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Bailar para aprender
 Bailar para aprender

La cognición del cerebro, la emoción,

y movimiento

Judith Lynne Hanna

Rowman y Littlefield
Lanham • Boulder • Nueva York • Londres
Publicado por Rowman & Littlefield
Una subsidiaria de propiedad total de The Rowman & Littlefield Publishing Group, Inc.
4501 Forbes Boulevard, Suite 200, Lanham, Maryland 20706
www.rowman.com

Unidad A, Whitacre Mews, 26-34 Stannary Street, Londres SE11 4AB

Copyright © 2015 por Judith Lynne Hanna

Todos los derechos reservados.Ninguna parte de este libro puede reproducirse de ninguna forma ni por ningún
medio electrónico o mecánico, incluidos los sistemas de almacenamiento y recuperación de información, sin el
permiso por escrito del editor, excepto por un revisor que puede citar pasajes en una reseña.

Información disponible sobre catalogación en publicación de la Biblioteca Británica

Datos de catalogación en publicación de la Biblioteca del Congreso

Hanna, Judith Lynne.

Bailar para aprender: la cognición, la emoción y el movimiento del cerebro / Judith Hanna.
paginas cm
Incluye referencias bibliográficas e indice.
ISBN 978-1-4758-0604-5 (tela: papel alcalino) - ISBN 978-1-4758-0605-2 (pbk.: papel alcalino)
— ISBN 978-1-4758-0606-9 (ebook) 1. Danza—Aspectos psicológicos. 2. Danza—
Aspectos fisiológicos. I. Título.
GV1588.5.H37 2015
792.801'9—dc23
2014029843

™ El papel utilizado en esta publicación cumple con los requisitos mínimos del Estándar Nacional
Estadounidense para las Ciencias de la Información: Permanencia del papel para materiales impresos de
biblioteca, ANSI/NISO Z39.48-1992.

Impreso en los Estados Unidos de América

 Contenido

Contenido
Expresiones de gratitud

Preludio: bailar es cognitivo, emocional y conmovedor

Capítulo 1: El cerebro hace coreografías Bailarín, bailarín y
espectador
Capítulo 2: La mentalidad y la cuestión del aprendizaje a través de la danza
Capítulo 3: Lugares de baile que cambian el cerebro: de
la calle/estudio/aula al escenario y viceversa
Capítulo 4: El cerebro danzante no deja a nadie atrás
Capítulo 5: Mente y emoción en el aprendizaje de identidades propias, culturales y
nacionales a través de la danza
Finale y Révérence
Apéndice A: Herramientas para revelar el cerebro danzante Apéndice B:

Introducción a la danza, incluso para quienes no son bailarines Referencias

 Expresiones de gratitud

Ningún libro se escribe solo. La educación no sucede por casualidad. Mis

maestros académicos y de danza durante medio siglo en todo el país y en el
extranjero son demasiado numerosos para reconocer el conocimiento que
impartieron. Les agradezco a ellos ya mis compañeros bailarines e
investigadores. Aprecio a los artistas y miembros de la audiencia que
compartieron sus perspectivas y las actuaciones de los bailarines que vi como
espectador, académico y crítico de danza. Revisores anónimos de mis libros y
artículos, especialmente enInvestigador Educativo, me empujó a ampliar mis
perspectivas sobre los fundamentos de aprender a bailar y bailar para
aprender.
Estoy en deuda con los escépticos de mi trabajo anterior sobre la danza
como lenguaje que me motivó a buscar evidencia de apoyo, y con los
científicos cuyo trabajo sustentaBailar para aprender: la cognición, la emoción
y el movimiento del cerebro. En ciencia no hay prueba, pero la evidencia
puede apoyar una teoría. Las fronteras del conocimiento relacionado con la
danza han avanzado increíblemente.
Agradezco a los autores enumerados en las referencias que provienen de
una serie de disciplinas muy distintas. Su trabajo me ha ayudado a
progresar en mi comprensión de la danza y el desarrollo de este libro.
Agradecemos a las Bibliotecas de la Universidad de Maryland ya la base
de datos MEDLINE de la Biblioteca Nacional de Ciencias de EE. UU. por
ayudarnos a obtener acceso a los informes de investigación. Catherine
Stevens y sus colegas me introdujeron en los estudios del cerebro de los
bailarines. El aliento de muchas personas a lo largo de los años, por
ejemplo, William J. Hanna, Howard Gardner, Chuck Davis, Jacques
d'Amboise y Marcia Isaacs ha sido motivador. Renata Maslowski, Naima
Prevots y Barédu Ahmed hicieron valiosos comentarios sobre varias
versiones deBailando para Aprender.
Agradezco a quienes organizaron varias fotografías: Instituto
Nacional de Salud Mental, Departamento de Salud y Servicios
Humanos; Melanye Dixon, profesora de danza en la Universidad de
Ohio (adquirió un fotógrafo para una sesión de fotos especial con ella
bailarines de la escuela primaria de los estudiantes de magisterio);
Adrienne Dellas Thornton, directora artística de Kirov Academy of Ballet,
DC; Judi Fey, consultora de danza, Escuelas Públicas del Condado de
Anne Arundel, Maryland; Laurie Frederick Meer, profesora de estudios
de interpretación en la Universidad de Maryland y competidora de baile
de salón; y Ling Tang, bailarina, artista docente y consultora y gerente
de artes. Fotógrafos que gentilmente donaron su trabajo, incluidos
Kevin Dixon, Paolo Galli, Paul Goeth, Martin MacPhee, Kanchalee Reeves
y Lonnie D. Tague, han animado el libro.
No hay forma de exagerar la contribución de Blake Martin, quien tiene un
doctorado en kinesiología, un posgrado en neurociencia, una maestría en
danza y una licenciatura en educación, enseña en el Departamento de
Ciencias de la Danza en la Universidad de York y es miembro visitante.
Programa de Retención y Aprendizaje Acelerado, Investigación y Desarrollo
de Defensa de Canadá. Por supuesto, todos los errores son míos. Martin,
un lector muy perspicaz, compartió generosamente su vasto conocimiento,
me dirigió a investigaciones relevantes, sugirió mejores formas de
expresar los hallazgos de la investigación, me presentó nuevos programas,
me recordó lo que olvidé y me dio mucho en qué pensar. Martin me dijo
que le gustaba mi trabajo y mi visión y que quería verlos “impulsados con
precisión y fuerza”. Espero haberme acercado a este objetivo.
 Preludio: Bailar es Cognitivo,
emocional y conmovedor

