Universidad de San Carlos de Guatemala

Escuela Superior de Arte

Licenciatura en Música.

Curso: Principios de la Dirección Orquestal

Lic. Ernesto Calderón

Tema:
DIFERENTES FORMACIONES ORQUESTALES A LO LARGO DE LA HISTORIA
Y ORQUESTAS DE LAS CULTURAS ORIGINARIAS

Alumno:

Josué David Pérez Girón

Carné:201611509

Guatemala 01 de Febrero de 2021.

 INTRODUCCIÓN

A lo largo de la historia la música ha formado parte esencial de la vida humana,

es por ello que vemos que en la mayoría de civilizaciones, la música juega un papel
importante en actos solemnes e importantes de las altas esferas, junto a la danza y
otras artes. Es en Grecia donde nace la idea de la orquesta como conjunto y puesta
en escena. Indudablemente la orquesta que se instaura y consolida en Grecia sirve
de modelo para la orquesta actual, tanto en escena como en el uso de las familias
de instrumentos que incorporan una orquesta actual, como lo son vientos,
percusión y cuerda. Si bien no son los mismos instrumentos es la misma idea
sonora de la conjunción y concatenación natural de esas tres familias.
A si mismo esta orquesta que nace en Grecia ya cuenta con la idea del Ethos, que
es el poder afectar el ánimo de manera natural a través de ciertas vibraciones. Es
decir la orquesta actual cumple con los mismos objetivos y afecta al oyente de
manera natural o involuntaria. Si bien las agrupaciones de las civilizaciones antiguas
tenían el mismo objetivo afectar el estado del ser humano, tal es el caso de las
danzas de las tarantellas que servían para entrar en un trance y curar picaduras
de tarántulas. Considero que todas las agrupaciones buscan el mismo objetivo el
ofrecerle al ser humano que lo conecte con su conciencia humana y su yo interno.
A continuación veremos los distintos tipos de orquesta y como se ha desarrollado
a través del tiempo, sus distintos instrumentos y evolución de los mismos.
Inicios de la orquesta

Egipto

La música ha sido una parte integral de la cultura egipcia desde la antigüedad. Los
antiguos egipcios atribuyeron a la diosa Bat la invención de la música, que luego se
sincretizó con otra diosa, Hathor. La evidencia material y representativa más
antigua de los instrumentos musicales egipcios se remonta al período predinástico ,
pero la evidencia está atestiguada con mayor seguridad en las pinturas de las
tumbas del Reino Antiguo, cuando las arpas , flautas de punta sostenidas en
diagonal, también se tocaron tubos dobles del tipo clarinete con lengüetas simples.
Los instrumentos de percusión y laúdes fueron agregados a las orquestas por
el Reino Medio. Se han encontrado platillos de bronce que datan del período
romano, en una tumba en un sitio cerca de Naucratis. Aunque se han realizado
experimentos con instrumentos egipcios sobrevivientes como los orificios en flautas
y flautas de caña, y los intentos de reconstruir el encordado de liras, arpas y laúde
no ha conseguido mayores resultados, solo las trompetas de Tutankamón y algunos
instrumentos de percusión dan una idea segura de cómo sonaban los instrumentos
del antiguo Egipto.

Orquesta China Antigua

La música china es tan antigua como su civilización. Entre los instrumentos
procedentes de excavaciones en emplazamientos de la dinastía Shang. se pueden
encontrar campanas de piedra y bronce, flautas de Pan, etc.
La música china difiere mucho de la occidental por su ritmo, compás, tonalidad y
adornos, que le dan su sonido inconfundible. Esto se debe ante todo al peculiar
sonido y estilo interpretativo de los instrumentos musicales tradicionales de China.
Los instrumentos musicales antiguos estaban tradicionalmente divididos en ocho
categorías, los así denominados ocho sonidos, de acuerdo al material con que
estaban hechos. Por el otro lado, los instrumentos modernos se dividen por la forma
en que se tocan y se clasifican en tres grandes categorías: instrumentos de viento,
cuerdas y percusión.
Tipos de Categorías y familias de instrumentos chinos

 Instrumentos musicales de metal

Los instrumentos musicales de metal están hechos de bronce o aleación de bronce

con estaño. Existe un gran número de diferentes clases, siendo los más importantes
las campanas. Los címbalos y gones también son instrumentos musicales de metal.

