¿Qué son las Artes visuales?

Las artes visuales hacen referencia a un conjunto de técnicas y disciplinas artísticas que van desde las artes
plásticas tradicionales, hasta las tendencias más novedosas y poco convencionales que aprovechan las nuevas
tecnologías disponibles, como el arte digital, el arte urbano y otras más surgidas durante el siglo XX y lo que va de
XXI.
Estos términos se usan para insistir en la dimensión común que engloba tantas técnicas y recursos diferentes, y que es
lo visual, entendido como aquello que requiere de la atención del espectador para percibir a través de la mirada los
detalles que componen la obra.
Sin embargo, este término puede llegar a ser un poco arbitrario, si consideramos que en casos como el videoarte se
involucran también otros sentidos.
La lista de las artes visuales es grande, y abarca técnicas tradicionales y otras novedosas, llegando incluso a incorporar
ciertas artes escénicas como el performance, en las que priva la percepción visual de los eventos artísticos.
En ese sentido, ha servido de objeto de estudio a disciplinas de la interpretación como la psicología (gestalt),
interesadas por la manera en que percibimos la realidad y la organizamos mentalmente.
En ese sentido, el Arte visual presta mucha atención a la dinámica que hay en sus obras entre el fondo y la figura
representada, entre el contorno, las tendencias hacia la agrupación de los elementos y la manera en que se generan
efectos anímicos, estético e incluso éticos en torno a lo percibido.
Historia de las artes visuales
Las artes plásticas tradicionales tienen su propia historia, dado que provienen de los tiempos más antiguos de la
humanidad, en especial la pintura y escultura. Sin embargo, luego del cambio de paradigma tecnológico que significó
la Revolución Industrial y las posteriores revoluciones tecnológicas del siglo XX, hoy en día existen vertientes
modernas como la fotografía o el cine, y otras aún más recientes como el videoarte, el net.art (arte en Internet),
el Land Art o el happening o performance. La historia del arte visual es la de una innovación cada vez más atrevida.
¿Para qué sirven las artes visuales?
El Arte Visual puede abrir los ojos respecto a ciertos significados que no se consideran.
Convengamos en que el arte, como decía Oscar Wilde, no sirve para nada. Es decir, no tiene una utilidad práctica,
no es intercambiable económicamente ni sirve para reparar la estufa cuando se daña en invierno.
Sin embargo, el arte visual tiene a menudo aplicaciones decorativas en hogares, edificaciones o simplemente en
la ciudad, como el arte urbano (street art) que pueden brindar al espectador cierta sensación de armonía o por el
contrario abrirle los ojos respecto a ciertos significados que, normalmente, ni siquiera considera.
Clasificación de las artes visuales
Las artes visuales son numerosas y eso incluye al menos las siguientes categorías:

 Artes plásticas tradicionales: pintura, escultura, arquitectura, dibujo, grabado.

 Artes visuales del siglo XX: fotografía, cine, arte cinético, arte abstracto, Land art (arte con la tierra o el
suelo mismo), arte urbano, grafiti, performance.
 Artes digitales o de la nueva era: videoarte (arte multimedia), net.art, arte digital, fanart y las
instalaciones (conjunción de escultura, pintura y diversos elementos plásticos en torno a un espacio
determinado).
Características del arte visual
El arte visual, entendido como categoría global, presenta las siguientes características:

 Transdisciplinariedad. Este término significa que las artes visuales se mueven entre diversas
disciplinas, en lugar de quedarse estancada en una sola o de respetar las “fronteras” entre ellas. En
principio se puede echar mano a cualquier técnica, forma o tradición y combinarla con cualquier otra
que resulte conveniente.
 Tiende a la apropiación. Las artes visuales tienden a reciclar tendencias y exploraciones previas o
tradicionales, y a resignificarlas con capas nuevas de sentido mediante intervenciones y giros irónicos.
 Es un arte global. Se maneja muy bien en el imaginario heterogéneo y contaminado de la globalización,
donde pocas cosas se tienen por “puras” o “inamovibles” y se valora la mezcla y el atrevimiento.
 Maneja estrategias de exposición. No se contenta con los museos y espacios controlados, sino que
invade lo urbano, sale en búsqueda del espectador y a menudo exige de él cierta colaboración o cierta
complicidad para formar la obra.
 ¿Sabías que las artes visuales ayudan al desarrollo de las expresiones creativas naturales? Y
no sólo eso, también son fundamentales para la cultura de nuestra sociedad; el arte como
actividad creativa, tiene un efecto liberador, curativo y de desarrollo personal. En este artículo
te contamos más sobre esta fascinante actividad.
 ¿Qué son las artes visuales?

