Se ha argumentado que la intención del artista era representar

los cuatro modos canónicos sombras en colores más puros.

de la pintura y el dibujo del Cangiante se caracteriza por que el pintor cambia a un tono

Renacimiento
INVESTIGACION: Matias Monzon Osvaldo
Estudiante Prof. De Artes Visuales.
diferente, más claro, cuando el tono original no puede ser lo
suficientemente claro o, por el contrario, cambia a un tono más
oscuro cuando el tono original no puede ser lo suficientemente
oscuro. El concepto fue introducido por primera vez por Giotto
(1266 -1337) a quien se le atribuye la introducción de esta técnica.
Abajo en la imagen puede ver el uso de varios colores para
ayudar a crear efectos de sombra.

AÑO: 2019

Cangiante
CANGIANTE. El término proviene del italiano "cangiare" que
significa "cambiar". Es una forma de renderizar sombras
cambiando el color. Cangiante es uno de los cuatro modos de
pintura del Renacimiento (los otros tres son Unione, Chiaroscuro
y Sfumato como se discutió en publicaciones anteriores). Este
desarrollo en la pintura se produjo en un momento en que los
pintores presentaban una paleta de colores limitada y creaban
contrastes en la luz y la sombra a través de tonos de color gris y
negro que no siempre habrían dado el efecto deseado y, en
cambio, darían como resultado el color de la sombra. aburrido.
Esta práctica proporcionó opciones para una mayor variedad de
color compositivo. A menudo se usaba para las cortinas de los
Ángeles, lo antinatural quizás indicaba falta de mundanidad. En
la limitada paleta de colores puros del sistema Cennini ( Cennino
d'Andrea Cennini (c. 1360 - antes de 1427) el pintor italiano se
vio muy influenciado por la solución de Giotto a las sombras.
En el libro " Il Libro dell'Arte " de Cennino d'Andrea Cennini
(El manual del artesano), afirma una y otra vez cómo alterar y
"cambiar" los colores para hacer las sombras. Por ejemplo,
escribe: “ si quieres hacer un drapeado para un ángel en fresco,
acuéstate en dos valores de color carne, uno más oscuro y otro
más claro, combinándolos bien en el centro de la figura. Luego,
en el lado oscuro, sombrea las sombras con azul ultramarino; y
sombra con terre-verte en el color de la piel más clara,
tocándolo luego en secco (seco). Y sepa que todo, lo que usted
ejecuta en fresco, debe ser completado y retocado, en secco con
témpera. Haz las luces de esta cortina en el fresco tal como te
lo he dicho para el resto ".
Este tipo de instrucción sobre cómo "alterar" los pigmentos se
repite a lo largo del libro de Cennini, donde aconseja separar los
valores en diferentes platos. Entonces, en el lenguaje de hoy,
podemos trabajar estos "tonos" y "matices" con Negro y Blanco
respectivamente, pero también usando colores análogos. Para
que nuestros rojos puedan ser sombreados con rojos más oscuros,
o teñidos con rojos más claros, todo para ayudar a crear una serie
de valores para el color en cuestión.
Tenga en cuenta que, en el Renacimiento, los colores disponibles
estaban muy limitados en número y tipo. Hoy en día, con una
mayor variedad de colores de pintura a nuestra disposición, un
pintor puede cambiar, por ejemplo, de un color amarillo verdoso
claro a un color amarillo anaranjado más intenso
(independientemente del color real del objeto) al pintar sombras.
A pesar de que el complemento de amarillo es violeta, una
mezcla de amarillo / violeta se convierte con demasiada
frecuencia en un gris opaco. Además, al agregar complementos
o negros para generar sombras de Giotto (o incluso blancos para
representar reflejos), a menudo se crean colores apagados. Puede
ser la intención del pintor hacer sombras más vivas. Al agregar
un color más puro se puede lograr un cambio más vivo en los
valores. Así, por ejemplo, hacer que el amarillo sea más oscuro
en el área de la sombra aplicando un amarillo, naranja o incluso
rojo similar en la mezcla hará que las sombras oscuras de un
amarillo sean más agradables.
 Abajo, en la Expulsión de Adán y Eva, vemos el uso del negro
en las sombras, pero también vemos un cambio en el color de las
sombras y un maravilloso balance de color.

