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LA ESCULTURA GRIEGA

CARACTERÍSTICAS GENERALES DE LA ESCULTURA GRIEGA.


Las características generales de la escultura griega a lo largo de sus tres periodos (arcaico,
clásico y helenístico) fueron las siguientes:
– Una escultura centrada en la figura humana. La escultura tuvo como protagonista al ser
humano. En la cultura griega, las representaciones de hombres y mujeres ocupaban el
centro de manera casi exclusivo.
– Se cultivan tanto el busto redondo como el relieve aplicado a la arquitectura en: frontones,
metopas, frisos corridos (jónicos y corintios) y muros de la cella.
– Los escultores griegos trataron de plasmar la belleza física del cuerpo humano, por tanto, a
los hombres y mujeres se tendió a representarlos desnudos o usando técnicas que
insinuaban la anatomía humana (Ej. Paños mojados de Fidias).
– Se dio una inclinación a la idealización del cuerpo humano, tratando de reflejar la belleza
ideal, sin defectos. Aunque en la época helenística de dio un giro hacia el realismo, al
aparecer las figuras tal como eran en su aspecto natural.
– La belleza se entendía como la armonía entre medidas, de proporción entre las partes del
cuerpo. La belleza residía en la relación numérica de cada parte con la inmediata y de
todas con el conjunto.
– Los artistas griegos no se limitaron al exterior de las figuras sino que trataron de
exteriorizar estados de ánimo desde la impasibilidad de las esculturas de la época arcaica,
a la serenidad de la estatuaria de la época clásica, hasta llegar a gestos de dramatismo, de
dolor y desesperación de ciertas obras de la época helenística.
– A lo largo de los siglos se producirá una clara evolución desde una escultura simple, casi
abstracta del periodo arcaico a una escultura realista (no entendiendo este termino como
la reproducción de rasgo individuales, sino la de representar tipos ideales, el hombre como
especie, no como un hombre en concreto). Será un naturalismo idealizado.
– Otra preocupación fundamental fue la plasmación del movimiento. Partiendo del hieratismo
(falta de movilidad) de las representaciones escultóricas arcaicas, se llegaba a los
movimientos serenos y contenidos de la época clásica hasta desembocar en figuras que se
agitaban, retorcían convulsivamente, se movían violentamente o estaban en disposiciones
forzadas, como ocurrió en la etapa helenística.
– Las esculturas se policromaban y se firmaban. Las obras escultóricas se cubrían de colores,
aunque actualmente no se han conservado en la mayoría de las estatuas (además muchas
de ellas son copias romanas). Con ello acentuaban el sentido de realidad.
– Los materiales utilizados fueros diversos:
• Terracotas (figuras de barro cocido). Sobretodo en la época arcaica. Las acróteras
de los templos se solían hacer en este material.
• Caliza.
• Mármol. Fue el material más empleado y en el que están hechos los mejores
ejemplos de estatuaria griega.
• Bronce (cera perdida en macizo y en hueco).
• Oro y marfil. Esculturas crisoelefantinas.

– Los griegos hicieron tanto esculturas de bulto redondo como relieves (altos y bajos).
– Función. En un origen la esculturas griegas estaban destinadas a los templos, bien al culto
de los dioses o como exvotos (ofrenda que se le ofrecía a la divinidad como agradecimiento
de un don recibido), por tanto tenían una función religiosa; y a tumbas (escultura

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funeraria). También fueron frecuentes las representaciones de atletas desnudos (escultura
conmemorativa), de damas haciendo una ofrenda, escenas mitológicas o hazañas
guerreras.
– Temas: variados, desde temas mitológicos a retratos a partir del siglo V a.C. y escenas de
la vida cotidiana en época helenística.
– Técnica: el tallado trabajado con gran maestría, conocían el trepano (fosas nasales, oído,
barbas, cabellos). Trabajaban muy bien las superficies, consiguiendo texturas lisas y finas.

EVOLUCIÓN DE LA ESCULTURA GRIEGA


Desde la simplicidad arcaica hasta el barroquismo helenístico. Se irá ganando paulatinamente
en expresividad y dinamismo, partiendo de un arte casi abstracto al realismo (entendido como
naturalismo no exento de idealización).
Etapa prearcaica o geométrica (anterior al siglo VIII a.C) : pequeñas figuras votivas de madera
(xoanas) y caballitos de bronce de cuerpo tubular y hocico de trompeta.

