Colegio Nacional Defensores Del Chaco

artes y sus tecnologias

Fovismo o Fauvismo

Miembros:
Tobías Vera
Patricia Lisseth
Milagros Portillo
Emilia Romero
Miqueas Maldonado

Profesor: Pedro Romero

Curso: 1° Turno Mañana
12/09/2022
 Fovismo
El fovismo, también conocido como fauvismo (del francés fauvisme; de fauve,
«fiera»; e -ismo, «movimiento», «tendencia» o «carácter»), fue un movimiento
pictórico originado en Francia, alrededor de 1904 a 1908. Luego se expandió a
otros países, en años posteriores. Generalmente es caracterizado por un empleo
provocativo del color. Su nombre procede de la expresión les fauves («las fieras»),
dado por el crítico de arte Louis Vauxcelles al conjunto de obras presentadas en la
Sala VII de la tercera exposición del Salón de Otoño, en el Gran Palacio de París,
en 1905. Lo usó por primera vez en su crítica de arte publicada en el periódico Gil
Blas, el 17 de octubre de 1905, en un artículo dedicado al salón artístico.
Fue un movimiento sincrético6 donde se usaban e incluían características de
movimientos artísticos próximos, en su espíritu de transformación de volver a la
pureza de los recursos, de no ser sumisos ante la herencia pictórica, el grupo quería
ir más allá de lo logrado en la pintura, razón por la cual fueron vanguardistas.
Con distinción y separación, algunos consideran como el precursor o el líder de
este movimiento a Henri Matisse. Por otra parte, Guillaume Apollinaire le atribuye
la invención del fauvismo a Henri Matisse y André Derain. Otra posición afirma la
existencia de «un triángulo esencial del fauvismo» compuesto por Matisse, Derain
y Maurice de Vlaminck, y que, al debilitarse esa unión, se desvaneció
progresivamente el movimiento. Otro enfoque menciona a tres artistas como
creadores del fauvismo.
Contexto
El ambiente del París de las vanguardias, donde surgió el fauvismo, lo constituyen
muchos elementos variados, y sería una tarea inacabable mencionarlos todos, pero
se pueden indicar algunos, para ilustrar: la renovación de la ciudad en la segunda
mitad del siglo xix por Georges-Eugène, el Barón Haussmann y su plan
urbanístico, nuevas formas de construcción por ejemplo de hormigón, el avance de
dominio del modernismo es el estilo arquitectónico, la construcción con hierro,
teniendo la Torre Eiffel como metáfora de construcción moderna. La introducción
de la electricidad a la ciudad permitió la apertura del tren metropolitano en 1900 y
una mayor movilidad de los pobladores. Las Exposiciones Universales de inicios y
antes del siglo xx. Otros procesos tecnológicos en la última década del siglo xix: el
automóvil, el motor diésel, cinematógrafo, el primer cable submarino telefónico
entre Francia e Inglaterra, la telegrafía sin cables, el alumbrado eléctrico. etc.
Espectáculos masivos, el Tour de Francia en automovilismo y ciclismo. Los
avances de la ciencia, con la teoría de la relatividad y radiactividad. La influencia
del sicoanálisis con los tres ensayos sobre la sexualidad de Freud. Una relación
muy activa, en varios ámbitos del arte, tanto de artistas franceses y residentes
extranjeros. La actividad de varios marchantes.
En 1905, el Salón de Otoño, realizó una exposición de pinturas, esculturas, dibujos,
grabados, arquitectura y artes decorativas. En el catálogo de la exposición artística,
no se indicó el número de salas en que estaba compuesto el salón, los nombres de
los artistas con las obras expuestas fueron ordenados alfabéticamente, en total
fueron obras de 577 artistas. La crítica de arte dedicada al salón artístico de ese
año, por Louis Vauxcelles menciona 18 salas, Además se debe tomar en cuenta por
otra parte que “solo tres de los seis artistas que agrupaba L'lllustration estaban
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representados en la famosa Salle VII: Matisse, Derain y Manguin. Con ellos
estaban Marquet, Camoin, Vlaminck y algunos otros; Puy estaba en la Salle III con
los nabis, mayores que él, Vuillard y Bonnard entre ellos; Rouault estaba en la
Salle XVI con algunos realistas de influencia cezaniana, como los clasificó
Vauxcelles, que apuntaba el contraste entre su obra y la de Rouault. Valtat estaba
en la Salle XV, con los entonces desconocidos Jawlensky y Kandinsky".
Origen del nombre
Hay dos versiones sobre el origen del calificativo hacia el grupo de artistas y sus
obras:
El primero de estos supuestos proviene de la mención les fauves ‘las fieras’ al
conjunto de obras expuestas en la sala número VII durante la celebración del Salón
de Otoño de 1905, donde se presentaron numerosas obras y aparecieron problemas
a la hora de clasificar y hacer una categorización de algunas de ellas con nociones
de arte ya establecidas o aceptadas. Fue algo parecido a lo que pasó en su momento
con los impresionistas cuando una serie de pinturas fueron calificadas de
«incoherentes», y sus autores, excluidos del salón por expresarse de un modo
intenso y diferente. Las palabras les fauves fueron parte de una crítica de arte
publicada en el periódico Gil Blas, el 17 de octubre de 1905, por Louis Vauxcelles,
sobre las obras presentadas en la sala VII:
Au centre de la salle, un torse d’enfant, et un petit buste en marbre, d’Albert
Marque, qui modèle avec un science délicate. La candeur de ces bustes surprend,
au milieu del’orgie des tons purs: Donatello chez les fauves... (En el centro de la
sala, un torso de niño y un pequeño busto en mármol de Albert Marque, que
modela primorosamente. El candor de esos bustos sorprende en medio de la orgía
de tonos puros: Donatello entre las fieras...).
La mención a Donatello se debe a que en la misma sala había una escultura de corte
renacentista del escultor Albert Marque (no confundir con el pintor Albert
Marquet). El artista había presentado dos esculturas: un torso de un niño en bronce
y un retrato de Marthe Lebasque, un busto de mármol. Con una sensibilidad que
recuerda el estilo italiano, menciona Matisse en otro relato, sobre el busto infantil.
Esta cuenta que en el momento de entrada del crítico de arte Louis Vauxelles a la
sala, él exclamó: "iVaya, Donatello entre las fieras!" ["Donatello au milieu des
Fauves"]. Después de esto, los autores de las obras dieron importancia, a la
frase:"Donatello chez les fauves..." (en español, Donatello entre fieras...) publicada
al final del apartado de la crítica, para la Sala VII en el periódico Gil Blas o el
relato mencionado por Matisse sobre lo sucedido. El grupo terminó adoptando el
distintivo, como etiqueta a sus obras y su colectivo. John Elderfield menciona estas
dos afirmaciones: la publicación en el periódico y la anécdota dicha por Matisse
sobre la frase.18 Este origen se toma como cierto desde muchos años en la historia
del arte.
El segundo de estos supuestos, el más reciente, es donde Roberta Smith, crítica de
arte contemporáneo, la cual escribe actualmente en The New York Times, hace una
relación del artista Henri Rousseau con su obra León hambriento atacando a un
antílope, esta obra fue expuesta en el Salón de Otoño de 1905 con el grupo de
artistas que posteriormente fueron llamados fauvistas. Ella aclara que Rousseau
nunca se le ha considerado como fauvista, ni ella lo hace. Sin embargo, la temática
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de violencia o la violencia en la selva o la violencia salvaje del cuadro, pudo haber
influido20 en la elección del calificativo para el grupo y las obras de pintores
jóvenes del movimiento. Esta afirmación surge en la exposición Henri Rousseau:
Selvas en París donde también se hace la misma afirmación. Esta exhibición fue
realizada del 16 de julio al 15 de octubre de 2006, en la Galería Nacional de Arte
de Washington D. C. (en colaboración con el Tate Modern o el Museo Nacional
Británico de Arte Moderno, la Unión de Museos Nacionales de Francia o Réunion
des Musées Nationaux (RMN) y el Museo de Orsay. Los curadores de la
exposición fueron Frances Morris del Tate Modern, Christopher Green del
Courtauld Institute of Art y Claire Frèches-Thory (curador principal del Museo de
Orsay).

