Dibujo renacentista

El dibujo renacentista es el nacimiento de mucho de lo que hoy conocemos como

dibujo. Durante el renacimiento, por primera vez en la historia de la pintura europea, el
dibujo fue visto como una forma de arte valiosa en sí misma. Hasta ese momento el
dibujo era más bien considerado una herramienta de la pintura, sin valor como forma
de arte completa. Pero el renacimiento transformó la percepción que se tenía del
mismo para siempre.

El desarrollo de saberes como la geometría, la perspectiva, la proporción, la

composición y el claroscuro hicieron del dibujo renacentista una herramienta basta y
rica. Los grandes maestros renacentistas encontraron en el dibujo una herramienta
ideal para investigar y registrar con detalle el mundo, tarea que era uno de los grandes
intereses que trajo consigo el espíritu científico del renacimiento.

El dibujo renacentista

El Dibujo Renacentista buscaba efectos pictóricos realistas a través de la representación

de formas fragmentadas, luces, sombras, y una concentración en la atmósfera sobre
detalles precisos.

Los materiales más comúnmente utilizados por los artistas de la época eran la tiza, la
tinta, el carboncillo, las gredas y pergamino o papel de colores como el azul, el marrón y
el rosa. La elección de dichos materiales dependía principalmente del tipo de dibujo y
de la finalidad del mismo.

El Dibujo: Padre de todas las Artes

A finales del siglo XIV, los artistas comenzaron a usar el dibujo cada vez más en la
exploración de sus ideas para el diseño de pinturas y esculturas. Ya no utilizaban el
dibujo solamente con intención de copiar o grabar otras obras de arte terminadas. El
dibujo exploratorio ofrecía al artista la oportunidad de plasmar creativamente una
visión vívida e íntima en el papel.

La era del arte renacentista en Italia abarca el Renacimiento Temprano (c.1400-90),

el Alto Renacimiento (c.1490-1530) y el Manierismo (c.1520-1600). Durante dicha
época se crearon algunos de los mejores dibujos de la historia del arte.

Según Giorgio Vasari, el famoso pintor florentino e historiador de arte, “el dibujo es el
padre de todas las bellas artes”. Sus comentarios llegaron al final del vigoroso debate
intelectual que se había desatado en Florencia desde fines del siglo XV hasta mediados
del siglo XVI. Este debate versaba sobre si la escultura o la pintura eran la forma de arte
superior. Vasari expresó el eventual consenso de que dibujar era la base de ambas
disciplinas.
Autoretrato. Giorgio Vasari. Fecha: 1571-1574. Óleo sobre lienzo. Dimensiones: 101 cm x 80 cm. Colección: Galleria degli Uffizi,
Florencia, Italia.

El dibujo renacentista según Cennino Cennini

Cennino Cennini fue un pintor gótico tardío italiano. Es conocido principalmente por
su Libro dell'Arte escrito a finales del siglo XIV. Dicho libro es considerado el primer
tratado técnico sobre pintura escrito por un pintor. En sus páginas se recogen a modo
de recetas los procedimientos sobre la técnica del temple, el dibujo, el fresco y la
preparación de aceites y pigmentos. Además se daban pautas para representar las telas,
los tonos de piel, el cabello o el agua, concibiendo el oficio de pintor como una tarea
mecánica.

El libro del arte o tratado de la pintura de Cennino Cennini.

Para Cennino Cennini el dibujo puede realizarse sobre papel utilizando dos materiales
diferentes: grafito o tinta. Para un dibujo con grafito se debía comenzar con trazos en el
papel tan ligeros que apenas pudieras distinguir los trazos que estás haciendo. Luego,
poco a poco fortaleces los trazos, retrocediendo varias veces para producir las sombras;
destacando que cuanto más oscuro quieras hacer las sombras, más veces deberás
regresar para trazar más líneas en lugar de oscurecerlas al principio.

Por otro lado, para un dibujo realizado con tinta se debe tomar tanta agua contenga
una cáscara de nuez y colocar dos gotas de tinta. Posteriormente se procede a
humedecer un pincel seco en la mezcla preparada. Finalmente, con movimientos ligeros
se traza la forma del dibujo que se quiere realizar y se sombrean las áreas necesarias
con varias trazas del pincel.
Características del Dibujo Renacentista y sus usos durante la época

• Los primeros Dibujos Renacentistas se caracterizaron por ser bocetos rápidos,

generalmente en pluma y tinta, en los que los artistas formularon ideas
generales en lugar de centrarse en los detalles.