 Son una manifestación artística, expresiva, de percepción visual en la cual, la persona crea y
recrea mundos naturales o fantásticos mediante elementos materiales utilizando diversas
técnicas que le permiten expresar sus sentimientos, emociones y percepciones del mundo
que lo rodea.

 Origen e historia de las artes visuales

 El concepto artes visuales se originó a finales de la segunda guerra mundial, cuando los
artistas europeos que habían emigrado a Nueva York asientan una producción artística que
se relaciona con la libertad expresiva y formal propiciada por las vanguardias de fines del
siglo XIX, a lo que se sumó el crucial empuje que significaron las propuestas de Marcel
Duchamp. Fue por el año de 1980 cuando el término artes visuales empezó a predominar en
el vocabulario.

 ¿Para qué sirven las artes visuales?

 Sirven o cumplen con una misión estética, ideológica, conmemorativa, pedagógica y como un
mecanismo para expandir la realidad. También son elementales para dar sensibilidad al
espectador, para transformar espacios y funcionan como un excelente vehículo para la
expresión.

 ¿Cómo se clasifican las artes visuales?

 Artes plásticas
 Son las disciplinas en las que el artista crea la obra usando activamente la materia, como la
escultura, la arquitectura, la pintura, el grabado y el dibujo.

 Artes visuales del siglo XX

 Las expresiones artísticas que aparecieron durante la segunda mitad del siglo XX fueron el
videoarte, las instalaciones, las intervenciones, el land art, el arte ambiental, el arte efímero, el
arte postal, el arte urbano, el arte público, el arte cinético, la caligrafía y el graffiti.

 Artes digitales o nueva era

 Hacen uso de las nuevas tecnologías y de los medios de comunicación emergentes,
principalmente el internet, para explorar las potencialidades estéticas, entre ellas están la
fotografía, fotomontaje digital, el arte interactivo digital, el arte generativo, dibujo, pintura y
escultura digital.

 Técnicas de las artes visuales

 Pintura
 Se utilizan las técnicas secas, en donde la pintura es sólida y no es necesariamente un
disolvente para su aplicación. Los tipos más comunes son el lápiz grafito, lápices de colores,
rotuladores, el carboncillo y las ceras.

 En las técnicas húmedas los pigmentos se encuentran diluidos en un medio aceitoso y los
colores se aplican con pinceles. Se utiliza la témpera, acuarela y el óleo.
 Dibujo
 Existe el dibujo artístico, el cual es realizado a mano alzada y busca plasmar sensaciones
personales, influenciadas por la imaginación y las vivencias de cada persona.

 El dibujo técnico es hecho con instrumentos especiales, representa los objetos lo más
parecido a la realidad, usando escalas, a fin de proporcionar la información técnica necesaria
para su análisis.

 Las técnicas más usadas en el dibujo, son los lápices, el carboncillo, los pasteles, y los lápices
de cera.

 Grabado
 Es una técnica de las artes visuales, que consiste en realizar entalladuras huecas en el metal
con una herramienta o un ácido en una lámina de metal. Esta última se entinta, se limpia y se
pasa por una prensa.

 Escultura
 Se crean volúmenes y se conforman espacios, utilizándose esculturas exentas y de relieve. En
el método de añadir se utilizan materiales como arcilla, metal y madera y las técnicas a
emplear son el modelado, la soldadura y el encolado.

 En el método de sustraer se ocupan materiales duros como la piedra o madera y las técnicas
que usan son el esculpido y la talla, con ayuda de martillos, cinceles, mazas y gubias.

 Y por último, en el método de vaciado se utilizan las crayolas, el hormigón, metal y plásticos.

