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Asignatura: Historia del Arte

Profesor: José Ramon Franco Hernández

Título: Maestros Renacentistas

Alumno: José Manuel Gómez Gil

Matricula: 64224537

Lugar: Mexicali, Baja California

Fecha: 24 de septiembre del 2022

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INTRODUCCION

En este trabajo conoceremos un poco de los grandes maestros renacentistas viendo la

biografia de cada uno de ellos, estos son Rafael Sanzio, Tiziano Vecellio, Sandro Boticcelli,

Il Correggio, El Greco, Juan de Juanes. Cual fueron sus obras mas importantes y en que años

estuvieron presentes en el arte y arquitectura además de sus aportes a los mismos.

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Rafael Sanzio

Raffaello Santi, también llamado Rafael Sanzio o Rafael de Urbino, Urbino, actual Italia,

1483 - Roma, 1520. Pintor y arquitecto italiano. Por su clasicismo equilibrado y sereno basado

en la perfección de la luz, la armonía en la composición y el dominio de la perspectiva, la obra

de Rafael Sanzio constituye, junto con la de Leonardo da Vinci y Miguel Ángel Buonarrotti, una

de las más excelsas realizaciones de los ideales estéticos del Renacimiento.

Su padre, que fue el pintor y humanista Giovanni Santi, lo introdujo pronto en las ideas

filosóficas de la época y en el arte de la pintura, pero falleció cuando Rafael contaba once años;

para ganarse la vida, a los diecisiete años trabajaba ya como artista independiente. No se conoce

con exactitud qué tipo de relación mantuvo Rafael con Perugino, del que unos lo consideran

discípulo y otros socio o colaborador. Sea como fuere, lo cierto es que superó rápidamente a

Perugino, como se desprende de la comparación de sus Desposorios de la Virgen con los de este

último. Desde 1504 hasta 1508 trabajó fundamentalmente en Florencia, en donde recibió la

influencia del arte de Leonardo da Vinci y Miguel Ángel.

De sus obras mas destacadas tenemos Los desposorios de la Virgen (1504), La Donna

Velata (1514) entre otras.

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Entre las principales obras de Rafael Sanzio se destacan Los desposorios de la Virgen, 1504.

Esta es una pintura ubicada en la Pinacoteca de Brera, Milán, en la que aparece

el matrimonio entre María y José justo en el momento en el que él coloca el anillo en el dedo de

ella mientras los otros pretendientes se muestran decepcionados. Al fondo, y al igual que muchas

obras renacentistas, se incluye una arquitectura, en este caso al estilo del arquitecto Bramante.

El colorido vibrante y las expresiones de los personajes tienen un aire elegante y

solemne, confiriendo un aire sagrado por encima de una mera celebración. La obra es también

conocida como Lo Sposalizio, esta obra fue encargada por la familia Albizzini para la capilla de

San José en la iglesia franciscana de San Francisco de las Minorías en Città di Castello. La

pintura se inspiró en un panel pintado por Perugino, el primer maestro de Rafael, de Las bodas

de la Santísima Virgen, y también en su famoso fresco de Cristo entregando las llaves a San

Pedro. Una obra en la que se puede ver la evolución de Rafael desde la influencia del maestro

Perugino a la creación de un estilo propio en lo que se refiere a la composición, el uso de colores

más brillantes y la perspectiva.

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En esta obra, Rafael se esmeró en presentar su ideal de la belleza femenina, la de su amada

Margherita Luti. Rafael representa a Margherita al estilo de su Madonnas, con una piel clara y

suave, ojos almendrados y un rostro perfectamente modelado. Una obra en la que Rafael muestra

su dominio de la técnica sfumato de Leonardo da Vinci, creando una fusión de colores borrosa y

humeante.

También adopta la innovación de Leonardo de pintar retratos de medio cuerpo, lo que le permitió

a Raphael reproducir la bella tela del vestido de la mujer. Esta obra se destaca por ser el retrato

de una persona real, identificable, no una representación objetivada de la belleza.

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Tiziano Vecellio

(Pieve di Cadore, actual Italia, h. 1490 - Venecia, 1576) Pintor italiano. Aunque Tiziano

alimentó durante los últimos años de su vida la idea de que había nacido en 1475, para hacer

creer que era un anciano venerable e inspirar respeto y compasión, la crítica moderna ha

establecido casi con total seguridad que nació en 1490 y que murió a una edad más que

respetable, con ochenta y seis años. Recibió su primera formación en el taller de Giovanni

Bellini, del que salió a los dieciocho años para integrarse en la escuela de Giorgione.