Saltar, deslizarse, deslizarse, doblarse, saltar, pisar y girar a través del espacio
y el tiempo y con esfuerzo. Los seres humanos, jóvenes y mayores,
independientemente del sexo y el género, se mueven con un propósito,
patrones culturales y nociones de idoneidad y competencia. Tal vez
transmiten ideas a través de su baile. Tal vez comunican sentimientos. Por
otra parte, es posible que solo jueguen con la forma. Mirando el baile,
recibimos un mensaje, lo sentimos en nuestros cuerpos palpables.
La mayoría de la gente ha descartado viejos proverbios como: “Nunca un
bailarín fue un buen erudito”. “Los buenos bailarines tienen en su mayoría
mejores tacones que cabezas”. “Cuanto más grande es el tonto, mejor es el
bailarín”. Sin embargo, los conceptos erróneos sobre la danza continúan hoy. Por
ejemplo, los profesores de danza a menudo les dicen a los estudiantes y a los
miembros de la compañía: “No piensen, solo bailen, como lo hizo George
Balanchine, quien fue director artístico del New York City Ballet”. La mayoría del
público en general considera la danza sólo como una expresión física o
emocional, una actividad de ocio o meramente frívola. Se cree erróneamente que
el baile desnudo provoca delitos y depreciación de la propiedad. En el colmo de
estos malentendidos, Martha Graham (renombrada coreógrafa de danza
moderna) ha sido confundida con un bocadillo (una galleta graham).
Sin embargo, ahora estamos en una nueva era. En los Estados Unidos y en
otras partes del mundo, el baile social ha tenido una larga historia. La danza
teatral fue una vez para un grupo selecto de artistas que se formaban en
estudios de danza y actuaban para audiencias de alto nivel. Pero el
espectáculo de danza ya no es solo para la élite en las salas de conciertos. El
cine, la televisión, YouTube y las redes sociales han popularizado diferentes
formas de danza.Bailando con las estrellasyAsí que, crees que puedes bailar
Los programas de televisión han atraído a grandes audiencias. películas como
Estrictamente salón de baile,Bailar conmigo,Tomar la iniciativa,Bailamos,Sin
piedad,baile sucio,Fiebre de sábado por la noche,pina bauch, yCisne negro
fueron populares en la taquilla. Hoy la danza es
se enseña en entornos académicos y se hace accesible a todos, desde niños hasta
personas de la tercera edad.
Pero ¿bailar para aprender? ¿Qué significa esto? ¿Y por qué preguntar ahora? La
sociedad privilegia la capacidad mental, la razón, la mente sobre la materia.
Hablar, escribir y los números sonlosmedios de conocimiento. Guillermo
Forsythe,1elogiado como uno de los grandes coreógrafos de ballet/danza
moderna de la era posterior a la Segunda Guerra Mundial y director del Ballet
Frankfurt durante dos décadas, criticó los supuestos preceptos de su propio
medio. Él cree que la mayoría de los enfoques de la danza se invierten demasiado
en su corporalidad y se tratan como crudos, precognitivos y analfabetos.
Tradicionalmente, los científicos han minimizado las emociones y las han
asociado con estructuras cerebrales primitivas. Además, los científicos han
percibido que la danza descarrila la lógica y el razonamiento en las regiones del
cerebro más sofisticadas desde el punto de vista evolutivo.
Dadas las nuevas herramientas e informes de investigación en el siglo XXI, los
científicos y educadores plantean la pregunta: ¿podría la danza ser un medio
importante para que jóvenes y adultos aprendan para el bienestar de por vida?
En resumen, la respuesta es sí, sí, sí. El aprendizaje es la adquisición de
conocimientos, habilidades o cambios en las creencias, actitudes y
comportamientos a través de la experiencia, la práctica, el estudio o la
instrucción. Lo que es más importante, el aprendizaje es un proceso continuo de
construcción de las vías cerebrales del cerebro. Neurocientífico Antonio Damasio2
señala: “Aprender y crear memoria es simplemente el proceso de cincelar,
modelar, dar forma, hacer y rehacer nuestros diagramas de cableado cerebrales
individuales”. El aprendizaje dinámico es más crítico en nuestro mundo en
constante cambio que en siglos anteriores.
Bailar para aprender: la cognición, la emoción y el movimiento del cerebro
remodela nuestra comprensión de la danza basándose en cambios profundos
en el conocimiento sobre el cerebro, el activo más singular y preciado del ser
humano. El cerebro realmente “coreografia” al creador de danza, al bailarín y
al espectador y es cambiado por ellos. Hay muchos secretos por desentrañar
sobre el poder de la danza, el cerebro, la danza y el cerebro, y la danza y el
aprendizaje. Este libro cubre muchos descubrimientos relevantes recientes.