Campana de bronce

 Instrumentos musicales de piedra

El principal tipo de instrumentos musicales de piedra es el litófono o tsin. El tsin o

litófono está hecho de mármol o jade, mientras más dura sea la piedra, más vibrante
y estridente será el sonido. Los litófonos están divididos en litófonos sencillos o
compuestos.

 Instrumentos musicales de seda

Son instrumentos hechos con cuerdas de seda. Antes de las dinastías Shang y
Chou, solamente habían dos tipos de instrumentos de cuerda, el violín chino o chin,
y el arpa o su.

 Instrumentos musicales de bambú

Los principales instrumentos musicales hechos de bambú son la flauta vertical o

hsiao, la flauta horizontal o ti, y el oboe cilíndrico o kuan. La diferencia entre el hsiao
y el ti es la posición en que se tocan, ya que ambos están hechos de bambú.
  Instrumentos musicales de calabaza

Hay un tipo de calabaza llamado pao-kua cuyo cascaron seco era usado en tiempos
antiguos para hacer instrumentos musicales. En esta categoría tenemos el yu y el
sheng. El sheng es un instrumento armónico, y el yu es muy similar pero más grande
y con más tubos. Antes del Período de los Estados Combatientes estos
instrumentos eran muy populares.

 Instrumentos musicales de arcilla

Entre los instrumentos musicales chinos hechos de arcilla se destacan

principalmente el yuan y el fu. El fu tiene la forma de un pequeño cántaro o bracero
y es muy raro hoy en día. La ocarina o yuan tiene una historia de por lo menos siete
mil años.

 Instrumentos musicales de cuero

Entre los instrumentos musicales hechos con cuero de animales se destaca el

tambor o ku, que es uno de los más antiguos en China. El tambor tiene muchas
funciones, siendo utilizado como marcador de ritmo para danzas en tiempos de paz,
y como instrumentos indispensable en la banda china en tiempos de guerra.

 Instrumentos musicales de madera

Entre los primeros tipos de instrumentos musicales hechos de madera tenemos el

chu, el wu y el pai-pan. Posteriormente aparecieron el "pez de madera" o mu-yu, y
el pan-tzu. El chu es un instrumento musical usado para marcar el inicio de los ritos
religiosos, mientras que el wu sirve para dar fin a la intervención musical. Aparte de
los templos de Confucio, es raro ver estos instrumentos en las orquestas de música
china.
 Grecia, instrumentos y formación de la orquesta

Aunque la música fue importante en la vida de la antigua Grecia , ahora no se sabe

cómo sonaba realmente esa música. Solo han sobrevivido unos pocos fragmentos
anotados y no existe ninguna clave para restaurarlos. Los griegos estaban
acostumbrados a la especulación teórica sobre la música; tenían un sistema de
notación y “practicaban música”, como se le había ordenado hacer al
propio Sócrates , en una visión. Pero el término griego del que se deriva la
palabra música era genérico y se refería a cualquier arte o ciencia practicada bajo
la égida de las Musas . La música, por tanto, a diferencia de la gimnasia, lo abarca
todo.
De la antigua Grecia, se conservan aproximadamente unos cuarenta fragmentos
musicales que permiten reconstruir, aunque sea de forma esquemática, cómo fue
la música de entonces. Es por esto, que la principal fuente de información sobre la
cultura musical griega proviene de los textos, poemas y escritos.
Mucho de lo que hoy se conoce de la música y los instrumentos de la antigua Grecia,
proviene de los vestigios de la mitología, literatura, teatro y filosofía; que convivían
en la sociedad griega.
La música griega se caracterizó principalmente por ser vocal y se sabe mucho de la
música griega antigua, a partir de lo que se conoce de los modos, escalas y textos
relacionados con el canto y la música coral. A partir de esto, los instrumentos surgen
como acompañamiento de dichos cantos y posteriormente la música instrumental
se estructurará con base en la imitación de los elementos vocales que existían. Fue
principalmente la práctica del canto, lo que dio lugar a la música instrumental.
Las familias de instrumentos:

De los instrumentos que se conocen de la antigua Grecia, pueden establecerse 3

grupos o familias de instrumentos:
1) Instrumentos de Percusión
El grupo de los instrumentos de percusión, a su vez, pueden clasificarse en dos
grupos principalmente, sobre los que incorporan los distintos instrumentos que se
sabe que existían, o a los que se hace referencia en los textos antiguos:

Idiófonos
Membranófonos
2) Instrumentos de Viento:

Corresponden a los instrumentos aerófonos. Puede hacerse una clasificación a

partir de los mecanismos de funcionamiento que tienen: los que funcionan a partir
de la resonancia de un tubo y el otro grupo cuyo funcionamiento se basa en la
utilización de lengüetas.

3) Instrumentos de Cuerdas:
A partir de la clasificación que se sabe que los mismos griegos hacían de estos
instrumentos. Se pueden organizar en tres grupos:

-Liras: principalmente instrumentos construidos con cajas de resonancia,

caparazones de animales como la tortuga.Las liras, fueron sin duda el instrumento
musical más difundido e importante de la Grecia antigua. De entre todos ellos
destaca el más antiguo de todos, que se la conoce como la lira homérica, cuya
invención atribuyen al dios Hermes
La segunda clasificación de instrumentos dentro del grupo de los cordófonos,
corresponde a las llamadas: Cítaras, que corresponde a una versión posterior de la
lira. La cítara, se utilizaban principalmente para acompañar las danzas y las
canciones líricas, odas y rapsodias.
El otro importante grupo dentro de los instrumentos de cuerda pertenece a las arpas.
Se ha podido establecer que comienzan a aparecer en época pre-helénica aunque
de forma dispersa y esporádica. Será a partir del clasicismo (siglo V) cuando su
expansión se dé por la mayor parte del territorio griego e incluso llegue hasta Asia
Menor. Se especula que el origen de las arpas puede ser oriental o posiblemente
egipcio.
 Orquesta del Renacimiento
La música del Renacimiento o música renacentista es la música antigua europea
escrita durante el Renacimiento, entre los años 1300 y 1600, aproximadamente.
Las características estilísticas de la música renacentista son su textura polifónica,
que sigue las leyes del contrapunto, y está regida por el sistema modal heredado
del canto gregoriano.

De modo paralelo a la extensión del rango vocal de la polifonía, los instrumentos

ampliaron su tesitura creándose familias completas de cada modelo; cada tamaño
era nombrado con el nombre de la voz equivalente: así, por ejemplo, se
crean flautas de pico soprano, alto, tenor y bajos de varias tallas, y un proceso
semejante siguen instrumentos de cuerda como las violas da gamba, de metal como
los sacabuches o de madera como las chirimías.
Los instrumentos participaban junto con las voces en la ejecución de la música
polifónica; por ejemplo, está perfectamente documentada la presencia regular
de ministriles flautas, cornettos, sacabuches, chirimías y bajones en las catedrales
ibéricas del siglo XVI. Además, mucha música polifónica se ejecutaba de forma
puramente instrumental, fuera en conjuntos homogéneos, en grupos que
combinaban instrumentos de diversas familias o sobre instrumentos propiamente
polifónicos, como el órgano, el virginal, el arpa, el laúd o, en España, la vihuela.

