Fovismo

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Paisaje: Provinza por Alfred Henry Maurer, c. 1912.1

Louis Valtat. Bahía de Anthéor, circa 1906-1907; óleo sobre tela, dentro del
periodo fauvista.
El fovismo,23 también conocido como fauvismo (del francés fauvisme, de fauve
‘fiera’ e -ismo,4 ‘movimiento, tendencia, carácter’5), fue un movimiento pictórico
originado en Francia, alrededor de 1904 a 1908. Luego se expandió a otros países,
en años posteriores. Generalmente es caracterizado por un empleo provocativo del
color. Su nombre procede de la expresión les fauves ‘las fieras’, dado por el
crítico de arte Louis Vauxcelles al conjunto de obras presentadas en la Sala VII de
la tercera exposición del Salón de Otoño, en el Gran Palacio de París, en 1905. Lo
usó por primera vez en su crítica de arte publicada en el periódico Gil Blas, el 17
de octubre de 1905, en un artículo dedicado al salón artístico.

Fue un movimiento sincrético6 donde se usaban e incluían características de

movimientos artísticos próximos, en su espíritu de transformación de volver a la
pureza de los recursos,[cita requerida] de no ser sumisos ante la herencia
pictórica, el grupo quería ir más allá de lo logrado en la pintura, razón por la
cual fueron vanguardistas.[cita requerida]

Con distinción y separación, algunos consideran como el precursor o el líder789 de

este movimiento a Henri Matisse. Por otra parte, Guillaume Apollinaire le atribuye
la invención del fauvismo a Henri Matisse y André Derain.1011 Otra posición afirma
la existencia de "un triángulo esencial del fauvismo"12 compuesto por Matisse,
Derain y Maurice de Vlaminck,y que, al debilitarse esa unión, se desvaneció
progresivamente el movimiento. Otro enfoque menciona a tres artistas como
creadores13 del fauvismo.

Índice
1 Origen del nombre
2 Contexto
3 Influencias para el fauvismo
4 Características
5 Obras
6 Exposiciones temporales
7 Influencia fauvista
8 Referencias
9 Bibliografía
Origen del nombre

Aquí se muestran algunos nombres de artistas y sus cuadros,14 que se presentaron en

la exposición del Salón de Otoño de 1905, señalados como "Las Fieras". La
publicación es de L'Ilustration, No. 3271,15 4 de noviembre de 1905.
Hay dos versiones sobre el origen del calificativo hacia el grupo de artistas y sus
obras:

El primero de estos supuestos proviene de la mención les fauves ‘las fieras’ al

conjunto de obras expuestas en la sala número VII durante la celebración del Salón
de Otoño de 1905, donde se presentaron numerosas obras y aparecieron problemas a la
hora de clasificar y hacer una categorización de algunas de ellas con nociones de
arte ya establecidas o aceptadas. Fue algo parecido a lo que pasó en su momento con
los impresionistas cuando una serie de pinturas fueron calificadas de
«incoherentes», y sus autores, excluidos del salón por expresarse de un modo
intenso y diferente. Las palabras les fauves fueron parte de una crítica de arte
publicada en el periódico Gil Blas, el 17 de octubre de 1905, por Louis Vauxcelles,
sobre las obras presentadas en la sala VII:

Au centre de la salle, un torse d’enfant, et un petit buste en marbre, d’Albert

Marque, qui modèle avec un science délicate. La candeur de ces bustes surprend, au
milieu del’orgie des tons purs: Donatello chez les fauves...16 (En el centro de la
sala, un torso de niño y un pequeño busto en mármol de Albert Marque, que modela
primorosamente. El candor de esos bustos sorprende en medio de la orgía de tonos
puros: Donatello entre las fieras...).
La mención a Donatello se debe a que en la misma sala había una escultura de corte
renacentista del escultor Albert Marque (no confundir con el pintor Albert
Marquet). El artista había presentado dos esculturas: un torso de un niño en bronce
y un retrato de Marthe Lebasque, un busto de mármol.17 Con una sensibilidad que
recuerda el estilo italiano, menciona Matisse en otro relato,18 sobre el busto
infantil. Este cuenta que en el momento de entrada del crítico de arte Louis
Vauxelles a la sala, él exclamó: "iVaya, Donatello entre las fieras!" ["Donatello
au milieu des Fauves"] . Después de esto, los autores de las obras dieron
importancia, a la frase:"Donatello chez les fauves..." (en español, Donatello entre
fieras...) publicada al final del apartado de la crítica, para la Sala VII en el
periódico Gil Blas o el relato mencionado por Matisse sobre lo sucedido. El grupo
terminó adoptando el distintivo, como etiqueta a sus obras y su colectivo. John
Elderfield menciona estas dos afirmaciones: la publicación en el periódico y la
anécdota dicha por Matisse sobre la frase.18 Este origen se toma como cierto desde
muchos años en la historia del arte.

El segundo de estos supuestos, el más reciente, es donde Roberta Smith, crítica de

arte contemporáneo, la cual escribe actualmente en The New York Times, hace una
relación del artista Henri Rousseau con su obra León hambriento atacando a un
antílope, esta obra fue expuesta19 en el Salón de Otoño de 1905 con el grupo de
artistas que posteriormente fueron llamados fauvistas. Ella aclara que Rousseau
nunca se le ha considerado como fauvista, ni ella lo hace. Sin embargo la temática
de violencia o la violencia en la selva o la violencia salvaje del cuadro, pudo
haber influido20 en la elección del calificativo para el grupo y las obras de
pintores jóvenes del movimiento. Esta afirmación surge en la exposición Henri
Rousseau: Selvas en París donde también se hace la misma afirmación. Esta
exhibición fue realizada del 16 de julio al 15 de octubre de 2006, en la Galería
Nacional de Arte de Washington D. C. (en colaboración con el Tate Modern o el Museo
Nacional Británico de Arte Moderno, la Unión de Museos Nacionales de Francia o
Réunion des Musées Nationaux (RMN) y el Museo de Orsay. Los curadores de la
exposición fueron21 Frances Morris del Tate Modern, Christopher Green del Courtauld
Institute of Art y Claire Frèches-Thory (curador principal del Museo de Orsay).

