SEMIOTICA II

Clase 7 (Géneros)
Antes de entrar en la tercera etapa del cine que comienza en 1927 con el estreno de la primera
película sonora, veremos una mirada por la segunda etapa del cine que abarcó desde 1916 hasta
1927. Durante esta época, se desarrolló el cine mudo en todo el mundo, pero hubo dos modelos
bien diferenciados.
 Cine americano de USA (Hollywood): Nace cuando un grupo de inmigrantes europeos
que no tenían que ver con el cine, llegaron a EE.UU y fundaron las compañías
cinematográficas que hoy son populares y conocidas “Paramount” “25th Century Fox”
“Warner Brothers” “Universal” “Metro Goldwin”. Tuvieron que llevar una batalla legal
bastante larga con Edison, que tenia el monopolio del cine. Legalmente, le ganaron a
Edison y ellos pusieron sus estudios en un lugar desiertos de Los Ángeles que llamaron
Hollywood. Allí, en estos estudios, estaban estas compañías que se llamaban “mayors”.
Estas compañías tenían todo el monopolio del cine porque producían la película, la
exhibían (eran los dueños de las salas) y la distribuían por todo el mundo. En esta
época, tampoco existía una división del trabajo dentro del set, porque, por ejemplo,
Chaplin, era el director, actor, guionista de todas sus películas. En esta época, no se
puede hablar ni de géneros, ni de una industria cinematográfica, ni de la estrella
cinematográfica. En esta época se fueron perfilando estas estrellas que siempre hacían
películas de un mismo tipo.
Ej: Chaplin hacía películas cómicas. Rodolfo Valentino hacía películas de amor.
Así se fueron perfilando los géneros, aunque todavía no estaban desarrollados como van
a estar en la época gloriosa o de oro de Hollywood.
 Cine europeo, donde se desarrollarán las vanguardias artísticas cinematográficas:
Presentó otro paradigma de cine, más intelectual que requería de la interpretación de un
espectador. Requiere de un espectador activo. Tres modelos que se desarrollaron
1. El surrealismo español: Un perro Andaluz (1929 – Luis Buñuel)
2. El expresionismo alemán: El gabinete del doctor Caligari (1920 – Rovert Weine)
3. El realismo soviético: El acorazado Potemkin (1925 – Sergei Eisenstein)

Las estrellas más importantes de Hollywood del cine mudo: Luego se dispondrán como star
systems. Estos actores se iban anclando poco a poco en un género determinado ya que eran
famosos en ese tipo de géneros.
 Charles Chaplin
 Douglas Fairbanks: Hacía películas de aventuras
 Mary Pickford
 Greta Garbo
 Rudolph Valentino
 Gloria Swanson
Las vanguardias europeas

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  Imagen de Perro Andaluz: El ojo de mujer va formando un plano detalle bastante
incómodo para el espectador ya que es atravesado por una navaja.
 Imagen del Gabinete: Luces expresionistas. Sistema de contraluz.
 Imagen del Acorazado: Fragmento de las escaleras de Odessa.

Tercera Etapa: La Edad de Oro de Hollywood (1927 – 1950)

Esta etapa cambia la forma de ver el cine porque surge el cine sonoro. Anteriormente, el cine se
gritaba porque era el cine mudo y las orquestas estaban dentro de las salas cinematográficas. La
gente hablaba normalmente, como si estuviese en el teatro. No pasaba así con el cine sonoro,
que se requería de un silencio importante para que la gente pudiese escuchar.
El cine sonoro: EDAD DE ORO DEL CINE DE HOLLYWOOD
 Cambió la forma de ver el cine
 Algunos cineastas y actores se resistieron al sonoro: Se resistieron a hablar y a que se
muestre su voz. Quedaron en el olvido. Otros, como Greta Garbo, siguieron trabajando,
pero no de la misma manera que cuando trabajaban en el cine mudo.
 Cambió la forma de actuar: Se requería menos énfasis y dramatización en la cara,
menos acentuación del maquillaje. Nueva forma de actuar que no tiene que ser tan
sobreactuada como era anteriormente. Muchos actores no tenían voz para el cine.
 La música ayudó al desarrollo dramático del melodrama y al surgimiento del musical

Por su narrativa, por su forma retórica, se lo llama el cine clásico de Hollywood.