Las principales formas instrumentales de la época fueron:

 Formas derivadas de modelos vocales: al tocar habitualmente los

instrumentistas piezas vocales, compusieron formas similares, si bien sin
texto: del motete derivaron piezas polifónicas imitativas, llamadas ricercare,
fantasía o tiento, mientras que de la chanson derivó la canzona,
generalmente más viva y más dividida en secciones que los anteriores.
  Danzas: una de las funciones tradicionales de los instrumentistas era,
naturalmente, el acompañamiento de la danza. Solían estar escritas a cuatro
voces, en una sencilla textura homofónica. Hay abundantes ejemplos de
danzas de todo tempo y compás, como la bajadanza, la pavana, la gallarda,
la alemanda o la courante.

 Formas improvisatorias: los músicos anotaban a veces sus improvisaciones

más logradas. Podía tratarse bien de puras improvisaciones para un
instrumento polifónico (toccata, preludio, de nuevo tiento), bien de
variaciones melódicas ornamentales sobre una o varias voces de un modelo
vocal preexistente (recercada, disminuciones) o bien de largas series de
variaciones sobre un basso ostinato muy conocido, como la romanesca, el
Conde Claros, el passamezzo antiguo o el passamezzo moderno.

Orquesta del Barroco

En el Barroco se perfeccionaron los instrumentos y la orquesta tomó forma a partir del

establecimiento de la familia de la sección de cuerda.
En este periodo surgieron nuevas formas instrumentales de grandes proporciones como
la sonata y el concierto.
Dos tipos de conciertos fueron muy populares: el concierto para solista, paraun
instrumento frente a una orquesta y el concerto grosso, para un pequeño grupo de solistas
y orquesta.
Antonio Vivaldi un violinista virtuoso, compuso Las cuatro estaciones, una famosa colección
de conciertos para violín solista que representa la música programática.
Los 6 Conciertos de Brandemburgo de JS Bach constituyen ejemplos excelentes
de concerto grosso.

El auge de la música instrumental

Durante el periodo barroco, la música instrumental llegó a ser tan importante como la
música vocal por primera vez en la historia. Se desarrollaron nuevos instrumentos y se
perfeccionaron antiguos. Los compositores eran grandes virtuosos: Bach y Haendel al
órgano, Corelli y Vivaldi al violín, Scarlatti y Couperin al clave… Todos ellos elevaron la
técnica de ejecución instrumental e hicieron perfeccionar la fabricación de instrumentos
musicales.

En general a la hora de componer seguían pensando en términos de línea melódica antes

que de color instrumental, lo cual significaba que la misma línea de música podía tocarse
en un instrumento de cuerdas o de viento-madera o de metal. (En los periodos clásico y
romántico, el color instrumental se cambiaba con frecuencia) Pero según avanzaba el
periodo, los compositores del Barroco tardío comenzaron a escoger instrumentos
específicos según su timbre (“escritura idiomática”) es decir, indicaban en la partitura
qué instrumento tenía que interpretar cada voz/parte de manera que controlaban el
resultado tímbrico de la composición. Con la mayor precisión de las designaciones
instrumentales nació el arte de la orquestación.

Orquesta
Durante el periodo Barroco la orquesta comenzó a adquirir forma como agrupación
instrumental fija. Características de la orquesta barroca son:

 una base firme de cuerdas, a las que los compositores añadían otros
instrumentos según cada ocasión: una o dos flautas, oboes, fagotes, trompas y,
ocasionalmente, trompetas y timbales;
 el sonido del bajo continuo interpretado por dos instrumentos un instrumento
grave (violonchelo o fagot) y un clave con el que el instrumentista no cesaba de
formar acordes rellenando armonías y ornamentando las texturas sobre la línea
del bajo que interpretaba el violonchelo;
  efectos de contraste, especialmente de dinámicas y timbres. A menudo se
utilizaban ornamentos en sonidos brillantes como el oboe y la trompeta, contra
un fondo de cuerdas y continuo; otras veces se contrastaban bloques de sonidos
de timbre diferente, como por ejemplo haciendo tocar las cuerdas y los vientos
alternativamente para luego pasar al tutti (todos los instrumentos de la orquesta
sonando a la vez)
Los instrumentos barrocos
Durante el siglo XVII se produjo una espectacular mejora en la construcción de
instrumentos de cuerda. Algunos de los mejores violines jamás construidos procedían de
los talleres de luthiers como Stradivarius, Guarnieri y Amati. Hoy en día los mejores de
ellos cuestan sumas inimaginables. El joven violinista Joshua Bell ha poseído algunos de
los valiosos violines Stradivarius, incluido el denominado “Tom Taylor” construido en 1732
que tocó en la banda sonora de El violín rojo, una película de 1998 que cuenta la historia
de ficción de un vilolín desde su creación hasta el presente.
Las cuerdas de los instrumentos barrocos estaban hechas de tripa, no del acero empleado
en la actualidad. La tripa procedente de los intestinos animales producía un sonido más
suave pero más penetrante. En general, los instrumentos de cuerda del Barroco (violin,
viola, violonchelo) son como los modernos salgo por algunos detalles de construcción.

