ARTE BARROCO.

Pintura CRONOLOGÍA: siglo XVII – primera mitad siglo XVIII

CONTEXTO HISTÓRICO Y CULTURAL
El barroco es un estilo que coincide con el siglo XVII en la primera mitad del XVIII. Se le empezó a denominar Barroco en el siglo
XIX, con un sentido periorativo. Corresponde este concepto con un sentido negativo, viene de todos aquellos que priman más lo
clásico y racional, reprochan al barroco ser demasiado irracional y se desprecia. A medida que avanza el siglo pasa a ser
indiferente. Será el siglo 20 cuando lleguen las vanguardias y empiecen a apreciar el barroco que transmite lo sensorial y las
emociones.

En el siglo XVII, hay dos grandes luchas: por una parte, las guerras de religión y el mundo de la contrarreforma, lo que deja un
mundo convulso. Se crean en ese momento las grandes naciones de Europa que se enfrentan entre ellas. Cuando llega el siglo
XVII existen dos grandes poderes: el poder papal y el poder real (absolutismo).

E a. La pintura barroca en Italia C

P
I Bodegón, pintura de género, escorzo, perspectiva aérea, claroscuro,
N
1. El tenebrismo O realismo idealizado, trampantojo, allá prima, arrepentimientos,
T
T
U
2. La escuela de Bolonia N R
composición vaivén, barroco, tenebrismo
A 3. Giovanni Bautista Gauli C
A

P b. La pintura barroca en Flandes E

1. La escuela de Flandes P
A 2. La escuela holandesa T
S c. Pintura barroca española
O
1. La escuela valencia
S
2. La escuela andaluza
3. Diego Rodríguez de Silva Velázquez

ARTE BARROCO. Pintura CRONOLOGÍA: siglo XVII – primera mitad siglo XVIII
CARACTERÍSTICAS ETAPAS Y OBRAS Imágenes
GENERALES
Así́ pues desde el punto de vista La pintura barroca en Italia
formal, la pintura barroca se 1. El tenebrismo
distingue por las siguientes El tenebrismo se caracteriza por dos conceptos fundamentales: de una parte, la inspiración directa en el
características generales: natural, y de otra, la importancia que se concede a la luz en el color y la composición. El realismo de las
composiciones de Caravaggio supuso la ruptura con las tendencias tradicionales de la iconografía
1. El realismo. Se buscan los religiosa, pues obligaba a que santos y apóstoles fueran considerados como hombres vulgares.
modelos directamente de la Aspectos fundamentales en la obra de Caravaggio son las escenas tomadas de la vida cotidiana.
realidad que nos rodea, se Vocación de San Mateo.
Caravaggio optó por representar tipos rudos, vulgares e incluso desagradables. Por mucha claridad y
abandona el concepto de la
realidad que proclamara la Contrarreforma, el público, la clientela y la propia Iglesia no veían con
belleza para tomar como buenos ojos esta desmesurada humanización de los personajes sagrados, por lo que la obra fue
modelo hombres y mujeres rechazada. En la Vocación se incluyen dos grupos claramente diferenciados, en el interior de una
vulgares habitación escasamente iluminada. Sentados en una mesa contando dinero, vemos al santo,
2. Hegemonía de la luz. Será recaudador de impuestos. Frente a él y bajo un haz luminoso se encuentran Cristo y san Pedro. El
determinante por dos aspectos: pintor exhibe ya en esta temprana obra su pasión por la luz.
por una parte, da una enorme La muerte de la Virgen
riqueza cromática. El cuadro encargado para una iglesia de carmelitas fue rechazado por el incumplimiento de las
3. Predominio del color sobre el reglas del decoro por parte del pintor. La demasiado humana figura de la Virgen, de aspecto pobre,
dibujo. parece realmente muerta y ello entraba en controversia con los que creían en el Tránsito de la
Virgen. Los pies y el vientre hinchados (ahogada en el Tíber).También convierte la escena en un
4. La profundidad continua. Se duelo común y corriente, la presencia de María Magdalena, la división de los apóstoles en los
concibe tal y como es en la realmente apenados, afectados e indiferentes, o el virtuosismo del telón que enmarca la escena.
realidad. La luz que entra por el foco superior se ha depositado, misteriosamente, en el telón rojo. Esta luz
5. Composición simétrica y era quizás la señal milagrosa del propio tránsito.
atectónica. Se prefiere lo que
muestre desequilibrio o sugiera 2. La escuela de Bolonia
que la escena continua más allá Se busca una realidad (frente a Caravaggio) más matizada que pintan las cosas no como son, sino
de los límites del cuadro. La como deberían ser, siguiendo los modelos ideales clásicos. Este clasicismo llenó de entusiasmo a
composición atectónica los medios eclesiásticos. Este clasicismo se interesa también pronto por la naturaleza y crea un
6. Movimiento. Las figuras se tipo de paisaje de enorme belleza y equilibrio. Los primeros artístas de esta corriente son la familia
mueven con escorzos y Carracci y especialmente Aníbal
diagonales.