El mejor practicante de esta técnica fue Miguel Ángel, y está

ilustrado en muchas partes del techo de la Capilla Sixtina. En la
imagen del profeta Daniel en la parte superior, por ejemplo, el
uso de cangiante se puede ver claramente en la transición de
verde a amarillo en las túnicas del Profeta. Después de la época
de Miguel Ángel, la técnica tuvo una aceptación generalizada y
ahora es una técnica de pintura estándar.
El sistema Cennini comenzó a caer en desgracia ya en 1435 Referencias
cuando Alberti escribió su tratado Della Pittura y recomendó
agregar negro para crear sombras oscuras y más naturales. 4
Para 1508, los pintores estaban experimentando con una
1 Cennini, Cennino D 'Andrea , Libro dell' Arte (Manual del
variedad de estilos de modelado, incluidos los últimos tres blogs:
artesano) Traducido por Daniel V. Thompson, Jr. Nueva York:
sfumato ( Leonardo da Vinci ), claroscuro (incluidos Caravaggio
Dover Publications, Inc. 1960.
y Sebastiano ) y unione ( Rafael ). El sistema Cennini ya no se
consideraba moderno, hasta que Miguel Ángel revivió sus
2 http://en.wikipedia.org/wiki/Cennino_Cennini
características esenciales. 6
3 Giorgio Vasari, Vidas de los artistas . Clásicos del pingüino,
Al ver la Capilla Sixtina de esta manera, como se muestra a
1965.
continuación, podemos ver cómo Miguel Ángel equilibra toda la
composición. Vea cómo los colores llevan el ojo de un panel a 4 Alberti, Leon Battista, Della Pittura (Sobre pintura)
otro y el uso general del color nos da una combinación armoniosa Traducido por Cecil Grayson con Introducción y Notas por
de forma, color y sombra. ¡Magnífico! Martin Kemp. Penguin Books: Penquin Books Ltd., Londres.
2004 [Primera impresión 1972]

http://en.wikipedia.org/wiki/Fra_Angelico

5 Hall, Marcia B., Color y significado: práctica y teoría en la

pintura del Renacimiento , Cambridge University Press (1992),
pág. 92.
Sfumato La técnica Sfumato se usó para una
representación altamente ilusionista
de rasgos faciales y para efectos
Leonardo da Vinci fue pionero en la técnica de Sfumato para atmosféricos.
suavizar la transición de la luz a la oscuridad. En sus notas El estilo avanzado de pintura de
sobre la pintura, dice que la luz y la sombra deben mezclarse Leonardo con esta innovadora
“sin líneas ni bordes, de la manera que gradualmente se técnica de sombreado se ve en su
desvanece como el humo. ( Sfumato se deriva del italiano estudio a gran escala para La
sfumare , "atenuar" o "evaporarse como humo".) Virgen y el Niño con Santa Ana. La
técnica Sfumato utilizada en su obra
En pintura, Sfumato generalmente implica el uso de varios maestra Mona Lisa (La Gioconda)
esmaltes translúcidos de tonos sutiles y tonos de colores para produce su famosa sonrisa
crear un espectro tonal gradual de oscuro a claro, eliminando así 'enigmática', un sutil sombreado en
contornos nítidos indeseables. La aplicación de estos cambios su rostro y una suave transición
sutiles en el color y los valores actúa como un velo de humo y, hacia el fondo.
por lo tanto, atenúa las áreas brillantes y al mismo tiempo aclara
las oscuras. El efecto produce una apariencia suave en la La misma combinación suave de
superficie del sujeto. Otro Los maestros del Renacimiento colores y superficies se ve en el
usaron la técnica como Giorgione (1477-1510) y Correggio (1490- elegante "disegno" (diseño) y "colorito"
1534) para nombrar solo algunos. La técnica también se usa en (pigmentos de color) de su Dama con
grafito y carbón y se puede ver en los dibujos de Leonardo. un armiño. Solo tres ejemplos del
Sfumato está clasificado como uno de los cuatro modos de mejor uso de la técnica Sfumato, pero
pintura del arte del Renacimiento italiano, los otros son Unione, ejemplos de cómo revolucionó el
Cangiante y Chiaroscuro. retrato e influenció a generaciones de
artistas a seguir. Una nota importante
aquí es que los dibujos del
Renacimiento de Leonardo, que
también emplean la técnica Sfumato,
estimularon a ambos artistas para que
realizaran estudios preparatorios
similares para sus pinturas, y a los clientes que los coleccionaran.
A los estudiantes de las academias se les enseñan que están
creando "dibujos de bellas artes" y no solo "bocetos" que
considerarán poco importantes. Los bellos estudios son una
colección en sí mismos.
Referencias:
http://en.wikipedia.org/wiki/Mona_Lisa#mediaviewer/File:Mona
_Lisa,_by_Leonardo_da_Vinci,_from_C2RMF_retouched.jpg
http://en.wikipedia.org/wiki/Lady_with_an_Ermine
www.visual-arts-cork.com/old-masters/leonardo-
davinci.htm#lastsupper
 Aunque no sobreviven pinturas de los antiguos griegos, el uso de
Chiarouscuro o Claroscuro esta técnica se atribuye al pintor ateniense Apolodoros, en el
siglo quinto antes de Cristo. Durante el Renacimiento, su uso
volvió a surgir y se ve como dibujos en papel de color, donde el
El claroscuro es una de las cuatro técnicas principales de la artista trabajó desde el tono base del papel hacia la luz en blanco,
pintura del Renacimiento y una de las que Leonardo da Vinci, y hacia la oscuridad con tinta o acuarela. Dibujos de claroscuro
Miguel Ángel de Lodovico Buonarroti Simoni (1475-1564), monocromáticos o de dos tonos (también conocidos por los
Rafael Sanzio (1483-1520) hizo un uso importante. términos franceses, Grisaille, Brunaille o Verdaille) y grabados
en madera de claroscuro son ejemplos de la técnica del
“El claroscuro es la reproducción de los efectos de la luz y la claroscuro.
sombra y su efecto mutuo en
El uno al otro. Los artistas utilizan arreglos artísticos de estas
variaciones profundas de valores para dramatismo
y efectos pronunciados que hacen que los sujetos avancen.
Perspectiva atmosférica,
Por otro lado, es una eliminación gradual de los valores y se
refiere a la suavización y el aumento
palidez de colores, formas y sombras a medida que los sujetos
se mueven más allá del fondo
en la distancia o lo que llamamos el terreno lejano ".

