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Tecnologías de la Información
y la Comunicación
4º ESO
Ana Ugarte Balsategui
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C INE
Etimológicamente, la palabra cine proviene del griego kiné, que significa "movimiento". El cine
(abreviatura de cinematógrafo) o cinematografía, es la técnica que consiste en proyectar
fotogramas de forma rápida y sucesiva para crear la impresión de movimiento, mostrando algún
vídeo. Para crear la imagen en movimiento “real” se proyectan 24 fotogramas por segundo. Es
considerado el Séptimo Arte.

HISTORIA

Antes del cinematógrafo muchos inventores

intentaron crear mecanismos para reproducir
imágenes creando una ilusión de movimiento. La
invención del cine fue la culminación de un largo
proceso de experimentos sobre fotografía,
proyección de imágenes con cámara oscura y
persistencia de la visión en la retina.

EL CINE PRIMITIVO

La historia del cine comienza el 28 de diciembre de 1895, cuando

los hermanos Lumière proyectaron públicamente la salida de
obreros de una fábrica francesa en Lyon, la demolición de un muro,
la llegada de un tren, y un barco saliendo del puerto.

El éxito fue inmediato, no sólo en

Francia, sino también en Europa y
América del Norte. En un año los
Lumière creaban más de 500 películas,
caracterizadas por la ausencia de
actores, decorados naturales,
brevedad, ausencia de montaje y
posición fija de la cámara.
Los hermanos Lumière y su
cinematógrafo
Pero los espectadores acabaron aburriéndose por lo monótono de las tomas. Y fue Georges Méliès
quien profundizó por primera vez en el hecho de contar historias ficticias y quien comenzó a
desarrollar las nuevas técnicas cinematográficas, sobretodo en 1902 con "Viaje a la luna", creando
los primeros efectos especiales y la ciencia-ficción.
 Tren a su llegada a la estación de la ciudad Viaje a la luna. Georges Méliès
A partir de entonces el cine mejoró y surgieron grandes directores como Ernst Lubitsch,
Alfred Hitchcock, Fritz Lang, o Charles Chaplin. Impusieron guiones más complejos y se alejaron de
los estereotipados y exagerados personajes de la época muda. El arte del cine ya alcanzó su plena
madurez antes de la aparición de las películas con sonido.

Para presentar los diálogos no sonoros se añadían

intertítulos que aclaraban la situación a la
audiencia o mostraban las conversaciones
importantes. Las proyecciones de películas mudas
normalmente no transcurrían en silencio: solían
estar acompañadas por música en directo,
habitualmente improvisada por un pianista u
organista o por el relato oral de un relator en vivo.

Charles Chaplin

APARICIÓN DEL CINE SONORO

En 1927 se estrena la primera película con sonido, “El cantante

de Jazz”, de Alan Crosland. Surge una nueva tecnología que
permite al cine agregar una banda sonora a los films (diálogos,
música o efectos sonoros). Al principio, los diálogos eran breves
y se alternaban partes mudas con intertítulos con partes
habladas y con música.

El cantante de Jazz, 1927

CINE EN COLOR

La incorporación del sonido

fue rápida, pero el color tardó
más en ser adoptado por el
cine. El público era
relativamente indiferente a la
fotografía en color. A partir
del sistema Technicolor más
películas fueron filmadas en
color tras la Segunda Guerra
Mundial (“La feria de las
vanidades" (1935), de
Rouben Mamoulian) ya que la
industria vio en el color la
forma de diferenciarse de la
televisión que se mantuvo en
blanco y negro hasta
mediados de los 60. Dos
filmes clásicos de 1939
fueron: "El mago de Oz" de
Robert Zemeckis y "Lo que el viento se llevó" de Víctor Fleming.

SISTEMA DE ESTUDIOS

Cary Grant Ava Gardner Greta Garbo

El Studio System fue el estudio de producción cinematográfica por excelencia, desde el final del
cine mudo hasta 1948, cuando se puso fin al monopolio, por el que los estudios eran dueños de las
productoras y de las cadenas de cine. Se caracterizó por el gran protagonismo de los productores
en la realización, dejando al director como un empleado más y por la aparición del Star System,
 que implicaba tener en contrato permanente a un conjunto de actores y actrices exclusivos del
estudio, que protagonizaban las grandes producciones.
Los estudios más famosos fueron: Paramount, Metro-Goldwyn-Mayer (en aquellos momentos,
Loew’s), 20th Century Fox, Warner Bros, que sólo se contabilizó entre las cinco grandes cuando, a
finales de los veinte, comienza a apostar por el cine sonoro y RKO (Radio-Keith-Orpheum).

