Aina Solé Chaos

Niub: 20406912

PROVA ESCRITA – TEORIA DE L’ART

Aina Solé Chaos
Niub: 20406912
Curs 2021-2022

PREGUNTES OBLIGATORIES
1. Expliqueu i desenvolupeu la història filosòfica de l’art de Hegel

Aunque se valore por igual en distintas épocas, para Hegel, el arte es

representado de varias formas según el periodo en un procedimiento no-lineal.
Hegel se interesa en comprender el contexto histórico de cada época, para así
poder interpretar las diferentes manifestaciones en las que se muestra el arte.
Se centra en comprender que se hace, y como esto influye en la cultura artística
de diferentes civilizaciones y periodos.

Para el, el arte no solamente imita la naturaleza, sino que también sigue la idea
y el espíritu. En cuanto a este último, Hegel habla sobre tres fases diversas en
las cuales este se manifiesta:
- La primera fase seria la fase simbólica (arte oriental y antiguo): gran
dualidad, lucha entre la naturaleza y el espíritu, entre lo finito y lo infinito.
No se acaba de entender la forma y encontramos lejanía con la figura
humana, existencia de la presencia obscura. También vemos una gran
cantidad de contenido religioso.
- La segunda, la fase clásica (Grecia clásica): existencia de una harmonía,
un equilibro entre forma y contenido, pero sin la representación de el
interior humano, no encontramos una mirada profunda. Predomina el arco
escultórico, juntamente con la representación de la humanidad.
- La tercera fase es la fase romántica (arte cristiano y renacimiento): en esta
fase hay una mayoría de contenido por encima de la forma, este consta
de una gran complejidad, demasiado elevada para limitarse a una sola
forma artística. Se identifica un gran dominio de la religión.

2. Quines són les diferents posicions de la teoria formalista de l’art (a partir

del capítol dedicat a formalisme del vol. II del llibre Bozal, V. Historia de las
idees estéticas y de las teories artísticas contemporáneas. Madrid: Visor,
1999 pp. 255-292

Con la teoría formalista del arte concebida en el siglo XIX, se empieza a separar
el arte en todas sus formas de una teoría política, científica y técnica, entre otras.
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Se empieza a ver como un objeto de estudio autónomo y propio, pero aun así
influenciado por el contexto (político, cultural, religioso, etc).
La teoría formalista de la historia del arte tiene diferentes escuelas y posiciones,
pero todas ellas comparten este elemento en común.

Konrad Fiedler fue altamente influenciado por Kant, lo que lo convirtió en el padre
de la teoría formalista del arte. Este cree que los productos artísticos son
representaciones que tienen un valor universal ya que no hay un interés
particular del autor en ellas, a parte de dar vida a la propia obra. Considera que
el arte y la realización de una critica no es valorable si esta se ha hecho desde
un punto de vista sentimental, y que esta belleza se puede experimentar y no
solo está limitada por el arte, por ejemplo, en contemplar la naturaleza.
Es por eso por lo que Fiedler cree que la comprensión de la naturaleza también
puede ser realizada a través del arte y no solo por la ciencia.

Dentro de las escuelas y posiciones que forman parte de la teoría formalista

encontramos el Formalismo Musical y el Formalismo Visual:

Formalismo Musical: nace de una contraposición y opinión contraria al

romanticismo y el idealismo musical característico de la época. Fue
principalmente teorizado por Eduard Hanslick, que se oponía a la creación de
emociones como a la única funcionalidad de la música, y que la esencia de esta
recaiga en la voluntad de generar una experiencia positiva en el espectador.
Aun así, eso no quiere decir que no crea en la falta de belleza en la música, sino
que esta solamente depende del propio contenido puramente musical y formal
(sistema tonal, combinación rítmica, harmonias…), y no de conceptos externos.

Formalismo Visual: Hans von Marees y Adolf von Hildebrand fueron expertos en
este. Marees decía que el artista debía seguir una intención artística y rechazaba
la idea romántica, y que veía el arte como una cosa emocional.
Existencia de la percepción y representación de la naturaleza en la obra, pero
constituida dentro de unas formas y técnicas determinadas, de carácter
coherente y unificadas. Alienas al espectador y dependientes del autor.

Estética formalista amparada por Alois Rielg y Heinrich Wolfflin. Hablan de los
motivos de la evolución del arte y la creación de nuevos movimientos, estilos y
cambios producidos. Aboliciones que serán fruto de una voluntad de evolución
artística sucedida por todos lados y en todas las épocas.
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3. Resum de l’article de J.F. Ivars sobre Aby Warburg o el del mateix autor
sobre Panofsky (Bozal, V. Historia de las idees estéticas y de las teories
artísticas contemporáneas. Madrid: Visor, 1999, vol. II, pp. 311-317.)

Aby Warburg fue un historiador alemán que desarrolló una nueva metodología
enfocada hacia la critica de obras de arte. Esta sirvió posteriormente de
inspiración a varios historiadores, basándose en los orígenes de la iconología.
Warbur provenía de una rica familia de banqueros, que le permitieron financiar
sus proyectos intelectuales, principalmente centrados en los símbolos
iconográficos, juntamente con la relectura de antiguos mitos establecidos en el
renacimiento.
Fue fuertemente influenciado por Lampretch y Schmarsow, Con este último
convivió en Florencia y le resultó de inspiración en su carrera intelectual.
Posteriormente abrió una biblioteca i dedicó su trabajo a la investigación sobre
la perseverancia de la antigüedad clásica a la cultura occidental actual
(centrándose en las imágenes). Con este estudio quiso encontrar la razón por la
cual persistían en tiempo i diferentes ámbitos.

