República Bolivariana de Venezuela

Ministerio del Poder Popular para la Educación Universitaria

Instituto Universitario de Tecnología Industrial "Rodolfo Loero Arismendi"

Informe

Docente:
Antonio Maita
Estudiante:
Oscar Jiménez (28.111.986)

Ciudad Bolívar, octubre del 2021

Cinetismo
El arte cinético, conocido también como cinetismo, es una corriente artística
surgida en París a mediados del siglo XX, que integra el movimiento físico-
espacial como elemento compositivo.

El concepto del arte cinético se extiende a todas las obras basadas en el

movimiento físico o virtual, lo que puede incluir algunas expresiones del arte
óptico. Sin embargo, no todo arte óptico es cinético. Para que un objeto
artístico sea cinético, el movimiento debe ser el centro de interés.

Los tipos de arte cinético se clasifican según el tipo de movimiento, y por ello,
agrupan por igual expresiones tridimensionales y bidimensionales. A saber:

Obras de movimiento real, dinamizadas por diversos tipos de

mecanismos.
Obras de movimiento virtual, que generan la percepción óptica del
movimiento.
La escultura cinética es la expresión más destacada de esta corriente. A
diferencia de las esculturas tradicionales, sólidas y estáticas, las cinéticas son
estructuras dinámicas. Se conciben, más bien, como obras tridimensionales,
cuyas tendencias principales son:

Estructuras móviles que se activan por sistemas de contrapeso, vibraciones

ambientales, inercia, etc. Por ejemplo, los móviles de Calder.

Esculturas participativas, que requieren la intervención del espectador. Un

ejemplo son los penetrables de Jesús Soto.

Máquinas accionadas por sistemas electromagnéticos. Por ejemplo, las

máquinas de Francisco Sobrino.

Esculturas que integran la iluminación como recurso para la percepción de

movimiento, sea luz natural o artificial. Por ejemplo, las obras de Julio Le Parc
basadas en reflejos.

Esculturas integradas al ambiente o concebidas como espectáculo, como las

fuentes de Tinguely.

A continuación, comprendamos cuáles son las características del arte cinético y

cuáles son los representantes y las obras más importantes.
Características del arte cinético
El arte cinético heredó del futurismo la voluntad mecanicista y, del
constructivismo, la celebración tecnológica. La fusión de estos dos aspectos
permitió hacer del movimiento algo más que un principio: una realidad
perceptible y/o real. De allí se desprenden las características de esta corriente.

Pop art
Las obras del pop art se caracterizaban por reflejar todos los aspectos de la vida
y cultura popular del momento. Fue un movimiento artístico revolucionario que
expresaba la realidad de la época. Dadas sus peculiaridades, a continuación
vamos a ver en qué consiste, cuáles son sus características principales y qué
artistas destacaron.

Qué es el pop art

El pop art es un movimiento que surge a finales de 1950 en Inglaterra y, más
tarde, en 1960 en Estados Unidos. Su auge dura aproximadamente hasta la
década de los años 80. Durante este tiempo, las obras creadas dentro de este
movimiento expresan una crítica social a la realidad que se estaba viviendo en
ese momento. Por aquel entonces, la sociedad destacaba principalmente por el
consumismo: todo giraba en torno a comprar y vender masivamente.

En aquel momento, los artistas pop art hacían uso de diversos materiales, y se
servían de cualquier objeto que fuera representativo del consumismo. Por
ejemplo, empleaban carteles, artículos publicitarios, latas de conserva, botellas,
etc. En muchas de sus obras, se observa un efecto repetitivo, e incluso
saturante. Estos aspectos reflejan el efecto anestésico de la publicidad y el
consumo en nuestra vida, alejándonos de los aspectos importantes, para
embaucarnos en lo meramente banal.

