Abstraccion en Blanco y Negro El Bicroma

ABSTRACCIÓN EN
BLANCO Y NEGRO
El bicromatismo en la pintura gestual abstracta desde 1945
Raúl Fernández Aparicio

Portada: Antonio Saura, Lola, 1956.
Contraportada: Antonio Saura, Lola (detalle), 1956.
ABSTRACCIÓN EN
BLANCO Y NEGRO
El bicromatismo en la pintura gestual abstracta desde 1945
Proyecto expositivo
perteneciente al Trabajo de Fin de Grado
de Historia del Arte, UNED.
Línea de trabajo: Arte abstracto: artistas y tendencias

Profesor:Víctor Nieto Alcaide
Alumno: Raúl Fernández Aparicio

DNI: 75.810.907 D
Centro Asociado: Cádiz
Correo electrónico: rfernande941@alumno.uned.es
Teléfono: 686 800 571
presentación
E
l desarrollo de la abstracción en los años 10 del siglo XX trajo consigo
una nueva búsqueda en el arte: su autonomía con respecto a la natu-
raleza. Forma y color en estado puro pasó a ser el objetivo. Después de
la II Guerra Mundial irrumpe con fuerza en el escenario artístico mundial una
abstracción de tipo expresiva, lírica o gestual. Tanto en Estados Unidos como en
Europa los pintores se sumergen en el atractivo mundo subjetivo de los trazos,
las manchas y el automatismo de la pintura de acción.
En la búsqueda de la autonomía del arte y la pureza de la forma y el color,
algunos artistas limitaron su campo de acción al bicromatismo en blanco y
negro. Bicromatismo y no monocromatismo, porque no sólo usaron el negro;
también usaron el blanco como color en sí mismo, con toda su fuerza y su per-
sonalidad, no como fondo de lienzo. Su paleta se redujo a la mínima expresión,
y empezaron a crear imágenes sólo con trazos negros y blancos, con algún
reducto marginal de otro color en algunos casos. Los caminos y las formas
siguieron siendo múltiples, pero el color fue sacrificado. ¿Por qué artistas tan
distintos, en momentos sociopolíticos y geográficos tan dispares, como Franz
Kline, Antonio Saura, Pierre Soulages o Christopher Wool, eligen reducir drás-
ticamente su paleta? Este proyecto expositivo pretende responder a esta pre-
gunta a la vez que hace un recorrido por buena parte de la obra abstracta en
blanco y negro desde la segunda posguerra mundial hasta hoy. El proyecto de
catálogo pretende, además de presentar las obras y sus recorridos, ser una
recopilación de ensayos que vayan revelándonos ese misterio de las imágenes
abstractas «sin color».
3
la exposición
desarrollo del discurso global
L
a exposición abstracción en blanco y negro quiere proponer un reco-
rrido por la pintura abstracta, gestual, de carácter expresivo y espontá-
neo, y cuya paleta ha sido radicalmente reducida a dos colores: el blanco
y el negro, además de los grises resultados de su mezcla. Cronológicamente,
este tipo de abstracción expresiva, gestual y de acción subjetiva, surge a media-
dos de los años cuarenta —coincidiendo con el final de la Segunda Guerra
Mundial— y se extiende hasta nuestros días, tanto en Europa como en Estados
Unidos, aunque es en este último país donde surge antes y llega a cotas más
altas, debido sobre todo a los elogios de una crítica movida por los hilos del
poder en una época en que la cultura era el arma más poderosa de la recién
comenzada Guerra Fría1.
Expresionismo, Abstracción, Surrealismo.
La pintura deudora de una subjetividad de corte expresivo es anterior a las

vanguardias. Durante el Barroco, y sobre todo en el Romanticismo, el estado
de ánimo y la actitud vital del artista se refleja en su obra de manera más clara
que en otros momentos del Arte Occidental. Sus inquietudes existenciales y su
mundo interior es traspasado al lienzo siguiendo las pautas que le dicta más su
corazón que su cabeza. Caravaggio, Rembrandt, Goya, Blake o Turner son pre-
cursores del Expresionismo. Tras el Impresionismo, su contestación ya moderna,
el Postimpresionismo le muestra el camino a la vanguardia: Ensor, van Gogh,
y sobre todo Munch son los poetas visuales de un torturado mundo interior
que luego explotarían hasta sus últimas consecuencias artistas como Kirchner,
Nolde, Kokoschka o Kandinsky.
Es precisamente Kandinsky el autor de la clásica «primera acuarela

abstracta» hacia 1910. Es el primer artista en mezclar lo expresivo con lo
abstracto, y uno de los pioneros del arte no figurativo. La abstracción irrumpe
con fuerza entre las vanguardias para luego diluirse entre propuestas demasi-
ado dispares. Va, pues, ramificándose, y bebiendo de diferentes y multiformes
fuentes: Malevich, Mondrian, Klee, Kupka, Moholy-Nagy, además del citado
Kandinsky son los nombres que dominan el panorama abstracto de entreguer-
ras. La abstracción deja a un lado del camino el valor de la forma como imit-
ación de la naturaleza, porque limita lo espontáneo y lo subjetivo, y descubre el
camino que llevará al arte por el arte, a la forma pura sin conexión directa con la
realidad.
Si a principios de siglo las distintas propuestas de vanguardia habían conviv-
ido entre sí, en la década anterior a la contienda mundial, en los años 30, el sur-
realismo fue la punta de lanza de la cultura europea. Defendía lo espontáneo,
1 La participación del gobierno de los Estados Unidos, sobre todo a través de la CIA, en el mecenazgo y
el esplendor del Expresionismo Abstracto es clara y contundente. Estos autores exponen en dos libros ya
convertidos en clásicos, Who paid the piper? The CIA and the Cultural Cold War y De cómo Nueva York robó
la idea de Arte Moderno, toda la maquinaria de influencia política en el mundo de la cultura —y el arte— que
se puso en marcha en EE.UU. tras la IPrimera Guerra Mundial.
4
lo instintivo, lo subjetivo, ahondaba en la profundidad de un subconsciente
freudiano que daba rienda suelta al espíritu libre del artista. El azar, el automa-
tismo y la improvisación se convirtieron en parte importante de la obra de arte,
ya fuera un texto literario o una pintura. Dieron forma a lo que Ovidio ya pro-
ponía en la Antigüedad: «que el arte imite el azar»2.
Mancha y trazo.
Finalmente, tras la Segunda Guerra Mundial hay una propuesta que se erige
como la única vanguardia posible. Mezclando elementos del expresionismo, de
la abstracción y del surrealismo, surge el llamado Expresionismo Abstracto en
Estados Unidos. En Europa su contestación es el Informalismo. Y ambos esti-
los muestran puntos en común: el gesto libre, la expresividad, la importancia
del acto por encima del resultado, lo subjetivo, lo individual y lo espontáneo. La
llamada action painting cambia sus objetivos, del cuadro final al proceso. Ya no
importa el resultado de la obra, sino su creación, el acto mismo de pintar.
El discurso del individualismo y la independencia del artista que defiende el
crítico Clement Greenberg es el mejor caldo de cultivo para expandir la idea
de libertad y democracia que quiere imponer en el mundo en el contexto de la
Guerra Fría. El formalismo y el individualismo son tan poderosos como ideas
liberales que son inevitablemente usados en favor de unos Estados Unidos que
necesitan ganar esa Guerra Fría cultural de la que habla Saunders3.
Blanco y negro: la confrontación.
Las obras propuestas para esta exposición, aun a riesgo de parecer lo con-
trario en un primer visionado, son de naturaleza muy dispar, tanto en lo formal
como en el contenido. El conjunto de artistas de la muestra es muy heterogé-
neo, englobando tanto a pintores norteamericanos como europeos, miembros
de grupos más o menos definidos, pero alejados entre sí, como los artistas de la
Escuela de Nueva York y los de El Paso. En general no se puede hablar de carac-
terísticas comunes, ni siquiera dentro de un mismo grupo:
«Únicamente estamos de acuerdo en que somos diferentes»4

«Sería funesto darnos un nombre»5
Este eclecticismo y esta indefinición, que se expande por todos los rincones
geográficos de las diferentes propuestas, llega incluso a la forma de nombrar
el movimiento, como bien decía de Kooning. Los norteamericanos, eso sí, son
más individualistas, y los europeos, en general, más colectivistas. Y en medio de
esta vorágine, en medio de esta sopa artística, hay una serie de artistas, desco-
nectados una vez más entre sí, que reducen su paleta drásticamente al blanco
y negro. ¿Por qué? ¿Qué tienen en común para hacer eso? A simple vista, nada.
¿O sí?
2 OVIDIO: El arte de amar, Edicomunicación, Barcelona, 1999, p. 70.