Contexto

Louis Vauxcelles por Jules Chéret (1836-1932). Carbón sobre papel azul. 35,5 x 22
cm. Fecha: 27.11.1909
El ambiente del París de las vanguardias, donde surgió el fauvismo, lo constituyen
muchos elementos variados, y sería una tarea inacabable mencionarlos todos, pero se
pueden indicar algunos, para ilustrar: la renovación de la ciudad en la segunda
mitad del siglo XIX por Georges-Eugène, el Barón Haussmann y su plan urbanístico,
nuevas formas de construcción por ejemplo de hormigón, el avance de dominio del
modernismo es el estilo arquitectónico, la construcción con hierro, teniendo la
Torre Eiffel como metáfora de construcción moderna. La introducción de la
electricidad a la ciudad permitió la apertura del tren metropolitano en 1900 y una
mayor movilidad de los pobladores. Las Exposiciones Universales de inicios y antes
del siglo XX. Otros procesos tecnológicos en la última década del siglo XIX: el
automóvil, el motor diésel, cinematógrafo, el primer cable submarino telefónico
entre Francia e Inglaterra, la telegrafía sin cables, el alumbrado eléctrico. etc.
Espectáculos masivos, el Tour de Francia en automovilismo y ciclismo. Los avances
de la ciencia, con la teoría de la relatividad y radiactividad. La influencia del
sicoanálisis con los tres ensayos sobre la sexualidad de Freud. Una relación muy
activa, en varios ámbitos del arte, tanto de artistas franceses y residentes
extranjeros. La actividad de varios marchantes.22

En 1905, el Salón de Otoño, realizó una exposición de pinturas, esculturas,

dibujos, grabados, arquitectura y artes decorativas.23 En el catálogo de la
exposición artística, no se indicó el número de salas en que estaba compuesto el
salón, los nombres de los artistas con las obras expuestas fueron ordenados
alfabéticamente,24 en total fueron 163625 obras de 577 artistas.24 La crítica de
arte dedicada al salón artístico de ese año, por Louis Vauxcelles menciona 18
salas,16 Además se debe tomar en cuenta por otra parte que “solo tres de los seis
artistas que agrupaba L'lllustration estaban representados en la famosa Salle VII:
Matisse, Derain y Manguin. Con ellos estaban Marquet, Camoin, Vlaminck y algunos
otros; Puy estaba en la Salle III con los nabis, mayores que él, Vuillard y Bonnard
entre ellos; Rouault estaba en la Salle XVI con algunos realistas de influencia
cezaniana, como los clasificó Vauxcelles, que apuntaba el contraste entre su obra y
la de Rouault. Valtat estaba en la Salle XV, con los entonces desconocidos
Jawlensky y Kandinsky".14

Hay que tomar en cuenta que usó colores brillantes, estuvo en muchos artistas fuera
del fauvismo, en el París hacia 1900, el uso del color intenso, lejos de ser un
fenómeno exclusivo de los inicios de este movimiento, fue una de las
características principales de la vanguardia en la pintura, durante esa época. La
obra temprana de los fauves debe estudiarse en este contexto más amplio.26 El uso
de colores intensos por sí mismo, no es característica única para clasificarlo
dentro del movimiento fauvista,27 por otra parte.

En 1904 Henri Matisse estaba trabajando28 en la pintura Lujo, calma y voluptuosidad

la cual expuso en el Salón de los Independientes en 1905,29 esta obra es
considerada como una síntesis del posimpresionismo que fue resultado de un esfuerzo
de una búsqueda personal y se convirtió virtualmente en un manifiesto de lo que
sería el fauvismo poco después. La utilización subjetiva del color y la
simplificación del dibujo empleados por Matisse sorprendieron a todos cuando fue
expuesto por primera vez, mientras que su desinterés por el acabado y sus colores
chillones le granjearon el desprecio de la crítica cuando expuso sus paisajes,
pintados en Colliure, en el Salón de Otoño de 1905. Allí también se expuso el
Retrato de la Señora Matisse o La Raie Verte (La línea verde) donde se interpretó
por críticos como una caricatura a la feminidad y una excentricidad en la pintura
de retrato.

El repudio o la importancia de la crítica convirtió al fovismo en el grupo de

vanguardia en París de ese entonces, poco después Maurice de Vlaminck se unió al
fovismo de Henri Matisse y André Derain. Como movimiento expresionista,[cita
requerida] apareció cronológicamente a la vez que el Expresionismo alemán,[cita
requerida] con una propuesta de protesta contraria al Positivismo, al Naturalismo y
al Impresionismo.[cita requerida]

El grupo de artistas de este movimiento no poseían un manifiesto. No se puede

hablar de un estilo fauvista, sino cada artista manifestaba un acercamiento en
particular dentro del fauvismo, de libre expresión, libertad de moralidad y
autonomía de enseñanza-aprendizaje30 por ejemplo.

Retrato de Friedrich Nietzsche en 1885 con su firma

Influencias para el fauvismo

Eugène Carrière. Autorretrato. Pintura al óleo.

