UACJ

Historia del Diseño Grafico

Maestra: Susana Salgado Huesca
Grupo: C-L1

Actividad D1. Arte Moderno

Dania María Quezada Parra

Matricula: 238540
De acuerdo con la lectura, en el arte moderno podemos encontrar varios movimientos, como lo
son el cubismo, el futurismo, el dadaísmo y el surrealismo, de los cuales estaré hablando en el
siguiente resumen. Estos movimientos visualmente no son tan similares, pero todos pertenecen
al arte moderno, y algo que tienen en común, es que llegaron a romper con las tradiciones y lo
clásico, también innovaron en todos los aspectos de sus trabajos, además que todos
reaccionaban a los acontecimientos que sufrían y a las ideas que iban surgiendo, abriendo paso
a innovaciones artísticas y nuevos movimientos.

Durante las dos primeras décadas del siglo XX ocurrieron cambios que alteraron radicalmente a todos los
ámbitos del ser humano, el carácter de la vida social, política, cultural y económica. Por ejemplo, en
Europa la monarquía se reemplazó por democracia, surgieron avances científicos y tecnológicos que
transformaron el comercio y la industria, la Primera Guerra Mundial y las tradiciones e instituciones de la
civilización occidental que perturbó, entre otros sucesos más. En respuesta a estos, las artes
experimentaron una serie de revoluciones creativas que cuestionaron sus valores, sistemas de
organización y funciones sociales.
Muchos artistas se inspiraron en la protesta social, las ideas elementales del color y la forma, la visión de
la teoría psicoanalítica y de los sentimientos más íntimos.
Algunos movimientos tuvieron más impacto en el diseño gráfico que otros, como es el caso del cubismo,
el futurismo, el dadá y el surrealismo, en cambio, movimientos como el fauvismo y el expresionismo
alemán no tuvieron mucho impacto.

Cubismo
La génesis de este movimiento fue Las Mujeres de Avignon de Pablo Picasso de 1907. Esta pintura trajo
una nueva propuesta en el manejo del espacio y en la expresión humana. Las figuras se abstraen en
planos geométricos y se tiene libertad en la forma de representar la figura humana. Todo esto viene de
las estilizaciones geométricas de las esculturas africanas y de Cezanne quien dijo que el artista debía
“tratar la naturaleza en términos del cilindro, la esfera y el cono”.
Picasso y Georges Braque desarrollaron el cubismo como un movimiento artístico que sustituía la
representación común de las apariencias con posibilidades infinitas de formas inventadas. Al trabajo de
ambos se le llamó “Cubismo analítico”. La fascinación de este viene de la tensión entre la atracción
sensual y la intelectual de la estructura pictórica y el reto de descifrar el significado.
En 1912 Picasso y Braque introdujeron elementos del Collage en su trabajo, ya que estos les daba la
libertad de composición y declaraban la realidad de la pintura como un objeto bidimensional, sin
mencionar que la textura de los elementos podía significar objetos. Además, se podían incorporar letras
y palabras de periódicos.
En 1913 el cubismo evolucionó hacia el “Cubismo sintético”. En este no se buscaba representar tan
evidentemente la apariencia exterior, sino la esencia de un objeto y sus características básicas. Uno de
los artistas principales fue Juan Gris, quien en sus pinturas combinaba la composición de lo natural con
un diseño estructural independiente del espacio pictórico. Otro artista que se unió a Picasso y a Braque
en el cubismo fue Fernand Léger. Él se tomó más enserio las palabras de Cezanne sobre el cilindro, la
esfera y el cono más que ningún otro cubista. Las estilizaciones de Léger de los objetos y la figura
humana sirvieron como inspiración principal para el modernismo pictórico.

