Documentos de Académico
Documentos de Profesional
Documentos de Cultura
Prof.:
Rosana Mengatto.
Alumno:
Santiago Maximiliano Rojas.
Barroco: Breve contexto Histórico
El Barroco como movimiento se manifestó mayormente en Europa Occidental, entre los siglos XVII y principios del
siglo XVIII. Debido a la conquista de América en 1492 también tuvo su manifestación en numerosas colonias de la
américa colombina.
Este periodo se envuelve en un contexto meramente teocéntrico caracterizado por disputas teológicas y religiosas
provocadas en su mayoría por el enfrentamiento entre católicos y protestantes, como es el caso por ejemplo de
la Guerra de los Treinta Años, entre otras.
Debemos también entender ciertos contextos previos para adentrarnos en los movimientos meramente culturales,
por que como decía aquel gran filósofo decimonónico español Donoso Cortes “Detrás de toda cuestión política se
esconde ahí una cuestión religiosa” Por un lado se encontraba Inglaterra disputando a España el dominio físico del
orbe y por el otro lado se encontraban los protestantes disputando el dominio espiritual a la Iglesia Católica. (Prof.
Cristian Rodrigo Iturralde – Libro Ob. 1492 Tomo I)
Volviendo al contexto en que tratamos acá, el poder hegemónico en Europa paso de la España imperial a
la Francia quien se consolida como un estado realmente poderoso en occidente, prácticamente hasta la ascensión
de Inglaterra al dominio en el siguiente siglo.(Hist. Fernando García de Cortázar – Breve historia de España)
Mientras tanto en la Roma post Reforma protestante se da uno de los núcleos principales de la cultura barroca, más
que nada luego del concilio de Trento (1545 -1563) donde la contrarreforma fue el puntapié difusor de aquel
grandioso periodo cultural en las artes plásticas y la literatura. El ideario contra reformista también se plasmó en
distintas órdenes religiosas, una de ellas, quizás la más reconocida “La compañía de Jesús” de San Ignacio de Loyola,
que mediante la predicación y la enseñanza fue difusora de la doctrina católica por casi todo el orbe. (Historia de de
la iglesia – Boulenger)
La Iglesia Católica se vio en una época de nuevo esplendor, y la figura del Papa se vio
fortalecida, también aquellos núcleos de la cultura barroca se vieron plasmados en aquel siglo
de oro europeo donde la España Católica fue aquella quien elevo grandemente los valores de la
hispanidad, con sus Cervantes, Lope de Vega Calderón de la Barca, dejando fundadas más de 30
universidades de primer nivel, cuando los ingleses aún no habían llegado a fundar dos. Dejaba
además España una veintena de colegios de nivel superior, hospitales, leprosarios talleres de
oficio y catedrales que aun hoy son dignas de admiración más profunda. (Cristian Iturralde –
1492)
Italia vive un contexto cultural propicio para las grandes construcciones emprendidas y
propiciadas por los papas Sixto V, Clemente VIII, Paulo V entre otros, un ejemplo es la
finalización de la Basílica de San Pedro y la renovación urbanística de Roma.
“El arte fue utilizado como un vehículo de expresión ad maiorem Dei et Ecclesiae gloriam, y
papas como Sixto V, Clemente VIII, Paulo V, Gregorio XV, Urbano VIII, Inocencio X y Alejandro
VII se convirtieron en grandes mecenas y propiciaron grandes mejoras y construcciones en la
ciudad eterna, ya calificada entonces como Roma triumphans, caput mundi («Roma triunfante,
cabeza del mundo” (Martínez Ripoll 1989) En otro país como la Francia de los Luises se centró
también uno de los núcleos de la cultura barroca, así como también en Holanda y Flandes.
También podemos decir del Barroco que fue una época de progresos en la filosofía y ciencia. En el carácter
científico se puede nombrar científicos de la talla de Blaise Pascal
quien se dedicó especialmente a la física, con interés en la hidrostática, motivo por el cual la unidad de
presión fue bautizada como Pascal. Otro científico importante Johannes Kepler será el astrónomo más
importante de la Edad Moderna junto con Copérnico y Galileo. Otro nombre René Descartes el padre
del método científico. Galileo Galilei el principal valedor del Copernicanismo. E Isaac Newton posiblemente el
científico más importante de toda la historia de la humanidad. Entre muchas otras leyes que enunció
destacan con nombre propio las Leyes de Newton sobre el movimiento, que sirven de marco para la mayor
parte de problemas básicos de la mecánica.
