Introducción a la melodía

En este capítulo, se le proporcionará una visión general de la melodía que le ayudará a guiarse en el
estudio más detallado que se produce en los siguientes capítulos.

Melodía: tono y ritmo

El estudio de la escritura de melodías es amplio, involucrando no solo un examen de los
componentes individuales de la melodía, como el tono, el ritmo, la longitud de la frase, el contorno,
etc., sino también la relación de la melodía con la letra, el centro tonal, la armonía y la forma de la
canción. La melodía se compone tanto de tono como de ritmo; por lo tanto, un estudio exhaustivo
de la melodía debe incluir ambos elementos. Cuando falta uno de estos dos elementos o se usa
mínimamente, el comportamiento de la música se ve radicalmente afectado. Por ejemplo, el canto
gregoriano contiene un componente rítmico que es mínimo para transportarnos lejos de los
placeres corporales y permitirnos entrar en el reino de lo espiritual.

(Ex. 2.01). Ex. 2.01 Canto gregoriano

En el otro extremo del espectro, el rap evita el tono en su mayor parte, y sus ritmos nos atan al
movimiento corporal.

(Ex. 2.02). Ex. 2.02 “Super Bass” Onika Minaj, Daniel Johnson, Ester Dean, Roahn Hylt

La composición de canciones exige que consideres los atributos y las limitaciones de la voz humana.
No importa cuán interesante pueda sonar una melodía cuando se toca en un instrumento, puede
que no funcione cuando se canta. Debe considerar el rango de la voz dentro del contexto del tipo
de voces que cantan canciones populares. Los rangos vocales varían con cada artista individual, pero
si estás escribiendo sin un artista específico en mente, es mejor ser bastante conservador y
mantener la canción dentro de un rango de una octava y una quinta. Las voces femeninas se
escriben donde suenan, y las voces masculinas se anotan en la clave de agudos una octava por
encima de donde suenan.

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No importa cuán pobre pueda pensar que es su voz, es vital para la creación de una canción para
que usted, el compositor, sienta y escuche los sonidos que emanan del instrumento humano. Canta
tu canción mientras la escribes, y te informará y lo más probable es que te inspire.

Concebir una melodía: la conexión de la melodía con la letra

La melodía, incluida la mayoría de las melodías instrumentales, se deriva de los gestos vocales: habla
conversacional, exclamaciones, expresiones guturales y gestos verbales, toda la panoplia de cómo
nos comunicamos oralmente entre nosotros. Un gesto verbal incluye, por ejemplo, una pregunta,
una exhortación, una exclamación, un susurro y muchos más gestos sutiles que ocurren
naturalmente, dependiendo de nuestro estado mental o del estado mental que estamos tratando
de proyectar. Los gestos verbales implican tanto el ritmo como el tono. (Aunque el tono se asocia
con mayor frecuencia con el tono musical exacto, aquí me refiero a un aumento del rango de
frecuencia cuando, por ejemplo, hacemos una pregunta). Ciertamente, entonarías las palabras "Te
amo" a tu amada de una manera completamente diferente a la que dirías: "Voy a la tienda a comprar
un litro de leche".

La melodía, cuando se usa en la canción, es una extensión del habla que no solo encapsula el
significado literal de las palabras y los gestos, sino que también mejora su significado. Si, como
compositor, aceptas esta definición de cómo debe funcionar la melodía, tienes una manera de
juzgar si tu melodía tiene éxito o fracasa. Estudia las siguientes cuatro melodías muy diferentes;
cántalos y observa cómo cada uno de ellos captura con éxito un estado mental y una expresión
genuina de sentimiento.