Reúno investigaciones que respaldan la visión de (1) la danza como un lenguaje no

verbal que afecta lugares y procesos de aprendizaje similares en el cerebro como el
lenguaje verbal, por lo tanto, un poderoso medio de comunicación; (2)
la danza como ejercicio físico que activa nuevas células cerebrales y sus
conexiones (neurogénesis y plasticidad neuronal, la asombrosa capacidad del
cerebro para cambiar a lo largo de la vida); y (3) la danza como un medio para
ayudarnos a sobrellevar el estrés que puede motivar o interferir con el
aprendizaje y la vida. Adquirimos conocimientos y nos desarrollamos
cognitivamente porque la danza “reforza” el cerebro y, en consecuencia, la danza
en sí misma como forma artística, lúdica, educativa y/o terapéutica, es una buena
inversión en el cerebro.
Las opiniones desdeñosas de la danza y los pocos recursos para
evaluar científicamente el impacto de la danza han mantenido a la
danza marginada como dinámica cognitiva. La danza académica que
solo se basa en teorías de Laban, somáticas y fenomenológicas
acordona la disciplina aparte de los hallazgos relacionados con la
danza de otros dominios importantes del conocimiento. La danza aún
no se ha afianzado en los grados de jardín de infantes a 12.°. Las
encuestas de arte a nivel nacional del Centro Nacional de Estadísticas
de Educación (NCES, por sus siglas en inglés), “Educación artística en
escuelas primarias y secundarias públicas: 1999–2000 y 2009–10”,
informan que la disponibilidad de danza ha desaparecido. del 20 por
ciento hace diez años, a solo el 3 por ciento en el año escolar 2009–
2010. Algunas jurisdicciones incluyen la danza como parte del plan de
estudios, pero la implementación es irregular. Fue sorprendente
saber de un informe de 2014 que en la ciudad de Nueva York,3

Sin embargo, la danza, una forma de “ejercicio plus” (la danza agrega
procesos de cognición, pensamiento y emoción a lo físico), como explica este
libro, ha sido una parte integral de las sociedades desde el comienzo de la
humanidad. De hecho, existe una visión científica emergente en la biología
evolutiva de que la actividad física ha dado forma a nuestro cerebro y cuerpo y
continúa haciéndolo. El Paleolítico Superior, hace unos cuarenta mil años, y las
pinturas rupestres prehistóricas ofrecen evidencia de la danza como parte de
la historia humana antigua. Por lo tanto, la danza tiene el potencial no solo de
ser estéticamente interesante y placentero, sino también abundante en lo que
revela sobre la cognición, la emoción, el movimiento, la plasticidad cerebral y
la cultura.4El neurólogo Oliver Sacks observa: “Mucho más del cerebro se
dedica al movimiento que al lenguaje [refiriéndose a la forma verbal]. El
lenguaje es sólo una pequeña cosa sentada en
la cima de este enorme océano de movimiento.”5De hecho, es probable que el
gesto haya precedido a la vocalización. Cuando se pidió a las personas en un
estudio que crearan un sistema de comunicación desde cero, los gestos por sí
solos superaron a la vocalización por sí sola en términos de comunicación
exitosa.6

