JOSE MANUEL RODRIGUEZ TORICES INEM

NEOCLASICISMO MUSICAL

MUSICA

ETHAN DAVID FLOREZ JIMENEZ

VANNESA HERRERA ESPETIA
ISABELA GARCIA

HECTOR LUQUE

GRUPO: 9

GRADO: 907
 INTRODUCCION

Entre 1750 y 1830 se desarrolló en Europa el Neoclasicismo, estilo que tuvo su

epicentro en Francia. Además de Europa, también fue importante su difusión en
Estados Unidos. Desde el punto de vista histórico, es un periodo de profundos
cambios políticos ya que comienza en pleno siglo de la ilustración y del
Despotismo ilustrado, y continua durante la revolución francesa y la época
napoleónica. Coincide con la crisis de las estructuras del antiguo Régimen y las
primeras experiencias de la sociedad burguesa.
 TABLA DE CONTENIDO

El Neoclasicismo musical.

1… Periodo y antecedentes
2… Contexto histórico
3… Características generales
4… Desarrollos artísticos en pintura, escultura, arquitectura, danza, teatro, etc. Y
su relación con la música.
5… Formas musicales desarrolladas. Se debe explicar estructura, tipos de
compas, características de la forma, instrumentación, obras más importantes de
cada forma.
6… Presentar ejemplos sonoros de las formas musicales más importantes.
 DESARROLLO

El estilo neoclásico se desarrolló tomando como punto de referencia la excavación

en Italia de las ruinas de las ciudades romanas de Herculano en 1738 y de
Pompeya en 1748, la publicación de libros tales como Antigüedades de Atenas
(1762) de los arqueólogos ingleses James Stuart y Nicholas Revett y la llegada de
la colección Elgin a Londres en 1806. Ensalzando la noble simplicidad y el gran
sosiego del estilo grecorromano, el historiador alemán Johann Winckelmann instó
a los artistas a estudiar y a imitar su eternidad y sus formas ideales. Sus ideas
encontraron una entusiasta acogida dentro del círculo de artistas reunidos en
torno a él en el año 1760 en Roma.
 CONCLUSION

Quizá el rasgo más característico de la influencia de la Ilustración en las artes, sea

el deseo de que sirvan de instrumento educativo; ya no deben contribuir a exaltar
el poder de la iglesia o de la monarquía, sino ser reflejo de las virtudes cívicas. El
carácter moralizante adjudicado a las artes hizo que cambiara el papel del
artista que de artesano pasó a ser interprete de los valores cívicos. Así los talleres
artesanales fueron sustituidos por las Academias que racionalizaron el aprendizaje
del artista y difundieron el nuevo estilo. En la segunda mitad del siglo XVIII se
establecieron Academias en toda Europa que daban una formación clásica a
sus alumnos y les concedían becas para estudiar en Roma las ruinas del pasado.
El sentido didascálico de las artes propició el nacimiento de exposiciones y
museos que mostraban al público en general, y no sólo a un grupo de eruditos, las
diferentes etapas de la Historia del Arte. En París se abrieron
en 1750 algunas salas del Palacio de Luxemburgo para que se pudieran admirar
las pinturas, pero fue el British Museum de Londres (1753) el primer museo que se
creó ex profeso para tal fin dando paso a instituciones similares en toda Europa.
 BILIOGRAFIA

.https://studylib.es/doc/58011/trabajo-de-historia-el-neoclasicismo-
introducción

.https://es.slideshare.net/JoseAngelMartinez/el-arte-neoclsico-y-la-figura-de-
goya
 NEOCLASICISMO MUSICAL

- Periodo y antecedentes:

