HISTORIA DE LA MÚSICA II TRIMESTRE 1.

Los maestros clásicos

Los maestros del estilo clásico fueron Haydn y Mozart. Desde su época, estos dos
compositores han sido considerados como los más destacados entre un gran número
de músicos altamente cualificados activos en la segunda mitad del siglo XVIII. Ambos
fueron extraordinariamente prolíficos, completando muchos cientos de magníficas
composiciones a lo largo de sus vidas. Aunque el lenguaje y las técnicas musicales que
utilizaron eran comunes en toda Europa en aquella época, sus habilidades individuales
eran muy notables; su comprensión de la armonía, la forma, la expresión; y su invención
melódica tan rica que destacan entre sus contemporáneos.

Peter Ustinov Presenta: Celebrando a Haydn

https://www.youtube.com/watch?v=XLdn5EmYLDM

Joseph Haydn: Libertine & His Master’s Servant | Music Documentary

https://www.youtube.com/watch?v=koc3JwyfK8g

Franz Joseph Haydn (1732-1809)

Cualquiera puede ver que soy un tipo

bondadoso.
-Haydn

Haydn nació en un pequeño pueblo de

Austria. Su padre era fabricante de ruedas -un
importante oficio en el siglo XVIII- y Haydn era
uno de los doce hijos. En casa y en el pueblo se
hacía mucha música, y Haydn demostró un
temprano talento para la música. A los ocho
años, fue aceptado como niño del coro en la
catedral de San Esteban de Viena, la mayor
ciudad del imperio austriaco. Aquí permaneció
hasta los 18 años, cuando su voz cambió. (En
aquella época, el inicio de la pubertad, tanto
para los chicos como para las chicas, era mucho
más tardío que hoy).
En la catedral, Haydn había aprendido a
tocar el clavicordio y el violín, por lo que
durante los diez años siguientes (entre 1750 y
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1760) se ganó la vida dando clases de clavicordio y tocando en orquestas locales.
Durante este tiempo, vivió en una pequeña habitación de un edificio de Viena. Por
suerte para él, algunos de los apartamentos más grandes del edificio estaban ocupados
por personas que fueron muy útiles para impulsar su carrera. Uno de sus vecinos era
Pietro Metastasio, el poeta y libretista de ópera más famoso de su época.
Haydn conoció a muchas personalidades del mundo de la música. Otra de ellas era una
mujer que era cabeza de una de las familias aristocráticas más prominentes de la época.

Se llamaba Maria Esterházy, y la familia

Esterházy iba a desempeñar un papel
importante en la vida y la carrera de Haydn.
En 1761, Haydn fue contratado como
asistente del director musical de la casa del
príncipe Paul Anton Esterházy. El príncipe
contaba con un considerable séquito de
sirvientes, incluyendo una pequeña
orquesta de unos 12 músicos. Haydn se
encargaba de componer música por
encargo, de supervisar y ensayar a los
demás músicos y de cuidar los instrumentos.
El príncipe Paul Anton murió en 1762 y le sucedió su hermano Nikolaus. El
príncipe Nikolaus Esterházy era un ávido amante de la música que gastaba mucho
dinero en su corte y en sus diversiones. En el campo, el príncipe Nikolaus construyó un
magnífico palacio que tenía dos grandes salas de música y dos pequeños teatros para
la ópera. Llamó a este palacio Esterháza en honor al nombre de la familia.
En 1766 Haydn fue ascendido a director musical de Esterháza. Se encargó de
dirigir toda la música del palacio. Cada semana se representaban dos óperas completas
y dos grandes conciertos. Cada vez que llegaba una visita importante al palacio, se
organizaban conciertos adicionales. La música se interpretaba en las comidas y el
príncipe tenía música de cámara en sus habitaciones casi todos los días. Haydn escribió
gran parte de esta música. Se le conocía como un jefe decente, un amigo generoso y un
auténtico "tipo de buen carácter".
A lo largo de su vida, Haydn escribió una docena de óperas; más de 100
sinfonías; casi 70 cuartetos de cuerda; más de 50 sonatas para teclado; y una gran
cantidad de música coral, canciones y otra música de cámara. Haydn permaneció al
servicio de la familia Esterházy hasta 1790, cuando murió el príncipe Nikolaus. Al nuevo
príncipe, Nikolaus II, no le gustaba la música y disolvió la orquesta.
Haydn, con casi 60 años de edad, se trasladó de nuevo a Viena.
Para entonces, su obra era conocida internacionalmente y viajó dos veces a Londres,
primero de 1791 a 1792 y luego de 1794 a 1795. Para sus visitas a Londres, Haydn
escribió sus últimas 12 sinfonías, que se interpretaron allí con gran éxito de público.
Estas brillantes y fascinantes obras se conocen como las sinfonías de Londres.
En sus últimos años, de vuelta a Viena, Haydn escribió principalmente cuartetos de
cuerda y música vocal. Sus cuartetos son variados y magistrales, y abarcan toda la gama