La concepción poética de la pintura de éste dejó una profunda huella en Tiziano, como

resulta evidente en todas sus obras de juventud, y muy especialmente en la enigmática alegoría

Amor sagrado y amor profano, lienzo con el que se consagra ya como un maestro del desnudo

femenino, además de manifestar un talento natural en la plasmación del paisaje. Con anterioridad

había colaborado con Giorgione en la realización de los frescos de la fachada del Fondaco dei

Tedeschi y había realizado en Padua los Milagros de San Antonio para la Scuola del Santo. No

tardó en convertirse en el artista más importante de Venecia y fue nombrado, en consecuencia,

pintor oficial de la República.

Entre sus obras mas destacadas tenemos amor sacro y amor profano, venus de urbino

entre otros.
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Amor sacro y amor profano es una de las obras importantes del pintor Tiziano. Desde los

nueve años trabajó en el taller de Sebastiano Zucatto, pasando después a los de Gentile Bellini y

Giovanno Bellini respectivamente. En estos primeros años Tiziano ya había recorrido las

distintas fases que había experimentado la pintura veneciana, de la pintura quattrocentista al

estilo de Giorgione.

Este es un cuadro al óleo que se localiza en la Galería Borghese, Roma, y que se considera

una obra de estilo manierista. El amor sacro y el amor profano es una escena alegórica y

mitológica en la que se percibe la influencia neoplatónica renacentista que establecía que la

belleza terrenal es reflejo de la celestial. En lo estilístico podemos apreciar la mezcla de

influencias típica del Tiziano de estos primeros años.

Así, podemos ver un cierto orden estático propio del quatrocentismo, notándose también la

influencia de Giorgione en cómo trata el paisaje, mientras que la influencia de Bellini se

evidencia en el tratamiento de los pliegues de los ropajes de la Venus terrenal.

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Este es uno de sus cuadros más célebres de Tiziano, guardando muchos significados

ocultos. El cuadro representa la alegoría del matrimonio mostrando tres de sus aspectos básicos:

el erotismo, la fidelidad y la maternidad y constituye la primera Venus pintada por Tiziano. La

obra fue un encargo del Duque de Urbino Guidobaldo II della Rovere como regalo a Giulia

Varano, su joven esposa.Aunque se inspira en la Venus de Giorgione, la Venus de Tiziano es

más contemporánea y se desliga de las premisas renacentistas para presentar a la Venus como

una mujer real. Una escena en la que el realismo queda reflejado en el detallismo con el que

Tiziano pinta el paisaje veneciano que se ve a través el ventanal situado en el lateral de la mujer.

Una minuciosidad y preciosismo que también queda plasmado en la recreación de la decoración

del palacio.

En lo referente a la composición, la Venus recostada marca la horizontal del cuadro,

remarcando la verticalidad el cortinaje y la columna del ventanal. Las baldosas del suelo dirigen

la mirada del espectador hacia la habitación del fondo, actuando la columna del ventanal como

punto de fuga. El color cálido y claro del cuerpo de la joven contrasta con la paleta más fría y

oscura empleada con la zona del fondo y los cojines.

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Sandro Boticcelli

(Alessandro di Mariano Filipepi; Florencia, 1445 - id., 1510) Pintor italiano. Muy

valorado en la actualidad, Sandro Botticelli no se cuenta entre los grandes innovadores del

Renacimiento, sino que se inscribe más bien en un grupo de pintores que rehuyó el realismo a

ultranza y se inclinó por un estilo basado en la delicadeza, la gracia y un cierto sentimentalismo.

Uno de ellos fue Filippo lippi, maestro e inspirador de la obra de Botticelli.

La trayectoria artística de Sandro Botticelli se inició con obras de temática religiosa, en

particular con vírgenes que, como la Virgen del Rosal, denotan un gran vigor compositivo. En

1470, cuando contaba ya con un taller propio, se introdujo en el círculo de los Médicis, para los

que realizó sus obras más famosas. Un primo de Lorenzo el Magnífico, Pier Francesco de

Médicis, le encargó la alegoría de La primavera y también, al parecer, El nacimiento de Venus y

Palas y el centauro.
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Pruebas de Moisés-1481/1482-Capilla Sixtina de la Ciudad del Vaticano

“Pruebas de Moisés” es uno de los frescos que realizará el artista para la Capilla Sixtina,

el espléndido primer plano de la obra lo capturan dos figuras femeninas con el típico formato con

el que Botticelli describió la mujer de su época, no obstante, la soberbia y monumental

composición es complejísima ya que sitúa, en unidad, diferentes episodios del camino

trascendental de Moisés, la pieza engalana la pared lateral izquierda que es la destinada a narrar

los hechos del salvador del pueblo judío y puede leerse en paralelo con las Historias de Cristo

que se narran en el lateral derecho.