3 SAUNDERS, F. S.: Who paid the piper? The CIA and the Cultural Cold War, Granta Books, London, 1999.
4 Lema no escrito del grupo de expresionistas abstractos neoyorquinos, o Escuela de Nueva York, según
el periodista y escritor Irving Sandler.
5 Willem de Kooning, 1950.
5
En el grupo español El Paso, el «ejercicio de reducción» del color se debe a
cuestiones ideológicas, y parte de muy atrás en el tiempo: en Goya. Ya las pin-
turas negras actúan como un prólogo español de la negación del color. Además,
su expresividad y agresividad enlaza con los informalistas de una manera plena.
Saura es el mejor ejemplo. El compromiso de las obras tardías de Goya, pasando
por el Picasso más comprometido (Guernica), desembocan en una militancia
antifranquista en las sombras, nunca mejor dicho, tras el parapeto de la pintura:
«La negación del color se producía como una reacción, como consecuencia de un
estado de ánimo y, por extensión, como un gesto de rebeldía y repulsa política.»6
Sin embargo, ese componente ideológico tan acusado no se da en los artistas

norteamericanos, que, al aceptar las reglas del juego del mecenazgo público,
renuncian a sus ideas políticas (generalmente de izquierda) a cambio del éxito
comercial y social:
«Fue posible combinar las imágenes política y artística porque tanto los políticos
como los artistas estaban dispuestos, consciente o inconscientemente, a pasar por
alto grandes trozos de sus respectivas ideologías para asegurarse al otro grupo
como aliado.»7
Hay, no obstante, una idea muy poderosa que une todas las obras de esta
exposición: es la confrontación. Ya sea confrontación política, colectiva, perso-
nal o espiritual, la antigua simbología del Arte Occidental del contraste entre el
blanco y el negro es contundente. El bien contra el mal, la luz contra la oscu-
ridad, el enfrentamiento entre dos polos opuestos que forman parte de una
misma cosa: la naturaleza humana y sus interconexiones. El claroscuro pres-
cinde momentánea o definitivamente del cromatismo para centrarse en la
forma y en el contraste, en la confrontación. Al eliminar el color, la expresión se
concentra en el gesto, en la forma, en la escritura:
«Las fuentes de su arte están totalmente en Occidente (...). Y el nuevo énfasis

en el blanco y negro está relacionado con algo que seguramente es más impor-
tante para la pintura occidental que para cualquier otra. El contraste de valor, la
oposición de claridad y oscuridad de los colores ha sido uno de los medios princi-
pales del arte pictórico occidental, mucho más importante que la perspectiva, para
lograr esa convincente ilusión de tridimensionalidad que lo distingue de las demás
tradiciones del arte pictórico.»8
6 Nieto, 1993: 20-29.

7 Guilbaut, 2007: 366.
8 Greenberg, 2002: 247.
6
salas
descripción ordenada de las salas y de las obras expuestas
L
a exposición abstracción en blanco y negro tendrá lugar en el Museo
Nacional Centro de Arte Reina Sofía, en Madrid, y la mayoría de las obras
escogidas serán de los fondos del propio museo. Los préstamos de obras
puntuales que completen y aseguren una buena representación del universo de
la pintura gestual en blanco y negro serán de los siguientes museos: el Museo
Nacional de Arte Abstracto de Cuenca, el Museum of Modern Art de Nueva York,
el Centre Pompidou de París, y por último la Tate Modern de Londres, además
de una obra que se encuentra actualmente en manos privadas. La corriente
informalista española estará ampliamante representada en la muestra por artis-
tas como Antonio Saura —una sala completa, la 4, al ser el más importante—,
Manolo Millares, Rafael Canogar, Luis Feito, Fernando Zóbel, José Guerrero,
Antoni Tàpies o Modest Cuixart. El expresionismo abstracto norteamericano
contiene el segundo grupo de artistas más numerosos, con Franz Kline, Lee
Krasner, Robert Motherwell, Adolph Gottlieb, Cy Twombly y Mark Tobey. El infor-
malismo europeo vendrá de la mano de Pierre Soulages, y por último, el repre-
sentante de la pintura actual será el artista norteamericano Christopher Wool.
Se propondrá la visita a obras de maestros precursores, en el mismo museo
(Guernica), o en el vecino Museo del Prado (obras de Goya o Zurbarán).
Las salas elegidas son siete, dentro del ala oeste del edificio Sabatini, en la
segunda planta. El plano sería el siguiente:
7
Se propone un tipo de montaje expositivo acorde con los tiempos multimedia
en que vivimos: lejos de mostrar las obras de forma fría y alejada del especta-
dor/visitante, se intentará realizar una exposición más interactiva, que añada
a las obras pictóricas material audiovisual, sonoro y literario para hacer de la
visita una experiencia sensorial cercana a la que los artistas quisieron trans-
mitir con sus creaciones en su momento. El recorrido principal estará basado
en principios formales y discursivos de los artistas, y se mostrarán en la misma
sala, de forma anacrónica, obras de artistas, periodos y movimientos diferen-
tes, para poder juzgarlas no sólo por su contexto, sino también por ser parte de
una solución atemporal a un problema eterno. Dicho recorrido consiste en siete
salas, que pueden ser visitadas de forma consecutiva o alterna, ya que cada una
de ellas es independiente al resto, si bien, la primera nos sirve de presentación
e introducción, y es necesario entrar a la exposición por ella. Existirán, por lo
tanto, otros recorridos alternativos, que podrán ser propuestos por la organiza-
ción de la muestra.
La información anexa a las obras de arte, aparte de las cartelas y las audio-
guías, estará disponible en internet, en el microsite de la exposición (www.
abstraccionenblancoynegro.es), y a través de los dispositivos smartphone, acce-
diendo a ella mediante códigos QR disponibles en las cartelas.
La disposición y los títulos de las salas son los siguientes:
Sala 1. Maestros y alumnos.

