo, Romanticismo, Academicismo, Realismo

A medida que el tiempo pasaba, muchos artistas se manifestaban contrarios al

ornamentalismo de los estilos anteriores, y buscaban volver al arte anterior, más simple, del
Renacimiento, formando el estilo que será conocido como Neoclasicismo. El neoclásico fue
el componente artístico del movimiento intelectual conocido como Iluminismo, el cual era
igualmente idealista. Ingres, Canova y Jacques-Louis David están entre los más conocidos
neoclásicos.

En la arquitectura los teóricos van a adoptar de nuevo las formas del Arte Romano y
Renacentista, pero defendiendo la racionalidad y funcionalidad de las construcciones y
desechando el dinamismo y los elementos ornamentales que habían caracterizado la etapa
anterior. Otro elemento característico de la arquitectura neoclásica es su monumentalidad,

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utilizada con la finalidad de comparar los reinos e

imperios del momento con la grandiosidad del Imperio
romano.

No puede obviarse, en la génesis del Neoclasicismo, la

importancia de un cambio de mentalidad -no por
casualidad surge en el Siglo de las Luces, siglo también
de la Enciclopedia, la Revolución francesa y la primera
Revolución industrial, así como del nacimiento de la
Arqueología, y los importantes hallazgos de Pompeya y
Herculano, y la creciente importancia de los libros de David es un ejemplo paradigmático
viajes, que aportaron un punto de vista nuevo sobre la de neoclasicismo.
cultura clásica y en cierto modo la pusieron de moda.

De la misma manera que el Manierismo rechazaba el

Clasicismo, el Romanticismo rechazaba las ideas
iluministas y la estética neoclásica. El arte romántico
utilizaba el color y la gestualidad con el fin de retratar
las emociones, pero, como el clasicismo, utilizaba la
mitología clásica y la tradición como una importante
fuente de simbolismo. Otro importante aspecto del
Romanticismo fue su énfasis en la naturaleza, en el
retrato del poder y la belleza del mundo natural,
siempre idealizados de acuerdo con un yo. El
Romanticismo fue también un gran movimiento La libertad guiando al pueblo, de
literario, especialmente en la poesía. Entre los mayores Eugène Delacroix, es uno de los
artistas románticos están Eugène Delacroix, Francisco cuadros más importantes del
Goya, y William Blake. Romanticismo.

Muchos artistas de este periodo tenderán a presentar

una posición centralizadora que los llevó a adoptar simultáneamente características
diferentes de los estilos romántico y neoclásico, como forma de sintetizarlos. Las distintas
tentativas tomarán forma en la Academia Francesa, y reuniéndose colectivamente en la
Academia de Arte. Se considera que William Adolphe Bouguereau encabeza esta nueva
tendencia artística.

A inicios del siglo XIX, el aspecto y la sociedad de Europea se vieron radicalmente alterados
por la industrialización. La pobreza, la miseria y el desespero parecían ser el destino del
nuevo proletariado creado por la Revolución industrial. En respuesta a estos cambios
acontecidos en la sociedad surge el movimiento realista. El realismo procura retratar
esmeradamente las condiciones de vida y dificultades por las que pasan las clases populares
en la esperanza de cambiar la sociedad. Para este movimiento, el artista debe representar su
tiempo, sin que tenga que posicionarse por un partido definido: debe retratar los puntos
que considera adecuados, denunciando la sociedad. En contraste con los románticos, que
eran esencialmente optimistas con el destino humano, el Realismo retrató la vida de las
profundidades de una tierra urbana sin orden. Al igual que el Romanticismo, el Realismo se
desarrolló también como un movimiento literario. Entre los grandes pintores realistas están
Gustave Courbet y Edouard Manet (quien abriría el camino para el Impresionismo).

Es interesante notar que, el neoclasicismo haya sido dejado para el principio cuando con la

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aparición de los nuevos estilos, este continuó existiendo puntualmente y, en ciertos lugares,
la arquitectura neoclásica perdurará hasta inicios del siglo XX.

Periodo:

Neoclasicismo - siglo XVIII al siglo XIX

Romanticismo - fines de siglo XVIII hasta mediados del siglo XIX
Realismo: siglo XIX

Impresionismo, post-Impresionismo
Artículos principales: Impresionismo, Postimpresionismo

Surgido de la ética naturalista del Realismo, pero al

mismo tiempo apartándose de ella, creció un
importante movimiento artístico: el Impresionismo.
Surge la fotografía y esta toma el lugar de la pintura
de retratos, y los artistas se volcarán en la búsqueda
del elemento fundamental de la pintura y destacado Van Gogh
El de la fotografía. Se encontrará en la luz y el representa una
Impresionismo movimiento. Los impresionistas fueron los pioneros de las
de Claude en el uso de la luz en la pintura como forma de tendencias del
Monet. capturar la vida como vista por los ojos humanos. Postimpresionismo
Edgar Degas, Edouart Manet, Claude Monet, Camille
Pissarro y Pierre-Auguste Renoir estaban
relacionados con el movimiento impresionista.