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Alegoría de la primavera-1477/1478-Galería Uffizi, Florencia, Italia

Es considerada una de las creaciones del artista con mayor influencia en la pintura

universal, además, su monumentalidad la convierte en una de las primeras grandes obras de

naturaleza profana de absoluta magnanimidad. Los personajes son hablados desde el lenguaje del

propio artista con una abigarrada individualidad, la presencia de Flora, la emisario de la

primavera, le valió el título, siendo su temática alusiva al mito y la fábula en una composición de

figuras estilizadas por una línea impecable, el orden es aparente en medio de una riqueza de

elementos, y la atención al detalle preconiza abundante sutileza y gracia.

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Il Correggio

Antonio Allegri da Correggio; Correggio, actual Italia, 1489 - id., 1534 Pintor italiano.

Nada se sabe acerca de la formación de este artista, conocido con el nombre de su pequeña

ciudad natal, que fue uno de los pintores más atrevidos y originales de comienzos del siglo XVI

y uno de los que ejercieron mayor influencia en la posterior pintura barroca.

Se especula con la posibilidad de que efectuara un viaje a Roma hacia 1518, pero Vasari

afirma que nunca estuvo en dicha ciudad y que en realidad conoció únicamente a través de

dibujos y grabados la pintura de Rafael Sanzio y Miguel Ángel Buonarroti, en la que sin duda se

inspiró. Estos dos artistas fueron referentes básicos en la formación de su estilo, pero también

bebió en Mantegna, del cual tomó la perspectiva ilusionista, y en Leonardo, de cuyo esfumado se

sirvió para dotar a sus obras de una elegancia sentimental.

Entre sus obras mas importantes para mi resaltan Matrimonio místico de santa Catalina de

Alejandría y Adoración de los Magos.

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Matrimonio místico de santa Catalina de Alejandría

Correggio es capaz de resolver su vasta y compleja investigación cultural en una pintura

llena de frescura y ternura que se renueva continuamente, y conquista al espectador por la gracia

natural de las actitudes y la delicada riqueza de las gamas de colores. Su elección de superar la

severidad de Mantegna a través de la experimentación de las sugerencias más recientes e

innovadoras, se manifiesta en su producción juvenil, en las composiciones etéreas y articuladas

de la Virgen con santa Isabel (Filadelfia), de la Natividad y de la Adoración de los Magos

(Milán, Brera), de la Virgen de san Francisco de Dresde, así como en la interpretación lírica del

tema de la Virgen con el Niño en un paisaje, y en la llamada la Virgen cíngara (c. 1517,

Nápoles).
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Adoración de los Magos, 1516-1517, Correggio, óleo sobre lienzo, 84 x 108 cm (Milán,

Pinacoteca di Brera). Esta obra, que fue primero atribuida a Scarcellino, un pintor de la Escuela

de Ferrara proviene de la colección que el Cardenal Cesare Monti dejó al Arzobispado de Milán

en 1650. Atribuida a Correggio por Bernard Berenson, generalmente es considerada como una de

las primeras obras del artista, ejecutada entre 1515 y 1518: la complejidad de la composición y la

artificialidad de las poses atestiguan del interés de Correggio por los antecesores del manierismo

Emiliano.
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El Greco

(Doménicos Theotocópoulos; Candía, hoy Heraklion, actual Grecia, 1541 - Toledo,

España, 1614) Pintor español. Aunque nacido en Creta, isla que en aquella época pertenecía a la

República de Venecia, El Greco desarrolló su peculiar estilo y la mayor parte de su trayectoria

artística en España. Se formó en su isla natal como pintor de iconos, antes de trasladarse a

Venecia, donde conoció la obra de Tiziano y Tintoretto, artistas que, junto con Miguel Ángel,

fueron los que más influyeron en su pintura.

A partir de 1570, tras una estancia de siete años en Roma, El Greco se trasladó a Toledo

por invitación del canónigo Diego de Castilla, quien le encargó un retablo para la iglesia de

Santo Domingo el Antiguo. Llevaba diez años en Toledo cuando Felipe II le encomendó una

obra para el monasterio de El Escorial; pero El martirio de san Mauricio no gustó al soberano

español, quien ya nunca volvió a contar con el artista.

