Fuentes para la Historia del Arte

TEMA 4. FUENTES PARA EL GÓTICO

Introducción:

Comienzan algunos de los debates que se desarrollarán en la literatura artística.

Tradicionalmente se dice que dura desde el siglo XII hasta el siglo XV. Sin embargo, este
es un estilo cuya in uencia se alargará hasta nales del siglo XIX, ya que va a ser uno de
los periodos recuperados por esas tendencias historicistas, que recuperarían muchos de
los textos que aquí veremos. No hablamos solo del neogótico, sino de una cierta
continuidad dentro del propio gótico. Por eso, no es un estilo solamente encuadrado en
el mundo medieval.

La consideración del arte y sus agentes (artistas, mecenas, espectadores…) no sufrió

grandes avances o modi caciones hasta el nal de la baja edad media. Los textos
continuan siendo impersonales, en los que la gura del artista queda encuadrada en un
contexto general evitando los individualismos característicos del siguiente periodo, a
partir del Quattrocento. Pero, al nal de este periodo, ya veremos algunos artistas cuya
consideración comenzará a ser individual.

En cuanto al contexto, a partir del siglo XIII se produjo un desarrollo importante del burgo,
la ciudad, en la que surgieron centros artísticos de primer orden, jándose los talleres y
pudiendo de esta manera vincularse a instituciones (monasterios, iglesias, catedrales…) y
facilitando la conformación de discípulos que consolidaran las novedades artísticas del
periodo.

Los artistas:

La conformación de gremios o cofradías también fue una característica importante de

este periodo, siendo los primeros en consolidar estas instituciones gremiales los
maestros de obra (maestros canteros), cuya consideración venía del mundo antiguo; en
segundo lugar en su consideración estaban los orfebres o plateros.

El periodo gótico fue fundamental en la expansión y desarrollo de los textos legales con
la instauración de las notarías públicas, encargadas de consolidar acuerdos entre
mecenas y artistas. Esta documentación legal va a permitir que encontremos algunos
nombres propios vinculados a las obras de arte, entendiéndose esto como una señal de
cierto prestigio social y permitiendo a los historiadores conocer cuestiones biográ cas de
los artistas. La gura del artista se revaloriza gracias a la difusión de estos textos, pero
también los conoceremos a partir de la literatura. Por ejemplo, Giotto aparece en la
Comedia de Dante, lo cual demuestra la importancia del personaje, que se convirtió en la
punta de lanza de los artistas a nales del medioevo.

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En otros contextos fuera de Italia, como España o Francia, los artistas seguirán sumidos
en una gran oscuridad de la que tardarán en salir en mucho tiempo.

El soporte:

Es el pergamino, sobre todo en los textos de carácter eclesiástico o diplomático. El papel

comenzará a utilizarse, considerándose un soporte más económico, lo cual permitió una
mayor difusión de algunos escritos.

La necesidad de difundir textos apresuradamente tuvo como principal consecuencia el

cambio de letra. La letra gótica, más menuda y continua, es una herramienta que
propiciaba la escritura rápida. Surgieron las abreviaturas.

El latín estaba vinculado al mundo de la Iglesia, la corte y las universidades. No fue hasta
el siglo XIII cuando podremos observar un uso extendido de las lenguas romance,
destacando las italianas y el franceses.

Las universidades, surgidas en esta época, requerían de textos enciclopédicos para para
la formación de los estudiantes en materias como Teología, Oratoria, Derecho o
Arquitectura. Las primeras fueron la Universidad de Bolonia y la de París.

La estética y el simbolismo:

Panovsky: la arquitectura gótica y la escolástica. CITAR A LOS AUTORES DE MANUALES

Este debate nace en el románico y continúa en el periodo bajomedieval. En primer lugar,

se recupera la vinculación entre la belleza y la bondad, lo cual viene ya de la antigüedad
griega, con Platón. En segundo lugar, se ubica a la luz como el medio de conexión con la
divinidad a través de la arquitectura.

PIERRE DE ROISSY, comienzos del siglo XIII.

