INSTITUTO SUPERIOR DE ARTES “OSCAR ALBERTO ALBERTAZZI ”

PROFESORADO EN ARTES VISUALES

TRABAJO PRÁCTICO N° 15

TEMA: HIPERREALISMO. ARTE URBANO Y GRAFITTI. ARTE ACCIÓN O PERFORMANCE ART.

INSTALACIONES e INTERVENCIONES LAND ART

MATERIA: HISTORIA DEL ARTEL II

PROFE : ALEJANDRA RODRÍGUEZ

ALUMNA: VERA MILAGROS BELÉN

DNI :45.816.586

COHORTE:2022

2DO AÑO

CICLO LECTIVO 2023

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Parte A: responder

HIPERREALISMO:
1. ¿Cuál es la principal característica del Hiperrealismo en el arte?
2. ¿Cuáles son las técnicas y materiales más comunes utilizados en el hiperrealismo?
3. ¿Cuál es la diferencia entre el Hiperrealismo y el Realismo en el arte?
4. ¿Cuáles son algunos de los artistas más reconocidos dentro del movimiento
hiperrealista?
5. ¿Cuál es el objetivo principal del hiperrealismo en el arte?

ARTE URBANO Y GRAFITTI:

1. ¿Cuál es el origen histórico del Arte Urbano y el Grafiti? Y ¿Cuáles son las
diferencias entre el Arte Urbano y Grafiti?
2. ¿Cuáles son los principales elementos y técnicas utilizados?
3. ¿Cuál es el impacto del Arte Urbano y Grafiti en el espacio público y la sociedad?
4. ¿Cuáles son algunos de los artistas más reconocidos dentro del Arte Urbano y
Grafiti?
5. ¿Cuál es la importancia del Arte Urbano y Grafiti en la cultura contemporánea?

ARTE ACCIÓN O PERFORMANCE ART

1. ¿Cuál es la definición de Arte Acción o Performance Art?

2. 2.¿Cuáles son los propósitos y las características principales del Arte Acción o
Performance Art?
3. ¿Cuáles son algunos de los artistas más influyentes en el campo del Arte Acción o
Performance Art?
4. ¿Cuál es la relación entre el cuerpo del artista y la obra de arte en el Arte Acción o
Performance Art? Y ¿Cuál es la relación entre el espectador y el artista en el arte
acción o performance art?
5. ¿Cuál es la importancia del tiempo y el espacio?
6. ¿Cómo se documenta y se preserva el arte acción o performance art?
7. ¿Cuál es la definición de Happening en el arte?
8. ¿Cuál es el propósito principal del Happening?
9. ¿Cuáles son las características principales de un Happening?
10. ¿Cuál es la relación entre el espectador y el artista en un Happening?
11. ¿Cuál es la diferencia ente Arte Acción o Performance Art y Happening?

INSTALACIONES:

1. ¿Qué es una Instalación en el arte?

2. ¿Cuál es el propósito principal de una instalación artística?
3. ¿Cuáles son los elementos y materiales más comunes utilizados en las instalaciones
artísticas?
4. ¿Cuál es la relación entre el espacio y la instalación en el arte?
5. ¿Cuál es la importancia del espectador en una instalación artística?
6. ¿Cómo se documenta y se preserva una instalación artística?

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 INTERVENCIONES LAND ART

1. ¿Qué es el Land Art y cuál es su propósito principal?

2. ¿Cuáles son los elementos y materiales más comunes utilizados en las
intervenciones de Land Art?
3. ¿Cuál es la relación entre el paisaje y la intervención de Land Art?
4. ¿Cuáles son algunos ejemplos famosos de intervenciones de Land Art y qué los
hace destacar?
5. ¿Cuál es la importancia del espectador en una intervención de Land Art?
6. ¿Cómo se documenta y se preserva una intervención de Land Art?
7. ¿Cuál es la relación entre la naturaleza y el arte en las intervenciones de Land Art?
8.¿Cómo se relaciona el Land Art con la ecología y la sostenibilidad?

Parte B:

1. BREVEMENTE (pueden ser ítems y/o asteriscos) realizar una descripción de la

técnica aplicada en cada movimiento
HIPERREALISMO.
ARTE URBANO Y GRAFITTI.
ARTE ACCIÓN O PERFORMANCE ART.
INSTALACIONES

INTERVENCIONES LAND ART

2. Seleccionar un artista de los movimientos

HIPERREALISMO. ARTE URBANO Y GRAFITTI. ARTE ACCIÓN O PERFORMANCE ART.

INSTALACIONES e INTERVENCIONES LAND ART

3. Realizar brevemente su biografía.

Realizar una FICHA ICONOGRÁFICA, de una obra seleccionada de cada artista
perteneciente a los movimientos HIPERREALISMO. ARTE URBANO Y GRAFITTI. ARTE
ACCIÓN O PERFORMANCE ART. INSTALACIONES e INTERVENCIONES LAND ART
4. SE ADJUNTA GUIA DE LA FICHA TECNICA (colocar la imagen de la obra). La guía
para desarrollar se encuentra en el PDF Fichas Iconográficas

DESARROLLO

1.Las principales características del Hiperrealismo en el arte es:

- Altamente detallado y preciso: Los artistas hiperrealistas buscan reproducir la realidad con un
gran grado de precisión y detalle en sus obras.

- Realismo exagerado: El objetivo del hiperrealismo es crea una sensación de realismo mas alla

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de lo que la realidad ofrece.

- Técnicas tradicionales: Se utilizan técnicas tradicionales como la pintura al oleo y la escultura

en madera o bronce.

- Tamaño real o aumentado: Muchas obras hiperrealistas son de tamaño real o aumentado, y
parecen fotografías em gran escala.

-Temas cotidianos: Los temas de las obras hiperrealistas a menudo son objetos y escenas
cotidianas, como automóviles, comida y paisajes urbanos.

-Iluminación y sombra precisas: los artistas prestan especial atención a la iluminación y las
sombras en sus obras para conseguir un realismo máximo.

-Fortalecimiento de la relación entre el artista y el espectador: A menudo se refuerza la

relación entre el artista y el espectador, ya que la obra es tan detallada y similar a la realidad,
es muy probable que el espectador sienta que esta viendo la realidad misma.