En el Barroco tardío los compositores emplearon cada vez más los instrumentos
de viento-madera por razones concernientes al color instrumental. Los penetrantes
timbres de la flauta de pico, la flauta travesera y el oboe, todos ellos instrumentos
hechos de madera entonces, eran especialmente eficaces para sugerir escenas
pastoriles, mientras que el fagot aportaba un tono sombrío en la orquesta.
La trompeta se desarrolló a partir de un instrumento utilizado en el ámbito militar hasta
llegar a adoptar un papel solista en la orquesta. Seguía siendo un instrumento “natural”
(es decir, sin válvulas) lo cual exigía al intérprete un enorme virtuosismo. Las trompetas
incrementaron la brillantez sonora de la paleta orquestal a la cual las trompas añadieron
su dulce sonido que recordaba a la caza. Ocasionalmente, a la orquesta barroca se
añadían timbales, que proporcionaban un bajo para las trompetas.
Los tres instrumentos de teclado más importantes en el Barroco fueron el órgano, el clave
y el clavicordiio. En la música en grupo, el clave se encargaba del bajo continuo aunque
también era muy utilizado para interpretar música a solo. El clave, clavecín o clavicémbalo
diferían del piano moderno en dos puntos: en primer lugar, sus cuerdas eran pulsadas por
púas (no golpeadas por martillos) y por ello su sonido no se podía sostener como en el
piano. En segundo lugar, la presión de los dedos sobre las teclas no variaba el sonido sino
ligeramente y producia sutiles matices dinámicos, pero no los extremos de sonoridad del
piano.
En los últimos años, un nuevo interés por la autenticidad nos ha familiarizado con los
sonidos de los instrumentos del siglo XVIII. Setán volviendo a tocar flautas de pico y
traveseras fabricadas de madera, violines restaurados con cuerdas de tripa e instrumentos
de metal sin válvulas, de manera que la orquesta barroca no solamente ha recuperado
su escala más reducida (alrededor de 24 músicos), sino también su sonoridad
transparente.

Orquesta del Clasicismo

Aproximadamente entre 1750 y 1800 se asiste a la consolidación de la orquesta sinfónica;

a partir de entonces este conjunto, con bases específicas en cuanto a su constitución, se
desarrollará tanto cuantitativa como cualitativamente (mejoras técnicas y, por lo tanto,
cambios relevantes en el sonido de los instrumentos), proporcionando la total variedad de
giros orquestales conocidos en el siglo XIX y en el XX.
Dos fueron los centros de producción musical más importantes de aquella época,
catalizadores del nuevo estiloy forjadores de la sonoridad del nuevo concepto sinfónico de
la orquesta: Mannheim y Viena. En estas ciudades, más que en cualquier otro sitio, se
fraguó la realidad de la forma sinfonía. Mannheim disponía de unos excelentes medios
materiales para experimentar en este campo: una orquesta disciplinada y estable cuya
calidad pudo apreciar Mozart. La orquesta fue conocida por la utilización de unos recursos,
como el llamado crescendo Mannheim, que en realidad no fue invención de los miembros
de este grupo. Uno de sus principales directores fue Johann Stamitz (1717-57), también
fructífero compositor que introdujo notables cambios tanto en el arte de la instrumentación
como en los motivos musicales básicos del material sinfónico. En Viena destacaron una
serie de compositores a los que, por lo general, no se ha tenido demasiado en cuenta,
como Matthias Georg Monn (1717-50), considerado el más importante por sus
aportaciones al concepto estructural de la sinfonía. Pero fue con Haydn y Mozart con
quienes esta forma alcanzó el desarrollo que llevó directamente a las realizaciones
beethovenianas.

