POP ART Y NEO FIGURACION

POP ART

El arte ha sido uno de los métodos de expresión del ser humano durante milenios.
A lo largo de la historia, han surgido muchos estilos diferentes que han
caracterizado las etapas de la historia como, por ejemplo, el romanticismo, el
barroco o el impresionismo. El arte ha experimentado diversas modificaciones con
el paso del tiempo. Actualmente, muchos artistas realizan críticas o reflejan
situaciones sociales a través de sus obras, y uno de los movimientos artísticos
más populares en este sentido durante las últimas décadas, ha sido el pop art.

El pop art es un movimiento que surge a finales de 1950 en Inglaterra y, más

tarde, en 1960 en Estados Unidos. Su auge dura aproximadamente hasta la
década de los años 80. Durante este tiempo, las obras creadas dentro de este
movimiento expresan una crítica social a la realidad que se estaba viviendo en ese
momento. Por aquel entonces, la sociedad destacaba principalmente por el
consumismo: todo giraba en torno a comprar y vender masivamente.

En aquel momento, los artistas pop art hacían uso de diversos materiales, y se
servían de cualquier objeto que fuera representativo del consumismo. Por ejemplo,
empleaban carteles, artículos publicitarios, latas de conserva, botellas, etc. En
muchas de sus obras, se observa un efecto repetitivo, e incluso saturante. Estos
aspectos reflejan el efecto anestésico de la publicidad y el consumo en nuestra
vida, alejándonos de los aspectos importantes, para embaucarnos en lo
meramente banal

A priori, puede parecer un tipo de movimiento sencillo. Sin embargo, consiste en

un arte que tiene mucho conocimiento sobre el funcionamiento de la sociedad.
Pretende plasmar la realidad de la sociedad a través de sus obras, para crear
conciencia en las personas.

CARACTERÍSTICAS DEL POP ART

El movimiento urbano que constituye el arte pop, al contrario que el Expresionismo

abstracto, pretende unir arte y vida mediante el enfriamiento de las emociones.
Tiene el propósito de reflejar la superficialidad de los elementos de la cultura de
masas en sus obras, es decir, toma productos de consumo accesibles para todos
y los representa. Con esto se destaca la inexpresión y la impersonalidad del
objeto, alejándose de cualquier tipo de subjetividad del artista.

Por otro lado, la repetición es una característica que abunda en este movimiento
ya que en los medios de comunicación se usa como método tanto como para
crear iconos como para anestesiar a la sociedad sobre problemas graves. Por lo
tanto, en este punto de la historia del arte, el arte ya no imita la vida, sino que es la
vida que imita el arte o la imagen.
La característica principal de este movimiento consistía en seleccionar objetos o
imágenes populares del momento y sacarlos de su contexto. Tras ello, a través de
diferentes técnicas, los aislaban o combinaban con otros elementos. De esta
manera, los artistas conseguían resaltar o poner el foco en algún aspecto banal o
rasgo cultural de la época.

Las obras reflejaban una crítica a la sociedad, caracterizada por el consumismo, la

importancia de la imagen, el materialismo y la moda. A través de la sátira y la
ironía, los artistas cuestionan los principios y valores que resaltan en ese momento
en la sociedad.

Además, este movimiento también se caracterizó por representar una ruptura

respecto a los criterios tradicionales establecidos en las bellas artes. En cuanto a
sus características particulares, destacan:

 Intención de acercar el arte al mundo y a la realidad.

 Empleo del lenguaje figurativo y realista para mostrar la realidad del mundo.

 Rechazo del expresionismo abstracto.

 La temática principal tenía relación con ciudades, cine, televisión, cómics,

aspectos sociales, etc.

 Las formas representadas, generalmente, contaban con una escala natural

o ampliada.

 Se realizan mezclas y combinaciones de pinturas con objetos de la vida real

en la misma obra.

 Entendían los temas representados como justificaciones de la propia

pintura y su existencia.