- Utilización de fotografías como referencia: Los artistas utilizan fotografías como referencia
para la realización de sus obras.

- Refleja la sociedad y mundo actual: Muchas obras hiperrealistas reflejan la sociedad y el

mundo actual, pueden contener un mensaje critico o social.

Uso de técnicas de pintura y escultura aplicadas de manera detallista y minuciosa para sea una
sensación de realismo que a menudo supera lo que ve en la vida real.

2. Las técnicas y materiales más comunes utilizados en el hiperrealismo son :

El hiperrealismo tiene como antecedente otra disciplina la -fotografía-, el deseo de capturar

la realidad conllevó al descubrimiento de la fotografía en el siglo XIX, dio paso al desarrollo del
arte hiperrealista. La pintura hiperrealista es un avance del fotorrealismo por los métodos y la
precisión utilizada, fundándose en base a sus principios estéticos. Para los pintores, para crear
obras de arte utilizan una técnica de depurada y su capacidad de observación es extraordinaria,
al ser capaces de retratar cada minucioso detalle de las fotografías como referencias.

Las técnicas en la pictóricas son mas tradicionales, igual que sus materiales, como la
utilización de pintura al óleo, siendo esta la mas común. En el caso de la escultura, es mas
literal que la pintura en su representación de la realidad, por eso, suelen ejecutarse en tamaño
natural a partir de moldes; sin embargo, puede incrementar el tamaño de estas obras, sus
materiales son menos ortodoxos: fibra de vidrio, silicona, acrílico, pintura de resina y objetos
cotidianos incorporados a la obra.

3 . La diferencia entre el Hiperrealismo y el Realismo en el Arte es :

El realismo y el hiperrealismo son dos corrientes artísticas que comparten similitudes, pero
también diferencias notables. Las diferencias entre si, se pueden mencionar que el realismo se
enfoca en la representación fiel de la realidad, pero no necesariamente busca un nivel de
detalle tan alto como el hiperrealismo; por otro lado, las obras hiperrealistas buscan crear
obras que parezcan fotografías, con una precisión y detalle casi perfectos. Además, la pintura
realista plasma lo que el ojo ve, que siempre implica una perspectiva concreta ya sea un
retrato, u paisaje o una realidad social; en el caso del hiperrealismo se pretende plasmar la

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realidad como una fidelidad y precisión superior a la fotografía, con un nivel de detalle
impresionante, un ejemplo, se llega a ver los poros d la piel o el interior del iris.

4. Son algunos de los artistas más reconocidos dentro del movimiento hiperrealista son :

• MALCOLM MORLEY

Pintor inglés (1931-2018). Su obra registra etapas y estilos muy distintos y, muchas veces, con
un desarrollo paralelo. Sin embargo, ha sido un exponente muy reconocido de la corriente del
hiperrealismo. Algunas de las obras hiperrealistas más conocidas del autor son: Escena de
playa (1968); Caballos (1969) y Tackle (2004).

• RICHARD ESTES

Pintor estadounidense (1932). Se caracterizó por la precisión de las apariencias en sus obras.
Sin embargo, no busca imitar el acabado fotográfico, sino que parte de la fotografía para
indagar en la refracción de la luz. Asimismo, hace uso de la geometría en sus composiciones.
Obras más conocidas: Cabinas telefónicas (1967); People’s Flowers (1971) y Double Self-Portrait
.

•RALPH GOINGS

Pintor estadounidense (1928-2016). Destacado representante de la corriente del

fotorrealismo. Sus temas suelen estar inspirados en elementos urbanos como puestos de
hamburguesas, transportes y lugares de la ciudad, así como objetos aparentemente triviales,
como ceniceros o jarras. El fondo de sus temas descansa en la calidad de vida de la sociedad de
consumo. Obras más representativas: Still Life with Peppers (1981), Dinner (1990) y Coffee and
Donut (2005).

•ANTONIO LOPEZ

Pintor y escultor español (1936). Su centro de interés está en los temas de la cotidianidad, los
que representa con rigor fotográfico sin usar fotografías como apoyo. Entre sus obras más
importantes, destacan: Espejo y lavamanos (1967); Vista de Madrid desde Capitán Haya (1987-
1996) y La familia de Juan Carlos I (2014).

• DUANE HANSON

Escultor estadounidense (1925-1996). Se dio a conocer gracias a las esculturas en tamaño

natural que ejecutó, cargadas de una verdadera apariencia de vida gracias al fino cuidado de
todos los detalles. Sus figuras suelen expresar rasgos de carácter. Entre sus obras más
conocidas destacan: Supermarket Lady (1969) y Mujer comiendo (1971).

•JOHN DAVIES

Escultor británico (1946). Busca indagar en la consistencia psicológica de los personajes que
representa en su escultura. Para ello, utiliza diferentes tipos de “artefactos” que pueden
parecer extraños a la escena, pero guardan una congruencia con el tema. Entre sus obras más
conocidas están Cabeza de William Jeffrey (1972) y Young Man (1969-1971).

•CAROLE A. FEUERMAN

Pintora y escultora estadounidense (1945). Su trabajo suele tener como línea transversal el

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tema del agua, expresión de la búsqueda de equilibrio interior. Ha desarrollado numerosas
obras de arte público. Entre sus trabajos más importantes se pueden mencionar Monumental
Brooke with Beachball (2010) y The Midpoint (2017).

RON MUECK

Escultor australiano (1958). Este artista se caracteriza por realizar esculturas colosales que
representan partes del cuerpo humano. Entre algunas de sus obras más conocidas podemos
mencionar Boy (1999), Máscara II (2002) y New Born

5. El objetivo principal del hiperrealismo en el arte es :

Como su nombre sugiere, el objetivo del hiperrealismo es imitar la realidad lo máximo

posible, a través de la precisión técnica, siendo más tradicional en las técnicas pictóricas; en
cuando a la escultura los artistas utilizan diversos materiales, para reproducir hasta el más
mínimo detalle.