En el contexto artístico se adopta un carácter naturalista, y había una preocupación por las expresiones del
alma. Se observa cierto tenebrismo. Tiene una finalidad persuasiva: la de trasladar la atención del espectador
de las cosas materiales a las cosas eternas.
Tiene un gusto por lo exótico, sugestión por movimiento, y captación del momento. Utiliza la luz como uno de
los medios de expresión, por ser un elemento compositor del naturalismo, mediante luces y sombras podía
dar significados diferentes como la muerte, el mal, el peligro, etc. También podemos ver el uso de la “luz del
alma” la cual se usaba en retratos y expresa la iluminación interior para sugerir la consciencia y la vida
espiritual. Se observa en lo artístico la aproximación a lo natural y no a lo irracional, el paso del manierismo al
barroco fue interpretado como una victoria de la razón sobre el capricho.
A continuación citaré Algunos ejemplos de las formas artísticas en los
diferentes países en que se manifestó
Barroco francés
Hyacinthe
Rigaud, Luis
XIV, Museo del
Louvre, Paris,
279x190 cm,
1701.
Barroco HOLANDES
Vida cotidiana(holandés)
Medicina
Animales
Construcciones
a lo alto porq
falta el espacio
BARROCO EN AMÉRICA
Esculturas, un mini
retablo y
retablo personitas(móviles)
NOROESTE
CÓRDOBA
BUENOS
AIRES
imágenes
del
Barroco
Mestizo
Rococó: Breve contexto Histórico:
El estilo Rococó puede ubicarse en Francia a principios del siglo XVIII y se desarrolla durante los reinados de Luis XV
y Luis XVI. Este estilo puede considerarse como la culminación del Barroco, sin embargo algunos autores lo han
catalogado como un estilo independiente que surge como reacción al barroco clásico y que fue impuesto por la
corte de Luis XIV.
Durante el reinado de Luis se desarrolla una vida de la corte en el palacio de Versalles, donde el palacio real y
permite la difusión del estilo a toda la alta sociedad francesa
Algunos autores señalan que el Rococó se puso al servicio de la aristocracia y la alta burguesía de la época. Algunos
historiadores del arte como Fiske Kimball establecen la génesis del rococó en diversos decoradores franceses,
como Claude Audran III, Pierre Lepautre y Gilles-Marie Oppenordt. ( MORANT, Henry - 1980 Historia de las artes
decorativas) El escritor y critico de arte Mario de Micheli en el libroLas Vanguardias Artísticas del Siglo XX- menciona
que el estilo también aparece en las villas señorales. Tambien según el Manual de historia del arte de M. Pilar de La
Peña Gómez.
Será Juste-Aurèle Meissonnier (1695-1750) el inventor de las formas decorativas del Rococó. El Rococó tiene
diferencias con el Barroco y una de ellas es principalmente la despreocupación por cuestiones netamente religiosas,
mas que nada católicas, ya que como dijimos anteriormente es un arte eminentemente aristocrático para la clase
alta y para aquellos amantes del gusto delicado. Los motivos del Rococó buscan reproducir el sentimiento típico de
la vida aristocrática, libre de preocupaciones.
El Rococó nace y se circunscribe al ámbito francés aunque luego, muchos de sus rasgos influyen en toda Europa.. El
barroco primeramente separara las geografías mostrando por un lado el arte italiano y por el otro el flamenco y
entre ellos el recorrido pasa por el rococó (HISTORIA DEL ARTE” DE E. H. GOMBRICH) El movimiento se seguirá
desarrollando hasta la llegada del Neoclasicismo que pretendía una vuelta a la pureza de la antigüedad clásica.
Con respecto a la vertiente social se pueden observar ciertos cambios, aunque en poco tiempo
se puede decir que el papel de la mujer toma un poco de preponderancia en ciertas áreas
sociales, más que nada en el entorno de la alta burguesía.