Futurismo
Filippo Marinetti fundó el futurismo en 1909 en el “Manifiesto del Futurismo” en el cual proclamaba la
pasión por la guerra, la era de las maquinas, la velocidad y la vida moderna, además criticaba los
museos, las librerías, el moralismo y el feminismo. Marinetti fundo al futurismo como un movimiento
revolucionario en todas las artes para poder probar sus ideas y sus formas contra la nueva sociedad
científica e industrial. Marinetti y sus seguidores crearon una poesía que desafiaba la sintaxis y la
gramática ortodoxa gracias a que tenía una carga explosiva y emocional.
El diseño tipográfico fue llevado al campo de batalla artístico gracias a la publicación del periódico
“Lacerba”.
Con la invención del tipo móvil de Gutemberg, la mayor parte del diseño gráfico solía tener una
estructura vertical y horizontal, sin embargo, en el futurismo no les importó esto, por lo que animaron
sus páginas con composiciones dinámicas y no lineales, realizadas por medio de palabras y letras
pegadas, en vez de la reproducción fotográfica.
Los pintores futuristas estaban bastante influenciados por el cubismo, a pesar de esto expresaban
movimiento, energía y secuencia cinemática en sus trabajos.

Los futuristas fueron los que comenzaron con la publicación de manifiestos, la experimentación
tipográfica y las estrategias publicitarias. También se buscaron convertir la escritura, la tipografía o
ambas en formas visuales concretas y expresivas, por lo que empezaron a utilizar la poesía modelo. Estos
versos tomaban la forma de objetos o símbolos religiosos. En el siglo XIX el poeta alemán Arno Holz,
innovó con más efectos para la poesía modelo ignorando las mayúsculas y la puntuación, teniendo
variaciones en el espaciado de las palabras para significar pausas y empleando más de un signo de
puntuación con el propósito de dar énfasis.
El poeta francés Stéphane Mallarmé, en su obra “Un coup de Dés”, logró vincular la tipografía con la
notación musical; la colocación y la altura de las palabras están relacionadas con la entonación, su
importancia en la lectura oral y el ritmo. Otro poeta francés, Guillaume Apollinaire estuvo muy
relacionado con los cubistas. Tuvo una contribución al diseño gráfico bastante única, la cual fue la
publicación de su libro “Caligramas” de 1918, poemas en los cuales las letras están posicionadas para
poder formar un diseño, una figura o una pictografía visual. En estos poemas se busca la fusión de la
poesía y la pintura y se intenta introducir la simultaneidad del tiempo y la tipografía límite de la
secuencia de la página impresa.

Dadaísmo
El poeta húngaro Tristán Tzara fue quien guio el movimiento dadaísta. Él escribió muchos manifiestos y
contribuyó en todos los eventos y publicaciones más importantes. El dadaísmo reaccionaba a un mundo
que se había vuelto loco, por lo que afirmaba ser antiarte y tenía un elemento destructivo y negativo
bastante fuerte.
El dadaísmo buscaba la libertad total, rechazando toda tradición. Esto les permitió enriquecer el
vocabulario visual del futurismo. Sin mencionar que se mantuvo el concepto del cubismo sobre que las
letras son formas visuales concretas y no solo símbolos fonéticos.
Los escritores de este movimiento estaban interesados en la protesta, el escándalo y el absurdo.
El pintor Marcel Duchamp fue el artista visual más prominente, quien creía que el portador más claro del
dadaísmo, tanto el arte como la vida eran procesos del azar y de la elección deliberada. Los actos
artísticos se convirtieron en asuntos de decisión y selección individuales.
Kurt Schwitters creó el “Merz” el cual es un descendiente no político del dadaísmo.
Los dadaístas berlineses asumieron fuertes convicciones políticas y revolucionarias y llevaron una gran
parte de sus trabajos artísticos a la comunicación visual, para poder expandir la conciencia pública y
promover el cambio social.
El miembro fundador del grupo dadaísta de Berlín del año 1919 fue John Heartfield, quien utilizó
disyunciones rígidas del fotomontaje como una forma de propaganda e innovó la preparación del arte
mecánico para la impresión en offset. En sus carteles, portadas para libros, ilustraciones políticas y
caricaturas acostumbraba a atacar a la República de Weimar y la expansión del partido nazi. Sus
montajes son los más dominantes en la historia de la técnica. Heartfield trabajaba directamente con
impresiones brillantes sacadas de revistas y periódicos, no tomaba fotografías ni retocaba imágenes.
Wieland Herzfelde, el hermano menor de Heartfield creó la casa editorial Malik Verlag, la cual fue muy
importante para la vanguardia dadaísta donde se publicaba propaganda política de izquierda y literatura
de avanzada. Otro miembro fundador del grupo dadaísta de Berlín fue George Grosz, quien estaba
vinculado con estos hermanos. Este pintor y artista gráfico atacaba a la sociedad corrupta con la sátira y
la caricatura. Él buscaba una sociedad sin clases y sus trabajos reflejan una gran fuerza de convicciones
políticas en lo que él consideraba como un medio decadente, degenerado.
El dadaísmo llevo sus actividades negativas hasta el límite, no tenía un liderazgo unificado y muchos de
sus miembros empezaron a desarrollar las ideas que después darían origen al surrealismo, así el
dadaísmo decayó y terminó en 1922.