Ya sea que use una escala mayor, una escala pentatónica menor, una escala modal o cualquier otra
escala disponible para usted como base para su melodía, la elección que haga influirá en gran
medida en el efecto que tendrá. La melodía en el verso de "You've Got A Friend" (Ex. 2.03) comienza
en menor, y al hacerlo, refuerza la percepción de las necesidades de la persona a la que se dirige,
mientras que el coro de esta canción, en A♭ mayor, la tonalidad mayor relativa a la tonalidad de Fa
menor, refuerza positivamente la disponibilidad de un amigo. El tempo que elijas para tu canción
también es un factor importante en su efecto. La melodía de "You've Got A Friend" está en un tempo
de balada media. La melodía se presenta en ritmos rotos: las pausas después de las palabras "abajo"
y "preocupado" son una indicación de la consideración y el cuidado que el cantante está
extendiendo al singee. La melodía se eleva lentamente a la palabra "necesidad", la palabra más
importante y el clímax de la frase. "Necesidad" ocurre en la nota más larga de la frase y se conecta
con "algo de amor y cuidado", capturando completamente el gesto de extender la mano para
expresar simpatía por alguien.

“War” is an exhortation, a cry for sanity in an insane world (Ex. 2.04).

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Esta canción es una protesta contra la inhumanidad del hombre hacia el hombre, cantada tanto por
el cantante principal como por un grupo de respaldo en la tradición africana de llamada y respuesta,
una manera perfecta de presentar un tema que nos involucra a todos. Las exclamaciones, las
reacciones guturales, el sonido escueto de la escala pentatónica menor y los fuertes ritmos seguidos
de descansos nos obligan a la verdad de esta extraordinaria declaración musical y lírica. La pureza
romántica y el ardiente romanticismo de la letra de Oscar Hammerstein tienen una contraparte en
la melodía lírica de Kern que se basa en una escala mayor que desciende lentamente, con saltos
ocasionales de cuartos perfectos o quintos disminuidos hacia arriba y hacia abajo que le agregan
intensidad y forma (Ex. 2.05). La melodía incluye el cromatismo, el lenguaje de compositores
románticos como Schumann y Tchaikovsky. Está lleno de notas amorosamente sostenidas, y se
canta en largas frases de legato. Esta melodía, escrita en 1939, como todas las melodías y toda la
música, es una indicación de su tiempo, el estado de ánimo no solo de los individuos sino también
de toda una sociedad.

Ex. 2.05 “All The Things You Are” Oscar Hammerstein, Jerome Kern

An antipode to the Kern/Hammerstein paean to love and romance, Taylor Swift’s “Bad Blood” is a
lover’s commentary on a failed relationship (Ex. 2.06).

Como la cantante quiere que el singee sienta el dolor que le ha infligido, ella lo ataca con ritmos de
ametralladora. En contraste con "All The Things You Are", esta melodía tiene frases más cortas con
muchas notas repetidas y frases melódicas repetidas que subrayan la queja y la expresión de dolor.
A través de esta mirada a las melodías de cuatro canciones diversas de diferentes estilos y épocas
de composición, podemos darnos cuenta de que las melodías deben ser juzgadas en su contexto
adecuado, un contexto que está templado por el estilo y la época en la que se escribió la canción,
pero sobre todo por la relación de las palabras con la música al servicio del sentimiento. Esta
comprensión es necesaria antes de profundizar en las técnicas que evolucionan a partir de esta
relación. Hay excelentes técnicas de composición de canciones, válidas en todos los estilos, en cada
uno de estos ejemplos, y esas técnicas se explorarán en detalle en los capítulos siguientes.

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Ritmo melódico
El ritmo melódico es uno de los elementos más importantes utilizados en la construcción de una
canción, y uno de los más pasados por alto por los novatos en la composición de canciones. Tiene
una conexión íntima con las palabras, especialmente con la rima. Una vez que las palabras se
adjuntan a las notas de una melodía, la importancia de la colocación rítmica se hace evidente.
Cuando sostienes una nota, enfatizas la importancia de la palabra que se está cantando; cuando
usas notas de movimiento lento o notas de movimiento rápido para contar tu historia o para
proyectar pensamientos, estás comunicando no solo las palabras sino también el sentimiento detrás
de las palabras.

Considera cómo podrías hablar la siguiente letra:

Take my hand

Let’s run away

To a sun-drenched wonderland.

