ARTE I ​(PRIMER TRIMESTRE)  

William Rey Ashfield 

EXAMEN ARTE I: 

PRIMER PERÍODO 2020 
___ 

TEMAS 
1. ¿Qué es lo clásico? 
2. Grecia Clásica S. V a.C. - IV a.C. 
3. Grecia Helenística S. IV a.C. - II a.C. 
4. Roma S. VIII a.C. - V d.C. 
5. Roma S. V d.C. - VX d.C. Edad Media 
6. Renacimiento S. XV - XVI 
7. Manierismo S. XVI 
8. Barroco S. XVII  
9. Neoclásico S. XIX 

Línea del tiempo 

1 
¿Qué es lo clásico? 
Lo  que  se  creó  o  apareció  en  el  pasado  pero  perdura  en  el tiempo y no lo cambia. Tiene que ver 
con  la  sobriedad,  la  simplicidad  que  contribuye  a  hacerlo  externo.  Por  eso  también  se  lo 
relaciona  con  la  cultura,  tienen  una  determinada  apreciación  y  perduración  en  el  tiempo.  Se 
transmite  de  generación  en  generación  sin  perder  valor.  Se  plantea  a  lo  clásico  como  lo 
prestigioso.  Existe  una  combinación  de  artefactos  para  formar  o  crear  un  elemento  clásico, 
como una imagen referente o diseños reconocibles, por ejemplo.  

Nada  evoluciona  sino  que  se  descubren  nuevas  técnicas  o  maneras de crear el mismo producto. 

Al  hablar  de  “evolución”  se  está  realizando  una  comparación  entre  un  producto  “A”  con  un 
producto  “B”,  suponiendo  siempre  que  el  “B”  será  mejor  que  el  otro.  Por  tanto,  en  el  arte  las 
cosas  cambian,  las  técnicas  se  descubren,  pero no por eso un elemento artístico de años es peor 
que uno creado en la actualidad con las nuevas técnicas.  

Se  podría  considerar  a  lo  clásico  como  algo retrógrado, pero la verdad es que lo contemporáneo 

necesita de lo clásico para seguir adelante. El mundo contemporáneo le debe mucho al pasado.  

Historia cultural/artística:​ no tiene cambios o lapsus tan radicales o repentinos 

Historia universal:​ tienen cambios radicales que aparecen tras un evento particular.  

Grecia Clásica S. V a.C. - IV a.C. 

Grecia  clásica  o  Época  Clásica  por  antonomasia  es  el  período  de  la  historia  de  Grecia 
comprendido  entre  la  revuelta  de  Jonia  (año  499  a.  C.,  cuando  termina  la  Época  Arcaica)  y  el 
reinado  de  Alejandro  Magno  (336  a.  C.-323  a.  C.,  cuando  comienza  la  Época  Helenística),  o  de 
un modo más genérico, los siglos V y IV antes de Cristo. 

Se  trata  de  una  época  histórica  en  la  que  el  poder  de  las  polis  griegas  y  las  manifestaciones 
culturales que se desarrollaron en ellas alcanzaron su apogeo. 
El  arte  griego  de  la  Época  Clásica  alcanzó,  sobre  todo  en  escultura,  cotas  de  perfección  que  lo 
convirtieron  en  modelo  a  imitar (​arte clásico​), primero por el ​arte romano y posteriormente por 
el ​Renacimiento​, ​Clasicismo​ y ​Neoclasicismo​. 

Escultura 
● Pérdida  paulatina  de  la  geometría  y carga de ​naturalismo ​en el rostro y posteriormente 
en  el  cuerpo.  Continúan  con  el  ideal  de  belleza  anterior  y  prima  el  ideal  de  belleza  por 
sobre los rasgos propios. 
● Relación de proporción establecida por el canon. La cabeza entra 7 veces en el cuerpo. 
● La posición del cuerpo (pierna articulada) se denomina ​contraposto. 

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 ● Esculturas poli cromáticas (presencia de pigmentos). 
● Lógicas geométricas que ordenan las partes del cuerpo. 
● La belleza es eterna. 
● Concepción a partir de piezas diferentes. 
● En  el  período  clásico  se  mantiene  la  escala,  mientras  que  en  el 
arcaico varía. 
● “S”  praxiteliana  (postura  del  cuerpo  que  manifiesta  vocación 
naturalista). 

Se  comienza  a  plantear  el  concepto  de  los  atributos  (serpiente  pitón= 
Apolo).  Así  se  identifican  personajes  (llaves=  San  Pedro).  El  atributo 
pierde  su  sentido  originario  y  por  estar  identificado  con  una  deidad 
cobra  un  sentido  distinto.  Por  ejemplo,  la  medusa  en  el  escudo  de 
Atenea  porta  el  sentido  de  inteligencia  asociada  a  la  diosa  y  deja  su 
connotación maliciosa. 

​ Doríforo de Policleto ​420 a.C 

 
 
 
Discóbolo​ es la denominación convencional de una famosa 
escultura griega realizada por ​Mirón de Eléuteras​ en torno 
al 450 a. C. Representa a un atleta en un instante anterior al 
lanzamiento del disco. 
 

Grecia Helenística S. IV a.C. - II a.C. 

Inicia con la muerte de Alejandro Magno en 323 a.c y termina con la conquista de Grecia por 
Roma a mediados de S. II a.C. 

Época de expansión de fronteras griegas. La cultura se extiende por lo tanto se produce la 
pérdida de unidad del mundo heleno y un cierto eclecticismo, al tomar elementos de distintos 
lugares. 

Arquitectura 

● Colosalismo. 
● Mayor suntuosidad. 
● Los órdenes pierden sus rígidas normativas. 

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 ● Los fustes se estilizan. 
● Los entablamentos se hacen más finos. 
● Las basas se decoran y complican. 
● Se emplea con más frecuencia el orden corintio. 
● Los espacios entre columnas se reducen. 
● Más elementos decorativos (ej: sobre base de la columna dentro del fuste). 
● Tendencia monumental y la pérdida de la escala humana. 

El ​altar de Pérgamo 
es un monumento 
religioso de la época 
helenística 
construido 
originalmente en la 
acrópolis de Pérgamo, 
a principios del 
reinado de Eumenes 
II ​(197-159 a. C.).  

Escultura 
Características 

1. MOVIMIENTO EXPRESIVO 

Para que sus esculturas lucieran lo más humanas posible, los escultores utilizaban siluetas 
dinámicas y formas sinuosas para sugerir movimiento. Este énfasis en el movimiento expresivo 
y exagerado es particularmente evidente en Laocoonte y sus hijos, una de las obras maestras 
más famosas de la época.  

2. ANATOMÍA REALISTA 

Esta preocupación por el movimiento también influyó en el enfoque helenístico de la anatomía. 

Rompiendo con “las poses universales, sin emociones y a menudo rígidas de los arcaicos” 
(Google Arts & Culture) y basándose en modelos clásicos, los artistas helenísticos crearon 
esculturas inspiradas en posturas humanas reales. En lugar de posiciones erguidas poco 
realistas, figuras como la Venus de Milo eran esculpidas en una posición asimétrica. Conocida 
como contrapposto, esta postura sugiere movimiento mediante el uso de una distribución 
realista del peso y un cuerpo en forma de S. 