A priori, puede parecer un tipo de movimiento sencillo. Sin embargo, consiste

en un arte que tiene mucho conocimiento sobre el funcionamiento de la
sociedad. Pretende plasmar la realidad de la sociedad a través de sus obras,
para crear conciencia en las personas.

Características del pop art

La característica principal de este movimiento consistía en seleccionar objetos o
imágenes populares del momento y sacarlos de su contexto. Tras ello, a través
de diferentes técnicas, los aislaban o combinaban con otros elementos. De esta
manera, los artistas conseguían resaltar o poner el foco en algún aspecto banal
o rasgo cultural de la época.
Las obras reflejaban una crítica a la sociedad, caracterizada por el consumismo,
la importancia de la imagen, el materialismo y la moda. A través de la sátira y la
ironía, los artistas cuestionan los principios y valores que resaltan en ese
momento en la sociedad.

Además, este movimiento también se caracterizó por representar una ruptura

respecto a los criterios tradicionales establecidos en las bellas artes. En cuanto a
sus características particulares, destacan:

Intención de acercar el arte al mundo y a la realidad.

Empleo del lenguaje figurativo y realista para mostrar la
realidad del mundo.
Rechazo del expresionismo abstracto.
La temática principal tenía relación con ciudades, cine, televisión,
cómics, aspectos sociales, etc.
Las formas representadas, generalmente, contaban con una
escala natural o ampliada.
Se realizan mezclas y combinaciones de pinturas con objetos de
la vida real en la misma obra.
Entendían los temas representados como justificaciones de la
propia pintura y su existencia.

Artistas pop art

Dentro de este revolucionario movimiento artístico, encontramos a muchos
artistas que dieron lugar a multitud de obras, donde se veían reflejados muchos
aspectos de la vida. Entre ellos, hay algunos que destacan especialmente, como
los que te mostramos a continuación:

Andy Warhol
Seguro que en alguna ocasión has visto los famosos retratos de Marilyn Monroe
con diversas tonalidades. Su autor fue Andy Warhol. Este conocido artista del
pop art destacó por realizar obras de diferentes celebridades, como Grace Kelly
o Elvis Presley, entre otros. Además, otra de sus inspiraciones fueron los
anuncios publicitarios, donde destaca su obra de las latas de sopa Campbell. Su
estudio, situado en Nueva York, tuvo multitud de visitas de intelectuales y
artistas.

Roy Lichtenstein
Nacido en 1923, Roy Lichtenstein fue uno de los impulsores del movimiento.
Este artista pop art cuenta con un estilo muy peculiar caracterizado,
principalmente, por las interpretaciones a gran escala de sus cómics y la
parodia. Utilizaba una técnica de puntos para crear sus dibujos animados, y
empleaba generalmente colores primarios. Durante los últimos años, tuvo
mayor presencia a nivel social. De hecho, en España se encuentran dos de sus
obras.

Keith Haring
Keith Haring, con algo más de 20 años de edad, se convirtió en uno de los
referentes del arte en los años 80. Refleja y plasma sus obras a través de los
grafitis, transformándose en uno de los iconos de este estilo de arte. Se
considera que fue uno de los artistas que acercó el arte callejero y los museos.
Su obra es muy amplia, y se pueden encontrar creaciones suyas en lugares
como el metro de Nueva York o, incluso, en el muro de Berlín.

Dentro de la programación de eventos del sector del arte, IFEMA organiza

FERIARTE, la Feria de Antigüedades y Galerías de Arte, que reúne las últimas
tendencias y novedades de los mejores anticuarios y galerías de España dentro
del mismo espacio.

Surrealismo
El surrealismo es un movimiento artístico y literario de vanguardia fundado en
1924 por André Breton, que consistió en la expresión del subconsciente por
medio de la literatura, la pintura, la escultura, la fotografía y el cine.

La palabra surrealismo proviene del francés surréalisme, un acortamiento de

superréalisme o sobrerrealismo. La palabra fue extraída de Guillaume
Apollinaire, quien la había usado en 1917 para subtitular una obra. Significa ‘lo
que está por encima del realismo’.