• El estudio de la fisionomía humana y el arte fueron

dos temas integrados por los artistas de la época.
Dicha integración generó como resultado el estudio
de las figuras de los modelos vivientes en un diseño
resumido de figuras geométricas y estructuras.

Autoretrato. Leonardo Da Vinci. Fecha: 1510-1515. Tiza roja sobre papel.

Colección: Biblioteca Real de Turín, Piamonte, Italia.

Studies of the foetus in the womb.Leonardo Da Vinci. Fecha: 1513. Técnica:

tiza , lavado , tinta , papel. Dimensiones: 22 x 30,4 cm.

• Los artistas también realizaron dibujos de

gran escala. Estos fueron especialmente necesarios
para calcarlos en la pintura al fresco (en yeso
húmedo). Esto se debía a que el medio del fresco
les exigía que pintaran rápidamente un parche de
yeso por día, antes de que el yeso húmedo se
secara.

• Por otra parte, a finales del siglo XIV, los

artistas comenzaron a elaborar los detalles de los
encargos para sus obras con sus posibles clientes
mediante la redacción de contratos legalmente
vinculantes. Dichos contratos incluían un dibujo modelado con pluma y tinta, así
como un documento adjunto para explicar los detalles del diseño. También
fueron producidos una serie de dibujos como piezas de demostración para la
aprobación del cliente y para el uso del taller.
Otros materiales de dibujo utilizados durante el periodo Renacentista

Gracias al Libro dell'Arte de Cennino Cennini, así como a Della Pitturade Leon Battista
Alberti y los comentarios de Lorenzo Ghiberti, publicados en la década de 1430, se tiene
una idea razonable de los materiales y métodos de dibujo utilizados por los dibujantes
del Renacimiento. Los detallo a continuación:

• Los soportes del dibujo renacentista incluyeron una gama de tabletas

reutilizables. Por ejemplo: tabletas de madera borrables con una capa de hueso
molido mezclado con saliva, pergamino (vitela) hecho de piel de
cabra/cerdo/ternera empapada en cal, papel a menudo teñido, lino y lienzo.

Detalle de Vitela

• Los instrumentos de dibujo renacentista como lápiz, punta

de metal y pluma generalmente se clasificaban como medios
de línea fina. Por otro lado, están los medios de línea ancha
como el carbón y las tizas. Un dibujo renacentista de tiza
generalmente se ejecutaba con tizas negras o rojas. La tiza era
particularmente popular debido a sus cualidades de difuminado
y mezcla que permitieron al artista crear una amplia gama de
variaciones tonales.

Autoretrato. Rafael Sanzio. 1499.Tiza negra sobre papel. Dimensiones: 38 cm x 26 cm. Colección: Ashmolean Museum of Art and
Archaeology, Beaumont Street, Oxford, Inglaterra.

• Los dibujos al carbón también eran

bastante comunes, sin embargo han
sobrevivido menos, ya que el carbón es
demasiado fácil de borrar.
• Los dibujos en medios de líneas finas y
anchas a menudo se realzaron con blanco
para acentuar las áreas de iluminación
más brillantes y mejorar el efecto 3D del
modelado. El aumento se lograba realizar
de tres maneras: con tiza blanca, con
pigmento húmedo (por ejemplo gouache
de plomo blanco) aplicado con brocha o
simplemente dejando el soporte en
blanco.
Pasos del Dibujo Renacentista

Siguiendo los consejos dictados por Cennino Cennini a continuación detallo una serie de
pasos y recomendaciones para que puedas ser capaz de aplicar métodos de dibujo
empleados por los artistas renacentistas:

Primer paso: Trazos ligeros

• Encuentra un lugar para dibujar donde la luz se difunda y haga que el sol caiga
en el lado opuesto a la mano con la que vas a dibujar.
• Prepara un papel con un fondo de color que no sea blanco y preferentemente
agrisado.
• Si quieres dibujar de manera fiel al renacimiento selecciona un lápiz de metal
delgado, liso y con punta plateada. Habitualmente se utilizaban puntas de plata
u otros metales fácilmente oxidables.
• Impregna de cal mezclada con saliva tu lienzo para que tu punta de metal pinte.
• Comienza copiando temas simples. De esta manera podrás practicar y
acostumbrar tanto tus manos como tus ojos a este tipo de técnica.
• Traza las primeras marcas o líneas lo más ligeramente que puedas, de modo que
apenas puedan verse. Como se muestra en los trazos generales del siguiente
dibujo de Miguel Angel.
Segundo Paso: Cómo lograr el efecto de claroscuro