Influencia fauvista
Los aportes del fauvismo en el siglo de las vanguardias, se pueden observar en
varias consecuencias importantes para el desarrollo del arte en la primera mitad del
siglo xx. Los aportes fueron directos o indirectos, más allá de su apogeo en Francia
y no se puede determinar a ese país solamente. Además, no fue una causa exclusiva
o única para las siguientes transcendencias:
Otros artistas que no fueron del grupo principal del movimiento, pero de fuerte
influencia en Bélgica, España, Hungría y otros:
En Bélgica, los fauvistas de Brabante, es una expresación dada por primera vez en
1941 por el crítico belga Paul Fierens, para describir un grupo informal en
Brueselas (en Brabante) los fundadores incluyen Fernand Schirren, Louis Thévenet,
Willem Paerels (1878-1962), Charles Dehoy y Auguste Oleffe Y el artista Edgard
Tytgat, Jean Brusselmans, Anne-Pierre de Kat (1881-1968.126 Por otro lado el
artista Henri Evenepoel.
En España, los artistas Francisco Iturrino y Juan de Echeverría.
En Hungría, el artista Béla Czóbel, Róbert Berény, Vilmos Perlrott Csaba, Sándor
Ziffer, Lajos Tihanyi, Géza Bornemisza, el matrimonio Sandor Galimberti y
Valéria Dénes.
Estos grupos de otra manera se conocen como fauvismo belga, fauvismo ibérico
como lo llamaría Gaya Nuño y el fauvismo húngaro, respectivamente.
Hay agrupaciones de artistas que tiene una diversidad de tipos de arte y donde
generalmente toman en cuenta varios movimientos artísticos en su manera de
entender el arte por tanto no considera del todo al fauvismo. Estos son algunos
colectivos artísticos o grupos de artistas influenciados:
El grupo Der Blaue Reiter (el Jinete Azul en español) este grupo tuvo muchas
influencias y entre ellas este movimiento artístico.
El Grupo Montparnasse, en 1922, artistas chilenos de la pintura influenciados por
la tendencia postimpresionista europea y, sobre todo, por el fauvismo
El Puente (Die Brücke) tuvo influencia del fovismo.130 Donde el neerlandés Kees
Van Dongen se unió al grupo.