La literatura y el arte surrealistas se vincularon estrechamente con el

psicoanálisis y las ideas de Sigmund Freud. Por ende, el surrealismo se
caracterizó por la indagación del subconsciente, la expresión desinhibida del
pensamiento, el uso del automatismo psíquico como método y la colaboración
entre diferentes disciplinas artísticas.

Gracias a esto, el movimiento surrealista superó los límites impuestos a la

imaginación por el racionalismo, transformó el concepto de “realidad” en el arte
e introdujo nuevas técnicas y dinámicas creativas.

El surrealismo se dio a conocer el 15 de octubre de 1924, cuando el poeta André

Breton publicó el primer Manifiesto surrealista. Algunos de sus miembros
provenían del dadaísmo. Este movimiento se basaba en el “absurdo”, y
atravesaba una fase de agotamiento estético. El surrealismo aprovechó esa
exploración de “lo absurdo” y lo valoró como una manifestación del
inconsciente.

El movimiento surrealista representó también un levantamiento de la moral

artística luego de la Primera Guerra Mundial, finalizada en 1919. Por ende, fue
permeable a las ideas políticas del momento histórico, principalmente a las
doctrinas de izquierda. Sin embargo, se vio afectado por el estallido de la
Segunda Guerra Mundial, que dispersó a sus miembros por el mundo.
Características del surrealismo

El surrealismo reaccionaba contra el racionalismo burgués y el canon artístico

tradicional, valiéndose de las teorías psicoanalíticas. De ese propósito, surgen
sus principales características.

Automatismo psíquico puro: consiste en hacer emerger las imágenes del

subconsciente de forma automática, a través de recursos como los estados de
trance, la hipnosis y técnicas como el juego del cadáver exquisito.

Expresión de subconsciente: el surrealismo se aproxima al inconsciente

mediante la exploración del subconsciente. Para ello representaba realidades
absurdas, oníricas y fantásticas, en la cual se proyectaban mitos, fábulas, sueños
y fantasías.

Expresión espontánea y desinhibida del pensamiento : para los

surrealistas, liberar el pensamiento era la única forma para llegar al
inconsciente, que se expresa a través de los sueños, las fobias y la imaginación.

Carácter interdisciplinario: el surrealismo se expresó en literatura, pintura,

escultura, fotografía y cine. Asimismo, favoreció la colaboración entre
disciplinas y la incursión de los artistas en áreas diferentes a su especialidad. Por
ejemplo, los poetas incursionaron en la plástica y los pintores incursionaron en
la poesía, la fotografía y el cine.

Creación del cadáver exquisito: técnica colectiva en la que cada participante

escribía una línea o trazaba un dibujo sin ver lo que había hecho el anterior.
Permitía a la vez estimular el automatismo psíquico y favorecer la colaboración
entre artistas.

Surrealismo en la pintura
El arte surrealista se caracterizó por ofrecer imágenes insólitas y muy
sugerentes. Exaltaba la imaginación, los sueños, la ironía, el erotismo y el
absurdo.

Para lograr el “automatismo psíquico puro”, la pintura surrealista acudió a

técnicas como el cadáver exquisito y la de calcomanía. También creó otras
propias como el frottage y el método paranoico-crítico. Todas estas técnicas
tenían como propósito obtener texturas o trazos aleatorios que estimularan el
subconsciente, como cuando jugamos a ver formas conocidas en las nubes.

En la decalcomanía, estas imágenes se obtienen doblando un papel con tinta

fresca en el centro que, al abrirlo, revela una huella impresa. En el frottage, la
huella resulta de frotar un papel o lienzo con lápices sobre una superficie
rugosa.

El método paranoico-crítico, creado por Dalí, consistía en contemplar imágenes

reales hasta despertar fobias, fantasías y obsesiones en la imaginación.