Etapa arcaica: s. VIII- VI a. C.


Representación de Kurós (atletas masculinos desnudos que se erigían en honor de a los
ganadores en las competiciones atléticas o los juegos) ), Korés (muchachas sacerdotisas
haciendo una ofrenda a los dioses, con indumentaria griega: peplo o chitón e himatión) y
animales.
– Material: mármol, son esculturas originales y se policromaban.
– Todas tienen en común:
• Representaciones de cuerpo entero, en actitud hierática, rígida, inmóvil respetando
la ley de la frontalidad, de modelado sencillo y con una fuerte geometrización en el
tratamiento de las distintas partes del cuerpo.
• Simetría, en cuanto que se puede establecer un eje central que divide la figura en
dos mitades exactamente iguales, tanto para los kuros como las koré.
• En el caso de los kuroi: son jóvenes en plenitud de su fuerzas, están
desproporcionados, adelantan ligeramente la pierna izquierda, brazos caídos y
adosados al cuerpo, son jóvenes en plenitud de su fuerzas, somero modelado (talla
de avispa, torso triangular, pliegue inguinal, cabello con formas geométricas y
simétricas,, ojos almendrados y sonrisa arcaica). Los primeros son de gran tamaño,
con posterioridad y las tallas se hacen menores y con una mayor libertad en su
ejecución.
Ejemplos: Kuró del cabo Sunión, Gemélos Délficos….Con el paso del tiempo se
va produciendo una ligera evolución hacia formas más redondeadas, menos
geométricas, añadiendo nuevos elementos y suaves movimientos, es el ejemplo del
Moscóforo, el Jinete Rampín o el Apolo Stranford.
• En el caso de las Korés: son doncellas de características muy parecidas a las de los
hombres. Figuras simétricas que mantienen los dos pies juntos y dejan una mano
libre con la que sujetarse el vestido o sostener una ofrenda. Debían de tener un
significado religioso porque se han encontrado muchas cerca de los templos;
muchas presentan restos de policromía. Se distinguen en ellas dos atuendos: el
peplo dórico (túnica de grueso tejido que impide el plegado) y el chitón e himatión
jónicos (de textura más fina y que permite abundantes pliegues).
Ejemplos: Dama de Auxerre, Hera de Samos, Koré del Peplos ,…

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Evolución de los kuroi Korés: con peplo dórico y con chitón e himatión.

Además había una escultura monumental aplicada a la arquitectura en los frontones de


los templos, de la época arcaica conservamos pocos restos. La decoración de los frontones
resulta tarea ingrata, por la forma triangular del mismo lo que dificulta la adaptación de las firmas a
este marco. En los primeros ejemplos este problema se soluciona disponiendo figuras de distinto
tamaño (a escala más pequeña) según el espacio disponible o recurriendo a los animales.

Ejemplo: Templo de Artemisa en Corfú (una medusa


entre dos felinos).

Etapa de transición o periodo Severo: (primera mitad siglo V a.C.) es un periodo de transición
entre la época arcaica y clásica.
En este periodo la escultura evoluciona, las figuras pierden la rigidez y estatismo y tienden a
representar el movimiento y una mayor expresividad.
Los materiales son más variados (bronce, mármol) lo mismo que la temática.
Ejemplos: Auriga de Delfos (474 a. C) [monumento encargado para conmemorar su victoria en
una carrera de cuádrigas en Delfos; constaba de un
muchachito, tirano, cuádriga, caballos y auriga; riqueza
de materiales: bronce con ojos de cristal y láminas de
plata en labios; vestido con un largo chitón (la mitad
superior con más detallismo y dinamismo que la parte
inferior); cabeza esférica (esfera= la perfección del
Hombre para dirigirse por la razón, es decir, la cabeza.
Composición: auriga sostiene las rienda con una mano
y gira la cabeza en lado contraria, buscando la
compensación compositiva; el brazo adelantado rompe
la simetría).

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El Poseidón [ bronce encontrado en el cabo Artemisión; de mayor tamaño que el
natural, representa un dios en el momento de arrojar el tridente; caballera con
reminiscencias arcaicas (es larga y elaborada, aunque lo disimula con trenzas
recogidas en la nuca), barba muy elaborada].