En el estilo artístico como ya mencionamos predomina lo aristocrático y el gusto por lo elegante
y refinado, algunos consideran al arte rococó un arte meramente frívolo y exclusivista, de un
carácter elitista pero que tendrá una existencia breve, según el (Manual de historia del arte de
M. Pilar de La Peña Gomez pag.49)
En la pintura a diferencia del barroco el Rococo se caracteriza por la opulencia, la elegancia y por
el empleo de colores vivos, que contrastan con el pesimismo y la oscuridad del barroco. En su
etimología podemos decir que el termino proviene de la palabra francesa "rocaille" (piedra) y
"coquille" (concha), que eran elementos de gran importancia para la ornamentación de
interiores, donde predominan elementos naturales como las conchas, las piedras marinas y las
formas vegetales. Los temas más abundantes son las fiestas galantes y campestres, las historias
pastoriles, las aventuras amorosas y cortesanas. Las composiciones son sensuales, alegres y
frescas, predominan los colores pasteles, suaves y claros y la mujer se convierte en el foco de
inspiración, ya que es la figura bella y sensual.
En arquitectura Germain Boffrand (1667-1754), será quien con sus espacios ovales apunta ya
hacia los grandes palacios centroeuropeos. Él hace de la ornamentación interior su principal
objetivo a partir del motivo de la rocalla, creando el gran estilo parisino (Hôtel Soubise), que
reclama la participación de los principales pintores y estuquistas del momento. Aunque los
edificios mantienen las líneas precisas y las estructuras simples, se impone la opulencia en los
materiales y en la ornamentación a través de muchos motivos arquitectónicos (Manual de
historia del arte de M. Pilar de La Peña Gomez).
Para introducir al movimiento Rococó que se dio en España (de la cual será el exponente que
analizaré más adelante) se inicia durante el reinado de Felipe V (1700-1746), favorecido por el
estilo churrigueresco, que había llevado al barroco al recargamiento ornamental. Su influjo fue
limitado, ya que fueron muy pocos los contactos que España mantuvo con el rococó europeo y
especialmente con Francia y Alemania. El ejemplo más temprano de arquitectura rococó es la
portada de la catedral de Valencia, realizada por el alemán Conrad Rudolf La fachada del palacio
del marqués de Dos Aguas, diseñada por Hipólito, la catedral de Cádiz, proyectada en 1722 por
Vicente Acero. Otro ejemplo, es la fachada de la catedral de Murcia, de Jaime Bort. Junto a estos,
hay que destacar el empleo del estilo rococó en los proyectos decorativos de los interiores de los
palacios de la Familia Real, como en el Salón Gasparini del Palacio Real de Madrid.
A continuación, solo a modo de ilustración expondré algunos de los ejemplos antes
citados.
Fachada de la catedral de Murcia, de Jaime Bort
Fachada de la catedral de Cádiz 1722 Vicente Acero.
Neoclasicismo: Breve contexto Histórico:
Universidades:
Estructura(eje axial),
Estructura
centralizada, dan idea Cementerios: Antes enterraban los muertos en la Iglesia. Cuando
del poder que Improntas el cementerio es parte del estado, se entierran allí.
tranquiliza. Neoclásicas
• En lugar de la estatua ecuestre colocan • Por fuera del edifico es Clásico, por dentro
Obeliscos. es Barroca: Pertenece al neoclasicismo
Pintura:
• Características:
1. Búsqueda de representación naturalista. (Color)
2. Arte preocupado por la forma, espacio y color: Cuerpo pintado como composición.
3. Temática Anecdótica:
• Lenguaje: Uso consiente del modo de pintar (Racionalidad). Piensa en el tema.
• Separación del tema y la forma.
• Poética: Aquello que precede y presida el hecho artístico.
• Autonomía política del artista.
• Separación de tema y forma.
Romanticismo: Breve contexto Histórico:
Podemos hablar del Romanticismo como un movimiento cultural originado en reino unido y
Alemania aproximadamente a finales del siglo XVIII. Según sostiene el historiador Arnold
Hauser, el Romanticismo es un movimiento originalmente inglés tal como el surgimiento de la
burguesía moderna, que resulta de las condiciones que existen en Inglaterra y, por primera vez,
tiene su propia opinión desvinculada de la aristocracia. (Amold Hauser, Historia Social de la
Literatura y del Arte)
Aparece como una reacción revolucionaria contra la Ilustración y el Neoclasicismo, confiriendo
prioridad a los sentimientos. Se extiende desde Inglaterra y Alemania hasta llegar a otros países
europeos y se puede considerar como un movimiento que cubrió toda Europa y que tuvo su
apogeo en el período aproximado de 1800 a 1850.
En cuanto al Romanticismo como movimiento cultural un periodo trascendental para la
evolución de este movimiento en el campo de la filosofía, el arte, la literatura, la música y la
política, fue el periodo que se conoce como revoluciones burguesas, que en su definición política
se conocen como revoluciones liberales. Podemos citar la Revolución industrial como vehículo de
un cambio de vida de lo tradicional en nuevos modos de pensar.