Esta etapa comenzó con la implementación del cine sonoro. El sonido se incorporó de forma
sincronizada, o sea, el sonido que va dentro de la película fílmica. Se habían experimentado de
incluir la música en los films, pero este film estaba sobrepuesto a la voz, estaba grabado, no
estaba sincronizado o dentro de la banda sonora. Este concepto de banda sonora es el conjunto
de palabras, de ruido y de música que acompaña a la película. Una o varias bandas de grabación
magnética discurren por los bordes de la tira de la película. Al ser leída por un aparato de
sincronía con la proyección, se generan los sonidos. En la actualidad, todo esto es digital. El
sonido es sincronizado digitalmente. El Cantor de Jazz (Alan Crosland, 1927) => Primer
película sonora. Fue protagonizada por Al Jolson. La productora fue “Warner Brothers”, que en
su momento estaba en decadencia económica y necesitaba un éxito cinematográfico, y entonces
incorpora la tecnología del sonoro.

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Música y diálogo sincronizado causó furor y después todas las películas tuvieron que ser de cine
sonoro. Después, el cine mudo no había muchas películas. Este cine causó mucha sensación y
mucha crítica. Por ej, en los soviéticos, estaban en desacuerdo con el cine sonoro. Escribieron
un manifiesto contra el cine sonoro ya que decían que el sonido también tenía que tener
montaje, al igual que las imágenes. Chaplin, si bien hizo películas sonoras, estuvo en contra de
este sistema de cine. En realidad, pensaban que la imagen valía más que todas las palabras.
El cine sonoro, una de sus ventajas fue que pudieron surgir otros géneros, como el musical,
desarrolló el melodrama (dándole un gran sentido a la escena). También esto se vio en los
dibujos animados. Se le dio importancia al silencio: empezó a hablar y a comunicar en el cine.

La industria cinematográfica: El studio

Tanto Costa como Gubern dicen que la 1GM causó la paralización de la industria
cinematográfica europea y permitió el desarrollo de la industria hollywoodense. Este
crecimiento transformó los métodos de producción, ya que los presupuestos de las películas se
habían elevado, y si la película fracasaba, implicaba grandes pérdidas. Las empresas producían,
exhibían y distribuían estos films por el mundo entero. El crecimiento económico se basó en dos
factores:
o Studio System: Aplicó las teorías de Taylor sobre el trabajo en la industria y sobre el
modelo de cadena de montaje aplicado por Ford en la industria automovilística.
Consistió en tener el estudio de rodaje muy bien equipado, como una fábrica. El
personal artístico, técnico y administrativo contratado de un modo estable. La rígida
jerarquización de este personal con un director ejecutivo en la cúpula y jornadas
laborales homologadas a la del mundo industrial. De esta actividad industrial, deriva la
producción en serie. El departamento de guionistas, la reutilización de decorados, el
encasillamiento de los actores, arquetipos, valiéndose de la política de géneros. Las
compañías monopolizaron la industria del cine obteniendo grandes ganancias. Los
sistemas de estudios definio la tipología de generos que maximizaban los beneficios: los
productores escogían a los actores, los argumentos y el montaje. Buscaban todas las
garantías posibles acerca del resultado del producto.
o Star System: Aseguraba el éxito del film. Los actores se encasillaban en una tipología
de personaje, en un género. Por ej. John Wayne, en el western. Humprey Bogart, en el
cine negro. Firmaban grandes contratos por varios años. Eran grandes estrellas que
convocaban a grandes masas del público.

1948: La Corte Suprema decretó la Ilegitimidad del Monopolio del Cine. Las Majors no podían
tener los tres sistemas de distribución, exhibición y producción. El studio system de esta forma
empieza a decaer. Los estudios se desprendieron de las salas y los star system empezaron a
liberarse de los grandes contratos.
La llegada de la TV fue un factor que generó el declive del cine que se va a producir en los años
60.

La Política de Género
Hollywood impuso la política de género. Los géneros constituían entidades perfectamente
definidas por la industria y reconocidas por el público masivo. En esta situación, cada película
era producida según un patrón genérico reconocible. Gubern define el género como un modelo
cultural rígido, basado en fórmulas estandarizadas y repetitivas.
El cine heredó la clasificación de géneros de la literatura.
Ventajas:
 Permitía planificar la producción en categorías genéricas según los resultados de
taquilla del año anterior. Se seguían las fórmulas exitosas el éxito comercial del film.

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  Permitía producir en serie. Se usaban los mismos decorados y vestuarios en todas las
películas.
 El público podía identificar de qué se trataba la película. El género quedaba
especificado en el título, los actores y los directores.