Los artistas aprovecharon también la técnica dadaísta del ready-made, object

trouvé u objeto encontrado. Consistía en sacar los objetos cotidianos de su
contexto e intervenirlos buscando asociaciones inesperadas.

Entre los más famosos pintores del surrealismo podemos

nombrar a:

René Magritte (Bélgica, 1898-1967). Pinturas más conocidas: El hijo del hombre,
Esto no es una pipa, Los amantes.
Salvador Dalí (España, 1904-1989): Pinturas más conocidas: La persistencia de la
memoria, Las tentaciones de San Antonio, La metamorfosis de Narciso.
Joan Miró (España, 1893-1983). Pinturas más conocidas: El carnaval de Arlequín,
Paisaje catalán, Interiores holandeses.
Max Ernst (Alemania, 1891-1976). Pinturas más conocidas: Celebes, La Virgen
bendecida castigando al Niño Jesús delante de tres testigos: Andre Breton, Paul
Eluard y el Pintor.

Constructivismo
El constructivismo es una corriente pedagógica que brinda las herramientas al
alumno para que sea capaz de construir su propio conocimiento, resultado de
las experiencias anteriores obtenidas en el medio que le rodea.

Es decir, el alumno interpreta la información, las conductas, las actitudes o las

habilidades adquiridas previamente para lograr un aprendizaje significativo, que
surge de su motivación y compromiso por aprender.

¿Cómo funciona el constructivismo?

En este modelo cada alumno es responsable de su proceso educativo, sin
embargo, el profesor crea las condiciones óptimas y se convierte en un facilitador
que lo orienta de forma progresiva durante este proceso.

En las aulas constructivistas, el docente tiene la función de crear un entorno

colaborativo en el que los estudiantes participen activamente en su propio
aprendizaje. Este tipo de aulas constructivistas tienen como base 4 áreas clave
para tener éxito:

Los conocimientos compartidos entre profesores y alumnos.

Los profesores son guías o facilitadores del aprendizaje.
Las aulas de aprendizaje constan de pequeños grupos de estudiantes.
Las aulas constructivistas se enfocan en las preguntas e intereses de los
estudiantes, se enfocan en el aprendizaje interactivo y están centradas en el
estudiante.

A través de problemas, preguntas y dinámicas para la clase, el profesor permite

que el alumno se desarrolle en un medio favorecedor y proporciona las
herramientas necesarias para lograrlo.

¿Cómo funciona el constructivismo?

En este modelo cada alumno es responsable de su proceso educativo, sin
embargo, el profesor crea las condiciones óptimas y se convierte en un
facilitador que lo orienta de forma progresiva durante este proceso.

En las aulas constructivistas, el docente tiene la función de crear un entorno

colaborativo en el que los estudiantes participen activamente en su propio
aprendizaje. Este tipo de aulas constructivistas tienen como base 4 áreas clave
para tener éxito:

Los conocimientos compartidos entre profesores y alumnos.

Los profesores son guías o facilitadores del aprendizaje.
Las aulas de aprendizaje constan de pequeños grupos de estudiantes.
Las aulas constructivistas se enfocan en las preguntas e intereses de los
estudiantes, se enfocan en el aprendizaje interactivo y están centradas en el
estudiante.

A través de problemas, preguntas y dinámicas para la clase, el profesor permite

que el alumno se desarrolle en un medio favorecedor y proporciona las
herramientas necesarias para lograrlo.

Para la construcción del conocimiento el alumno selecciona y organiza la

información de diferentes fuentes, estableciendo relaciones entre el nuevo
material de aprendizaje y sus conocimientos previos.
Suprematismo
El suprematismo fue un movimiento vanguardista ruso fundado por Kazimir
Malévich a partir de investigaciones plásticas iniciadas alrededor de 1913. Junto
con el rayonismo y el constructivismo, el suprematismo formó parte de las
corrientes abstraccionistas que proponían eliminar de la obra de arte la
representación de cualquier elemento de la realidad.