Las influencias pueden ser variadas no solo del arte sino de otros campos ya sean
en lo cultural, social, filosófico o literario, ciencia, tecnología, etc.
Con la filosofía y el arte, sus principales influencias vienen de las ideas de
Zola, Nietzsche, Bergson, Croce, Stirner y Huysmans.[cita requerida]

En el grupo de fauvistas "puede observarse la misma obsesión por la inmediación de

la experiencia, el mismo culte de la vie, en el entusiasmo contemporáneo por
Friedrich Nietzsche".30
El fauvismo hace vínculo con la intuición y la inmediatez, fundamentado en Herni
Bergson y Benedetto Croce.31

Una de las salas del Museo Gustave Moreau, París, Francia

Los maestros Charles Lhuillier, Eugene Carriere y Gustave Moreau, fueron influencia
formativa para algunos del grupo de fauves ya que tuvieron formación en el estudio
o la academia con estos maestros. El grupo principal de fauves, empezó su formación
desde antes del 1900 con tres32 maestros que constituían, en primer lugar, de Henri
Matisse y sus condiscípulos de la época del estudio de Gustave Moreau y de la
Academie Carriere: Albert Marquet, Henri Manguin, Charles Camoin, Jean Puy y, algo
distante de estos, Georges Rouault. En segundo lugar, la denominada «escuela de
Chatou», donde André Derain y Maurice Vlaminck compartían33 un estudio en Chatou
desde 1900. Y una tercera agrupación, los últimos en llegar al grupo, desde El
Havre fueron Emile Othon Friesz, Raoul Dufy y Georges Braque, ellos tuvieron34 en
común como profesor a Charles Lhuillier en la Escuela de Bellas Artes de Le Havre.
Luego se une al movimiento otros artistas, el neerlandés Kees Van Dongen, que
conoció a los demás en los salones y galerías en que todos ellos expusieron.35

Aunque concebían la actividad artística como consecuencia de un impulso vital,[cita

requerida] su punto de partida fue la resolución de problemas puramente plásticos,
[cita requerida] como el empleo del color en una doble función plástica y
constructiva al mismo tiempo.[cita requerida] El maestro del grupo fue Gustave
Moreau, en cuya escuela estudiaron Henri Matisse y Georges Henri Rouault, Henri
Manguin, Charles Camoin y Jean Puy. Moureau no enseñaba ninguna doctrina sino que
forzaba a sus alumnos a pintar con independencia y con la técnica que fuera más
adecuada a su temperamento.[cita requerida] De la obra de Gauguin aprendieron la
libertad en el uso del color,[cita requerida] que llevaron al extremo (los colores
como cartuchos de dinamita, que diría Derain), así como la liberación del
temperamento y el instinto personal. También admiraban la capacidad de síntesis y
el sentido decorativo de la obra de Gauguin. Para los fauvistas el cuadro debía ser
expresión, no composición y orden.[cita requerida]

Como artista Paul Cezanne tuvo influencia para varios artistas del fauvismo. Se ha
afirmado que el fin del fauvismo fue por la influencia de Cezanne desde su
revalorización a partir de 1907, pero también este artista "fue un componente
decisivo del fauvismo desde su principio mismo".12 Albert E. Elsen realizó un
estudio donde relacionó la escultura El siervo de Matisse con su pintura y la
influencia de Cezanne.36 Ver obra de Henri Matisse: El siervo. 1900-1903. Escultura
en bronce. 91,77 x 37,8 x 33.02 cm. Museo de Arte Moderno, San Francisco,
California, Estados Unidos.37 En André Derain.3839 En 1904 Charles Camoin visita al
artista, en ese año realiza un retrato a Albert Marquet que se parecen a un retrato
por Cezanne de su esposa, el cual fue exhibido en el Salón de Otoño de 1904.40 Ver
obra de Charles Camoin: Retrato de Albert Marquet. 1904. Óleo sobre tela. 92 x 72,5
cm. Centro Nacional de Arte y Cultura Georges Pompidou,41 París, Francia.

Otro artista que pudo haber influido según André Salmon en una crítica que hizo en
1912 "se preguntaba si el fauvismo habría podido alcanzar la plena manifestación de
su color sin la influencia de Redon".42

Con el artista Paul Gauguin, el color plano característico del fauvismo tuvo su
influencia.6 En la obra de Matisse y Derain, por ejemplo este último sentía que la
luz meridional aplasta los volúmenes.43 "Lo que impide encuadrar a Gauguin entre
los fauves es que él no construye espacio mediante el color, sino que lo usa como
expresión del sentimiento" diría Matisse.44 En el arte decorativo del artista, en
el sentido del color exaltado y decorativo.45 Las primeras noticias de culturas
exóticas provinieron de este artista para los fauves, en el primitivismo evidente
en sus pinturas tahitianas con figuras de ídolos y tótems, también las piedras de
indios que tanto impresionaban al artista.46 En el tema de la danza, de Matisse y
Derain, hay una reinterpretación de la obra de este artista con lo primitivo.47 Su
interés por la cerámica también fue influencia para los fauves.48

Salón de Otoño de 1904, Ambroise Vollard, Sala Cézanne.

Los marchantes tienen un papel importante en dar a conocer el movimiento artístico
y dar estímulo a nuevas relaciones entre artistas, exposiciones individuales o
colectivas, nuevas experiencias pictóricas, visitar países, dar apoyo financiero en
bonos por ejemplo, etc. El marchante Ambroise Vollard ayudó y conoció a varios
integrantes del grupo, como anécdota, con André Derain le dio apoyo para que fuera
a Londres aprovechando el auge que todavía tenía el impresionismo en ese lugar y a
la vez realizar unos cuadros49 por encargo.50 Por otra parte cede espacio en su
galería para la primera exposición individual a Kees Van Dongen51 y Matisse.51 El
marchante Wilhelm Uhde que albergó en su galería obras de este movimiento. La
galerista Berthe Weill (1865 - 1951) fue la que "descubrió a los Fauves antes del
Salón de Otoño de 1905" y ser la primera persona distribuidora de obras arte de los
artistas: Derain, Braque, Matisse, Dufy entre otros.52