CINE CLASE B

Apareció en Hollywood, en los años 30, debido a la recesión

económica (Crisis financiera del 29). Se trataba de películas
con bajo presupuesto con actores no reconocidos,
principiantes o actores que ya estaban en las últimas. Eran
películas que debían ser filmadas en poco tiempo (una
semana) y estar dirigidas a la mayor cantidad de público,
principalmente a los adolescentes. Eran comercializadas
enseguida. Por lo general completaban la cartelera de
exhibición en las salas en las que se daban dos películas al
precio de una.

CORRIENTES CINEMATOGRÁFICAS

1.- VANGUARDIAS
Es un término relativo al momento en el que se denomina. En
esta categoría se suele incluir estilos tan diversos como el
dadaísmo, el surrealismo, el futurismo, el impresionismo, el
expresionismo o la abstracción y también el llamado cine
marginal o «underground». En las películas de vanguardia se
busca una forma poética más pura y libre de la narrativa. Una
figura universal es Luis Buñuel.
Un perro andaluz. Luis Buñuel
Argumento de Buñuel y Dalí
2.- CINE SOVIÉTICO
Movimiento que surge entre la experimentación en las artes y la
causa revolucionaria. Destaca la agresividad en la estética del
llamado montaje de atracciones, en el que el espectador debía ser
sometido a un shock visual intenso.

3.- EXPRESIONISMO
Este cine tiene su correspondencia con el estilo expresionista, de
descripción de los sentimientos.

4.- SURREALISMO Nosferatu (1922), de

Se define como el automatismo psíquico puro que intenta expresar F.W. Murnau. Película
el funcionamiento real del pensamiento sin la intervención expresionista muda
reguladora de la razón. Este movimiento artístico y literario surgió en Francia en el primer cuarto
del siglo XX en torno a la personalidad del poeta André Breton. El manifiesto de este autor exalta
los estados que escapan al control de la razón (infancia, sueño, locura). Algunos exponentes de este
cine pueden
Encontrarse en filmes como “Un perro andaluz“(1928), de Luis
Buñuel y “Destino” (1946) cortometraje que Disney encargó a Dalí.

Dalí y Disney Destino (1946)

5.- DOGMA
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En 1995 un grupo de directores europeos lanzaron
públicamente un manifiesto, El Dogma, en el que se inclinaban
por la pureza cinematográfica regresando a los argumentos
creíbles, rehusando al uso de efectos especiales o
modificaciones en el montaje y suprimiendo la música y
efectos de sonido. Abogaban por un cine que reflejara la
realidad. Como ejemplo, "Breaking The Waves" de Lars Von
Trier. A cada filme que entra al Dogma se le asigna un número,
dogma 2 ó 9, en relación a los anteriores. Los primeros
"dogmas" y además, los más reconocidos son "festen" de
Vinterberg y "los idiotas" de Von Trier.

Rompiendo las olas (1996), de

Lars Von Trier
 6.- CINE NEGRO
Surgió en Estados Unidos debido a la influencia europea y como crítica al modelo clásico. Este tipo
de cine permitía observar la sociedad de la época desde distintas perspectivas: el crimen, la
corrupción y la transformación de valores que "sacudía" a un país sorprendido primeramente por
un creciente avance industrial y después por el desarrollo de la II G.M. Las películas del género son
testimonios de lo que se está viviendo en aquel momento. Poseen un fuerte contenido
expresionista y utilizan una iluminación en claroscuro, donde el uso de sombras y luces
contrastadas sirve para expresar la psicología de los personajes.

7.- CINE MODERNO

A veces denominado New Hollywood o Postclásico. Transcurre desde mediados de los 60´s, hasta 1980. Rompió

8.- CINE EN LA ACTUALIDAD O POSTMODERNO

y del moderno con un nuevo Ciudadano Kane (1941), de

enfoque. La narración puede no ser Orson Welles
lineal ni literal y los géneros se
desdibujan.
La mezcla de géneros y la libertad de narración, ha impulsado con
fuerza el cine documental, liberado ya de la obligada objetividad que
arrastraba desde finales de los 60. El cine documental se ha revelado
como el auténtico cajón de sastre, donde cineastas con intereses muy
diversos encuentran el campo libre para experimentar.
 9.- CINE DIGITAL
En los 90, el cine comenzó un
proceso de transición, del
soporte fílmico a la tecnología
digital. El primer film con
efectos especiales digitales
fue *Tron (1982). En los
noventa se filmaron grandes
producciones como Star Wars
o Matrix. El primer
largometraje hecho
íntegramente por ordenador
fue “Toy Story” (1995), de la
Avatar, de James Cameron compañía *Pixar.