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Sota de Diamantes fue colectivo ruso cuyo interés fue el desarrollo de nuevos
estilos, a partir de sus interpretaciones de Henri Matisse y su periodo fauvista.
Entre otros movimientos y artistas.
Hay artistas que han estado influidos por el fauvismo, en su misma época de
surgimiento, desarrollo, apogeo y agotamiento. Y no han estado en el grupo
principal ni en las agrupaciones anteriores. Así ellos después de su paso por el
fauvismo siguen su propio camino plástico hacia otros movimientos o propósitos
personales en el arte. Por ejemplo, el artista japonés Yoshio Aoyama que conoció a
Matisse, en su estadía en París, específicamente en Niza. La artista francesa Émilie
Charmy que trabajó estrechamente con Henry Matisse.

Influencias para el fauvismo

Las influencias pueden ser variadas no solo del arte sino de otros campos ya sean
en lo cultural, social, filosófico o literario, ciencia, tecnología, etc.
Con la filosofía y el arte, sus principales influencias vienen de las ideas de Zola,
Nietzsche, Bergson, Croce, Stirner y Huysmans.
En el grupo de fauvistas "puede observarse la misma obsesión por la inmediación
de la experiencia, el mismo culte del vie, en el entusiasmo contemporáneo por
Friedrich Nietzsche".
El fauvismo hace vínculo con la intuición y la inmediatez, fundamentado en Herni
Bergson y Benedetto Croce.
Una de las salas del Museo Gustave Moreau, París, Francia
Los maestros Charles Lhuillier, Eugene Carriere y Gustave Moreau, fueron
influencia formativa para algunos del grupo de fauves ya que tuvieron formación
en el estudio o la academia con estos maestros. El grupo principal de fauves,
empezó su formación desde antes del 1900 con tres maestros que constituían, en
primer lugar, de Henri Matisse y sus condiscípulos de la época del estudio de
Gustave Moreau y de la Academie Carriere: Albert Marquet, Henri Manguin,
Charles Camoin, Jean Puy y, algo distante de estos, Georges Rouault. En segundo
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lugar, la denominada «escuela de Chatou», donde André Derain y Maurice
Vlaminck compartían un estudio en Chatou desde 1900. Y una tercera agrupación,
los últimos en llegar al grupo, desde El Havre fueron Emile Othon Friesz, Raoul
Dufy y Georges Braque, ellos tuvieron en común como profesor a Charles Lhuillier
en la Escuela de Bellas Artes de Le Havre. Luego se une al movimiento otros
artistas, el neerlandés Kees Van Dongen, que conoció a los demás en los salones y
galerías en que todos ellos expusieron.
Aunque concebían la actividad artística como consecuencia de un impulso vital, su
punto de partida fue la resolución de problemas puramente plástico como el empleo
del color en una doble función plástica y constructiva al mismo tiempo. El maestro
del grupo fue Gustave Moreau, en cuya escuela estudiaron Henri Matisse y
Georges Henri Rouault, Henri Manguin, Charles Camoin y Jean Puy. Moureau no
enseñaba ninguna doctrina, sino que forzaba a sus alumnos a pintar con
independencia y con la técnica que fuera más adecuada a su temperamento. De la
obra de Gauguin aprendieron la libertad en el uso del color, que llevaron al extremo
(los colores como cartuchos de dinamita, que diría Derain), así como la liberación
del temperamento y el instinto personal. También admiraban la capacidad de
síntesis y el sentido decorativo de la obra de Gauguin. Para los fauvistas el cuadro
debía ser expresión, no composición y orden.

