EL ARTE DESPUÉS DE 1945

La Segunda Guerra Mundial cambia el panorama del arte Esta guerra cambió la vida cultural y artística de Europa, sobre todo por las acciones de “limpieza” emprendidas por los nazis. En el año 1933 el gobierno alemán se encargó de hacer exposiciones para denigrar y burlarse del arte de la época, considerándolo “degenerado” y “depresivo”. Luego, se encargaron varias veces de quemar cuadros y pinturas en una gran hoguera. Persecución política y exilio Esta persecución hizo que muchos artistas se exiliaran y emigraran a E.E.U.U, entre ellos los dadaístas y los surrealistas, los más perseguidos, debido a sus compromisos políticos. Las artes en la segunda posguerra Nueva York y París se disputan ser el centro internacional del arte. El Estado ayuda, apoya al arte y se convierte en uno de sus principales impulsores. El arte de posguerra generó nuevas modas, que dieron origen a nuevas actitudes sociales. El público tuvo más cercanía, más contacto con el arte a través de actividad de museos y galerías. Y el arte se fue convirtiendo poco a poco en un producto de consumo: se gastan millones en obras de arte, pero eso es lo que permite que estén al alcance de los museos y de la gente. Luego de la Segunda Guerra Mundial, el arte se caracteriza por la exageración, el desarrollo de ideas preexistentes, llamativas contradicciones. La vanguardia ahora es UNDERGROUND, y busca preferentemente al público joven. ¿Qué es underground? Algo que cambia en esta parte del siglo es el reemplazo del concepto de vanguardia por el de underground (‘debajo de la tierra’) Representaría una actitud contraria al arte como parte del sistema de mercados: la vanguardia ya no escandaliza como antes. El artista under no hace arte para impulsar un cambio social, su arte se inserta en una nueva cultura o sociedad alternativa. Ya no tendrán compromisos ni políticos ni sociales. La propia naturaleza del arte es permanentemente redefinida: para algunos, la obra es tangible (un objeto, una mercancía como todas las demás) y para otros, no es tangible (la obra no interesa, sino que es una gente que pone en marcha cambios psicológicos y fisiológicos en el espectador). Los nuevos movimientos se darán tanto en Europa como en Estados Unidos, y se caracterizarán por presentar obras abstractas y figurativas en paralelo. “ACTION PAINTING” O “ACTION ART” En 1950 aparecerá un nuevo expresionismo, el abstracto, en el que ya no se reconocerán en los cuadros figuras de la realidad, sino todo lo contrario. Se basan en la caligrafía de los orientales, que expresaban ideas y sentimientos con pinceladas fuertes y rayas violentas.

y esa forma más explícita se puede hacer usando la figuración. y consistía en la insólita manera de chorrear la pintura sobre una tela colocada en el piso. Su procedimiento se llamó dripping. otro exponente fue el italiano Lucio Fontana. en la improvisación. Su arte expresaba su subconsciente. Uno de los artistas más famosos de este arte es Francis Bacon. NUEVA FIGURACIÓN Un grupo de artista reacciona contra el informalismo y trata de recuperar la imagen y el objeto. Sus “protagonistas” aparecen atrapados en espacios o habitaciones claustrofóbicas. El action painting es al arte lo que el jazz a la música. pero de un modo más explícito y directo que el informalismo. Propusieron dar a las pinturas otras texturas. para denotar los sentimientos que a él le interesa mostrar: el terror. término acuñado por el artista francés Michel Tapiè. Esa muerte prematura y su vida intensa lo hicieron un referente y prototipo fascinante para los intelectuales norteamericanos. INFORMALISMO Otros artistas siguieron este expresionismo abstracto como una nueva tendencia. Así se pueden apreciar cuadros sin figuración pero con materiales como bolsas. y se la denominará action painting o action art. . Los artistas veían el cuadro no como una tela sino como un campo de acción. no hacían un cuadro sino un acontecimiento. quien combina elementos abstractos y los contrasta con la figura humana. la angustia. Se basaban en la espontaneidad del gesto. y se los llamó informalistas. como si fuesen un gran collage con materiales rústicos y elementos que sobresalen de la superficie. pero sin la figuración de los surrealistas. Parece como si en sus obras mostrara las secuelas de una violación o de una sesión de tortura. Propusieron así que el artista ya no se preparara. en especial la figura humana. Además de Tapiè. la violencia. telas. a los 44 años. Jackson Pollock (1912-1956) llevó esta técnica a su punto más alto. que la obra ya no sea premeditada. Murió en un accidente de tránsito.Algunos pintores practicarán esta técnica en sus cuadros. sino espontánea. sogas. Este arte intenta dar cuenta de lo que provocó la Segunda Guerra. que se mezclaran con el “afuera”. o incluso con perforaciones. más difíciles de interpretar. sino con manchas.

Algunas obras despliegan la dinámica a través del recurso de la ilusión óptica. el movimiento es real. que se vuelven contenido de la obra. En otras. Son aspectos fundamentales de la sociedad contemporánea. porque se logra con articulaciones y el impulso del aires o bien porque se incluyen dispositivos mecánicos o magnéticos que hacen moverse dispositivos semejantes a las máquinas. generando movimiento a partir de manipular el grosos de la líneas. El llamado arte cinético comprende estos tres caminos. obligando al espectador a desplazarse en el espacio para organizar en su mente la lectura de una secuencia. . en 1964.ARTE CINÉTICO El factor cinético empieza a ser un elemento fundamental en el arte. generaban los futuristas de principios del siglo XX. El calificativo de “cinético” fue empleado en un manifiesto artístico de 1920. Los nuevos materiales que utiliza la sociedad industrial forman parte del paisaje visual de la época. hizo una serie de obras en las que trabajaba con ritmos lineales en negro sobre fondo blanco. Básicamente trata de incorporar un movimiento “real”. o realizando movimientos reales de imágenes mediante motores o emisores móviles de luz. También Bridget Riley. Alexander Calder en 1960 expuso unas maquetas a las que llamó “móviles” las cuales giraban levemente con el movimiento del aire. Este factor en la visión se puede investigar siguiendo tres caminos distintos: creando en la percepción óptica del espectador la impresión de un movimiento virtual o ilusorio que realmente no existe. en pinturas y esculturas. por oposición al movimiento virtual que. Este arte propone un entretenimiento visual que hizo que fueran mucho más populares que las obras del futurismo. Firmado por dos artistas: Gabo y Pevsner. al igual que el movimiento y el dinamismo.