ARTE BARROCO. Pintura CRONOLOGÍA: siglo XVII – primera mitad siglo XVIII
CARACTERÍSTICAS ETAPAS Y OBRAS Imágenes
GENERALES
Así́ pues desde el punto de vista 3. Giovanni Bautista Gauli. Adoracion del Nombre de Jesús.
formal, la pintura barroca se Recibió en 1661 con el apoyo de Bernini el encargo de realizar toda la decoración al fresco de la iglesia
distingue por las siguientes jesuítica de Il Gesú en Roma, cuando contaba solo veintidós años. La bóveda estaba concluida en 1679 y
características generales: combinaba la pintura al fresco con el estuco en un extraordinario alarde de ilusionismo.
El tema representado es una alegoría de la obra de los jesuitas, en la que aparece sobreiliminada la
abreviatura del nombre de Jesús en gruejo (IHS), que la iglesia occidental convirtió en sigla de Iesus
7. El realismo. Se buscan los Hominum Salvator (Jesús Salvador de los Hombres) y los jesuitas en emblema de su orden con el significado
modelos directamente de la de Iesum Habemus Socium (a Jesús Tenemos por Compañero). Los ángeles y bienaventurados aparecen
realidad que nos rodea, se resaltados, y los vicios son fulminados, con una teatralidad propia del Barroco.
abandona el concepto de la
belleza para tomar como a. La pintura en Flandes
modelo hombres y mujeres 1. La escuela de Flandes
vulgares En Flandes se multiplican los asuntos religiosos, en grandes lienzos, insistiéndose en vidas de santos. Los
8. Hegemonía de la luz. Será temas mitológicos son representados también en grandes dimensiones para la decoración de los palacios
reales y la alta nobleza. El retrato tiene un carácter solemne, dando idea de la alta posición social del
determinante por dos aspectos:
retratado.
por una parte, da una enorme
riqueza cromática. - Pedro pablo Rubens
9. Predominio del color sobre el Adoracion a los magos. Este cuadro, pintado al óleo sobre lienzo, lo realizó Rubens en 1609. La
dibujo. composición se ordena en torno a una gran diagonal que va del Niño a la parte superior derecha. La
sobreiluminación de la Virgen y el Niño atrae sobre ellos la atención. La grandiosidad del conjunto denota la
10. La profundidad continua. Se influencia italiana. A esa misma tradición veneciana se debe también la variedad cromática, así como la
concibe tal y como es en la riqueza y el lujo de las telas. Sin embargo, el dinamismo y la escena son notas características de Rubens.
realidad. Las tres Gracias. En los temas mitológicos fue donde Rubens realizó su obra más personal. Pintado al óleo
en 1635, refleja su característico ideal femenino. La composición es de una gran sensualidad, acentuada por
11. Composición simétrica y
las líneas ondulantes que parecen sumir a la escena en una danza. La placidez y el lirismo del paisaje nos
atectónica. Se prefiere lo que remite a los modelos venecianos. Un detalle interesante de esta pintura es que la retuvo Rubens para si
muestre desequilibrio o sugiera mismo, plasmó en ella su concepción del arte sin limitaciones.
que la escena continua más allá El jardín del Amor. Rubens lo pintó tras su segundo matrimonio en 1630 con Hèlene Fourment, joven de
de los límites del cuadro. La diciséis años que llevó su vida de alegría. La composición se ordena una vez más en torno a una diagonal,
composición atectónica que va del ángulo superior derecho al inferior izquierdo.
12. Movimiento. Las figuras se El tema representado es una fiesta celebrada en su lujosa casa, que se presenta como una alegoría del amor
mueven con escorzos y conyugal, ya que, a la derecha, sobre la fuente, aparece la diosa Juno, protectora del matrimonio, y por todas
diagonales. partes revolotean amorcillos.