También destacan las esculturas de los frontones de los templos de Afaiga en Egina (490
a.C): (se narra las dos guerras de Troya) y el de Zeus en Olimpia (460 a.C):(representa dos mitos
relacionados con el origen de los juegos olímpicos: [ frontón E: Zeus en el centro y a los lados lucha de
carros entre el padre y pretendiente de Hipodamia-; representados con calma. En frontón W, en el centro
Apolo y a los lados la lucha entre centauros y lapitas con gran dinamismo].

Frontón este y oeste del templo de Zeus en Olimpia

Etapa clásica (mediados del siglo V a.C.)


– Se produce un proceso febril de realizaciones artísticas, por la euforia provocada tras el
triunfo sobre los Persas, que atribuyen a los dioses, a los que en agradecimiento levantarán
nuevos templos y esculturas. Además,, hay que recordar que este enfrentamiento bélico
había supuesto la destrucción de gran cantidad de obras de Arte.
– Es la época de la democracia de Pericles.
– Las principales innovaciones de este momento fueron:
• Búsqueda la de la “belleza ideal”: partiendo de la realidad se crean arquetipos.
• El protagonista es el cuerpo masculino desnudo: se llega a un dominio total de la
anatomía: proporción, se pierde el hieratismo y la frontalidad (trasladando el centro
de gravedad de la figura en pie hacia un lado del eje vertical medio) y aumenta el
movimiento. También se establece la ley de interrelación según la cual cualquier
movimiento de un miembro conlleva la variación en la posición de los demás y en la
de todo el cuerpo.
• La temática se amplia y las expresiones aumentan (tristeza contenida, dolor intenso,
alegría exaltada…).
• Las cabelleras dejan de ser un elemento importante y tienden a simplificarse y
acortarse, si son largas aparecen recogidas, dejando el cuello en libertad de
movimientos.

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• Los ropajes también se han más simples.
• Dominio de la técnica, predominio de la escultura en bronce (se embadurnaba la
estatua con betún para evitar la formación de patina) y se incrustaban los detalles
(cejas, dientes, labios, pezones…) con cobre plata, oro y piedra.
• La importancia de las escuelas locales decae y se funde en una nacional con dos
focos: Atenas y Argos.

AUTORES:
o Del siglo V a.C.: Mirón, Fidias y Polícleto
o Del siglo IV a.C.: Lisipo, Skopas y Praxíteles.
Mirón broncista, maestro del movimiento.
• Destaca: el Discobólo, 450 a.C: [existen varias copias de mármol y una
de bronce, todas ellas copias romanas, el original era de bronce. Escultura
de joven atleta en el momento de lanzar el disco. Su novedad no reside solo
en reflejar un instante de máxima tensión del atleta en el momento antes de
arrojar el disco (movimiento contenido) sino que estaría también en su
esquema compositivo: la línea quebrada que va desde la cabeza a uno de
los pies y la curva que describen los brazos y que se continua en la pierna
izquierda. Además el esfuerzo que estaba realizando el personaje no se
correspondía con la expresión de su rostro inexpresivas y el tratamiento del
cabello. Pese a la postura atrevida, no llega a ser una obra maestra ya que
busca la perfección anatómica, pero su musculatura es plana, pareciendo el
conjunto más a un relieve. Escultura conmemorativa].

Polícleto (realizó su actividad, entre el 450 y el 420 a. C): broncista. Teórico de la anatomía,
publicó el “Kanon”: se trata de un tratado en el que realiza un minucioso estudio de la proporción
del cuerpo humano y su idea de que la belleza se encuentra en la propia armonía de ese cuerpo.
El cuerpo era igual a siete cabezas . El rostro lo dividía en tres partes iguales: frente, nariz, y de la
nariz al mentón) . Este descubrimiento y su aplicación en todas las obras hizo de Polícleto un
escultor monótono. Estas teorías las aplicó a obras como:
• Destaca: el Doríforo (450-440 a.C): el original era de bronce. Atleta desnudo que portaba una
lanza en la mano. Tiene la cabeza ligeramente ladeada. Postura clásica =“contrapposto”,actitud
más natural al disponer todo el peso del cuerpo sobre una pierna que permanece rígida mientras la
otra queda libre y se incurva ligeramente hacia atrás). Ya no hay frontalidad; giro de la cabeza. ).
Predominio de la figura del círculo, ej. Las lineas del pliegue inguinal y del arco torácico son
segmentos de circunferencia cuyo centro es el ombligo. La cabeza es casi esférica = círculo figura
perfecta para la parte más noble del hombre (el cabello está pegado a ella). Anatomía perfecta y
armoniosa. Cabeza dividida en tres partes: frente, nariz y de la nariz al mentón.