El Neoclasicismo se desarrolla desde mediados del s XVIII hasta mediados del s

XIX, coincidiendo en líneas generales con la Revolución Francesa y el Imperio
Napoleónico.
El Barroco y el Rococó son fuertemente criticados y reemplazados por un estilo
basado en el redescubrimiento de la antigüedad clásica. Su lenguaje formal se
opone a la funcionalidad y al excesivo decorativismo del Barroco (rechaza su
grandilocuencia y su apego a la Iglesia) y del Rococó (rechaza su intimismo, su
falta de severidad y su carácter cortesano-burgués). El neoclasicismo se presenta
como un arte nuevo, sereno y equilibrado ante el agotamiento de las formas del
Rococó, con su lenguaje vacío y reiterativo. Sus postulados son pureza, exactitud,
luminosidad, exactitud, equilibrio y fidelidad a las artes del pasado, es decir, al
Clasicismo.
El modelo del Neoclasicismo será Grecia. En su arte clásico, que admiran e
imitan, creen ver que se imponen las líneas rectas a las curvas y cierta
independencia respecto al poder y la religión. También incidieron en el desarrollo
de este movimiento los descubrimientos arqueológicos de Pompeya y Herculano.
Winckelmann y Lessing formulan entonces nuevas teóricas estéticas basadas en
la Antigüedad.
El Neoclasicismo es el primer arte no cristiano: sustituye a Dios por el culto a la
razón, suponiendo la vertiente artística de la secularización de la cultura
promovida por la Ilustración.
La nueva estética neoclásica adquiere su máxima expresión en Francia,
principalmente por ser asumida por la burguesía en su lucha por tomar el poder, y
después en Roma, a donde llegarán jóvenes artistas, expertos y coleccionistas
para formar su gusto. Se crean academias que abogan por la uniformidad
estilística, lograda a través del aprendizaje del buen dibujo, la copia de modelos
clásicos y el dibujo al natural. La conexión entre los autores del mundo clásico y
los de la “nueva antigüedad” se llevará a cabo a través del rigor del trazo y la línea
y de la veracidad de la representación. El Neoclasicismo quiere para el artista una
formación de rigor intelectual y de fidelidad a las artes del pasado.
 - Contexto histórico:

El neoclasicismo surgió a partir de la difusión de las ideas de la Ilustración en

Europa. En Francia, coincidió con el debilitamiento de la monarquía
absolutista francesa; el estallido de la Revolución francesa –que afectó directa o
indirectamente a todas las monarquías europeas– y la expansión del Imperio
napoleónico. En el aspecto social, se destacó la creciente importancia de
la burguesía, un grupo cada vez más influyente que se adhirió a las ideas
liberales y racionales de la Ilustración.
- Características generales

- Revalorizó las formas artísticas de la antigüedad clásica. Su fuente de

inspiración fueron los restos arqueológicos que se estaban estudiando en
Roma y en las ciudades de Herculano y Pompeya, en el sur de Italia. Estas
ruinas permitieron descubrir detalles de la vida cotidiana romana, (sus
casas, decoración, costumbres, mobiliario), desconocidos hasta ese
momento.

- La formación artística mediante maestros y gremios fue reemplazada por

las academias de arte y arquitectura. Las academias eran instituciones
oficiales que marcaban el gusto de la época. Las más importantes fueron: la
Royal Academy en Inglaterra, la Académie Française, la Escuela Francesa
en Roma y la Academia di San Luca en Nápoles.

- Los artistas se formaban en dibujo del natural, estudio de las esculturas

antiguas griegas y romanas y composición, entre otras disciplinas. El éxito
de los artistas dependía de la aprobación de la academia.

- El principal teórico del neoclasicismo fue Johann Joachim Winckelmann,

quien tomó al arte griego como modelo de grandiosidad y belleza y fue muy
influyente entre los artistas y los teóricos.

- Apeló a la razón como guía de sus producciones, dejando de lado los

sentimientos, lo subjetivo, lo espiritual o religioso. Los artistas pretendían
representar valores universales y eternos.

- El arte comenzó a lograr su autonomía. Es decir, los artistas se

independizaron de las demandas de las grandes instituciones, como las
monarquías y la iglesia, y buscaron realizar obras que reflejaran el espíritu
republicano de la época.
 - Desarrollo artístico en pintura, escultura, arquitectura, danza, teatro y
su relación con la música

Pintura en el neoclasicismo
Para la pintura del neoclasicismo fue de mucha importancia el dibujo, en pos de
construir las formas pictóricas. Asimismo, se le dio mucha importancia a
la simetría en la composición y al uso de formas sencillas y simples.
El tratamiento del cuerpo humano se caracterizó por la idealización de las formas
siguiendo los modelos clásicos. Los artistas buscaron embellecer la realidad que
se representaba.
Tomó temas de la historia romana y de la mitología, tanto griega como romana,
para realizar alegorías de la sociedad contemporánea.