Características
El color aplicado con la pincelada hace que el dibujo y el mimetismo fueran
supeditados al color. Ronald Pickvance menciona: "La identidad de las flores queda
subsumida en una equivalencia de pincelada de un solo color, formando un dibujo
rítmico independiente, niegan cualquier función descriptiva que evoque las flores
de forma precisa" para la obra de Maurice de Vlaminck: Jarrón azul con flores,
1906. Óleo sobre tela. 81,5 x 45,7 cm. Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid,
España.
El color fue su centro en la creación. "La lógica de la forma creada mediante el
color - mediante el dibujo del color - que el fauvismo hizo posible no se
comprendió del todo enseguida salvo por quienes estaban tan obsesionados por la
pureza pictórica como Matisse. Este se dio cuenta inmediatamente de que el color
por sí solo podía evocar el registro completo de cualidades pictóricas que los otros
componentes de la pintura expresan por separado: la profundidad y el carácter
plano, los contornos y las superficies, lo sustantivo y lo ilusorio."
De Albert Marquet la obra El Puente Nuevo (París), un óleo sobre tela,
dimensiones sin marco 50,2 x 61,3 cm. Con fecha de 1906. Observe el uso colores
oscuros para pintar algunos contornos de algunas figuras en el cuadro.
Limitar las formas con contornos oscuros.
Vlaminck manifestaba: usar los «colores puros tal y como salen del tubo» en el
lienzo.

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El dibujo será un aspecto secundario para estos artistas, sin embargo, Matisse no se
olvidó de su importancia. También se destacaba la función decorativa y se
empleaban las líneas onduladas.
En esta búsqueda tan dirigida hacia el color se olvidan otros aspectos como el
modelado, el claroscuro o la perspectiva.
Dibujo de estilo académico
Hay una transgresión de la forma por buscar más allá de la representación por
mímesis heredada del academicismo, esa búsqueda da una abstracción de la forma
centrada en el color. Esta abstracción de la forma, no llega alejarla del modelo
exterior en que se inspira el artista, la identificación de la obra con el modelo no
desaparece.

Obras
 André Derain: El "Pool" de Londres. 1906. Óleo sobre tela. 66,7 x 99,1 cm.
Tate,82 Londres, Inglaterra.
 André Derain: Henri Matisse. 1905. Óleo sobre tela. 46 x 34,9 cm. Tate,83
Londres, Inglaterra.
 Charles Camoin. Retrato de Albert Marquet. 1904. Óleo sobre tela, 92 x 72,5
cm. Centro Nacional de Arte y Cultura Georges Pompidou,41 París, Francia.
 George Braque: El puerto de Amberes. 1906. Óleo sobre tela. 49,8 x 61,2
cm. Galería Nacional de Canadá, Otawa, Canadá.
 George Braque: Los grandes árboles. El Estanque. 1906-1907. Óleo sobre
tela, 80 x70,5 cm. Museo de Arte Moderno, New York, Estados Unidos.
 Henri Matisse: André Derain. 1905. Óleo sobre tela, 38,4 x 28,3 cm. Tate,86
Londres, Inglaterra.
 Henri Matisse: Mujer con sombrero. 1905. Óleo sobre tela, 80,65 x 59,69
cm. Museo de Arte Moderno de San Francisco, San Francisco, California,
Estados Unidos.
 Henri Matisse: La Gitana. 1905. Óleo sobre tela, 55 x 46 cm, Museo de la
Anunciación. Saint-Tropez, Francia.
 Maurice de Vlaminck: El Remolcador en el Sena, Chatou. 1906. Óleo sobre
tela, 50,2 x 65,1 cm. Galería Nacional de Washington D. C., Washington D.
C. Estados Unidos.