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• Diádumenos: Tiene las piernas más cortas que el anterior, con la cabeza girada y con los brazos
en alto (era un atleta que iba a colocarse una cinta de vencedor en la cabeza). Se observa el
contrapposto y la incurvación de la cadera.
Fidias (470-420 a.C): trabajó en Atenas y junto a sus ayudantes participó en la decoración
escultórica del Partenón.
Los caracteres de su obra escultórica son:
– La belleza idealizada de sus figuras, con expresiones en los rostros que no traslucen ni
sufrimiento ni gozo.
– Centrar el interés en el estudio de la anatomía humana (composiciones equilibradas, con
canon proporcionada y delicados contornos, formas elegantes).
– La naturalidad en los pliegues de las telas (técnica de los “paños mojados” que dejaba
sugerir la desnudez debajo de los ropajes, que se adherían al cuerpo).

Destaca:
– Relieves: supervisó la realización en su taller de los relieves del Partenón (447-432 a.C.),
por encargo de su amigo Pericles.
*Friso jónico de las Panateneas . Bajorrelieve de 160m de longitud .Se trata del friso que estaba en los
muros exteriores de la naos del Partenón. Representaba una procesión de atenienses, que parte desde el
ángulo SW del templo, en dos direcciones, hasta encontrarse sobre
la puerta de entrada, en el lado oriental. Las jóvenes panateneas,
de gesto recatado, marcan el ritmo sereno y pausado de la
procesión, a la que asiste todo el pueblo, músicos con flautas y
liras, ancianos con ramas de olivo marca gran cantidad de planos
en pocos centímetros; gran cantidad de tipos, variedad de gestos y
actitudes... Naturalismo idealizado.

• 92 metopas del friso: en altorrelieve, con expresiones de dramatismo en los rostros de los
personajes. Composiciones claras (2 o 3 figuras en cada recuadro), valorando el espacio vacío.
Simbolizan el triunfo de Atenas sobre los persas en las guerras médicas.
– Este: Escenas de la Gigantomaquíia.
– Oeste: Amazonomaquia.
– Norte: Guerra de Troya.
– Sur: Centauromaquia (la mejor conservada)

• Frontones:
1- Oriental. Tema del nacimiento de Atenea (protectora de la ciudad) de la cabeza de su padre
Zeus, asistida por la Parcas. Las
figuras se disponen con toda
naturalidad (movimiento,
actitudes). Los ropajes con
pliegues se arrugan y se adaptan
a las figuras (“técnica de los
paños mojados”).Movimiento
reposado solo se ha conservado
fragmentos.
2-Occidental. Tema del
enfrentamiento entre
Poseidón y Atenea por el control de Atenas. Este frontón es más agitado y sus personajes principales
están fuera de su centro de gravedad, con movimiento que contagia a los demás.

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- Esculturas exentas:
1-Atenea Partenós. Iba vestido con un peplo sencillo, su mano derecha portaba
una Victoria, la izquierda sostenía un gran escudo con un relieve de amazonomaquia,
su cabeza estaba cubierta por un casco. Se asentaba sobre un pedestal. No se
conserva, pero se conoce por testimonios. Esta escultura que se situaba en el interior
de la naos del Partenón. Estaba hecha con placas de oro y marfil (crisoelefantina).
Medía 11 m de altura.

2-El Zeus de Olimpia. Estatua de gran tamaño destinada para el templo de Zeus en el santuario de
Olimpia, en la que este dios se mostraba sentado en su trono, en su cabeza tenía una corona de ramas de
olivo, en una mano llevaba a la diosa de la Victoria y la mano izquierda portaba un cetro. Se consideraba
una de las siete maravillas de la Antigüedad y media 14 m.