Es un personaje fundamental para entender la catedral de Chartres. Fue canciller de la

catedral y teólogo y escribió un pequeño texto convencionalmente titulado Manual de la
iglesia, donde se ocupó de exponer cuestiones simbólicas relacionadas con la
arquitectura (antecedente Honorio Augustondensis), donde re exiona sobre del uso de la
vidriera como un mecanismo material que permite introducir la luz como símbolo de
dios.

Se diferencia del Abad Suger en que se da por sentada la importancia de la luz, que está
asimilada en el momento, para dedicarse a introducir novedades metodológicas para
conseguir que la luz entre en el edi cio.

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SANTO TOMÁS DE AQUINO,

Uno de los Padres de la Iglesia, dominico, escribió una obra capital para entender el
pensamiento escolástico, esto es, la Suma teológica. Aquí relaciona la belleza y lo
bueno, rati cando la necesidad de encontrar estas dos características en las formas de la
naturaleza, a las que se les da la categoría de ‘artístico’. Es fundamental para
comprender el paso del románico al gótico.

Textos legales:

Estos dos autores son la continuación del Abad Suger, pero durante el periodo del gótico
surgieron los textos relacionados con aspectos legales o jurídicos. Se vinculan con
congregaciones religiosas y con las fundaciones de nuevas órdenes. En el caso del
gótico del siglo XIII se desarrollaron textos de las órdenes mendicantes, la Franciscana y
la Dominica, que se establecieron en los arrabales de las ciudades y cuya principal norma
era el juramento de tres votos fundamentales: pobreza, obediencia y castidad. A nales
de la Edad Media se separaron, cuando los dominicos se empezaron a relacionar con
algunas instituciones eclesiásticas, concentrando .. que las separaba de su origen.

SANTO DOMINGO DE GUZMÁN, siglo XIII

El fundador de la Orden Dominica, escribió el Libro de las costumbres, donde recogió

distintos aspectos sobre la vida de la orden. Se considera un texto que regla el modo de
vida de esta orden. Analiza cómo deben ser las cuestiones vinculadas tanto a la vida
diaria como a la construcción de los conventos.

Este tipo de textos consolidaron una serie de tendencias sobre ordenes religiosas que
tuvieron su punto culminante después del Concilio de Trento, cuando surgieron autores
que reformaron todo el pensamiento vinculado a las órdenes (Compañía de Jesús, p. Ej.).

Textos sobre técnicas artísticas:

Las técnicas de gótico vienen condicionadas por un cambio en el pensamiento o estética

de la arquitectura. Se escribieron textos de taller parecidos a los románicos cuyas
novedades son apenas imperceptibles, solo se diferencian porque aparece el dibujo
como mecanismo de transferencia del conocimiento artístico, favoreciendo la cultura y
repertorio visual de los artistas.

VILLARD DE HONNECOURT, siglo XIII

Arquitecto francés esencial par entender el desarrollo de la arquitectura gótica y la

invención de unos mecanismo o artilugios que favorecieron el desarrollo de esta manera
constructiva, como el arbotante.
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Se sabe poco de su biografía, pero es una de las pocas fuentes escritas por un arquitecto
en la baja edad media.

Su texto se basa en dibujos acompañados de breves comentarios en francés y en latín,

con letra gótica. Su soporte es el pergamino, con dibujos monocromos en ocre.

No es un tratado, ya que carece de sistema y de una ordenación lógica. Además, no está

pensado como modelo o repertorio para la estereotomía. El álbum de dibujos de
Honnecourt se ha interpretado como un texto personal, pensado para recopilar algunos
modelos ya construidos y para abocetar propuestas, algunas de las cuales no se llevaron
a cabo. Se han clasi cado tradicionalmente en cinco grupos.

1. Dibujos arquitectónicos donde vemos arbotantes, torres de reloj o elementos

decorativos. Honnecourt representa en sus dibujos las propuestas teóricas que se
proponían en los textos coetáneos, recogiendo un conjunto de soluciones que permiten
transformar la arquitectura gótica. Es fundamental, por tanto, como forma de ilustrar. Hay
que tener en cuenta la importancia que este dibujo arquitectónico irá teniendo en la
Historia del Arte, recogiendo la herencia de Vitruvio.