Sala 2. El signo, el trazo, el gesto.
Sala 3. Contrastes.
Sala 4. Saura y la figuración.
Sala 5. Vidas en blanco y negro.
Sala 6. Negros y blancos.
Sala 7. Caligrafías.
Sala 1 Sala 4 Sala 7
Sala 2 Sala 3 Sala 6
Sala 5
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En la sala 1, antes de comenzar la exposición, habrá un texto introductorio.
Toda la información estará disponible en castellano y en inglés.
Texto introductorio:
El desarrollo de la abstracción en los años 10 del siglo xx trajo consigo una nueva
búsqueda en el arte: su autonomía con respecto a la naturaleza. Forma y color en
estado puro pasó a ser el objetivo. Después de la Segunda Guerra Mundial irrumpe
con fuerza en el escenario artístico mundial una abstracción de tipo expresiva,
lírica o gestual. Tanto en Estados Unidos como en Europa los pintores se sumergen
en el atractivo mundo subjetivo de los trazos, las manchas y el automatismo de la
pintura de acción, desde mediados de los años 40 hasta nuestros días. En la bús-
queda de la autonomía del arte y la pureza de la forma y el color, algunos artistas
limitaron su campo de acción al bicromatismo en blanco y negro. La exposición
abstracción en blanco y negro quiere proponer un recorrido por esa pintura
abstracta, gestual, de carácter expresivo y espontáneo, cuya paleta ha sido radi-
calmente reducida a esos colores. además de los grises resultados de su mezcla y
algún color residual añadido.
Las obras propuestas son de naturaleza muy dispar, tanto en lo formal como en el
contenido, englobando tanto a pintores norteamericanos como europeos, miem-
bros de grupos más o menos definidos, pero alejados entre sí, como los artistas
de la Escuela de Nueva York y los de El Paso. En general no se puede hablar de
características comunes, ni siquiera dentro de un mismo grupo. Sin embargo, hay
una idea muy poderosa que une todas las obras de esta exposición: la confron-
tación. Ya sea confrontación política, colectiva, personal o espiritual, la antigua
simbología en el Arte Occidental del contraste entre el blanco y el negro es con-
tundente. El bien contra el mal, la luz contra la oscuridad, el enfrentamiento entre
dos polos opuestos que forman parte de una misma cosa: la naturaleza humana
y sus interconexiones. El claroscuro prescinde momentánea o definitivamente del
cromatismo para centrarse en la forma y en el contraste: en la confrontación. Al
eliminar el color, la expresión se concentra en el gesto, en el trazo, en la forma, en
la escritura.
The development of abstraction in the 10s of the twentieth century brought a new
search in art: its autonomy from nature. Shape and color in its purest form became
the target. Ater World War II it bounces into the world’s art scene an expressive,
lyrical and gestural abstraction. In both the United States and in Europe, painters
enter a subjective world of attractive strokes, stains and automatic action painting
from the mid 40s until today. In search of the autonomy of art and the purity of
form and color, some artists limited their palette to black and white. This exhibition
wants to propose a tour of this abstract painting: gestural, expressive and with a
spontaneous character, whose palette has been radically reduced to those two
colors, in addition to gray and some residual color added.
The proposed works are very diferent, both in form and content, both American
and European painters, members of groups as the School of New York School or
El Paso. In general, we can’t speak of common characteristics, even within the
same group. However, there is a very powerful idea that blends all the works in this
9
exhibition: the confrontation. The old symbolism in Western Art about the contrast
between white and black is inside the political, collective, personal or spiritual
confrontation of these works. Good versus evil, light against darkness, the clash
between two opposites that are part of the same thing: human nature and their
interconnections. The chiaroscuro erases chromaticism temporarily or permanently
to focus the work on form and contrast: on confrontation. Removing color, the
painting concentrates the expression in the gesture, the stroke, the writing.
Veamos ahora cada sala por separado, los artistas que la componen, los tex-
tos introductorios disponibles para los visitantes, las obras expuestas y su dis-
posición en el espacio expositivo.
Sala 1. Maestros y alumnos. Masters and pupils.
Sala 1
En la primera sala, se propone como introducción la comparación de algu-

nas obras abstractas gestuales en blanco y negro de los artistas Antonio Saura,
Robert Motherwell, Luis Feito y Rafael Canogar, con otras obras maestras de la
Pintura Occidental, consideradas precursoras en lo formal y en lo iconográfico
de las anteriores. Goya, Zurbarán, el Greco, Turner y Picasso son los maestros
del pasado elegidos como inspiradores de una nueva generación de artistas
que buscan lo mismo con las mismas herramientas, y con resultados no tan
diferente. Las obras comparadas son reproducidas en pequeño formato, en un
panel anexo a la obra original: Saura contra Goya y el Greco, Feito contra Turner,
Motherwell contra Zurbarán, o Canogar contra Picasso. La cercanía de las obras
comparadas (menos la de Turner), cuatro en el vecino Museo del Prado y una
en el propio Reina Sofía, permite al visitante contemplar las obras originales sin
grandes desplazamientos.
Texto de la sala:
Las obras que esta exposición presenta como precursoras de la confrontación

expresiva y subjetiva entre la luz y la oscuridad, entre el bien y el mal, arrancan del
tenebrismo barroco de Zurbarán, avanzan por el romanticismo de Turner y Goya y
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termina con la vanguardia de Picasso. Estos artistas son comparados con algunos
de sus seguidores y admiradores dentro de la pintura gestual abstracta de los años
40 y 50: Antonio Saura, Rafael Canogar, Luis Feito y Robert Motherwell, que son
elegidos como ejemplo. La comparación propuesta se realiza a través de las obras
de los alumnos y de las reproducciones de los maestros, y haciendo una invitación
a los visitantes a que se acerquen a otras obras del museo, como el Guernica, o
a obras del cercano Museo del Prado: de Francisco de Zurbarán, gran exponente
del tenebrismo y de Francisco de Goya, maestro y precursor de la pintura de corte
expresionista y de la reducción del color en los pintores españoles.
The paintings this Exhibition presents as forerunners of the expressive and

subjetive confrontation between light and darkness, entre el bien y el mal, start
in the period of Baroque, with Francisco de Zurbarán, and they progress to
Romanticism of J.M.W. Turner and Francisco de Goya, finishing with Picasso’s avant-
garde. These artist are compared to some of their followers and admirers in the
abstract gestural painting in 40s and 50s: Spanish Antonio Saura, Rafael Canogar
and Luis Feito, and American Robert Motherwell, as examples. The proposed
comparison is done through the followers’ œuvres and the masters’ reproductions,
and making an invitation to the visitors: take a tour to others works in this museum,
as Guernica, and nearby Museo del Prado, as Zurbarán and Goya’s works. This
last is the truly master in expressionist painting and the reduction of the palette in
Spanish artists.
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Obras expuestas y obras comparadas (en reproducción):
(reproducción)
12
(reproducción)
13
(reproducción)
14
(reproducción)
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(reproducción)
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Disposición de las obras en la sala:
texto exposición texto sala 001

(castellano e inglés)
002
005 004 003
Imágenes infográficas:
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Sala 2. El signo, el trazo, el gesto. The sign, the stroke, the gesture.
Sala 2
El expresionismo y el fauvismo de principios de siglo se funden con las

corrientes surrealistas surgidas en el periodo de entreguerras para dar lugar
a una nueva forma de pintar a partir de los años cuarenta. El movimiento que
corona antes la cumbre del éxito es el Expresionismo Abstracto norteame-
ricano; su respuesta europea es el Informalismo. Es la poética automática e
instintiva de la mancha y el trazo. La principal opción expresiva de los artistas
que se decantan por reducir su paleta al blanco y el negro es el signo, el trazo,
el gesto. En la sala 2 asistimos al espectáculo visual de los trazos y la pintura de
acción en blanco y negro. Siendo casi sinónimos en este caso, el trazo, el signo
y el gesto sirven para expresar en el lienzo la inquietud existencial de los ame-
ricanos Franz Kline —el artista más representado en esta sala y el segundo más
representado en toda la exposición—, Adolph Gottlieb, Lee Krasner —única mujer
en la muestra— y el actual Christopher Wool. Completan la sala los españoles
Antoni Tàpies y Fernando Zóbel y el francés Pierre Soulages.
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Texto de la sala:
El gesto siempre ha constituido una forma esencial de expresividad. El trazo

inconsciente, que proviene de la realidad interior del artista, conecta con el surrea-
lismo de entreguerras y da lugar, a partir de los años cuarenta del siglo xx, a una
nueva forma de entender la pintura. La pintura gestual abstracta es la caligrafía
subconsciente de lo espontáneo, es la proyección de lo más profundo de la inti-
midad humana y de la subjetividad del artista. La principal opción expresiva de los
artistas que se decantan por reducir su paleta al blanco y el negro es el signo, el
trazo, el gesto. En esta sala se pueden contemplar esos trazos liberados de toda
señal de color, en algunas ocasiones por una gigantesca ampliación de trazos más
bien pequeños en su origen, como en el caso del norteamericano Franz Kline, en
otras es una expresión pura del subconsciente del artista, como en el lienzo de Lee
Krasner. El español Antoni Tàpies recurre a la caligrafía personal, mientras que en
Adolph Gottlieb esa caligrafía gestual es más colectiva. Christopher Wool, nor-
teamericano también, mezcla técnicas actuales en el lienzo para componer imá-
genes a medio camino entre el gesto de Kline y la caligrafía de Tàpies. Por último,
el francés Pierre Soulages y el español Fernando Zóbel crean universos propios
creando trazos negros puramente gestuales sobre una base de blanco perfecto.
The gesture has always been an essential form of expression. The unconscious
stroke, which comes from the artist’s inner reality, connects to surrealism and
leads a new way of painting from the 40s of the twentieth century. The abstract
gestural painting is the spontaneous and subconscious calligraphy, the projection
of the depths of human intimacy and subjectivity of the artist. The sign, the stroke,
the gesture, are the main expressive choices of artists who decide to reduce their
palette to white and black. In this room you can see these lines, free from all
color, sometimes by a huge expansion of strokes rather small in origin, as in the
case of the American Franz Kline. In others it is a pure expression of the artist’s
subconscious, as in the painting by Lee Krasner. The Spanish Antoni Tàpies uses a
personal calligraphy, while Adolph Gottlieb’s writing is more universal. Christopher
Wool, also American, blends several present techniques on the canvas to compose
images in a halfway between Kline’s gesture and Tàpies’ calligraphy. Finally, French
Pierre Soulages and Spanish Fernando Zóbel create their own universe with purely
gestural black lines on a perfect white.
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Obras expuestas:
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22
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25
26
010 009 008 007 texto sala