Clasicismo Tardío (siglo IV a.C.):


Supone ciertos cambios con respecto a la centuria anterior: los dioses y atletas seguirán siendo
los protagonistas pero ahora se mostrarán en actitudes más cotidianas, se alarga el canon, se
acentúa el naturalismo en los gestos y actitudes, aumenta el movimiento, se va perdiendo el
equilibrio, armonía y proporción y va a pareciendo el desnudo femenino. El fenómenos es paralelo
al momento histórico en que la democracia ateniense entra en crisis, en vísperas de la guerras del
Peloponeso.

Lisipo: escultor muy fecundo, al que se le atribuyen más de 1500 esculturas. Trabajó siempre en
bronce. Acentuación del naturalismo, cultivó el retrato (dioses, atletas, filósofos, poetas, retratos
de Alejandro, atracción hacia los temas infantiles o de ancianos), canon más alargado (cuerpo 7’5
veces la cabeza, pero disminuyendo ligeramente el tamaño de la misma). La escultura, capta el
movimiento, avanza los brazos e incorpora el espacio con varios puntos de vista.
Destaca:
– Apoxiomenos: Se trata de un atleta representado en un gesto más cotidiano (no en actitud
heroica)que se quita con un raspador el polvo y el aceite después de la lucha en la palestra (carácter
conmemorativo: la victoria de un atleta olímpico). Tiene un canon diferente al
Doríforo y al Diadumeno de Policreto. El cuerpo es más reducido y esbelto y la
cabeza más pequeña; muestra una mayor movilidad. La postura de los brazos da
sensación de movimiento (uno de los brazos se extiende en atrevido escorzo, el
otro se cruza por delante del cuerpo, gesto que rompe con el plano frontal y
aumenta la profundidad, creando un espacio interior). Esto permite aumentar los
puntos de vista (no frontalidad). La espalda está perfectamente tratada como el
resto (no se solía acabar). Piernas en desequilibrio. No clasicismo: atleta cansado y
con el pelo revuelto.

Skopas: trabajó el mármol. Es el escultor del “pathos” (sentimiento trágico de los


rostros, posturas violentas). Su obra más famoso fue la decoración del Mausoleo de
Halicarnaso (aún hoy quedan restos: tema amazonas, aproximadamente unas 144
esculturas en su base).
Destaca: La Ménade en éxtasis. Se trataba de una sacerdotisa de Dionisos (Baco) en el
momento de caer en trance (éxtasis) (representa a una ménade despedazando un cabrito en
medio del frenesi) , enloquecida por el vino y el baile (boca abierta, músculos de las cejas
contraídos y ojos semivelados y muy hundidos). La ménade transmite un movimiento violento,
contorsionado; el cuerpo se incurva hacia atrás y tiene abierto el vestido por los lados para darle

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cierto aire sensual (semidesnuda). Estaba concebida para ser vista de lado. El movimiento se acentúa por el
fuerte contraste entre la luz y las sombras de su ropaje. Pérdida de la armonía en la composición.

Praxíteles: Trabajó el bronce y mármol y utilizó al pintor Nikias para que diera color a sus
estatuas. Las figuras praxitelianas tienen un canon más alargado que el de Polícleto y reflejan
formas suaves, blandas (no demasiado musculosas), con curvas de aspecto afeminado (en las
masculinas) y rostro levemente melancólicos. Uno de sus rasgos más originales era la llamada
“curva praxiteliana” (forma en “S”), una incurvación más o menos pronunciada en la cadera.
Además creó escenas: este escultor esculpió figuras de dioses pero los concibió como seres
humanos. Sus obras más destacadas fueron:
1) La Afrodita (Venus) de Cnido. Es copia en mármol de una estatua perdida. Fue la
primera vez que un escultor se atrevió a representar a una divinidad en plena desnudez. Este
artista muestra a Venus en el momento que ha sido sorprendida desnuda tras salir de darse un
baño. En esta estatua se recrea en el estudio de la hermosura del cuerpo femenino, creando un
autentico prototipo de belleza de mujer (canon de belleza femenino). Curva praxiteliana.

