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Gramática visual II. Apunte de cátedra. Lic. Carolina Porral.

Primeras vanguardias del S XX

Fauvismo.
El término fauves significa fieras y se dice que fue acuñado por Louis Vauxcelles. Fue
en 1905 en el Salón de Otoño de Paris cuando aparecieron colgados Matisse (1869-
1954), Derain (1880-1954), Manguin (1874-1949), Marquet (1875-1947), Vlamink
(1876-1958) y Rouault (1871-1958); estos cuadros estaban caracterizados por el uso de
colores vivos y por la simplificación exagerada de las formas.
Los pintores fauces constituyen un movimiento en un sentido limitado, pues no
formaron una sociedad o asociación, no tenían un manifiesto o una estética coherente.
Se trataba más bien de un círculo de amigos con Matisse como jefe reconocido.
Tuvieron influencia del neoimpresionismo de Signac y Cross, ya que Matisse llego al
cromatismo intenso experimentando con los colores puros del neoimpresionismo, en
otro caso se interesaban por la distorsión de las formas como Rouault. Mantenían un
interés especial por el dibujo y los efectos decorativos del color; en una especie de
aparente espontaneidad.

El expresionismo.
Era un movimiento de rebeldía en el arte, la literatura y la música que alcanzo su clímax
en la Primera Guerra Mundial y se lo considera de carácter germánico.
Definido en 1912, comenzó con Kandinsky (1866-1944) y Franz Marc (1880-1916), y
buscaban la simplificación y el realce de aquellas formas expresivas que poseían ritmos
y colores nuevos; movimiento que pone de relieve el mundo de las emociones internas,
contrastando con el impresionismo que se atenía al mundo de la naturaleza y los
sentidos.
En general se intentaba expresar el alma del artista, no su habilidad, un a disposición
espiritual, o deseo, mucho mejor si se trata de una necesidad. Esta relevancia deja de
lado las instancias técnicas de concreción, y define una ruptura entre las diferentes
formas de arte. Es más, muchos experimentaron con diferentes medios de expresión.
Definían así una diferencia entre dos posicionamientos: uno se refería a la expresión de
la experiencia interior; y otra que establece una sublimación del exterior.
Estos posicionamientos definieron dos grupos:
Die brücke (El puente) (desde 1905). Ernst Ludwig Kirchner (1880-1970), Erich
Heckel (1883-1970), Karl Schmidt-Rottluff (1883-1976), cuya relación con el mundo se
establecía mediante una conciencia política elevada, agudizada por la crisis de la
Primera Guerra Mundial. En la elección de temas estuvieron muy influenciados por las
ideas que habían desarrollado Nietzsche, y Dostoievski.
Con influencia del posimpresionismo en general, principalmente de Van Gogh (1853-
1890) y Munch (1873-1944); también investigaron sobre arte primitivo ya que
admiraban su fuerza expresiva, en algunos casos estos motivos recuerdan la obra de
Gauguin.
En su manifiesto expresaron que:
Teniendo fe en una nueva generación de creadores y amantes del arte, pedimos a
la juventud que se nos una.
Y siendo jóvenes y dueños del futuro exigimos a las viejas generaciones,
confortablemente establecidas, libertad de vida y actuación.( Gowing, L y
otros:2006,23)
Der blaue Reiter (El jinete azul): Kandinsky, Marc y Macke, posteriormente Paul
Klee. Filosóficamente cercanos a Schopenhauer, estaban más interesados en la teoría
que en la práctica y tendían a la abstracción.
Lo que se quería representar a través de las distintas formas representadas son las
diversas maneras en las que se manifiestan los deseos internos del artista.