6. El origen de arte Urbano, tiene sus orígenes en el imperio Romano. Aunque puede
parecerte algo estrictamente, en aquella época ya se utilizaba las pinturas en las paredes con
un enfoque satírico o de crítica. En la actualidad, se lo suele situar en Paris, en la década de los
setenta, cundo los artistas comenzaban a trabajar en las paredes de las calles, estas
inscripciones y pinturas eran mensajes políticos o criticas sociales. Sin embargo, el movimiento
como tal, surge del movimiento inglés “Street art” (arte de la calle), también llamado “Post-
graffiti”, a mediados de los años 90; para incluirá a un grupo de artistas que, de forma ilegal,
llenaban las calles de pinturas con mensajes innovadores, atrevidos, llamativos o
reivindicativas. El arte urbano, abarca una diversidad tipos de arte, buena parte de su interés
radica precisamente en la libertad que tienen los artistas a la hora de crear.

El arte urbano o arte callejero, hace referencia a todo arte de la calle, frecuentemente ilegal,
este arte engloba diversas técnicas, entre ellas, se encuentra el graffiti. Por su parte el Grafiti,
se utiliza para describir el conjunto heterogéneo de artistas que han desarrollado un tipo de
expresión artística, mediante el uso de diversas técnicas, entre ellas, las pegatinas, plantillas,
murales, etc.

7. Los principales elementos y técnicas utilizados son :

El arte urbano se desarrolla, en sus comienzos, principalmente con la elaboración de murales

y graffitis con pintura de spray. Si los clasificamos en base a sus técnicas empleadas, se tendrán
las siguientes categorías:

-Grafiti: El grafiti es la “pintada” tradicional, es decir, el dibujo o la escritura clandestina e las

paredes de la ciudad, solo que en el caso del arte urbano esta pintada no es simplemente un
menaje de protesta, sino que adquiere todo sentido estético: dibujos, formas, mensajes,
cifrados, etc.

-Stencil: Funciona en base a una plantilla de plástico o de papel em la cual se recorta la silueta
de lo que se desea pintar, y luego se las adhiere a la pared antes de pintaras con pintura, de
esta forma se logra que sean mas elaboradas y se las combina con textos con imagen.

-Pósteres: Impresos en papel u otros materiales y pegados con engrudo en las paredes,
permanece mucho tiempo y permiten combinar varios para formar figuras de importantes

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tamaños.

-Esculturas y otras intervenciones: Existen otras formas de arte callejero mas atrevidas que
intervienen objetos de la vía publica, casetas telefónicas o incluso billetes, combinando la
escultura con otras artes gráficas.

El arte callejero, por lo general, se caracteriza por ser:

- Efímero: Por lo general las intervenciones de este tipo no duran por mucho, pues las paredes
son pintadas de juego y las superficies limpiadas por el mantenimiento de gobiernos locales.

-Clandestino: La aparición de las obras de arte callejero suelen ocurrir durante la noche o la
madrugada, de modo que la gente al día siguiente se tropiece con ellas, en lugar de verlas
ocurrir.

-Casi anónima: Si bien muchas de las intervenciones están formadas con un seudónimo de
artista, muchas otras no lo están.

-- Extramuros: con su nombre lo indica, el arte callejero se encuentra en la calle, en el

transporte público, en lugares de exposición artística “controlados”.

8. El impacto del Arte Urbano y Grafiti en el espacio público y la sociedad es

En sus orígenes más significativos del arte urbano, fue el grafiti, donde los jóvenes
comenzaron a dejar sus marcas en las paredes y vagones de trenes. Esta forma de expresión se
convirtió en la manera de reclamar espacios públicos y transmitir mensajes personales y
políticos. En paralelo, la cultura Hip-Hop emergió de los barrios marginales de Nueva York, el
grafiti se convierte en una de sus representaciones artísticas mas destacadas, los artistas de
graffiti desarrollaron técnicas y estilos únicos para pintar letras y crear imágenes coloridas en
las paredes de la ciudad. Esta forma de expresión con el tiempo comenzó a ser reconocidas y
apreciadas por su valor estético y su mensaje. Desempeñando así el arte urbano un papel
fundamental en el embellecimiento y la mejora de los espacios públicos de las ciudades, donde
esta expresión artista transforma los entornos urbanos monótonos en lugares vibrantes y
visualmente impactantes.

9. Algunos de los artistas más reconocidos dentro del Arte Urbano y Grafiti son :

-Blu, es el seudónimo de un artista italiano que oculta su identidad

Blu se hizo conocido en 1999, gracias unos cuantos graffitis que realizó en el centro histórico
de Bolonia, Italia. Cuando inició, utilizaba pintura en aerosol, el medio tradicional del graffiti,

pero tiempo después desarrolló su estilo característico de usar pintura para el hogar, lo que le
permitió pintar murales más grandes y darles una intensidad más fuerte a sus obras. Es
conocido por obras que transmiten un importante mensaje político o social en todo el mundo.

-Banksy, tiene una gran popularidad entre los artistas del arte urbano

Es uno de los pioneros y más grande artista urbano del mundo de los graffitis. Debemos
mencionar al Jack of the Trade, la cual es una de las obras pilares del artista callejero británico
Banksy. Él realiza sus murales manteniendo el anonimato, y manteniendo todo como si fuera
una persona común y corriente. Lo cual indica que a muchos de estos artistas no les importa
ser famosos, solo quieren que se conozca su arte.

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-Roa, se especializa en animales a gran escala

Roa es el artista callejero más famoso de Bélgica, pues pinta animales a gran escala y
particularmente aquellas especies que coexisten con los humanos en el medio urbano y que
quizás estén en peligro debido a la sobrepoblación y modernización. Su particular sensibilidad,
impresionante destreza y estilo perfeccionado lo llevaron por todo el mundo, mientras que se
mantiene fiel a su objetivo inicial.

-Vhils, utiliza instrumentos como martillos y taladros

Alexandre Farto, alias Vhils, realiza alucinantes murales de retratos de personas, de cada país
al que va. Estos murales o graffitis no son los típicos que ves en las calles, estos son destruidos
con la ayuda de cinceles, taladros, martillos y todo con los que se pueda destruir. Ya que Vhils
desea que sus obras se vean tan reales que da el efecto de paredes deterioradas por el pasar
de los años.

C215, «las caras reflejan la personalidad» grandes palabras del artista

Christian Guemy es el hombre detrás de C215, el cual se encarga de plasmar rostros y

emociones por las calles y barrios que sufrieron las pérdidas de héroes locales o necesitan ser
escuchados por la sociedad. Sus obras se ven en todo el mundo, en especial en Barcelona y
Londres. Además, no solo lo puedes ver en las calles, también está en galería y subastas. Un
capo.