Escultura en el neoclasicismo
La escultura del neoclasicismo se inspiró en las antiguas esculturas griegas y
romanas recuperadas en las excavaciones arqueológicas. Si bien recuperó esas
formas, las usó para expresar ideas contemporáneas.
El objetivo de los artistas era lograr una representación de la realidad concreta,
pero infundiendo en las obras los ideales de nobleza, veracidad y belleza
armónica de la escultura clásica.
Los escultores prefirieron el mármol blanco para sus obras, por la nobleza y
pureza que consideraban que transmitía ese material.

Arquitectura del neoclasicismo

La arquitectura del neoclasicismo se caracterizó por el uso de modelos griegos y
romanos adaptados a las necesidades contemporáneas.
Se buscó la simetría y el orden racional en las construcciones. Siguiendo el
modelo de los templos griegos, se construyeron fachadas con columnas y
tímpanos con relieves.
También se privilegió el uso de formas derivadas del arte romano, como el arco de
medio punto y la cúpula.
DANZA NEOCLASICISMO

Esta danza al igual que la Danza Moderna y Posmoderna, se desarrolla a lo largo

del siglo XX, cuestionando los principios de la Danza Clásica. La diferencia con
estas dos danzas es que el ballet neoclásico no se opone a la técnica del ballet
clásico, de hecho, lo utiliza como sustento, pero adaptándolo a nuevas
intenciones.

Adopta ideologías de las danzas modernas y posmodernas, como la "búsqueda de

libertad". Así en la Danza Neoclásica empieza a existir una mayor soltura en el
torso y los pasos, incorporando caídas y trabajo de piso; pero siempre con
principios técnicos clásicos. Sigue evolucionando el empleo de zapatillas de punta
al igual que las de media punta e incrementando la opción de bailar descalzo. Los
bailes en grupo y los roles masculinos adquieren mayor importancia hasta estar a
la par de los solos y los roles femeninos. Empieza a mostrar mayor interés en la
problemática humana y adaptándola en sus coreografías proponiendo tanto
narrativas como abstracciones.

TEATRO NEOCLASICISMO

El teatro neoclásico es la manifestación teatral europea que apareció en el s. XVII

en Francia y se desarrolló enormemente en el s. XVIII durante la Ilustración. Por lo
que el teatro del s. XVIII sigue los parámetros y expresa los ideales típicos del
siglo de las luces como el racionalismo, la armonía y el equilibrio.
Porque, a grandes rasgos, la Ilustración fue un movimiento cultural e intelectual -
con un alto impacto en Francia, Reino Unido y Alemania- que se proponía
combatir la ignorancia y el fanatismo mediante la razón y el amor por el
conocimiento. De ese modo, se impulsó una revisión crítica de ideas, valores y
tradiciones siguiendo el ideal de la razón.
 FORMAS MUSICALES DEL NEOCLASISMO

- Sinfonía

Estructura:
Su estructura proviene del género sonata clásica, una composición instrumental
solista, en un principio para un instrumento de teclado, formada por tres o cuatro
movimientos, que emplea la forma sonata definida anteriormente, por lo menos en
el primer movimiento. Podríamos definir a la sinfonía como una sonata para
orquesta, por lo cual su constitución orgánica será estudiada de forma conjunta.

- Tipo de compas
La melodía principal se construye casi siempre de forma simétrica, con frases de
cuatro u ocho compases.