2) Apolo Sauroctonos. Copia en mármol (original en bronce). Representa un adolescente de


aire afeminado que se apoya en un ronco con el brazo izquierdo, mientras que con el derecho
trata de atrapar a un lagarto que trepa por él. La curva de su cuerpo es tan pronunciada que se desplomaría
si careciera de soporte. Sobresale la suavidad y delicadeza de las líneas. Simbolismo: Apolo (luz)-lagarto
(oscuridad, enfermedad).
3) El Hermes de Olimpia. Es la única obra original que poseemos. En mármol.
Plasma al mensajero de los dioses, Hermes en un descanso en el camino desde el
Olimpo a la mansión de las Ninfas, a donde lleva a Dionísos niño para que lo críen. Es
una escena cotidiana donde Hermes ofrece al niño, un racimo de uvas y el niño hace
mención de cogerlas. sosteniendo en sus brazos al dios Dionisos, de niño, y con el otro
alzando un racimo de uvas. Fue el modelo masculino más importante de Praxíteles. Hay
que recalcar la curvatura de la cadera, cierta sensación de nostalgia en el rostro de
Hermes. Bajo Dionisios cae un manto como elemento equilibrador de la composición
para disimular el tronco del árbol. Suave claroscuro. Conserva restos de policromía.

4) Éfebo de Maratón: encontrado en el mar Egeo (bahía de Maratón). Exagerado contraposto. En


bronce. Ojos de pasta vidrio, pestañas postizas e incrustaciones de cobre en pezones. No se sabe lo que
llevaba en las manos (peonza, yo-yo, bandeja, tortuga).

Etapa helenística: (siglo III a. C. hasta la caída con Roma).


Tras las conquistas de Alejandro Magno, la cultura griega se difunde y fusiona con la oriental,
surgiendo una cultura de gran lujo y refinamiento estético. Las ciudades nuevas y el
enriquecimiento de algunas de las antiguas, crearon un nuevo mercado artístico muy amplio y
menos exigente que las épocas anteriores. Una de las tendencias del arte helenístico, será la
industrialización .
Es la fase barroca del helenismo, de enorme variedad del gusto: conviven el idealismo y el
realismo, la belleza y la deformidad, los temas dramáticos y los cotidianos, representándose todos
los estadios del ser humano (de niños a ancianos). Los clientes eran la minoría rica y poderosa de
la época.
La escultura humanística partirá de las conquistas del siglo IV a. C. desarrollándolas y añadiendo
otras novedades:

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– Ruptura de la proporción clásica -barroquismo de la escultura: monumentalismo, grupo
escultórico, mayor expresividad. Movimientos exagerados, retorcimiento de las formas,
aumento del patetismo y dramatismo en los rostros y realismo (representación de rasgos
individuales).
– Complicación compositiva: se enriquecen los puntos de vista: tensión, desequilibrio.
– Dioses más humanos.
– Parcial abandono del arquetipo de hombre y mujer, ahora se tiende al individualismo, a la
representación de rasgos personales .
– Variedad temática: retratos de diferentes personajes (de filósofos, poetas, monarcas,
niños… “Espinario”, “Niño de la Oca”), desnudo femenino “Venus de Milo”), ancianos
(decadencia física), hermafrodita y pequeñas estatuas de terracota procedente de Tanagra
(mujeres o mujeres con niños).
– Gran diversidad de escuelas, cada una con características diferentes.

Podemos distinguir diversas escuelas:


➔ Atenas: tradición clásica. Continuó los talleres de los discípulos de Praxíteles y Skospas.
Además los artistas de distintas procedencias iban allí para formarse en el estudios de los
clásicos.
Destaca:
– Venus de Milo: mármol de grandes dimensiones, posiblemente llevaba una manzana en la
mano, influencia de Lisipo. Sinuosidad del cuerpo, movimiento de todos los miembros del
cuerpo. Juego de paños (dinamismo y provocación, con contraste de luz y sombra e
inestabilidad de los paños que fomenta el movimiento).
– Joven Orante, Torso de Belvedere, El Niño de la Espina, Tanagras.