006
011
012
018
013 014 015 016 017
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Sala 3. Contrastes. Contrast.
Sala 3
Uno de los temas primordiales de la exposición es el concepto de confron-

tación o de enfrentamiento entre el blanco y el negro como metáfora de la
oposición entre dos fuerzas naturales. El claroscuro como arma visual para
resaltar esa dualidad natural entre la luz y la oscuridad se torna tenebrismo en
el barroco, y a partir del romanticismo su simbología se hace más fuerte. Si en
la sala anterior, nos centrábamos en el gesto y el trazo, ahora lo hacemos en el
contraste entre esos dos colores antagonistas. Cuadros donde la batalla es evi-
dente, violenta y a veces cruel: como en lienzos de Canogar o de Kline, o enfren-
tamientos algo más calmados, pero igual de potentes, como los de Soulages y
Motherwell.
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Texto de la sala:
«El contraste de valor, la oposición de claridad y oscuridad de los colores ha sido

uno de los medios principales del arte pictórico occidental, mucho más importante
que la perspectiva.»
Clement Greenberg
Con esta frase, el omnipotente crítico del expresionismo abstracto, Clement

Greenberg, nos venía a decir algo que subyace en el arte occidental desde el
Renacimiento: que el claroscuro supone una confrontación entre fuerzas opuestas
de la Naturaleza, entre la luz y la oscuridad, entre el bien y el mal. Esa idea une
sin duda a todas las obras de esta muestra. En esta sala se muestran aquellas
que mejor resumen ese concepto: el antagonismo visual, reflejo de una oposición
colectiva o personal, política o espiritual. El cuadro prescinde momentánea o defi-
nitivamente del color para centrarse en la forma y en el contraste, en la confronta-
ción. La expresión se concentra en el gesto, y sobre todo, en el margen del gesto,
en la línea que divide el blanco y el negro, definida o desdibujada: orillas entre un
mundo y su opuesto.
“Value contrast, the opposition of the lightness and darkness of colors, has been
Western pictorial art’s chief means, far more important than perspective.”
Clement Greenberg
With this sentence, the most important critic of abstract expressionism, Clement
Greenberg, tell us something underlying in Western Art since the Renaissance: the
chiaroscuro supposes a confrontation between opposite forces of nature, between
lightness and darkness, between good and evil. That idea certainly connects all the
works in this exhibition. This room shows that concept: visual antagonism reflecting
a collective, personal, political or spiritual opposition. The pictures lose their color
temporarily or permanently to focus on form and contrast, in the confrontation.
The expression is concentrated in the gesture, and above all, in the border of the
gesture, the line between white and black, defined or blurred: frontiers between one
world and its opposite.
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Obras expuestas:
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33
34
026 025 024 023 022
texto sala 019 020 021
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Sala 4. Saura y la figuración. Saura and figurative art.
Sala 4
Antonio Saura es el artista más representado de la exposición. Es uno de los

artistas universales que más han trabajado con la abstracción lírica en blanco y
negro, y unos de los pintores españoles más sobresalientes del siglo xx. Trabajó
siempre con un ojo puesto en el lienzo y otro en los que consideraba sus maes-
tros: Velázquez, Goya y Picasso. Además de sentidos homenajes a estos tres
artistas, Saura rinde pleitesía a otro de sus inspiradores: el artista noruego
Edvard Munch, detrás del cual se encuentran las obras Grito nº 7 y Karl-Johann
Strasse I. La obra abstracta de Saura en blanco y negro es muy extensa, y se
han quedado muchas obras sin exponer, por falta de espacio, pero las que
están son una muestra suficientemente representativa del arte del artista espa-
ñol y universal.
Texto de la sala:
«El lienzo es un campo de batalla interminable.»

Antonio Saura
Antonio Saura es el pintor español heredero de Goya y Picasso. Es, como los
anteriores maestros, un artista de su tiempo. Abraza con gusto los postulados del
expresionismo abstracto norteamericano y el informalismo europeo para crear una
obra original, llena de matices, abstracta, gestual y en blanco y negro, pero con
una conexión a la vez profunda y superficial, tanto de forma como de contenido,
con la figuración. Sus lienzos son batallas sin terminar, congeladas en un momento
del espacio y el tiempo, como el Guernica de Picasso, como el Perro semihundido
de Goya: «grito asfixiado de libertad»1, expresionismo de colores reducidos, que
Saura transmuta en abstracción en sus largas series de retratos o en los lienzos
homenaje a Edvard Munch, otro maestro precursor del expresionismo y experto en
«gritos».
37
“The canvas is an endless battlefield.”
Antonio Saura
Spanish painter Antonio Saura is the inheritor of Goya and Picasso. He is, as the
previous masters, an artist of his time. He embraces warmly the principles of
American Abstract Expressionism and European Informalism to create an original
œuvre, abstract, gestural and black and white, but with a connection with figurative
art, both in form and content. His canvases are unfinished battles, frozen moments
in space and time, as Picasso’s Guernica, as Goya’s Perro semihundido. They are
“smothered cry of freedom”1, reduced color expressionism, which Saura converts
into abstraction in their long series of portraits or paintings in homage to Edvard
Munch, another master of Expressionism expert in “screams”.
1. NIETO, V.: “El color de la negación del color”, en El color de las Vanguardias. Pintura española con-
temporánea 1950-1990 en la coleción Argentaria. Madrid, 1993, p. 27.
Obras expuestas:
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40
41
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43
44
037 036 035 034 033 032 031

030
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039 040 texto sala 027 028
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Sala 5. Vidas en blanco y negro. Lifes in black and white.
Sala 5
Además de las 5 salas principales dedicadas a la abstracción en blanco y

negro, y a la sala dedicada a los precursores citados anteriormente, se dedi-
cará una séptima sala (la 5, por estar en el centro de la exposición) al mundo
cultural y artístico que rodeaba la escena expresionista abstracta o informa-
lista: la música de Charlie Parker, los textos de Jack Kerouac y la generación
beat, las fotografías de Robert Frank, además de proyecciones de películas y
documentales.
Texto de la sala:
El éxito que alcanza el expresionismo abstracto en Estados Unidos va ligado casi

indisolublemente a la vida errática y atormentada de sus protagonistas. Muchos de
esos artistas morirán jóvenes, con el peso en sus conciencias de haberse vendido
al poder, con el desasosiego de haberse creído independientes cuando estaban
haciendo el trabajo sucio al poder. Arshile Gorky se suicida en 1948. Jackson Pollock
muere en un accidente de automóvil en 1956, alcoholizado y con tendencia auto-
destructiva. En 1962, muere Franz Kline con 52 años, también alcoholizado.
Pero no sólo los artistas plásticos. La vida en torno al éxito artístico norteame-
ricano en los años cuarenta y cincuenta es oscura y difícil. Charlie Parker o Jack
Kerouac, verdaderos mitos de la cultura estadounidense de los cincuenta, mueren
también víctimas de ellos mismos, del alcohol y de las drogas. Algunos sobrevivi-
rán, como el fotógrafo Robert Frank, pero marcados de por vida. Films y documen-
tales recrean el ambiente opresor y decadente de las vidas de aquellos artistas,
mientras pasaban a la Historia como creadores sin comparación.
The success of abstract expressionism in the United States is linked to erratic and
troubled lifes of its protagonists. Many of these artists died young, with the anxiety
of having independence but doing the dirty work to politic power. Arshile Gorky
committed suicide in 1948. Jackson Pollock died in a car accident in 1956, ater a
self-destructive and alcoholic live. In 1962, Franz Kline dies aged 52, also drunk.
But not only painters. Life around American artistic success in the forties and
fities is dark and diicult. Charlie Parker and Jack Kerouac, true myths of American
49
culture of the fities, die also victims of themselves, alcohol and drugs. Some
will survive, as the photographer Robert Frank, but scarred for life. Films and
documentaries recreate the decadent and oppressor atmosphere of the lives of
those artists as they passed into history as unparalleled creators.
Música disponible para escucharla con auriculares:

Bird & Pres, Charlie Parker y Roy Eldridge, 1946.
Charlie Parker in Jazz at the Philarmonic, Charlie Parker, 1946.
Birth of the cool, Miles Davis, 1949.
The quintet of the year, Charlie Parker y Dizzy Gillespie, 1953.
’Round about midnight, Miles Davis, 1955.
Kind of Blue, Miles Davis y John Coltrane, 1959.
A love supreme, John Coltrane, 1964.
Libros disponibles para lectura:

The town and the city, Jack Kerouac, 1950.
Yonqui, de William S. Burroughs, 1953.
En el camino, Jack Kerouac, 1957.
Sandwiches de realidad, Allen Ginsberg, 1963.
Las cartas de la ayahuasca, Allen Ginsberg y William S. Burroughs, 1963.
Desolation Angels, Jack Kerouac, 1965.
Películas y documentales proyectados en una pantalla central.

Pull my daisy, Robert Frank, 1959, 30’.
Cocksucker blues, Robert Frank, 1972 (doc.), 93’.
Bird, Clint Eastwood, 1988, 161’.
Antonio Saura: confessions, Jean-Claude Rousseau, 1990 (doc.), 26’.
Christopher Wool, Ralph Goertz, 2009 (doc.), 3’.
From the curator: Franz Kline, MoMA, 2010 (doc.), 3’.
The painting techniques of Franz Kline, MoMA, 2010 (doc.), 4’.
Fotografías expuestas de Robert Frank:

Robert Frank
(Zúrich, Suiza, 1924)
Los Americanos
1955-56
Rodeo, Detroit
Gelatinobromuro de plata sobre papel
50
Tienda de caramelos, Nueva York
Desfile, Hoboken, Nueva Jersey

Butte, Montana
Autoridades, Hoboken, Nueva Jersey

51
Ascensor, Miami Beach
Café, Beaufort, Carolina del Sur

Mercado rural, Hollywood

Autoridades, Hoboken, Nueva Jersey

52
Servicio de caballeros, estación de tren,
Memphis, Tennessee
Cafetería, estación de tren, Indianápolis

Rodeo, Nueva York

53
libros y música
texto sala
fotos pantalla
54
Sala 6. Negros y blancos. Whites and blacks.
Sala 6
En la sala 6 se va un paso más allá de la confrontación entre el blanco y el

negro, dándose la particularidad de que uno de los dos colores domina el cua-
dro, arrinconando al otro, o haciéndolo desaparecer por completo: es el final
del camino. El proceso que ha llevado a la victoria de uno de los dos colores es
el que nos interesa, el camino recorrido, la acción que ha desembocado en un
resultado. Todo blanco, o todo negro. Ya no hay confrontación, ni claroscuro.
Uno de los dos ha terminado ganando.
Texto de la sala:
«(...) el lienzo pasó a ser un ruedo en el que actuar... lo que sucedía en el lienzo ya
no era un cuadro, sino un acontecimiento.»
Harold Rosenberg
En esta sala uno de los dos colores —negro o blanco— ha ganado finalmente la
batalla, arrinconando a su oponente o barriéndolo totalmente de la lona. Según
Rosenberg, el lienzo es como un ruedo, según Saura, como un campo de batalla.
Pues bien, la batalla ya ha terminado y hay un ganador. Nos interesa la acción que
ha transcurrido en el lienzo, y su resultado final. El ganador lo inunda todo. A veces,
gana el blanco, la luz; otras veces, el negro, las tinieblas. Es el fin de la confronta-
ción, y la lectura de la obra final cambia. Mientras que Soulages, Cuixart, Guerrero
y Millares se decantan por la victoria de la oscuridad, Reinhardt, Twombly, Zóbel y
Tàpies prefieren la luz.
“At a certain moment the canvas began to appear (...) as an arena in which to act…
What was to go on canvas was not a picture but an event”.
Harold Rosenberg
In this room, one of two colors - white or black - has finally won the battle,
cornering his opponent or ejecting it from the ring. According to Rosenberg, the
canvas is like an arena, to Saura, like a battlefield. Well, the battle is over and there
55
is a winner. We are interested in the action that has taken place in the canvas, and
the final result. The winner is now the only color. Sometimes, white wins: the light.
Others, black wins: the darkness. It’s the end of the confrontation, and it changes
the reading of the final work. While Soulages, Cuixart, Guerrero and Millares opt for
the victory of the dark, Reinhardt, Twombly, Zobel and Tàpies prefer light.
Obras expuestas:
56
57
58
59
60
050 049 048 047

046
045
texto sala 041 042 043 044
61
62
Sala 7. Caligrafías. Calligraphies.
Sala 7
La séptima y última sala está dedicada a aquellas obras que usan de una
forma decidida la caligrafía, ya sea de manera automática e ininteligible, o por el
contrario, perfectamente legible. Por supuesto, usando solo el blanco y el negro
predominantemente, pasamos de las obras con letras enormes de Christopher
Wool a las más abstractas white writings de Mark Tobey, pasando por los signos
caligráficos de Antoni Tàpies o Cy Twombly.
Texto de la sala:
«El tema de la edición surge en diferentes aspectos del proceso de pintar, desde
decidir cuándo un cuadro está acabado, hasta los lenguajes o los parámetros
empleados dentro de la pintura. Mantener la sencillez puede ser muy complejo.»
Christopher Wool
El signo primigenio, la palabra, el texto, la caligrafía, son lo protagonistas de esta

última sala. Dejamos atrás los gestos automáticos, el subconsciente del artista,
la pintura como acción, para aflorar a la superficie. Ahora el cuadro está más
pensado detenidamente, desde la reflexión profunda, tanto si se trata de trazos
legibles, en forma de letras de un determinado alfabeto, como si se trata de una
caligrafía menos familiar, más personal, de lenguajes propios a los que los artistas
recurren como si fueran escrituras universalmente conocidas. Christopher Wool o
Antoni Tàpies pertenecen al primer grupo. Cy Twombly y sobre todo, Mark Tobey
con sus white writings, al segundo.
“Issues of editing come up in different aspects of the painting process, from

decisions about when a painting is finished to what languages or parameters are
employed within the painting. Maintaining simplicity can be very complex.”
Christopher Wool
The primitive sign, the word, the text, the calligraphy are the main characters of
this last room. We passed the automatic gestures, the subconscious of the artist
and the action painting, to come to the surface. Now the picture is deliberately
63
thought from a deep reflection, made from legible traces as letters, or made from
a more personal handwriting, an specific language used as universally known
scripture. Christopher Wool and Antoni Tàpies are in the first group. Cy Twombly
and especially Mark Tobey’s write writings, in the second.
Obras expuestas:
64
65
66
67
68
058 057 056 055
054
053
059
052
texto sala 051
69
70
catálogo de la exposición
proyecto
El catálogo de la exposición consistiría en la publicación de una serie de

artículos y ensayos sobre la abstracción gestual en blanco y negro a partir de
1945. Los autores serán historiadores del arte expertos en la materia, con algún
tipo de conexión con el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, o con las
Universidades españolas, así como con alguna exposición similar que se haya
realizado en los Museos de los que provienen las obras. El comisario de la
exposición sería Manuel Borja-Villel, actual director del Reina Sofía y comisario
(junto con Stephen C. Foster) de la exposición “Franz Kline. Arte y estructura
de la identidad” en el mismo museo en 1994. Otros autores de renombre serían
el propio Stephen C. Foster, Valeriano Bozal, Bill Berkson, Belén Galán o Víctor
Nieto.
ÍNDICE
INTRODUCCIÓN
El bicromatismo en la abstracción lírica desde 1945.
Manuel Borja-Villel
El signo y el trazo: signo lingüístico y signo visual.