El suprematismo se dio a conocer en 1915, cuando se realizó en Petrogrado

(actualmente San Petersburgo, Rusia) la primera exposición de artistas
abstraccionistas. En ella se presentaron obras de Vladimir Tatlín, creador del
constructivismo y Malevich, del suprematismo.

Características del suprematismo

Las principales características del suprematismo son:

Kazimir Malevich enunció los principios del suprematismo en dos documentos:

Manifiesto del suprematismo, escrito junto a Vladimir Mayakovski en 1915.
El Suprematismo, o sea el mundo de la no representación, de 1920 en el que
desarrolla su teoría del arte.
Sostenía que el artista moderno debía trabajar desvinculado de los fines
prácticos y solo guiado por la sensibilidad plástica.
La palabra «suprematismo» hacer referencia a la supremacía absoluta de la
libertad plástica por sobre otros componentes de la obra de arte. Para lograrlo,
el artista debía liberarse de la realidad:
En Cuadrado negro sobre fondo blanco, por ejemplo, Malevich buscó la
eliminación absoluta de la representación de objetos en el arte. El objetivo es
representar el todo (círculo negro) contenido en la nada (fondo blanco). Es
decir, lo irrepresentable.
Llevó al extremo los medios desarrollados por el cubismo. Limitó la
manifestación plástica al uso de las figuras geométricas elementales: el
rectángulo, el triángulo, el círculo y la línea. También restringió la paleta de
color, que se limitó a rojo, amarillo, verde, azul, blanco y negro y también grises.
El movimiento tuvo tres períodos: el negro, el color y el blanco, alrededor de
1918, cuando presenta formas blancas sobre lienzo blanco. Considera que esas
obras concluyen la búsqueda suprematista.
Tuvo una enorme influencia sobre movimientos posteriores como el
neoplasticismo, el constructivismo y la Bauhaus, entre otros.

Obras más destacadas del suprematismo

Algunas de las obras más destacadas del suprematismo son:

Obra cuadrado negro de Kazimir Malévich

Kazimir Malévich, Cuadrado negro, 1915. Galeria Tretiakov, Moscú, Rusia.

Obra cruz negra de Kazimir Malévich

Kazimir Malévich, Cruz negra, 1915. Centro Pompidou, París, Francia.

Obra Suprematismo (Supremus N.° 58 de Kazimir Malévich

Kazimir Malévich, Suprematismo (Supremus N.° 58), 1916, Museo de Arte,
Krasnodar, Rusia.

Principales artistas del suprematismo

Los principales artistas del suprematismo fueron:
Kazimir Malévich (1879-1935): pintor fundador del suprematismo.
El Lissitzky (Lázar Márkovich Lissitzky) (1890-1941): pintor, fotógrafo, tipógrafo,
arquitecto y diseñador. Adhirió al suprematismo y al constructivismo y
contribuyó a su difusión en Europa Occidental.
Liubov Popova (1889-1924): pintora rusa. Adhirió al suprematismo, al
constructivismo y al cubofuturismo.

Bauhaus, el movimiento artístico alemán del s. XX

Bauhaus dominó a principios del s. XX desde pinturas y gráficos a arquitectura y
diseño de interiores. Y a pesar de que el movimiento nació en Alemania, atrajo
el interés de artistas de otras muchas nacionalidades. ¿Quieres saber más?
¡Sigue leyendo!

¿Qué es Bauhaus?
Bauhaus, traducido literalmente, significa “casa de construcción”. Este
movimiento artístico comenzó en Alemania a principios del s. XX gracias a
Walter Gropius, un arquitecto que en 1919 decidió crear una escuela que uniera
todas las ramas de las artes en un mismo lugar. Además, algunos de los
docentes más significativos de la misma fueron Josef Albers, Wassily Kandinsky
y Paul Klee.