➔ Pérgamo: Fruto del esplendor político y económico de la ciudad durante el reinado de


Átalo I. El amor al arte e sus gobernantes les lleva a crear una importante escuela de
escultura caracterizada por la tendencia a los temas heroicos, en tono grandilocuente;
grandes composiciones con temas trágicos. La finalidad de la escultura: servir de
propaganda de los gobernantes.
– Monumento a Atalo I (Galo moribundo, Galata suicida).Grupo escultórico erigido por Atalo I para
conmemorar su victoria sobre los galos. Adornó una
plaza pública de la ciudad. Composición piramidal
que tiene un intenso patetismo rayando lo teatral, la
estatua del galo moribundo tiene mucha mayor
calidad, la figura no realiza gestos violentos, pero en
todos sus músculos se ve la tensión de dolor físico y
agotamiento, en ella el pathos está contenido. El
centro de la escultura lo ocupaba un jefe galo
suicidándose con su espada, sosteniendo a su esposa
moribunda, a la que acababa de dar muerte para que
no cayera en manos de enemigo. Rodeaban a esta
escena central cuatro galos moribundos. El conjunto
se ha perdido, pero quedan buenas copias del jefe y
su esposa y de uno de los guerreros. Gran riqueza y
variedad de puntos de vista. Toques de realismo en el galata suicida ( anillo del cuello o bigote,
símbolos de extranjerismo).
– Altorrelieves que decoran el friso exterior del Altar de Zeus en Pérgamo (Gigantomaquia).
Contienen en total 75 personajes entre dioses, gigantes y figuras que personifican las fuerzas de la
Naturaleza. Maraña de movimiento agitado, escenas de extrema violencia y enérgico modelado.

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➔ Rodas: gusto también por lo colosal, el movimiento contorsionado y por la expresión de
dolor: Laocoonte (todavía algo frontal), Victoria de Samotracia, Coloso de Rodas, Toro
Farnesio (requiere diferentes puntos de vista).
- Victoria de Samotracia. Elevada sobre la proa de un barco de piedra, representa
una Niké o Victoria, como una mujer con alas que acaba de posarse sobre la proa de
un navío. La estatua ha perdido la cabeza y los brazos. Viste un fino chitón que se
pegan al pecho que insinúa su anatomía.

- Toro Farnesio (copia romana del bronce original):


Representa un tema de la mitologia griega, el Suplicio de
Dirce. Se trata de un grupo dinámico, con gran realismo de
los animales, las actitudes rígidas de los jóvenes, y esa
compleja torsión en espiral de la figura de Dirce.

➔ Alejandría: Temas de género (de la vida cotidiana): cómicos,


músicos, payasos, vendedores ambulantes… pero también son
aficionados a la alegoría: escultura del Nilo.

7. LA PINTURA GRIEGA

Sus principales características son:


– Se aplicó a la arquitectura, escultura y cerámica.
– Al principio era bidimensional como la egipcia (sin escorzo ni perspectiva) y con pocos
colores.
– Evolución gradual hacia el naturalismo, escorzo y perspectiva.
– Temas: paisaje, bodegón, mitos griegos, historia de dioses y héroes, vida cotidiana
(competiciones atléticas, luchas de guerreros, plañideras....).
– Pintura mural y de caballete.
– Pintura encáustica (colores con cera derretida como en Roma).

8. LA CERÁMICA GRIEGA

Dentro del mundo antiguo, la cerámica griega es la de mayor calidad.


Hay una gran variedad de vasijas, una para cada función y con formas variadas: cráteras,
lekitos, ánforas, …
Los vasos reservados para el uso cotidiano, suele carecer de interés para la historia del arte,
aunque son importantes documentos arqueológicos, pero los otros, los más cuidados, son piezas
de lujo que nos permite conocer la pintura griega y su evolución.
La fabricación de los vasos: una vez depurada la arcilla, era llevada al torno y se le daba la
forma al vaso, luego se secaba al sol, se pintaba y se cocía en un horno, para terminar con un
barnizado que le daba al vaso un brillo incoloro.
Se han encontrado restos de vasos griegos en casas particulares, santuarios y necrópolis.
Temas: Son muy diversos: leyendas heroicas, temas históricos, juegos atléticos, o escenas de
la vida cotidiana. Para mejor interpretación, las distintas escenas suelen acompañarse con
leyendas horizontales o verticales.
En casi todas aparecen las firmas de sus autores: los pintores Klitias, Exequias y ceramistas,

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como Ergotimos.
Evolución: También en cerámica se produce una evolución:
Ø Cerámica de Kamares: motivos geométricos y animales.
Ø Estilo geométrico: (siglo X a.C.-VIII a.C.) llamada también de
Dypilón (por encontrarse la mayoría en el cementerio ateniense de
Dypilon): decoración de ánforas de gran tamaño (1,50-2 metros de
altura) con cenefas geométricas y lineales dispuestas en franjas
horizontales y paralelas de distinta anchura. A partir del siglo VIII a.
C. aparece la figura humana esquematizada en el centro de la
vasija representando escenas funerarias. Las piezas se realizan
en arcilla roja, con la ornamentación en castaño oscuro o negro.
Se trata aún de una pintura plana, muy sencilla, sin perspectiva ni
proporción.