2. Dibujos geométricos. Son esenciales y se han relacionado con los modelos de

solerías que se incluyen en buena parte de las catedrales francesas (y también italianas).
Demuestra un conocimiento en la geometría.

3. Dibujos sobre ingenios o artilugios de ingeniería. Recogen mecanismos utilizados

por los arquitectos para construir los edi cios. Encontramos juegos de poleas, molinos o
artilugios para el corte de la piedra. Es interesante porque aparecen muy escasamente en
la documentación, lo cual hace que este álbum de dibujos sea una fuente esencial para
conocer la parte técnica.

4. Dibujos de plantas de cabeceras de las principales catedrales francesas.

Honnecourt demuestra un preciso conocimiento de la técnica, mostrando en planta uno
de los espacios más complejos de la arquitectura gótica, la girola. Estos son los dibujos
menos numerosos del álbum.

5. Dibujos gurativos con bocetos de guras humanas y animales. Intenta reducir

estas guras reales en guras geométricas. Vemos una asimilación entre la geometría y
los estudios anatómicos, anticipando buena parte del desarrollo del canon y proporción
producidos en el siglo XV. Los rostros se reducen a círculos, triángulos, cuadrados…
Todo esto se hace de una forma intuitiva.

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Convocatorias de arquitectos:

Fuente que nace en la Baja Edad Media. Las grandes instituciones culturales de la época,
las catedrales, monasterios, grandes palacios, etc., requerían de una serie de arquitectos
para informarse casi a modo de consulta sobre los proyectos y remodelaciones que se
debían acometer en estos edi cios. Por ello, era habitual que estas instituciones oferten
una convocatoria de arquitectos a la que acudían los maestros mayores para dar su
parecer acerca de proyectos determinados. Esto dio como resultado una gran cantidad
de documentación que constituyen una fuente fundamental en la Historia del Arte.

Son documentos muy precisos desde el punto de vista cronológicos, permitiéndonos

saber cuáles fueron las remodelaciones de los edi cios durante la Baja Edad Media y la
Edad Moderna (s. XVIII). Son importantes porque permite comparar las distintas
opiniones, las propuestas, las disputas de los arquitectos…

A principios del siglo XIV, el cabildo de la Catedral de Chartres convocó a un grupo de

arquitectos para que informaran sobre el estado de las cubiertas de a catedral, sentando
un precedente fundamental que será seguido por otras instituciones.

El ejemplo más conocido en el caso español fueron los informes relacionados con la Seu
de Girona, cuyas naves fueron ampliadas en este momento y para lo cual se convocaron
a varios arquitectos para que dieran su parecer.

Otro caso conocido es el de la Catedral de Milán. A nales del siglo XIV se llevó a cabo
una convocatoria de arquitectos a la que acudieron franceses que construyeron buena
parte de la cabecera.

De arte illuminandi.

Escrito en el siglo XIV en latín, es un texto anónimo conservado en la Biblioteca Nacional

de Nápoles. Se ha interpretado como el único tratado que conservamos de principios del
siglo XIV. De manera sistemática y ordenada recoge el conocimiento teórico y técnico
que existía hasta este momento sobre el arte de iluminar manuscritos. Esta era una de las
prácticas artísticas más importantes, dedicándose a ella algunos de los pintores más
reconocidos del momento.

Escrito sobre pergamino, es un texto singular en este momentos, constituye el gran

antecedente del texto teórico más importante del Trecento, El arte de la pintura de
Cennino Cennini. Se podría considerar un consecuente de la obra de Plinio el Viejo.

Su repertorio teórico no es tan extenso como podría ser Vitruvio o Alberti, pero al
recoger el arte de esta técnica se ha considerado un tratado.

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Contratos y textos de notarías:

La difusión de estos acuerdos escritos entre mecenas y artistas va a permitir a los

historiadores conocer la autoría de muchas de las obras de este periodo, pues ya los
nombres de los artistas empiezan a trascender. Además, también aportan otras
informaciones importantes como la localización, el uso, la fecha de construcción, etc.
Nos hablan de la consideración del artista en la Historia del Arte (pregunta de examen).