Entre las obras mas destacadas para mi resaltan La curación del ciego-1567-, Visión del

Apocalipsis-1608/1614
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Es una de las tres versiones que realizara el artista respecto al mismo tema, en esta son claras las

influencias de Tiziano y Tintoretto, figuras que dominaban la escena renacentista de la Venecia a

la que recién arribaba El Greco. Aquí, la ávida formación del ingenio del cretense es evidente y

procura una escena abarrotada de grupos con situaciones propias cargadas de una magistral

complejidad dado sus movimientos y expresiones; la profusa pieza muestra el milagroso acto en

el que Jesús provee de visión a un ciego en una concurrida plaza y en medio de una multitud

escéptica e incrédula.
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Es una de las altísimas obras de la madurez del Greco, no solo por los alucinantes efectos

y la densa atmósfera con matices abrumadores, sino porque este alcanza el cenit de su

característico estilo, el tema es una fusión de la resurrección de los muertos que antecede el

Juicio Final con la visión de la apertura del quinto sello que describe San Juan en el Apocalipsis.

La escena plantea un primer plano de un colosal San Juan con una desafiante túnica azul,

rodeado de resucitados que se despojan de sus mortajas y son provistos de paños blancos traídos

por ángeles.
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Juan de Juanes

Vicente Juan Masip o Macip; Fuente la Higuera o Valencia, hacia 1523 - Bocairente,

1579, Pintor español. Creador de la iconografía religiosa del Renacimiento español, Juan de

Juanes se formó en el taller de su padre, el pintor Vicente Masip (Valencia, 1475-1550), del que

se sabe muy poco, pero que se muestra en sus obras como un pintor italianizante de considerable

nivel técnico y artístico. Siguiendo los pasos de su padre, Juan de Juanes se vería influido por la

tendencia dibujística e idealizante de la escuela de Rafael Sanzio, hasta el punto de que a veces

resulta difícil la atribución de obras al padre o al hijo.

Pero aunque durante la primera etapa de su carrera se mantuvo fiel a ese estilo paterno, se

considera que Juan de Juanes superó ampliamente a su progenitor. Ambos colaboraron en el

retablo de San Eloy, donde se funden rasgos italianos o flamencos; también la Concepción

(iglesia de la Compañía de Jesús, Valencia) es deudora del estilo flamenco. Sin embargo, en sus

versiones de La Última Cena, entre las que sobresale la del Museo del Prado, Juan de Juanes

obtiene ya una interpretación plenamente italianizante de la que Leonardo da Vinci pintó en

Santa Maria delle Grazie de Milán. El colorido es de una limpieza rafaelesca y los personajes

están caracterizados por una ingenua agitación que mereció el aplauso unánime.

Entre las obras mas destacadas Tenemos a la ultima cena, el salvador

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La última cena es una obra del pintor Juan de Juanes, pintada entre 1555 y 1562,1

empleando la técnica de pintura al óleo sobre una tabla de 116 × 191 cm. En la obra se representa

el acto de la Última Cena de la tradición cristiana, uno de los más repetidos de la iconografía

católica.

Fue una obra encargada para el retablo mayor de la iglesia de San Esteban de Valencia. Es una

de las diversas versiones de la santa cena realizadas por este autor, aunque la del Museo del

Prado es la más colorista y avanzada del renacimiento español.

El cáliz representado en la pintura ha sido identificado como el cáliz de la Catedral de Valencia,

conservado actualmente en el Museo Catedralicio Diocesano de Valencia, considerado el Santo

Grial. El cáliz fue otorgado por Alfonso V de Aragón a la catedral valenciana desde Aragón.

La composición está basada en la obra mural homónima que Leonardo da Vinci ejecutó en el

refectorio de Santa Maria delle Grazie (Milán), si bien el modelado de los personajes y el

colorido recuerdan a Rafael.

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Sobre fondo esgrafiado de oro el Salvador, de medio cuerpo, sostiene la hostia y el

cáliz conservado en la catedral de València. Según las crónicas del convento de Santo Domingo

de València, fue pintado por Joanes para el sagrario del altar mayor en tiempos de fray Pedro de

Salamanca, cuyo mandato como prior tuvo lugar entre 1557 y 1560. El dorso de la tabla está

decorado con un óvalo, sobre jaspeado verde, con el anagrama de Cristo, y ofrece la huella de

unas bisagras que descubren su función de puerta batiente. A diferencia del otro ejemplar

conservado en el Museo, este es de tiempo posterior, según se advierte en el tratamiento del

cabello, más suleto, y en la mayor complejidad de los plegados del manto.

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Conclusion

Luego de ver las obras de arte de estos maestros renacentistas logramos ver la variedad

de diseños y creatividad que hay entre estos como contrastes variados en un solo cuadro, diseños

variados centrados en el cristianismo y hechos importantes de la época.