(Toma mi mano Huyamos a un país de las maravillas bañado por el sol.)

Intenta hablarlo a tiempo con un ritmo constante subyacente. Infunde la letra con la participación
personal. Habla en un tempo constante, y luego intenta acelerar o ralentizar el tempo hasta que
hayas logrado el tempo correcto para la letra. Elige los ritmos que mejor comuniquen el significado
de la letra. ¿Has destacado las palabras importantes de la letra?

Aquí hay cuatro configuraciones rítmicas diferentes (Exs. 2.07–2.10) que usan los mismos tonos al
mismo tempo que demuestran cómo una configuración rítmica puede afectar la reacción del oyente
a ella.

La primera configuración simplemente no es creíble. Las palabras se cantan prácticamente a un

ritmo sonambulante (AUDIO 2.07).

Ex.2.07

El segundo ajuste, aunque mejor que el primero, hace que el cantante suene demasiado formal,
debido a la cantidad de notas que caen en los downbeats. ( AUDIO 2.08).

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El tercer ajuste es aceptable, con un ritmo más natural (la nota más larga en "take", la nota más
corta en "my"), con un ligero sentido de urgencia (las síncopas en "away" y "wonderland") (AUDIO
2.09).

El último ajuste rítmico comienza después del primer compás y anima la letra con síncopas, indicios
de un alto grado de entusiasmo. ( AUDIO 2.10).

El ritmo es físico, y la fisicalidad es una parte vital de lo que hace que una canción popular sea
popular. El tempo juega un papel importante en la forma en que se percibe su canción, pero el
groove, el patrón rítmico que ocurre en el acompañamiento, la "sensación" subyacente de la
canción, es igualmente importante porque el ritmo melódico se genera a partir de él.

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Memorable melodic rhythms

Una vez que hayas escrito o concebido una melodía para una canción, una de las preguntas más
importantes que debes hacerte es: "¿Es esta melodía rítmicamente interesante y atractiva?" Los
siguientes dos ejemplos contienen ritmos melódicos interesantes y memorables.

"Happy", un éxito de Pharrell Williams en 2013-2014 es contagioso debido a su groove, sus ritmos
melódicos que están llenos de síncopas y la actividad de llamada y respuesta entre la voz principal
y el riff instrumental (Ej. 2.11). El tiempo entre las fases vocales ayuda a los oyentes a asimilar lo que
se ha cantado y a sentir el ritmo infeccioso, prácticamente invitando a la danza.

Si tuvieras que hablar la letra de "Crazy Thing Called Love" (Ej. 2.12) de una manera conversacional,
no te detendrías entre, por ejemplo, "cosa" y "llamado", ni hablarías esas palabras en ritmos tan
discretos. Pero esta declaración lírica va más allá de lo conversacional; es una efusión de emoción
que produce esta afirmación ligeramente fragmentada pero efusiva. El groove subyacente de esta
canción es lo que impulsa todos los ritmos vocales de esta canción, haciendo que se fisicalice mucho
más allá de los ritmos utilizados en el habla ordinaria. Debido a esto, nos conecta con nuestros
cuerpos, así como con nuestras emociones, reforzando la atracción física, la alegría y la confusión
de estar enamorados que subraya toda esta canción.

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La colocación de la frase en el tiempo, el comienzo y el final de una frase musical, es especialmente
importante. Si una frase melódica comienza después (Ex. 2.11) o antes (Ex. 2.12) del ritmo
descendente de una medida, el ímpetu para el movimiento está ahí desde el principio. Como
oyentes, nos vemos atraídos a una conversación o pensamiento que ya está en movimiento. Sin
embargo, cuando comienzas una frase en el primer compás de una medida, tiene una sensación de
estabilidad, la más adecuada para hacer una declaración o declaración como la del Ejemplo 2.13.

Melodías conversacionales y declarativas

Para comprender qué hace que una melodía tenga su efecto en el oyente, debe examinarse de varias
maneras diferentes: por sí misma, en relación con el centro tonal, en relación con los acordes y,
especialmente, en relación con la letra, así como en el contexto de toda la canción.