Buscando nuevas formas de expresión y de diálogo con la realidad, surgirán artista que,
aunque con un origen impresionista, se separarán del movimiento, previendo el
advenimiento de lo moderno. Genéricamente llamados post-impresionistas, entre los
integrantes de este grupo (que no poseían ningún vínculo formal, siendo muchas veces
desconocidos unos de otros) se incluían Vincent van Gogh, Paul Gauguin y Paul Cézanne.

Arte moderno y vanguardista

Definir el arte moderno es un asunto complicado ya que se han adoptado diversos puntos
de vista en relación a los periodos que abarca. Sin embargo, existe consenso en considerar
que se inicia con el impresionismo y las vanguardias artísticas europeas de inicios del siglo
XX ya que en lo sucesivo se producen un fuertes transformaciones en la representación de
la imagen. Hubo importantes rupturas con respecto a las normativas del arte académico.7
Esto se fue dando sucesivamente desde los impresionistas, pasando por los aportes de
Vincent Van Gogh, Paul Gauguin y Paul Cézanne, entre otros, que sirven de referente y
reflexión para los artistas de generaciones inmediatamente posterior. La idea de
modernidad se la relaciona por lo general con una nueva forma de asumir el problema
estético, dejando atrás las reglas de la tradición. Tienen en común mayor conciencia de su
época y de los cambios importantes que se venían produciendo, como por ejemplo, un
mayor dinamismo y movilidad en su vida cotidiana debido a las nuevas tecnologías para la
comunicación así como novedades en el transporte, entre otras. Todo ello fue de impacto

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para una percepción de la realidad mucho más dinámica y en cierto modo fugaz. Varios
artistas, poetas e intelectuales, buscaron mantener una correspondencia con "el espíritu
moderno de la época" buscando estar estar "a tono con su tiempo". Sus obras debían
expresar de alguna manera los cambios que se estaban produciendo en el momento. El
primer paso fue resquebrajar la imagen imitativa de la realidad circundante o contextual. El
desarrollo de la fotografía y la aparición del cine influenciaron sin duda para que el arte
dejase de ser imitación. Como resultado, las distintas vanguardias que surgieron a partir de
la primera década del siglo XX fueron sucediéndose en tiempos relativamente cortos con
marcadas diferencias unas de otras según los estilos y objetivos buscados. Todos buscaban
innovar.

Las vanguardias históricas, como también se las conoce, comienzan con diversos
movimientos expresionistas. En Francia con el fovismo (o fauvismo, como también se
escribe). Fue a raíz de las obras presentadas en el Salón de Otoño de 1905 que se dio a
conocer con este apelativo. Las pinturas se destacaban por la expresión "salvaje" por medio
del color. Su nombre deriva de la palabra en francés fauve que refiere a 'fieras' y fue el
crítico Vauxcelles quien lo acuñó cuando vio una escultura de estilo renacentista junto a
cuadros de Matisse, Roualt y Derain8 . El grupo Die Brücke (El Puente) fue, por otro lado, el
primero en Alemania. Se formó en Dresde, al igual que los fovistas, en 1905, aun cuando sus
integrantes se conocían con antelación. Formaron parte de este grupo los artistas Ernst
Ludwig Kirchner, Bleyl, Heckel, Schmidt-Rottluff, Nolde y otros más. En 1911 Vasili
Kandinsky y Franz Marc fundaron en Münich el grupo Der Blaue Reiter (El Jinete Azul).
Surgieron seguidamente otros movimientos renovadores tales como el Expresionismo, el
Cubismo (analítico y sintético), el Orfismo, el Futurismo, el Dadaísmo, el Surrealismo y por
supuesto el Arte abstracto.

Estos nuevos movimientos trastocarán las nociones tradicionales del arte y los cambios
producidos corresponden a las transformaciones que a su vez se producían en la sociedad,
en la tecnología y, por supuesto, en el pensamiento.

Periodo: primera mitad del siglo XX

Arte contemporáneo
Artículo: Arte contemporáneo.

La naturaleza misma del arte contemporáneo es compleja y es muy distinta a la de las

manifestaciones artísticas que la anteceden. Desde la antigüedad hasta el arte moderno, las
obras de arte son productos materiales que se sustentan en la relación de sus elementos de
expresión, en los estilos y, por supuesto, en sus valores espirituales que varían según las
épocas y las motivaciones de los artistas. En el arte contemporáneo ya no sucede igual.