-Gaia, Humanos con partes de animales

Gaia es el artista representante de New York y Baltimore. El cual narra a través de sus murales
retratos y cuerpos de personas combinadas por partes de animales. Su estilo es raro y
terrorífico, pero dentro de ello no pierde la sofisticación que usa para plasmar su originalidad.

10. La importancia del Arte Urbano y Grafiti en la cultura contemporánea es :

El arte urbano buscaba sorprender a los espectadores con su mensaje revolucionario y critico
sobre ciertos aspectos de la sociedad y la política que se vivía en su momento de inicio. Pero a
día de hoy, los métodos y mensajes son muy diversos, pero siempre en el mismo escenario: la
calle.

11. La definición de Arte Acción o Performance Art es:

El performance art o Arte Acción, se define como una forma de arte donde la acción de un
individuo o de un grupo ocurre en lugar particular frente a una audiencia y en un intervalo de
tiempo determinado. Pone énfasis en la acción del artista para producir el arte, más que en la
producción de un objeto en sí.

12. Los propósitos y las características principales del Arte Acción o Performance Art son :

El performance art es un movimiento artístico contemporáneo que surgió a finales de os años

setenta como un arte de vanguardia que, concretamente, une a la obra de arte y al artista; la
obra de arte es una acción en vivo del artista, una representación eminentemente teatral,
llevado a cabo lo teatral a extremos en lo que la expresión se refiere. Este movimiento para que
se conozca mejor en que consiste se presentaran una serie d características, que son las
siguientes:

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-El artista realiza su obra ante una audiencia en vivo, el publico asiste al montaje de la obra e
incluso interactúan entre sí,

-Los artistas emplean todo tipo de disciplinas y recursos en su obra, desde la danza al cine, el
teatro, el body art, la informática, etc.

- Otra de las características del performance Art es que busca la espontaneidad y que cada
performance o representación sea única e irrepetible.

-Las intervenciones pueden realizarse en cualquier sitio, tanto en plena calle, como en museos
galerías.

. Las obras del performance art son efímeras y por ello muchas se gran en películas y videos
para poder difundirlas.

13. Algunos de los artistas más influyentes en el campo del Arte Acción o Performance Art son:

Marina Abramovic

Es una de las artistas pioneras del performance art, describiéndose a sí misma como
“Madrina del arte performance”.

Una de sus primeras obras, la que la hizo más popular fue la Rhythm 0. Una performance de los
años 70 en la que ella estaba quieta ante la audiencia dejando que hiciesen con ella lo que
quisieran, viendo cómo le cortaban la ropa con tijeras, le clavaban espinas o le apuntaban con
una pistola.

Otra de sus obras fue una escenificación de una despedida de su expareja en plena Muralla
China o se quedó sentada y en silencio durante ocho horas seguidas en el atrio del MoMA.
Marina Abramovic valora al máximo de la experiencia emocional de estar en contacto directo
con el público.

Allan Kaprow (1927- 2006)

Allan Kaprow fue otro de los pioneros del arte performance, estableciendo los conceptos
básicos de este tipo de movimiento. Kaprow desarrolló instalaciones artísticas y happenings

entre los años 50 y 60. Sus happenings fueron desarrollándose hacia piezas para varios
jugadores, investigando los comportamientos ordinarios y cotidianos.

Los trabajos de Kaprow buscaban integrar el arte y la vida mediante el happening,

manteniendo fluida la línea entre ambas realidades. En 1958 empleó por vez primera el
término happening para referirse a esas actividades artísticas en las que los materiales
perecederos se empleaban también para el arte. Así, los happenings eran planeados, siendo
juegos y actividades en las que los participantes intervenían como en un juego.

El evento transcurría sin distinciones ni jerarquías entre el espectador y el artista. Una forma
de arte participativa e interactiva en la que se trata de derribar la llamada cuarta pared entre
los artistas y los espectadores. Entre sus obras se encuentran la obra “Dieciocho happenings en
seis partes”, Words o Trading Dirt.
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Rebecca Horn

Rebecca Horn es una artista visual y directora de cine que se conoce por sus obras con
temática en torno al cuerpo, manipulando las formas corporales para mostrar todas sus
posibilidades a través del vídeo, la escultura, el cine y las performances.

Siempre enferma, Rebecca comenzó a hacer sus primeras esculturas corporales con madera y
tela. Una vez que abandonó su aislamiento, Rebecca empezó a realizar performance como
Unicornio, obra en la que una joven va a casarse y viste un cuerno en su cabeza y camina por
un campo de trigo. Unas performaces que comenzó a realizar a partir de finales de los años 60.
Entre las películas dirigidas por Rebecca se destacan Der Eintänzer (1978), La ferdinanda:
Sonate für eine Medici-Villa (1982) y Buster’s Bedroom (1990).

Matthew Barney

Y terminamos este repaso a los artistas de performance art más destacados para hablar de
Barney que se interesó desde muy joven por el arte y los museos, especialmente por la
escultura y la realización de vídeos.

En sus primeras exposiciones presentó instalaciones esculturales en las que incluía vídeos de
sí mismo interactuando con objetos y realizando actividades físicas como escalar. En sus obras
se incluye también esculturas, fotografías, dibujos y vídeos.

Entre sus obras se destaca el ciclo Cremáster, un proyecto dividido en cinco partes sin un
orden concreto. Unos films en los que mezcla historia, autobiografía, mitología y todo un
universo propio de símbolos e imágenes. Barney es un artista muy controvertido y polémico
que ha expuesto su obra en el Guggenheim de Nueva York o el Museo de Arte Moderno de
París.

14. La relación entre el cuerpo del artista y la obra de arte, es que, la performance pone
énfasis en la acción del artista para poder producir arte, más que en la producción de un objeto
en sí, es un arte efímero y se crea sabiendo que no durara, por lo que gana en libertad de
acción.

La provocación es uno de los objetivos de la performance art, por este motivo, la interacción
tanto del artista el espectador es parte de la representación que se está efectuando. Los
artistas suelen buscar a que el espectador sea participe de la performance art.