A principios del período clásico, la orquesta estaba compuesta por dos oboes, dos trompas
y el grupo de cuerdas. Poco a poco se fueron incorporando otros instrumentos de viento,
como las flautas traveseras -por estas fechas la flauta y el oboe eran tocados por un mismo
instrumentista- y las trompetas. Como elemento de precisión rítmica se hizo uso de los
timbales. Los trombones, en cambio, no tuvieron lugar en la orquesta sinfónica; su
utilización quedó relegada a la música sacra -en la que doblaban las partes de contralto,
tenor y bajo- y a la ópera. El fagot, que no siempre estaba escrito en la partitura fue
utilizado regularmente y adquirió a finales del clasicismo, cierta autonomía, alejándose así
de la simple función de duplicar la línea del bajo que se le había encomendado en un
principio.

Las trompas y las trompetas pasaron a ocupar el papel de «pedales de la orquesta», con
lo que el bajo continuo vio disminuido su papel. De hecho, la desa parición del continuo
comenzó hacia 1760, aunque no fue totalmente abolido en la práctica musical hasta finales
del siglo XVIII. El órgano y el clave, como sustentadores del desarrollo armónico,
cumplieron, aún durante algún tiempo, un significativo papel en la música sacra y en la
realización del recitativo seco. El clave se sobreentendía en la ejecución de la música
sinfónica, sobre todo en la fase temprana del clasicismo, cuando los instrumentos de la
orquesta no asumían la totalidad de las relaciones armónicas. El compositor actuaba como
director desde el clave, concertando a los distintos grupos instrumentales. No era otra
cosa lo que Haydn hacía cuando dirigía a la orquesta de los Esterházy. Y desde el clave
dirigió sus últimas obras cuando, en 1791, se presentó en Londres. Sólo la participación
activa de los instrumentos de la orquesta hará comprensible el discurso armónico, lo cual,
unido a la nueva concepción del lenguaje musical, acabará desterrando definitivamente el
uso del bajo continuo.Uno de los instrumentos que tendrán una prodigiosa evolución a
través de los diferentes usos que de él se han hecho a lo largo de su historia, va a hacer
su aparición gradual a partir de 1750. Este instrumento fue el clarinete. Al parecer, la
ascendencia del clarinete se encuentra en la familia del chalumeau, grupo que cuenta con
varios instrumentos de diversos tipos y tamaños. El clarinete fue empleado de manera
intermitente en la primera mitad del siglo XVIll -se dice que la primera mención de este
instrumento en una partitura, concretamente en una misa de Faber, data de 1720-. Sin
embargo, compositores como Haendel y Rameau lo incluyeron en muy pocas obras. En
cambio la renombrada Orquesta de Mannheim lo convirtió en instrumento fijo,
incorporando dos al conjunto hacia 1758.

Orquesta del siglo XIX

La orquesta del siglo XIX se convirtió en la gran protagonista de la época. Casi todos los
compositores escribieron obras musicales para este tipo de formación.

La orquesta romántica, denominada orquesta sinfónica, estaba integrada por un número

de intérpretes que solía oscilar entre los 60 y 75 instrumentos de las tres familias. No es
extraño, sin embargo, encontrar a finales de siglo obras que requerían 100 o más músicos.
Los mecanismos técnicos de los instrumentos de viento se perfeccionaron y los
compositores comenzaron a considerarlos tan importantes como los de cuerda.

Debido a la constante demanda de conciertos públicos el número de orquestas se

multiplicó por toda Europa, hasta el punto de que las grandes ciudades contaban con
varias orquestas sinfónicas que realizaban giras por toda Europa con una acogida
extraordinaria.

