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CINQUECENTO

Los pintores del s. XVI


mostraron más interés por
los contenidos temáticos
que por el sistema de
representación, ya
plenamente dominado por
las investigaciones de sus
precursores.Aún así se
aprecia una considerable
mejora técnica.
Desde los años 20, la
pintura entra en una fase
de manierismo.
Leonardo da Vinci Nació en Vinci y con
14 años de instaló
en Florencia donde
inició su aprendizaje
como pintor.
En 1481 partió a
Milán comenzando
así una vida
constantes
desplazamientos.
Aunque su fama es
como pintor no son
muchas las obras
que realizó y menos
que terminó.
“Hombre del
Renacimiento” por
excelencia.
Trabajó mucho para
Francisco I (Fr)
ningún encargo de
los Papas.
La Virgen de las Rocas . Pintura al oleo
sobre tabla. 1485.
Composición piramidal. Belleza idealizada ,
se relacionan entre sí a través de las
miradas y los gestos de las manos. La
Virgen sujeta a San Juan Bautista niño que
está adorando a Jesús mientras este,
protegido por un ángel le bendice con la
mano derecha.
Las figuras aparecen perfectamente
fundidas con el espacio, que las envuelve
de forma natural y no como mero telón de
fondo. Para ello Leonardo usa su peculiar
técnica del claro-oscuro y el sfumatto que
permite una suave transición de las luces a
las sombras.
Destaca el empleo de la “Perspectiva aérea”
que en su “Tratado de la pintura” definió
como la disminución de la intensidad de los
colores y la pérdida de definición de los
objetos, con la interposición de capas de
aire. Magnífico escorzo de la mano de la
Virgen
La Gioconda. 1503 y 1506. Oleo sobre
tabla
Realizada en una nueva estancia en
Florencia, representa según Vasari a
Monna Lisa, esposa del florentino
Francesco Giocondo.
Retrato de tres cuartos en el que Leonardo
aplica su técnica del sfumatto ( mayor
prefección). Perspectiva aérea. Su famosa
sonrisa rompe con la tradición anterior del
retrato de rostros y actitudes serias y ha
generado ríos de tinta sobre su posible
significado.
Sonrisa “”huidiza”
Ultima cena. 1495 - 1497
Pintura mural destinada al refectorio del convento de Santa María de las Gracias de
Milán. Emplea óleo y temple sobre capa de yeso seco, fórmula que provocó graves
deterioros de la pintura desde muy pronto.
Cuenta el momento en que Cristo comunica que hay un traidor provocando la sorpresa
de los apóstoles. Judas no está en un aparte como era común sino mezclado pero
ignorado. Todos los personajes se relacionan entre sí en grupos, recoge las distintas
reacciones psicológicas de los personajes. La figura de Cristo resalta enmarcada por el
vano sobreiluminado a sus espaldas que concentra todas las líneas de fuga de la
perspectiva aplicada.
Rafael (1483 – 1520)
Artista del Cinquecento italiano ( s. XVI.
Aunque fue elegido como arquitecto de la Basílica de San Pedro de la que se
encargó a la muerte de Bramante, sus obras más conocidas son de pintura.
Representante del clasicismo pictórico del momento. En su etapa florentina pintó
Madonas y Sagradas Familias, composiciones triangulares utilizando el sfumato. Más
tarde, trabajó en Roma donde pintó los frescos de las estancias vaticanas, entre la
que destaca La Escuela de Atenas, caracterizados por la monumentalidad, la riqueza
expresiva y la fuerza interior.
A petición del Papa Julio II Rafael viajó en 1508 a Roma donde se le encargó la
decoración pictórica de las estancias del Vaticano. La primera es la Estancia de la
Signatura, usada para la firma de los decretos de gracia del Tribunal Eclesiástico.
Dentro del complejo programa iconoclástico de la sala destaca “La Escuela de Atenas”,
considerada una de las obras cumbres del Renacimiento.

Pintura al fresco . La composición: Es simétrica, con un gran eje axial que, pasando
por Platón y Aristóteles, divide el cuadro en dos partes, y un eje horizontal que recorre la
cabeza del grupo principal.

El color: se intenta compensar los fríos con los cálidos en un nuevo intento de crear
armonía.

La luz: natural con fines representativos (crear volumen por medio del claroscuro, luces
y sombras). Procura distribuirla de forma homogénea, sin marcar excesivos contrastes
ni intentar guiarnos por el cuadro.

Funciones y significado de la obra: La Escuela de Atenas simboliza la Filosofía.


Rafael situó la escena en un templo de inspiración greco-romana que recuerda la
arquitectura de la basílica de San Pedro de Bramante. En él aparecen grandes filósofos
tomando de modelo a personajes públicos de la época, como Leonardo da Vinci
encarnando a Platón o Miguel Ángel como Heráclito. Las figuras se sitúan en diversos
grupos presididos por los dos grandes filósofos clásicos: Platón y Aristóteles. Algunos de
los demás filósofos son: Heráclito, Hipatia, Diógenes, Pitágoras, Euclides o Sócrates.
Miguel Angel
Miguel Ángel realizó estas
pinturas en tan solo 4 años,
1508-1512. Simulando arcos
fajones que dividen la bóveda en
tramos atravesados por falsas
cornisas estableció el siguiente
programa iconográfico:
- En el registro central pasajes
del Génesis( creación de
Adán- expulsión del Paraíso)
- - En cada esquina desnudos
sentados
- En los registros exteriores los
siete profetas bíblicos y las
cinco sibilas que habían
anunciado la llegada de Cristo
- En los triángulos los
antepasados de Cristo.