- Características de la forma

-Gran equilibrio y serenidad. Textura sencilla y clara

-Melodías cortas. Comprensibles y agradables. Compases pares
-Estructura clara, equilibrada y simétrica: Planificación tonal y modulaciones muy
contenidas
-se alcanza la mayor perfección en las estructura de las obras con el modelo
sonata, en sinfonías, conciertos, sonatas y cuarteto
-equilibrio entre expresividad y naturalidad con dinámica graduada, tempi
complementarios y timbres muy estudiados
-dominio claro de la música instrumental
.-de la sonata a trio, de la obertura a la sinfonía, del contra punto ala homofonía

- Instrumentación de la sinfonía

. Instrumento de cuerda frotada: violín, viola, violoncelo, y contrabajo

Instrumento de cuerda percutida: Piano, celesta,

Instrumento de cuerda pulsada: Arpa y guitarra

Instrumento de viento madera: Piccolo, flauta travesera, clarinete, clarinete

bajo. Corno Ingles, fagot

Instrumento metal: trompeta trompa, corneta, trombón, trombón bajo, tuba,

eufonía

Instrumento de percusión: (sin afinación): Timpani, plato, suspendido,

cimbales, tam tam y triangulo

Instrumento de percusión con afinación: marimba, xilófono, campano

crotales, glockenspiel.
 - Obras más importantes del neoclasicismo

«Claro de Luna» Sonata para piano nº14 – Beethoven.

«El Mesías» – Handel.
“Pequeña Serenata Nocturna” – Mozart.
«Para Elisa» – Beethoven.
«Obertura 1812» – Tchaikovsky.
«Les Toreadors» – Bizet.
“Sinfonía nº 5” – Beethoven.
Concierto del neoclasicismo

- Estructura:
Tradicionalmente el concierto se ha compuesto en forma de sonata según
el concepto clásico o barroco, con modificaciones para permitir el
virtuosismo del solista, en especial las cadencias (muchas veces llamadas
por su término italiano cadence en plural, o cadenza en singular). Estas
suelen ser interpretadas por el solista inmediatamente antes de que la
orquesta dé conclusión con un tutti al primer o al último movimiento de la
obra.

- Tipo de compas: Es convencional afirmar que los primeros movimientos de

los conciertos del periodo clásico en adelante siguen la estructura de
la forma sonata. Los movimientos finales suelen tener forma de rondó,
como en el Concierto para violín en mi mayor de J.S. Bach.10
Mozart escribió cinco conciertos para violín, todos en 1775. 11 Muestran una
serie de influencias, sobre todo italianas y austriacas. Varios pasajes tienen
inclinaciones hacia la música folclórica, como se manifiesta en
las serenatas austriacas. Mozart también escribió la Sinfonía
Concertante para violín, viola y orquesta. Beethoven sólo
escribió un concierto para violín que permaneció oscuro hasta que se reveló
como una obra maestra en una interpretación del virtuoso del violín Joseph
Joachim el 27 de mayo de 1844.12

- Características del concierto

-La exposición es tocada una primera vez por la orquesta sola y es repetida
- con numerosas variantes - con la participación del solista.

-Algunos temas de la exposición pueden ser reservados para la exposición

con el solista.

-En ocasiones - como en este concierto - la segunda sección de la

exposición (B) se toca en la tonalidad principal por la orquesta y se reserva
la tonalidad de la dominante para la exposición con el solista.
 -Típicamente se incluye una cadenza por parte del solista entre la
re exposición y la coda. En este caso, Beethoven presenta la cadenza
dentro de la coda.

- instrumentación del concierto:

. violín

. viola

. piano

. arpa

. flauta

. oboe

. fagot

- Obras más importantes:

. sinfonía número 5 Beethoven

. mesías de haendel

. concierto para violín de sibelius

. Sinfonía número 5 de Tchaikovski

. sinfonía número 7 de Beethoven

 Tema con variación

- Estructura:
- La estructura general está formada por 4 periodos (tema y tres
variaciones). Cada variación contiene aspectos típicos de una época de la
música o estilo musical (Barroco, Clásico, Romántico con una Cadena en
estilo impresionista).  Aparte de las variaciones la pieza se inicia
con una Introducción y finaliza con una Coda final. La variación segunda y
tercera están separadas por una Re transición.
En síntesis, la estructura general está formada por:

Introducción, Tema, Variación 1, Variación 2, Re transición, Variación 3 y Coda

- Compas:

- No tenía un compás en específico o común debido a que se usaban otros

compases y se hacían variaciones.