* “Tron”. Héroe de cómic de la compañía Marvel.

* Pixar: “Bichos”, “Antz”….

Hoy en día Estados Unidos está equipando todas sus salas con proyectores digitales, y los
fabricantes hacen líneas especiales de cámaras digitales para cine profesional, controladores de
colorimetría, etc. Los diferentes
formatos de HD, respecto al viejo 35
mm, ofrecen presupuestos más bajos,
facilidad de manipulación en el montaje,
agilidad en el tratamiento y facilidad de
introducción de técnicas digitales.
George Lucas y James Cameron, por
ejemplo, han utilizado estos sistemas de
HD de gran calidad. Otros directores,
como Steven Spielberg rechazan lo
digital y siguen haciendo sus películas en
film, e incluso editando en moviola
Orígen (Inception), de Christopher Nolan
(toma a toma).
Protagonizada por Leonardo DiCaprio

10.- CINE EN INTERNET

La historia del vídeo distribuido en Internet comenzó
en 1994. Actualmente es habitual para las
cinematográficas presentar trailers de sus películas y
los cineastas independientes, llegan incluso a publicar
trabajos audiovisuales en versión integra.
Una colección de películas de dominio público se
encuentra en Internet Archive, una completa base de
datos para la preservación de la historia de Internet.
Prelinge Archives contenía, en 2005, 1.969 películas,
todas ellas de libre uso, ya sea un uso personal o
Pulp Fiction (1994), de Quentin Tarantino
comercial.
GÉNEROS CINEMATOGRÁFICOS

Los géneros están formados por películas que

comparten ciertas similitudes, ciertos tópicos, tanto
en lo narrativo como en la puesta en escena.

1.- CINE INDEPENDIENTE

Una película independiente es aquella que ha sido
producida sin el apoyo inicial de un estudio o
productora de cine comercial. El cine de industria
puede ser o no de autor, mientras que el cine De Jonathan Dayton y Valerie Faris. 2006
independiente lo será casi siempre.

2.- CINE DE ANIMACIÓN

Es en el que se usan mayoritariamente técnicas de animación. En el cine
de animación no existe movimiento real, sino que se producen las
imágenes individualmente y una por una (mediante dibujos, modelos,
objetos y otras muchas técnicas), de forma que al proyectarse
consecutivamente se crea la ilusión de movimiento.

3.- CINE DOCUMENTAL

Es el que basa su trabajo en
imágenes tomadas de la realidad.
Generalmente se confunde
documental con reportaje, siendo
el primero un género ligado al
cine, y el segundo un género televisivo.

4.- CINE EXPERIMENTAL

Utiliza un medio de expresión
artístico.

5.- CINE DE AUTOR

Cine en el que el director tiene un papel principal en la
toma de todas las decisiones, y en la puesta en escena,
basándose en un guión propio y al margen de las
presiones y limitaciones que implica el cine de los grandes estudios comerciales, lo cual le permite
una mayor libertad a la hora de plasmar sus intenciones en la película. Algunos grandes directores
de la industria, como Alfred Hitchcock, también pueden ser considerados «autores» de sus
películas.
No suele estar ligado a la industria, se dirige a un público muy específico y sus productos se hallan
fuera de los cánones clásicos. Un subgénero importante podría ser el cine abstracto.
REALIZACIÓN CINEMATOGRÁFICA

La realización es el proceso por el que se crea un vídeo. Habitualmente pueden distinguirse

5 etapas: desarrollo, preproducción, rodaje, postproducción y distribución. La realización supone
asumir decisiones tanto a nivel artístico como productivo, y la limitación únicamente está dada por
los medios disponibles (presupuesto del que se dispone y equipo con que se cuenta).