ARTE BARROCO. Pintura CRONOLOGÍA: siglo XVII – primera mitad siglo XVIII
CARACTERÍSTICAS ETAPAS Y OBRAS Imágenes
GENERALES
Así́ pues desde el punto de vista 2. La escuela holandesa
formal, la pintura barroca se Destinada a burgueses acomodados, comerciantes y artesanos, refleja un espíritu que es el de los
distingue por las siguientes orígenes del capitalismo, tienen tiendas abiertas y están a merced del gusto, la moda y los
características generales: prestigios populares. Los géneros son muy diversos y existen especialistas para cada uno de ellos.
Los más importantes son:
13. El realismo. Se buscan los - La vida rural. Pincelada suelta y efectos de luz en Ostade.
modelos directamente de la - Los interiores burgueses. Con objetos de la vida cotidiana. Destacan Vermeer y Terborch.
realidad que nos rodea, se - El paisaje. Es inconfundible, con una línea del horizonte muy baja, con lo cual el cielo ocupa
abandona el concepto de la gran parte de la tela. Destacan Ruysdael con luces más agitadas, de tormenta o viento y
belleza para tomar como aguas agitadas, y Hobbema con paisajes más serenos.
modelo hombres y mujeres - Los bodegones. Se fijan más en la calidad de platos, mantel y transparencia del vaso.
vulgares - El retrato. Adquiere gran relevancia, prefiriendo el retrato de grupo. Destaca junto a
14. Hegemonía de la luz. Será Rembrandt, Frans Hals.
determinante por dos aspectos:
por una parte, da una enorme - Rembrandt
riqueza cromática. Lección de anatomía del doctor Tulp
15. Predominio del color sobre el En esta obra se representa al doctor Tulp diseccionando un cuerpo, a fin de ilustrar aquello que está
dibujo. recogido en el libro que unos supuestos alumnos parecen seguir atentos. Ninguno de los presentes es
médico, por lo que parece tratarse de un motivo para poder retratar a un colectivo. La escena viene
16. La profundidad continua. Se marcada por la tradicional diagonal barroca, que define el libro, el cuerpo desnudo y las miradas
concibe tal y como es en la de los alumnos que configuran una pirámide. Debe señalarse que el personaje que aparece de pie
realidad. detrás del grupo, así como el más apartado de este, pudieron ser añadidos posteriormente. Por su
17. Composición simétrica y parte, el doctor Tulp, único con sombrero y personaje central de la escena, pierde este espacio,
atectónica. Se prefiere lo que apartándose hacia uno de los laterales, rasgo habitual en la pintura barroca. Afición al claroscuro.
muestre desequilibrio o sugiera Ronda de noche
que la escena continua más allá El cuadro, nuevamente, sirve para realizar un retrato colectivo. En esta ocasión, se representaba a
de los límites del cuadro. La los componentes de la guardia cívica: estaba formada por comerciantes con influyentes cargos y
composición atectónica funciones en diversos organismos benéficos y religiosos. Son numerosas las figuras que se
18. Movimiento. Las figuras se amontonan ruidosamente bajo el portal. Entre ellas, al margen de los dos oficiales que encabezan
mueven con escorzos y las dos mitades en las que se divide la escena, pueden apreciarse personajes que miran al
diagonales. espectador y otras figuras dispuestas de tal forma que muestran claramente sus rasgos faciales,
frente a otras que se pierden en la penumbra o que directamente se ocultan. Ninguna de estas
razones justificaría el protagonismo otorgado a la niña en la escena.