Vista del Trocadero durante la Feria Mundial de París 1900. El Palacio del
Trocadero representado en este cuadro había sido construido para la Feria Mundial
de 1878 y fue destruido por un incendio en 1935. Los dos edificios a ambos lados
del Trocadero son el Palacio de Argelia y el pabellón de Argelia.
El arte de África occidental y de la parte septentrional, que llegaron en la década
de los 1870s53 a los museos de Francia, Alemania, Londres y a las colecciones de
algunos artistas, incluían máscaras africanas y esculturas negras. De la misma
forma máscaras y esculturas de Oceanía. Producto del proceso colonialismo realizado
por varios países europeos. Con el arte, el colonialismo y el Norte de África
francés se puede hacer una relación de esa influencia.54

Máscara africana, máscara de la cultura Sénoufo, Sur de Malí y Norte Costa de

Marfil, África Occidental (Fue territorio colonial de Francia)
El arte de África y el arte de Oceanía fueron influencia para los fauvistas por
ejemplo: Henri Matisse era visitante frecuente del antes llamado Museo Trocadero en
París, en algunas visitas lo acompañaba Maurice de Vlaminck.55 En otros momentos
André Derain56 acompañaba a Vlaminck. Además por distintas situaciones estos
artistas tuvieron otros encuentros con el arte africano.57 Matisse viajó al norte
de África a principios de 1906,58 a Argelia, se trajo varias cerámicas y tejidos
locales59 y a Marruecos (1912-1913).60 Maurice de Vlaminck poseía una colección de
arte de África y Oceanía que tuvo su exhibición en 2009. La historiadora de arte
Élie Faure en la introducción para los visitantes del Salón de Otoño de 1905, les
manifestaba ser tolerantes “para ponernos en contacto con la joven generación de
artistas, debemos estar dispuestos a escuchar y a entender un lenguaje
absolutamente nuevo. Prestadles oído a estos primitivos”.61 Con el uso de la
palabra primitivo y la historia del arte se demanda la siguiente aclaración, léase
Estudio de la Historia del Arte#El estudio de la historia del arte no occidental y
del arte primitivo.

Fue un movimiento sincrético,6 porque usaban e incluían características de los

movimientos artísticos contemporáneos, en su espíritu de transformación de volver a
la pureza de los recursos como diría,6 Matisse, de carácter directo y con
valoración de la individualidad, de no ser sumisos ante la herencia pictórica, el
grupo quería ir más allá de lo logrado en la pintura, razón por la cual fueron
vanguardistas.[cita requerida]

En la formación del estilo fauvismo, hubo muchos movimientos artísticos que fueron
un ambiente adecuado para su desarrollo, de aprendizaje, para síntesis o
sincretismo o reinterpretación. Esto se aprecia en la capacidad de síntesis de la
tradición de la pintura de finales siglo XIX. En el caso de Matisse, esa capacidad
la madura hasta 1905. Por ejemplo con respecto a la obra que menciona John
Elderfield: La mujer convaleciente (La mujer enferma, título que da el museo). De
1899. Es un óleo sobre tela. De 41,4 x 38,4 cm. Tienen un número del objeto:
1950.225. La cual está en el Museo de Arte de Baltimore,62 Baltimore, Estados
Unidos. De esa obra se puede apreciar que: “no solo combina los métodos
neoimpresionistas con los métodos nabis, sino que los injerta en su propio estilo
alternativo de 1899, el de El invalido, a su vez profundamente influido por una
tercera gran opción postimpresionista, la de Cezanne”.12

Con los Nabis

Paul Sérusier. Danza bretona, pintura al óleo. Nótese el uso del color y lo
decorativo. Paul Sérusier, fue el líder del grupo de los Nabis.
"Mientras que las figuras de las obras tempranas de Matisse recuerdan a Cezanne y a
la escultura que el propio Matisse empezaba a hacer por entonces la zonificación
del color se debe en alguna medida al decorativismo plano de los nabís. Tanto el
decorativismo nabi como su color se hacen patentes en las vistas de Notre-Dame y de
los puentes del Sena que Matisse pinto hacia 1900, en sus violetas y serenos
verdes, tan dominantes, y en su aliento más sosegado que el de sus cuadros de
figuras".12 Ver obra de Henri Matisse: Notre-Dame. 1900. Óleo sobre tela. 66,7 x
99,1 cm. Soporte 46 x 37,5 cm con marco 68,9 x 60,8 x 8,1 cm Tate,63 Londres,
Inglaterra. Esta influencia se extendía a otros futuros fauvistas:12 Albert
Marquet, Keen Van Dongen, André Derain.64
Los primeros dibujos, con pincel y tinta china, de Albert Marquet con temas
callejeros del ambiente parisino, es donde se puede apreciar "otro aspecto del arte
nabi, al estilo caligráfico «japones» de los dibujos de Bonnard".65 Ver la obra
Albert Marquet: Pareja bailando. 1903. Pincel y tinta china sobre papel. 15,5 x
11cm. Número de inventario: Bx 1960.5.15, Museo de Bellas Artes de Burdeos,66
Bordeaux, Francia.
Con el impresionismo. Influencias de Paul Gauguin[cita requerida]

Claude Monet. El Parlamento en Londres, 1904. Óleo sobre tela. 80x91 cm. Museo de
Krefeld. Krefeld. Renania del Norte-Westfalia, Alemania. Uno de los principales
exponentes del impresionismo.
André "Derain estuvo haciendo, hacia finales de 1905 o principios de 1906, una
revaluación deliberada de un proyecto que había ocupado a Monet, a saber, una serie
de pinturas del río Támesis que le habían sido encargado por Vollard. Durante su
estancia en Londres, Derain realizó algunos de los ejemplos más destacados del
fauvismo. Reaccionó de manera muy acentuada a la variedad cambiante de luces y a
las distintas gradaciones de la niebla y las brumas que se cernían sobre el río;
sin embargo, no se trata meramente de respuestas impresionistas reelaboradas sino
reinterpretadas de un modo característicamente subjetivo".67
Con el postimpresionismo[cita requerida]
Con el neoimpresionismo
Matisse tenía68 el libro de Signac, titulado De Delacroix al neoimpresionismo69 el
cual leyó70 en el estudio de Gustave Moreau.
"No deja de ser significativo que los primeros experimentos neoimpresionistas de
Matisse estuvieran influidos por la obra de Signac y Cross, que trataron las
unidades de color como adoquines o teselas de un mosaico, dándoles una extensión
mucho mayor que la de los componentes del puro y meticuloso pointillisme de
Seurat".71
Con el puntillismo[cita requerida]
Con el divisionismo