El Romanticismo será mas bien una manera de sentir y concebir la naturaleza, por eso se
presentara de manera distinta y particular en cada país donde se desarrolla, e incluso dentro de
una misma nación, se manifiestan distintas tendencias.
Según el Manual de historia del arte de M. Pilar Gómez el Romanticismo al igual que el
Neoclasicismo, supone un cambio trascendental en la manera de entender el arte, aunque
anteponiendo siempre el sentimiento a la razón, por lo que tiende a romper las trabas
convencionales y la obra de arte se convierte en la expresión del único punto de vista de su
creador, quien ahora se deja llevar por la imaginación, la intuición, las emociones, la originalidad
y, por encima de todo, lo individual.
Nace también un nuevo concepto de artista que, guiado sólo por su vocación, se considera a sí
mismo como genio incomprendido que busca voluntariamente la soledad para huir del gusto
mediocre de la mayoría. La primacía del sentimiento individual conlleva una nueva consideración
de la naturaleza y de la historia, el hombre, ahora débil e insignificante, percibe que forma parte
de un universo inmenso y caótico, en el que, a diferencia del mundo clásico, ya no es la medida
de todo. Ante ello, su única alternativa es contemplar lo que le rodea, porque sólo así él mismo
se espiritualiza y se transforma.
El primer pintor romántico importante en Francia es Théodore Géricault (1791-1824), quien
trabaja durante los últimos años del gobierno napoleónico y, sobre todo, durante la Restauración
de Luis XVIII.
El origen del termino Romanticismo es el que relaciona «romántico» con la
expresión «in lingua romana» que alude a las lenguas romances distinguiéndolas
de la antigüedad clásica representada por el latín. Se trataría por tanto de un giro
hacia la lengua propia y vernácula como representante de la propia cultura.
Igualmente surge con este término una oposición entre «romántico» y «clásico» en
función de la lengua que prefirieran y, por añadidura, asociada también al gusto
creador de unos y otros. (Borchmeyer, Dieter «Zur Typologie des Klassischen und
Romantischen.» En: Walter Hinderer)
Entre los países más importantes citare algunos con sus obras relevantes:
<< Francia: este país se convierte en el precursor del movimiento, dejando de lado a Inglaterra y
Alemania, que, entre sus pintores, es necesario mencionar a Eugène Delacroix y su majestuosa obra La
Libertad guiando al pueblo.
Inglaterra: los pintores ingleses de esta época, donde encontramos a J. M. W. Turner o John Constable,
se caracteriza por su paisajismo.
Alemania: en Alemania se mezclaron el romanticismo y el realismo dando a conocer así a pintores
como Carl Spitzweg.
España: como en las primeros años del romanticismo, el pintor español de esta segunda etapa por
excelencia es Goya.
Otros países como Estados Unidos, Polonia y Rusia también tuvieron grandes artistas en esta etapa
romántica como Thomas Cole, Aleksander Orłowski y Alexander Andreyevich Ivanov. >> (Fuente:
Wikipedia)
En el campo de la música podemos nombrar a Alemania y su Beethoven como representante mas
importante, también podemos nombrar a Franz Schubert (1797-1828), Felix Mendelssohn (1809-1847)
y Robert Schumann (1810-1856) y el grandioso Frédéric Chopin,(1810)
El Apogeo de la expresión romántica en la pintura podemos encontrarlo entre los años
1820- y 1850 del cual daré un ejemplo en la página siguiente.
La libertad guiando al pueblo, de Delacroix, 1830, Museo del Louvre.
Obra en la que el pintor canta a la Revolución de 1830.
Representantes:
Antecedentes históricos: Según el inventario redactado tras la muerte de Felipe IV en 1665, el cuadro se hallaba entonces en el
despacho del rey en el cuarto de verano, lugar para el que fue pintado.
Se encuentra: En el Museo del Prado Madrid
Durante la guerra civil española el cuadro y otras obras fueron evacuados por el equipo de Jacques Jaujard y trasladados a Ginebra
En 1984, en medio de una fuerte controversia, fue restaurado bajo la dirección de John Brealey, experto del Museo Metropolitano
de Nueva York. Previamente se habían efectuado exhaustivos estudios en colaboración con la Universidad de Harvard. La
restauración se redujo a la eliminación de capas de barniz que habían amarilleado y alteraban el efecto de los colores. El estado
actual de la pintura es excepcional, especialmente si se tiene en cuenta su gran tamaño y antigüedad.