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 HISTORIA DE LA MÚSICA II TRIMESTRE 1.1

de expresión, desde el juego hasta la profundidad. Las obras vocales incluyen seis
misas para coro y orquesta y los dos grandes oratorios de sus últimos años, La Creación
(1798) y Las Estaciones (1801).
Haydn murió en 1809 a la edad de 77 años. Su reputación trascendió incluso las
disputas nacionales. Viena estaba entonces sitiada por el ejército francés, pero
Napoleón montó una guardia de honor ante la casa de Haydn para rendir homenaje al
mejor compositor de la época.

Anexo:
https://musicadecamara.wordpress.com/2010/02/16/3-franz-joseph-haydn-cuarteto-en-
mib-m-op-33-nº-2-la-broma/

Audición:
Haydn String Quartet (The Joke) Score Video

https://www.youtube.com/watch?v=zpeQKGoV8cw

Haydn - Symphony No. 101 "Clock" (Score)

https://www.youtube.com/watch?v=JjcJkpWeRcE

https://es.wikipedia.org/wiki/Sinfon%C3%ADa_n.º_101_(Haydn)

C o m p o s i t o re s , m e c e n a s y normalmente en parejas. Hacia finales del

público
La orquesta clásica
En la época del Clásicismo, la
orquesta había heredado algunos rasgos del
Barroco, pero también presentaba otros
nuevos. El cuerpo principal de la orquesta
seguía estando formado por las cuerdas:
quizá de ocho a doce violines (divididos en
dos grupos), cuatro violas, dos o tres
violonchelos y uno o dos contrabajos.
(Estos números podían ser mayores o
menores según la ocasión para la que se
escribía la música o los recursos financieros
de la organización patrocinadora). Pero
ahora los instrumentos de viento tenían un
papel más claro y definido; ya no se
limitaban a tocar junto a las cuerdas: tenían
una música propia más claramente definida.
La sección de viento estaba formada por
fl a u t a s , o b o e s , f a g o t e s y t ro m p a s ,
siglo XVIII se añadieron los clarinetes.
Un compositor como Mozart, con su sutil y
refinado sentido del sonido, asignaba a los
vientos papeles muy distintivos. Una flauta
podría unirse a los violines en un
movimiento lento para dar más brillo a su
canto. Un par de oboes y un fagot podían
aparecer en la sección de trío de un
minueto. Y a menudo los vientos tocaban
pasajes propios para contrastar
deliberadamente con las cuerdas. En línea
con el deseo clásico de simetría y claridad,
el equilibrio de las cuerdas y los vientos
estaba más claramente organizado. Por
último, para las ocasiones festivas, o para
una sinfonía que el compositor quería hacer
conmovedora o más extrovertida, la
orquesta podía contar con trompetas y
timbales. La diferencia entre una orquesta
con trompetas y timbales y otra sin ellos se

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 HISTORIA DE LA MÚSICA II TRIMESTRE 1.1

La música de Haydn
Durante mucho tiempo, la música de Haydn se consideró genial y animada, y
gran parte de su profundidad, ingenio y brillantez pasaron desapercibidos. Esto se
debía a que sólo unas pocas de sus composiciones se interpretaban regularmente en
conciertos. Hoy en día, sin embargo, se interpreta cada vez más música de Haydn y se
reconoce el extraordinario alcance de sus logros.
Sus óperas están llenas de música hermosa: lírica, inventiva y conmovedora. Sus
sinfonías van desde obras públicas ceremoniosas con trompetas y tambores hasta
composiciones de gran delicadeza, encanto e incluso tragedia. Los cuartetos de cuerda
exploran una enorme gama de expresión, con un manejo magistral del medio íntimo y
una brillante escritura para los cuatro instrumentos. Los primeros cuartetos dan la mayor
parte del material melódico al primer violín, pero en los últimos cuartetos los demás
instrumentos están más integrados, y cada uno de los cuatro intérpretes contribuye al
discurso. Cuando el gran poeta alemán Goethe comparó un cuarteto de cuerda con
una conversación entre cuatro individuos igualmente interesantes, debió de pensar en
los cuartetos de Haydn.
Las misas de Haydn son estructuras nobles y grandiosas que combinan un estilo
coral conservador adecuado a los textos tradicionales con un estilo orquestal y
sinfónico brillante. Y los dos oratorios de Haydn, La Creación y Las Estaciones, hacen
gala de un ingenio y una vivacidad junto con el tipo de escritura pictórica exquisita que
nunca deja de cautivar al público. En La Creación, que describe la creación del mundo,
Haydn comienza con una representación del Caos, en la que la oscuridad y el vacío
están representados por hilos turbios y un ritmo inestable. En la última palabra de la
proclamación coral "¡Y se hizo la luz!", hay un clímax fuerte y radiante en un acorde de
do mayor. Tanto la Creación como las Estaciones contienen descripciones musicales
inteligentemente realistas de la naturaleza: una paloma que arrulla, una tormenta que
destella, un gusano que se desliza. A mediados de la carrera de Haydn en Esterháza, a
principios de la década de 1770, se produjo un interesante cambio de estilo que afectó
a sus cuartetos de cuerda, sonatas para piano y sinfonías. De repente, algunas de las
obras de Haydn empezaron a mostrar un estado de ánimo de melancolía y añoranza
que no había existido antes. Haydn experimentó con este estilo escribiendo varias
composiciones en tonos menores poco habituales, con cambios repentinos de
dinámica, excursiones armónicas remotas y una expresión intensa. Escucharemos un
movimiento de una de las sinfonías de Haydn de este periodo. Posiblemente porque el
príncipe no reaccionó favorablemente al nuevo estilo, Haydn lo abandonó al cabo de
unos años.