Cada género tiene sus propios estilemas formales y una iconografía específica. También tiene
sus estilemas narrativos que son diferentes en cada género. Cada género posee significantes
visuales recurrentes, como la aparición de un monstruo en el cine de terror, y el ataque de los
indios en el western, o una escena de amor en una comedia romántica. El espectador conoce al
género inmediatamente sin más datos que su iconografía.

Puntos de vista sobre los géneros

Costa propone analizar el género desde tres POV:
o Desde el proceso de producción: La clasificación de los films por géneros exigía a las
grandes compañías invertir según las exigencias del mercado. Por otra parte, concentrar
todos los esfuerzos financieros y artísticos en un género concreto. Esto incluía la
contratación de las estrellas cinematográficas, el uso de los mismos decorados, el
vestuario, etc.
o Desde el punto de vista figurativo: Según la metodología iconológica de Panofsky, si
los elementos figurativos se articulan en una iconografía donde se descifran los
elementos especiales y figurativos en relación con sus fuentes culturales y entre una
iconología entre donde esos mismos elementos son interpretados de forma simbólica.
Ej. El cine negro, la recurrencia de los espejos. Los aspectos narrativos también
aparecen en relación con lo figurativo, presentando los géneros, elementos narrativos
recurrentes que pueden identificarse con las funciones desempeñadas por cada uno de
los personajes en el desarrollo de la trama. Por ej. El héroe tipo del melodrama
desempeña la función del amor imposible, mientras que el de la comedia, desempeña la
función del amor conquistado.
o Desde el punto de vista ideológico: Los géneros evidencian ideología. Por ej. El western
representa el modo expansionista y colonialista de los Estados Unidos, justifica la
matanza al indígena. Gubern dice que ciertos géneros tradicionales se convirtieron
funcionalmente para servir como apoyo ideológico o moral, como sucedió con la causa
bélica luego de la 2GM donde aparece el cine de espionaje.

Los géneros en los años 30

Gubern, en la historia del cine, hace un recorrido sobre los géneros producidos durante los años
30 y 40. La comedia musical fue la mayor novedad porque lo aportó el cine sonoro. Los films
de gánster, como Scar Face, derivó también del cine negro, utilizando los mismos elementos
figurativos. Aquí, el género se adaptó de los acontecimientos históricos de la época: el gobierno
de USA habilitó la Ley seca que prohibía la venta de alcohol en USA y ahí aparece la mafia
italiana contrabandeando y fabricando el alcohol. El terror que lo lanzó de forma diferente, de
forma terrorífica, la lanza Universal. Tenemos películas como Drácula. El melodrama también
se mezcló con otros géneros y lo vemos en este caso con el género histórico que desarrolló una
de las películas más importantes del cine: Lo que el viento se llevó. Los dibujos animados se
enriquecieron con el sonido, al utilizar efectos musicales. Disney presentó su película
Blancanieves, Dumbo y Pinocho. El melodrama y el western ya estaban impuestos antes de la
llegada del sonoro, pero el sonido permitió dramatizar los silencios y los actores sustituyeron la
gestualización exagerada con la música. Se acentuó la tensión del western en la lucha entre el
colono y el indio, provocando más impacto en el espectador.

Melodrama

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El melodrama nunca se dio en un estado puro, sino que está entremezclado con el cine negro,
con el cine histórico, con el western. Casablanca (James Curtis, 1941), Lo que el viento se llevó
(Victor Fleming, 1938), Duelo al sol (John Ford, 1946). Se caracteriza por el control de los
valores emotivos y emblemáticos de los espacios y objetos. Los efectos de la composición
plástica con intención melodramática y la música y el montaje con la intención melodramática.
Desde el POV narrativo, el melodrama evoca el tema del amor imposible, a diferencia de la
comedia que desarrolla el tema del amor conquistado.

Cine Negro
Se denomina negro al género ya que proviene de Francia, de unos libros que pertenecían a la
colección de policiales y tenían tapa negra. El cine negro se basó en dos escuelas literarias, dos
marcos literarios
- Hard Boiled: Manejó el suspenso. Entre las novelas que salieron como ejemplo: “El
halcón maltés” (Dashiell Hammett) / “El cartero llama dos veces” (James Cain)
- Crook Story (Historia de Gánsters): Historias de gansters. Estas novelas fueron
llevadas a la pantalla grande: El pequeño César de W. Burnett y Scarface de Armitage
Hail.