El siglo XX fue el siglo de los grandes cambios artísticos producidos en tiempo muy veloz.
El inicio del arte moderno –que se remonta a los impresionistas de fines del siglo XIX y
luego continuó con las vanguardias– había ocasionado una importante fractura en los
modos de representación de la imagen. Ahora bien, tanto en el arte figurativo como en el
arte abstracto, el artista siempre concibió un producto material (la obra de arte) hecho con
unas técnicas y unos materiales. Pero, a partir de los años sesenta, este criterio ‘material’ del

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arte cambió y, aunque no se descarta en muchos casos el uso de materiales convencionales,

el artista contemporáneo se ha valido de otros materiales y nuevos medios expresivos no
tradicionales. El panorama que se le plantea es tan variado que puede ir de lo material a lo
inmaterial (cuando se apoya esencialmente en el concepto),con ello, puede prescindir de la
obra física, material, y trabajar a nivel de ideas. Por otro lado, puede intervenir obras a
diversas escalas: intervenir un paisaje natural o un espacio urbano, así como trabajar
instalaciones de diversa índole en espacios cerrados, o bien expresarse mediante el gesto
corporal en los performances o utilizar los nuevos medios masivos de comunicación como
el internet y crear una obra virtual. Todo depende de las búsquedas específicas de los
artistas y de las circunstancias en que éstos se desenvuelven. El arte contemporáneo es tan
amplio y heterogéneo que el intento de una definición supone ya un problema. Ello se debe
a su compleja naturaleza por lo que existen múltiples acercamientos que varían según los
enfoques de diversos autores.

Hoy día Nueva York y París han dejado de ser los únicos ejes culturales que polarizan los
avances del arte contemporáneo. No sólo los horizontes espaciales se han ampliado sino
también se valoran las confluencias culturales, tanto del arte de Occidente como de Oriente,
África, Asia, las Américas y otros regiones.

Entre los movimientos de arte contemporáneo se encuentran:

Pop art
Neodadaísmo y Nuevo Realismo
Minimalismo
Abstracción post-pictórica
Arte povera
Arte de la tierra (Land Art)
Arte público (Public Art)
Arte conceptual
Arte de acción (performance, happening)

Periodo: segunda mitad del siglo XX

Referencias
1. Estudiosos como Giulio Carlo Argan,
consideran el arte contemporáneo como
un desbordamiento de la crisis del arte
en cuanto a ciencia europea.
Los estudios sobre historia del arte, por
otro lado, suelen centrarse en la pintura,
la arquitectura y la escultura, dejando de
lado otras ramas como la literatura o la
música, las cuales son estudiadas en
4. Un claro ejemplo de esta costumbre, es
trabajos más especializados.
2. Panofsky, Erwin. 1955 Meaning in the
Visual Arts, The University of Chicago
Press, Chicago.
3. El "eurocentrismo" es sostenido entre
otros autores, por Enrique Dussel, quien
marca como punto de origen el
“descubrimiento” de América en 1492,
cuando a partir del proceso de
colonización de América, se da el inicio
al desarrollo económico y cultural de
Europa, que queda a la cabeza de la
civilización occidental y por tanto es el
centro de producción de conocimiento.
el propio término del estilo “románico”
que fue puesto por Charles de Gerville
en 1818, para explicar la producción
artística posterior a la caída del Imperio
romano y anterior al estilo gótico. La

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primera vez que se lo menciona, es en afines dentro de si [..] El vínculo más

una carta de Gerville a Auguste Le
Prevost en la que habla sobre el
medioevo.
5. El autor expone estas ideas en
"Renacimiento y renacimientos en el arte
occidental", obra que recoge una serie
de conferencias dadas por Erwin
Panofsky en 1952, a modo de curso de
verano para la universidad de Uppsala
(Suecia).
6. Platón se refiere a la armonía y
proporción del hombre en Timeo, V
diciendo lo siguiente: "Como el Dios
quería asemejarlo lo más posible al más
bello y absolutamente perfecto de los
seres inteligibles, lo hizo un ser viviente
visible y único con todas las criaturas
vivientes que por naturaleza le son
bello es aquel que puede lograr que él
mismo y los elementos por él vinculados
alcancen el mayor grado posible de
unidad. La proporción es la que por
naturaleza realiza esto de la manera más
perfecta."
7. CAUQUELIN, Anne (2002). « "El arte
moderno y su régimen" ». El arte
contemporáneo. México: Publicaciones
Cruz O, S. A. p. 18. ISBN 968-20-0411-X.
8. DE MICHELI, Mario, Mario De Micheli
(2015) [1979]. « "La protesta del
expresionismo" ». Las vanguardias
artísticas del siglo XX (Ángel Sánchez
Gijón, trads.) [Le avanguardie artistiche
del Novecento] (7a. reimpresión edición).
Madrid: Alianza Editorial, S. A. p.   86.
ISBN 978-84-206-7883-2.

Enlaces externos
Cuadros en alta calidad y frases célebres de artistas europeos (http://art-in-europe.info
/)
História da arte (https://web.archive.org/web/20050209000629/http://www.historiadaart
e.com.br/) - en portugués
Art History (http://www.arthistory.net/) - en inglés

Bibliografía
ARGAN, Giulio Carlo; Arte moderna; São Paulo: Companhia das Letras, 1992 ISBN
85-7164-251-6
GOMBRICH; E. H.; História da Arte; São Paulo: LTC Editora. ISBN 85-216-1185-4

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