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Además de las poses naturales, los artistas helenísticos buscaban replicar los cuerpos de seres 
humanos reales. Si bien esto es evidente en las esculturas poco idealizadas de dioses que fueron 
populares durante el periodo, también se manifestó en forma de estatuas de gente común. “Uno 
de los resultados inmediatos del nuevo entorno helenístico internacional fue la ampliación de la 
gama de temas que tenían pocos precedentes en el arte griego de antaño”, explica el Museo de 
Arte Metropolitano. “Hay representaciones de sujetos poco ortodoxos, como los grotescos, y de 
ciudadanos convencionales, como los niños y las personas mayores”. 

3. DETALLES ORNAMENTALES 

Una característica clave de la escultura helenística es la atención al detalle. Además de los 

rasgos anatómicos realistas, esto es evidente en el drapeado, un elemento escultórico que 
resultó ser particularmente popular durante esta época. 

Los escultores optaban por adornar sus esculturas con “tela” por tres razones principales: para 
acentuar el movimiento sugerido de la figura, para enfatizar los contornos de su anatomía 
realista y para mostrar sus propias habilidades escultóricas. Conocida como “paños mojados”, 
esta técnica apareció por primera vez durante el período clásico y fue adoptada y adaptada por 
los artistas helenísticos. 

Victoria alada de Samotracia 

Tiene una altura de 2,75 m y se elaboró en mármol hacia el 

190 a. C. Procede del santuario de los Cabiros en 
Samotracia. 

Venus de Milo 

Fue creada en algún momento 

entre los años 130 a. C. y 100 a. 
C., y se cree que representa a 
Afrodita (denominada Venus en 
la mitología romana), diosa del 
amor y la belleza;​ 2.11m de 
altura. 

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Roma S. VIII a.C. - V d.C. 
● Preocupación, en la arquitectura, por el juego de masas que viene por los elementos 
usados en la construcción. 
● Arquitectura mucho más colosal. 
● Como elemento arquitectónico básico, se van a utilizar el arco, la bóveda y, por tanto, la 
cúpula. 
● Se va a crear el retrato en la escultura. 
● Roma fue la creadora del relieve histórico, continuo y narrativo. 

El arte romano se puede dividir de forma similar a la historia del Imperio en tres periodos: 

1. Periodo de la República: s. VI (hacia el 510) - 27 a.C. 

2. Periodo de Augusto: la época clásica: 27 a.C. - 14 d.C. 
3. Periodo imperial: dividido a su vez en:  

De Tiberio a Trajano: 14 - 117 

De Adriano a Alejandro Severo: 117 - 235 

De Maximino a Constantino: 235 - 315 

Escultura 

Conforma  una  expresión  central  del  arte  producido  por  los  romanos y conecta de forma directa 
con  el  valor  dado  por  la  sociedad  y,  en  especial,  por  los  sectores  hegemónicos  de  la  misma.  El 
valor  del  retrato  como  manifestación  del  ius  imaginum  (derecho  a  la  imagen)  hace  de  la 
escultura  una  manifestación  de  origen  aristocrático.  Pero  con el paso del tiempo se extenderá a 
nuevos actores de la vida social -clases bajas enriquecidas- y una mayor demanda productiva. 

Características 

● Los  materiales  más  utilizados  en  el  retrato  romano  fueron  el  bronce  y  el  mármol:  Las 
estatuas no estaban coloreadas, aunque en un primer momento los ojos sí se coloreaban, 
práctica que se abandonó ulteriormente para ser tallados. 
● Aborda  tanto  los  conceptos  que  representan  al  idealismo  como  los  que  tienen  que  ver 
con el realismo.  
● El  tema  central  es  el  retrato.  Gracias  a  estas  imágenes  pétreas  ha  sido  posible  conocer 
hoy  en  día  acerca  de  estos  personajes  de  la  antigüedad,  sus  atuendos,  costumbres  y 
forma de pensar. 

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 ● En  sus  comienzos,  la  influencia  etrusca  se  hace  presente  en algunos bronces, para darle 
paso  a  la  influencia  griega  a  través  de  los  escultores  helénicos  que  vivían  en Roma o en 
Grecia.  Pero  también  influyen  el  concepto  filosófico  de  las  obras  descubiertas  en  suelo 
griego  y  que  fueron  llevadas  a  Roma  durante  la  conquista  del  imperio  Romano  a  la  Isla 
de Grecia. 
● Todos  estos  elementos  en  su  conjunto  impulsan  la  corriente  idealista  y  se  genera  una 
confrontación con la corriente realista que se perciben en obras del período republicano. 
● Creada  con  un  destino  utilitario  que  se  cumple  en  su  función  narrativa,  honoraria  o 
descriptiva. 
● Más  que  un  arte  es  una  artesanía  sujeta  a  exigencias  religiosas  honoríficas  o 
conmemorativas. 
● Cultiva con preferencia el retrato llevándolo a su máxima identificación con el modelo. 
● Es un arte naturalista. 
● Es una obra anónima. 
● Al  comienzo,  la  escultura  romana  de  retrato  sólo  representaba  la  cabeza  y  parte  del 
cuello.  Posteriormente  se  representa  de  todo  el  busto,  incluyendo  los  hombros  y  el 
pecho. 
● Se  esculpieron  también figuras de cuerpo entero, donde el personaje podía estar de pie o 
sentado.  El  retrato  de  personajes  sentados  se  ve  más  en  mujeres  que  en  hombres.  La 
escultura  romana  del  retrato  nació  para  el  emperador  y  luego  se  adaptó  a  otro  tipo  de 
personajes pudientes que pudieron costearse el trabajo de los artistas. 

Tipos de retratos: 

–Retrato togatos: Representación religiosa con toga y manto sobre la cabeza. 

–Retrato toracatos: Representación militar; con coraza. 

–Retrato  apoteósico:  Representación  divinizada  del  cuerpo  desnudo,  corona  de  laurel  y 
atributos de un dios. 

Escultura de Roma: tipologías 

● Influencia etrusca. 
● Estatuaria cuerpo entero. 
● Retrato(busto). 
● Relieve. 
● Sarcófagos. 
● Camafeos. 
● Estatuillas de culto privado. 

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 ● Objetos decorados. 

Busto de Antínoo​ de la primera mitad del siglo II d.C. 

Augusto de Prima Porta 

Siglo I d.C. 

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Arquitectura 
Características 

● Está caracterizada por la monumentalidad, no sólo por el espacio que ocupa sino 
también por su significado. Esto viene dado también por la idea de la inmortalidad del 
Imperio. 
● Es utilitaria, práctica, funcional. Por esto y también por la propia estructura del Estado, 
aparecen nuevas construcciones, con un gran desarrollo de la arquitectura civil y 
militar: basílicas, termas, etc. 
● Es dinámica., como consecuencia del empleo de algunos elementos constructivos como 
el arco y la bóveda. 
● Los materiales utilizados son muy variados: piedra cortada en sillares regulares y 
dispuesta a soga y tizón, hormigón, ladrillo, mampuesto, madera... Cuando el material 
era pobre se solía revestir con estucado, placas de mármol o con ornamentación de 
mosaicos o pintura. 
● Se usa el orden toscano y también el jónico y el corintio. Aunque lo más significativo fue 
el uso del elegante orden compuesto. También fue muy frecuente la superposición de 
órdenes en edificios muy altos. Normalmente en el piso bajo se empleaba el orden 
toscano, en el medio el jónico y en el superior el corintio. Los capiteles, en general, 
presentan motivos con mayor libertad que en Grecia y hay algunos con figuración. 
● Aparecen las guirnaldas y los bucranios como elementos decorativos. 
● También la arquitectura romana empleó la superposición en el mismo vano del arco y el 
dintel. 
● Aporta nuevas formas a la experiencia griega (cúpula redondeada) 
● Desarrollan el aspecto ingenieril (Arco de Segovia) 
● Cuando no hay arco, se utilizan estructuras adinteladas 
● 2 sistemas: arcos, adintelados 
● Hay un cambio de escala, es todo inmenso. 
● Los griegos construían en lugares donde había ocurrido una epifanía. Ahora se mezcla 
con la religión 

Panteón 

Trajano (desde 53 hasta 117 d.c) y Adriano 

(desde 117 hasta 138 d.c) 

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 ● Sociedad pobre y pesimista. 
● No tenía pórtico, sino fachada. 
● Cúpula de media esfera. 