Cubismo y futurismo.
Varios paisajes presentados por Braque (1882-1963) en 1908-1909, elaborados
simultáneamente con Picasso (1881-1973), fue un estilo adoptado por otros pintores
Parisinos como Delaunay(1885-1941), Leger (1881-1955), Gris (1887-1927), Gleizes
(1881-1953), Metzinger (1883-1956), y Duchamp (1887-1968); escultores como
Lipchitz (), Laurens, Raymond Duchamp-Villon(1876-1918) y Archipenko, llegando a
influenciar a Europa y Rusia.
Su innovación implica una relación estrecha entre realidad y el arte. Incluyendo unas
nuevas sensaciones, expresiones y experiencias de la realidad en el arte.
El tema pictórico era el objeto que se veía, y así el interés del pintor se restringía a
innovar la técnica para acercarse a la representación de ese objeto; siguiendo ciertos
aspectos de la obra de Cezanne y Seurat; con refinadas secuencias de analogías y
contrastes de color, Braque escribió que “la nueva unidad es un lirismo que se consigue
exclusivamente con medios pictóricos puros”. Picasso acentúa la actitud libre y
conceptual al decir que, por ejemplo:”Una cabeza es un conjunto de ojos, nariz y boca
que se pueden distribuir y componer como se quiera; la cabeza seguirá siendo cabeza”
En esta búsqueda de nuevas maneras de representar los objetos tridimensionales sobre
una superficie bidimensional, aparecen paisajes con volúmenes angulares los elementos
representados, aunque reconocibles, se reducen a meros elementos pictóricos. La
posición es regulada mediante superposición y cambio de escala. La paleta es reducida a
unos cuantos colores que van del verde al marrón, e incluyendo grises calidos. El
dibujo se limito a una suerte de andamiaje de líneas rectas y la aplicación de la capa
pictórica se torna regular y como soporte expresivo de los otros elementos de la
composición.
Los cubistas creían que la pintura tenía que tener en cuenta la complejidad de la
experiencia humana de cosas y lugares, del tiempo y el espacio, que en general
irracional y fortuita. En esta presencia física de los objetos se hace presente también el
tiempo, el movimiento en el espacio con sus cambios de luz y las complejas y
simultaneas percepciones y circunstancias que afectan nuestra experiencia de las cosas.
Así el equilibrio que se plantea en la imagen entre referencia externa y la identidad
interna se rompe a favor de esa identidad, por ello los signos pictóricos aparecen como
alusión, en una ejecución intuitiva.
Se pueden identificar ciertas etapas de acuerdo al avance de las investigaciones
conceptuales y sus encuentros visuales. El cubismo analítico, es el momento de
desarrollo de las inquietudes formales y sus encuentros plásticos, se puede diferenciar
dentro de este, un primer momento de cubismo primitivo o protocubismo que hace
referencia a los primeros trabajos caracterizados por grandes simplificaciones en
volúmenes geométricos y paletas restringidas, el analítico propiamente y su etapa final
caracterizada por una profusa fragmentación, dilución de límites entre figura y fondo y
restricción cromática que llega al acromatismo denominado cubismo hermético,
instancia donde el objeto se diluye casi llegando a la abstracción.
En toda esta etapa se experimenta con la inclusión de tipografía y el collage (pegado),
que eleva a arte objetos cotidianos de tres maneras: como ilusiones ya confeccionadas
(por ejemplo un papel que imitara las vetas de la madera, en lugar de la madera), cuando
el elemento pegado se representa a si mismo (como periódicos, tarjetas) o con una
función abstracta, como una superficie de color, línea o tono determinado. (Esta técnica
será retomada por los dadaístas.)
En la etapa final o cubismo sintético, se intenta la recuperación del la realidad del
objeto en la pintura, su reconocimiento, por ello se reflexiona sobre aquellos aspectos
mínimos necesarios para la percepción del objeto; la recuperación del objeto, pero ya en
una instancia de absoluto signo plástico, no concibiendo la obra como ventana que se
abre a una ilusión, sino como objeto plástico.

El futurismo.
Movimiento italiano sociopolítico, cuyo manifiesto fundacional de 1909 fue redactado
por Filippo T. Marinetti; “proclamaron la gloria y la belleza del dinamismo. La
juventud, la velocidad, la originalidad, el peligro, la energía y los objetos perecederos
modernos; piden la destrucción de los museos, bibliotecas y academias, de los sueños,
las tradiciones, la moral.” (p. 42)
Imágenes de grandes metrópolis modernas solares, con muchedumbres tumultuosas,
clubes nocturnos estaban realizados con una técnica algo impresionista; fue a partir de
1911-12 que maduro bajo la influencia del cubismo analítico, su paleta era más colorida
y menos literal. Fue la fragmentación de múltiples puntos de vista lo que facilito la
representación de la visión dinámica de los futuristas.
La importancia de la influencia futurista reside en el espíritu de modernismo agresivo y
anarquista. Experiencias futuristas en distintos medios artísticos posibilitaron
actividades pioneras en música con una mussique concréte primitiva, y la tipografía de
forma libre, experiencias luego retomadas por los Dada.