EQUIPO TÉCNICO

1.- PRODUCCIÓN
El productor cinematográfico es el encargado de los aspectos
organizativos y técnicos de la película. Está a cargo de la
contratación del personal, del financiación de los trabajos y del
contacto con los distribuidores para la difusión de la obra. Si su
tarea se limita a algunos aspectos puntuales del proceso técnico o
creativo, se llama "co-productor".
También forman parte del área el director de producción, el
productor ejecutivo, el jefe de localizaciones y el asistente de
producción.
Steven Spielberg ha producido: Transformer, Los
Picapiedra, Casper, Men in Black, Impacto profundo,
Jurassic Park, La Máscara del Zorro, The Love Boat…
2.- DIRECCIÓN
El director cinematográfico es quien dirige el rodaje de una película y es el responsable de la
puesta en escena. Da pautas a los actores y al equipo técnico y toma todas las decisiones creativas,
siguiendo su estilo o visión particular. Supervisa el decorado y el vestuario, y todo lo necesario en
un rodaje.

También forman parte del área el asistente de

dirección y el denominado script o continuista. Por
otro lado, trabaja en conjunto con el director de
actores.

Christopher Nolan, director de

películas como Memento y Origen,
junto a Leonardo di Caprio
3.- GUIÓN
El guionista es la persona encargada de confeccionar
el guión, ya sea una historia original, una adaptación
de un guión anterior o de una obra literaria. Muchos
escritores se han convertido en guionistas de sus
propias obras literarias. Dentro del guión
cinematográfico se distinguen: el guión literario o
cinematográfico, que narra la película en términos
de imagen (descripciones) y sonido (efectos y
diálogo), y está dividido en actos y escenas, y el
guión técnico, que agrega al anterior una serie de
indicaciones técnicas (tamaño de plano,
movimientos de cámara, etc.). Simon Beaufoy. Guión de Slumdog
También pueden colaborar con el guionista otros Millonaire (2008)
escritores (co-guionistas) o contar con dialoguistas que están especializados en escribir diálogos.
El papel del guionista es muy importante, pues su trabajo es la base de todo el proyecto, si el guión
es bueno el director puede hacer una película excelente, pero si éste es deficiente aunque el
director tenga muchos recursos, la película quedará vacía.

4.- SONIDO
Los encargados del sonido cinematográfico son el sonidista y los microfonistas. En la
postproducción se suman el editor de sonido, el compositor de la música y los artistas de efectos
sonoros (foley) y de doblaje.

5.- FOTOGRAFÍA
El director de fotografía es la quién determina cómo se va a ver la
película, en función de las exigencias del director y de la historia.
Decide el encuadre, la iluminación, los movimientos de cámara,
etc. También decide la tonalidad general de la imagen y la
atmósfera óptica de la película.

El equipo de fotografía es el más numeroso y se compone,

además del director de fotografía, del camarógrafo, el primer
asistente de cámara o foquista, el segundo asistente de cámara,
el cargador de negativos, el gaffer o jefe de eléctricos, los
eléctricos u operadores de luces, los grip u operadores de
travelling o dolly, los estabilizadores de cámara (steady cam) y
otros asistentes o aprendices. Oscar de fotografía 2009 a
Wally Pfister por “El
6.- MONTAJE Caballero Oscuro”.
Es la técnica de ensamblaje para dotar a la película de una forma narrativa. Consiste en escoger,
ordenar y unir una selección de los planos grabados, según una idea determinada, a partir del
guión, la idea del director y el aporte del montador.
El montador puede tener un asistente y suele trabajar con el cortador de negativos, encargado de
realizar el armado de la primera copia editada en film.
 El Curioso Caso de Benjamin Button, Memento, año 2000
montaje de Kirk Baxter y Angus Wall. Director, Christopher
Protagonista, Guy Pearce

7.- ARTE (Diseño de producción)

El área artística puede tener uno o varios directores de arte,
coordinados por un diseñador de producción, quien se encarga de la
estética general de la película.
Los directores de arte gestionarán a los: especialistas de efectos
visuales, encargados de vestuario, maquilladores, carpinteros,
modistas, peluqueros, pintores, utileros, constructores, etc.

8.- STUNTS (Doble de cine)

Los dobles de riesgo o de acción sustituyen al actor en las escenas de
riesgo. En algunos casos la escena de acción demanda de los actores
ciertas habilidades de las cuales carecen. En otros casos el actor puede Xena, La princesa
realizarlas, sin embargo lo sustituyen por un doble para evitar algún
guerrera y su doble, Zoe
accidente y así atrasar toda la filmación.
Bell
9.- STORYBOARDS
El storyboard se utiliza para definir las secuencias, cambios de plano, gestos y posiciones de los
actores, en cada una de las escenas antes de rodarlas. Vemos como si de un cómic se tratase la
película completa. Es fundamental para la comprensión del equipo técnico hacia lo que se va a
rodar, incluyendo anotaciones con las dificultades de algunos planos o cosas a tener en cuenta. Los
personajes y el fondo se pueden retratar únicamente mediante siluetas, pero siempre recalcando
los elementos importantes en la acción como pueden ser flechas para indicar movimiento de
cámara o de actores, o la expresión de un actor en un plano determinado.