HAYDN. Creando el oratorio "LA CREACIÓN" (Hob. XXI:2)... ¡Historia de una obra
maestra!

https://www.youtube.com/watch?v=2yQK8eTHJp8

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 HISTORIA DE LA MÚSICA II TRIMESTRE 1.1

Este movimiento es fascinante y complejo; no es un simple minueto y trío. Comprender

sus múltiples niveles puede llevar docenas de escuchas repetidas y, sin embargo,
también es elegante y animado, y es un placer escucharlo a cualquier nivel.
Entre las características estándar de la forma y el estilo del minueto -un patrón fijo de
repetición, triple métrica, tempo moderado-, Haydn ha incorporado otras que hacen
que este minueto en particular sea único. La más llamativa es la cantidad de contraste
que ha escrito en esta pieza. Hay contraste de dinámica, textura, instrumentación y
tonalidad.
El primero -contraste de dinámicas- es evidente desde el principio. En la primera
sección del movimiento, que sólo dura unos 13 segundos, Haydn cambia de dinámica
cuatro veces. Estos contrastes dinámicos se ven reforzados por los contrastes texturales:
Haydn tiende a utilizar la monofonía o el contrapunto muy delicado para los pasajes
tranquilos y la polifonía densa
para los pasajes fuertes. En esta primera sección, la instrumentación sigue el mismo
camino. Oímos los violines solos en los pasajes tranquilos
y a toda la orquesta cuando la música es fuerte. Todos estos contrastes continúan a lo
largo de la pieza. En cuanto al contraste
de tonalidad, hay un movimiento a la tonalidad dominante para las secciones B y C y un
cambio repentino e inesperado a Fa# menor
en medio de la sección D.
En cierto modo, parece que Haydn intenta deliberadamente confundir a sus oyentes. La
forma de un movimiento de minueto suele ser fácil de escuchar. Pero en este
movimiento, la forma está deliberadamente oscurecida. Haydn intenta todos los trucos
posibles para confundirnos. Lo hace (1) colocando las cadencias fuertes en el lugar
equivocado, (2) utilizando frases de enlace a través de las divisiones de la sección, (3)
sincopando el ritmo, y
(4) utilizando repeticiones internas. Por ejemplo, repite parte de la sección A dentro de
la sección B y parte de la sección C dentro de la sección D (lo que se conoce como
forma binaria redondeada).

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 HISTORIA DE LA MÚSICA II TRIMESTRE 1.1
Pero hay más. En sus repeticiones internas (repitiendo A dentro de B, y C dentro de D),
en lugar de repetir exactamente, Haydn reescribe la música cada vez.
Veamos primero la sección D porque es la más fácil de seguir. La sección D contiene
una reformulación abreviada de C. Haydn sólo repite la primera mitad de C (compare
1:41-1:56 con 2:33-2:40). Pero si se escucha con atención, se verá que Haydn ha
reescrito el pasaje para que suene fresco. En su primera aparición, la instrumentación
incluye sólo las dos trompas, con un pequeño toque de cuerdas al final. En su
reformulación, los oboes, las trompas y todas las cuerdas interpretan la música.
La reescritura de la sección A dentro de la sección B
es aún más sutil. Compare 0:00-0:14 con 0:49-1:05. Escuchando con atención,
encontrará muchas diferencias en cuanto a la dinámica, la duración de las frases
(incluida la duración de todo el pasaje) y la instrumentación. Haydn realmente intenta
mantener a su público en vilo.
La mejor manera de desenredar toda esta confusión es mediante la guía de escucha
cronometrada. Si mira con frecuencia el temporizador mientras escucha, sigue la guía
de audición con atención y escucha la pieza varias veces,

podrá hacerse una idea de lo brillante y sofisticado que era Haydn.