Georges Seurat Pierre. "Gravelines: un estudio de la tarde". Pintura al óleo. El

Museo de la Anunciación en Saint Tropez, Francia. Exponente del divisionismo.
En el salón de los Independientes de 1905, Matisse expuso la obra "Lujo, Calma y
Voluptuosidad" en la primavera de ese año. Aparte de la discusión de la crítica por
la obra, el artista promovió a otros fauvistas a acercarse al “divisionismo”, la
así llamada evolución del estilo puntillista de Seurat. De otra manera Signac hacía
hincapié que el estilo continuase guiado por las leyes del contraste en el círculo
cromático y los complementarios. En la obra de “ Lujo, Calma y Voluptuosidad” se
aparta de toda guía indicada por Signac: “sus manchas de color son demasiado
grandes para que la mezcla óptica “funcione” a la manera de Seurat. Gran parte del
divisionismo practicado por Matisse, Derain, George Braque y otros no era más que
una separación de los colores en manchones sin mezcla (taches)”.72
Henri Matisse: Estudio para Lujo, Calma y Voluptuosidad . 1904. Óleo sobre tela,
32,7 x 40,6 cm. Museo de Arte Moderno,28 New York, Estados Unidos.
Características
Estas son algunas características que se pueden mencionar:

El color aplicado con la pincelada hace que el dibujo y el mimetismo fueran

supeditados al color. Ronald Pickvance menciona: "La identidad de las flores queda
subsumida en una equivalencia de pincelada de un solo color, formando un dibujo
rítmico independiente, [...] niegan cualquier función descriptiva que evoque las
flores de forma precisa"73 para la obra de Maurice de Vlaminck: Jarrón azul con
flores, 1906. Óleo sobre tela. 81,5 x 45,7 cm. Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid,
España.
El color fue su centro en la creación.[cita requerida] "La lógica de la forma
creada mediante el color - mediante el dibujo del color - que el fauvismo hizo
posible no se comprendió del todo enseguida salvo por quienes estaban tan
obsesionados por la pureza pictórica como Matisse. Este se dio cuenta
inmediatamente de que el color por sí solo podía evocar el registro completo de
cualidades pictóricas que los otros componentes de la pintura expresan por
separado: la profundidad y el carácter plano, los contornos y las superficies, lo
sustantivo y lo ilusorio."74

De Albert Marquet la obra El Puente Nuevo (París), un óleo sobre tela, dimensiones
sin marco 50,2 x 61,3 cm. Con fecha de 1906. Observe el uso colores oscuros para
pintar algunos contornos de algunas figuras en el cuadro.
Limitar las formas con contornos oscuros.[cita requerida]
Vlaminck manifestaba: usar los «colores puros tal y como salen del tubo»75 en el
lienzo.
El dibujo será un aspecto secundario para estos artistas,[cita requerida] sin
embargo Matisse no se olvidó de su importancia. También se destacaba la función
decorativa y se empleaban las líneas onduladas.[cita requerida]
En esta búsqueda tan dirigida hacia el color se olvidan otros aspectos como el
modelado, el claroscuro o la perspectiva.[cita requerida]

Dibujo de estilo académico

Hay una transgresión de la forma por buscar más allá de la representación por
mímesis heredada del academicismo, esa búsqueda da una abstracción de la forma
centrada en el color. Esta abstracción de la forma, no llega alejarla del modelo
exterior en que se inspira el artista, la identificación de la obra con el modelo
no desaparece.[cita requerida]
La técnica pictórica fauvista emplea toques rápidos y vigorosos, trazos toscos y
discontinuos, aunque se crea distorsión en las figuras: se persigue dar una
sensación de espontaneidad.[cita requerida] Respecto a esta característica Tomás
Llorens Serra, afirma que la "ejecución es muy somera y directa, anticipándose a lo
que será una de las características distintivas del estilo fauve"76 respecto a la
obra de André Derain: Paisaje en los alrededores de Chatou. 1904-1905. Óleo sobre
tela. 54,2 x 65,2 cm. Museo Thyseen-Bornemisza, Madrid, España. En la misma página
se puede pinchar en la parte "La obra en su contexto" que lo dirige a la exposición
virtual, ahí se puede hacer un zum a la imagen de esta obra y apreciar el tipo de
pincelada que se hace mención.
El fundamento de este movimiento es la liberación del color respecto al dibujo
exaltando los contrastes cromáticos.[cita requerida] Los artistas fauves van a
trabajar con la teoría del color interpretando qué colores son primarios, cuáles
son secundarios y cuáles son complementarios.[cita requerida] Mediante este
planteamiento consiguieron una complementariedad entre colores, lo que producía un
mayor contraste visual y una mayor fuerza cromática.[cita requerida]