ARTE BARROCO. Pintura CRONOLOGÍA: siglo XVII – primera mitad siglo XVIII
CARACTERÍSTICAS
GENERALES
El siglo XVII es el llamado Siglo de
Oro de la pintura española. Durante
la primera mitad del siglo son
características el realismo y el
tenebrismo, y los focos más
importantes están en Madrid,
Toledo, Sevilla y Valencia. En la
segunda mitad del siglo la
importancia de Valencia casi
desaparece y sólo Madrid y Sevilla
crean escuelas de primer orden. Las
características son:
- Ausencia de rasgos definidos
del Renacimiento
- Predominio de la temática
religiosa.
- Ausencia de sensualidad
- El Tenebrismo se adapta muy
bien a los valores hispánicos y
obtiene un gran éxito.
- Se suele clasificar a los pintores
barrocos en función de la
ubicación geográfica de sus
centros de trabajo y así, la
escuela valenciana, sevillana o
madrileña. Sin embargo, tal
clasificación es insuficiente por
dos motivos: existen
importantes diferencias entre
pintores de una misma escuela
y no explica bien la evolución
desde el Manierismo al final del
Barroco.
ETAPAS Y OBRAS Imágenes
La pintura barroca en España
1. La escuela valenciana
- Francisco Ribalta. Su obra de tono contrarreformista, colorista y en cierto modo realista es ya
enteramente tenebrista, una iluminación muy contrastada y preferencia por modelos feos, nada
estilizados y muy naturalistas. Una de sus obras más importantes es San Bernardo abrazando a
Jesucristo.
- José Ribera
El sueño de Jacob. Pintado en 1639 representa un episodio del Génesis en el que el patriarca
Jacob, dormido, ve en sueños una escalera dirigida al cielo por la que suben y bajan unos ángeles.
El paisaje que sirve de fondo a la escena es de gran luminosidad y relaciona esta obra con el
clasicismo barroco, pero el tratamiento del tema es naturalista, ya que Jacob asemeja a un arriero
de la época que hace un alto en el camino para descansar. Colores terrosos. Completamente
dormido.
Martirio de San Felipe. En esta obra renuncia ya a los fondos oscuros, aunque el tratamiento de la
luz sigue siendo muy contrastado, y a los detalles patéticos a los que tan bien se presentaba el
tema de un martirio. Destaca en particular la maestría con que se trataba la figura del santo, tanto
por la expresión de su rostro, como por la tensión que reflejan su tórax y las piernas. El momento
elegido es el de mayor agitación, cuando los sayones se esfuerzan por elevar el cuerpo del mártir
para crucificarlo. Y para transmitir mejor la idea de movimiento, Ribera se sirve de una
composición en aspa, una de las más habituales de la pintura barroca. Los personajes forman un
triángulo invertido con dos claras líneas diagonales.
2. La escuela andaluza
Francisco Zurbarán. Pintor español del Barroco. Su estilo se caracteriza por la plasticidad de las
figuras y un concepto casi escultórico servido por el estudio de la luz, que contribuye a aislar las
figuras del contexto ambiental y da origen a unos efectos cromáticos de extraordinaria riqueza en
sus calidades (especialmente los blancos). Son particularmente llamativos sobre todo por el
tratamiento del color blanco de los hábitos, los monjes cartujos, dominicos y mercedarios.
Destacan sus obras relacionadas con los frailes mercedarios de la Real Academia de San
Fernando o el gran conjunto de la sacristía del monasterio de Guadalupe como San Hugo en el
refectorio de los Cartujos que ejemplifica los postulados estéticos de la Contrarreforma,
fundiéndolo con el naturalismo de Caravaggio, reproduce un milagro que ocurre en el siglo XIV
protagonizado por monjes cartujos.
ARTE BARROCO. Pintura
CARACTERÍSTICAS
GENERALES
- La formación. Inicia su
formación en Sevilla donde
entra en los talleres de Herrera
el Viejo y Francisco Pacheco.
En el primero aprende el color y
el realismo de Herrera y, en el
segundo, el buen dibujo y
composición de Pacheco. Más
tarde, en 1623 se traslada a
Madrid.
- Muy abundante, pintando de
todo, mitología, pintura de
Historia, de género, paisaje,
retratos y religiosa.
- La técnica. Utiliza el óleo,
experimentando una evolución
desde la pincelada fina, muy
realista, hacia una deshecha, de
grandes manchas. Pintaba “alla
prima”.
- Su estilo. Evoluciona desde sus
primeras obras sevillanas,
inmersas en el tenebrismo.
- Sus composiciones. No
poseen movimiento, pero con
figuras bien dispuestas para
poderlas contemplas a “golpes
de vista”, generando tensión en
la observación.
CRONOLOGÍA: siglo XVII – primera mitad siglo XVIII
ETAPAS Y OBRAS Imágenes
La pintura barroca en España
Diego Rodríguez de Silva Velázquez
1. La etapa sevillana (hasta 1623)
Corresponde a su período de primera formación junto a Herrera y Pacheco, de quien aprende la
técnica tenebrista y, en especial, la tonalidad madera. Sus cuadros ejecutados con pincelada fina,
de potentes volúmenes. Trabaja el tema religioso, resultando de gran interés sus obras de género,
basadas en la observación de la realidad más próxima. Le interesa la apariencia psicológica de los