Audición:
https://www.youtube.com/watch?v=cYvjr86_aJY

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 HISTORIA DE LA MÚSICA II TRIMESTRE 1.1

Todas las piezas de Haydn se ciñen a los procedimientos formales clásicos. Sin
embargo, Haydn demostró un gran ingenio al explotar las formas fijas de la música
clásica para sus propios fines expresivos. Un recurso que inventó fue la "falsa
recapitulación". Recuerde que en la forma sonata, la música de apertura del movimiento
vuelve después de la sección de desarrollo con la misma melodía y armonía que tenía al
principio. A Haydn le gustaba a veces jugar con las expectativas de su público fingiendo
que empezaba la recapitulación en medio de la sección de desarrollo. Se toca la música
de la apertura del movimiento, haciéndonos pensar que la recapitulación ha
comenzado. Pero entonces las armonías cambian, el desarrollo continúa y nos damos
cuenta de que nos han engañado. Un poco más tarde, se produce la verdadera
recapitulación.
A Haydn le gustaba hacer otro tipo de trucos a sus oyentes. En 1781 publicó un
conjunto de seis cuartetos de cuerda que han llegado a llamarse los "Cuartetos de
broma". Los cuartetos contienen música seria y pasajes emocionalmente expresivos,
pero también hay muchos momentos ingeniosos: cadencias en lugares "equivocados",
melodías de formas extrañas y ritmos inexplicables. Al final del segundo cuarteto del
conjunto (Opus 33, número 2), hay un "falso final". La música parece detenerse, avanza
de repente, se detiene de nuevo y parece volver a empezar. Luego, el movimiento
termina. Este tipo de manipulación de las expectativas del público sólo podía darse en
una época en la que los procedimientos formales eran estrictos. Cuando no hay reglas,
romperlas no es divertido.
Incluso hoy en día, hay música de Haydn que se interpreta muy poco o nunca. Pero a

medida que pasa el tiempo y se conocen más composiciones suyas, nos damos cuenta
de que Haydn fue uno de los compositores más versátiles y dotados de su tiempo.

Este movimiento tiene forma de rondó. Hay un tema principal pegadizo, que vuelve
constantemente en el curso del movimiento. Entre las apariciones del tema principal
hay pasajes de material contrastante conocidos como episodios.
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 HISTORIA DE LA MÚSICA II TRIMESTRE 1.1

En este rondó, Haydn adopta la siguiente forma, con A como tema principal y B,
C y D como los tres episodios:

A B A B A C A B A D A Coda
Haydn escribió este movimiento en el atractivo y animado compás de 6/8 y en un tempo
rápido, lo que hace que la música sea especialmente viva y divertida. Pero la broma llega en los
compases finales, ya que el oyente no tiene ni idea de dónde está realmente el final.

AUDICIÓN:

https://www.youtube.com/watch?v=zpeQKGoV8cw

ANEXO:

https://es.wikipedia.org/wiki/Hoboken-Verzeichnis
Las obras de Haydn figuran en un catálogo elaborado por Anthony van Hoboken. Este recibe el nombre de catálogo
Hoboken y asigna a cada obra de Haydn un número de identificación, llamado número Hoboken (cuya abreviatura es
H. o Hob.). Los cuartetos de cuerdas también tienen número Hoboken, pero se identifican generalmente por su
número de opus, que tiene la ventaja de indicar los grupos de seis cuartetos que Haydn publicó conjuntamente, por
lo que, por ejemplo, el cuarteto de cuerdas Opus 76, n.º 3 es el tercero de los seis cuartetos publicados en 1799.

Las sinfonias de Haydn -Raquel Aller: https://www.youtube.com/watch?v=gaqWjPOyMHI

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 HISTORIA DE LA MÚSICA II TRIMESTRE 1.1

Wolfgang Amadeus Mozart (1756–1791)

Para la mayoría de los oyentes, la música de Mozart es más fácil de apreciar que
la de Haydn. Comparado con Haydn, Mozart muestra sus emociones más abiertamente.
Su música es aún más colorida, más intensa.

Juro ante Dios Todopoderoso que tu hijo es el

mejor compositor que conozco.
-Haydn al padre de Mozart

Leer carta de Mozart a su

hermana pag 28 “Cartas de
Mozart”

Mozart nació en 1756. A

la edad de cuatro años, ya
mostraba una habilidad musical
asombrosa. A los seis, ya había
empezado a componer y tocaba
brillantemente el clavicordio.
Durante los diez años
siguientes, su padre le llevó de
viaje a diversas cortes, ciudades
y principados de toda Europa,
donde tocó para nobles,
príncipes e incluso para la
emperatriz de Austria María
Teresa.