Arcos 

Arco trasladado a través del eje:​ bóveda. 

Arco rotado:​ cúpula. 

La  cúpula  se  autosustenta,  invita  a  quedarse  quieto,  concentrado  en  un  lugar,  mientras  que  la 
bóveda  invita  a  caminar,  contemplar,  percibir.  En general, la bóveda es lo más común, ya que el 
cristiano  es  un  peregrino.  Por  lo  tanto,  es  una  construcción  razonable  para  un  espacio  donde 
predomina la religión cristiana.  

Cúpula 

Bóveda 

Arco  de  Segovia:  Como  la  ciudad  se  ubicaba  cerca  del  río 
Tíber,  se  construyeron  acueductos  con  el  propósito  de  llevar 
agua desde los puntos más altos a los más bajos. 

Arco  de  Tito  (S.  I):  Marca  la  entrada  a  Roma. 

Purifica a los guerreros de la sangre derramada. 

Expolio:  Botín  de  guerra-  se  representa  en  la 

cara interior del arco. 

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Basílica 

Espacio  de  gran  dimensión  utilizada  para  la  administración  de  la  justicia,  el  mercado,  lugar  de 
transacción  de  mercadería,  etc.  Su  estructura  consistía  en  un  espacio  rectangular  al  que  se 
entraba  a  través  de  un  pórtico  situado  en  el  lateral  o  uno  de  los  extremos.  Tenía  un  eje  axial, 
arcos  en  bóveda  y  capillas  laterales.  Los  agujeros  en  la  bóveda  permiten  el  sostenimiento de la 
misma.  Una  basílica  también  es  una  construcción  religiosa,  por  ejemplo,  la  Basílica  de  San 
Pedro. 

Domus 

Vivienda  romana.  Se  cargaban  de  luz  a  través  de  patios.  En  los  patios  había  bustos, mostraban 
clase. Se les colocaban unas máscaras de cera a aquellos que tenían “derecho de imagen” 

Coliseo 

Organización  estamental  de  formar  con  un  sistema  de  arcos  que  usa  el  orden  de  manera 
diferente  de lo que lo usan los demás romanos. Lo usan en sentido semántico para representar o 
narrar  algo.  El  coliseo  debería  suponer  un  orden  distintivo,  un  orden  que  representa  la  triada 
vitruviana:  firmeza  (o  firmitas),  funcionalidad  (o  utilitas)  y  belleza  (o  venustas).El  orden 
operaría  sobre  la  belleza,  por  eso,  utiliza  el  orden  dórico  o  masculino  en  el  primer  nivel,  el 
orden jónico o delicado en el estamento del medio y el orden corintio en el último estamento.  

Pintura 
Temas 

● Temas mitológicos 
● El paisaje y las imitaciones de arquitectura. 
● El retrato y la figura humana. 
● El cuadro de costumbres. 
● Naturalezas muertas. 
● Miniaturas. 
● Temas eróticos. 

Características 

● Se plasmaba una idea concreta de las figuras humanas. 

● En las siluetas de sus retratos, se trazaba muy gruesa y de color negro o rojo. 

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 ● Los colores que se utilizaban eran planos y sin mezclarlos. 
● Figuras sin movimientos, se representaban hieráticas. 
● Las pinturas carecían de profundidad, no tenían perspectivas. 
● Aparecían muchas de las figuras agrupadas. 
● Pinturas antinaturales, es decir llenas de misticismo. 
● Anatomías no apropiadas. 

Técnicas  

● Encáustica, temple y fresco. 

Retrato de Safo 

Siglo I d.C, pintura al fresco. 

Bodas aldobrandinas ​es una antigua 

pintura al fresco, ejemplar 
valiosísimo, probablemente de la 
época de Augusto, que se consideró el 
más notable del arte antiguo hasta el 
descubrimiento de Pompeya. 

Roma S. V al S. XV: Edad Media 

Comienza con caída del Imperio Romano y del Bizantino (Constantinopla). 

● Sociedad fragmentada. Hay reyes, se realizan alianzas, se disuelven, etc. 

● Hay una tendencia a creer que en la Edad Media desaparece lo antiguo, pero no es así. 
● La muerte de Orfeo se compara con la de Cristo. 

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 ● Los  cristianos  todavía  están  ocultos  y  envían  su  imagen  codificada  (se  asocia  a  Cristo 
con Orfeo). 
● Cristianización de las formas romanas (actores que no son clásicos). 
● Bizancio  como  “cofre”  de  la  tradición  antigua  (un  imperio  que  permanece  durante  700 
años  y  tiene  pocas variables en el tiempo. Un mundo mucho más unitario y permanente, 
cuya  experiencia  artística  es  bastante  antigua.  Allí  se  guarda  gran  parte  del 
conocimiento antiguo). 
● Evocación  del  mundo  pagano  en  el  cuerpo  laico  (acclamatio  y  muerte  de  Carlomagno/ 
recuerda el peso del gran imperio romano). 
● Reutilización  de  piezas  antiguas  con  diferentes  usos:  el  perfecto  ejemplo  de  esto  es  el 
Candelabro de Hildesheim (S. X- XI), que es la reinterpretación de la Columna de Trajan, 
con especial atención a símbolos. 

Candelabro de Hildesheim

Columna de Trajano 

 
Cristo pantocrátor o todopoderoso:  
Cristo  como  un  emperador.  Cristo  en  Majestad,  vínculo 
entre  la  dimensión  representativa  y  el  poder.  La 
estructura  cambia  en  dimensión  y  en  representación. 
Instalado sobre todo en el mundo bizantino. 
 

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Arquitectura 
Las tipologías arquitectónicas eran diferentes, ya empiezan los períodos góticos. Por ejemplo, la 
capilla real de Carlomagno o la Iglesia de San Marcos.  

Arco  ojival:  un  arco  en  punta  o  apuntado,  típico  de  la  Edad 
Media.  Forma  parte  de  la  comunicación  estética.  Tiene  una 
bóveda mucho más compleja.  

Baptisterio  romano:  el  púlpito  del  baptisterio  de  pisa  (por 

Nicola  Pisano)  tiene  características  paganas  incorporadas 
dentro  de  elementos  cristianos.  Por  ejemplo,  la  figura  allí 
presente  podría  interpretarse  como  Hércules  rodeado  por  el 
león de Nemea o como el ‘buen pastor’, es decir, Cristo.  

La  posición  con  una  pierna  estirada  y  la  otra  flexionada  nos  da 
la  pauta  de  que  se  trata  del  mundo  clásico,  y  el  desnudo 
también. 

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Pintura Edad Media 

La  pintura  todavía  recoge elementos romanos, como por 

ejemplo  el  gusto  por  el  relieve.  Las  cabezas  están  al 
mismo  nivel,  como  pasa  en  la  escultura,  y  se  pierden en 
la  perspectiva.  Sigue  la tradición de los frescos romanos. 
No  se  busca  conseguir  la  perspectiva  ni  reproducir  un 
espacio unitario y coherente. 

El sistema todavía no es el del renacimiento.  