• Fortalece los trazos de sombra poco a poco retrocediendo muchas veces sobre
los mismos sitios para producir las sombras acorde a la cantidad de luz u
obscuridad de la zona especifica que estés trabajando.
• Conforme vayas adquiriendo dominio del claroscuro en tus dibujos cada vez
regresaras menos a las áreas que ya trabajaste previamente.
• De hecho en periodos del renacimiento posteriores a la época de Cennino
Cennini muchos artistas optaron por trabajar las sombras directamente con
aguadas de tinta que eran colocadas en un solo trazo, con la obscuridad
correcta y en el lugar correcto en la primera aplicación. Posteriormente
colocaban acentos de sombra en donde fuera necesario y luego acentos de
luces. Puedes apreciar algunas muestras de esto en las siguientes imágenes:

Jacques Bellange. La Sagrada Familia con Santa Ana y María Magdalena. pluma y tinta marrón, y acuarela marrón. 1611 - 1612.
Dimensiones: 33.8 x 25.3 cm. Colección: Yale University Art
Gallery.
Tintoreto. Última cena. pluma, bistre con luces de albayalde sobre papel cerúleo. Dimensiones: 28 x 38 cm.

Tercer paso: acentos de luces y sombras

• Ya que tengas los volúmenes

generales de la imagen toca acentuar
las areas de luz y sombra más intensas.
• En cuanto a las luces generalmente
eran acentuadas utilizando la punta de
un pincel delgado y puntiagudo con
pintura de blanco de plomo
(Albayalde).
• Las sombras generalmente eran
acentuadas con pincel delgado o
plumas delgadas. Sin embargo también
encontramos el uso de gredas, lapices
de metal y otros. Todo dependía de la
preferencia del artista y la finalidad del
medio.

Francesco Primaticcio. Minerva de pie delante de Jupiter y

Juno. Fecha: 1502. Tècnica: lápiz rojo acuareleado,
albayalde y pluma estilográfica sobre papel blanco
Leonardo da Vinci. Estudio de desnudo femenino, probablemente el busto desnudo de la Gioconda. Tècnica: tiza negra y
blanca. Fecha: 1503, 72 x 54 cm. Colección: Musée Condé.
Famosos maestros del dibujo renacentista

Leonardo Da Vinci

Su legado artístico más abundante son los dibujos. Están enfocados principalmente en
el estudio de la anatomía humana y animal, las proporciones del cuerpo, los signos de
envejecimiento y enfermedad, y la expresión facial y corporal de las emociones.
También se conservan retratos caricaturescos, estudios de jóvenes de perfil griego y
bocetos preparatorios de sus obras.

Hombre Vitruvio. Leonardo Da Vinci. Fecha: 1490. Plumírini, pluma y tinta sobre papel. Dimensiones: 34,4 cm × 25,5 cm. Colección:
Galería de la Academia de Venecia, Venecia, Italia.

El Hombre de Vitruvio es un dibujo renacentista de fama mundial con notas adjuntas

creadas por Leonardo da Vinci. Representa a una figura masculina desnuda en dos
posiciones superpuestas con los brazos y las piernas separados dentro de un círculo y
un cuadrado. A veces denominado Canon de proporciones, se creó como un estudio de
las proporciones del cuerpo humano (masculino) según lo descrito por el arquitecto
romano Vitruvio (c.78-10 AEC).
Miguelangel Buonarroti

A lo largo de su carrera, Miguel Ángel prefirió crear esculturas en lugar de pinturas. Sin
embargo, en su vejez dijo que pensaba que era más importante crear un gran arte en
lugar de discutir lo que constituía un gran arte.

Miguel Ángel pasó la mayor parte de su vida estudiando la forma humana y estaba
obsesionado con que el cuerpo era una representación física del alma.

Miguel Ángel utilizó su conocimiento avanzado del cuerpo humano para crear sus
desnudos. Le gustaban los temas religiosos y se centró en la imagen de Cristo en
muchos de sus dibujos, dibujando con frecuencia las mismas imágenes intensificando
cada vez más las emociones expresadas en ellas.