- Características:

- caracterizada por contener un tema que se imita en otros subtemas o

variaciones, los cuales guardan el mismo patrón armónico del tema original,
y cada parte se asocia una con la otra. Difieren entre ellas los patrones
melódicos y el tempo de cada variación.

- Instrumentación:
 - No se usaban instrumentos específicos al solo ser variaciones de las
canciones, el más notables fue el piano que era el más común para
variaciones.

- Obras más importantes

 Johann Sebastián Bach: Variaciones Goldberg.

 Mozart: Doce variaciones sobre «Ah vous dirai-je, Maman».

 Beethoven: Variaciones Diabelli.

 Brahms: Variaciones sobre un tema de Haydn.

 Rajmaninov: Rapsodia sobre un tema de Paganini.

Cuarteto de cuerda

- Estructura

Un cuarteto de cuerdas es un conjunto musical de cuatro instrumentos de cuerda,

usualmente dos violines, una viola y un violonchelo, o una pieza escrita para ser
interpretada para dicho grupo. El cuarteto de cuerdas es ampliamente visto como
una de las formas más importantes de música de cámara, teniendo en cuenta que
muchos de los compositores renombrados a partir del siglo XVIII escribieron obras
para cuarteto de cuerdas.
Una composición musical para cuatro intérpretes de instrumentos de cuerda
puede ser de cualquier tipo, pero tradicionalmente presentan cuatro movimientos
dentro de una estructura de escala larga, similar a la de la sinfonía.

- Tipo de compas

Desde Joseph Haydn, Mozart y Boccherini, el cuarteto se convierte en el género

más popular del repertorio de música de cámara. La estructura en lo sucesivo se
casa con un modelo casi inmutable en cuatro movimientos, que seguirá siendo
una referencia, aunque ha sido cuestionado en varias ocasiones (Op. 131 de
Beethoven). Cada uno de los cuatro movimientos está sujeto a un tempo
determinado y a una forma musical particular:
   1.er movimiento: tempo allegro con una forma sonata.
   2.º movimiento: tempo adagio, con una forma de canción, una forma de sonata o
una forma de tema y variaciones.
   3.er movimiento: tempo allegretto, en compás ternario, con forma de minueto y
trío. Aunque luego se usó la forma scherzo de Beethoven.
   4° movimiento: tempo presto con rondó, rondo-sonata o una variedad de rondó.

El contrapunto de cuatro partes permite escuchar todas las armonías sin doblar de
forma superflua para obtener el equilibrio de las voces y una gran homogeneidad
de timbre.
    "Escuchamos dialogar a cuatro personas inteligentes, creemos comprender las
partes de su conversación mientras descubrimos algo sobre los detalles de los
instrumentos."

- Caracteristicas

 Instrumentos melódicos. Los instrumentos de cuerda no son como el piano

que puede tocar tanto melodías como acompañamientos. Son más bien
instrumentos melódicos. De allí el interés de agruparlos para proponer obras
más complejas. cuarteto de cuerdas posición de los instrumentos.
 Unas posibilidades infinitas. El cuarteto de cuerdas existe ya que ofrece
numerosas posibilidades: cada instrumento puede tocar una melodía simple
acompañado por los demás instrumentos o cada instrumento puede tocar una
melodía, todas superpuestas las unas sobre las otras.
 Posición de los músicos. Los cuatro músicos se sientan en semicírculo para
conservar el contacto visual mientras tocan. A su vez, cada músico ocupa un
lugar definido.(Ver figura)
 Un amplio abanico de notas. El cuarteto de cuerdas procura la ventaja de
proponer notas agudas con los violines, medianas con las violas y graves con el
violonchelo. Este ensamble de instrumentos permite disponer de una gran
amplitud de notas.
 Riqueza de matices. Tocando una nota con el piano o con un instrumento de
viento, las posibilidades de efectos son limitadas en comparación con la
infinidad de matices que pueden producir los instrumentos de cuerda frotada.
- Instrumentación del cuarteto de cuerda

- Los cuartetos están formados por cuatro instrumentos interpretados por

cuatro músicos o músicas. El más conocido es el cuarteto de cuerda que
está compuesto por dos violines, una viola y un violonchelo.