 Fotografía
 Es una de las artes visuales contemporáneas, en donde el artista expresa emociones,
sentimientos y pensamientos. Actualmente, incorporan técnicas de la computación, siendo los
programas de la paquetería de Adobe uno de los más utilizados para los fotógrafos
profesionales, como el Photoshop; esto permite ampliar el campo de acción comunicativo de
las fotos.

 Vídeo
 Se emplean imágenes en movimiento , sin utilizar una narrativa concreta o una historia
definida. Las presentaciones de canal individual son mostradas al espectador de manera
similar a las de la televisión, en las cuales el arte es simplemente transmitido, mientras que en
las técnicas de instalación el video es utilizado como una faceta más involucrada en la obra en
general.

 El video profesional también puede involucrar otros medios como lo son el diseño, el arte
electrónico, la arquitectura y la escultura.

 Carreras afines a las artes visuales

 Licenciatura en Ciencias de la comunicación

 La comunicación audiovisual es parte importante de esta carrera, por lo que tiene relación
con las artes visuales. Implica una gran capacidad para transmitir mensajes de manera
eficiente y creativa, cuyo objetivo principal es estudiar, analizar y discutir los fenómenos
relacionados a la transmisión de información y a su vez estudiar la forma en la que las
personas realizamos nuestro proceso comunicativo
  Producción y animación
 Los profesionistas que estudian esta carrera aprenden a generar un producto animado, por lo
que parte de crear los personajes, pasan por el proceso de dibujar, tomar fotos y videos. Sin
embargo, también se apoyan de las nuevas tecnologías para dirigir producciones
profesionales y la creación de materiales audiovisuales.

 licenciatura en Diseño gráfico

 También es llamado comunicación visual, tiene como objetivo crear y transmitir mensajes a
través de la imagen combinando texto e imágenes que refuerzan y hacen más claro un
mensaje.

 Se aprenden temas relacionados con la composición visual, la estética, la creatividad y el

manejo de diferentes herramientas y softwares que sirven para transformar las ideas y
mensajes en piezas gráficas.

 No olvides que en la Universidad del Valle de Puebla puedes cursar las

licenciaturas afines a las artes visuales, como ciencias de la comunicación, producción y
animación y diseño gráfico. También contamos con talleres culturales con el objetivo de
apoyar la formación integral de nuestra comunidad universitaria, a través del desarrollo de
habilidades artístico-culturales, que permitan fortalecer sus talentos en el taller de su
preferencia.

Las artes visuales engloban las artes plásticas tradicionales, así como las expresiones que
incorporan a la nueva tecnología orientada al arte o elementos no convencionales, y que su mayor
componente expresivo es visual, como la fotografía, videografía, cinematografía, y lo también
llamado arte de los nuevos medios, entre los que se incluyen:

 arte digital
 fanart
 fotografía
 net.art
 videoarte
Así como otras expresiones de aparición en el arte del siglo XX, como:

 arte ambiental
 arte cinético
 arte efímero
 arte postal
 arte público
 arte urbano
 instalación
 intervención
 Land Art
Otras disciplinas artísticas, como las artes escénicas, poseen dimensiones compartidas con las artes
visuales, por lo que estas definiciones no son estrictas y se consideran, en el campo de las artes
visuales, también expresiones como:

 Arte de acción
 Arte interactivo
 Caligrafía
 Fluxus
  Grafiti

Dibujo[editar]
Artículo principal: Dibujo

El dibujo es un medio para hacer una imagen, ilustración o gráfico utilizando cualquiera de una
amplia variedad de herramientas y técnicas disponibles en línea y fuera de línea. Por lo general,
consiste en hacer marcas en una superficie aplicando la presión de una herramienta, o moviendo una
herramienta a través de una superficie utilizando medios secos como grafito lápices, pluma y
tinta, pinceles para tinta, lápices de cera, crayónes, carbónes, pasteles y marcadores. También se
utilizan herramientas digitales, como bolígrafos y lápices ópticos, que simulan los efectos de éstos.
Las principales técnicas utilizadas en el dibujo son: el trazado de líneas, el rayado, el rayado cruzado,
el rayado aleatorio, el sombreado, el garabateo, el punteado y la mezcla. Un artista que destaca en el
dibujo se denomina dibujante o dibujante.1
El dibujo y la pintura se remontan a decenas de miles de años. El arte del Paleolítico Superior incluye
el arte figurativo que comienza entre hace unos 40.000 y 35.000 años. Las pinturas rupestres no
figurativas que consisten en plantillas manuales y formas geométricas simples son aún más antiguas.
Las pinturas rupestres paleolíticas de animales se encuentran en zonas como Lascaux,
Francia y Altamira, España en Europa, Maros, Sulawesi en Asia, y Gabarnmung, Australia.
En el antiguo Egipto, los dibujos en tinta sobre papiro, a menudo representando personas, se
utilizaban como modelos para la pintura o la escultura. Los dibujos en vasos griegos, inicialmente
geométricos, evolucionaron posteriormente hacia la forma humana con la cerámica de figuras
negras durante el siglo VII a. C.2
Con el papel que se hizo común en Europa en el siglo XV, el dibujo fue adoptado por maestros
como Sandro Botticelli, Rafael Sanzio, Miguel Ángel y Leonardo da Vinci que a veces trataban el
dibujo como un arte en sí mismo y no como una etapa preparatoria para la pintura o la escultura.3

Pintura[editar]
La pintura tomada literalmente es la práctica de aplicar pigmento suspendido en un soporte (o medio)
y un agente aglutinante (un pegamento) a una superficie (soporte) como el papel, el lienzo o una
pared. Sin embargo, cuando se utiliza en un sentido artístico significa el uso de esta actividad en
combinación con el dibujo, la composición, u otras consideraciones estéticas con el fin de manifestar
la intención expresiva y conceptual del practicante. La pintura también se utiliza para expresar
motivos e ideas espirituales; los lugares de este tipo de pintura van desde obras de arte que
representan figuras mitológicas en cerámica hasta La Capilla Sixtina, pasando por el propio cuerpo
humano.4

Historia[editar]
Artículo principal: Historia de la pintura

Orígenes e historia temprana[editar]