No todas las melodías están destinadas a ser memorables. Lo que inicialmente puede parecer una
melodía bastante aburrida, de hecho, puede ser una configuración o una lámina perfecta para la
melodía principal que se produce en la siguiente sección de la canción. Necesitamos que algunas
melodías sean simplemente funcionales o de naturaleza conversacional, de modo que cuando
aparezca la idea principal de la canción, ritmos y tonos más únicos puedan acentuarla. Los ritmos
conversacionales son aquellos que se encuentran en el habla ordinaria que contienen ritmos que
fluyen y respiran naturalmente para formar la sintaxis del sujeto en cuestión. Las características de
las melodías de tipo conversacional son la preponderancia de intervalos de conjunción,
principalmente segundos con un intervalo ocasional de un tercio, con muy pocos saltos interválicos,
y ritmos que comienzan antes o después del downbeat.

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Los versos de Adele suelen ser conversacionales, a menudo íntimos en su tono con ritmos que
invitan a los oyentes a compartir secretos personales. La longitud de las frases y el espacio entre
frases son completamente naturalistas (Éxodo 2.14).

Observe cómo se siente la configuración rítmica de "Hello, it's me" al comienzo de la canción. Las
dudas entre "Hola" y "soy yo" y la siguiente frase indican al oyente que este no es un saludo
efervescente, sino uno cargado de miedo a la intrusión.

Las características de las melodías declarativas son intervalos más grandes, notas más largas, frases
repetitivas y un énfasis en la posición bajista.

El verso que precede al coro declarativo del éxito de Sam Smith está lleno de dieciséis notas (Éxodo
2.15). El ritmo descendente al comienzo de este coro contiene un silencio dramático antes de que
se complete la pregunta importante, un ejemplo de cómo el silencio puede ser más dinámico que
el sonido. La nota alta y larga en el segundo compás sincopado expresa el ardor y la intención seria
del cantante, lo que nos obliga a escuchar más intensamente que si hubiera aparecido en el ritmo
descendente.

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Las melodías de tipo conversacional se encuentran con mayor frecuencia en las secciones de versos
de las canciones, mientras que las melodías de tipo más declarativo a menudo se encuentran en
coros y estribillos. Las secciones de verso y coro del éxito de 2014, "Let It Go", de la película Frozen
ejemplifican estas características (Ej. 2.16). El verso comienza con una descripción de una escena
invernal cantada en los ritmos tranquilos de un narrador que están unidos a una melodía sin
intervalo mayor de un tercio.

En contraste con el verso, el coro comienza con dos exhortaciones que conducen a los ritmos
descendentes del primer y segundo compas, incluyendo un salto de quinta ascendente en el
segundo compas (Ej. 2.17).

Los ritmos de la conversación ordinaria y una melodía compuesta principalmente por intervalos de
conjunción forman el verso del gigantesco éxito de Cyndi Lauper de 1979, "Girls Just Want To Have
Fun" (Ej. 2.18).

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La línea del título llega al ritmo del coro, reforzada por su captación de octava nota (Ex. 2.19). La
melodía de la línea de título o estribillo contiene pausas más largas entre frases e intervalos más
grandes (un P5th hacia abajo, un M7th hacia arriba) y ritmos interesantes, lo que la hace más
declarativa y memorable que el verso que conduce a ella. La línea del título también se repite con
una ligera variación melódica que permite que la melodía aparezca en la nota tónica en el downbeat,
una declaración tonal que refuerza la lírica.

La elección de dónde se colocan las letras hace que los oyentes escuchen la letra como
conversacional o declarativa. Joni Mitchell pide ayuda a gritos de una manera persuasiva y
declarativa al comenzar la primera frase de su canción en el downbeat. La pausa en el medio de la
frase aumenta el doble significado de la frase y captura la sensación de perderse a sí mismo ante
otro (Ex. 2.20).