La idea de Bauhaus era de unir el arte con la vida cotidiana, y es por eso que
abarcó tantos ámbitos artísticos.

Bauhaus estuvo presente como institución educativa en Weimar (1919-1925),

Dessau (1925-1932) y Berlín (1932-1933).

En Weimar fue donde Gropius estableció los cánones del movimiento, entre los
que se encontraba que tenía que tener un rol social.

En Dessau es donde Bauhaus llegó a su máximo apogeo. Surgió después del

cierre de Weimar por causas políticas, y durante este tiempo, sus miembros
crearon los diseños de productos industriales que son conocidos hoy en día.
También fue aquí donde el famoso edificio de la Bauhaus fue diseñado y
construido.

En Berlín el movimiento llegó a su última etapa. Debido a las crecientes

presiones de los nazis y a los recortes en su financiación, el trabajo realizado
durante este tiempo fue limitado. Después del cierre de Dessau en 1932, la
escuela se trasladó a una fábrica de teléfonos abandonada, aunque tuvieron al
mala suerte de ser descubiertos en 1933 y, en consecuencia, la policía y la SA
cerró el local.

A pesar de esto, la estética Bauhaus ha llegado a nuestros días, siendo un

referente del arte moderno.

El arte de la Bauhaus
En este ámbito seguramente conozcas dos de los artistas mencionados
anteriormente: Kandinsky y Klee. El arte Bauhaus se inspira en la arquitectura y
suele combinar y superponer formas planas para dar dimensionalidad a las
piezas. Los collages y carteles modernistas también son grandes iconos de esta
escuela debido al uso de diferentes tipografías y bloques de colores, creando
además formas diversas.

La arquitectura Bauhaus
Al igual que el arte, la arquitectura Bauhaus también se caracterizó por las
formas geométricas armoniosas y por su énfasis en la funcionalidad. El uso de
materiales básicos y de las líneas limpias también representan este estilo. Uno
de los arquitectos más destacados fue Frank Lloyd Wright.

El diseño de interiores Bauhaus

Como no, los muebles y los objetos decorativos de la Bauhaus destacan también
por ser funcionales. Debido a esto, los materiales más utilizados fueron el acero,
el vidrio, la madera contrachapada y el plástico. Quizás conozcas algunas piezas
famosas como la “Wassily Chair” de Marcel Breuer u otros mobiliarios de Peter
Keler, que se inspiró en las obras de Kandinsky para crear sus muebles.

Bauhaus en la actualidad
Hoy en día, Bauhaus es considerada como un referente de la arquitectura y el
mobiliario modernos, además de una gran influencia en la pintura y escultura
de mediados del siglo XX. Algunos edificios de este estilo, como la Bauhaus
Dessau, han sido declarados Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO y sus
obras se exponen permanentemente en muchos de los museos más
importantes del mundo.

Bauhaus-Archiv de Berlín
¿Vienes a Alemania y quieres ver arte moderno? No dudes en pasarte por el
“Bauhaus-Archiv” o Archivo de la Bauhaus de Berlín.

En este edificio se encuentra la colección de Bauhaus más amplia de todo el

mundo. Incluye todas las disciplinas de la escuela: arquitectura, muebles,
cerámica, metal, textiles, gráfica, fotografía y escenarios, además de obras de
los inicios y obras de profesores famosos como Walter Gropius, Johannes Itten,
Paul Klee, Wassily Kandinsky, Josef Albers, entre muchos otros.

Aportes de Walter Gropius

Cursó estudios de ingeniería civil en la Universidad de Wisconsin y en 1887 viajó
a Chicago con el fin de trabajar como dibujante en el estudio de Adler&Sullivan.

En 1893 abrió su propio estudio de arquitectura en Chicago.