CIENTÍFICOS DEL CEREBRO ESTUDIAN BAILARINES Y ESPECTADORES

La danza se ha convertido en un foco de investigación para los neurocientíficos

en colaboración con bailarines y compañías de danza en una era dorada de la
ciencia del cerebro. El ritmo de nuevos descubrimientos no tiene precedentes. Me
sorprendió ver a 6.800 personas llenar una sala en la reunión anual de la Society
for Neuroscience 2008 para escuchar al renombrado coreógrafo y maestro
invitado Mark Morris responder preguntas sobre la creatividad y el proceso y la
producción de la danza. El movimiento también ha llamado la atención no solo
por su papel en la evolución humana, sino también por la creación de células
cerebrales (neuronas) y las conexiones entre ellas y los medios para hacer frente
al estrés.
El campo de la neurociencia es interdisciplinario (p. ej., neuroestética,
neuroanatomía, neurobiología, neuroquímica, neuroendocrinología,
neurolingüística, neuropatología, neurofarmacología,
neurofisiología y kinesiología). Los investigadores que también abordan la
dinámica del cerebro provienen de la cibernética,Teoría de la información,
modelado matemático y biofísica de membranas y células nerviosas,
neurocomunicaciones y biología neuromolecular. De las disciplinas de las ciencias
del comportamiento se encuentran los estudios del comportamiento animal, la
antropología, la genética del comportamiento, la psicolingüística, la sensación y
la percepción, la psicología cognitiva, la psiquiatría y la sociología. Los
neuroantropólogos (neurocientíficos culturales) se centran en la interacción de
los sistemas nerviosos y las prácticas culturales.7de los cuales la danza es una.

Los científicos han recurrido a la danza: crear, hacer y observar principalmente no

para mejorar el rendimiento de la danza, sino como una rica fuente multifacética
para tratar de comprender cómo el cerebro coordina el cuerpo para realizar
movimientos complejos y precisos que expresan emociones y transmiten significado.
Los bailarines poseen un extraordinario conjunto de habilidades: coordinación de
extremidades, postura, equilibrio, gestos, movimientos faciales.
expresión, percepción y acción en secuencias que crean significado,
tiempo, espacio y con esfuerzo.
Los investigadores exploran cómo los cerebros de los bailarines
pueden iluminar la relación entre la experiencia y la observación.
Están investigando la notable plasticidad del cerebro para integrar
diferentes tipos de experiencias físicas y perceptivas para aprender,
recordar y producir coreografías e improvisaciones en danza y otros
fenómenos.
Avances en tecnología, tal como cerebro exploración
técnicas/experimentos, revelan actividad de baile en regiones del cerebro
responsables de la actividad cognitiva (ver apéndice A). El advenimiento y la
proliferación de herramientas de imagen ha revolucionado la investigación
del cerebro y ha revelado su variabilidad, plasticidad e interacción con el
medio ambiente. Explotar nuevos conocimientos está disipando vestigios del
pensamiento simplista anterior sobre la danza y expandiendo nuestra
comprensión de su proceso, desempeño e impacto.
Los neurocientíficos han descubierto que el ejercicio (el baile es más ejercicio)
provoca el crecimiento de nuevas neuronas, contrarrestando las opiniones de
que el cerebro tiene una cantidad fija de células que disminuyen con la edad y
que los genes determinan rasgos fijos. Los investigadores médicos han
documentado cómo el ejercicio nos ayuda a lidiar con el estrés negativo que
afecta la mente y el cuerpo. El movimiento mejora el estado de ánimo, aumenta
la masa cerebral y mejora el procesamiento cognitivo. El buen estrés es
motivador. Como forma especializada de movimiento, la danza hace más. Es un
lenguaje estético. El aprendizaje de la danza es una forma de conocer, pensar,
traducir, interpretar, comunicar y crear pensamiento.
Recibimos despachos de laboratorios en Australia, Reino Unido, Europa y los
Estados Unidos donde los científicos del cerebro están registrando nuestros
cerebros danzantes, lo que funciona durante los diferentes aspectos del
proceso de danza. Los neurocientíficos exploran la importancia de la
encarnación, el concepto de mentes incrustadas en el entorno físico en el que
han evolucionado y con el que interactúan. La neurociencia muestra que los
movimientos del yo corporal conducen a pensamientos y sentimientos. Existe
la interrelación de cuerpo, mente, emoción; lenguaje no verbal (incluido el
baile); la flexibilidad del cerebro y, por lo tanto, una capacidad interminable
para que los humanos aprendan; y el papel empático de las células en el
cerebro de bailarines y observadores. Algunos
científicos de todo el mundo incluso están bailando sus doctorados en video. La
traducción-interpretación es cognitivamente exigente.8
Debido a que las ciencias del cerebro se han interesado cada vez más en el
cuerpo en movimiento, corresponde a los campos de la educación, la danza y
la ciencia atender e integrar este nuevo conocimiento. A medida que los
procesos ocultos en el cerebro y el cuerpo se vuelven comprensibles, los
investigadores y educadores pueden observar los efectos biológicos de la
danza, relacionarlos con los resultados en el proceso, el desempeño y el
impacto de la danza en el aprendizaje y optimizar el desarrollo efectivo.
El cerebro se compone de unos cien mil millones de células eléctricamente
activas llamadas neuronas, cada una conectada a decenas de miles de sus
vecinos en 100 billones de sinapsis (los espacios entre las neuronas donde se
produce la transferencia de información entre las neuronas emisoras y
receptoras). Las neuronas transmiten información en forma de picos de voltaje
que se convierten en señales químicas para cerrar la brecha con otras neuronas.
Átomos de pensamiento, las neuronas están activas en nuestra percepción,
comprensión y almacenamiento de recuerdos y conocimientos, además de guiar
la cognición, la emoción y el movimiento de la actividad de danza y la conexión
entre el artista y el público.
A su vez, la danza contribuye al cambio y actualización de las conexiones
neuronales que nos permiten aprender y registrar nuevas experiencias
danzarias y no danzarias. El cerebro hace que un bailarín se mueva, pero el
movimiento afecta al cerebro para mejorar la danza.y otra actividad mental
. Tenemos voluntad y agencia para modificar el cerebro exquisitamente
maleable y su funcionamiento. Su arquitectura neuronal se ubica en
dimensiones de desarrollo de por vida y se entrelaza con el entorno del
bailarín.