La colocación de la frase dentro del medidor, ya sea que comience antes, después o en el ritmo
descendente de un compas, tiene un impacto en la forma de la canción y, lo que es más importante,
en el oyente al proporcionar contraste de una sección de una canción a otra. Bill Withers establece
un tono serio en su gran canción al hacer una declaración que comienza su verso en un downbeat
(Éxodo 2.21).

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Su coro se hace más personal al hacer que la frase comience como una pastilla (Éxodo 2.22). Imagina
el coro de "Lean On Me" comenzando en un downbeat en lugar de antes del downbeat. Saldría más
como una directiva que como el gesto amoroso que nos llega y es la esencia de esta canción.

Melodías arpegiadas

Aunque la mayoría de las melodías contienen principalmente intervalos de conjunción con menos
intervalos disyuntivos intercalados, hay algunas melodías que consisten principalmente en acordes
rotos llamados arpegios. Las melodías compuestas de acordes arpegiados son bastante fáciles de

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cantar y proporcionan al oyente un camino simple a seguir, como rocas espaciadas uniformemente
en una corriente que le permiten saltar de una a otra. Hank Williams, el extraordinario cantante y
compositor de country, escribió una serie de canciones de éxito basadas principalmente en melodías
que arpegian las armonías subyacentes (Ej. 2.23).

George Gershwin también escribió algunas canciones memorables basadas en la arpegiación de

acordes, pero a menudo empleó las extensiones superiores de las armonías (7ª, 9ª, 11ª, 13ª) para
lograr esto en un estilo de jazz (Ej. 2.24).

Un éxito en 2014, "Bang Bang" contiene una melodía arpegiada construida a partir de los tonos de
acordes C7 con un tono agregado, A, para todo su coro (Ex. 2.25). El contraste en tesitura (el rango
vocal particular utilizado en una sección de una canción) entre las dos frases, la primera cantada por
el vocalista principal, la segunda, una melodía conjuntiva cantada por vocalistas de fondo, ayuda a
que esta melodía funcione.

Forma melódica y dirección

Una de las primeras formas en que los humanos intentaron simbolizar la música a través de la
notación (c. siglo 9) fue indicar la dirección y el contorno de la melodía. Si las notas suben, bajan o
permanecen en el mismo lugar, es básico para captar una melodía. Al igual que nuestros patrones
normales de habla, la melodía tiende a elevarse con expresiones de exuberancia y a caer con
expresiones de depresión o tristeza. Una declaración simple como "Es un día hermoso" colocada
melódicamente en un movimiento a escala hacia arriba se siente auténtica, pero parece un poco
menos creíble cuando se establece en una dirección descendente (Ej. 2.26).

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La melodía del estándar "Sometimes I'm Happy" indica direccionalmente lo que dice la letra (Ej.
2.27).

Pero ten cuidado: no hay reglas, ni debería haberlas, para poner música a estados emocionales;
simplemente sé sensible a ellos. Tratar de hacer un paralelismo musical de cada palabra puede
convertirse fácilmente en "Mickey Mousing", el término utilizado para hacer coincidir cada
movimiento en una caricatura con un equivalente musical; abarata en lugar de aumentar la
expresión.

Características de las melodías memorables

El elemento más obvio e importante para hacer que cualquier cosa sea memorable en la canción es
la repetición. Teniendo en cuenta ese hecho, ¿qué hace que una melodía sea excepcionalmente
memorable? En algunas melodías memorables, es el elemento del ritmo el que define la melodía;
en otros, son los intervalos y las formas de la melodía. En la mayoría, es una combinación de ritmos

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y tonos interesantes combinados con una letra que se ajusta perfectamente a la melodía. La
colocación de la frase, ya sea al principio o al final de una sección, es igualmente importante. La
mayoría de las melodías se construyen en intervalos de conjunción: pasos enteros o medios pasos
o intervalos no mayores de una tercera. Sin embargo, cuando se produce un salto interválico mayor
que un tercera, llama la atención sobre sí mismo y ayuda a definir la melodía. Si una melodía no
contiene nada más que pasos enteros y medios pasos, puede volverse monótona; si contiene
demasiados saltos, puede llegar a ser demasiado difícil de seguir. Una melodía memorable
generalmente contiene un ritmo interesante combinado con algunos saltos bien colocados (Ej.
2.28).