Storyboards de anuncios publicitarios

MOVIMIENTOS FÍSICOS DE LA CÁMARA

1.- PANORÁMICA

Consiste en un movimiento de la cámara situada sobre un trípode y que gira alrededor de su eje. Se
emplea para descubrir una acción o un escenario que no puede abarcarse de una sola vez. Tiene
gran valor descriptivo y narrativo. Podemos distinguir:

 PANORÁMICA HORIZONTAL
Movimiento de derecha a izquierda o viceversa.

 PANORÁMICA HORIZONTAL DE SEGUIMIENTO

Se hace un seguimiento del sujeto que se mueve.

 PANORÁMICA HORIZONTAL DE RECONOCIMIENTO

Se hace un recorrido lento por la escena para permitir
al espectador que se fije en todos los detalles. Puede
crear dramatismo y expectación o puede servir para
mostrar cierta decepción.

 PANORÁMICA HORIZONTAL INTERRUMPIDA

Consiste en un movimiento largo y suave que se
detiene de repente para crear un contraste visual. Se
emplea en situaciones dramáticas o tristes.

 PANORÁMICA HORIZONTAL EN BARRIDO

Es una panorámica rápida que produce una serie de
imágenes generalmente borrosas. Trata de atraer la
atención hacia la siguiente imagen. El barrido puede tener
muchas funciones: mostrar la causa y el efecto, trasladar
en el tiempo y en el espacio, mostrar diferentes aspectos
de la misma escena, proporcionar continuidad (conectando
entre sí una serie de sujetos o temas similares), cambiar los centros de atención, comparar o
contrastar, etc.

 PANORÁMICA VERTICAL
Movimiento de arriba abajo o viceversa.

 PANORÁMICA DE BALANCEO
Movimiento de balanceo.

127 horas. James Franco

 2.- TRAVELLING
Consiste en un desplazamiento de la cámara variando la posición de su eje y movido por una
persona, travelín, grúa, etc. Tiene un gran valor expresivo, de relieve y perspectiva narrativa.
Existen diversos tipos:

 AVANTE O
AVANCE
La cámara se acerca.
Refuerza la atención.

 DOLLY
Movimiento de frente.

 RETRO O RETROCESO
La cámara se aleja. Relaja la tensión, a no ser que
aparezcan otros objetos que antes no se veían,
despertando nuevos focos de atención.

 ASCENDENTE/DESCENDENTE
La cámara acompaña al personaje o algo en movimiento,
hacia arriba o hacia abajo.

 LATERAL O TRAVEL
La cámara acompaña en paralelo al personaje u objeto que
se desplaza horizontalmente. Permite mantener cerca la
expresión del personaje que se mueve. Los objetos dan la sensación de moverse más deprisa.

 CIRCULAR O EN ARCO
La cámara se desplaza en círculo alrededor del personaje u objeto. Este movimiento permite ver la
escena desde distinto puntos.

MOVIMIENTOS ÓPTICOS

ZOOM
El movimiento del zoom se realiza con cámaras que tienen objetivos de focal variable
(zoom). Permite que los objetos se acerquen o alejen sin desplazar la cámara. También se llama
travelín óptico. A diferencia del travelín, con el zoom los objetos se acercan y no descubrimos las
áreas escondidas detrás, como lo podemos hacer con el travelín. En el cine y la televisión se puso
de moda en los años 60 y 70 y su uso fue excesivo. Valerio Lazarov fue uno de los cineastas que
abusaba del zoom. Actualmente se evita el exceso, ya que su uso injustificado cansa al espectador.
TIPOS DE PLANOS

Se refiere al tamaño del objeto en la imagen que se va a grabar. Los principales planos usados son:

1.- PLANO GENERAL (WIDE SHOT)

Encuadre abierto que presenta, además del personaje que se está grabando, los elementos a su
alrededor.

Atrapa a un ladrón (1955), de Alfred

Hitchcock con Cary Grant y Grace Kelly

2.- PLANO GENERAL MEDIO (FULL SHOT)

Muestra al personaje desde los pies hasta la cabeza y todo lo que se hay a su alrededor.