Walter Gropius nació en Berlín, hijo y nieto de arquitectos. Estudió arquitectura

en Múnich y en Berlín. Después de sus estudios trabajó durante tres años en el
despacho de Peter Behrens y a continuación se independizó. Entre 1910 y 1915,
año de su matrimonio con Alma Mahler, se dedicó principalmente a la reforma
y ampliación de la fábrica de Fagus en Alfeld. Con sus estructuras metálicas
finas, sus grandes superficies acristaladas, sus cubiertas planas y sus formas
ortogonales, esta obra se convirtió en pionera de la arquitectura moderna.

Gropius fue el fundador de la famosa escuela de diseño Escuela de la Bauhaus,

en la que se enseñaba a los estudiantes a utilizar materiales modernos e
innovadores para crear edificios, muebles y objetos originales y funcionales.
Ocupó el cargo de esta escuela, primero de Weimar y luego en Dessau, desde
1919 hasta 1928.

A partir de 1926, Gropius se dedicó intensamente a los grandes bloques de

viviendas, en los que veía la solución a los problemas urbanísticos y sociales.
También abogó en favor de la racionalización de la industria de la construcción,
para permitir construir de forma más rápida y económica. Diseñó numerosos
complejos de viviendas, en los que aplicó sus ideas.

Walter Gropius muere en 1969

Aportes
Nació el 6 de octubre de 1887 en La Chaux-de-Fonds (Suiza), donde estudió
artes y oficios.

Trabajó en el estudio parisino de Auguste Perret y más adelante viaja a

Alemania donde colaboró con Peter Behrens y se relacionó con Joseph
Hoffmann y el Deutscher Werkbund.

En el año 1922 se asocia con el ingeniero Pierre Jeanneret (su primo) adoptando
para la arquitectura el seudónimo Le Corbusier (el cuervo, adaptado del apellido
Lecorbésier de su bisabuela.

Como pintor se asoció a Amédée Ozenfant para fundar el movimiento purista,

corriente derivada del cubismo. En 1920 funda la revista L’Esprit Nouveau.
Rechazó a los estilos historicistas compartido con otros arquitectos y teóricos
del movimiento moderno, su mayor aportación es el entendimiento de la casa
como una máquina de habitar.

Durante la II Guerra Mundial se recluye en el sur de Francia dedicándose a

pintar y escribir. En 1943 publica la Carta de Atenas, basada en las discusiones
del cuarto Congreso del CIAM, el cual se convierte en uno de los textos básicos
del urbanismo moderno.

Le Corbusier falleció el 27 de agosto de 1965 en Cap Martin (Francia).

Nació el 27 de marzo de 1886 en Aachen (Alemania).

Hijo del maestro albañil, Maria Ludwig Michael Mies, propietario de un

pequeño taller de picapedrero, no estudió arquitectura. Ni siquiera se sacó el
bachillerato.

Comenzó a trabajar a los quince años haciendo florituras para un fabricante de

cornisas. Desde 1905 hasta 1907 fue delineante en el estudio berlinés de Bruno
Paul, y en los siguientes cinco años en el de Peter Behrens (Neubabelsberg).

En el año 1912 abrió su estudio en Berlín. El 10 de Abril de 1913 contrajo

matrimonio con Ada Bruhn, con quien tuvo tres hijas. Realiza el pabellón
alemán para la Exposición Universal de Barcelona de 1929 y la casa Tugendhat
(1930) en Brno (actual República Checa), donde utilizó una estructura de
pequeños pilares metálicos cruciformes que liberaban el área de la planta,
compuesta por espacios que fluyen entre ligeros paneles de ónice, mármol o
madera de ébano, delimitados por grandes cristaleras que ocupan toda su
altura.