personajes. De esta etapa destaca Vieja friendo huevos, El aguador de Sevilla o Adoración de los
Magos.
2. Primera etapa madrileña (1623 – 1629)
Llamado por el Conde Duque de Olivares, el rey Felipe IV que le nombra pintor real. Realiza
retratos para el rey y de personas de la Corte. Estudia la pintura de las colecciones Reales,
especialmente la pintura veneciana. Su obra más importante de este período es El triunfo de Baco.
3. Primer viaje a Italia (1629 – 1631)
En este viaje entra en contacto con los grandes maestros, de los que asimila todos sus recursos
para ir profundizando en su evolución histórica. Se intensifica la fluidez de su pintura, abandona
los restos de tenebrismo, estudiando el desnudo y la perspectiva aérea. Destaca La fragua de
Vulcano y la túnica de José.
La fragua de vulcano
Hay que destacar del lienzo, el tema mitológico, la escena de género y la recreación en los objetos
de lo inanimado. Apolo se presenta en la fragua donde Vulcano está confeccionando una nueva
armadura para Marte. Ante la sorpresa de estos, expresada mediante la rica diversidad de gestos
que logra Velázquez, Apolo comunica a Vulcano que su mujer, Venus, le está engañando con
Marte. El amplio colorido, que contrasta con los tonos oscuros de su etapa sevillana y la tímida
apertura de sus primeros retratos madrileños, el estudio anatómico de los presentes, los juegos
lumínicos, el escorzo del herrero de la derecha, y la disposición de la escena en forma de friso
romano revelan el aprovechamiento del viaje a Italia de Velázquez.
Esta influencia italiana es compatible con rasgos propios de la pintura de Velázquez, tales como la
inclusión de objetos cotidianos y la inclusión de rostros y tipos españoles, sacados de la calle, muy
lejos del prototipo de belleza. Composición, estudio anatómico y psicológico.
ARTE BARROCO. Pintura
CARACTERÍSTICAS
GENERALES
- La formación. Inicia su
formación en Sevilla donde
entra en los talleres de Herrera
el Viejo y Francisco Pacheco.
En el primero aprende el color y
el realismo de Herrera y, en el
segundo, el buen dibujo y
composición de Pacheco. Más
tarde, en 1623 se traslada a
Madrid.
- Muy abundante, pintando de
todo, mitología, pintura de
Historia, de género, paisaje,
retratos y religiosa.
- La técnica. Utiliza el óleo,
experimentando una evolución
desde la pincelada fina, muy
realista, hacia una deshecha, de
grandes manchas. Pintaba “alla
prima”.
- Su estilo. Evoluciona desde sus
primeras obras sevillanas,
inmersas en el tenebrismo.
- Sus composiciones. No
poseen movimiento, pero con
figuras bien dispuestas para
poderlas contemplas a “golpes
de vista”, generando tensión en
la observación.
CRONOLOGÍA: siglo XVII – primera mitad siglo XVIII
ETAPAS Y OBRAS Imágenes
La pintura barroca en España
Diego Rodríguez de Silva Velázquez
4. Segunda etapa madrileña (1631 – 1649)
Continúa la temática religiosa ejecutando el excepcional Crucificado. Pero son especialmente
importantes los retratos de la familia real Retrato de Felipe IV y el Príncipe Baltasar Carlos) y su
participación en la decoración del Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro, para el que pinta
La Rendición de Breda o Las Lanzas.
La rendición de Breda o Las Lanzas
Se trata de una pintura de historia con la que supera al resto de los pintores del salón. En el lienzo
es importante subrayar tres aspectos:
- La técnica, en donde sabe extraer todas sus posibilidades al óleo, trabajando con una
pincelada cada vez más suelta
- La concepción espacial, representando una gradación progresiva del terreno, desde el
primer término, donde se disponen los personajes, hasta la brumosa lejanía donde la vista
se pierde, pasando por diferentes planos intermedios.
- El asunto. Aunque la pintura trata del fin de las hostilidades en Breda, Velásquez
sobrepasa la mera anécdota histórica para hacer una exaltación moral del tratamiento del
vencido utilizando la alegoría de la Concordia, que se materializa en el abrazo entre
Ambrosio de Espinola y Justino de Nassau. El grupo vencedor tan sólo difiere por su
colocación a la derecha y por la mayor altura de sus lanzas.
5. Segundo viaje a Italia (1649 – 1651)
Es un viaje encargado por el rey en busca de cuadros destinados a la colección de la corona. Allí
pinta el retrato del Papa Inocencio X. Además, de dos pequeños cuadros con vistas de Villa
Médicis, que se consideran como precedentes de la estética impresionista por la importancia que
se concede a la luz. A este momento debe corresponder La Venus del Espejo.
La Venus. Estudio de desnudo femenino de una joven que, de espaldas al espectador se mira al
espejo. Composición en diagonal, resaltando el blanco cuerpo desnudo de la joven sobre una
sábana azul y a la izquierda un cortinaje rojo, buscando el efecto óptico de la lejanía con el azul y
el acercamiento visual del rojo. La posición de las figuras conduce la mirada del espectador hacia
la cabeza, para luego saltar hacia el espejo. Sentido cromático y perspectiva aérea, que matiza las