Claves estilísticas:
Año: 1779
Estilo: Barroco
Género: Costumbrista
Argumento: El cuadro nos muestra un paisaje de la aristocracia típico del barroco, presentando un ambiente intimo en una familia
de la realeza, según los historiadores la pintura relata la Infancia de Margarita la hija del rey Felipe IV, en el Palacio Real de Madrid.
Menina: “niña” con el que se designaba a las damas de compañía de la infanta.
Las Meninas Velázquez
Personajes de la obra:
1 Diego de Velázquez: el pintor se pinta a sí mismo escondido detrás de
un lienzo de gran tamaño
2. María Agustina Sarmiento: es una de las meninas y, por lo tanto,
dama de honor de la infanta. Se encuentra al lado izquierdo desde la
perspectiva del espectador. Está de rodillas
3. Mariana de Austria: es la segunda esposa del rey Felipe IV
4. Felipe IV: representado en el reflejo del espejo en el plano del fondo.
5. La infanta Margarita: La figura principal de la obra, es retratada
manifestando, a la vez, su origen real y su condición de niña. Se
encuentra rodeada de sus damas de honor o de las meninas.
6. José Nieto: ejercía como jefe de tapicería de la reina. Su función en el
cuadro es introducir luz a la habitación desde el fondo aumentando
perspectiva y profundidad.
7. Isabel de Velasco: se encuentra al lado derecho desde la perspectiva
del espectador. Su mirada se dirige hacia el público.
8. Marcela de Ulloa: ocupaba el cargo de «guarda menor de damas».
9. El guardadamas: es el cargo del mayordomo moderno. Conversa con
Marcela de Ulloa.
10. Maribárbola: es una enana alemana que integra el grupo de los
bufones de la corte.
11. Nicolasito Pertusato: es un bufón de la corte italiana que imprime el
aire infantil y juguetón molestando al mastín con su pie.
12: Se puede observar un perro, un mastín español que está en una
actitud de reposo, sin inquietarse ni siquiera cuando siente el pie del
enano.
Composición de la obra:
Planos: Se pueden distinguir tres planos
En el primero 1 se encuentra la infanta Margarita con sus damas de honor: "las meninas"; los
bufones de la corte y el mastín que representan la inocencia y la infancia;
En el segundo 2 se encuentra el propio Velázquez al lado izquierdo de la infanta y al extremo
derecho se encuentra el guardadamas y la guardamujeres.
En el tercero 3 podemos ver al jefe de tapicería
y a los reyes que a primera vista parecen
ser los menos importantes del cuadro
pero son los que le dan la profundidad
intelectual y técnica a la obra.
Luz
El juego de luces y sombras es exquisito.
Podemos distinguir tres fuentes de luz:
La más importante es el que proviene de
los balcones (1) Luz no artificial
Velázquez utilizó el punto de iluminación
más potente en el primer plano.
La segunda luz viene del fondo del
corredor (2)
Y la tercera es la más tenue,
captada por el espejo (3)
La gran protagonista del cuadro,
tanto por su posición central en la
composición como por estar en el
punto más iluminado del cuadro,
es la infanta Margarita Teresa de Austria.
Elementos iconológicos: Velázquez hace algo original
al incluir su retrato y omitir el contenido del lienzo
que pinta. También en la representación de sí mismo
aparece pensando y no actuando sobre el lienzo.
De esa manera resalta la importancia de la pintura
como actividad intelectual y no como actividad mecánica
o meramente artesanal.
El reflejo del Espejo justifica la permanente
presencia del rey y la reina parados
ante el lienzo.
Diego de Saavedra Fajardo, en junio de1640,
escribe acerca del significado del espejo en
la empresa nº 33 en estos términos:
No solamente por sí mismo se representa el
príncipe espejo a sus vasallos, sino también
por su Estado, el cual es una idea suya.
Probablemente Las meninas han estado influenciadas por la tela de
Jan van Eyck, El matrimonio Arnolfini. Cuando Velázquez estaba pintando
Las meninas, el cuadro de Van Eyck formaba parte de la colección de palacio
de Felipe IV y Velázquez, sin duda, conocía muy bien esta obra.