Puerta del Paraíso 

● Se establece un concurso para construir la puerta. Había que presentar un modelo más 
pequeño. Ganá Ghiberti. 

● En la puerta aparece el Sacrificio de Isaac. 

● Ghiberti: rasgos medievales, sin un foco clave, una narrativa continua 

● Brunelleschi: le da más importancia a la perspectiva 

● Artista como humanista. 

● Pintor, escultor y arquitecto, porque es un 
intelectual. 
● Se vuelve una figura, intelectual, como Leonardo. 

Hombre de Vitruvio de da Vinci 

El hombre se entiende como una figura de belleza, con proporciones perfectas 

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Fra Angélico 

● Arquitectura Medieval 

● Expulsión del edén pero no hay unidad de acción. 

● Pintura que habla mucho sobre la transición de Medieval a Renacentista. 

Anunciación de Botticelli 

● Mucho más renacentista. 

● En la última cena se utiliza la perspectiva que da espacialidad. Todas las líneas de fuga 
se unen en Jesús, es decir, a través de la perspectiva se puede hacer una representación 
simbólica. 
● “La perspectiva no es una representación visual, es una representación simbólica” 
● La perspectiva no se construye solo con líneas, sino también con recursos de color, 
recursos de sombras. 
● Aparece el ​sfumato​ (en paisajes lejanos aparecen colores celestes, grises). 
● “La Gioconda” es un claro ejemplo de esto. 

Escultura 

Las  formas  de  las  esculturas  de  la  edad  media  eran  rígidas,  hieráticas,  de  aparente simplismo e 
incluso  abstractas.  Es  un período en que los temas más recurrentes son los religiosos: figuras de 
Cristo,  Vírgenes  y  Santos.  Las  obras  se  hacen  siempre  por  encargos,  con  la  función  de  narrar 
alguna  historia  educativa  acerca  de  la  religión  ya  que  la  población  era  analfabeta  y  solo  podía 
memorizar  aquello  a  través  de  interpretaciones.  Estilización  y  desproporción  de  las  figuras  en 
busca  de  un  antinaturalismo  que  divinice  las  figuras  que  allí  aparecían.  En  las  esculturas  de 
conjuntos,  todas  las  figuras  son  de  la  misma  altura  para  representar  la  igualdad  ante  Dios.  La 
expresión de las figuras es en ocasiones exagerada y en otras muy plana. 

Renacimiento S. XV - XVI 
El  renacimiento  conforma  un  nuevo  estadio  dentro  de  la  clasicidad,  luego  de  la  experiencia 
antigua,  griega  y  romana.  Este  nuevo  tiempo  de  lo  clásico  se  conjugara  con  cambios  en  el 
ámbito  del  pensamiento  y  de  la  ciencia,  así  como  con  un  fenómeno  altamente  sorprendente 
para  la  cultura  europea  como  lo  fue  el  descubrimiento  de  América.  El  renacimiento  es  un 

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tiempo  para  establecer  nuevas  "visitas"  al  mundo  antiguo,  sin  por  eso  significar  una  vuelta 
atrás. 

Escultura 

Al  igual  que  en  la  pintura  se  produce  una  verdadera  revolución  en  la  imagen  a  partir  de  la 
perspectiva  como  método  de  representación,  fundamentalmente  en  el  caso  de  los  relieves.  El 
aporte  de  Donatello,  con  su  técnica  del  stiacciato  -análoga  al  sfumato  de  Leonardo  en  la 
pintura-  agrega  un  sentido  de  profundidad  espacial  a  esa  particular  producción. Por otra parte, 
el  alto  desarrollo  de  la  escultura  de bulto y en particular de la escultura ecuestre (il Colleoni o il 
Gattamelata)  expresan  un  reencuentro  con  la  tradición  antigua,  que  se  distancia  de  la 
experiencia medieval.  

Características 

● La  transición  del  Gótico  al  Renacimiento  resulta  menos  brusca  que  en  el  caso  de  la 
arquitectura  y  de  la  pintura.  Se  pierde  la  integración  escultura-arquitectura  que  venía 
existiendo  y  desaparece  en  buena  parte  la  función  que  antes  tenía  la  escultura  de 
decorar y completar los edificios. 
● Hay  un  gran  interés  por  las  texturas  de  las  superficies,  con  acabados  muy  pulidos  y 
tersos  y  en  ocasiones  muy  expresivo.  La  luz  iluminar  de  forma  homogénea y el color no 
suele aparecer. 
● Se  domina  el  volumen  aunque existe un marco ilusorio de referencia y un punto de vista 
preferencial hasta el manierismo. El relieve tiene carácter pictórico y se ajusta a las leyes 
de la perspectiva lineal consiguiendo efectos de profundidad. 
● Los esquemas compositivos son simples y geométricos, basados en la clara articulación y 
equilibrio.  El  movimiento  se  aprecia  en  el  contrapuesto  y  en  la  tensión  del movimiento 
en potencia, hasta la llegada del manierismo que utilizará las posiciones inestables. 
● La  expresión  es  figurativa,  naturalista  e  idealizada,  con  interés  por  la  belleza  formal 
basada  en  las  proporciones  y  en  la  armonía.  Se  domina  la  representación  del  cuerpo 
humano  y  proliferan  los  tratados  sobre  las  proporciones.  El  plegado  de  los  paños 
mantiene  la  elegancia  formal del gótico pero en el XVI evoluciona hacia una simplicidad 
monumental..  Se  acentúa  el  naturalismo,  la  búsqueda  de  la  representación  de  la 
realidad,  el  interés  por  el  hombre,  por  su  anatomía  ,  así  como  un  perfeccionamiento de 
los conocimientos y medios técnicos. 

Temas 

● El  hombre  y  la  naturaleza  con  un  contenido  religioso  o  profano  (histórico, 
alegórico-mitológico) y se multiplican los retratos de todo tipo. 

17 
 

Materiales 

● Se  utilizan  piedra,  madera,  terracota,  bronce,…  logrando  con  ellos  gran  perfección 
técnica. 

Piedad del Vaticano 

Fenómenos 

Antigüedad y modernidad: se recuerda y se tiene muy en cuenta el período antiguo o anterior. 
Las grandes obras artísticas de este período toman muchas características de obras medievales o 
incluso  romanas.  Aparece  el  sentimiento  de  que  la  investigación  del  mundo  antiguo  es, 
verdaderamente, un valor para la modernidad.  

Cambios  técnicos  y  científicos:  el  desarrollo  de  la  imprenta,  por  ejemplo,  trae  muchos 
beneficios  para  todas  las  obras  artísticas  de  este  período  y  los  del  futuro.  Permiten  la 
divulgación  de  cambios,  avances  y descubrimientos. A su vez, y quizás lo más relevante para las 
artes,  la  imprenta  permitirá  difundir  imágenes.  Por  lo  tanto,  los  libros  o  documentos 
comenzarán a estar acompañados por imágenes o representaciones.  

La  antigüedad  y  la  naturaleza  como  paradigma:  leían  textos  y  representaciones  antiguas 
para  poder  usarlas  como  base  al  crear  la  obra  artística.  La  naturaleza,  por  su parte, comienza a 
cobrar importancia. Incorporarán elementos de la naturaleza a representaciones o elementos de 
la  religión.  No  constituyen  paisajes  estrictamente,  pero  todo  lo representado, aun si se trata de 
un Dios o una Virgen, estará en un contexto terrenal, natural.  