El término "claroscuro" es italiano para claro y oscuro. En el

arte, esto se refiere a fuertes contrastes entre la luz y la oscuridad
aplicados a una superficie bidimensional. El efecto de estos
fuertes contrastes crea sombras, pero aún más importante es la
luz, que una vez revelada en tal contraste obliga al ojo a seguir
una dirección particular, o ver un punto focal particular. Con
luces y sombras distribuidas de esta manera, el ojo del espectador
pasa a través del plano de la imagen. A medida que la luz y la
oscuridad rodean a los sujetos, la ilusión de profundidad es aún
más realzada y la imagen resultante se ve como tridimensional.
En el " Tratado sobre la pintura " de Leonardo , afirma que "el
conocimiento del esquema es de suma importancia y, sin
embargo, puede adquirirse con gran certeza a fuerza de estudio;
como los contornos de la figura humana, particularmente
aquellos que no se doblan, son invariablemente los mismos.
Pero el conocimiento de la situación, la calidad y la cantidad de
sombras, siendo infinito, requiere el estudio más extenso ".
Para enfatizar aún más lo que es más importante, Sombras o
Contornos, continúa diciendo:"Requiere mucho más observación
y estudio para llegar a la perfección en la sombra de una
imagen, que simplemente dibujar las líneas de la misma. La
prueba de esto es que las líneas se pueden trazar sobre un velo
o un vidrio plano colocado entre el ye y el objeto a imitar. Pero
eso no puede ser de ninguna utilidad en la sombra, debido a la
gradación infinita de sombras, y la combinación de ellos, lo que
no permite ninguna terminación precisa; y con mayor
frecuencia se confunden, como se demostrará en otro lugar. "