SABER DE DANZA—CONOCIMIENTOS TRIANGULADOS

AunqueBailar para aprender: la cognición, la emoción y el movimiento del
cerebroevalúa de manera única un amplio espectro de temas, está en
conversación con el cuerpo existente de literatura de danza. La educación
en danza se ha arraigado en la danza, la educación física, la estética, la
historia, la filosofía y/o la educación aparte de las ciencias sociales, del
comportamiento y del cerebro para integrarse con su experiencia. Algunos
libros de danza importantes enfocados en anatomía, antropología,
estudios culturales, educación, historia, kinesiología, notación,
los estudios de interpretación, la filosofía, la psicología, la física, la somática, la
terapia y las actividades prácticas se incluyen en las referencias y los recursos
ilustrativos. Ausente en la mayoría de la danza, además de la literatura científica,
la literatura es un modelo antropológico, sociolingüístico, semiótico de
comunicación no verbal y una pedagogía de base empírica junto con la
investigación sobre el cerebro, especialmente el cerebro del bailarín.
Bailar para aprenderpresenta conexiones entre los resultados de la
investigación de una variedad de disciplinas, reuniendo por primera vez
perspectivas intelectuales que han sido polos opuestos. Abordar el tema
del aprendizaje en, sobre y a través de la danza triangulando el
conocimiento respalda la importancia cognitiva de la danza.9El uso de
una sola teoría pone anteojeras a otras formas de conceptualización,
investigación y análisis.
El creciente número de estudios sobre el cerebro y la danza como medio para
explorar las capacidades cognitivas, perceptivas, emocionales, motrices y sociales
del ser humano destaca la necesidad de una síntesis. Interpretar e integrar
diversos estudios construirá una plataforma para avanzar en nuestro
conocimiento y estimular más investigaciones.
El sociólogo Nikolas Rose y la historiadora de las ciencias del
cerebro/mente Joelle Abi-Rached argumentan que los nuevos
desarrollos científicos que muestran al cerebro como un “motor” son
“profundamente amenazantes para la visión de que las capacidades
humanas, los valores, los pensamientos, los deseos, las emociones —
nuestra vida mental, las identidades de grupo, las estructuras
familiares, etc., están moldeadas por la educación, la cultura, la
sociedad y la historia”. La premisa tácita en las artes, las humanidades
y las ciencias sociales y del comportamiento, durante al menos el
siglo pasado, ha sido que los humanos están libres de su biología.
“Los practicantes de estas disciplinas pueden señalar. . . a las
desastrosas consecuencias sociopolíticas de la biologización de los
seres humanos: de la ciencia racial del siglo XVIII a la eugenesia del
siglo XX, y más recientemente a las simplificaciones reduccionistas de
la sociobiología y la psicología evolutiva.10
 Bailar para aprendermuestra una visión más positiva de la biología sin
perder la importancia de la cultura, la sociología y la historia en relación con la
danza en sus múltiples formas. Comenzamos la vida con un cerebro que
responde a factores externos y parece continuar con su dominio a medida
que la evidencia apunta a una dinámica entrecruzada de naturaleza y crianza.
Algunos neurocientíficos rechazan el reduccionismo como herramienta
explicativa y abordan cuestiones de complejidad y emergencia. Ubican los
procesos neuronales en las dimensiones del tiempo, el desarrollo y los
intercambios dentro de un marco cultural y ambiental. La psicóloga del
cerebro y la creatividad Mary Helen Immordino-Yang aboga por integrar los
enfoques neurocientíficos con los etnográficos.11
Me baso en el conocimiento actual sobre el cerebro, la biología evolutiva y
la cultura que parece aplicable a la danza en una sociedad que cambia
rápidamente y que requiere aprender, adaptarse y ser creativo para
alcanzar el potencial y lograr el bienestar. Los conocimientos provienen de
teorías y hallazgos de investigación en estética, antropología, biología de la
mente, psicología cognitiva, creatividad, práctica de estudio de danza y
principios canónicos, educación, etología, estudios de género, historia,
aprendizaje a través del cuerpo, lingüística, análisis motor, fenomenología,
sociología , la trascendencia y el poder de las artes para generar visiones
de posibilidades alternativas en la cultura, la política y el medio ambiente.
No exploro específicamente genomas, biomecánica,12kinesiología,
somáticos o poblaciones con discapacidad, aunque evidentemente están
controlados por el cerebro.
Bailar para aprenderse enfoca en las interacciones cerebrales que impactan la
experiencia vivida descrita por los fenomenólogos. Las descripciones en primera
persona de la experiencia de la danza vivida como aprehendida directamente con
inmediatez sensorial pueden diferir de las experiencias de otros y, por lo tanto,
impiden la generalización. Un punto de vista en tercera persona de un
observador imparcial amplía la lente a través de la cual entender la danza. Las
preguntas consideradas son: ¿Cuál es la evidencia del cuerpo vivido en la danza?
¿Qué significa? La verificación e interpretación experimentales pueden ayudar a
responder estas preguntas.
Ciertamente, todo conocimiento es tentativo. Hay muchas controversias y
correlación no es causalidad. La aplicabilidad de la investigación del cerebro animal a
los humanos es discutible. Los estudios de humanos a menudo usan un grupo
demográfico especial, como pacientes que tienen una discapacidad cerebral o
han perdido el uso de partes del cerebro o estudiantes universitarios. El noventa y
cinco por ciento de las muestras en la investigación psicológica son probablemente
del 12 por ciento de la población.13Los estudios de laboratorio tienen estímulos