Humanismo  y  catolicidad:  antes  había un claro distanciamiento o separación entre la religión 

y  la  humanidad,  entonces  siempre  aparecían  representadas  por  separado.  Ahora,  el  hecho  de 

18 
que  aparezca  una  representación  mítica  no  quiere  decir  necesariamente  que  el  autor  esté  en 
contra o separado del catolicismo. Este es un tema mucho más común en esta época.  

Idea  de  humanismo:  interés  por  el  arte, por saber producir un arte alternativo. No se opone al 

catolicismo,  sino  que  están  relacionados  entre  sí.  El  humanismo  refuerza  a  la  religión,  surge 
con ella. 

Renacimiento como espacio y tiempo artístico 

Valor  del  arte  en  sectores  hegemónicos  y  de  la  iglesia:  al mencionar sectores hegemónicos 
hacemos  referencia  a  los  sectores  de  poder  de  las  ciudades,  como  podrían  ser  la  política,  la 
economía  o  la  burguesía.  En  ciudades  como  Florencia,  Italia,  están  las  burguesías  emergentes 
que  constituirán parte de los principales consumidores de arte de aquella época. En el caso de la 
Iglesia,  cuando  llega  la  Reforma  Luterana  que  insiste  con  la  eliminación  de  la  imagen,  decide 
actuar  oponiéndose  y  consumiendo  el  doble  de  obras  artísticas  que  antes.  Por  lo  tanto, 
constituyen otros de los principales consumidores de arte.  

Valoración  del  arte  en  la  construcción  intelectual:  en  la  Edad  Media habían GREMIOS, que 
realizaban  su  trabajo  de  manera  independiente  y  sin  recibir  ayuda  o  colaboración  por  parte  de 
ningún  otro  gremio.  En  el Renacimiento, por su parte, comienzan a haber ESCUELAS en las que 
distintos  gremios  enseñan  a otros a hacer diferentes labores. Por ejemplo, un escultor le enseña 
a  un  pintor  como  hacer  una  escultura  y  este  otro  le  enseña  cómo  pintarla.  Es  decir,  hay mayor 
colaboración  entre  diferentes  sectores.  Esto  produce  un  quiebre  y  una  apertura  en  las 
estructuras.  Un  gran  ejemplo  de  un  típico  artista  renacentista  es  LEONARDO  DA  VINCI,  quien 
no  sólo  es  pintor  sino  que  también  es  pintor  y  sabe mucho de distintas ciencias, en especial las 
filosóficas. Esto se da en algunos lugares de Europa, principalmente en Italia. El artista se eleva.  

El  arte  como  lugar  para  la  especulación  intelectual  y  la  erudición:  comienzan  a  aparecer 
muchas  obras  cargadas  de  simbolismo  y  de  significado  conceptual.  Los  artistas  tenían  mayor 
interés  por  distintas  áreas,  no  solo  en  la  cual  trabajaban,  entonces  podían  mezclarlas  para 
transmitir, de esta manera, un mensaje profundo en sus obras.  

El  arte  como  espacio  central  de  difusión  de  imágenes  e  ideas:  por  su  capacidad  de 
transmitir mensajes o narrar una historia a través de imágenes.  

Transformaciones  en  base  a  la  condición  social  del  artista:  este  artista,  al  tener  mucho 
mayor  conocimiento  de  distintas  áreas  e  interés  por  esta,  se  eleva  totalmente  en  cuanto  a  sus 
status  en  el  contexto  social.  Dicha  elevación  de  su  estatus  se  da  como  resultado  de  todo  lo 
anterior.  

19 
 

Arquitectura 

  ​Catedral  de  Santa  María  de  Brunelleschi:   Este  arquitecto  es  el  que 
inicia  las  obras  arquitectónicas  del  período  renacentista.  Esta 
construcción  constituye  una  de  las  primeras  apariciones  del  estilo 
gótico  en  la  arquitectura.  Se  da  un  cambio  en  el  duomo  que  da  las 
pautas  a  algunos  cambios  en  la  arquitectura  del  renacimiento.  Se 
comienza  a  trabajar  en  base  a  proyectos  complejos,  resoluciones  en 
materia  de  cálculos  y  en  base  a  maquetas.  Brunelleschi  constituye 
uno  de  los  primeros  arquitectos  en  realizar  su  trabajo  de  esta 
manera. 

Pintura 

La  pintura  en  el renacimiento introduce una verdadera revolución en materia de representación 

al  incorporar  el  método  de  la  perspectiva  real.  Con  las  investigaciones  de  Brunelleschi  y  su 
aplicación  en  la  obra  de  Masaccio  (La  Trinidad,  en  Santa  María  Novella,  Florencia)  se  inicia  tal 
revolución.  No  todos  los  artistas  la  aplicarán,  guiándose  muchos  por  métodos  propios  de  la 
tradición  medieval,  con  una  pintura  mucho  más  conceptual  que  realista.  Pero  un  análisis 
detenido  de  la  aplicación  del  método  perspectivo  nos  permite  apreciar  que  este  constituye  un 
dispositivo  simbólico,  tal  como  lo  analizó  Erwin  Panofsky  en  su  texto  La  perspectiva  como 
forma  simbólica.  Esto  lo  decimos  por  lo  que  surge  de  analizar  el  lugar  donde  se  ubican  los 
llamados  focos  o  puntos  de  fuga, al que llegan todas las líneas fugantes, ubicándose estos en un 
lugar estratégico, generalmente coincidentes con la figura principal representada. 

Son  muchas  las  técnicas  pictóricas  aplicadas en el renacimiento: óleo, pintura al fresco, pintura 

al temple, etc. 

Libro  de  las  Horas  de  los  hermanos  Limbourg:  ​en  estos  libros  se  nota 
claramente  las  huellas  que  dejó  el  período  medieval  en  las  obras  artísticas, 
ya  que  se  da  un  claro  predominio  de  importancia  en  la  imagen  antes que en 
el  texto.  Esto  es  así  porque mucha gente que veía estos libros era analfabeta, 
por  lo  tanto, solo podía entender lo que estuviera representado en imágenes. 
Lo  mismo  sucede  con  las  representaciones  en  las  Iglesias  que, la mayoría de 
las  veces,  son  imágenes.  A  su  vez,  otra  huella  de  la  época  medieval  es  la 
posición  de  los  personajes  en  el  mismo  nivel  y  altura,  característica 
predominante en pintores de la época anterior. 

20 
 

Anunciación,  Fra  Angélico:  se  ve  al arcángel Gabriel 

anunciando  a  María  que  el  Espíritu  Santo,  hijo  de 
Dios,  está  en  su  panza.  Se  puede  ver  al  Espíritu 
Santo  iluminando  la  habitación  desde  la  esquina 
superior  izquierda  de  la  imagen.  A  su  vez,  en  el 
sector  izquierdo  de  la  foto,  al  fondo,  podemos 
identificar  a  Adán  y  a  Eva  siendo  expulsados  del 
bosque por haber cometido el pecado original. 

Adoración  de  los  Reyes  Magos,  Giotto:  se  puede  observar  a  José con 
María  sosteniendo  a  Jesucristo  bebé,  mientras  que  los  Reyes  Magos 
lo adoran junto con el resto de los pastores. 

En  las  últimas  dos  imágenes  se  observa  que  hay  una  unidad  temática  general  pero  con  la 
representación  de tres momentos diferentes de la historia mezclados en uno. En el caso de la de 
Fra  Angélico  está  la  anunciación  de  María  y  la  expulsión  de  Adán  y  Eva,  dos  relatos  bíblicos 
relacionados  con  la religión cristiana pero que en realidad sucedieron en tiempos diferentes. En 
el  caso  de  la  de  Giotto  sucede  lo  mismo,  aparece  el  nacimiento  de  Jesús,  la  adoración  de  los 
pastores  y  la  aparición  de  los  Reyes  Magos;  sucesos  que  tienen  que  ver  con  el  nacimiento  de 
Jesús en general, pero que sucedieron en momentos diferentes. 