El fuerte claroscuro se convirtió en un efecto popular durante el

siglo XVI en el manierismo y el arte barroco. El uso de sujetos
oscuros iluminados dramáticamente por un rayo de luz de una
sola fuente, fue un dispositivo de composición desarrollado por
varios artistas, incluido Michelangelo Merisi da Caravaggio
(1573–1610), cuyo uso dramático del claroscuro desarrolló el
estilo denominado tenebrismo ( Uso extremo de valores claros y
oscuros con un enfoque algo teatral).
Los valores (luces y oscuros) deciden la colocación. Le dicen al
espectador qué es qué y dónde está dónde. Debido a que el ojo
es fototrópico (ve la luz primero), la imagen con el valor más
claro (o la más clara) se ve primero. Los valores de luz se
adelantan cuando se yuxtaponen con valores oscuros tanto más
cuando su contraste es exagerado. Los valores oscuros
retroceden cuando se yuxtaponen con valores oscuros tanto
más cuando se minimiza su contraste. Cuando quieres que los
objetos se desvanezcan en el fondo, su valor es muy ligero,
pero tienen formas y detalles que disminuyen. No hay un
contraste de valores extremos y, por lo tanto, parece que se
están desvaneciendo. Como dice Leonardo, "... cuanto más lejos
está el objeto, más azul se pone".
Referencias:

Da Vinci, Leonardo. “Un tratado de pintura”. Publicaciones de

Dover. 2005

Braida-Chiusano, Olivia . “Diez pasos - Un curso de arte y

ilustración botánicos - Volumen 1” Publicaciones de arte de
OM . 2002

http://en.wikipedia.org/wiki/The_Musicians_(Caravaggio)

http://en.wikipedia.org/wiki/Michelangelo

http://en.wikipedia.org/wiki/Bartolomeo_Coriolano

http://en.wikipedia.org/wiki/Virgin_of_the_Rocks

https://figures.boundless.com/10921/full/raffael-stcatherina.jpe

http://www.operanews.com/Opera_News_Magazine/2007/4/Dep
artments/Metropolitan_Opera_Broadcast__Turandot.html
Unione

Florencia fue una ciudad famosa en el Renacimiento,

Michelangelo Buonarroti, Raphael Sanzio y Leonardo da Vinci
son los artistas más notables del Alto Renacimiento.

Las características del Arte del Renacimiento son la curiosidad

y la objetividad, el redescubrimiento de la literatura y el arte
La “tecla tonal” describe los tonos generales dentro de una
clásicos, y el individualismo. Las características del arte
imagen. Es posible que desee pensar en esto como una escala
renacentista de 1300 a 1600 incluyen el desarrollo de una
musical. La escala musical, o clave tonal, crea una historia, un
perspectiva lineal altamente realista, el estudio de la luz, la
juego entre la claridad y la oscuridad. Si el tono o el valor es
sombra y, famoso en el caso de Leonardo da Vinci, la anatomía
simplemente una cuestión de cuán clara u oscura es un área,
humana, el método artístico, la pintura al óleo y el lienzo.
entonces la "clave" es encontrar la "escala tonal" correcta. La
escala correcta potencia las relaciones de composición y eso
En los dos ultimos títulos hablamos sobre dos de los cuatro
determinará el estado de ánimo de las imágenes y el impacto
modos de pintura y dibujo del Renacimiento: Sfumato y
emocional. El método de emplear "Unione" en una pintura crea
Chiaroscuro. Este mes exploramos el uso y el significado del
una clave tonal más alta que cuando la imagen se compone
tercer modo, "Unione" pronunciado oohn-yeonie.
principalmente de tonos claros, sin sombras oscuras excesivas y
oscuras que se ven en el claroscuro.
Unione, o la unión de planos, evita el borde suavizado para dar
un borde acabado sin enfatizar demasiado como se haría en el
claroscuro. El forzado de los valores (oscuridad contra luz y luz
contra oscuridad) en una composición, ayuda a mostrar la
forma de manera competente. Lo que se debe aplicar con
habilidad es una amplitud de tono, un esquema tonal que es
necesario si desea crear hermosos valores tonales y un
resultado totalmente agradable. Esta búsqueda de la “tecla
tonal” correcta en una pintura es parte del uso efectivo de
Unione.