Estos constantes viajes en

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 HISTORIA DE LA MÚSICA II TRIMESTRE 1.1
sus años de formación tuvieron un valioso efecto en el joven. El principal maestro de
Mozart en esta época fue su padre, pero absorbió otras influencias musicales como una
esponja. Allá donde iba, recogía el estilo musical de la región y de los compositores
locales más destacados.

A partir de todas estas fuentes y de su propia imaginación, Mozart creó un estilo

propio. A los ocho años, Mozart ya había publicado algo de música. A los 10 años, ya
escribía sinfonías. A los 14 años, ya había producido su primera ópera completa. A los
17 años, cuando regresó con su padre a Salzburgo para intentar encontrar un trabajo,
Wolfgang ya era un artista maduro y plenamente formado.

Encontrarle un trabajo a Mozart no fue fácil. El príncipe-arzobispo de Salzburgo

era un gobernante autocrático, y su paciencia ya había sido puesta a prueba por las
constantes ausencias de su subdirector musical (el padre de Mozart). El arzobispo
aceptó emplear a Mozart, pero sólo en un puesto menor. Mozart escribió bastante
música en esos años, pero tanto él como su padre consideraron que Salzburgo era
demasiado asfixiante para él. Al cabo de unos años, Mozart viajó de nuevo para intentar
encontrar un puesto en otro lugar. Esta vez viajó con su madre, porque su padre no
podía permitirse abandonar su puesto para realizar más viajes. Fue a Múnich, Mannheim
(donde se encontraba la gran orquesta de Stamitz) y París. Pero en ninguno de estos
l u g a re s c o n s i g u i ó u n
trabajo. La mayoría de los
posibles empleadores de
Mozart pensaban que era
demasiado joven y
demasiado talentoso
("sobrecualificado" es la
palabra que utilizaríamos
h o y ) p a ra u n p u e s t o
normal. De hecho,
cualquier director de
música se habría sentido
amenazado por este joven
impetuoso y brillante. En
París no sólo se encontró
con la decepción, sino
también con la tragedia:
su madre murió. Escribió a
su padre y a su hermana:

“Espero que estés

preparado para escuchar con entereza una de las historias más tristes y dolorosas.... Sólo
puedo juzgar desde mi propia pena y dolor lo que debe ser la suya”.

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 HISTORIA DE LA MÚSICA II TRIMESTRE 1.1
Aunque a su regreso a Salzburgo Mozart recibió un ascenso, seguía sin estar
satisfecho. En 1780 acompañó al arzobispo en una visita a Viena. Mozart se indignó
cuando le obligaron a comer en las habitaciones de los sirvientes y se enfureció cuando
el arzobispo se negó a dejarle ir a las casas de otros aristócratas que le habían invitado
a actuar para ellos. Mozart exigió airadamente su liberación del empleo del arzobispo y
la recibió, como escribió a su padre, "con una patada en el culo de nuestro digno
Príncipe-Arzobispo”.

Este muchacho hará que todos seamos

olvidados.
-El compositor Johann Adolf Hasse

Así comenzó la carrera independiente de uno de los músicos más brillantes de la

historia. Al principio, Mozart se mantuvo dando clases de piano. También escribió varias
sonatas para piano y algunos conciertos para piano. La música para piano era muy
popular en Viena. Mozart tuvo cierto éxito con una ópera cómica alemana que escribió
en 1782, titulada El rapto en el serrallo (llamada así porque la acción se desarrolla en un
serrallo o harén turco). También en 1782 se casó con la hija de su casera, una joven
soprano llamada Constanze Weber. Su padre, al que seguía escribiendo con
regularidad, desaprobó fuertemente el matrimonio.

Durante los años siguientes, Mozart tuvo mucho éxito. Emprendió una serie de
cuartetos de cuerda que pretendían emular a los de Haydn, y los dedicó con un estilo
cálido y sincero al viejo maestro. Sabemos que los dos compositores se encontraron
algunas veces en para tocar en cuartetos de cuerda. Haydn tocaba el violín, Mozart la
viola.

Compositores, mecenas y público

Compositores y mecenas en la época clásica
El mecenazgo musical se encontraba en un punto de inflexión cuando Mozart
fue a Viena en la última parte del siglo XVIII. Muchos mecenas de la música seguían
siendo aristócratas adinerados. Toda la carrera de Haydn fue financiada por un príncipe
rico. El padre de Mozart y, durante un tiempo, el propio Mozart estuvieron al servicio de
otro príncipe. Pero cuando Mozart se fue a Viena en 1781, se las ingenió para ganarse
la vida con diversas fuentes. Además de las actuaciones en casas aristocráticas y de
los encargos de obras particulares, Mozart daba clases de piano y de composición,
montaba óperas, y se dedicaba a la música de cámara.
Además de las actuaciones en casas aristocráticas y los encargos de obras
particulares, Mozart daba clases de piano y composición, montaba óperas y daba
muchos conciertos públicos de su propia música.
En el siglo XVIII se produjo un aumento considerable del número y la
disponibilidad de los conciertos públicos. Había tres tipos de conciertos: los de caridad
para recaudar fondos para los asilos y orfanatos locales; los de abono, para los que se
vendían las entradas por adelantado; y los conciertos benéficos, en los que los
compositores tocaban para su propio beneficio. La música se convertía cada vez más
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en el ámbito del público en general, y los compositores cada vez menos en servidores
 HISTORIA DE LA MÚSICA II TRIMESTRE 1.1