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  Maurice de Vlaminck: Los árboles rojos. 1906-1907. Óleo sobre tela, 65 x
81 cm. Centro Nacional de Arte y Cultura Georges Pompidou,90 París,
Francia.
 Maurice de Vlaminck: Jarrón azul con flores, 1906. Óleo sobre tela. 81,5 x
45,7 cm. Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid, España.
 Raoul Dufy: Los afiches en Trouville. 1906. Óleo sobre tela, 65 x 81 cm.
Centro Nacional de Arte y Cultura Georges Pompidou, París, Francia.
Si bien el fauvismo se conoce en la mayoría de los casos por su gran aporte a través
de la pintura al óleo, este movimiento incursionó en otras técnicas plásticas:
Ambroise Vollard tuvo la idea de estimular a algunos artistas para que realizaran
cerámica fauvista, para hacer más accesible este movimiento al público. Maurice de
Vlaminck en 1906, animado por Vollard, su marchante, inicia una colaboración con
el ceramista André Metthey, con esta técnica, algunas de sus obras, están
clasificadas como fauvistas. Derain y Matisse fueron también estimulados por el
marchante y el ceramista. Sin embargo el proyecto de cerámica fauvista no triunfó.
Algunas obras que se pueden mencionar:
 André Derain: Florero. 1907-1908. Cerámica. 53 x 20 x 20 cm. Número de
inventario: KMSr135. Galería Nacional de Dinamarca, Copenhague,
Dinamarca.
 André Metthey
 André Metthey “Plato - Adán y Eva” (1909-1920). Petit Palais, Musée des
Beaux-Arts de la Ville, París, Francia.
 Henri Matisse: Jarrón. Hacia 1907. Cerámica. 23,4 cm. de altura. Colección
particular.
 Maurie de Vlaminck, Plato decorado con ave corriendo. 1908. Usualmente
André Metthey realizaba las formas de los platos o jarrones y Vlaminck los
decoraba.
En la Embajada de Francia de Tokio (Japón) se realizó una exposición titulada: Los
trabajos de cerámica de Rouault y los fauvistas (2015).
Coppel da la idea y sugiere influencias para el desarrollo del grabado en madera o
xilografía en los fauvistas.
 Henri Matisse: Grabado en madera grande. 1906. Grabado en madera. Papel
57,4 x 46 cm, Matriz 46,5 x 39,5 cm. Número del objeto: 1950.12.236.
Museo de Arte de Baltimore, Baltimore, Estados Unidos.
 Henri Matisse: Grabado en madera pequeño negro. 1906. Grabado en
madera. Papel 46 x 28,7 cm, Matriz 31 x 22 cm. Número del objeto:
1950.12.235. Museo de Arte de Baltimore, Baltimore, Estados Unidos.
Con el grabado a Punta seca
 André Derain. Paisaje. 1907. Grabado a punta seca, 28,9 x 35,8 cm. Museo
de Arte Moderno,99 New York, Estados Unidos.
 Henry Matisse. Dos desnudos, Dos cabezas, 1900-1903. Grabado a punta
seca, tamaño de la matriz 14,9 x 10 cm y tamaño del papel 32 x 25,5 cm.
Museo de Arte Moderno,100 New York, Estados Unidos. Matisse empezó a
trabajar en grabado en cobre alrededor de 1903, con punta seca.