Uno de los contratos más conocidos es el que vinculó a Nicola Pisano con la Catedral
de Siena, para la cual realizó una serie de obras arquitectónicas y suntuarias que
demuestra la gran cantidad de información que se recoge en estos textos.

Bernard Llopart es un platero contratado a principios del siglo XV para elaborar una cruz
de altar. Pertenecía a una cofradía catalana y gracias a este contrato podemos reconocer
el aspecto sociológico del arte.

Un último caso curioso es el de Sebastián Almonacid, que aparece en un contrato del

siglo XV. Un duque español contrata la hechura de su sepulcro a este personaje, cuyo
nombre nos dice que es un artista mudéjar. En el contrato se recogen todas las piezas
que se han de hacer. El arista tiene muy poca visión creativa, es el mecenas quien
decide cómo debe ser la obra y el artista debe ceñirse a las reglas siempre que
sean viables.

Posición del artista en la sociedad bajomedieval:

Debemos tener en cuenta el contexto heterogéneo de la Europa bajomedieval. En las

cortes italianas surgieron unos documentos que nos permiten entender la progresiva
importancia que cobra el artista en su sociedad.

NUCCIO DI NICCOLÓ

Una de las primeras referencias sobre este tema viene por parte de Nuccio di Niccoló,
que tuvo un taller en Siena y cuyo nombre y trascendencia aparece re ejada en toda una
serie de manuscritos donde se exalta la producción de este pintor. Estos textos
describen ceremonias o liturgias que se llevan a cabo en el entorno de Siena en unas
prácticas de las que participan las obras de Niccoló.

Los autores de estos informes incluyen el nombre del pintor como un elemento que
aporta una cierta identidad y categoría a esa obra. Esto demuestra que nos situamos
ante el comienzo de un proceso de revalorización del artista en su sociedad, que hasta
ahora está únicamente ceñido a la Italia del siglo XIV. Posteriormente se extenderá a
Flandes y luego a España, Francia y el resto de países.

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DANTE ALIGHIERI

Autor de la Comedia y el gran poeta italiano del momento, en su obra son numerosas las
referencias a autores como Virgilio pero también a los artistas plásticos. Con Dante
podemos entender el contexto artístico de su tiempo. Son muy interesantes las
comparaciones que establece entre el pintor Oderisi y la obra de otros pintores que
superan su estética anticuada al aplicar las novedades técnicas o teóricas propias del
Trecento italiano, destacando Giotto.

Que Dante cite y valore su obra (Giotto tiene la fama), demuestra que estamos ante una
gura absolutamente reconocido por sus coetáneos, ante un artista que ejempli ca el
nuevo papel que estos creadores tienen en su sociedad como personas de referencia,
que realizan una actividad que se aproxima a lo racional y que poco a poco están
dejando de ser meros artesanos para realizar una actividad que les con ere un prestigio
social. Esta es una lucha de los artistas del Quattrocento.

Giotto ha sido capaz de superar a todos sus colegas, lo cual tiene una gran importancia,
ya que Vasari empieza sus Vidas con Giotto. Dante fue una fuente clara utilizada por
Vasari.

BOCACCIO

También incorpora noticias sobre los artistas del momento. En el Decamerón, incluye
algunas referencias a la gura de Giotto, al que ya considera como un artista que ha
superado el desarrollo de la pintura anterior. Es una obra de referencia para valorar el
modelo de pintura de Giotto, la cual se basa en la interpretación de la naturaleza. Se
aparta del pensamiento escolástico que había dominado el arte medieval hasta ese
momento, con un arte esencialmente simbolista, para buscar la copia de la naturaleza en
base a la observación. Giotto se reconoce como la punta del lanza en el arte del
Trecento.

CENNNINO CENNINI

Libro de Akal

Es la fuente más destacada de la Italia del Trecento. Escribió el Libro del arte. Tratado
de la pintura. Escribe uno de los textos más problemáticos en cuanto a su clasi cación.

Esta obra se escribió en un contexto muy preciso que favoreció su ambigüedad, ya que
nos situamos en un periodo donde todavía siguen vigentes las prácticas y técnicas
medievales, pero donde ya se empiezan a insinuar algunos principios del llamado por
Venturi “naturalismo humanista”.