El Planeta de los simios

(1968), de Franklin J.
Schaffner, protagonizada
por Charlton Heston

3.- PLANO AMERICANO.

Término utilizado principalmente en las películas de vaqueros del Oeste, donde se muestra al
personaje desde la rodilla, donde les llegaba la pistola, hasta arriba de la cabeza.

Clint Eastwood y Jonh Wayne

4.- PLANO MEDIO (MÉDIUM SHOT)
Se toma a un personaje de la cintura hasta arriba de la cabeza.

Crepúsculo. La saga dirigida

por los hermanos Pang.
Protagonizada por Robert
Pattinson, Kirsten Stewart y
Taylor Lautner

5.- PRIMER PLANO MEDIO (MÉDIUM / CLOSE UP)

Abarca de la altura del hombro hasta arriba de la cabeza.

Pierce Brosnan y Sean Connery como James Bond

6.- PRIMER PLANO (CLOSE UP).

Es a partir de donde termina el hombro hasta arriba de la cabeza.

Jeoffrey Dean Morgan, Blake Lively y Mario Casas

 7.- PRIMERÍSIMO PLANO (EXTREME CLOSE UP)
Abarca desde arriba desde la barbilla hasta la frente.

Collin Farrell y Madonna

COMPOSICIÓN DE LA IMAGEN

Organización de la imagen global. Cuando vamos a grabar podemos tener la acción en:

1.- PRIMER PLANO

Es lo más importante en nuestra composición y más cercano a la cámara.

Primer plano de Mel

Gibson en Braveheart

2.- SEGUNDO PLANO

Son los elementos que se encuentran detrás de los elementos que están en primer plano.

Russell Crowe en primer

plano y tigre en el
segundo.
 3.- PLANO DE FONDO
Son los elementos que están detrás de los elementos que están en segundo plano.

El Señor de los Anillos: la Comunidad

del Anillo (2001),
El Señor de los Anillos: las dos torres
(2002)
El Señor de los Anillos: el retorno del
Rey (2003).
Las tres películas fueron escritas,
producidas y dirigidas por Peter
Jackson.
Elijah Wood como Frodo Bolsón.
Sean Astin como Samsagaz Gamyi.
Viggo Mortensen como Aragorn.
Ian McKellen como Gandalf.
Billy Boyd como Peregrin “Pippin” Tuk.
Orlando Bloom como Legolas.
John Rhys-Davies como Gimli.
Christopher Lee como Saruman.
Liv Tyler como Arwen Undómiel.
Hugo Weaving como Elrond.
Cate Blanchett como Galadriel.

ÁNGULOS

Dependiendo del ángulo con el que se compone una imagen se da una distinta comunicación
visual. Cuando se graba, se decide hacia donde queremos que nuestra audiencia concentre su
atención.
Es importante tener diversas opciones de ángulos y encuadres para que a la hora de editar el
proyecto se le dé dinamismo. Para que un cambio de ángulo funcione debe ser mínimo de 30º
acompañado de un cambio de plano para que se note en la edición.

1.- PICADO
Es una toma de arriba del personaje hacia
abajo. Crea una sensación de disminución de
la altura y debilidad del personaje.
 2.- CONTRAPICADO
Es una toma de abajo del personaje
hacia arriba. Crea una sensación de
aumento de altura y fortaleza del
personaje.

3.- HOLANDÉS
Cuando la cámara se inclina, a izquierda o derecha, entre un 20-40% para dar una sensación de
modernidad.

4.- OVER THE SHOULDER

Cuando tenemos a dos personajes hablando entre
ellos y se utiliza el hombro de uno de los
personajes en primer plano y otro personaje en
segundo plano.

5.- TIP
Para hacer tomas en movimiento,

CONTINUIDAD

Para abaratar los costes, las películas nunca se filman en orden. A partir de un guión aprobado se
separan las escenas por localizaciones y si la escena es de día o de noche. Luego se realiza un
calendario de localizaciones. Por esta razón existe una persona en el set llamada “Continuista”,
que está encargada controlar que todos los elementos y personajes se vean iguales de una toma a
otra dentro de una escena.
La continuidad en el set significa que la utilería aparezca en el mismo lugar cuando cambiamos de
toma, mientras que en los personajes se debe cuidar la posición, vestimenta, peinado, maquillaje,
accesorios, expresiones, señas particulares (cortadas, lunares…), etc. Finalmente, en una
localización hay que cuidar que las condiciones climatológicas sean parecidas.