La técnica de Unione utilizada, como vemos en “St. Catalina de
Alejandría " y en Alba Madonna , c. 1510, revelan que los colores
son más brillantes y armoniosamente equilibrados, sin contrastes
violentos. Las sombras son suaves (vea el área del cuello y las
manos) como en Sfumato, pero los colores son más definidos y
prominentes.
Siguiendo una secuencia continua de modos sutiles a audaces en
la pintura del Renacimiento, Sfumato sería lo primero, seguido
por Unione , Cangiante y finalmente Chiaroscuro.
Con Unione, se observa una transición gradual e imperceptible
en el punto donde la luz y la sombra se unen. Unione está
asociada con el claroscuro, pero como se mencionó
anteriormente no usa conjuntos extremos de valores. Es una
técnica de color empleada sin líneas duras.
Unione se caracteriza por su calidad de sfumato. Busca colores
vibrantes, lo que Sfumato intenta de manera más sobria. Union
elimina los fuertes contrastes tonales y emplea la armonía del
color mientras mantiene un color vibrante. Cangiante, que Miguel
Ángel utilizó ampliamente en las pinturas de la Capilla Sixtina,
equilibra diferentes valores de color cambiando el color en lugar
de los tonos. Este cambio de color se logra utilizando colores
análogos y complementarios.
Rafael (1483–1520), quien, según Marcia B. Hall, fue
fundamental para el desarrollo de dos de los cuatro modos de
color en Roma del Alto Renacimiento: el claroscuro y la Unión.
Los otros dos modos fueron desarrollados por Leonardo da Vinci
(Sfumato) y Michelangelo (Cangiante). El dramático, a menudo
la iluminación nocturna del claroscuro es muy reconocible,
especialmente según lo adoptado por Caravaggio y Rembrandt.
En respuesta al sfumato de Leonardo y su unidad tonal general,
Rafael desarrolló esta técnica. Aunque Rafael estaba muy
impresionado por el esfumato, trató de lograr sombras suaves y
unidad tonal sin sacrificar la bellezza di colore, o el color
brillante (una propiedad muy apreciada de las pinturas en la
Italia del Renacimiento temprano). Lo que logró fue una "unión"
de sfumato y bellezza di colore.
Unione une contornos, contornos y bordes de objetos y espacios
para que la transición no sea borrosa ni demasiado audaz.
Establece los bordes en una pintura por los cambios de gradiente
entre el color, la mezcla suave alrededor de los bordes y un efecto
general brillante y unificado. Se llama unione porque se esfuerza
por crear una unidad fluida. En el retrato de Rafael II del papa
Julio, vea cómo lo incorporó a sus composiciones.
En el libro de Marcia Hall, el capítulo central, titulado "Los
modos de colorear en el Cinquecento" sostiene que en el Alto
Renacimiento se desarrollaron cuatro sistemas de coloración,
cada uno demostrado por un maestro principal: sfumato
(Leonardo), claroscuro (más tarde Rafael y Sebastiano del
Piombo), unione (Rafael) y cangiantismo (Miguel Ángel) .2 En
el siguiente diagrama, note la secuencia continua de modos
adyacentes de sutil a negrita en la pintura del Renacimiento,
Sfumato vendría primero, seguido por Unione, Cangiante y
finalmente Chiaroscuro. Haga doble clic en el diagrama, cuando
se abra, haga doble clic nuevamente y será más fácil de leer.
Avísame si tienes problemas para ver este cuadro.
Espero que esta explicación sobre el juego de valores y colores
lo inspire a probar algunas composiciones emocionantes "alla
Renaissance". El próximo mes, discutiremos CANGIANTE. El
término proviene del italiano "cangiare" que significa "cambiar".
Es una forma de renderizar sombras cambiando el color. Esto se
logra mediante la adición de colores análogos y complementarios.
Espero que esta explicación sobre el juego de valores y colores
lo inspire a probar algunas composiciones emocionantes "alla
Renaissance". El próximo mes, discutiremos CANGIANTE. El
término proviene del italiano "cangiare" que significa "cambiar".
Es una forma de renderizar sombras cambiando el color. Esto se
logra mediante la adición de colores análogos y complementarios.

Referencias:

1. “¿Cuáles son las características del arte renacentista | ChaCha

". Introduzca el nombre del sitio en cursiva . Np, nd web. 4 de
febrero de 2015 <http://www.chacha.com/question/what-are-the-
characteristics-of-renaissance-art>.

2. Color y significado: práctica y teoría en la pintura renacentista

por Marcia Hall, Cambridge University Press, abril de 1994,
ISBN: 9780521457330

Color y significado: práctica y teoría en la pintura renacentista ..

(sin fecha) > The Free Library. (2014). Consultado el 2 de febrero
de 2015 de
http://www.thefreelibrary.com/Color+and+Meaning%3a+Practice
+and+Theory+in+Renaissance+Painting.-a016871241