15.La importancia del tiempo y el espacio es :

La performance art también conocido arte de acción, implica la puesta en escena de

elementos escénicos que pueden incluir recursos como la improvisación y la interacción, que
pueden incluir varias disciplinas como la música, la poesía, el video o el teatro. Los elementos
que se conjugan en este tipo de obras están conformados por el cuerpo del artista, el tiempo
de duración, el espacio en el que se desarrolla, y la relación que existe entre el artista y el
espectador.

El espacio y tiempo constituyen el trabajo mismo de la performance art, es decir, que ambos
elementos participan y están presentes cuando se realiza una performance art. En cuando al
espacio, esta puede ocurrir en cualquier momento o contexto, inclusive uno mismo no se da
cuenta que lo está viendo o interactuando, además de que no tiene un límite determinado de
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duración.

16. Se documenta y se preserva el arte acción o performance art cómo:

Algunos artistas planean como se realizará una performance y lo transcriben en un registro,

este registro para su conservación dependería del artista en cuestión. Un registro muy utilizado
es la utilización de la herramienta del video, en esta de documenta de manera un poco más
eficaz el performance art, aunque se supone este arte es efímero.

17. Es la definición de Happening en el arte es :

Se trata de una manifestación artística organizada de forma colectiva a fin de fomenta la

fomentar la participación del publico en una obra de arte concreta, mostrando una diversidad
de emociones en el desarrollo de la misma. La palabra happening quiere decir “suceso” o
“acontecimiento”. Un happening es un acontecimiento artístico.

18. El propósito principal del Happening es :

El happening o acontecimiento corresponde a una acción en tiempo real que se considera

obra de arte. Cuenta una estructura abierta que da lugar a la improvisación de quienes
participan y construcción experimental que pone como funcionamiento a lo imprevisible como
principio constructivo de la obra de arte.

19. Las características principales de un Happening son:

El Happening se caracteriza por sr una suerte de hacer arte, pero que va en contra del arte
mismo. Todo artista que desarrolle happening, lo mostrara como un acto que se muestra
contra toda institucionalidad artística. Entre sus características fundamentales se encuentran
las siguientes:

- Frecuentemente se producen en lugares públicos.

- Utiliza la improvisación.

- La obra no cuenta con una trama o guion fabricado previamente.

-Estas obras son efímeras.

- Se requiere de la participación del expectador.

20. La relación entre el espectador y el artista en un Happening es :

Las obras de arte Happening esta por fuera de lo convencional, ya que en este tipo de arte se
debe olvidar de la idea de estar creando un espectáculo dirigido al público, sino que se focaliza
en organización y participación de el “espectador”, para que estos dejen de ser sujetos pasivos
y, con su actividad, alcancen mayor liberación a través de la expresión emotiva y la
representación colectiva en sí.

21. La diferencia ente Arte Acción o Performance Art y Happening es:

En cuanto al performance art es una acción artística que reúne varios medios de expresión,
tanto el teatro, la danza, fotos, poesía o música, es un acto organizado en donde puede que si o
puede que no participe el espectador; por su parte el happening es un evento improvisado que
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exige la participación del espectador o público.

22. Una Instalación en el arte es : un género de arte contemporáneo que surgió en los años
sesenta, el cual puede definirse como exposiciones que cambian la relación con el espectador y
el espacio, ya que se instaura como experiencias inmersivas y multisensoriales.

23. El propósito principal de una instalación artística es:

La instalación artística no solo es montaje y ordenamiento de objetos producidos o

intervenidos en un espacio o ambiente, las instalaciones son obras abiertas para el espectador
pueda interactuar con ella, el propósito de esto es el de crear experiencias sensoriales en este
ambiente determinado.

24. Los elementos y materiales más comunes utilizados en las instalaciones artísticas son:

La instalacion toma su propio espacio para componer su obra, ya sea en el piso, las luces,
paredes, etc., por lo que a veces la obra esta abierto para que el espectador puede interactuar
con ella, al principio las instalaciones eran temporales, pero hoy en día muchas veces las
instalaciones se vuelven permanentes e incluso son vendidas, como obras coleccionables; en
estas oras se han mezclados distintos materiales, los cales suelen sr cosas de la vida cotidiana
que jamás se habían considerado dignas de una oba, para así crear una muestra novedosa que
desafié lo establecido.

25. La relación entre el espacio y la instalación en el arte es que :

La instalación desde sus inicios, han cuestionado los límites de la obra d arte, por sus
características espaciales, están ligadas a la reflexión sobre el museo, el mercado y los entornos
expositivos y vinculan la creación a un lugar específico, otorgándole valor y construyéndose en
él, propicias experiencias en relación con el espacio y la percepción, los significados.

26. La importancia del espectador en una instalación artística es : parte importante dentro de
la obra de arte, en el caso de la Instalacion, la mayoría de las obras permite una interacción
activa con el espectador. En la instalación induce al espectador a una experimenta espacial.

27. Para recordarla en el tiempo, la instalación se documenta a través de fotos y videos, en el

caso de que esta no sea permanente, ya en el caso de que sea permanente este se fija al lugar
designado, en el cual ya no se va a mover.

28.El Land Art es una corriente del arte contemporáneo en la que se crea obras en plena
naturaleza, utilizando materiales que se encuentran en ella, incluso fenómenos naturales como
viento o las mareas para formar parte de sus obras. El Land Art se basa en la alteración del
paisaje y la unión de este con el ser humano, sirve para establecer una relación y sobre todo
una reflexión en lo que pintamos en este mundo y lo dañino o beneficiosos que podemos sr
para él.

29. Siendo el paisaje el elemento base, la obra de arte pasa a ser parte de él, en una
comunicación artística envolvente y única. Combina la arquitectura y la escultura, generando
obras de arte expuestas a la acción de los elementos de la naturaleza, hasta que terminan
fusionándose de nuevo en ella. Estos artistas entran en un ámbito libre e inmenso, lleno de
elementos y materiales ideales para su genio creativo, como la arena, piedras, la luz natural, el
viento, gravilla, agua, plantas, etc.
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30.La relación que hay entre el paisaje y La intervención de Landa Art Es que : La naturaleza
deja de ser solo el tema de inspiración y se convierte en un lienzo, donde el paisaje se
transforma con pura intensión estética. Algunos Cambios en la topografía se generan, por el
uso de herramientas y materiales en la elaboración de los proyectos artísticos.