En estos años, Mozart ganó gran fama -y ganó bastante dinero- gracias a sus
conciertos para piano. Entre 1784 y 1786, compuso 12 conciertos para piano. Se
presentó ante el público vienés como compositor y pianista, ya que él mismo tocaba las
partes solistas de los conciertos. Los conciertos tuvieron mucho éxito y llevaron a Mozart
a la cumbre de su carrera.

Sin embargo, la popularidad de Mozart fue decayendo poco a poco. Los vieneses
estaban siempre ávidos de una nueva sensación, y Mozart ya llevaba un tiempo en el
mercado. Además, la ciudad estaba en recesión, y era difícil conseguir fechas de
conciertos y contratos de composición. La correspondencia de Mozart de finales de la
década de 1780 está llena de cartas solicitando préstamos a los amigos. A pesar de su
aversión a la autoridad, intentó
encontrar un puesto seguro en
la corte vienesa.

Mozart no escribió
muchas sinfonías nuevas
durante este periodo, pero en el
verano de 1788, en el espacio
de unas ocho semanas, escribió
tres sinfonías seguidas. Estas tres
últimas sinfonías, las nº 39, 40 y
41, son la culminación de su
trabajo en el género. Son muy
diferentes entre sí, pero las tres
están ricamente orquestadas,
son enormemente inventivas y
están llenas de detalles sutiles
que merecen ser ensayados con
frecuencia.

Tal vez el mayor logro de

los últimos años de Mozart esté
representado por sus óperas.
Mozart se interesó por la ópera
desde sus viajes de juventud a
Italia. Ya había escrito varias
piezas de juventud y, desde su
llegada a Viena, había escrito
tanto una ópera seria (ópera
italiana seria) como un singspiel
(ópera cómica alemana). Ahora,
en lo que serían los últimos cinco
años de su vida, completó cinco grandes óperas. Las más conocidas son Las bodas de

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 HISTORIA DE LA MÚSICA II TRIMESTRE 1.1
Fígaro (1786), Don Giovanni (1787) y La flauta mágica (terminada el año de su muerte,
1791). Estas óperas son muy diferentes, pero en cada una de ellas Mozart muestra su
notable comprensión de la naturaleza humana en toda su riqueza. En Fígaro, describe
con la mayor sutileza la urgente sexualidad adolescente de un criado y la conmovedora
desesperación de una esposa abandonada. En Don Giovanni, Mozart explora las
experiencias ricamente humanas de la determinación, el orgullo, el dolor, la comedia y
la seducción. En La flauta mágica, los temas son la ambición noble, la armonía
matrimonial y el amor puro. En manos de Mozart, estos ideales y emociones se
transforman desde las convenciones del escenario de la ópera en la expresión más
profunda de los sentimientos humanos.

En noviembre de 1791, mientras trabajaba en una Misa de Réquiem (Misa de

Difuntos), Mozart cayó enfermo.El 5 de diciembre, a la edad de 35 años, con media vida
de obras maestras aún sin componer, Wolfgang Amadeus Mozart murió.

Documental: En busca de Mozart

https://www.youtube.com/watch?v=VTjuJ2eNIjA

La música de Mozart
La música de Mozart es una notable combinación de lo accesible y lo profundo.
Como escribió Mozart a su padre, su música atrae tanto a los expertos como a los
aficionados. Otra razón por la que tanta gente se siente atraída por la música de Mozart
es su extraordinaria amplitud. Sus más de 800 composiciones son increíblemente
variadas, desde las pequeñas piezas cómicas más ligeras hasta las obras que exploran
los grandes temas de la existencia humana: la vida y la muerte, el amor, la tragedia, el
romance, la desesperación y la esperanza.

Mozart escribió en todos los principales géneros de la música clásica: ópera,

sinfonía, cuarteto de cuerda y sonata. Escribió conciertos para una gran variedad de
instrumentos: violín, flauta, oboe, clarinete, fagot y trompa. Pero para su propio
instrumento, el piano, compuso más de 20 conciertos, que se encuentran entre sus
mayores obras maestras.

Mozart escribió docenas de sonatas, tanto para piano solo como para
combinaciones de instrumentos, incluyendo piano, cuerdas y vientos. También
compuso muchos grandes cuartetos de cuerda. Además de estas obras, Mozart escribió
varios quintetos de cuerda, en los que se añade una viola adicional a los dos violines, la
viola y el violonchelo del cuarteto de cuerda. Esto hace que la música sea más rica y el
contrapunto más completo.