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Este contexto de dos mundos enfrentados da como resultado el libro de Cennini,

escrito a nales del siglo XIV en la zona del Véneto, está escrito en este dialecto. La obra
se escribe en 1390, de la que se conservaban tres manuscritos, destacando el de la
Biblioteca Laurenciana de 1347. La primera edición impresa se fecha en 1821.

El libro comprende un total de 189 capítulos dividido en cuatro partes:

1. Introducción. Se tratan los pecados de los artistas y las técnicas (medievales).

2. Técnicas como el fresco y el óleo y sus ideas sobre el espacio (perspectiva).
3. Técnicas sobre tabla.
4. Referencias a moldes y modelos.

Este autor tiene una vasta formación y se vincula al taller de los Gaddi, una dinastía de
pintores que se establecieron en Florencia. Cennini reivindica la importancia de Giotto
en la aportación de novedades a la pintura orentina. Gracias a este autor sabemos que
Gaddi había formado parte de su taller, convirtiéndose en un sucesor de este pintor.
Cennini se estaba integrando en la línea de discípulos de Giotto, reconociendo que en el
taller se potenciaba la formación técnica e intelectual. En cuanto a la organización de
los talleres, la relación entre maestro y alumno era todavía estrecha e inseparable, lo
cual era lo propio de un taller medieval. Cennini es una bisagra entre unos
planteamientos retardatarios o medievales y unos vinculados al mundo del
Trecento.

Por otra parte, Cennini es importante por comenzar a advertir la digni cación del arte
(como advierte el autor de nacidos bajo el signo de Saturno). Este concepto recoge el
proceso mediante el cual el artista intenta elevar su práctica hacia lo racional o lo
intelectual. En el caso de Cennini se atisba brevemente, ya que reconoce que su trabajo
es racional, pero también son numerosas las alusiones al mundo de la creencia y
especialmente al pecado (que se acerca más a las ideas escolásticas).

Cennini admite que había manejado un conjunto de fuentes que relacionamos con
textos enciclopédicos y técnicos. Un antecedente de Cennini fue Teó lo. De estos
textos medievales, el autor recoge la relación del arte con la religión o con el
simbolismo.

El siguiente tema que desarrolla Cennini es la relación entre arte y ciencia. Considera
que dentro de las prácticas más dignas de hombre está la ciencia empírica, disciplina
necesaria para la pintura por capacitar al artista para darle forma a la ‘fantasía’ (el
imaginario o el pensamiento). La pintura empieza en un pensamiento abstracto y gracias
a la utilización de la ciencia se le puede dar forma. Estas palabras reivindican en papel
liberal de la pintura, lo cual no se había reconocido antes en los textos.

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Coloca a los pintores en el escalafón más alto de la sociedad. A partir de este

pensamiento, se fundó en 1380 la Compañía de San Lucas, la Cofradía de Pintores, que
aparecerá citada junto a otros gremios como los Médicos, lo cual denota un cierto
reconocimiento a la orden pictórica. El pintor se comprende dentro de un grupo social,
un gremio, en una organización todavía un poco medieval. En el Renacimiento se
produciría la individualización del artista, que se separa de su grupo. Cennini está
sentando las bases del pintor moderno, cuya práctica le permite reconocer la
naturaleza como un elemento esencial que debe ser interpretado, evitando las
simbologías, los mensajes teológicos o cuestiones que en lo formal alejen a la pintura de
lo racional.

Cennini reconoce que el dibujo es una práctica fundamental para empezar a pintar
gracias a su capacidad didáctica. Pero al mismo tiempo tiene autonomía sobre la
pintura. El dibujo per se puede ser considerado como una práctica artística. Se empieza
a considerar como una técnica propia diferente de la pintura. Alberti verá en el dibujo una
herramienta esencial para captar la capacidad de raciocinio del pintor (esto explica la
escuela orentina de pintura, basada totalmente en el dibujo).

La obra es considerada una fuente esencial para estudiar el Trecento italiano,

destacando los estudios de los historiadores de la escuela de Viena como Schlosser o
los neoidealistas italianos, entre los que destaca Venturi.

SCHLOSSER

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