31. Algunos ejemplos famosos de intervenciones de Land Art y qué los hace destacar son

Una línea trazada al caminar, de Richard Long (1967)

—Spiral Jetty, de Robert Smithson (1970)

—Campo de relámpagos, de Walter de Maria (1977)

—Memorial a los veteranos de Vietnam, de Maya Lin (1981)

—Campo de trigo-Una confrontación, de Agnes Denes (1982)

32 . La importancia del espectador en una intervención de Land Art :

La importancia del espectador: ya sea en una sala de museo o un espacio abierto como sucede
en el Land Art, lo importante en este tipo de exhibiciones es cómo el público interactúa e
interpreta el mensaje.

33.Los artistas de land art modifican la topografía, cavan zanjas, simas o surcos; hacen grandes
movimientos de tierras usando excavadoras o camiones oruga; construyen enormes rampas o
embalan edificios (Christo y Jeanne-Claude) o rocas; distribuyen colorantes en playas o
desiertos, pintan árboles o piedras.

34. la relación entre la naturaleza y el arte en las intervenciones de Land Art es:

La utilización de materiales de la naturaleza (madera, tierra, piedras, arena, viento, rocas,

fuego, agua…) para recrear paisajes naturales.

35.Los artistas siempre han mostrado inquietud por escuchar la naturaleza, por la observación
del mundo natural que les rodea. Un paisaje tiene multitud de lecturas que van además más
allá de la luz, el color o la propia realidad. Por ello la pintura puede ser un buen recurso para
aprender sobre ecología.
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Parte B

HIPERREALISMO

• Técnicas pictóricas tradicionales.

•Variedad de materiales en la escultura.

• Es altamente detallado y precisos.

• Los temas son cotidianos.

• Utilizacion de la fotografía.

• Iluminación y sombras presis.

ARTE URBANO Y GRAFITTI.

• El arte urbano se divide en diversas técnicas:

•Grafiti, que es la pintada tradicional.

•Stencil: Funciona a base de plantillas.

•Pósteres: Impresos en papel u otros materiales.

• Esculturas y otras intervenciones: Interviene objetos púbicos.

ARTE ACCIÓN O PERFORMANCE ART.

• Se busca la espontaneidad.

•Se emplea todo tipo de disciplinas y recursos en las obras.

• Es un arte de acción en vivo.

• Son efímeras

INTERVENCIONES LAND ART

•Altera en un sentido artístico, la superficie de la tierra.

•Utiliza e propio espacio natural como soporte de la obra.

•Es efímero, no sobrevive al paso del tiempo.

•Su principal técnica es la instalacion en el arte.

• Los artistas corrigen, cava zanjas, cimas usando excavadoras o camones de oruga.

INSTALACIONES

•Pueden ser permanentes o efímeras.

•Pueden estar constituidas por objetos de cualquier materia y forma.

• Lo artístico reside en la mirada del espectador.

• Lo importante es la exhibición al público.

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HIPERREALISMO.

MALCOLM MORLEY

Malcolm Morley (7 de junio, 1931) pintor inglés. Ahora vive en los Estados Unidos., Morley
nació en el norte de Londres. Tuvo una niñez problemática, y no descubrió el arte hasta que
pasó tres años en la prisión de Wormwood Scrubs. Una vez libre, estudio primero en
Camberwell School y después en el Royal College of Art (1955–1957), donde tuvo como
compañeros a Peter Blake y Frank Auerbach. En 1956, vio una exposición de arte
contemporáneo americano en la Tate Gallery, y empezó a hacer cuadros en un estilo
expresionista abstracto.

En 1958, un años después de abandonar el Royal College, Morley se trasladó a Nueva York,
conoció a Barnett Newman, y su estilo le influenció. Pintó una cantidad de cuadros en esta
época con solo líneas negras y blancas.

También conoció a Andy Warhol y a Roy Lichtenstein e, influenciado, en parte, por ellos,
cambió su estilo foto -realista (Morley prefiere decir super realista). A menudo utilizaba un grid
para transferir imágenes fotográficas (a menudo de barcos) de una variedad de fuentes
(folletos de viajes, calendarios o pinturas antiguas) para pintarlos lo más preciso posible, y se
convirtió en uno de los foto-realistas más famosos.

En los años 70, los trabajos de Morley empezaron a ser más expresionistas y empezó a
incorporar collage. Muchas de sus pinturas a mediados de los 70, como Train Wreck (1975),
representan catástrofes. Mas tarde en esta misma década, comenzó a utilizar sus propias
primeras obras y acuarelas como temas de sus cuadros.

En 1984, Morley ganó el premio Turner. En los 90 volvió a ser más preciso en su estilo foto
realista, a menudo reproduciendo imágenes de aeromodelos y cometas en grandes lienzos.
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ARTE URBANO Y GRAFITTI.

CHRISTIAN GUEMY alias C215

C215, un nombre misterioso que puede referirse tanto a un color pantone como a una
fórmula química. Pero detrás de este nombre en clave se esconde de hecho uno de los actores
más influyentes del arte callejero en Francia. Christian Guémy, alias C215, nacido en Francia en
1973.

Es en 2006 cuando el artista se suscribe a la práctica del stencil y el graffiti, actividad que
nunca le abandonará a partir de ese momento. Se formó en historia y economía, deseando
modelarse como un humanista moderno, y avanzará gradualmente hacia la Historia del Arte.

De este camino nació una fascinación por la obra de Caravaggio. C215 busca retransmitir el
brillo y la belleza de estos clásicos del arte en nuestras ciudades actuales. Para ello, tomará
posesión de las murallas de su ciudad, en Ivry-sur-Seine, y pintará obras de ensueño y
coloridas.

El detonante para él era una angustia. Se separó de su esposa y no podía ver a su hija de 4
años crecer día tras día. Decidido a mostrarle que todavía piensa en ella a diario, dibujará a su
ex esposa y a su hija Nina en una fachada de su barrio. Un evento que marcará el inicio de su
carrera como pintor urbano.