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 HISTORIA DE LA MÚSICA II TRIMESTRE 1.1
Mozart también enriqueció enormemente la fuerza expresiva de la ópera. La
flauta mágica, Don Giovanni y Las bodas de Fígaro trascienden las convenciones al
retratar a las personas en toda su complejidad psicológica.

Incluso en sus obras puramente instrumentales, Mozart escribía música que

desafiaba las convenciones. Creó obras de gran profundidad y seriedad para "música
de fondo" en fiestas de jardín. Escribió movimientos lentos de desgarradora sencillez
para sus conciertos para piano. A veces utilizaba el contrapunto para intensificar su
música en lugares donde no era habitual. Y sus melodías tienen a menudo pasajes
cromáticos (que se mueven en semitonos) en una época en la que la mayoría de los
compositores escribían melodías totalmente diatónicas (utilizando sólo notas de la
escala). Por último, la música de Mozart a veces pasa brevemente al modo menor en
medio de pasajes en modo mayor, lo que crea una mayor profundidad y resonancia
emocional. Es como la sombra de una pequeña nube que pasa sobre un prado soleado.

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 HISTORIA DE LA MÚSICA II TRIMESTRE 1.1

Falsificaciones musicales
Cada vez que aparece en un desván o en un viejo cajón de un escritorio un manuscrito
musical que supuestamente es de Haydn o Mozart, se produce una gran expectación. A
veces estos documentos son auténticos. Por ejemplo, en 2005 se descubrió en Filadelfia un
manuscrito auténtico de una importante obra de puño y letra de Beethoven. Se vendió a un
coleccionista privado por 2 millones de dólares. Pero a menudo los manuscritos son
falsificaciones, y algunas de ellas son lo suficientemente buenas como para engañar incluso
a los expertos (durante un tiempo). En 1994, unas sonatas para piano de Haydn "recién
descubiertas", autentificadas por un erudito de renombre mundial y que iban a ser
interpretadas en el Departamento de Música de la Universidad de Harvard, fueron
declaradas falsas.
El nombre de uno de los grandes compositores en la portada prácticamente garantiza una
acogida favorable de una obra. Durante casi cien años, se creyó que una conocida sinfonía
era de Mozart (su "37ª Sinfonía"). Fue aclamada por los críticos como "típica del maestro".
Pero cuando la sinfonía resultó no ser de Mozart, sino de un contemporáneo suyo menos
famoso, los críticos la describieron inmediatamente como "obviamente no a la altura de la
obra del maestro". La obra no había cambiado;
era la misma música. Sólo habían cambiado las ideas preconcebidas de la gente.

Sólo un número muy reducido de sus obras utilizan una tonalidad menor como
tónica. Entre ellas se encuentra la Sinfonía nº 40 en sol menor, escrita en 1788.

Aunque la música de Mozart es más rica, versátil y variada que la mayoría de la

música del siglo XVIII, utiliza las mismas convenciones básicas que el resto de la música
de la época.

Los instrumentos son los mismos, las formas son las mismas y los géneros
primarios que Mozart cultivó son los mismos. Pero la música de Mozart habla
profundamente a más personas, cubre una gama más amplia de sentimientos y resuena
con más significado humano que la de casi cualquier otro compositor antes o después.
En ese sentido, la música de Mozart es verdaderamente “clásica".

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En el espacio de ocho semanas, durante el verano de 1788, Mozart completó tres

grandes sinfonías. Tal vez tenía la intención de publicarlas e interpretarlas juntas.
Aunque no había razón para que lo supiera, iban a ser sus últimas.

La Sinfonía en sol menor, la central de las tres, es una de las obras más conocidas de
Mozart y representa uno de sus mayores logros en el ámbito sinfónico. Se caracteriza
por un equilibrio y un control perfectos, una gran riqueza armónica e instrumental y un
uso brillante de la estructura formal.

El primer movimiento es un magnífico ejemplo de estas características. En él, Mozart

aprovecha las posibilidades dramáticas de la forma sonata, al tiempo que juega con sus
convenciones con fines expresivos. La estructura básica de la forma sonata es fácil de
escuchar, pero también podemos ver cómo Mozart manipuló la forma para sorprender
y deleitar a sus oyentes. Hay muchos ejemplos, pero el más obvio es la forma en que
nos hace esperar la recapitulación en un momento determinado, para luego mostrarlo
claramente.