Surrealismo
Surgió en Paris en 1924 buscando “lo más real que el mundo real tras lo real”. André Breton fue el
fundador de este movimiento, quien en su “Manifieste du surrealisme” infundió a la palabra toda la
magia de los sueños, el espíritu de rebelión y los misterios del subconsciente.
Tristán Tzara, Breton, Louis Aragon y Paul Eluard buscaron nuevos caminos para dar origen a verdades
diferentes que revelaron “el lenguaje del alma”. El surrealismo no era un tema o estilo estético, sino una
manera de pensar y de conocer, una forma de sentir y un modo de vida. La humanidad podía no
preocuparse por las convenciones sociales y morales, y la intuición y el sentimiento podían ser liberados.
Se experimentó la escritura como un flujo de conciencia, a lo que podemos llamarle automatismo.
Gracias a los pintores, el surrealismo tuvo un impacto en la sociedad y en la comunicación visual.
Aunque a veces los surrealistas creaban imágenes muy personales, haciendo imposible la comunicación;
sin embargo, también se crearon imágenes cuyos sentimientos, símbolos y fantasías produjeron una
respuesta universal, llegando a tener más alcance.
El impacto más importante recayó en la fotografía y en las ilustraciones. Max Ernst innovó varias técnicas
de la comunicación gráfica, como con su método “frottage” el cual incluía la utilización de frotados para
poder componer directamente sobre papel. Ersnt utilizó un proceso llamado “decalco” para transferir
figuras de un motivo impreso a un dibujo o pintura y le permitió agregar una gran variedad de imágenes
a su trabajo de manera no esperada. Esta técnica se utilizó mucho en ilustraciones, pinturas e
impresiones.
Se les llamó naturalistas de lo imaginario a los pintores surrealistas figurativos. La imagen se considera
un escape en un sueño irreal. René Magritte desafió las leyes de la gravedad y de la luz, además creó
yuxtaposiciones no sospechadas y mantuvo un diálogo poético entre la realidad y la ilusión, la
objetividad y la ficción. Su prolífica colección de imágenes inspiró a la comunicación visual en gran parte.
Salvador Dalí influyó de dos maneras en el diseño gráfico. Sus perspectivas penetrantes han inspirado
intentos de llevar la profundidad a la página impresa plana; y, por otro lado, su realista enfoque de
simultaneidad se ha utilizado en la producción de este efecto en los carteles y portadas de libros.
En el trabajo de Hans Arp y de Joan Miró, el automatismo visual se utiliza para crear expresiones
espontáneas de la vida interior. Miró logró desarrollar un proceso de metamorfosis en el cual sus
motivos evolucionaron intuitivamente hacia formas orgánicas misteriosas. Y Arp, experimentó con
armonías previstas y casuales. Las formas elementales orgánicas y la composición abierta de Miró y Arp
fueron agregadas al diseño, en especial en los años cincuenta.
El surrealismo fue un ejemplo poético de la liberación del espíritu humano, fue el primero en utilizar las
técnicas nuevas y mostró como la intuición y la fantasía se podían expresar en términos visuales.

Creo que la lectura fue muy buena, ya que toda la información fue muy clara. Sin mencionar
que fue muy interesante ya que cada movimiento era muy diferente a los demás y fue
entretenido ver como cada uno guiaba al siguiente y como reaccionaban a lo que estaba
pasando en el mundo y como cada movimiento era su propia revolución en contra de los ideales
y tradiciones de las épocas en que ocurrieron.