Miguel Ángel tenía buen ojo para la luz y la sombra y comprendió que pueden
representar el volumen y la forma tanto en una escultura como en una pintura. Así creó
muchas esculturas independientes. Mientras que Leonardo da Vinci pintó sus figuras
con ejes rectos y líneas, Miguel Ángel estaba más inclinado a introducir curvas y
diagonales.

El sueño. (1535-1536). Miguel Ángel Buonarroti. Tiza negra. Tamaño 397 mm x 279 mm. Courtauld Gallery de Londres
Rafael Sancio

Fue un pintor y arquitecto italiano del Alto Renacimiento. Su obra se caracteriza por la
claridad de la forma, su habilidad en la composición y el logro visual del ideal
neoplatónico de la grandeza humana.

Entre sus dibujos más representativos se encuentra Cabezas de la virgen y el

niño (1504-1508). Este dibujo presenta líneas muy delgadas, áreas con un valor claro y
puntos luminosos con gran parte del papel expuesto. Por otro lado el sombreado es
logrado con la superposición estrecha de muchas líneas paralelas entre sí creando la
ilusión de un valor más oscuro.

Heads of Virgin and Child. Artista: Rafael Sancio. Fecha: 1504-1508. Técnica: Punta de metal sobre papel teñido de color rosa.
Colección: Museo Británico, Londres, Reino Unido.
Botticelli

Sandro Botticelli fue un pintor italiano de la época del renacimiento temprano.

Contribuyó a los frescos de la Capilla Sixtina y pintó El nacimiento de Venus (1485–
1486). También es reconocido por sus dibujos.

Allegory of Abundance (1480-1485) es uno de los dibujos más elaborados y bellos del
pintor florentino Boticelli. Se cree que la figura femenina representa la Abundancia u
Otoño debido a la cornucopia que lleva en su mano derecha, de la que caen las flores
y frutas. Otras figuras representadas son: A su izquierda, tres niños los cuales llevan más
fruta y a su derecha dos niños más, dibujados ligeramente con tiza negra, que la ayudan
a sostener el cuerno.

Este dibujo de Boticelli fue trabajado con un tono de fondo cálido establecido frotando
tiza roja en el papel. Los contornos fueron dibujados con tiza negra y luego con tinta
marrón, mientras que las formas se modelaron mediante la eclosión y el uso moderado
del lavado marrón.

Allegory of Abundance. Artista: Sandro Botticelli. Fecha: 1480-1485. Técnica: Tiza sobre papel. Dimensiones: 31.7 cm x: 25.2 cm.
Colección: Museo Británico, Londres, Reino Unido.
Andrea del Verrocchio

Verrocchio fue escultor y pintor, y su habilidad al representar la forma tridimensional es

evidente en Head of a Girl (Hacia 1475), donde el cuidadoso sombreado crea una
sensación de volumen. El cabello de la modelo fue dibujado de forma fina y tenue en
trazos rápidos y delgados. Este dibujo es un ejemplo perfecto de la versatilidad de la
tiza como medio para artistas hábiles a fines del siglo XV. Verrochio utilizó la tiza negra
de manera sutil para sugerir las sombras suaves en sus mejillas, mientras que retocó
sutilmente con la tiza blanca detalles de nariz, párpados, boca y mentón.

Head of a Girl. Andrea del Verrocchio. Fecha: Hacia 1475. Dibujo al carbón, reforzado con plomo blanco, pluma y tinta marrón.
Dimensiones: 32,4 cm x 27,3 cm. Colección: Museo Británico, Londres, Reino Unido.
Domenico Ghirlandaio

Domenico Bigordi o Domenico Curradi, más conocido por el apodo Ghirlandaio fue un
pintor cuatrocentista italiano. Si bien es conocido por sus pinturas y frescos, los dibujos
también forman parte de su expresión artística.

Entre sus dibujos famosos se encuentra Study (1486) como boceto para un fresco. En
dicho dibujo se observa una única figura en el fresco que transmite sensación de
movimiento. Este dibujo es sobre una sirviente que vierte agua en un recipiente de
latón. Ghirlandaio se preparó para la pintura dibujando este detallado estudio
individual. La trama cruzada y los contornos fuertes tan típicos del estilo de dibujo de
Ghirlandaio son claramente reconocibles.

Domenico Ghirlandaio. Fecha: 1486. Técnica: Pluma y tinta sobre papel blanco. Dimensiones: 21,9 x 16,8 cm. Colección: Galleria
degli Uffizi, Florencia, Italia.