Al igual que el dibujo, la pintura tiene sus orígenes documentados en las cuevas y en las paredes de
las rocas. Los mejores ejemplos, que algunos creen que tienen 32.000 años de antigüedad, se
encuentran en las cuevas de Chauvet y Lascaux en el sur de Francia. En tonos rojos, marrones,
amarillos y negros, las pinturas de las paredes y los techos representan bisontes, ganado, caballos y
ciervos.
En las tumbas del antiguo Egipto se pueden encontrar pinturas de figuras humanas. En el gran
templo de Ramsés II, Nefertari, su reina, es representada siendo conducida por Isis.5 Los griegos
contribuyeron a la pintura pero gran parte de su obra se ha perdido. Una de las mejores
representaciones que se conservan son los retratos de momias de Fayum helenísticos. Otro ejemplo
es el mosaico de la Batalla de Issus en Pompeya, que probablemente se basó en una pintura griega.
El arte griego y romano contribuyó al arte bizantino en el siglo IV a. C., que inició una tradición en la
pintura de iconos.6
Aparte de los manuscritos iluminados producidos por los monjes durante la Edad Media, la siguiente
contribución significativa al arte europeo fue la de los pintores renacentistas italianos.
Desde Giotto en el siglo XIII hasta Leonardo da Vinci y Rafael a principios del siglo XVI, este fue el
período más rico del arte italiano ya que se utilizaron las técnicas del claroscuro para crear la ilusión
del espacio tridimensional.7
También los pintores del norte de Europa se vieron influidos por la escuela italiana. El belga Jan van
Eyck, el neerlandés Pieter Bruegel el Viejo y el alemán Hans Holbein el Joven son algunos de los
pintores más exitosos de la época. Utilizaban la técnica de veladura con óleos para conseguir
profundidad y luminosidad.
El siglo XVII fue testigo de la aparición de los grandes maestros holandeses, como el
polifacético Rembrandt, especialmente recordado por sus retratos y escenas bíblicas, y Vermeer, que
se especializó en escenas interiores de la vida neerlandesa.
El Barroco comenzó después del Renacimiento, desde finales del siglo XVI hasta finales del siglo XVII.
Entre los principales artistas del Barroco se encuentran Caravaggio, que hizo un gran uso
del tenebrismo. Peter Paul Rubens, un pintor flamenco que estudió en Italia, trabajó para las iglesias
locales de Amberes y también pintó una serie para María de Médici. Annibale Carracci tomó
influencias de la Capilla Sixtina y creó el género de la pintura ilusionista de techos. Gran parte del
desarrollo que se produjo en el Barroco fue debido a la Reforma Protestante y la
consiguiente Contrarreforma. Gran parte de lo que define al Barroco es la iluminación dramática y los
efectos visuales en general.8
El Impresionismo comenzó en Francia en el siglo XIX con una asociación informal de artistas que
incluía a Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir y Paul Cézanne que aportaron un nuevo estilo de
pincelada libre a la pintura, eligiendo a menudo pintar escenas realistas de la vida moderna en el
exterior en lugar de en el estudio. Esto se consiguió mediante una nueva expresión de los rasgos
estéticos demostrados por las pinceladas y la impresión de realidad. Consiguieron una intensa
vibración del color mediante el uso de colores puros, sin mezclar, y pinceladas cortas. El movimiento
influyó en el arte como una dinámica, moviéndose a través del tiempo y ajustándose a las nuevas
técnicas y a la percepción del arte. La atención al detalle pasó a ser menos prioritaria en la
realización, mientras se exploraba una visión sesgada de los paisajes y la naturaleza para el ojo de
los artistas.910
Hacia finales del siglo XIX, varios pintores jóvenes llevaron el impresionismo un paso más allá,
utilizando formas geométricas y colores poco naturales para representar las emociones, al tiempo
que buscaban un simbolismo más profundo. Destacan Paul Gauguin, muy influido por el arte asiático,
africano y japonés, Vincent van Gogh, un neerlandés que se trasladó a Francia, donde se inspiró en
la fuerte luz del sol del sur, y Toulouse-Lautrec, recordado por sus vívidas pinturas de la vida
nocturna en el barrio parisino de Montmartre.11
Edvard Munch, artista noruego, desarrolló su enfoque simbolista a finales del siglo XIX, inspirado por
el impresionista francés Manet. El grito (1893), su obra más famosa, se interpreta ampliamente como
una representación de la ansiedad universal del hombre moderno. En parte como resultado de la
influencia de Munch, el movimiento alemán del expresionista se originó en Alemania a principios del
siglo XX, cuando artistas como Ernst Kirschner y Erich Heckel comenzaron a distorsionar la realidad
para conseguir un efecto emocional.
Paralelamente, en Francia se desarrolló el estilo conocido como cubismo, ya que los artistas se
centraron en el volumen y el espacio de las estructuras nítidas dentro de una composición. Pablo
Picasso y Georges Braque fueron los principales defensores de este movimiento. Los objetos se
descomponen, se analizan y se vuelven a ensamblar de forma abstracta. En la década de 1920, el
estilo se convirtió en surrealismo con Dali y Magritte.12

Grabado[editar]
Grabado es la creación, con fines artísticos, de una imagen en una matriz que luego se transfiere a
una superficie bidimensional (plana) mediante tinta (u otra forma de pigmentación). Salvo en el caso
de un monotipo, la misma matriz puede utilizarse para producir muchos ejemplares de la estampa.
Históricamente, las principales técnicas (también llamadas medios) implicadas son la xilografía,
el grabado lineal, el aguafuerte, la litografía y la serigrafía (serigrafía, serigrafía), pero hay muchas
otras, incluidas las modernas técnicas digitales. Normalmente, la impresión se realiza sobre papel,
pero otros soportes van desde la tela y la vitela hasta materiales más modernos.

Historia de Europa[editar]
Los grabados de la tradición occidental producidos antes de 1830 aproximadamente se conocen
como old master print. En Europa, a partir de alrededor del año 1400 d. C. se utilizó la xilografía para
realizar impresiones maestras sobre papel utilizando técnicas de impresión desarrolladas en el
mundo bizantino e islámico. Michael Wolgemut mejoró la xilografía alemana desde aproximadamente
1475, y Erhard Reuwich, un neerlandés, fue el primero en utilizar el rayado en cruz. A finales de
siglo Alberto Durero llevó la xilografía occidental a un estadio que nunca ha sido superado,
aumentando el estatus de la xilografía de una sola hoja.13

Origen y práctica china[editar]