Manierismo S. XVI 
El  manierismo  debe  ser entendido como una variante en la producción artística renacentista. Se 
trata  de  una  producción  que  se  constituye  a  partir  del  final  del  siglo  XV  y  la  primera  mitad del 
siglo  XVI.  Es  un  período  marcado  por  una  serie  de  cambios  políticos  -la  consolidación  de 
algunas  grandes  unidades  políticas  como  el  imperio de Carlos V- la presencia de un cisma en la 
iglesia  -las  doctrinas  alentadas  por  Martín  Lutero  y  Calvino-  y  la  contrarreforma  católica;  los 
cambios  en  la  ciencia  -las  teorías  copernicanas  acerca  del  sistema  planetario-  y  el 

21 
descubrimiento  de  América.  Todos  estos  cambios  concentrados  en  un  corto  período  de  tiempo 
tendrán  una  clara  incidencia  en  el  arte,  que  ingresa  en  un  período  de  intelectualización,  al 
tiempo que traduce el estado de tensión e inseguridad propio de la época. 

Se  le  llama  manierismo  a  la  última  parte  del  renacimiento  (bajo  renacimiento).  Es  como  una 
prolongación  del  genio  creativo  del  Alto  Renacimiento.  Fue  un  movimiento  intelectual,  no 
popular.  Es  considerado  un  movimiento  subjetivo  e  inestable,  el  artista  se  deja  llevar  por  sus 
gustos y preferencias, se aleja de lo verosímil, tiende a la irrealidad y a la abstracción. 

Arquitectura 

Cambia  la  posición  de  las  cosas,  se  lleva  lo  más  liviano  hacia  la  base  y  lo  más  pesado  hacia 
arriba.  Se  utilizan  las figuras geométricas, está todo más apretado, se utilizan las almohadillas y 
se  intercalan  figuras  con  ritmo.  Sigue  la  utilización  del  frontis  triangular  y  se  comienzan  a 
interrumpir (se colocan figuras en el medio de él). 

El ​Palacio del Té​ es 

un palacio en las 
afueras de Mantua, 
Italia. Es un buen 
ejemplo del 
manierismo en la 
arquitectura, la obra 
maestra reconocida de 
Giulio Romano. 

Pintura 

● Se  representa  la  realidad  deformada,  se  colocan  las figuras en posiciones extrañas, poco 

naturales.  
● Se  las representa desproporcionadas, elásticas y alargadas. Los cuadros ya no transmiten 
orden  y  equilibrio,  se  inclinan  a  representaciones  anticlásticas,  intrincadas  y 
complicadas.  
● La perspectiva es infinita.  
● El  manierismo resulta refinado y de difícil interpretación, debido tanto a su sofisticación 
intelectual como a las cualidades artificiales de la representación.  

22 
● La  luz  no  es  natural  sino  fría  y  coloreada  de  manera  antinatural,  lo  mismo  que  los 
colores:  son  extraños,  fríos,  artificiales,  violentamente  enfrentados  entre  sí,  en  vez  de 
apoyarse en gamas. 

Virgen del cuello largo 

Cuadro de Parmigianino 

El entierro del conde de Orgaz 

Cuadro de El Greco 

23 
Barroco S. XVII  
El  barroco  se  sitúa  entre  el  manierismo  y  el  rococó.  Este  se  toma  como  una  nueva  forma  de 
concebir  el  arte.  Fue  un  movimiento  popular  y  se  caracteriza  por  ser  recargado  y  con  muchos 
detalles. 

Se  muestran  grandes  contrastes  de  luces  y  sombras,  distorsión  de  formas,  tendencia  al 
desequilibrio y las exageración. 

Tópicos 

A. la mirada de la muerte como factor de igualación social (género de las vanidades). 

B. el gusto por lo extraño y lo liminar. 
C. deformaciones y anamorfosis junto a ilusiones ópticas. 

Arquitectura 

❖ La  arquitectura barroca asume unas formas más dinámicas, una exuberante decoración y 
un sentido escenográfico de las formas y volúmenes. 
❖ Se  le  dio  mayor  importancia  al  ritmo  y  proposición  en  el  espacio  y  se  comenzaron  a 
preferir las curvas convexas y cóncavas.  
❖ Se pone especial atención en las ilusiones ópticas y el punto de vista del espectador. 

Baldaquino de San Pedro del Vaticano 

Basílica de Santa Maria della Salud 

24 
Escultura 

❖ Se  le  toma  importancia  a  las  expresiones  y  los  movimientos,  se  trabaja  con  figuras 
desorganizadas y sin orden.  
❖ Se  intenta  reflejar  movimiento  en  las  esculturas,  se  utiliza  el contrapuesto, los pliegues 
y se buscan los contrastes lumínicos.  
❖ Al  igual  que  en  la  arquitectura  se  le da importancia al punto de vista del espectador y se 
crea como un escenario.  
❖ Se utilizaron mucho en ámbitos religiosos, para decorar piezas arquitectónicas.  
❖ Se emplea el mármol y el bronce como materiales. 

Éxtasis de Santa Teresa 

Pintura 

❖ Los  pintores  barrocos  le  dan  gran  importancia  a  la  luz,  utilizan  el  tenebrismo  (dejan 
algunas partes de la obra con gran luminosidad y otras en la penumbra).  
❖ No  se dejan tantas líneas marcadas que determinen los objetos o personas como se hacía 
hasta el momento, el color predomina.  
❖ Al  igual  que  en la arquitectura se busca dotar de movimiento a la escena, es asimétrico y 
desordenado. Se domina la profundidad y el dinamismo.  

25 
 ❖ Se  busca  plasmar  la  realidad  tal  y  como  es.  La  temática  es  variada,  hay  pinturas 
religiosas  pero  también se comienza a pintar situaciones de la vida cotidiana, naturaleza 
y retratos.  
❖ Se  utiliza  la pintura al óleo sobre lienzo, aunque se sigue utilizando el fresco en techos o 
decoración de edificios. 

Las meninas​ de Diego Velázquez 

Michelangelo Merisi da Caravaggio  

Pintor  revolucionario,  artista  provocador,  persona  inquieta  de  carácter  pendenciero,  genio 
incomprendido,  loco  violento,  hombre  atormentado,  que  crearía  él  solo  un  estilo,  el  barroco,  e 
influiría  (y  todavía  influye)  en  todo  el  arte  posterior,  de  Velázquez  al  Scorsese  de  «Malas 
Calles». 

Su vida transcurrió entre la pintura y las peleas, y en las dos artes era extremadamente bueno. 

El  renacimiento  llegaba  a  su  fin  y  un  joven  Caravaggio  empezó  a  utilizar  técnicas  tenebristas, 
que  seguramente  se  acercaban  más  a  su  personalidad  oscura.  Parece  ser  que  vio  el  potencial 
expresivo de las sombras y buscó inspiración en la vida misma, por fea que esta pudiese parecer. 

26 
Muy  joven  todavía,  decide  irse  a  Roma,  según  los  biógrafos:  «Senza  denari  e  pessimamente 
vestito»,  pero  la  ciudad  en  plena  contrarreforma  apreció  su  estilo  teatral  frente  a  la  sobriedad 
protestante y Caravaggio pudo vivir holgadamente practicando la pintura religiosa. 