Espacio: abierto 2
Recorrido de la obra: Mientras los niños se divierten, uno de ellos columpia a la criada, será ésta el motivo
central de atención del que aprecia el lienzo. Otra sirvienta detiene a la niña más pequeña. Al fondo se
divisa una carroza hecha con manchas desdibujadas y tres pastores con sus ganados completan la escena.
Elementos simbólicos e iconológicos:
La presencia de ropas ostentosas en los menores es un símbolo inequívoco de que
pertenecen a la aristocracia.
Algunos críticos han afirmado que el columpio es una representación de las tres edades de la
vida personificadas en los niños (infancia), las mujeres (juventud) y los pastores en
lontananza (vejez)
Se ha hablado de la influencia rococó francesa por el tema del columpio.
Otras obras del artista: “El columpio” es un lienzo realizado para la quinta
El Capricho de los duques de Osuna en 1787. Forma parte de la serie
conocida como cuadros para la alameda de los duques de Osuna.
José Aparicio Inglada
Nació en Alicante el 16 de diciembre de 1773 fue uno de los más importantes pintores neoclásicos de
España Se formó en Valencia en la Real Academia de San Carlos ganando el primer premio de pintura en 1793.
Después pasó a estudiar a la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid. Y en 1799, obtuvo del
rey Carlos IV una beca para estudiar en París y, posteriormente, en Roma donde estuvo preso con artistas
españoles por jurar fidelidad al rey español en contra de José Bonaparte.
En París fue el primer alumno español de Jacques-Louis David, donde coincidió con Juan Antonio Ribera y
Fernández y José de Madrazo.
En 1805 recibió una medalla de oro por su cuadro La epidemia de España. Antes de viajar a Roma, en 1807,
José Aparicio expuso, por dos veces, algunas de sus obras en los salones de la capital francesa.
El 21 de mayo de 1815 será nombrado pintor de cámara del rey Fernando VII.
Por su obra más conocida, Desembarco de Fernando VII en la isla de León, fue nombrado académico de mérito
de la Academia de San Carlos de Valencia, en 1829 y, más tarde, director de la Academia de San Fernando.
Murió en 1838 pobre y miserable porque sus obras no serían aceptadas por los regímenes liberales que
sucedieron a la monarquía.
A juzgar por estudiosos como Ramírez Domínguez, su estilo es académico, dibujístico, relamido y frío, con
exageraciones grandilocuentes. Se dedicó fundamentalmente a temas históricos de carácter patriótico, además
de la pintura de historia, Aparicio cultivó el retrato de la élite política de aristócratas y entre otros pero
también realizó cuadros de temática religiosa.
Desembarco de
Fernando VII
En el Puerto de
Santa María -
José Aparicio
Análisis de obra:
Autor: Jose Aparicio
Titulo: “Desembarco de Fernando VII en el puerto de Santa Maria”
Mide: Altura = 82 cm; Anchura = 115 cm
Marco: Altura = 110,50 cm; Anchura = 142,70 cm
Técnica: Pintura al Oleo sobre Lienzo
Se encuentra: En el Museo del Romanticismo Madrid.
Antecedentes históricos: La historia de este cuadro es lamentable ya que en 1827 fue pintado y por desgracia
se cree que fue destruido en el incendio del Convento de las Salesas Reales de Madrid en 1915, donde se
encontraba instalado el Tribunal Supremo, pero se puede tener una idea aproximada gracias a la copia que se
conserva en el Museo Romántico. José Aparicio, como pintor de Cámara de Fernando VII, había pedido
permiso al Ayuntamiento de Madrid para representar en un monumental cuadro el acontecimiento aquí
narrado. De este modo, una vez concluida la obra en 1827, el Ayuntamiento obsequió con este lienzo al Rey y
pasó a formar parte de las colecciones reales del Museo del Prado y éste a su vez, lo depositó en el Tribunal
Supremo en 1883. Además nos consta que los Ayuntamientos del Puerto de Santa María y el de Jerez de la
Frontera solicitaron sendas copias del mismo, sin embargo la historiografía considera que el cuadro que se
conserva en el Museo del Romanticismo sería otra obra reproducida por Aparicio una vez ya concluido el
primigenio.
El cuadro fue hecho para representar una de las icónicas crónicas españolas en homenaje y admiración al Rey
Fernando.
Claves estilísticas:
Año: 1827
Estilo: Neoclasicismo
Género: Histórico – Crónica
Argumento: La escena histórica representa el desembarco de Fernando VII y la familia
real en el puerto de Santa María de Cádiz el 1 de octubre de 1823. En primer término la
falúa real y en el muelle multitud de personajes. En el centro, el Monarca y el duque de
Angulema estrechan sus manos.