Dadá: nacido en Suiza como movimiento opositor a la Primera Guerra Mundial, fue un
producto orgánico nacido de la reacción dado que: los tiroteos continúan, el
mercantilismo continua, el hambre continua, la mentira continua, para ellos es un fraude
que el arte creaba valores espirituales. Intentaran entonces de que el arte sea una
monstruosidad que asuste a las mentes serviles. En su manifiesto rechazaban el código
rígido de moralidad infringido por: la familia, la Iglesia, y el Estado, propugnaban la
absoluta libertad de las personas especialmente despreciaban la razón y la lógica.
Reaccionaron contra todos los modelos estéticos tradicionales, no recurrieron entonces a
los medios habituales, sino al collage, el fotomontaje (del cual fueron precursores) les
interesaba el inconsciente, por ello la importancia del azar por ello la experimentación
con la técnica del automatismo. La gramática y el lenguaje fueron puestos en jake, los
cruces disciplinares como música y poema o actuación y declamación con collage, etc.
Consideraban la acción colectiva más importante que el individuo, atacando así la
heredero de jerarquía del artista como genio solitario.
Heredo técnicas de provocación propias del futurismo, así como la experimentación con
la música- ruido; del cubismo utilizaron el collage despreciando materiales refinados y
la ejecución cuidada, tomaron de postales populares realizadas en fotomontaje este
procedimiento.

Surrealismo: (1925) movimiento heredero del Dadaísmo, sus técnicas y sus intereses.
André Breton, Man Ray, Picabia, Ernst, Miró, Tanguy, Magritte, Dalí consideraban la
condena sistemática a la tradición clásica sobre todo al ideal de fidelidad a la naturaleza;
trataban de demostrar que lo surreal formaba parte integral de la consciencia humana.
Le dieron capital importancia a las teorías de Sigmund Freud, sobre La interpretación de
los sueños, de allí que consideraban al sueño y los impulsos e imágenes irracionales.
Implementaron la técnica del frottage (frotado) y el grattage (raspado); también el
cadáver exquisito que consistía en la composición de una oración o dibujo por tres o
cuatro personas que trabajaban rotativamente sin ver la contribución de otros
operadores.
El automatismo psíquico era próvido mediante la provocación de estados de trance,
tratando de anular el mundo exterior.

Arte abstracto.
Se denomina así a ciertas obras de pintura y escultura del siglo XX que carecen de una
función representativa o simbólica y que, sin embargo, no son meros diseños; también
denominado “no objetivo”, “no representativo” o “concreto”.
El arte abstracto no es de por si un estilo artístico y dentro de esta denominación se
pueden encontrar tendencias estilísticas o ciertas categorías más explicitas como
neoplasticismo o constructivismo.
Kandinsky quien estaba interesado en una analogía música, al ir más allá de las
apariencias exteriores y ser capaz de conmover el alma del espectador por medio de
efectos físicos y psicológicos del color. Las denominaba con términos musicales como
“composiciones”, “improvisaciones”. La resultante fue una serie de abstracciones
líricas, suaves, fluidas que se tornaron abstracciones geométricas posteriormente a la
Primera guerra Mundial.

Orfismo: Robert Delaunay eligió el sol, la luz y la teoría del color de Eugene Chevrel
en sus “contrastes simultáneos” junto a Sonia Terk, experimentaron con formas
circulares en composiciones rigurosas con inclusión de tipografía, Frank Kupka y
Francis Picabia como una derivación tardía del cubismo, con influencias simbolistas

Neoplasticismo: Piet Mondrian desarrollo una pintura intelectual, geométrica junto a


Theo Van Doesburg los principios expresados por medio de la revista De Stijl tenían
posibilidades más allá de la pintura, sus teorías revolucionarias comprendían tanto al
arquitectura como el diseño. La búsqueda de la esencia se refuerza en la limitación de
elementos plásticos para su representación, es así como utilizan acromáticos, los tres
colores primarios y la distribución ortogonal de los elementos.

Suprematismo: Casimir Malevich de tendencia geométrica con representación de


tridimensión y ciertos rastros donde prevalece la disposición de formas regulares en
composiciones simples, pretendía un significado trascendental para sus obras. Otro
artista fue Elizier “El” Lissitzky

Constructivismo: la pretensión de un arte espacial y temporal dio como resultado un


arte abstracto tridimensional, un arte capaz de utilizar el vació y de liberarnos de la
masa compacta. Alexander Rodchenko,

Bibliografía:
Gowing, L.; Boardman, J.; Pickvance, R.; y otros. “Historia del Arte”, Del simbolismo
al surrealismo. Ed. Folio, Barcelona, 2006.