ARTE BARROCO. Pintura
CARACTERÍSTICAS
GENERALES
- La formación. Inicia su
formación en Sevilla donde
entra en los talleres de Herrera
el Viejo y Francisco Pacheco.
En el primero aprende el color
y el realismo de Herrera y, en
el segundo, el buen dibujo y
composición de Pacheco. Más
tarde, en 1623 se traslada a
Madrid.
- Muy abundante, pintando de
todo, mitología, pintura de
Historia, de género, paisaje,
retratos y religiosa.
- La técnica. Utiliza el óleo,
experimentando una evolución
desde la pincelada fina, muy
realista, hacia una deshecha,
de grandes manchas. Pintaba
“alla prima”.
- Su estilo. Evoluciona desde
sus primeras obras sevillanas,
inmersas en el tenebrismo.
- Sus composiciones. No
poseen movimiento, pero con
figuras bien dispuestas para
poderlas contemplas a “golpes
de vista”, generando tensión
en la observación.
tonalidades cromáticas, así como el estudio atmosférico en la imagen reflejada en el espejo.
CRONOLOGÍA: siglo XVII – primera mitad siglo XVIII
ETAPAS Y OBRAS Imágenes
La pintura barroca en España
Diego Rodríguez de Silva Velázquez
6. Tercera etapa madrileña o etapa final (1651 – 1660)
Realiza sus obras magistrales en esta etapa, como los retratos de la Reina doña Mariana de Austria, el
tema alegórico de Palas Atenea y Aracne, conocido Las Hilanderas, y su obra maestra, Las Meninas,
retrato de la infanta Margarita con sus damas, en el que la maestría de Velázquez y el dominio de la
perspectiva aérea llegan a su culminación, así como la técnica impresionista en la aplicación de los colores.
Las meninas. Cuadro de familia en torno a la infanta Margarita y las personas de su corte. Hay que tener
en cuenta varios aspectos:
Los personajes y el tema. En primer término, a la derecha, se encuentran los enanos Nicolás de Pertusato
y Maribárbola, y un perro; en el centro, la infanta entre las dos meninas, Agustina de sarmiento, que le
ofrece agua, e Isabel de Velasco; detrás, en la penumbra, la pareja formada de doña Marcela de Ulloa y un
guardadamas; al fondo, fuertemente iluminado, el aposentador José Nieto Velásquez; en la pared, un
espejo en el que se reflejan los reyes Felipe IV y doña Mariana de Austria; y a la derecha DiegoVelásquez,
que está pintando y mirando al espectador. Tratamiento de la luz y el espacio. Las ventanas abiertas,
cerradas o entreabiertas suponen una gradación lumínica de diversa intensidad. Juego de luces en el
vaivén para llegar a un espacio más amplio. Técnica suelta y vibrante. Es de destacar el diálogo directo
de miradas que se establece entre los personajes del cuadro y los espectadores reales. De este modo, los
papeles se han invertido y, al mismo tiempo, el mundo ficticio del cuadro y el real se funden en un solo
mundo imaginario.
Las hilanderas. Elaboró un tapiz que representaba los castigos que los dioses infringían a los mortales
que los desafiaban, a lo que Aracne respondió realizando otro con los amores escandalosos de Zeus. La
diosa, muy enojada, la convirtió en una araña. En un primer plano aparecen cinco hilanderas, mientras
en el fondo, sobreiluminado y de menor nitidez, Atenea se dirige a Aracne en presencia de tres mujeres,
ante  un tapiz que es una copia de Tiziano y representa uno de los amores adúlteros de Zeus. En cuanto