Modelo de RYB, la ubicación de los colores primarios, secundarios y terciarios en

un círculo cromático, para las armonías y contrastes.
Este planteamiento, conocido como Modelo de color RYB, clasificaba los colores
como:
Colores Primarios: rojo, amarillo, azul
Colores Secundarios: se obtienen mezclando colores primarios: rojo + azul
(violeta); rojo + amarillo (naranja); amarillo + azul (verde).
Complementarios: se entiende por color complementario, el color opuesto a otro:
para el verde es el rojo, para el azul es el naranja y para el amarillo es el
violeta.
Estos artistas fueron los últimos que hicieron pintura al aire libre, "plein air"
como en francés se hace referencia. Matisse se entusiasmó con la luminosidad de
Paul Signac en Saint-Tropez y compartió con André Derain el verano en Colliure,
donde elevaron las tonalidades de sus paletas. Otros miembros del grupo -Charles
Camoin, Henri Manguin y Albert Marquet- también fueron seducidos por la luz
mediterránea,[cita requerida] que queda reflejada sobre todo en las vibrantes
naturalezas, en las vistas marinas y en los cuidados desnudos. Poco después, George
Braque, Raoul Dufy y Othon Friesz pusieron su atención en los pueblos pesqueros y
en el júbilo de las villas engalanadas por las fiestas populares.77Esta
característica se ejemplifica con la obra de André Derain, barcos en la playa, en
Colliure (o Colibre), 1905.
La luz es un tema tratado en el arte en muchas manifestaciones artísticas. En los
fauvistas la luz se hizo por los contrastes realizados por matiz no por tono.78
Otra característica de esta pintura es su intención de expresar sentimiento, algo
que anteriormente intentaron los pintores Nabis.[cita requerida] Esto hace que
percibieran la naturaleza y lo que les rodea en función de sus sentimientos. En la
idea de que hay una diferencia entre el color percibido por los ojos y el color
procesado por la mente o el pensamiento.[cita requerida]
Defendían una actitud rebelde, un intento de transgresión de las normas con
respecto a la pintura. Buscaban en definitiva, algo diferente, que les hiciese
avanzar en el ámbito artístico.
Maurice de Vlaminck:"Yo no quería seguir un modo convencional de pintar; yo quería
revolucionar las costumbres y la vida contemporánea".79
Con respecto a los temas que pintaban existía gran variedad: algunos pintaron el
mundo rural y otros el ámbito urbano. Algunos realizaron desnudos, escenas
interiores, bodegones, mientras otros preferían la pintura al aire libre,
realizando paisajes, influidos por las costumbres del impresionismo, otros
mostraban la importancia de sentir la alegría de vivir.[cita requerida]
Dentro de este estilo hay una combinación de métodos llamado "fauvismo de técnica
mixta"80 donde había un sincretismo de varios movimientos artísticos. Por anécdota:
se "combinó características derivadas de Seurat y van Gogh, con la pincelada
restregada, frotada, y las divisiones arbitrarias de color que recuerdan a
Cezanne".81
Generalmente se conoce que tuvo un gran aporte a través de la pintura al óleo sin
embargo los fauvistas también realizaron obras en otras técnicas artísticas:
cerámica, escultura, grabado, dibujo, etc.[cita requerida]
Obras
En Wikipedia se puede encontrar obras del fauvismo con historia, contexto,
análisis, apreciaciones y datos de las mismas. Además de esas obras, se presenta a
continuación una breve lista de obras del movimiento, en pintura al óleo:

André Derain: El "Pool" de Londres. 1906. Óleo sobre tela. 66,7 x 99,1 cm. Tate,82
Londres, Inglaterra.
André Derain: Henri Matisse. 1905. Óleo sobre tela. 46 x 34,9 cm. Tate,83 Londres,
Inglaterra.
Charles Camoin. Retrato de Albert Marquet. 1904. Óleo sobre tela, 92 x 72,5 cm.
Centro Nacional de Arte y Cultura Georges Pompidou,41 París, Francia.
George Braque: El puerto de Amberes. 1906. Óleo sobre tela. 49,8 x 61,2 cm. Galería
Nacional de Canadá,84 Otawa, Canadá.
George Braque: Los grandes árboles. El Estanque. 1906-1907. Óleo sobre tela, 80
x70,5 cm. Museo de Arte Moderno,85 New York, Estados Unidos.
Henri Matisse: André Derain. 1905. Óleo sobre tela, 38,4 x 28,3 cm. Tate,86
Londres, Inglaterra.
Henri Matisse: Mujer con sombrero. 1905. Óleo sobre tela, 80,65 x 59,69 cm. Museo
de Arte Moderno de San Francisco,87 San Francisco, California, Estados Unidos.
Henri Matisse: La Gitana. 1905. Óleo sobre tela, 55 x 46 cm, Museo de la
Anunciación.88 Saint-Tropez, Francia.
Maurice de Vlaminck: El Remolcador en el Sena, Chatou. 1906. Óleo sobre tela, 50,2
x 65,1 cm. Galería Nacional de Washington D. C.,89 Washington D. C. Estados Unidos.
Maurice de Vlaminck: Los árboles rojos. 1906-1907. Óleo sobre tela, 65 x 81 cm.
Centro Nacional de Arte y Cultura Georges Pompidou,90 París, Francia.
Maurice de Vlaminck: Jarrón azul con flores, 1906. Óleo sobre tela. 81,5 x 45,7 cm.
Museo Thyssen-Bornemisza,73 Madrid, España.
Raoul Dufy: Los afiches en Trouville. 1906. Óleo sobre tela, 65 x 81 cm. Centro
Nacional de Arte y Cultura Georges Pompidou,91 París, Francia.
Si bien el fauvismo se conoce en la mayoría de los casos por su gran aporte a
través de la pintura al óleo, este movimiento incursionó en otras técnicas
plásticas:

Ambroise Vollard tuvo la idea de estimular a algunos artistas para que realizaran
cerámica fauvista, para hacer más accesible este movimiento al público. Maurice de
Vlaminck en 1906, animado por Vollard, su marchante, inicia una colaboración con el
ceramista André Metthey, con esta técnica, algunas de sus obras, están clasificadas
como fauvistas.92 Derain y Matisse fueron también estimulados por el marchante y el
ceramista.48 Sin embargo el proyecto de cerámica fauvista no triunfó. Algunas obras
que se pueden mencionar:
André Derain: Florero. 1907-1908. Cerámica. 53 x 20 x 20 cm. Número de inventario:
KMSr135. Galería Nacional de Dinamarca,93 Copenhague, Dinamarca.
André Metthey9495
André Metthey “Plato - Adán y Eva” (1909-1920). Petit Palais, Musée des Beaux-Arts
de la Ville[1] , París, Francia.
Henri Matisse: Jarrón. Hacia 1907. Cerámica. 23,4 cm. de altura. Colección
particular.
Maurie de Vlaminck, Plato decorado con ave corriendo. 1908. Usualmente André
Metthey realizaba las formas de los platos o jarrones y Vlaminck los decoraba.
En la Embajada de Francia de Tokio (Japón) se realizó una exposición titulada: Los
trabajos de cerámica de Rouault y los fauvistas (2015)[2].
Coppel96 da la idea y sugiere influencias para el desarrollo del grabado en madera
o xilografía en los fauvistas.
Henri Matisse: Grabado en madera grande. 1906. Grabado en madera. Papel 57,4 x 46
cm, Matriz 46,5 x 39,5 cm. Número del objeto: 1950.12.236. Museo de Arte de
Baltimore,97 Baltimore, Estados Unidos.
Henri Matisse: Grabado en madera pequeño negro. 1906. Grabado en madera. Papel 46 x
28,7 cm, Matriz 31 x 22 cm. Número del objeto: 1950.12.235. Museo de Arte de
Baltimore,98 Baltimore, Estados Unidos.
Con el grabado a Punta seca
André Derain. Paisaje. 1907. Grabado a punta seca, 28,9 x 35,8 cm. Museo de Arte
Moderno,99 New York, Estados Unidos.
Henry Matisse. Dos desnudos, Dos cabezas, 1900-1903. Grabado a punta seca, tamaño
de la matriz 14,9 x 10 cm y tamaño del papel 32 x 25,5 cm. Museo de Arte
Moderno,100 New York, Estados Unidos. Matisse empezó a trabajar en grabado en cobre
alrededor de 1903, con punta seca.101
Con el grabado en litografía. Matisse después de sus grabados en cobre, alrededor
de 1903. Hace una pausa retomando el grabado en 1906, realizando sus primeras
litografías y linograbados, nuevamente hizo una pausa hasta 1914.102
Henri Matisse: Desnudo inclinándose con la mirada agachada. Litografía a lápiz.
1906. 45,1 x 28,1 cm. Número del objeto: 1950.12.133. Museo de Arte de
Baltimore,103 Baltimore, Estados Unidos.
Henri Matisse: Figura con un collar negro, vista desde de atrás. Litografía a
lápiz. 1906. 44,9 x 27,9 cm. Número del objeto: 1958.116. Museo de Arte de
Baltimore,104 Baltimore, Estados Unidos.
Con la técnica de la pintura en acuarela, se han algunos trabajos expuestos.105
Aparte de ellos se puede mencionar:
André Derain. Danza báquina. 1906. Acuarela y lápiz sobre papel. 49,5 x 64,8 cm.
Museo de Arte Moderno106 New York, Estados.Unidos.
André Derain. Dos bailarinas. 1906 ca. Acuarela sobre papel. 43,8 x 54,6 cm. Número
de inventario: KKSr158. Galería Nacional de Dinamarca,107 Copenhague, Dinamarca.
El dibujo que muchas veces es visto como un paso previo al trabajo en pintura, como
bocetos. Los dibujos sirven como estudio o anotación para el artista. Los que
tienen la oportunidad de observar estos trabajos previos o finalizados, pueden
apreciar en el dibujo parte del proceso de construcción de una obra o ideas para
futuras obras o ver soluciones que da el artista a determinadas respuestas o
análisis visuales. También se puede observar tratamientos de algunos elementos del
lenguaje visual o de composición que da el artista. El "aspecto notacional de la
pintura está determinado por el dibujo, que, además de su función técnica de
proyecto, goza, a la hora de presentarse como dibujo "libre" o bosquejo, de una
especificidad artística capaz de atribuir un valor estético autónomo al
producto".108 Trabajos en dibujo se han expuesto109 sobre este movimiento.
Albert Marquet. Coche fúnebre. 1905. Pincel, tinta china sobre papel. 12,7 x 14,2
cm. Número de inventario Bx 1960.5.8. Museo de Bellas Artes de Burdeos,110
Bordeaux, Francia.
André Derain. La Edad de Oro. 1904-1906. Carboncillo sobre papel. 29,7 x 19,4 cm.
Número de inventario AM 3671 D. Centre Nacional de Artes y de Cultura Georges
Pompidou.111 Museo Nacional de Arte Moderno, París, Francia.
Henri Matisse: El baño. 1905-1906. Pincel y tinta china. Papel 94 x 69 cm, con el
borde 95,7 x 71,3 cm. Número del objeto: 2013.4. Museo de Arte de Baltimore,112
Baltimore, Estados Unidos.
Con la escultura varios artistas del fauvismo se expresaron a través de esta
técnica artística, utilizando por ejemplo la talla de madera, algunas obras que se
pueden mencionar:
André Derain: cabecero y pies tallados para una cama. Hacia 1906-1907. Talla en
madera. Paradero desconocido
Henri Matisse: La danza. 1907. Talla en madera, 44 cm. de altura. Museo de Matisse
de Niza, Niza, Francia.
Para consultar más sobre obras y artistas de este movimiento artístico se puede
leer el apartado de exhibiciones temporales, más delante.

Exposiciones temporales

Museo Thyssen-Bornemisza, España.

una sección del Museo de Arte Moderno de New York

Museo de Arte Moderno de Céret, Francia.