Sus primeros trabajos giraron alrededor del Quattrocento, y reafirmaban la

antigüedad clásica en el renacimiento. Usó las obras de arte como fuente, y
generó así una nueva metodología en la cual estas eran usadas como método
historiográfico iconológico.

Entre sus legados mas importantes tenemos la creación de la Biblioteca e

Instituto Warburg, con un gran contenido intelectual y una espesa colección de
libros y fuentes literarias. El instituto se encuentra en Londres desde 1944,
afiliado a la universidad de la ciudad. Fue trasladado desde Alemania a causa
del ascenso del nazismo al poder.

Su trabajo fue de gran importancia para reconducir el trabajo historiográfico

sobre la antigüedad que ya se había hecho hasta el momento.

PREGUNTES. RESPONDRE’N 3 DE 7
1. Explica com resolen Goodman i Danto la pregunta sobre la definició de
l’art

El concepto de arte no existe para Goodman, considera que este ha muerto. Aun
así, dice que cada cultura y época tienen su propia concepción del arte. Este arte
tiene una manera diferente de ser interpretado en cada cultura/época, y que
evoluciona con los años. Aun así, comparte una misma forma.
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Para Goodman la definición del arte no es cerrada, sino que está viva y va
cambiando. Por esa misma versatilidad es que esta no consta de sentido y no
es necesaria su definición. Sería mucho más útil realizar otras preguntas como
“Cuando hay arte”, en vez de optar por el “Que es el arte”.

En cambio, Danto resuelve la pregunta sobre la definición del arte de una manera
totalmente contraria a la de Goodman. Comenta que el arte y las obras concretas
deben constar de una serie de normas y características comunes. Si estas no se
tienen en cuenta estas características diferenciales, se llega a producir un riesgo
de considerar todo como arte, y que este evolucione en un concepto sin
sustancia, vacío, que llevaría a la propia extinción del arte como si mismo.

3. Com interpreten l’anunciat “la invenció de l’art” José Jiménez a Teoría

del arte i Larry Shiner a La invención del arte. Una historia cultural

José Jiménez (filósofo español), habla sobre esta invención del arte, y como fue
producida en Grecia. Como esta tiene todo a ver con el orden, presente en el
pensamiento griego y en todos los aspectos de su cultura, ciudades y filosofía.
Es por eso por lo que en el arte griego clásico se destaca la harmonía y
proporción.
Claramente es, que, en la gran diversidad de culturas existentes, se tiene en
consideración el sentido de la estética, pero no todas ellas constan del concepto
de arte, no es universal. También explica que la actual definición de arte con la
cual lo conocemos no es la considerada en la invención del arte en época griega.
Esta evolución se inicia con la separación de la imagen de su función, en un
momento de apreciación única de la imagen por su dimensión estética, su forma
y belleza. Aquí es cuando el espectador se adentra como parte de un publico
que admira las obras por sus aspectos visuales y no su función.

Paralelamente, filósofos como Larry Shiner no comparten las mismas ideas. Este
habla de la invención del arte producida en Europa, y siendo esta construida en
el siglo XVIII, en vez de la antigua Grecia. Habla de como para los griegos el
concepto de arte era inexistente, aunque si lo era la creación artística y
creatividad. Shiner nos explica como el concepto de arte nace hacia el sigo XV,
y se construye con el paso de los siglos.

4. Explica i desenvolupa les diferents teories de la mimesi en la Grècia clàssica

El concepto de mimesis surge con la aparición de autores como Homero. Según

las fuentes, es creído que el origen de la palabra proviene de una connotación
sagrada, relacionada con rituales o actos realizados por un sacerdote en sus
actos religiosos.
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Es visible en los escritos, que hacia el siglo V aC esta palabra aparece aplicada
en otros ámbitos como la poesía o la filosofía. Relacionando con esta última, la
teoría fue aplicada en el ámbito por autores griegos de la talla de Platón o
Aristóteles. Las teorías de estos dos fueron totalmente opuestas:
- Platón habla de cómo la mimesis es una investigación de una copia fiel
del mundo, pero que esta intención de imitarlo no será suficiente para él.
Ya que considera que ni siquiera del mundo real es una copia del mundo
de las ideas. Por lo que, si el mundo real tan solo es una apariencia de las
cosas, la mimesis sería igual de superficial.
- Para Aristóteles, en sintonía con Platón, la mimesis no seria una copia
exacta, aunque si se convirtiese en un concepto de alta importancia para
el ser humano. A raíz de su pensamiento empirista, este considera la
mimesis con la misma validez, aunque no imite las cosas tal como son,
ya que el ser humano aprende de la imitación. Para Aristóteles esta es
una oportunidad de mejora en el modelo social, representando lo peor y
lo mejor de las personas a la vez, en diversos espacios y medios.