Figuras monumentales y
vigorosas a menudo desnudas
en composiciones de gran
movimiento. Poca preocupación
color y fondo espacial
Pintura mural realizada bastante
después de la bóveda 1541,
presidida por Cristo Juez que en
su tratamiento recuerda a Júpiter
lanzando el rayo. A su derecha los
elegidos se elevan hacia el cielo a
su izquierda los condenados
descienden a los infiernos.
En la parte superior unos ángeles
portan los instrumentos de la
Pasión y en la inferior la
resurrección de la carne (izq) coro
ángeles (centro) infierno
(derecha) Hades Antigüedad.
M.A. se autorretrató en la piel que
cuelga de la mano de San
Bartolomé que murió despellejado.
Los paños son añadido posterior.
Movimiento circular y agitado en
un espacio sin profundidad, gran
dramatismo que refleja la crisis de
certidumbre del manierismo
alejada de la serenidad de la
etapa anterior.
Escuela veneciana
Contexto histórico:
Hasta el s. XV Venecia había estado
más volcada hacia Oriente que el resto
de Italia (comercio), esto explica la
pervivencia de la influencia bizantina t la
tardía penetración del nuevo lenguaje
renacentista.
Desde finales del siglo y a lo largo del
XVI surge una nueva escuela pictórica
que la convirte en el segundo centro
artístico después de Roma.
Características generales:
- El color prima sobre el dibujo
- El paisaje se trata con gran lirismo y
no como simple fondo espacial
- Riqueza y lujo, visión sensual y
placentera de la vida
- Frecuencia temas profanos y
mitológico
La tempestad. Giorgione. 1508.
Oleo sobre lienzo.
Por primera vez pinta óleo sin
dibujo previo  predominio
color sobre línea.
El tema es un enigma (Adán y
Eva – Demeter y Yasión???). En
cualquier caso el verdadero
protagonista del cuadro es el
paisaje.
En lo que sí se han puesto de
acuerdo los críticos es en
considerar “La tempestad” como
la primera obra paisajística de
la Historia del Arte, y en su
gran influencia posterior en la
pintura occidental, sobre todo en
los pintores románticos del siglo
XIX.
El paisaje aquí no es una mera
excusa recreativa para la
escena principal, sino el propio
tema central que envuelve a los
personajes y que atraen las
miradas del espectador.
Escuela veneciana En sus inicios colabora con Giorgione siendo los dos
grandes renovadores de la escuela veneciana.
Oleo sobre lienzo. 1538. Sigue el modelo de la “Venus dormida” de Giorgione que él
mismo concluyó pero sustituye el paisaje por un espacio interior. Fue realizada para el
duque de Urbino , alegoría amor conyugal???perro fidelidad, mirto ventana amor
duradero. Gran sensualidad en el tratamiento del tema, parece una mujer real. Venus
desnuda tema muy frecuente en Tiziano.
Oleo sobre lienzo 1548.
Tiziano no sólo refleja los
rasgos físicos del retratado
sino también los psicológicos.
Batalla Mulberg enfrenatmiento
protestantes. Carlos detiene su
caballo frente al río Elba para
decidir si lo cruza o no” el sol
se detuvo para alargar el día”.
Resalta el color carmesí y los
brillos de la armadura que es
efectivamente una de las que
poseía el emperador.
Carlos aparece como héroe
defensor de la cristiandad con
mirada al frente y dispuesto a
cumplir con su elevada misión
en un retrato ecuestre que le
asimila a los emperadores de
la Antigüedad.
“El lavatorio” Tintoretto ( por ser hijo de un tintorero), discípulo de Tiziano y el mejor
representante del manierismo en Venecia. Busca aunar “el dibujo de Miguel Ángel y el color
de Tiziano”.
Esta pintura fue realizada en 1547 para la iglesia de Marcuola de Venecia. Cristo se dispone a
lavar los pies de sus apóstoles antes de la cena.
Se abandona la perspectiva central para que el punto de fuga esté en el extremo derecho del
cuadro. Los diferentes grupos de personajes no se interrelacionan entre sí. Las fuentes de luz
son diversas y contradictorias. Si se observa el cuadro desde la derecha se reordena toda la
composición eliminando los espacios vacíos
“Las bodas de Caná” de Veronés ( por su lugar de
origen). Pintor que mejor refleja el lujo y la riqueza
de los ambientes venecianos en colosales marcos
arquitectónicos.

Cuadro de gran formato (10x6) destinado al


refectorio de un convento en Venecia.
El tema representa las bodas de Caná ( agua en
vino primer milagro público). A partir s. XV tema
frecuente.

Cristo aparece en el centro del cuadro sentado junto


a la Virgen y los apóstoles pero entre los más de
100 personajes del cuadro apenas destaca.
Veronés representa una gran fiesta veneciana de las
de su época en un grandioso escenario
arquitectónico con personajes de la más variada
procedencia e indumentaria como es habitual en
una ciudad con tanto intercambio comercial. Algunos
de estos personajes son reconocibles como: Carlos
V, Francisco I o Tiziano y Tintoretto en el grupo de
músicos delante de Cristo.

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