A ambos lados de ellos, personajes de la Casa Real y detrás, representantes de la
nobleza española, generales franceses, así como el clero y personalidades del
Ayuntamiento de la ciudad gaditana. Al fondo, la Aduana y otros edificios del puerto, en
cuyas terrazas se agolpa la muchedumbre.
Al momento de la llegada de la familia real española al Puerto de Santa María le espera
Luis Antonio de Borbon y Saboya, el duque de Angulema. El Duque había comandado al
ejército formado por los Cien Mil Hijos de San Luis, guardia francesa que bajo los
auspicios de la Santa Alianza, fue creada para defender los derechos de las dinastías
reales de Europa. Cuando en 1823, este ejército avanzaba hacia Madrid, con el fin de
restituir al Rey en sus poderes, muy mermados por el mandato liberal, las Cortes
decidieron trasladar al Monarca a un lugar más seguro y, así la Corte se establece en
Cádiz. De este modo, la falúa regia se puso en marcha con toda la familia real hacía la
ciudad gaditana. Estos fueron recibidos, por el propio duque de Angulema, el ejército,
las autoridades de Cádiz y el pueblo llano. El acontecimiento supuso el fin del Trienio
Liberal (1820-1823) y el inicio de la llamada Década Ominosa (1823-1833), periodo de
máximo absolutismo del reinado de Fernando VII.
Los personajes de la familia real son claramente reconocibles, gracias a que José Aparicio dejó por
escrito, en un documento, la descripción del cuadro, aclarándonos entre otras cuestiones el asunto y los
nombres de los personajes representados en el mismo.
Así sabemos que a la izquierda del Rey aparecen: la Reina María Josefa Amalia de Sajonia; la infanta
Luisa Carlota llevando de la mano a su hija mayor, su esposo don Francisco de Paula, la infanta Princesa
de Beira, María Teresa de Braganza y, delante de ella, su hijo el infante Don Sebastián Gabriel, sobre
cuyo hombro apoya la mano.
A continuación los otros infantes niños, en brazos de sus amas de cría vestidas con trajes provinciales y
en el extremo de la falúa, un guardiamarina y varios muchachos subidos a los palos, con el fin de llamar
la atención con sus gritos.
Los personajes a la derecha del duque de Angulema
son los siguientes: los infantes María Francisca de
Asís yCarlos María Isidro que lleva de la mano a su
hijo el infante Carlos Luis, conde de Montemolín.
Detrás y sobre la escalera aparecen varios
sacerdotes y figuras eclesiásticas cubiertas con
capa pluvial y bajo palio. A continuación y algo más
alejado, se ve a la comitiva del Ayuntamiento con
sus maceros y, en la parte más baja, vemos a varios
generales franceses y militares españoles.
Detrás de todo encontramos el Castillo de San Marcos y el Palacio de la Aduana.
ESCRITO DE JOSE APARICIO CON LOS NOMBRES DE LOS
PERSONAJES:
Composición de la obra:
Planos: se pueden apreciar 2 planos En el cuadro podemos apreciar que en primer plano aparece
la familia real y miembros de la corte, así como representantes del clero y el ejército francés y
español, miembros de los llamados “cien mil hijos de San Luis”, comandados por el duque de
Angulema, al que vemos estrechando la mano del Rey y al fondo vemos al pueblo llano.
Espacio: abierto
La obra es bidimensional representada
sobre un plano de dos dimensiones (largo y ancho)
con una llamativa profundidad por medio del
claroscuro y la perspectiva.
Recorrido: Podemos apreciar al monarca delante de un amplio grupo de personas que tienen casi
todas la cabeza a la misma altura (isocefalia) que recuerda a las pinturas y esculturas medievales.
En el fondo aparece un edificio, con lo que el pintor consigue mayor profundidad espacial. El
destacado dibujo y la limitación del colorido -empleando rojos, azules y blancos,
fundamentalmente- caracterizan esta composición en la que sobresale la habilidad del maestro
para conseguir la galería de retratos.
Luz: Se observa claramente la luz apuntando a los monarcas y al vestido blanco de
la Reina María Josefa Amalia de Sajonia. El pintor busca captar los efectos de la luz
sobre los objetos mas importantes en este caso los miembros de la monarquía. Se
observa contrastes de sombras y el color predomina sobre el dibujo central de la
obra, se aprecia mucha exaltación del colorido en esa zona.