cortos y restringen la capacidad de simular contextos socioculturales.14
Los experimentos con bailarines y observadores necesariamente deben
enfocarse en un tema limitado y manipular algunas variables mientras controlan
otras. Además, está la cuestión de la replicabilidad y la validez de los resultados
de los experimentos. Los investigadores señalan deficiencias en la neurociencia,
incluidas definiciones ambiguas,15y controversias, que a veces se convierten en
feroces enemistades.dieciséis
La ciencia es un método y un trabajo en progreso para dar sentido al mundo,
utilizando nuevas técnicas para observar, medir, cuantificar y definir la experiencia.
El mapeo de impresionantes regiones cerebrales iluminadas según su función
proporciona pistas sobre cómo pensamos. La ubicación de una acción es
fundamental para una intervención. Pero algunos críticos argumentan que también
se parece un poco a la filatelia. Los mapas de actividad cerebral revelan estasis,
mientras que el cerebro siempre está disparando; sus neuronas son activas y
complejas. En lugar de estar ubicados en áreas claramente delimitadas del cerebro,
los procesos cognitivos están altamente distribuidos e integrados en muchas
regiones del cerebro. La memoria de trabajo puede estar dispersa hasta en treinta
lugares del cerebro. Las visiones de la mente como una computadora con
manipulación de símbolos basada en reglas menosprecian el punto de vista de la
primera persona, así como la interacción mutua entre neurobiología, la cultura y el
medio ambiente. Los métodos estadísticos y los análisis varían.
Los estudios de casos etnográficos se basan en observaciones y entrevistas que
el investigador interpreta. Sin embargo, no conocemos la representatividad de
los resultados de la investigación. Sin embargo, la etnografía ofrece a los
investigadores del cerebro una forma de contrastar sus hallazgos con lo que la
gente realmente hace, dice y experimenta. Los significados son situacionales,
personales y culturales. Así que este libro no pretende ser neurocéntrico, sino
que es un intento de cosechar el conocimiento revelado por la neurociencia y
reconocer los límites.
La neurociencia no es en modo alguno homogénea. Cada año aparecen en
revistas unos cien mil trabajos de investigación. Más de cuarenta mil
científicos en todo el mundo están tratando de averiguar cómo funciona el
cerebro, algunos examinando los impulsos eléctricos, la bioquímica, la
estructura física y los circuitos neuronales.
 Debido a la especialización fragmentada, es posible que los neurocientíficos no se
entiendan entre sí. Sin embargo, se están realizando esfuerzos con el impulso del
gobierno y del sector privado para desentrañar algunos principios subyacentes.
El Gran Desafío de 2013 del presidente Barack Obama para descubrir los
misterios de cómo el cerebro procesa la información, establece recuerdos y
los recupera en el aprendizaje es un ambicioso proyecto de investigación de
$100 millones. La iniciativa Brain Research through Advancing Innovative
Neurotechnologies es un esfuerzo por crear una representación dinámica del
cerebro y sus actividades, especialmente los sistemas y circuitos que
involucran a millones de neuronas. La Fundación Nacional de Ciencias, la
Agencia de Proyectos de Investigación Avanzada de Defensa y el Instituto
Nacional de Salud también están apoyando la investigación del cerebro.
Un primer paso es promover nuevas tecnologías en procesamiento de datos,
nanotecnología y optogenética para estudiar cómo interactúan los miles de
millones de neuronas y circuitos neuronales. En la actualidad, los
investigadores del cerebro pueden registrar directamente la actividad
eléctrica de, como máximo, cientos de neuronas a la vez. El objetivo es
catalizar un cambio de paradigma con nuevos enfoques teóricos, matemáticas
e informática para registrar miles o cientos de miles de neuronas
simultáneamente y descubrir cómo se procesa la información a través de sus
circuitos de cableado. Un salto tan grande como este arrojará luz sobre el
cerebro danzante. Como es el caso del apoyo federal a las artes, todo lo que
gasta el gobierno tiene un efecto multiplicador.
Parte del Proyecto Human Connectome, apoyado por los Institutos
Nacionales de Salud con colaboradores en el Hospital General de
Massachusetts (Escuela de Medicina de Harvard), UCLA, la Universidad de
Minnesota y la Universidad de Oxford,17Investigadores de la Universidad de
Washington están trabajando en el primer diagrama de cableado interactivo
del cerebro humano vivo y en funcionamiento. Para construir esta base de
datos y mapa de conexiones entre grandes regiones del cerebro, así como
entre cada célula neuronal y sus vecinas, incluidas la dirección y la intensidad
del flujo de información, se requieren escaneos cerebrales y evaluaciones
cognitivas, psicológicas, físicas y genéticas de 1200 voluntarios. involucrado.
La Unión Europea ha asignado mil millones de dólares al Proyecto Cerebro
Humano para el modelado por supercomputadora del cerebro humano
completo. Cerca de trescientos expertos en neurociencia, medicina e
informática trabajaron juntos para desarrollar la visión del proyecto.18
Cientos de investigadores de 135 instituciones asociadas en 26 países,
incluso fuera de la Unión Europea, están explorando cómo funciona el
cerebro, su desarrollo y las implicaciones para la medicina.
Aunque es una forma imperfecta de traducir la compleja dinámica de la danza
en sus mundos culturales, la ciencia proporciona un conocimiento incremental
que nos ayuda a comprender cómo se comunican los pensamientos,
sentimientos e ideas en la danza. Basándome en mi comprensión evolutiva de la
danza, he sintetizado lo que parece aplicable al cerebro, la emoción, la cognición
y las acciones que constituyen la danza y espero catalizar nuevas investigaciones.