Características del Cine Negro

 El tema del cine negro siempre presenta un conflicto entre la ley y el libre albedrío,
entre la inocencia y la corrupción.
 Bajo el cine negro nos encontramos con subgéneros: el policial, los films de gánster, el
thriller y el suspenso. La característica en común es la puesta en escena que marca el
clima del suspenso
 En la iconografía se observa el mundo mineral, las rocas, el cemento, el asfalto. Es el
ámbito de la ciudad y la noche.
 Los espacios: clubes clandestinos, los rincones, lugares oscuros, nocturnos. Las calles
donde aparecen autos disparando, metralletas.
 Se utiliza la iluminación expresionista: contraluces/claroscuros (contrastes de luz y
sombra)
 Personajes: Figura del detective y el gánster
Detective: Ambigua, ya que la policía sospecha de él. Su carácter es rudo y es
melancólico a la vez. Un actor emblemático de este cine negro fue Humprey Boghart.
Entre los directores más importantes tenemos a James Curtis, entre otros.
Figura del gánster: Como hijo de inmigrante, católico y humilde. Es un producto de la
sociedad que lo marginó. Cuando llegan a ser jefes de gansters, usan y ostentan la
riqueza usando joyas, autos caros, smoking, mansiones lujosas y mujeres como trofeos,
como símbolo de haber ganado un trofeo. Siempre tienen finales trágicos ya que en
USA nunca puede ganar el mal.

Western
Desde el POV narrativo, el western contrapone al colono con el indio. A la civilización con la
barbarie, a la ley con el fuera de la ley. Es el lugar donde la justicia es primitiva y se desarrolla
la ley del revólver. El género muestra las fronteras, entre el mundo civilizado y el mundo
salvaje.
En la iconografía vemos caballos, la gran pradera, carretas, ganado, el revólver. Cowboy: La
colt (revólver), el sombrero, las botas.

Espacio del western

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Es el espacio de la frontera, que representa la movilidad continua de los confines, la aventura y
la conquista. Muestra espacio naturales llena de valor simbólico, montañas, praderas infinitas.
El hombre inmerso en la naturaleza, que tiene que dominar, pero es muy pequeño dentro de ella.
Marca la relación funcional entre el hombre y el paisaje, que le sirve para defenderse, para
esconderse o para atacar.
La inmensidad del espacio evade al tiempo. El espacio de la frontera es indefinido, la cámara
muestra hombre y espacio a través de panorámicas, largos planos horizontales y el zoom.
El otro espacio del western es el pueblo, donde se encuentra el banco, el salón, el hotel. Tienen
lugar los ajustes de cuentas. Representa la estabilidad y el orden en contraposición a la llanura.
Aquí se conoce lo que es el bien y lo que es el mal. Un espacio típico del western son las
ciudades fantasmas, abandonadas por sus habitantes. Otro espacio es el salón, el lugar neutro
donde se encuentran el sheriff con el fuera de la ley. Descansan los aventureros allí. Otros
espacios son el rancho, en las afueras, pero dentro de la civilización. Representa el lugar de
retiro del fuera de la ley. Representa la nueva vida, la estabilidad y la paz.

Los personajes del western

 El héroe: Siempre está entre el delito y la legalidad. Siempre está de paso. Cuando está
el orden, se va. Siempre se queda esperado una mujer que lo ama. Libre al azar, puede
ser bandido o sheriff, bueno o malo. Pertenece al mundo de la aventura. Está mitificado.
El héroe es el cowboy
 Cowboy: Generalmente es el héroe. Viene de los ganaderos mexicanos que se instalaron
en Texas. Hollywood inventó otro modelo, el hombre con su caballo, el sombrero, el
pañuelo en el cuello y la pistola.
 Fuera de la ley: No es que es malo, sino que no acepta los códigos sociales. Se acerca a
la figura del bandido, pero no deja de ser un héroe.
 Indio: El mal, lo primitivo, lo salvaje. Es el símbolo que justifica la represión y resalta
la conquista del Oeste. Elemento esencial del western.
 La Mujer: Hay dos tipos de mujeres en el western: la esposa virtuosa y la chica del
salón. Generalmente, es la heroína y acompaña al protagonista del film. Las mujeres
son símbolo de estabilidad, no es la mujer sumisa, es la mujer valerosa y compañera del
héroe. No es una mujer objeto, pero siempre el héroe (cowboy) intenta domar a esta
mujer que tiene tanto carácter como él.

Uno de los actores más emblemáticos del western fue John Wayne. Directores: John Ford.
Película más emblemática: La diligencia.

Muchas veces, están en una misma persona el héroe, el cowboy y el fuera de la ley.