Contexto: El contexto histórico de ésta obra es muy fácil de identificar.
Corresponde al final del trienio liberal, durante el cual se restablecieron la
Constitución y los decretos de Cádiz, y el inicio de la llamada Década Ominosa.
Otras obras del artista representando la nobleza y la política son:
El retrato de Francisco Javier Castaños Y La infanta María Francisca de Braganza
Caspar David Friedrich Nació en Dresde el 5 de septiembre de 1774. Fue un pintor
paisajista del romanticismo alemán del siglo xix, generalmente considerado el
artista alemán más importante de su generación.
Varios fallecimientos ocurridos en su familia a lo largo de su infancia le indujeron a
que se ocupase intensamente en el tema de la muerte, siempre sufrió depresiones
y trastornos mentales, que en realidad influyeron en su trabajo. Los paisajes de
Friedrich reflejan su tormentoso paisaje interior.
Hacia 1790, cuando tenía dieciséis años, y quizá ya en 1788, recibió clases de
Johann Gottfried Quistrop, profesor de Dibujo de la Universidad de Greifswald,
quien probablemente le transfirió su entusiasmo por el paisaje de su tierra natal.
Entre 1794 y 1798 estudió en la Real Academia de Bellas Artes de Dinamarca,
fundada en 1754 según el modelo francés y considerada por entonces una de las
Academias más modernas. Allí fue alumno de Nicolai Abildgaard y, sobre todo, de
August Lorentzen y Jens Juel, uno de los pintores daneses más importantes del
siglo xviii. Pintó vaciados de yeso de esculturas clásicas, formándose más como
dibujante que como pintor.
Perteneció a la primera generación de artistas libres, que no pintaban por encargo,
sino que creaban por sí mismos para un mercado libre de galerías.
Su género preferido fue el paisaje y, dentro de él, los temas montañosos y marinos.
La obra de Friedrich tiene precedentes en una larga tradición de pintores alemanes
que, antes de él, pintaron paisajes «cósmicos» o «sublimes», como Durero o Adam
Elsheimer.
El espíritu que domina la obra de Friedrich es radicalmente romántico: abundan las
escenas a la luz de la luna, espacios gélidos (mar de hielo, campos helados), las
noches, paisajes montañosos y agrestes. Cuando incluye elementos humanos,
suelen ser de carácter sombrío, como cementerios o ruinas góticas.
Si hay obras de arte que, cuando las miras, simplemente te embelesan.
Te transmiten, además de belleza, tranquilidad de mente y de espíritu.
Obras que te transportan al interior del mundo pintado, en el cual
podrías pasar horas de tu tiempo sin cansarte. La obra que veremos a
continuación es una de ellas:
El caminante sobre el mar de nubes
Caspar David Friedrich
Análisis de obra:
Autor: Caspar David Friedrich
Titulo: “El caminante sobre el mar de nubes”
Mide: 74,8 cm × 94,8 cm
Técnica: Pintura al Óleo sobre tela
Se encuentra: En el Museo de arte de Hamburgo, Alemania.
Antecedentes históricos:
El cuadro fue hecho motu proprio (por propia iniciativa) La función y finalidad de la obra es aludir a la
realidad de que su obra estaba sometida a funciones ajenas a sus necesidades personales. Y desde luego,
esas pinturas estaban destinadas a complacer los propósitos de quienes las compraban.
Claves estilísticas:
Año: 1818
Estilo: Romanticismo
Género: Simbólico
Argumento: La obra nos muestra a un viajero de espaldas que viste de negro, se apoya con un bastón
adelantando una pierna, al viajero se le ha identificado con el propio artista. Se encuentra de pie subido a una
montaña elevada, mirando las nubes que le quedan debajo. Por atrás se puede observar una gran extensión
de cielo por encima de las alturas de las montañas del fondo que cubre gran parte del cuadro. El paisaje que
aparece en la obra es de la Suiza de Sajonia.
Personajes: El viajante (Se lo identifica con Caspar David Friedrich)
Composición de la obra:
La técnica que se utiliza es el óleo sobre tela, consigue una perspectiva aérea y
cromática.
Planos: En el cuadro aparecen tres planos:
El primero el más próximo al espectador oscuro
El segundo son rocas o cimas que se elevan por encima
de las montañas y el tercero son unas cumbres que
terminan fundiéndose con el cielo.