- Obras más importantes

-Cuarteto de cuerdas n.º 2 de Felix Mendelssohn (ejemplo temprano de

forma cíclica).11

- Cuarteto de cuerdas n.º 1 de Bedřich Smetana en Mi menor, "De mi vida",

considerado el primer fragmento de música de programa de cámara

-  Cuarteto de cuerda en sol menor, op. 10 (1893)

- Cuarteto de cuerda de Jean Sibelius en Re menor, op. 56, Voces íntimas.

Quinteto de vientos

- Estructura

Un quinteto de viento, a veces llamado quinteto de viento-madera, es un grupo de

cinco instrumentistas (mayormente flauta, oboe, clarinete, corno y fagot). Se llama
también de esta manera a las obras compuestas para esta agrupación.

Al contrario que el cuarteto de cuerda, cuyo color sonoro es muy homogéneo, los
instrumentos del quinteto de viento se diferencian entre ellos considerablemente
por su timbre y técnica. 

- Tipo de compas

Conjunto de cinco unidades. 2. POESÍA Estrofa que está formada por cinco
versos de arte mayor, de rima consonante, ordenados de manera que no haya tres
seguidos con la misma rima y que los dos últimos no formen un pareado.

- Instrumentación del quinteto de viento

Está compuesto generalmente por 2 oboes, 2 clarinetes, 2 trompas y 2 fagotes

 - Obras mas importates

Carl Nielsen (1865 - 1931)

Arnold Schoenberg (1874 - 1951)
Wallingford Riegger (1885 – 1961)
Heitor Villa-Lobos (1887- 1959)
sonata

- Estructura

La forma sonata (también denominada forma de allegro de sonata o forma de

primer tiempo de sonata) es una forma musical empleada ampliamente desde
principios del Clasicismo. Se emplea habitualmente en el primer movimiento de
una pieza de varios movimientos, aunque a veces se emplea en los siguientes
movimientos también. El estudio de la forma sonata en la teoría musical se basa
en una definición estándar y una serie de hipótesis sobre las razones subyacentes
acerca de la duración y variedad de la forma.
La definición habitual se centra en la organización temática y armónica de los
materiales tonales, que se presentan en la exposición, son elaborados y
contrastados en el desarrollo y luego resueltos armónica y temáticamente en la re
exposición o recapitulación. Además, esta definición admite que una introducción y
una coda pueden estar presentes. Cada una de las secciones a veces es dividida
o caracterizada de una manera particular para que cumpla su función en la forma.

- Características

La forma sonata, desde su creación, se ha convertido en la forma más común del

primer movimiento de las obras tituladas "sonata" como tal, así como de otras
obras de música clásica de mayor duración, como
las sinfonías, conciertos, cuartetos de cuerda, etc. Por consiguiente, un grueso de
la teoría está unificada, pero distingue las distintas prácticas de la forma sonata a
lo largo de un periodo y entre periodos. Incluso hay algunas obras que no se
adhieren a la descripción de una forma sonata, pero a menudo presentan
estructuras análogas o son formas elaboradas o ampliadas de la descripción
habitual.

- Tipo de compas

Esta se compone por

Introducción
Sección inicial no obligatoria, con indicación de tempo lento. Puede estar
desconectada temáticamente del resto de la sonata.
Exposición

Se compone de dos secciones —denominadas convencionalmente A y B—, una

en la tonalidad principal (tónica) y otra en una dominante o tonalidad cercana
o relativa (relativo mayor, tonalidad de la dominante). Normalmente ambas
secciones están enlazadas mediante una sección denominada puente o transición.
La Exposición (así como la Reexposición) suelen concluir con una sección
cadencial en la tonalidad secundaria denominada codetta (pequeña coda) o grupo
final.
Desarrollo
Sección de carácter modulante en la que se elaboran y combinan diversos motivos
utilizados en la exposición. Aquí, dependiendo del periodo y del autor, la amplitud
y variedad tonal de la sección pueden variar enormemente. Los movimientos
lentos, oberturas y arias de ópera con forma de sonata suelen prescindir de esta
sección.
Reexposición o recapitulación
En esta sección se presentan, nuevamente, tanto el tema A como el tema B, con
la particularidad de que el segundo tema se presenta en la tonalidad principal. Es
usual que en la reexposición los temas se presenten levemente modificados.
Coda final
Sección final de carácter conclusivo y no imperativo (puede haberla o no). Puede
limitarse a ampliar las cadencias de la codetta o a expandirse presentando
nuevamente materiales ya utilizados anteriormente
.