En 1937 emigró a Estados Unidos, donde fue director de la Escuela de

Arquitectura del Illinois Institute of Technology. Trabajó en numerosos edificios,
como los apartamentos de Lake Shore Drive (1948-1951) o el Crown Hall del
MIT (1950-1956). Entre sus obras más emblemáticas destaca el Seagram
Building (1958), un rascacielos de 37 pisos de vidrio y bronce construido en
Nueva York. Antes realizó su obra maestra estadounidense, la casa Farnsworth
en Plano (junto al río Fox, Illinois, 1950), un pequeño refugio delimitado por un
muro-cortina de vidrio plano, que se ha convertido en una de las residencias
más estudiadas de la arquitectura del siglo XX.

Mies van der Rohe falleció el 17 de agosto de 1969 en Chicago.

Fue el introductor del término de arquitectura orgánica, que consiste en que la

construcción debe derivarse directamente del entorno natural. Desde los inicios
de su carrera rechazó los estilos neoclasicistas y victorianos que imperaban a
finales del siglo XIX.

Otra de sus aportaciones fundamentales a la arquitectura moderna fue el

dominio de la planta libre. El concepto abunda en las llamadas prairie-houses
(casas de la pradera), entre las que destacan la Martin House en Buffalo (Nueva
York, 1904), la Coonley House en Riverside (Illinois, 1908) y la Robie House en
Chicago (1909).

Entre sus innovaciones estructurales destaca el sistema antisísmico desarrollado

en el Hotel Imperial de Tokio. Entre 1909 y 1910 se autoexilió en Europa, debido
a problemas personales. Cuando regresó, se estableció en Taliesi, donde
construyó su propia casa y un estudio-escuela.

Frank Lloyd Wright falleció el 9 de abril de 1959 en Phoenix (Arizona).

La nueva tipografía

Uno de los campos más curiosos e importantes de la comunicación visual sin

duda es la tipografía. Esclava de los constantes cambios socioeconómicos,
políticos o humanísticos, siempre ha sido capaz de remontar y adaptarse a cada
período. Pero para entender mejor la tipografía de nuestro tiempo es necesario
remontarse allá por los años 20, y […]

Uno de los campos más curiosos e importantes de la comunicación visual sin

duda es la tipografía. Esclava de los constantes cambios socioeconómicos,
políticos o humanísticos, siempre ha sido capaz de remontar y adaptarse a cada
período. Pero para entender mejor la tipografía de nuestro tiempo es necesario
remontarse allá por los años 20, y concretamente centrarnos en un movimiento
conocido en Alemania como Die neue typographie (La nueva tipografía),
teniendo su origen en el libro de Jan Tschichold publicado en Berlín en 1928, en
el que se recogían las mayores innovaciones tipográficas de Europa, nacidas de
una actitud revolucionaria y alentada, en parte, por los movimientos políticos
producidos a principio del siglo, como por ejemplo la revolución soviética. Esta
nueva era de la tipografía pretendía romper las reglas clásicas del impreso,
intentando promulgar una organización libre y sustituyendo la forma por la
función.

Jan Tschichold
Jan Tschichold fue su iniciador, modernista y entusiasta de la Bauhaus, es
considerado una de las influencias tipográficas más poderosas del siglo XX. Su
obra fue la primera exponer la normalización de las prácticas relacionadas con
el uso moderno de la tipografía, condenando así a la mayoría de los tipos
clásicos y dando protagonismo a las sans-serif, abogando por medidas
estandarizadas de papel y estableciendo directrices para una jerarquía
tipográfica.
¿Cómo es entonces, concretamente, esta nueva tipografía?
Bueno, es una tipografía funcional orientada a la comunicación y adecuada al
contenido, con preferencia por el tipo de palo seco y la composición en
minúsculas (porque, ¿¡para qué tener dos alfabetos, uno en mayúsculas y otro
en minúsculas, si con uno solo alcanza!?). La nueva tipografía busca claridad
visual y legibilidad, así como dinamismo e interés visual en las composiciones
tipográficas, donde la forma está liberada de ataduras historicistas y prevalece
la ausencia de ornamentos, para lograr una comunicación corta, clara y efectiva.