En primer lugar, debería escuchar la pieza unas cuantas veces simplemente para
disfrutar de la fina escritura expresiva: el brillante equilibrio entre lo fuerte y lo suave, las
maderas y las cuerdas, las frases descendentes y ascendentes, y las tonalidades
menores y mayores. Fíjese también en cómo Mozart adereza el sonido con pasajes
cromáticos y notas sorpresa. A continuación, escuche la estructura, la plantilla básica de
la forma de sonata, que está tan claramente articulada en este movimiento. Las
siguientes veces, escuche cómo Mozart juega con esta estructura (y con

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 HISTORIA DE LA MÚSICA II TRIMESTRE 1.1
las expectativas de su público) con fines expresivos. Por último, intente juntar todas
estas cosas y escúchelas todas a la vez.

Sin embargo, no deje de escuchar después de eso. Puede que descubra, como
hacen muchos de los oyentes más experimentados, que escuchará algo nuevo en este
movimiento cada vez que lo escuche. Y hay otros tres movimientos en esta sinfonía,
otras tres sinfonías en el grupo, y docenas de otras sinfonías de Mozart.

Análisis y audición

https://www.youtube.com/watch?v=lqBLZfPuAfE

Resumen de estilo
La época clásica
La música clásica presenta un notable contraste con la de la época barroca. La
música clásica es más ligera y delicada, con armonías más sencillas y texturas más
claras. La diferencia más obvia está en el bajo. En el resumen de estilo del capítulo
anterior señalamos que el rasgo más característico de una pieza barroca es la fuerza y el
sentido de la dirección de su línea de bajo. En la música clásica, el acompañamiento
suele ser mucho más ligero, con los acordes divididos en patrones o con las notas del
bajo más separadas y con algo de "aire" entre ellas.

En segundo lugar, la música clásica tiende a ceñirse a armo- nías más sencillas,
permaneciendo normalmente dentro de la tonalidad de origen o utilizando tonalidades
estrechamente relacionadas, sin los acordes disonantes que a veces se utilizan para
lograr un efecto expresivo en la música barroca. En este periodo se estableció
claramente un patrón estándar de relaciones tonales dentro de un movimiento o entre
los movimientos de una obra.

En tercer lugar, la música clásica utiliza una disposición simétrica de las frases
musicales. Las frases tienden a tener una longitud de dos o cuatro compases y a estar
dispuestas en pares. Esta simetría se utiliza como base para melodías sencillas y
atractivas.

Por último, la fuerza dominante en la música clásica es la convención. La

convención rige el número de movimientos de una pieza, las formas en las que se
presentan y los tiempos a los que se tocan. La relación de tonalidad entre los
movimientos se establece por convención, al igual que el orden y la duración
aproximada de las zonas tonales dentro de los movimientos. Las tonalidades

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 HISTORIA DE LA MÚSICA II TRIMESTRE 1.1
individuales se asocian a determinados estados de ánimo e incluso a determinados
instrumentos.

Los géneros musicales más importantes de la época clásica son la ópera, la

sinfonía y la música de cámara, especialmente el cuarteto de cuerda y la sonata. Las
sinfonías y las obras de cámara siguen un formato de cuatro movimientos: un primer
movimiento moderadamente rápido, un movimiento lento elegante o lírico, un minué y
un trío, y un movimiento final rápido. El primer, el tercer y el último movimiento suelen
estar en la tónica. El movimiento lento puede estar en la tonalidad dominante (V), en la
subdominante (IV) o en la relativa menor (vi). La forma de sonata se utiliza en el primer
movimiento; la forma de aria, la forma de tema y variaciones o la forma de sonata en el
segundo; la forma de minueto y trío en el tercero; y la forma de rondó o de sonata en el
cuarto.

La convención dictaba que los conciertos debían contener sólo tres movimientos:
moderadamente rápido, lento y rápido (históricamente, los conciertos no adoptaban el
movimiento de minueto y trío del formato sinfónico). El piano era uno de los principales
instrumentos solistas de los conciertos clásicos.

La instrumentación en las sinfonías era para una sección de cuerda completa, un

pequeño grupo de instrumentos de viento y, a veces, trompetas y tambores. La
instrumentación en la música de cámara era para el piano solo o para uno o cuatro
instrumentos (normalmente de cuerda) y un piano. A veces, un pequeño grupo de
instrumentos de viento o de cuerda tocaban juntos sin piano. Una de las combinaciones
favoritas del periodo clásico era el cuarteto de cuerda (dos violines, viola y violonchelo).

Se siguieron componiendo óperas sobre temas serios; sin embargo, se

popularizó un nuevo tipo de ópera, más realista y con los pies en la tierra, conocida
como ópera cómica. Mozart solía mezclar tipos de ópera. Introdujo escenas cómicas en
óperas serias y, en general, se salió del modo convencional, produciendo obras de
extraordinaria variedad y perspicacia psicológica.

La ausencia del bajo continuo en la música clásica dio lugar a una textura mucho
más ligera y transparente, a una mayor libertad en la escritura instrumental y a un estilo
más accesible. Se trataba de una música tanto para los no expertos como para los
entendidos.

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