Proporciono referencias a la historia de teorías y metodologías y los

detalles y limitaciones de varios estudios mencionados. Se consideran
trabajos que convergen en la misma posición general y metanálisis (que
combinan resultados de diferentes estudios). He evaluado la evidencia
de los estudios del funcionamiento del cerebro en el lenguaje verbal, la
música, otras artes y el ejercicio para encontrar analogías en la danza.
Dada la complejidad de la danza, solo puedo pintar un cuadro general
de la red de interacciones.

DIVULGAR
Mis décadas de bailar, enseñar, estudiar sobre danza y ser crítica de danza desde
las perspectivas de las artes, las humanidades y las ciencias sociales y del
comportamiento obviamente influyen en el enfoque del libro. En Bailar para
aprenderMe baso en mi investigación anterior que se reconsidera a la luz del
trabajo innovador reciente en las ciencias del cerebro. Esta nueva ciencia es
especialmente emocionante para mí porque apoya y enriquece aspectos del
trabajo de campo y los análisis teóricos iniciados en la década de 1970.19
Mi interés por la danza comenzó desde niño en 1946 y no he dejado de
bailar. Un pediatra les dijo a mis padres que el ballet fortalecería mis pies.
Así que estudié ballet. No creo que bailar haya ayudado a mis pies, pero
bailar me ha hecho más fuerte física y mentalmente. El compromiso con la
danza me llevó más allá del ballet para explorar otros géneros de danza (p.
ej., moderna, afrocaribeña, latinoamericana, africana, flamenca, del Medio
Oriente, jazz, hip-hop, swing y folk) y a realizar investigaciones de danza
dentro de un contexto comparativo. perspectiva en pueblos y ciudades de
África y luego en teatros, patios de recreo y aulas escolares, y cabarets en
los Estados Unidos.
 Nota: La experiencia de Alicia Markova con los pies planos fue diferente a la
mía. El crítico Clement Crisp informa: “La sublime artista Alicia Markova fue
llevada al ballet cuando era niña porque sus pequeños pies planos dejaron
huellas tristes en la arena durante unas vacaciones junto al mar. El ballet, dijo
un médico, lo curaría. Y lo hizo. Se convirtió en una artista asombrosa cuyos
pies y piernas 'inteligentes' eran la envidia del mundo del ballet”.20
Durante mi investigación de campo en África en 1963, respaldada por haber
sido maestra de secundaria certificada en inglés y estudios sociales del estado
de California con una maestría en ciencias políticas, me di cuenta del poder de
la danza como comunicación y educación para humanos de todas las edades.
Mi primera publicación académica fue “African Dance as Education” en 1965.
Impartí cursos de danza en campamentos, centros comunitarios, escuelas y
universidades en los Estados Unidos y en el extranjero. El potencial de bailar
para aprender a bailar y bailar para aprender otras materias se hizo aún más
evidente en 1972: en el Gill/St. Bernard's Upper School en Bernardsville,
Nueva Jersey, ofrecí un curso interdisciplinario único centrado en la danza
para estudiantes de secundaria en su campus y en la ciudad de Nueva York.