Stephen C. Foster
Trazos, caligrafías, manchas, huellas, líneas.

Manuel Borja-Villel
La influencia del surrealismo y el expresionismo:

automatismo y gesto, lo individual y lo colectivo.
Valeriano Bozal
Teorías del color.

La reducción del color desde Malevich.
Bill Berkson
Kline y el paisaje urbano.

Manuel Borja-Villel
Hallazgos en blanco y negro:

fotografía, jazz, cine y pintura.
B.H. Friedman
El Paso.
Víctor Nieto
Saura tras la estela de Goya y Picasso.

Belén Galán
Christopher Wool y el poder del texto como signo.

Stephen C. Foster
CATÁLOGO DE LA EXPOSICIÓN
BIBLIOGRAFÍA
71
anexo I. bibliografía
ASHTON, D. (et al.): À Rebours. La rebelión informalista, catálogo de la exposi-

ción. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, 1999.
BLAS ORTEGA, M. de: «El Signo en la pintura, cuando ya no necesita ser una
obra de arte», Arte, Individuo y Sociedad, 16 (2004), pp. 95-115.
BLOK, C.: Historia del arte abstracto (1900-1960). Madrid, Cátedra, 1999.
CHIPP, H.B.: Teorías del arte contemporáneo. Fuentes artísticas y opiniones críti-
cas. Madrid, Akal, 1995.
ECO, U.: Signo. Barcelona, Labor, 1994.
ELGER, D.: Arte abstracto. Colonia, Taschen, 2008.
FOSTER, S.C. (et al.): Franz Kline. Arte y estructura de la identidad, catálogo de la
exposición. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, 1994.
FOSTER, S.C.: The critics of Abstract Expressionism.UMI Research Press, 1980.
GOLDWATER, R.: «Franz Kline: Darkness visible», Art News, 66 (1967), pp. 38-55.
GREENBERG, C.: Arte y cultura. Ensayos críticos. Madrid, Paidós, 2002.
GUGGENHEIM, P.: Confesiones de una adicta al arte. Barcelona, Lumen, 2002.
GUIGON, E. y B. GALÁN: Itinerarios de Antonio Saura, catálogo de la exposición.

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, 2005.
GUILBAUT, S.: De cómo Nueva York robó la idea de arte moderno. Valencia,
Tirant lo blanch, 2007.
HESS, B.: Expresionismo abstracto. Colonia, Taschen, 2006.
JIMÉNEZ BLANCO, Mª.D.: «Variaciones de lo apocalíptico. Expresionismo abs-

tracto e informalismo» en MADERUELO, J. (ed.): Medio siglo de arte. Últimas
tendencias. 1955-2005. Madrid, Abada Editores, 2006.
KORTADI OLANO, E.: «La abstraccion lirica, gestual y matérica (movimiento en

Europa, América y País Vasco)», Revista Internacional de los Estudios Vascos,
tomo XL, n.º 1 (1995), p. 77-95.
LUCIE-SMITH, E.: El arte hoy. Del expresionismo al nuevo realismo. Cátedra, 1983.
— : Lives of the great 20th century artists. Londres, Thames and Hudson, 1999.
72
NIETO, V.: “El color de la negación del color”, en El color de las Vanguardias.
Pintura española contemporánea 1950-1990 en la coleción Argentaria. Madrid,
1993.
OVIDIO: El arte de amar. Edicomunicación, Barcelona, 1999.
RUHRBERG, K. et ál.: Arte del siglo XX. Pintura.Escultura. Nuevos Medios.

Fotografía. Colonia, Taschen, 2012.
RUIZ LÓPEZ, J.I.: «Signo, gesto y letra. El trazo en la obra de Millares», Imafronte,
15 (2000), pp. 311-326.
SANDLER, I.: El triunfo de la pintura norteamericana, Madrid, Alianza Editorial,

1996.
STONOR SAUNDERS, F.: Who paid the piper? The CIA and the cultural cold war.
Londres, Granta Books, 2000.
VV.AA.: Antonio Saura, exposición antológica 1948-1980. Barcelona, Fundación

Joan Miró, junio 1980.
VV.AA.: Canogar. Cincuenta años de pintura, catálogo de la exposición. Museo

Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, 2001.
VV.AA.: La odisea americana, 1945/1980. El debate de la modernidad, catálogo

de la exposición. Salamanca, Domus Artium 2002, 2004.
VV.AA.: Mark Tobey, catálogo de la exposición. Museo Nacional Centro de Arte

Reina Sofía, Madrid, 1997.
VV.AA.: Monocromos. De Malevich al presente, catálogo de la exposición. Museo

Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, 2004.
VV.AA.: Surrealistas en el exilio y los inicios de la Escuela de Nueva York, catá-

logo de la exposición. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, 1999.
VV.AA.: Tàpies, catálogo de la exposición. Aldeasa, Madrid, 2000.
VV.AA.: Zóbel, catálogo de la exposición. Museo Nacional Centro de Arte Reina

Sofía, Madrid, 2003.
WALTHER, I.F. (ed.): Los maestros de la pintura occidental. Volumen II: del
Romanticismo a la Época Contemporánea. Colonia, Taschen, 2005.
WOODFIELD, R. (ed.): Gombrich esencial. Londres, Phaidon, 1997.
73
anexo II. publicidad e imagen
1. carteles
ABSTRACCIÓN EN
BLANCO Y NEGRO
ABSTRACCIÓN EN ABSTRACCIÓN EN
BLANCO Y NEGRO BLANCO Y NEGRO
2. tríptico informativo
El tríptico tendrá formato A5, por ser el más usado en las exposiciones del
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Además, el papel usado será tipo
ofset reciclado. Contendrá la imagen de la exposición en la portada, y una
selección de textos y obras en el interior. La contraportada tendrá la informa-
ción útil, como los horarios, las fechas, etc.
Museo Nacional Horario Abstracción en blanco y negro

Centro de Arte Reina Sofía De lunes a sábado
El desarrollo de la abstracción en los años 10 del siglo xx trajo consigo una nueva búsqueda
de 10:00 a 21:00 h 1 octubre – 15 diciembre 2013
en el arte: su autonomía con respecto a la naturaleza. Forma y color en estado puro pasó a
ser el objetivo. Después de la Segunda Guerra Mundial irrumpe con fuerza en el escenario Ediicio Sabatini Domingo
artístico mundial una abstracción de tipo expresiva, lírica o gestual. Tanto en Estados Unidos Santa Isabel, 52 de 10:00 a 19:00 h*
como en Europa los pintores se sumergen en el atractivo mundo subjetivo de los trazos, las Ediicio Nouvel (*A partir de las 14:30 h se
manchas y el automatismo de la pintura de acción, desde mediados de los años 40 hasta Ronda de Atocha (esquina podrá visitar exclusivamente
nuestros días. En la búsqueda de la autonomía del arte y la pureza de la forma y el color, plaza del Emperador Carlos V) la Colección) www.museoreinasoia.es
algunos artistas limitaron su campo de acción al bicromatismo en blanco y negro. La 28012 Madrid Martes, cerrado www.abstraccionenblancoynegro.es
exposición ABSTRACCIÓN EN BLANCO Y NEGRO quiere proponer un recorrido por esa
Las salas de exposiciones
pintura abstracta, gestual, de carácter expresivo y espontáneo, cuya paleta ha sido radical-
mente reducida a esos colores. además de los grises resultados de su mezcla y algún color Tel. (34) 91 774 10 00 se desalojarán 15 minutos NIPO: 036-12-004-7
residual añadido. Fax (34) 91 774 10 56 antes de la hora de cierre Depósito legal: M-32729-2013
Las obras propuestas son de naturaleza muy dispar, tanto en lo formal como en el contenido,
englobando tanto a pintores norteamericanos como europeos, miembros de grupos más o
menos definidos, pero alejados entre sí, como los artistas de la Escuela de Nueva York y los de
El Paso. En general no se puede hablar de características comunes, ni siquiera dentro de un
mismo grupo. Sin embargo, hay una idea muy poderosa que une todas las obras de esta
exposición: la confrontación. Ya sea confrontación política, colectiva, personal o espiritual, la
antigua simbología en el Arte Occidental del contraste entre el blanco y el negro es
contundente. El bien contra el mal, la luz contra la oscuridad, el enfrentamiento entre dos
polos opuestos que forman parte de una misma cosa: la naturaleza humana y sus interconex-
iones. El claroscuro prescinde momentánea o definitivamente del cromatismo para centrarse
en la forma y en el contraste: en la confrontación. Al eliminar el color, la expresión se concen-
tra en el gesto, en el trazo, en la forma, en la escritura.
planta 2
ABSTRACCIÓN EN
BLANCO Y NEGRO
Las lechas indican el recorrido sugerido.
Christopher Wool
Untitled, 2007
El gesto siempre ha constituido una forma esencial de expresividad. El trazo inconsciente,