Sus  características  formas  de  pintar  fueron,  como  todo  lo  revolucionario,  en  principio  no 
entendido  y  después  imitado.  En primer lugar renuncia a todo tipo de idealismo, representando 
a  profetas  y  santos  como  gente  real,  sirviéndose  de  modelos  de  la  calle.  La  polémica  fue 
enorme:  santos  como  mendigos,  vírgenes  como  prostitutas…  Además  vestidos  con  ropas 
contemporáneas.  Pero  el  pintor  capta  perfectamente  la  fuerza  psicológica  de  esos  personajes, 
resaltando sus rostros con una intensa luz y envolviendo los fondos en tinieblas. 

Sin embargo, y pese a las polémicas (o quizás gracias a ellas) sus cuadros comienzan a ser objeto 
de interés por los coleccionistas y de repente el naturalismo extremo se convierte en tendencia. 

Decapitación de 
Holofernes (1598) 

Neoclásico S. XIX 
El  fin  del  barroco  en  el  siglo  XVIII,  da  paso  a  una  nueva  experiencia  artística  que  surge, 
fundamentalmente,  de  la  enseñanza  académica  y  el  pensamiento  ilustrado.  Una  nueva  mirada 
al  mundo  clásico  -Grecia  y  Roma,  analizadas  en  sus  restos  arquitectónicos  y  artísticos-  dan 
lugar  a  un  nuevo  estadio  clasicista.  Este  se  extenderá  por  toda  Europa y América, a los largo de 
la  primera  mitad  del  siglo  XIX,  incidiendo  sobre  la  literatura,  la  arquitectura,  la  pintura  y  la 
escultura.  Se  trata  de  dar  cierre  a  la  experiencia  barroca,  que  es  rechazada  iniciando  un  gusto 

27 
marcado  por  una  narrativa  clara  fundada  en  los  tres  principios  aristotélicos  de  la  tragedia: 
unidad de tiempo, unidad de espacio y unidad de acción. 

Comparación de obras 
Renacimiento​ y B
​ arroco 

Arquitectura 

Renacimiento 

El  período  renacentista  se  caracterizó  por  la  falta  de  emocionalidad  y  predominio  de  la  razón, 
siempre  presente  en  los  cálculos  matemáticos  y  de  geometría  de  las  construcciones.  La 
arquitectura  renacentista  es  rigurosamente  simétrica  y  proporcionada  donde  predomina  la 
horizontalidad  frente  a  la  verticalidad.  Muchos  artistas  modernos  y  conocedores  del  arte,  así 
como  gente  común,  están  familiarizados  con  muchos  de  los  artistas  del  Renacimiento  como 
Miguel  Ángel  y  Leonardo  Da  Vinci.  Los  arquitectos  del  Renacimiento  prefirieron  el  clasicismo 
plano; superficies planas enchapadas en elementos clásicos. 

La  ​arquitectura  renacentista  busca  inspiración  en  la  ​arquitectura  clásica​.  Los  elementos 
distintivos  son:  el  arco  de  medio  punto,  la  bóveda  cañón,  el  frontis  triangular  y  la  cúpula 
semiesférica.  La  ​Catedral  de  Florencia  y  el  ​Palacio  Pitti de Brunelleschi, la ​Iglesia Santa María 
Novella de Alberti​ son clarísimos ejemplos de la arquitectura renacentista. 

Iglesia Santa María Novella de 

Alberti 

28 
Barroco 

A  través  de  la  arquitectura,  el  barroco  apelaba  a  las  emociones,  la  dramatización  de  los 
mensajes a través de sus obras y ponía la razón al servicio de Dios. 

Los  maestros  del  período  barroco,  permanecieron  en  el  anonimato.  Se  destacó  la  obra  por 
encima del constructor. 

La característica fundamental del arte barroco es el dinamismo (una sensación de movimiento). 

Las curvas fuertes, la rica decoración y la complejidad general son todas características típicas 
del arte barroco y las superficies ricamente esculpidas. los arquitectos barrocos moldearon 
libremente las superficies para lograr el clasicismo esculpido tridimensional. 

Baldaquino de San Pedro del Vaticano 

Material​: ​Bronce 

Autor​: ​Gian Lorenzo Bernini 

Diferencias entre arquitectura barroca y renacentista 

La  superficie  de  un  edificio  renacentista está típicamente dividida en secciones (de acuerdo con 

la claridad y el orden clásicos) una superficie barroca se trata como un todo continuo. 

De  hecho,  una  fachada  renacentista  a  menudo  consta  de  muchas  secciones  similares,  de  modo 
que  el  ojo no se ve atraído por ninguna parte en particular del edificio. Una fachada barroca, por 
otro  lado,  a  menudo  presenta  una  concentración  llamativa  de  elementos  ricos  (por  ejemplo, 
paredes  curvas,  columnas,  arcos  ciegos,  estatuas,  esculturas  en  relieve)  alrededor  de  una 
entrada central. 

Pero  la  mayor  diferencia  entre  estas  dos eras importantes en la historia del arte está en el estilo 

utilizado  por  los  artistas.  Los  pintores  y  escultores  del  Renacimiento  fueron  de los primeros en 
utilizar la perspectiva. Esto les permitió dar más realismo a sus creaciones. 

29 
Diferencias más notables 

De  lo  lineal  a  lo  pictórico​:  En  el  renacimiento  todas  las  líneas  son  determinadas.  Utiliza 
figuras  geométricas.  Los  pictórico  en  el  barroco  donde  la  iluminación  no es pareja, y las figuras 
se difuminan. Las líneas son curvas como en la pintura. 

Superficie  vs.  profundidad:  En  el  renacimiento  los  elementos  están  organizados  en  base  a 
planos  paralelos  al  plano  general.  En  el  barroco  la  composición  está  dominada  por  figuras 
situadas  en  ángulo  se  juega con la profundidad. Las estructuras y figuras sobresalen lo que le da 
profundidad a los planos que están detrás. 

Forma  cerrada  vs.  forma  abierta:  En  el  renacimiento  hay  un  balance;  estabilidad  y  simetría. 
En  el barroco las diagonales contrastan con las líneas horizontales y verticales. Hay movimiento 
y espacio ilimitado. 

Manierismo​ y B
​ arroco 
Manierismo 

Cambia  la  posición  de  las  cosas,  se  lleva  lo  más  liviano  hacia  la  base  y  lo  más  pesado  hacia 
arriba.  Se  utilizan  las figuras geométricas, está todo más apretado, se utilizan las almohadillas y 
se  intercalan  figuras  con  ritmo.  Sigue  la  utilización  del  frontis  triangular  y  se  comienzan  a 
interrumpir (se colocan figuras en el medio de él). 

El ​Palacio del Té​ es 

un palacio en las 
afueras de Mantua, 
Italia. Es un buen 
ejemplo del 
manierismo en la 
arquitectura, la obra 
maestra reconocida de 
Giulio Romano. 

30 
Barroco 

La característica fundamental del arte barroco es el dinamismo (una sensación de movimiento). 

Las curvas fuertes, la rica decoración y la complejidad general son todas características típicas 
del arte barroco y las superficies ricamente esculpidas. los arquitectos barrocos moldearon 
libremente las superficies para lograr el clasicismo esculpido tridimensional. 