ARTE BARROCO. Pintura
CARACTERÍSTICAS
GENERALES
El siglo XVII es el llamado Siglo de
Oro de la pintura española.
Durante la primera mitad del siglo
son características el realismo y el
tenebrismo, y los focos más
importantes están en Madrid,
Toledo, Sevilla y Valencia. En la
segunda mitad del siglo la
importancia de Valencia casi
desaparece y sólo Madrid y Sevilla
crean escuelas de primer orden.
Las características son:
- Ausencia de rasgos
definidos del Renacimiento
- Predominio de la temática
religiosa.
- Ausencia de sensualidad
- El Tenebrismo se adapta muy
bien a los valores hispánicos y
obtiene un gran éxito.
Se suele clasificar a los
pintores barrocos en función
de la ubicación geográfica de
sus centros de trabajo y así, la
escuela valenciana, sevillana o
madrileña. Sin embargo, tal
clasificación es insuficiente por
dos motivos: existen
importantes diferencias entre
a la composición, las figuras de la anciana y la hilandera de espaldas están inspiradas en las posturas
de dos desnudos en la capilla Sixtina de Miguel Ángel.
CRONOLOGÍA: siglo XVII – primera mitad siglo XVIII
ETAPAS Y OBRAS Imágenes
La pintura barroca en España
Bartolomé Esteban Murillo
Sagrada Familia del Pajarito
En su obra buscó siempre mostrar las formas serenas, delicadas y suaves, rechazando los elementos
trágicos y los movimientos excesivamente tumultuosos.
Murillo incorpora nuevas visiones de los personajes sagrados con un deseo claro de desacralizarlos y
presentar sus facetas más y humanas. El Niño Jesús juguetea con el pajarillo que le muestra al perro,
mientras san José le sostiene junto a su banco de carpintero. En segundo plano aparece la Virgen sentada
junto a un cesto de costura y liada con una madeja de hilo. Murillo interpreta esta escena familiar en la que
san José cobra un especial protagonismo, inusual hasta el momento.
La inmaculada de El Escorial
La Inmaculada Concepción, así como la Virgen y el Niño, fueron dos de los temas predilectos de Murillo. La
conocida como la “Inmaculada de El Escorial”, pintada al óleo sobre lienzo hacia 1660, no fue la primera,
pero sí una de las mejores y de ella derivan todas las que pintó después.  En su representación Murillo se
ajustó a las normas iconográficas dictadas por Pacheco, pero también se inspiró en el movimiento
curvilíneo de la Inmaculada pintada por Ribera. La figura muestra una línea ondulante que se remarca con
las manos juntas a la altura del pecho pero desplazadas hacia la izquierda. Los ángeles aportan mayor
dinamismo a la composición, creando una serie de diagonales paralelas  con el manto de la Virgen. En
cuanto a su técnica, se aprecia ya la pincelada suelta, la luminosidad y las tonalidades doradas de su
madurez.
pintores de una misma
escuela y no explica bien la
evolución