ARTE POP Y PUBLICIDAD

La publicidad se ha nutrido del arte y sus diversas técnicas de impresión para la

producción de la imagen publicitaria, favoreciendo así la integración con el medio
urbano y configurando parte del imaginario colectivo. Por su parte la relación
inversa puede ser vista desde la multiplicación de la imagen comercial (como en la
serie de las sopas Campbell) como un intercambio de la publicidad con el arte,
desde donde se discute el comercialismo como una afrenta directa a la técnica y
filosofía del expresionismo abstracto a lo relativo a la democratización de
productos y del arte hasta la implantación de un discurso del régimen fordista de
producción.

Como parte de la socialización o acercamiento del arte a la sociedad el arte pop

proyecta y uso técnicas de diseño que implica una cultura visual y cuyo fenómeno
extendido es la apropiación de obras de arte, en una función educomunicativa, al
no dejar de ser educativas a la sociedad a pesar de ese ámbito puramente
comercial.

EN EL REINO UNIDO: EL GRUPO INDEPENDIENTE

El Grupo Independiente, fundado en Londres en 1952, es reconocido como el

precursor del movimiento artístico pop. Eran un grupo de jóvenes pintores,
escultores, arquitectos, escritores y críticos que desafiaban la visión modernista de
la cultura, así como la perspectiva tradicional de ver las Bellas artes. Las
discusiones del grupo se centraban en la cultura popular y la implicación de la
aparición de dichos elementos de comerciales, películas, tiras cómicas, ciencia
ficción y la tecnología. Durante la primera reunión del Grupo independiente en
1952, ¡el cofundador, artista y escultor Eduardo Paolozzi presentó una lectura
utilizando una serie de collages titulado Bunk!, el cual había ensamblado durante
su estancia en París entre 1947 y 1949. El material consistía en «objetos
encontrados» tales como anuncios, personajes de tiras cómicas, portadas de
revistas y material gráfico que representaba la cultura estadounidense. Una de las
imágenes utilizada en dicha presentación fue un collage de 1947 de Paolozzi
titulado I was a Rich Man's Plaything, el cual incluye la primera vez en que se
utilizó la palabra “pop que aparecía en una nube de humo que emergía de un
revólver. Después de dicha presentación, el grupo independiente se enfocó
principalmente en el uso de imágenes de la cultura estadounidense,
principalmente aquellas que aparecían en los medios de comunicación masivos.

El término arte pop fue acuñado finalmente por John McHale en 1954 con la
finalidad de describir el movimiento.

EL ARTE POP ESTADOUNIDENSE

Aunque el movimiento comenzó a finales de 1950, el arte pop en Estados Unidos

tuvo su mayor impulso durante la década de 1960. En ese momento, la publicidad
estadounidense había adoptado muchos elementos e inflexiones del arte moderno
y funcionaban a un nivel muy sofisticado. En consecuencia, los artistas de Estados
Unidos tenían que buscar más profundo para los estilos dramáticos que se
distancian del arte de los materiales bien diseñados e inteligentemente
comerciales; por lo que los británicos consideraban a las imágenes de la cultura
popular estadounidense desde una perspectiva un tanto alejada, sus puntos de
vista se corresponden a menudo con lo romántico y connotaciones sentimentales
o humorísticas. Por el contrario, los artistas de Estados Unidos siendo
bombardeados a diario con la diversidad de las imágenes producidas en masa,
producen en general un trabajo más audaz y agresivo. Dos pintores de gran
importancia para la creación del lenguaje utilizado por el pop estadounidense son
Jasper Johns y Robert Rauschenberg. Las pinturas de Rauschenberg tienen
relación con los trabajos anteriores de Kurt Schwitters y otros dadaístas, y
demuestran una preocupación por las cuestiones sociales del momento. Su
método consistía en crear arte con materiales efímeros, con los que representaba
acontecimientos de actualidad con los que los estadounidenses convivían día a
día, lo que dotó a sus obras de una calidad única. El trabajo de Johns y
Rauschenberg de la década de 1950 está clasificado como Neo-Dada, y es
visualmente distinto del clásico Arte pop norteamericana que comenzó en la
década de 1960. De igual importancia para el arte pop es Roy Lichtenstein. Su
trabajo probablemente define la premisa básica del arte pop mejor que cualquier
otro a través de la parodia. Selección de la tira cómica antigua como la materia,
Lichtenstein produce un duro filo, la composición precisa que los documentos,
mientras que las parodias de una manera suave. Las pinturas de Lichtenstein,
como las de Andy Warhol, Tom Wesselmann y otros, comparten un vínculo directo
a la imagen habitual de la cultura popular estadounidense, sino también tratar el
tema de una manera impersonal, ilustrando claramente la idealización de la
producción en masa. Andy Warhol es probablemente la figura más famosa del arte
pop. Warhol intentó tomar Pop más allá de un estilo artístico a un estilo de vida y
su obra a menudo se muestra la falta de afectación humana que prescinde de la
ironía y la parodia de muchos de sus compañeros.