Baldaquino de San Pedro del Vaticano 

Material​: ​Bronce 

Autor​: ​Gian Lorenzo Bernini 

Diferencias 

31 
Renacimiento y
​ ​Manierismo 

Arquitectura 

Renacimiento 

El  período  renacentista  se  caracterizó  por  la  falta  de  emocionalidad  y  predominio  de  la  razón, 
siempre  presente  en  los  cálculos  matemáticos  y  de  geometría  de  las  construcciones.  La 
arquitectura  renacentista  es  rigurosamente  simétrica  y  proporcionada  donde  predomina  la 
horizontalidad  frente  a  la  verticalidad.  Muchos  artistas  modernos  y  conocedores  del  arte,  así 
como  gente  común,  están  familiarizados  con  muchos  de  los  artistas  del  Renacimiento  como 
Miguel  Ángel  y  Leonardo  Da  Vinci.  Los  arquitectos  del  Renacimiento  prefirieron  el  clasicismo 
plano; superficies planas enchapadas en elementos clásicos. 

La  ​arquitectura  renacentista  busca  inspiración  en  la  ​arquitectura  clásica​.  Los  elementos 
distintivos  son:  el  arco  de  medio  punto,  la  bóveda  cañón,  el  frontis  triangular  y  la  cúpula 
semiesférica.  La  ​Catedral  de  Florencia  y  el  ​Palacio  Pitti de Brunelleschi, la ​Iglesia Santa María 
Novella de Alberti​ son clarísimos ejemplos de la arquitectura renacentista. 

Iglesia Santa María Novella de 

Alberti 

Manierismo 

Cambia  la  posición  de  las  cosas,  se  lleva  lo  más  liviano  hacia  la  base  y  lo  más  pesado  hacia 
arriba.  Se  utilizan  las figuras geométricas, está todo más apretado, se utilizan las almohadillas y 

32 
se  intercalan  figuras  con  ritmo.  Sigue  la  utilización  del  frontis  triangular  y  se  comienzan  a 
interrumpir (se colocan figuras en el medio de él). 

El ​Palacio del Té​ es 

un palacio en las 
afueras de Mantua, 
Italia. Es un buen 
ejemplo del 
manierismo en la 
arquitectura, la obra 
maestra reconocida de 
Giulio Romano. 

Diferencias entre renacimiento y manierismo 

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Características artísticas del neoclasicismo pictórico 
● La  principal  fuente  de  inspiración  del  artista  debía  ser  la  naturaleza,  pero  como  esta  es 
imperfecta  se  debía  escogerse  de  ella  lo  mejor,  sin  dar  cabida  a  la  fealdad  o  a  la 
imperfección.  Las  obras,  pues,  debían  ser  realistas,  pero  idealizadas.  Los  personajes 
debían  desarrollar  musculaturas  perfectas y proporciones canónicas, semejantes a las de 
las  esculturas  clásicas  griegas.  Los  escenarios  arquitectónicos  debían  recrear  el  pasado 
clásico de forma veraz. Los paisajes naturales habían de ser bellos y tranquilos. 

● Falta  de  expresividad.  Los  sentimientos  no  debían  ser  mostrados  o  si  se  mostraran 
debían  ser  contenidos  y  fríos.  Cuando  había  que  aportar  pasión  a  la  escena,  algunos 
pintores  utilizarán  recursos  teatrales,  gesticulaciones  grandilocuentes  con  los  brazos, 
que  todos  entendían  como  parte  del  mensaje  trascendente  con  el  que  se  quería 
ennoblecer  la  escena.  Pero,  la  mayor  parte  de  las  veces,  los  rostros adoptan una actitud 
contenida  e  impasible,  no  importando  cuán  intenso  fuese  el  sentimiento  que  podía 
dominar  en  el  tema,  puesto  que  así  conservaban  esa  belleza  ideal,  sin  que  el  dolor  o  la 
alegría deformara sus rasgos. 

Pelagio  Palagi,  Los  desposorios  de  Amor  y 

Psique, 1808. 

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 ● Las  composiciones  eran  concebidas  de forma geométrica, equilibrada y estática. Cuando 
en  un grupo había que establecer una relación de movimiento, resultaba mesurado y con 
posturas  muy  estudiadas. No hay temas anecdóticos que distraigan del motivo principal. 
Todo acontece en primer plano transmitiendo rápidamente y sin duda el mensaje. 

● La luz era clara y fría, ya que si se adoptaran tonos dorados se introduciría en la obra una 
sensualidad  que  se rechazaba en la estética neoclásica. No se renuncia al claroscuro, que 
sigue  utilizándose  por  algunos  autores,  porque  la  luz  intensa  dirigida  permitía  aclarar 
aún más la prioridad compositiva, dejando en penumbra lo más secundario. 

● Técnicamente,  la  factura  era  impecable;  es  decir,  la  superficie  del  cuadro  parecía 
esmaltada porque difícilmente se apreciaban las pinceladas. 

● Predomina  el  dibujo,  la  forma,  sobre  el  color. Los colores son pálidos, convencionales, y 

el  dibujo  es  el  objetivo  prioritario  del  pintor.  Contornos  bien  definidos,  bellas  líneas  y 
cuidado del detalle... buscando una semejanza con la escultura.  

Todo ello daba como resultado una estética distante del espectador.

Características temáticas.

Las principales fuentes de inspiración para los artistas neoclásicos fueron: 

● En  primer  lugar,  la  Antigüedad  clásica,  los  temas  de  historia  y  de  literatura-  mitología. 
Una  de  las  críticas  más  recurrentes  de  los  filósofos  ilustrados  era  que  la  visión  que  se 
tenía  durante  el  Rococó  del  mundo  clásico  giraba  en  torno  a  fantasías  eróticas  y  diosas 
desnudas.  Ahora,  sin  renunciar  al  desnudo,  se  pondría  en  primer  lugar  la  virtud,  la 
moralidad  o  la  heroicidad  de  la  escena.  Normalmente  el  tema  escogido era una alegoría 
para  tener  en  cuenta  en  el  presente,  por  lo  que  a  la  función  narrativa  del  hecho  había 
que añadirle una intención moralizante. 

1. Los  dioses  mitológicos  ahora  son  virtuosos  y  se  alzan  imponentes  por  encima  de  los 
mortales.  Los  héroes  aparecen  victoriosos  en  el  momento  más  trascendente  de  su 
hazaña. 

2. Los  personajes  históricos  son  ecuánimes,  pacientes,  sobrios  y  abnegados.  Son  ejemplos 
morales  de  conducta  a  seguir  como  Sócrates,  los  Horacios  o  Cincinato.  Son  los  "nuevos 
santos  y  mártires"  que  ofrecen  patrones  de  vida  morales  alejados  de  la  corrupción,  el 
lujo, el egoísmo o la lujuria.

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 ● El  segundo  género  en importancia que se practica es el del retrato. Se busca la captación 
psicológica  del  retratado,  aunque  mostrándole  muy  idealizado.  Poses  y  escenarios  muy 
estudiados  que  pretenden  transmitir  elegancia  y  serenidad.  Hay pintores especializados 
en  esta  temática  que  consiguen  un  gran  éxito  social como François Gerard en la Francia 
del primer tercio de siglo.

● El  paisaje.  Es  un  género  menor  que  se  justifica  de  forma  independiente  si  es  para 
recrearse  en  una  naturaleza  ideal  que  sirva  de  fondo  a  una  escena  o a una narración. Se 
pone  de  moda  el  paisaje  de  parajes  con  restos  arqueológico  reales  y  fingidos  que 
pretender  recrear  una  idílica  y  melancólica  campiña.  Las  vistas  de  ciudades  con 
recreaciones  costumbristas  también  son  otro  de  los  subgéneros  con  clientela  en  la  que 
se especializan algunos pintores italianos y alemanes. 

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