Las tres grandes formas de música orquestal que se van a dar en el Romanticismo fueron:
 LA SINFONÍA
 EL CONCIERTO PARA SOLISTA
 LA MÚSICA PROGRAMÁTICA ( Explicada en apartado independiente)
LA SINFONÍA ROMÁNTICA
Durante el siglo XIX continúa cultivándose esta forma que en el Clasicismo había
estructurado perfectamente su contenido. Todos los grandes autores componen en este
periodo numerosas sinfonías. Poco a poco, los compositores se van a ir liberando de los
esquemas formales clásicos explotando con gran efectividad la riqueza técnica de los
instrumentos.
Las sinfonías serán cada vez más largas y complejas aspirando a conseguir el máximo
rendimiento de los recursos tímbricos de las grandes orquestas sinfónicas de la época.

Entre los compositores más importantes de sinfonías destacamos a F. Schubert, F.

Mendelssohn, A. Bruckner, J Bramhms y como no, la figura protagonista, L.V.Beethoven,
que creó sus últimas sinfonías en las que deja ver un gran espíritu romántico.

EL CONCIERTO PARA SOLISTA Y ORQUESTA

El Romanticismo es un periodo muy fructífero para este género instrumental. Se escribieron
numerosos conciertos para solista y orquesta, en los que el solista podía ser cualquier
instrumento. Se conservan conciertos para clarinete, oboe, flauta, violonchelo,...; sin embargo
los instrumentos más destacados y para los que más música de este tipo se compuso fueron
el violín y el piano.

CONCIERTO PARA PIANO Y ORQUESTA: Los conciertos de piano destacan por los
extraordinarios momentos de lucimiento que se esperaban de la parte solista. Era el
preferido de los compositores románticos, ya que era capaz de aunar en una sola forma
la riqueza tímbrica de la orquesta, el virtuosismo del instrumento solista, el carácter íntimo
y expresivo del piano y las grandes posibilidades técnicas de este instrumento polifónico.
Entre los compositores del siglo XIX que escribieron conciertos para este instrumento
destacan L.V. Beethoven, F. Chopin, R. Schumann, F. Liszt o J. Brahms.

Orquestas modernas y originarias

La gran orquesta china moderna nace en el siglo XX y se basa en la orquesta

sinfónica occidental, pero utiliza instrumentos chinos en lugar de instrumentos
occidentales. También emula a la orquesta occidental en términos de la posición de
asiento de sus músicos y técnicas de composición. Sin embargo, la música
producida por la orquesta china es única y muy distinta de cualquier contraparte
occidental. Estas orquestas suelen interpretar música orquestal china llamada
guoyue o minyoue, aunque su repertorio puede incluir ocasionalmente adaptaciones
de piezas orquestales occidentales o música originalmente compuesta para
instrumentos occidentales.
Actualmente la forma de lectura moderna para instrumentos chinos es la notación
estándar. Las obras orquestales chinas modernas a menudo se publican en
notación estándar, tanto en partes como en partituras completas. En cuanto a
desarrollo las mejoras sugeridas incluyeron un cambio en el diseño de la orquesta,
el uso de notación de pentagrama y también modificaciones a los instrumentos
existentes.
Orquesta Popular

Orquesta popular
Es aquella que interpreta la música actual o popular, es decir, la que está de moda en esta
época como rock, jazz, música latina bailable, etc. Piano, sintetizador, batería, bajo
eléctrico, saxofón, trompeta y percusión variada son parte de los instrumentos que la
conforman.

En las orquestas populares de nuestro país, siempre se incluyen la tambora, bongos,

güira, maracas, claves, etc., puesto que además de boleros, baladas y salsas se tocan
merengues, bachatas y otros ritmos autóctonos. En las orquestas populares, el director
toca algún instrumento, que generalmente es el piano. Por lo tanto, no usa batuta ni se
coloca en frente de la orquesta.