El Sutra del Diamante chino, el libro impreso en madera más antiguo del mundo (868 de la era cristiana)
Artículo principal: Impresión en madera

En China, el arte del grabado se desarrolló hace unos 1.100 años como ilustraciones junto al texto
recortado en bloques de madera para su impresión en papel. Al principio, las imágenes eran
principalmente religiosas, pero en la Dinastía Song, los artistas comenzaron a recortar paisajes.
Durante las dinastías Ming (1368-1644) y Qing (1616-1911), la técnica se perfeccionó tanto para
grabados religiosos como artísticos.1415

Desarrollo en Japón 1603-1867[editar]

Impresión en color de Hokusai "Red Fuji southern wind clear morning" de Treinta y seis vistas del Monte
Fuji (1830-1832)
La xilografía en Japón (japonés: 木版画, moku hanga) es una técnica más conocida por su uso en el
género artístico ukiyo-e; sin embargo, también se utilizó muy ampliamente para la impresión de libros
ilustrados en la misma época. La xilografía se había utilizado en China durante siglos para imprimir
libros, mucho antes de la llegada de los tipos móviles, pero solo se adoptó ampliamente en Japón
durante el periodo Edo (1603-1867). Aunque es similar a la xilografía occidental en algunos aspectos,
el moku hanga difiere en gran medida en que se utilizan tintas a base de agua (a diferencia de la
xilografía occidental, que utiliza tintas a base de aceite), lo que permite una amplia gama de colores
vivos, veladuras y transparencia del color.

Percepción[editar]
En la percepción de la obra, nuestra visión tiene tendencia a agrupar o separar elementos de acuerdo
a forma, contraste, color, iluminación etc. En esa percepción visual y la recepción sensorial que se
realiza de la obra están basadas las artes visuales. Diferentes códigos visuales de proporción,
equilibrio, ritmo, textura y valores tonales que son tomados en cuenta por los creadores en su
comunicación con el espectador. El sistema visual de los seres humanos asimila la información
interpretándola a través de estímulos visuales relacionados con su conocimiento previo y su estado
emocional, la recepción o discriminación de esos estímulos se traduce en la capacidad de interpretar
la información a través de los efectos de la luz visible percibida.
La psicología de la Gestalt es una teoría de la percepción surgida en Alemania a principios del
siglo XX que alude a estos modos de percepción de la forma de aquello que vemos y como es
decodificado por nuestro cerebro a través de las asociaciones que se producen en el momento de la
percepción.16 Sus principios básicos son:

Por agrupación[editar]
Existen varias formas de agrupación:
 1. Por proximidad: se tiene la tendencia visual a agrupar los elementos cuando estos
tienen cercanía entre sí.
2. Por semejanza: agrupación cuando los elementos son figuras conocidas, parecidas o
iguales entre sí.
3. Por continuidades: búsqueda de semejanzas a través de una continuidad
significativa, es decir observamos primero los elementos principales seguido de los
menos importantes.
Por figura/fondo[editar]
La tendencia visual hace separar los elementos del fondo o viceversa; ya que a veces el fondo es
percibido también como una figura.

Por contorno[editar]
El contorno separa y distingue la figura del fondo y está representado por una línea continua o
discontinua o en el límite de dos colores diferentes, llamado línea de recorte.

Por pregnancia[editar]
Tendencia a rellenar visualmente aquellos espacios huecos para completar un objeto.

Artes aplicadas[editar]
Artesanía de Irán
Las artes aplicadas basan su definición en la utilidad de un objeto creado para determinado fin. Se
las puede considerar dentro de las artes plásticas y visuales cuando su valor artístico
y estético trasciende la utilidad, también es llamado arte utilitario o funcional. Cuando el componente
decorativo es mayor al funcional, pero mantiene la referencia, se les considera también dentro de
las artes decorativas. Entre ellas se cuentan gran variedad de formas artesanales como:

 alfarería
 orfebrería
 talla en madera
 tapicería
 vitral
Las nuevas utilidades basadas en diseño, comparten espacio con las Artes aplicadas y son
consideradas también en el campo de las Artes visuales por su manejo del lenguaje visual y
apreciación estética. Entre ellas:

 diseño de interiores
 diseño gráfico
 diseño industrial