Ø Época arcaica (siglos VIII a. C. – V a. C.): lo narrativo desplaza a


lo decorativo, tomando la figura humana más protagonismo y
despareciendo progresivamente las bandas, hasta llegar a un tema único en la panza del
vaso.
Podemos encontrar dos fases:
o La cerámica de figuras negras, (a partir del siglo VIII a.C) Se pintaba las figuras en
negro sobre el fondo natural de la arcilla. Esta cerámica, se decora con escenas
mitológicas
Ejemplos:
– Vaso François (Crátera que aún conserva las bandas, pero pocas,
con un tema diferente en cada una de ellas: Hércules a la caza del
jabalí, las bodas de Tetis y Peseo, carreras de carros... en total 270
figuras con sus títulos).
– Vaso de Ayax y Aquiles (muestra ya una escena única, más
dinámica y alegre: Ajax y Aquiles jugando a los dados, en la otra cara:
una carrera de caballos.).
O La cerámica de figuras rojas (se empieza a desarrollar a partir del siglo VI a. C).
Entre ellas hay un periodo de transición en el que están los dos sistemas en una
misma pieza (uno en cada cara).
Ø Época clásica: (siglo V a.C.): Periodo de dominio de la decoración de cerámica de
figuras rojas ahora lo que se pinta de negro es el fondo, quedando las
figuras en el tono rojizo de la arcilla. El procedimiento permitió una
mayor finura y soltura en el dibujo e innovaciones: aumenta el
dinamismo de las figuras, mayor preocupación por el naturalismo y el
volumen (se inician los escorzos, perspectiva y el detalle) y poco a poco
aumenta el número de colores utilizados, hasta llegar a la cerámica
policromada.

Ø Época helenística: se siguió utilizando la cerámica policromada, pero a veces, se le


añade el relieve, fruto del barroquismo helénico.
Un ejemplo se ve en “Vaso Pórtland” (lekito con relieve).

TEMA 2. EL ARTE CLÁSICO: GRECIA Curso 2016-17 Pág. 25


TEMA 1:
ACTIVIDADES DE REPASO DE LA ESCULTURA GRIEGA

1.- Indica a qué periodo corresponde estas imágenes. Explica las diferencias que
encuentras entre las dos.

2.- Explica las principales diferencias entre las dos imágenes. ¿A que etapa pertenece
cada una de ellas?

T 1: ACTIVIDADES DE REPASO DE LA ESCULTURA GRIEGA 2015-16 Página 1


3.- Fíjate en las siguientes imágenes y completa:
– Nombre de las obras.
– Autores (si se saben).
– Cronología y periodo o etapa a las que corresponden (si pertenece a una escuela lo
indicas).

T 1: ACTIVIDADES DE REPASO DE LA ESCULTURA GRIEGA 2015-16 Página 2


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4.- Tanto el Discóbolo como el Laooconte son figuras en movimiento, pero ¿qué
diferencia hay entre el movimiento de las dos?

5.- Aquí tienes dos relieves aplicados a los frontones de dos templos.
a) ¿A qué templo pertenece cada uno de ellos?
b) ¿En qué etapa o periodo los situarías?
c) ¿Qué evolución observas en ellos?

T 1: ACTIVIDADES DE REPASO DE LA ESCULTURA GRIEGA 2015-16 Página 4


6.- Analiza y comenta, al menos, una de las siguientes imágenes, según ficha modelo
entregada en clase. Si comentas las tres, tendrás un ejemplo comentado de cada etapa
y te facilitará el posterior estudio.

Kouros de Melos. El Discóbolo. Mirón. Laaconte y sus hijos.


Hacia el 550 a.C. Copia romana de un original de hacia 450 a.C Hacia finales del S. III o principios del
(Pau, Junio 2004, ejercicio (Pau, Septiembre 2009, ejercicio A) S. II a. C
A)

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