- Instrumentación de la sonata

dos violines (u otros dos instrumentos melódicos) interpretan la melodía, y un

tercer instrumento toca el bajo continuo (podría ser el clavecín, el laúd, la tiorba, la
viola da gamba, el violonchelo, etc.)
La opera

- Estructura

Ya desde inicios del siglo XVIII se había convertido en un fastuoso espectáculo de

corte, a través del cual los monarcas y aristócratas exhibían su esplendor. Los
temas se referían a la mitología y a la historia antigua y representaban grandes
tragedias heroicas, montadas con gran aparato: era la llamada ópera seria,
cantada en italiano.
Por el contrario, las clases sociales menos favorecidas contaban con su propio
teatro musical, la ópera buffa, pequeñas actuaciones satírico-burlescas. De breve
duración y argumento simple, recurren a la expresión directa en lenguaje coloquial
y se sirven de dos o tres personajes solamente, reduciendo al máximo los
elementos musicales, en los que desde luego están ausentes los coros y cobra la
mayor importancia la melodía popular de fácil construcción. La ópera buffa ganó
importancia y nivel artístico durante el Clasicismo, y aparecieron además
versiones nacionales, escritas en la lengua local y con diálogos en lugar de
recitativos, como el singspiel en Alemania, la ballad opera en Inglaterra,
la zarzuela en España y la opéra-comique en Francia.

- Características

Ópera (del italiano ópera, 'obras musicales') designa un género de música teatral
en el que una acción escénica se armoniza, se canta y tiene acompañamiento
instrumental. Las representaciones suelen ofrecerse en teatros de ópera,
acompañadas por una orquesta o una agrupación musical menor.
 - Tipo de compas

La ópera se suele diferenciar de los otros géneros de teatro musical aceptándose

que, la ópera es una representación completamente acompañada por música. La
historia del género demuestra que tal afirmación no es correcta. Si bien la ópera
se diferencia del teatro recitado por la extraordinaria participación de la música en
su constitución, ya desde el barroco se conocían formas limítrofes como
la mascarada, la ópera de baladas, la zarzuela y el singspiel que se confunden en
no pocos casos con la ópera. Así, los singspiel de Wolfgang Amadeus Mozart se
consideran óperas al igual que las zarzuelas de José de Nebra, mientras que Die
Dreigroschenoper (La ópera de los tres centavos) de Kurt Weill está, en realidad,
mucho más próxima al teatro recitado que a la ópera. Finalmente, hay otros
géneros próximos a la ópera como lo son la ópera-ballet del barroco francés y
algunas obras neoclasicistas del siglo XX como, por ejemplo, algunas obras de Igor
Stravinsky. No obstante, en estas obras la parte principal expresiva recae en la
danza mientras que el canto es relegado a un papel secundario. Al respecto de la
diferencia entre la ópera y la zarzuela, la opereta, el singspiel y el musical inglés y
estadounidense, la delimitación nace de una diferencia formal.

- Instrumentación de la opera

¿Cuáles son los instrumentos de la ópera?

Está conformada básicamente por violines, violas, violonchelos,

contrabajos, dos oboes, dos cornos, uno o dos fagotes, un teclado
(clavecín u órgano). Para algunas obras también trompetas y
timbales. Poco a poco otros instrumentos como flautas, clarinete,
oboes, cornos y trombón se volvieron también indispensables.
 - Obras mas importantes de la opera

La flauta mágica, de Mozart. ...

Fidelio Ludwig van Beethoven

La clemenza di Tito Wolfgang Amadeus Mozart

Nina Giovanni Paisiello