Su hija y más ampliamente el mundo de la infancia, estarán entre sus asignaturas favoritas,
siempre presentes en su obra, pero C215 abordará otros temas más universales. Siempre
desde una perspectiva humanista, se interesará por aquellos que están marginados, dejados
atrás en la sociedad para resaltarlos en el espacio público. Los anónimos se convierten en las
estrellas de sus plantillas. También toca la imaginación más ligera y le gusta dibujar parejas
enamoradas o animales, especialmente gatos.

Las obras de C215 son principalmente de tamaño humano para estar lo más cerca posible de
la realidad y de los transeúntes, con la excepción de ciertas creaciones murales más
imponentes. Emanará colores brillantes y una iluminación particularmente trabajada.
Percibiremos el carácter de sus modelos a través de los rasgos y expresiones que se
representan. Los rostros cobran vida y soplan un viento de poesía sobre la ciudad.
 Para el artista, el arte callejero debe fundirse con su entorno, interactuar con los elementos

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que lo componen y demostrar un verdadero esteticismo. Su primera referencia no es otra que

Ernest Pignon Ernest, figura tutelar del arte callejero en Francia.

Desde entonces, su trabajo se ha extendido más allá de la capital y sus suburbios a todo el
mundo, tanto en la calle como en los museos. Puede ser reconocido por su firma gráfica, que
simboliza un cubo en el que está inscrito su blaze (nombre o firma de un artista callejero) C215.

ARTE ACCIÓN O PERFORMANCE ART.

MARINA ABRAMOVIC

Marina Abramović, nacida en Belgrado, es la artista de mayor proyección mundial en el

ámbito de la performance, habiendo alcanzado con su obra elevadas cifras de cotización en el
mercado del arte contemporáneo

La influencia de su carrera, desde el comienzo en los años setenta, no ha hecho más que
aumentar en el ámbito de la performance y como icono femenino. Buen ejemplo de ello lo
encontramos en los nuevos dulces franceses denominados macarons, con sabor a Marina
Abramović, que dan cuenta del nivel de comercialización y capitalización de su figura como
producto mercantilizado.

En su trabajo suele llevar hasta límites insospechados la exploración sobre el propio cuerpo y
la figura del artista, habiendo sido el dolor uno de sus intereses más destacados. A través de
años de trabajo y exploración de la propia corporalidad desarrolla un método personal que
transmite a performers y a diferentes artistas –como, por ejemplo, la cantante Lady Gaga–.

La relación con el público es también otro motivo de exploración por parte de Abramović,
junto con la energía de los cuerpos y el alcance del poder cognitivo. En definitiva, su obra
abarca múltiples formas de lo sensitivo en torno a la percepción del dualismo vida-muerte.
 Durante el año 2005 retoma una serie de performances clásicas de artistas pioneros en este
género, como Bruce Nauman o Joseph Beuys, que reinterpreta bajo el nombre: Seven Easy
Pieces. Y en el año 2010, el MoMa le dedica una copiosa retrospectiva a toda su carrera como

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reconocimiento a la trayectoria profesional que lleva a cabo desde sus inicios.

Otra de sus obras fue una escenificación de una despedida de su expareja en plena Muralla
China o se quedó sentada y en silencio durante ocho horas seguidas en el atrio del MoMA.
Marina Abramovic valora al máximo de la experiencia emocional de estar en contacto directo
con el público.

INSTALACIONES

ERNESTO NETO

Nacido en 1964 en Río de Janeiro, Brasil. Vive y trabaja en Río de Janeiro, Brasil. Ernesto Neto
crea esculturas y entornos esculturales que a menudo implican técnicas y materiales artísticos
no tradicionales, como tejidos elásticos y semitranslúcidos, cojines y crochet, especias
aromáticas y música. La obra de Neto se dirige a la totalidad del cuerpo del espectador y
convierte a este espectador en un participante activo y autónomo de la experiencia de la obra
de arte.

Las obras más conocidas de Neto son sus entornos envolventes, a gran escala, poblados a
menudo por formas amorfamente pendulares que, en muchas ocasiones, crean una atmósfera
de irreverencia juguetona, que apunta al movimiento neoconcreto brasileño y a otros
movimientos de vanguardia de las décadas de 1960 y 1970. Aunque, en general, están
compuestas por formas abstractas y aparentemente sencillas, en realidad en estas obras Neto
emplea cuidadosamente los materiales de tal manera que los permite expresar sus cualidades
innatas y, a la vez, interaccionar con su entorno arquitectónico, con inventiva, pero con una
gran delicadeza.

La obra más reciente de Neto se ha inspirado en materiales procedentes de las culturas

indígenas de Brasil, incorporando el chamanismo, la cosmología y el sistema de creencias, las
obras colaborativas y las prácticas que alteran la percepción. Como en su obra escultórica,
intensamente táctil y a la vez intensamente visual, los espectadores se encuentran
simultáneamente dentro y fuera, lo que aumenta la relación perceptiva del cuerpo con el
espacio que lo rodea y, en última instancia, consigo mismo.

Se caracteriza por realizar exposiciones en las que invita a la participación activa del

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espectador. Su obra gira en torno a temas como la relación del ser humano con el entorno, lo
milagroso y lo divino.

INTERVENCIONES LAND ART

ROBERT SMITHSON

Es un artista americano, pionero del Land Art, que desafió las nociones tradicionales del arte
contemporáneo y redefinió el lenguaje de la escultura. Trabajó con materiales y formas muy
diversas: dibujos, proyectos y propuestas, escultura, earthworks (obras de tierra), películas y
escritos críticos. Su obra continúa inspirando a las nuevas generaciones décadas después de su
prematura muerte en 1973. Las obras de Smithson figuran en las colecciones de tales museos
como el Museo de Arte Moderno de Nueva York, Nueva York, el Museo Guggenheim, Nueva
York, el Museo Nacional De Arte Contemporáneo, Oslo.

Fue uno de los fundadores del movimiento artístico llamado Land Art o arte de la tierra,
conocido, sobre todo, por la obra de Smithson Spiral Jetty, 1970, ubicada en el Great Salt Lake,
Utah. Los earthworks representaban una ruptura radical con la forma tradicional de producir
los objetos formales para las galerías, sustituyéndola con un arte no comercial, que no podía
ser ni poseído ni observado tan fácilmente. Las obras de tierra de Smithson definieron una
noción totalmente original del paisaje.