ARTISTAS POP ART

Dentro de este revolucionario movimiento artístico, encontramos a muchos artistas

que dieron lugar a multitud de obras, donde se veían reflejados muchos aspectos
de la vida. Entre ellos, hay algunos que destacan especialmente, como los que te
mostramos a continuación:

ANDY WARHOL

Seguro que en alguna ocasión has visto los famosos retratos de Marilyn Monroe
con diversas tonalidades. Su autor fue Andy Warhol. Este conocido artista del pop
art destacó por realizar obras de diferentes celebridades, como Grace Kelly o Elvis
Presley, entre otros. Además, otra de sus inspiraciones fueron los anuncios
publicitarios, donde destaca su obra de las latas de sopa Campbell. Su estudio,
situado en Nueva York, tuvo multitud de visitas de intelectuales y artistas.

ROY LICHTENSTEIN

Nacido en 1923, Roy Lichtenstein fue uno de los impulsores del movimiento. Este
artista pop art cuenta con un estilo muy peculiar caracterizado, principalmente, por
las interpretaciones a gran escala de sus cómics y la parodia. Utilizaba una técnica
de puntos para crear sus dibujos animados, y empleaba generalmente colores
primarios. Durante los últimos años, tuvo mayor presencia a nivel social. De
hecho, en España se encuentran dos de sus obras.

KEITH HARING

Keith Haring, con algo más de 20 años de edad, se convirtió en uno de los
referentes del arte en los años 80. Refleja y plasma sus obras a través de los
grafitis, transformándose en uno de los iconos de este estilo de arte. Se considera
que fue uno de los artistas que acercó el arte callejero y los museos. Su obra es
muy amplia, y se pueden encontrar creaciones suyas en lugares como el metro de
Nueva York o, incluso, en el muro de Berlín.

CONCLUSION

Aunque lo pueda parecer, el Pop Art no es un simple movimiento en el que los

artistas se ponen a crear obras fáciles para un público lento. Si lo pensamos, es
más bien un arte muy político, y muy consciente de la realidad de nuestra
sociedad de consumo.

Los artistas pop, en realidad, documentan lo que ven a su alrededor, con sus luces
y sus sombras. Es, ni más ni menos, la manifestación plástica de una cultura que
se caracteriza por varios factores como son el consumo vertiginoso, la tecnología,
el ocio, el consumo, las modas, la democracia… Todo fabricado, empaquetado y
listo para venderse.

El arte, más que nada, es otro producto, y para un mayor rendimiento se puede
producir en serie.

Nuestra cultura es superficial, es inexpresiva e impersonal. Es repetitiva y

saturante. Es casi una religión con sus iconos (logotipos publicitarios), sus santos
(celebridades) y sus liturgias (consumir) que nos anestesian para olvidar los
problemas graves que nos acechan.

Llegados a este punto, el arte ya no imita la vida, sino que es la vida que imita el
arte.

El arte de mañana será popular, concebido para las masas; efímero, con
soluciones a corto plazo, prescindible, fácilmente olvidable; de bajo coste,
producido en masa; joven, dirigido a la juventud; ingenioso; sexy; efectista;
glamuroso… un gran negocio…

Richard Hamilton, 1957

UNO DE SUS PRINCIPALES REPRESENTANTES: ANDY WARHOL

A la hora de hablar de Andy Warhol resulta prácticamente imposible descubrir la

verdad absoluta sobre su vida. En su figura se dieron una serie de circunstancias
que favorecieron tanto la creación del genio como la del comerciante. Su aura de
divinidad, así como su carisma, acompañados de su talento y siempre envuelto en
un halo de misterio, contribuyeron a su fama y prestigio.