anuncios de neón de comercios. de la lata de sopa Campbell. Roy Lichtenstein (1923) se dedicó a reproducir en grandes formatos las escenas del cómic. analizan fríamente el mecanismo de deshumanización que practican los modernos medios de comunicación. . Luego. las latas de conserva. del rostro de Marilyn Monroe. pintor. Parecía que para el Pop Art. Este movimiento expone los temas del pop: automóviles cromados. incluso. Reaccionando contra el consumismo Algunos críticos mencionan que el pop nació inicialmente como un movimiento artístico que reaccionó contra el fenómeno consumista: contra el culto al objeto de consumo y toda la batería de medios de publicidad. Así se llamó a un conjunto de producción gráfica y artística. Incide obsesivamente en los elementos repetidos de la imagen y critica así a la seriación y acumulación insistente de objetos iguales a los que el consumismo nos tiene acostumbrados. sobre todo en Estados Unidos. a través del cambio de color. POP ART Surge casi paralelamente n Estados Unidos e Inglaterra. Andy Warhol (1931) es un artista. todavía menos. propio del arte: la publicidad. de tipo publicitario. en 1962. se empezaba a cansar de de que el arte sólo estuviera vinculado a un grupo selecto de intelectuales y artistas. La finalidad del Pop Art parecía en descubrir todo lo que hasta ese entonces había sido considerado indigno de atención. y. del que se destaca su apelación subliminal a la idea del poder y de la conquista del éxito. Sus series de serigrafía y transformaciones. se amplió su alcance para designar también los productos artísticos destinados a un público más culto y elitista. las ilustraciones de las revistas. que tenía como destinatario al público de los medios masivos de comunicación. tipografías de publicidad gráfica. El término Pop Art es una abreviatura de la expresión popular “popular art”. cuanto más vulgares y baratas. Así. las cosas. los vestidos. y fue acuñado por un crítico británico ( Lawrence Alloway) en 1964. al tiempo que destacaba la pobreza del argumento y del lenguaje empleado. eran mejores. los artistas reproducían las cosas que veían todos los días. realizador de cine underground y productor de películas comerciales. y quería un arte relacionado más directamente con las realidad norteamericana.Arte figurativo reciente El público que consumía arte. dibujos animados. los “hot dogs”. figuras del cine y la televisión e. aviones. Por su parte. los muebles de serie. los cómics.

Los happenings plantean el valor de lo efímero. Entre ellas se destacan los happenings. aunque no es una sátira política y social. El instituto Di Tella fomentó la “actualización” de nuestro país en las nuevas tendencias artísticas. en la década del ’60. Los happenings serían acontecimientos. de lo que pasa y no puede retenerse. que se han definido como obras de arte que llevan consigo la participación del público y de objetos dentro de un marco o de una situación dados. no se sabe si son cosas. Una de las más conocidas exponentes del happening es Marta Minujín. NUEVAS TENDENCIAS “Happenings” El pop dio un gran impulso a la búsqueda de nuevas manifestaciones artísticas. En Argentina. olores. texturas.espectáculo que causan un gran impacto en el espectador. sus artistas añaden en forma innovadora la integración del espectador como participante en la acción. Las imágenes del Pop Art son cool. frías. que se caracterizan por estar en el límite entre “arte” y “no arte”. pero a diferencia de otros movimientos.El resultado real del Pop Art ha sido una visión de la sociedad industrial avanzada sutilmente irónica y desencantada. Esto permitió a los artistas argentinos incursionar en nuevas experiencias. Y una de sus obras más famosas en los ’60 fue La Menesunda: un laberinto que el público debía recorrer y en el cual debía enfrentarse a distintas situaciones de sonido. . luces de neón y televisores. Rápidamente se transformó en el epicentro de las investigaciones culturales de la época. de colores. recuerdos o fantasmas.

“Land art” Nace en Estados Unidos a fines de 1967. . Uno de sus máximos exponentes es el artista conocido como Christo. “Arte povera” Su nombre deriva del italiano (‘arte pobre’). consiste en la actividad del artista alterando el aspecto de la naturaleza. Consiste en modificaciones efímeras que el artista puede aportar al paisaje real. crean. Consiste en la búsqueda de un lenguaje emotivo con materiales que pueden ser considerados tecnológicamente pobres en un mundo tecnológicamente rico. con materiales descartados de otra construcción. Un artista de este arte es Mario Merz. que pueden ser hallados en la calle o en la basura. arman sus obras con elementos deteriorados. Los artistas de este arte construyen.

Barcelona. V. Arte abstracto y arte figurativo. Salvat. También en la actualidad.“Body art” Este arte utiliza el propio cuerpo del artista como materia o espacio de experimentación estética. los cuerpos de los artistas o de las personas que modelan para este arte se exhiben a sí mismos como “esculturas pintadas” o “estatuas vivientes” BIBLIOGRAFÍA A.V. el artista Bruce Naumann (1941) presentaba su propia fotografía escupiendo agua con el título Retrato del artista como fuente. así. . 1995 GAGLIARDI.A.

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