que proviene de la realidad interior del artista, conecta con el surrealismo de entreguerras y
da lugar, a partir de los años cuarenta del siglo XX, a una nueva forma de entender la pintura.
La pintura gestual abstracta es la caligrafía subconsciente de lo espontáneo, es la proyección
de lo más profundo de la intimidad humana y de la subjetividad del artista. La principal
opción expresiva de los artistas que se decantan por reducir su paleta al blanco y el negro es
el signo, el trazo, el gesto. En la sala 2 se pueden contemplar esos trazos liberados de toda
señal de color, en algunas ocasiones por una gigantesca ampliación de trazos más bien
pequeños en su origen, como en el caso del norteamericano Franz Kline, en otras es una
expresión pura del subconsciente del artista, como en el lienzo de Lee Krasner. El español
Antoni Tàpies recurre a la caligrafía personal, mientras que en Adolph Gottlieb esa caligrafía
gestual es más colectiva. Christopher Wool, norteamericano también, mezcla técnicas
actuales en el lienzo para componer imágenes a medio camino entre el gesto de Kline y la
caligrafía de Tàpies. Por último, el francés Pierre Soulages y el español Fernando Zóbel crean
universos propios creando trazos negros puramente gestuales sobre una base de blanco
perfecto.
«El contraste de valor, la oposición de claridad y oscuridad de los colores ha sido uno de los
Antonio Saura medios principales del arte pictórico occidental, mucho más importante que la perspectiva.» Robert Motherwell
La gran muchedumbre, 1963 Clement Greenberg Africa, 1975
Pierre Soulages
Con esta frase, el omnipotente crítico del expresionismo abstracto, Clement Greenberg, nos Pintura, 1953
venía a decir algo que subyace en el arte occidental desde el Renacimiento: que el claroscuro
supone una confrontación entre fuerzas opuestas de la Naturaleza, entre la luz y la oscuridad,
entre el bien y el mal. Esa idea une sin duda a todas las obras de esta muestra. En la sala 3 se
muestran aquellas que mejor resumen ese concepto: el antagonismo visual, reflejo de una
oposición colectiva o personal, política o espiritual. El cuadro prescinde momentánea o
definitivamente del color para centrarse en la forma y en el contraste, en la confrontación. La
expresión se concentra en el gesto, y sobre todo, en el margen del gesto, en la línea que
divide el blanco y el negro, definida o desdibujada: orillas entre un mundo y su opuesto. «(...) el lienzo pasó a ser un ruedo en
el que actuar... lo que sucedía en el
lienzo ya no era un cuadro, sino un
Franz Kline acontecimiento.»
Antonio Saura Meryon, 1960-1 Harold Rosenberg
Autorretrato imaginario de Felipe II, 1967
Las obras que esta exposición presenta como
precursoras de la confrontación expresiva y
subjetiva entre la luz y la oscuridad, entre el bien Franz Kline En la sala 6 uno de los dos colores
y el mal, arrancan del tenebrismo barroco de Chief, 1950 —negro o blanco— ha ganado
Zurbarán, avanzan por el romanticismo de finalmente la batalla, arrinconando a
Turner y Goya y termina con la vanguardia de su oponente o barriéndolo totalmente
Picasso. Estos artistas son comparados con de la lona. Según Rosenberg, el lienzo
algunos de sus seguidores y admiradores dentro es como un ruedo, según Saura, como
de la pintura gestual abstracta de los años 40 y un campo de batalla. Pues bien, la
50: Antonio Saura, Rafael Canogar, Luis Feito y batalla ya ha terminado y hay un
Robert Motherwell, que son elegidos como ganador. Nos interesa la acción que
ejemplo. La comparación propuesta se realiza a ha transcurrido en el lienzo, y su
través de las obras de los alumnos y de las resultado final. El ganador lo inunda
reproducciones de los maestros, y haciendo una todo. A veces, gana el blanco, la luz;
invitación a los visitantes a que se acerquen a otras veces, el negro, las tinieblas. Es
otras obras del museo, como el Guernica, o a el fin de la confrontación, y la lectura
obras del cercano Museo del Prado: de Francisco de la obra final cambia. Mientras que
de Zurbarán, gran exponente del tenebrismo y Soulages, Cuixart, Guerrero y Millares
de Francisco de Goya, maestro y precursor de la se decantan por la victoria de la
pintura de corte expresionista y de la reducción oscuridad, Reinhardt, Twombly, Zóbel
del color en los pintores españoles. y Tàpies prefieren la luz.
s
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ción en los años 10 del siglo xx trajo consigo una nueva búsqueda
on respecto a la naturaleza. Forma y color en estado puro pasó a
e la Segunda Guerra Mundial irrumpe con fuerza en el escenario Ediicio Sabatini Domingo
racción de tipo expresiva, lírica o gestual. Tanto en Estados Unidos Santa Isabel, 52 de 10:00 a 19:00 h*
es se sumergen en el atractivo mundo subjetivo de los trazos, las Ediicio Nouvel (*A partir de las 14:30 h se
o de la pintura de acción, desde mediados de los años 40 hasta Ronda de Atocha (esquina podrá visitar exclusivamente
eda de la autonomía del arte y la pureza de la forma y el color, plaza del Emperador Carlos V) la Colección) www.museoreinasoia.es
su campo de acción al bicromatismo en blanco y negro. La 28012 Madrid Martes, cerrado www.abstraccionenblancoynegro.es
N EN BLANCO Y NEGRO quiere proponer un recorrido por esa
de carácter expresivo y espontáneo, cuya paleta ha sido radical-
ores. además de los grises resultados de su mezcla y algún color Tel. (34) 91 774 10 00 se desalojarán 15 minutos NIPO: 036-12-004-7
Fax (34) 91 774 10 56 antes de la hora de cierre Depósito legal: M-32729-2013
de naturaleza muy dispar, tanto en lo formal como en el contenido,