Desde su origen los fauvistas han sido parte importante de la historia del arte,
razón por la cual sus obras forman parte de colecciones privadas y públicas, de
importantes museos alrededor del mundo. El público en general puede apreciar estas
obras en la mayoría de los casos a través de las exposiciones temporales como parte
de las actividades de los museos. En la actualidad, los museos en su papel de
divulgar, investigar, educar, preservar su aporte cultural da a conocer por
Internet su importante valor. También hay exhibiciones de destacables
organizaciones diplomáticas y culturales que se pueden mencionar. Por ello esta es
una breve lista de exposiciones temporales sobre fauvistas para consultar:

Dufy (Del 17 de febrero al 17 de mayo del 2015). Museo Thyssen-Bornemisza,113

Madrid, España. En ella se puede encontrar su producción del periodo fauvista entre
otros.
Henri Manguin. Un "salvaje" en el Bonnard". Del 27 de junio al 31 de octubre de
2015. Museo Bonnard,114 Le Cannet, Francia.
Las obras de cerámica de Rouault y los fauvistas (en inglés The Ceramic Works of
Rouault and the Fauvists) del 11 de abril al 21 de junio de 2015. Museo de
Panasonic Shiodome, Tokio, Japón. La exposición la organizó el Museo de Panasonic
Shiodome y otros. La apoyaron la Embajada de Francia en Japón, Instituto Francés de
Japón y otros . Con especial colaboración de la Fundación Georges Rouault.115 El
sitio tiene una versión en inglés.
Los fauves. La pasión por el color (del 22 de octubre de 2016 hasta 29 de enero de
2017). Fundación MAPFRE,116 Madrid, España. La comisaria de la exposición fue María
Teresa Ocaña.117
Las "bestias salvajes": el fauvismo y sus afinidades (del 26 de marzo al 1 de junio
de 1976), Museo de Arte Moderno,118 New York, Estados Unidos. En el mismo sitio
está el catálogo razonado "El fauvismo" de John Elderfield, en español, por Juan
Díaz de Atauri, 1983 .
Jean Puy (1876-1960) plenitud de un salvaje. Del 9 de abril al 18 de septiembre de
2016. Museo de Château de los Duques de Wurtemberg,119120 Riquewihr, Francia.
Maurice de Vlaminck, un instinto fauve. Pinturas de 1900 a 1915. Exposición del 3
de julio al 18 de octubre de 2009.CaixaForum Barcelona,121 España. La comisaria fue
Maïthé Vallès-Bled.122 En el sitio hay fotos y vídeos de la exposición.
Exposición de fauvistas húngaros. Del 21 de junio al 12 de octubre de 2008. Museo
de Arte Moderno de Céret , Céret, Francia. Exposición coproducida con Museo Matisse
de Cateau-Cambrésis y Museo de Bellas Artes de Dijon, en colaboración con la
Galería Nacional Húngara de Budapest.123124
Othon Friesz, un salvaje singular. Del 17 de junio al 17 de octubre de 2016. Museo
de la Anunciación,125 Saint-Tropez, Francia.
Influencia fauvista
Los aportes del fauvismo en el siglo de las vanguardias, se pueden observar en
varias consecuencias importantes para el desarrollo del arte en la primera mitad
del siglo XX. Los aportes fueron directos o indirectos, más allá de su apogeo en
Francia y no se puede determinar a ese país solamente. Además no fue una causa
exclusiva o única para las siguientes transcendencias:

Otros artistas que no fueron del grupo principal del movimiento pero de fuerte
influencia en Bélgica, España, Hungría y otros:

En Bélgica, los fauvistas de Brabante, es una expresación dada por primera vez en
1941 por el crítico belga Paul Fierens, para describir un grupo informal en
Brueselas (en Brabante) los fundadores incluyen Fernand Schirren, Louis Thévenet,
Willem Paerels (1878-1962), Charles Dehoy y Auguste Oleffe Y el artista Edgard
Tytgat, Jean Brusselmans, Anne-Pierre de Kat (1881-1968.126 Por otro lado el
artista Henri Evenepoel.
En España, los artistas Francisco Iturrino y Juan de Echeverría.[cita requerida]
En Hungría, el artista Béla Czóbel, Róbert Berény, Vilmos Perlrott Csaba, Sándor
Ziffer, Lajos Tihanyi, Géza Bornemisza, el matrimonio Sandor Galimberti y Valéria
Dénes.127
Estos grupos de otra manera se conocen como fauvismo belga, fauvismo ibérico128
como lo llamaría Gaya Nuño y el fauvismo húngaro,[cita requerida] respectivamente.
Hay agrupaciones de artistas que tiene una diversidad[cita requerida] de tipos de
arte y donde generalmente toman en cuenta varios movimientos artísticos [cita
requerida]en su manera de entender el arte por tanto no considera del todo al
fauvismo. Estos son algunos colectivos artísticos o grupos de artistas
influenciados:

El grupo Der Blaue Reiter (el Jinete Azul en español) este grupo tuvo muchas
influencias y entre ellas este movimiento artístico.129
El Grupo Montparnasse, en 1922, artistas chilenos de la pintura influenciados por
la tendencia postimpresionista europea y, sobre todo, por el fauvismo
El Puente (Die Brücke) tuvo influencia del fovismo.130 Donde el neerlandés Kees Van
Dongen se unió al grupo.
Sota de Diamantes fue colectivo ruso cuyo interés fue el desarrollo de nuevos
estilos, a partir de sus interpretaciones de Henri Matisse y su periodo fauvista.
Entre otros movimientos y artistas.[cita requerida]
Hay artistas que han estado influidos por el fauvismo, en su misma época de
surgimiento, desarrollo, apogeo y agotamiento.Y no han estado en el grupo principal
ni en las agrupaciones anteriores. Así ellos después de su paso por el fauvismo
siguen su propio camino plástico hacia otros movimientos o propósitos personales en
el arte. Por ejemplo el artista japonés Yoshio Aoyama que conoció a Matisse, en su
estadía en París, específicamente en Niza.[cita requerida] La artista francesa
Émilie Charmy que trabajó estrechamente con Henry Matisse.[cita requerida]

En el siglo de las vanguardias, como lo fue el siglo XX, surgieron numerosos

"ismos", movimientos artísticos que surgieron producto de las influencias de unos
con otros,[cita requerida]

El Expresionismo
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