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Con el grabado en litografía. Matisse después de sus grabados en cobre, alrededor
de 1903. Hace una pausa retomando el grabado en 1906, realizando sus primeras
litografías y linograbados, nuevamente hizo una pausa hasta 1914.
 Henri Matisse: Desnudo inclinándose con la mirada agachada. Litografía a
lápiz. 1906. 45,1 x 28,1 cm. Número del objeto: 1950.12.133. Museo de Arte
de Baltimore,103 Baltimore, Estados Unidos.
 Henri Matisse: Figura con un collar negro, vista desde de atrás. Litografía a
lápiz. 1906. 44,9 x 27,9 cm. Número del objeto: 1958.116. Museo de Arte de
Baltimore,104 Baltimore, Estados Unidos.
Con la técnica de la pintura en acuarela, se han algunos trabajos expuestos. Aparte
de ellos se puede mencionar:
 André Derain. Danza báquina. 1906. Acuarela y lápiz sobre papel. 49,5 x
64,8 cm. Museo de Arte Moderno New York, Estados. Unidos.
 André Derain. Dos bailarinas. 1906 ca. Acuarela sobre papel. 43,8 x 54,6
cm. Número de inventario: KKSr158. Galería Nacional de Dinamarca,
Copenhague, Dinamarca.
El dibujo que muchas veces es visto como un paso previo al trabajo en pintura,
como bocetos. Los dibujos sirven como estudio o anotación para el artista. Los que
tienen la oportunidad de observar estos trabajos previos o finalizados, pueden
apreciar en el dibujo parte del proceso de construcción de una obra o ideas para
futuras obras o ver soluciones que da el artista a determinadas respuestas o análisis
visuales. También se puede observar tratamientos de algunos elementos del
lenguaje visual o de composición que da el artista. El "aspecto notacional de la
pintura está determinado por el dibujo, que, además de su función técnica de
proyecto, goza, a la hora de presentarse como dibujo "libre" o bosquejo, de una
especificidad artística capaz de atribuir un valor estético autónomo al
producto".108 Trabajos en dibujo se han expuesto sobre este movimiento.
 Albert Marquet. Coche fúnebre. 1905. Pincel, tinta china sobre papel. 12,7 x
14,2 cm. Número de inventario Bx 1960.5.8. Museo de Bellas Artes de
Burdeos, Bordeaux, Francia.
 André Derain. La Edad de Oro. 1904-1906. Carboncillo sobre papel. 29,7 x
19,4 cm. Número de inventario AM 3671 D. Centre Nacional de Artes y de
Cultura Georges Pompidou. Museo Nacional de Arte Moderno, París,
Francia.
 Henri Matisse: El baño. 1905-1906. Pincel y tinta china. Papel 94 x 69 cm,
con el borde 95,7 x 71,3 cm. Número del objeto: 2013.4. Museo de Arte de
Baltimore,112 Baltimore, Estados Unidos.
Con la escultura varios artistas del fauvismo se expresaron a través de esta técnica
artística, utilizando por ejemplo la talla de madera, algunas obras que se pueden
mencionar:
 André Derain: cabecero y pies tallados para una cama. Hacia 1906-1907.
Talla en madera. Paradero desconocido
 Henri Matisse: La danza. 1907. Talla en madera, 44 cm. de altura. Museo de
Matisse de Niza, Niza, Francia.

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Para consultar más sobre obras y artistas de este movimiento artístico se puede leer
el apartado de exhibiciones temporales, más delante.

Pg.9
 Bibliografía
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1579-2641
Denvir, B. 1975. El fauvismo y el expresionismo. Barcelona: Labor. ISBN.
Essers, V. 2005. «La modernidad clásica. La pintura durante la primera mitad del
siglo XX», en Los maestros de la pintura occidental, volumen II, Taschen, ISBN 3-
8228-4744-5.
Giusti, Lorenzo. Louis Vauxelles e la genesi del fauvismo. Ricerche di storia
dell'arte, 2003, 81. ISSN 0392-7202
Golding, John. Fauvism and the School of Chatou: Post-Impressionism in
Crisis.1982. http://www.britac.ac.uk/publications/proceedings-british-academy-
volume-66-fauvism-and-school-chatou-post-impressionism ISBN 978-0-19-
726013-5
Goyens de Heusch, Serge. 1988. L' impressionnisme et le fauvisme en Belgique.
Ixelles: Fonds Mercator, D.L. ISBN 2226035087
Herrero Morán, Blanca Flor, El patrimonio etnográfico y el sujeto artístico.
PASOS. Revista de Turismo y Patrimonio Cultural (en línea) 2014, 12 (septiembre-
diciembre) : (Fecha de consulta: 18 de noviembre de 2016

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