es norteamericanos como europeos, miembros de grupos más o
ados entre sí, como los artistas de la Escuela de Nueva York y los de
puede hablar de características comunes, ni siquiera dentro de un
o, hay una idea muy poderosa que une todas las obras de esta
ón. Ya sea confrontación política, colectiva, personal o espiritual, la
Arte Occidental del contraste entre el blanco y el negro es
a el mal, la luz contra la oscuridad, el enfrentamiento entre dos
n parte de una misma cosa: la naturaleza humana y sus interconex-
nde momentánea o definitivamente del cromatismo para centrarse
ste: en la confrontación. Al eliminar el color, la expresión se concen-
, en la forma, en la escritura.
planta 2
ABSTRACCIÓN EN
BLANCO Y NEGRO
El desarrollo de la abstracción en los años 10 del siglo xx trajo consigo una nueva búsqueda
en el arte: su autonomía con respecto a la naturaleza. Forma y color en estado puro pasó a
ser el objetivo. Después de la Segunda Guerra Mundial irrumpe con fuerza en el escenario Ediicio Sabatini Domingo
artístico mundial una abstracción de tipo expresiva, lírica o gestual. Tanto en Estados Unidos Santa Isabel, 52 de 10:00 a 19:00 h*
como en Europa los pintores se sumergen en el atractivo mundo subjetivo de los trazos, las Ediicio Nouvel (*A partir de las 14:30 h se
manchas y el automatismo de la pintura de acción, desde mediados de los años 40 hasta Ronda de Atocha (esquina podrá visitar exclusivamente
nuestros días. En la búsqueda de la autonomía del arte y la pureza de la forma y el color, plaza del Emperador Carlos V) la Colección) www.museoreinasoia.es
algunos artistas limitaron su campo de acción al bicromatismo en blanco y negro. La 28012 Madrid Martes, cerrado www.abstraccionenblancoynegro.es
exposición ABSTRACCIÓN EN BLANCO Y NEGRO quiere proponer un recorrido por esa
pintura abstracta, gestual, de carácter expresivo y espontáneo, cuya paleta ha sido radical-
mente reducida a esos colores. además de los grises resultados de su mezcla y algún color Tel. (34) 91 774 10 00 se desalojarán 15 minutos NIPO: 036-12-004-7
residual añadido. Fax (34) 91 774 10 56 antes de la hora de cierre Depósito legal: M-32729-2013
Las obras propuestas son de naturaleza muy dispar, tanto en lo formal como en el contenido,
englobando tanto a pintores norteamericanos como europeos, miembros de grupos más o
menos definidos, pero alejados entre sí, como los artistas de la Escuela de Nueva York y los de
El Paso. En general no se puede hablar de características comunes, ni siquiera dentro de un
mismo grupo. Sin embargo, hay una idea muy poderosa que une todas las obras de esta
exposición: la confrontación. Ya sea confrontación política, colectiva, personal o espiritual, la
antigua simbología en el Arte Occidental del contraste entre el blanco y el negro es
contundente. El bien contra el mal, la luz contra la oscuridad, el enfrentamiento entre dos
polos opuestos que forman parte de una misma cosa: la naturaleza humana y sus interconex-
iones. El claroscuro prescinde momentánea o definitivamente del cromatismo para centrarse
en la forma y en el contraste: en la confrontación. Al eliminar el color, la expresión se concen-
tra en el gesto, en el trazo, en la forma, en la escritura.
planta 2
A
B
Christopher Wool
Untitled, 2007

perfecto.
Antonio Saura medios principales del arte pictórico occidental, mucho más importante que la perspectiva.» Robe
La gran muchedumbre, 1963 Clement Greenberg Afric
Con esta frase, el omnipotente crítico del expresionismo abstracto, Clement Greenberg, nos
divide el blanco y el negro, definida o desdibujada: orillas entre un mundo y su opuesto.
Franz Kline
Antonio Saura Meryon, 1960-1
Autorretrato imaginario de Felipe II, 1967
Las obras que esta exposición presenta como
precursoras de la confrontación expresiva y
subjetiva entre la luz y la oscuridad, entre el bien Franz Kline
y el mal, arrancan del tenebrismo barroco de Chief, 1950
Zurbarán, avanzan por el romanticismo de
Turner y Goya y termina con la vanguardia de
Picasso. Estos artistas son comparados con
algunos de sus seguidores y admiradores dentro
de la pintura gestual abstracta de los años 40 y
50: Antonio Saura, Rafael Canogar, Luis Feito y
Robert Motherwell, que son elegidos como
ejemplo. La comparación propuesta se realiza a
través de las obras de los alumnos y de las
reproducciones de los maestros, y haciendo una
invitación a los visitantes a que se acerquen a
otras obras del museo, como el Guernica, o a
obras del cercano Museo del Prado: de Francisco
de Zurbarán, gran exponente del tenebrismo y
de Francisco de Goya, maestro y precursor de la
pintura de corte expresionista y de la reducción
del color en los pintores españoles.
perfecto.
Saura medios principales del arte pictórico occidental, mucho más importante que la perspectiva.» Robert Motherwell
1963 Clement Greenberg Africa, 1975
Pierre Soulages
Con esta frase, el omnipotente crítico del expresionismo abstracto, Clement Greenberg, nos Pintura, 1953
divide el blanco y el negro, definida o desdibujada: orillas entre un mundo y su opuesto. «(...) el lienzo pasó a ser un ruedo en
el que actuar... lo que sucedía en el
lienzo ya no era un cuadro, sino un
Franz Kline acontecimiento.»
ra Meryon, 1960-1 Harold Rosenberg
67
Franz Kline En la sala 6 uno de los dos colores

Chief, 1950 —negro o blanco— ha ganado
finalmente la batalla, arrinconando a
su oponente o barriéndolo totalmente
de la lona. Según Rosenberg, el lienzo
es como un ruedo, según Saura, como
un campo de batalla. Pues bien, la
batalla ya ha terminado y hay un
ganador. Nos interesa la acción que
ha transcurrido en el lienzo, y su
resultado final. El ganador lo inunda
todo. A veces, gana el blanco, la luz;
otras veces, el negro, las tinieblas. Es
el fin de la confrontación, y la lectura
de la obra final cambia. Mientras que
Soulages, Cuixart, Guerrero y Millares
se decantan por la victoria de la
oscuridad, Reinhardt, Twombly, Zóbel
y Tàpies prefieren la luz.
ro
neg
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2012/2013
Raúl Fernández Aparicio
80

Abstraccion en Blanco y Negro El Bicroma

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ABSTRACCIÓN EN

Raúl Fernández Aparicio

Línea de trabajo: Arte abstracto: artistas y tendencias

Alumno: Raúl Fernández Aparicio

Expresionismo, Abstracción, Surrealismo.

La pintura deudora de una subjetividad de corte expresivo es anterior a las

Es precisamente Kandinsky el autor de la clásica «primera acuarela

Blanco y negro: la confrontación.

«Únicamente estamos de acuerdo en que somos diferentes»4

2 OVIDIO: El arte de amar, Edicomunicación, Barcelona, 1999, p. 70.

Sin embargo, ese componente ideológico tan acusado no se da en los artistas

«Las fuentes de su arte están totalmente en Occidente (...). Y el nuevo énfasis

6 Nieto, 1993: 20-29.

Sala 1. Maestros y alumnos.

Sala 1 Sala 4 Sala 7

Sala 2 Sala 3 Sala 6

Sala 1. Maestros y alumnos. Masters and pupils.

En la primera sala, se propone como introducción la comparación de algu-

Las obras que esta exposición presenta como precursoras de la confrontación

The paintings this Exhibition presents as forerunners of the expressive and

texto exposición texto sala 001

005 004 003

El expresionismo y el fauvismo de principios de siglo se funden con las

El gesto siempre ha constituido una forma esencial de expresividad. El trazo

010 009 008 007 texto sala

Uno de los temas primordiales de la exposición es el concepto de confron-

«El contraste de valor, la oposición de claridad y oscuridad de los colores ha sido

Con esta frase, el omnipotente crítico del expresionismo abstracto, Clement

026 025 024 023 022

texto sala 019 020 021

Antonio Saura es el artista más representado de la exposición. Es uno de los

«El lienzo es un campo de batalla interminable.»

037 036 035 034 033 032 031

039 040 texto sala 027 028

Además de las 5 salas principales dedicadas a la abstracción en blanco y

El éxito que alcanza el expresionismo abstracto en Estados Unidos va ligado casi

Música disponible para escucharla con auriculares:

Libros disponibles para lectura:

Películas y documentales proyectados en una pantalla central.

Fotografías expuestas de Robert Frank:

Desfile, Hoboken, Nueva Jersey

Autoridades, Hoboken, Nueva Jersey

Café, Beaufort, Carolina del Sur

Mercado rural, Hollywood

Autoridades, Hoboken, Nueva Jersey

Cafetería, estación de tren, Indianápolis

Rodeo, Nueva York

En la sala 6 se va un paso más allá de la confrontación entre el blanco y el

050 049 048 047

El signo primigenio, la palabra, el texto, la caligrafía, son lo protagonistas de esta

“Issues of editing come up in different aspects of the painting process, from

058 057 056 055

El catálogo de la exposición consistiría en la publicación de una serie de

El signo y el trazo: signo lingüístico y signo visual.

Trazos, caligrafías, manchas, huellas, líneas.

La influencia del surrealismo y el expresionismo:

Teorías del color.

Kline y el paisaje urbano.

Hallazgos en blanco y negro:

Saura tras la estela de Goya y Picasso.

Christopher Wool y el poder del texto como signo.

ASHTON, D. (et al.): À Rebours. La rebelión informalista, catálogo de la exposi-

ECO, U.: Signo. Barcelona, Labor, 1994.