Surgió como artista a partir de 1964 con unas originales estructuras minimalistas. También
desarrolló una amplia variedad de trabajos fotográficos, siempre evitando la composición
tradicional o imagen convencional. En todos los trabajos de Smithson se entreve su interés por
la entropía, la cartografía, la paradoja, el lenguaje, el paisaje, la cultura popular, la antropología
y la historia natural. Es en 1970 cuando Smithson empieza a trasladar su trabajo fuera de las
paredes de galería para concentrarse enteramente en earthworks, tales como Spiral Jetty,
Partially Buried Woodshed and Amarillo Ramp. En este momento un pequeño grupo de artistas
se dedicó a reformar sus ideas de arte en relación con la tierra, formulando así el Land Art. Esta
nueva forma de arte permitió a Smithson explorar las nociones de caos y orden, observando
cómo las fuerzas naturales, el viento, la lluvia, el calor o el frío, afectarían su obra efímera con
el paso de tiempo. Sus esculturas, contemporáneas en concepto y ejecución, encarnan el
espíritu de los grandes monumentos de las civilizaciones prehistóricas.

Smithson murió a tan sólo 35 años de edad en un accidente aéreo, mientras fotografiaba el
sitio para una de sus obras de tierra, Amarillo Ramp.

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Fichas iconográficas

Hiperrealismo

Título: Escena de playa.

Artista: Malcolm Morley.

Fecha de Creación: 1982.

Género: Paisaje, Costumbrista.

Estilo: Hiperrealismo

Tema: El tema en la mayoría de las obras de este estilo, se trata de la vida cotidiana de las
personas, en este caso es de una familia que se divierten en la playa.

Lugar de Creación: Estados Unidos.

Técnica: litografía sobre papel.

Medidas: 38 3/16 × 51 5/16 pulg. (97 × 130,3)

Resumen: El Fotorrealismo se basa a partir de una fotografía, considerada variante del

Hiperrealismo. Malcolm Morley se sitúa dentro del Fotorrealismo, convierte sus obras en
simulacros de la realidad.
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Arte Urbano Y Grafiti

Título: “Girl With Balloon”

Artista: CHRISTIAN GUEMY alias C215

Fecha de Creación: 2002

Género: Arte Callejero

Estilo: Arte Urbano o Grafiti

Tema: La pintura representa a una niña cuyo cabello y vestido ondean al viento. Ella está
tratando de alcanzar o soltar un globo rojo con forma de corazón que se le ha caído de las
manos. El poderoso mensaje del gesto y el globo rojo que es un símbolo arquetípico de la
infancia y la libertad se puede leer de muchas maneras.

Lugar de Creación: Londres

Técnica: Grafiti

Medidas: 101 by 78 by 18 cm. 39 ¾ by 30 ¾ by 7 in.

Resumen: Algunas personas interpretan a Girl With Balloon como un símbolo de la inocencia
perdida, mientras que otras creen que la niña está soltando el globo, en fin, bancos quiere que
el espectador mantenga la esperanza, incluso cuando está fuera de su alcance.
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ARTE ACCIÓN O PERFORMANCE ART

Título: Rhythm 0.

Artista: Marina Abramovic.

Fecha de Creación: 1974.

Género: Puesta en escena.

Estilo: Performance Art, Art contemporaneo.

Tema: Hay 72 objetos en la mesa que uno puede utilizar en mí. Yo soy el objeto. Durante este
periodo mi responsabilidad es plena. El cual la duración es de 6 horas (20 a 2h). Esta
performance termino siendo una pesadilla para Abramovic, a través de ella la artista dio una
lección, de lo que es capaz la humanidad si les das herramientas.

Lugar de Creación: Presentación en Estudio Morra Nápoles, Italia.

Técnica: Expresión corporal.

Medidas: Variables.

Resumen: Marina Abramovic tenia 28 años cuando decidió culminar su serie de Ritmos con
una de las performances más polémicas jamás realizadas. En sus otras Performances (Ritmo
10, Ritmo 5, Ritmo 4, Ritmo 2), ya había puesto su integridad física engrave peligro, pero en -
Ritmo 0- perdió literalmente el control. Donde se quedaría completamente quieta, y donde el
público tendría disposición 72 objetos, literalmente entonces todo dependiendo de la voluntad
del público.
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INSTALACIONES

INSTALACIONES

Título: Nho Nho Naves

Artista: Ernesto Neto.

Fecha de Creación: 1999.

Género: Arte contemporaneo.

Estilo: Instalacion.

Tema: Se invita a que los espectadores ingresen y recorran los espacios, explorando túneles y
habitaciones de otro mundo perfumados por formas colgantes llena de especias.

Lugar de Creación: Contemporary art Museum, Houston.

Técnica: Escultura (tejido de poli)

Medidas: Variables.

Resumen: Como ocurre con gran parte de los trabajos de Ernesto Neto, se caracteriza por tener
formas biomorficas, la gran escultura está hecha de lycra estirada asegurada con sacos de
arena construidos con medias nailon de mujer
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INTERVENCIONES LAND ART

Título: Spiral Jetty.

Artista: Robert Smithson.

Fecha de Creación: 1970.

Genero: Arte conceptual, Paisaje.

Estilo: Land Art.

Tema: La espiral Jetty, habría que leerla como se lee una ecuación de física en las letras y
números dicen mas de lo que son y, al descifrarlas, podremos hacernos una idea de la
magnitud que encierre. En las relaciones entre partes y del todo encontramos contenidos. La
imagen n superficie de la espiral es su apariencia externa: Smithson quiso que la
contemplemos como si se proyectara cónicamente hacia adentro del agua y hacia afuera, a
modo de contra de caracol, identificada en la mitología griega en el laberinto del minotauro.

Lugar de Creación: Se sitúa en el Gran Lago Salado del desierto de Utah, EE.UU.

Técnica: Construcción.

Medidas: 4.6 x 460 m.

Resumen: Spiral Jetty no es el muelle de tierra en sí, es el conjunto de filmaciones, fotografías,

mapas y escritos que realizo Smithson durante su creación y finalización de la obra. Tiene un
carácter procesual, típico del Land Art, el cual se enmarca dentro de la reacción, de la
vanguardia contra el llamado Arte Pop.

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BIBLIOGRAFÍAS

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