El intervalo de 6ta mayor hacia abajo (pronto seguido de un memorable relleno de trompa), seguido
de un salto ascendente de un 6ta menor establecido en un ritmo memorable le da a esta melodía
una dosis extra de personalidad. Las mismas características, un ritmo interesante combinado con
algunos saltos bien colocados, aparecen en este estándar de Duke Ellington (Ej. 2.29).

Duke Ellington tomó un adorno melódico común llamado giro invertido (una elaboración de la nota
principal comenzando la figura con una nota debajo de ella y siguiéndola con una nota sobre ella),
e hizo una ligera variación en ella saltando un 9º mayor (D4-E5) en lugar de simplemente subir un
segundo adyacente (D4-E4) “esto se llama desplazamiento de octava” y creó una melodía que ha
durado al menos cincuenta años y posiblemente una que durará a lo largo de muchos siglos (Ex.
2.30).

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"I'm With You", un éxito en 2002 de Avril Lavigne, también desplaza una nota por una octava para
crear una melodía interesante y memorable. En lugar de que la C♯ suba medio escalón a la D, lo que
se hubiera esperado, se mueve hacia abajo en un 7º mayor, creando una melodía única que subraya
el sentimiento expresado en la letra (Éxodo 2.31).

Una canción "gancho"

Una canción "gancho" está destinada a ser memorable: la parte de una canción que se atasca en tu
cabeza y engancha al oyente. Un gancho tiene los mismos elementos contenidos en las melodías
más memorables: un ritmo convincente y una forma interesante.

Este éxito de 2014 de Maroon 5 comienza con el coro de la canción que contiene un fuerte gancho.
El gancho resalta el sonido del extraordinario rango vocal y el sonido único del cantante principal
Adam Levine (Ex. 2.32).

Tan importante como un gancho es en la escritura de una canción de éxito, a menudo es la

colocación del gancho dentro de la canción y cómo la canción se acumula hasta el gancho lo que
hace que tenga el tipo de impacto que tiene. Simplemente aislar el gancho de una canción y
mostrarlo como el ser todo, el fin de todo tiene tanto sentido como aislar la línea de golpe en una
broma: simplemente tiene poco impacto a menos que lo escuches en contexto. Algunas canciones
actuales tienen hasta tres, cuatro o más ganchos contenidos en ellas. Un gancho también puede ser
una melodía instrumental, un sonido inusual o exótico o un gesto de textura que sea memorable.

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El gancho al éxito de Justin Bieber de 2015 "Sorry" se compone de una combinación de una muestra
vocal sintetizada de su voz y su voz real cantando la frase del título (Ex. 2.33).

Resumen
En el proceso de escribir una canción, debes ser capaz de acercarte para lidiar con los detalles de la
letra, la melodía y la armonía y alejarte para escuchar la forma general y el impacto de lo que has
creado. Del mismo modo, este capítulo se aleja para darte una buena idea de cómo conceptualizar
la escritura de una melodía para una canción sin darte todos los detalles de las técnicas involucradas.
Eso es lo que el resto del libro espera hacer.

Actividades
• Escucha canciones, especialmente melodías, atentamente y con propósito.
• Estudia la letra de una canción favorita, luego escucha cómo la melodía aumenta la
sensación que generan las palabras.
• Escucha canciones en verso/coro. Observe cómo las melodías de verso suelen ser más
conversacionales, mientras que las melodías de coro son más declarativas.
• Haz una lista de tus melodías favoritas y más memorables. Pregúntate por qué estas
melodías se quedan contigo; ¿Contienen las características de las melodías memorables
enumeradas en este capítulo?
• Estudia las canciones que has escrito; ¿Aparecen en ellas las características de las melodías
memorables? Si no, usando mis pautas para crear melodías memorables, intente
reescribirlas.

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