Los datos empíricos y el análisis de mi investigación sobre la danza se

publicaron por primera vez enBailar es humano: una teoría de la
comunicación no verbal(1979) y elaborado a lo largo de los años. Las
proposiciones interrelacionadas han evolucionado a medida que traté de
aplicar a la danza el conocimiento que adquirí en mi doctorado de los
cuatro campos de la antropología (cultural, lingüística, física y
arqueológica) en la Universidad de Columbia.La conexión entre el artista y
el público: de la emoción a la metáfora en la danza y la sociedad(1983) fue
en parte una respuesta a la crítica de que, al explorar las dimensiones
cognitivas de la danza, pasé por alto la emoción. Proseguí la elaboración de
los conceptos de cognición, emoción y movimiento enbaile sexo y gender
(1988), Asociando Danza y Educación(1999),Bailando por la Salud(2006),
verdad desnuda(2012), y muchos artículos en revistas académicas, como
Investigador Educativo(2008). Como antropólogo aplicado, estudio el
comportamiento humano, incluidas muchas formas de danza y cultura,
pasadas y presentes, y me baso en estudios publicados en revistas de
diferentes disciplinas.
Soy consciente de que la mayoría de los escritores solo ven lo positivo y tienden
a describir la "estética" desde sus propias perspectivas: las artes inspiran
temor. Estos devotos de las artes aprecian la belleza, admiran la habilidad y
buscan la expresión atractiva de las "verdades" en las artes y su naturaleza
socialmente transformadora. Sin embargo, conozco personas que son
acomplejadas por usar sus cuerpos, piensan que tienen dos pies izquierdos y les
falta coordinación, o no pueden mantener el ritmo, así como también identifican
el baile como algo negativo debido a la religión, la política o la clase social. Es
posible que estas personas nunca ingresen a un entorno de baile, o probarán
una clase de baile y luego abandonarán. No le dan a la danza la oportunidad de
demostrar su eficacia. Un maestro o amigo sensible puede ayudar al recalcitrante
a pasar a bailar.

PASOS HACIA LA COMPRENSIÓN DE LA DANZA COMO APRENDIZAJE

MEDIO
Bailar para aprender: la cognición, la emoción y el movimiento del cerebro
explora la razón de ser de la danza en nuestras vidas para el aprendizaje
continuo. Centrándome en la danza como arte escénico, liberal y aplicado para
adquirir habilidades y contenidos más allá de la danza, abordo un panorama de
posibilidades.
La danza es una nueva disciplina académica en comparación con la música, las artes
visuales y mucho menos el idioma inglés, las matemáticas y las ciencias. Y en tiempos
económicos difíciles, los recursos para programas y estudios de danza son mínimos. Sin
embargo, la danza puede ser la más económica de las artes porque los propios cuerpos
de los estudiantes son sus instrumentos. No se requieren otros instrumentos, pinturas y
similares. Los estudios sobre el impacto de la educación musical en los estudiantes
tienen cierta relevancia para la educación en danza porque la música es a menudo parte
integral de la danza. Aunque recién llegado a la educación superior, los departamentos
de danza independientes han encontrado su lugar en las universidades.

El capítulo 1, “El cerebro hace 'coreografías' del bailarín, el bailarín y el espectador”,

introduce una conceptualización de la danza y sus elementos esenciales. Entre otras
cosas, la danza es un cuerpo vivo en movimiento en cuatro dimensiones. La
contribución de un cuerpo en movimiento, un cuerpo que baila, a la evolución
humana ha sido fundamental: los seres humanos deben prestar atención al
movimiento para sobrevivir. En un proceso continuo, el ejercicio físico moldea el
cuerpo y el cerebro como parte de la evolución.
Este capítulo se basa en las nuevas ciencias del cerebro que proceden
de la creencia en la interrelación de la mente y el cuerpo y buscan
descubrir la naturaleza de la relación; cómo las habilidades de movimiento
impactan y son impactadas por los procesos comunicativos cognitivos y
emocionales. El ejercicio de baile promueve la neurogénesis, la creación de
nuevas células y sus conexiones, y promueve la liberación del factor
neurotrópico de proteína derivado del cerebro que respalda las funciones de
aprendizaje y memoria. El crecimiento del cerebro prepara el escenario para
la contribución de la danza a un cerebro hambriento. Elucido la arquitectura
del cerebro y sus mecanismos neurales sin los cuales no hay danza.
Se produce una discusión sobre cómo la danza encarna la cognición y es un
lenguaje no verbal que comparte muchas de las mismas partes del cerebro y
funciones que el lenguaje verbal, reconocido como el medio de aprendizaje
predominante. Estudios recientes, por ejemplo, enCorteza Cerebral, Desarrollo
Cognitivo,Biología actual,Revista de medicina de Nueva Inglaterra,neuroimagen,
yPragmática y Cogniciónofrecen información sobre la danza y su maestro
"coreógrafo", el cerebro. Las neuronas son átomos de pensamiento y las
neuronas “espejo” juegan un papel empático en el cerebro del bailarín y del
observador. Se considera el papel de los sentidos, la interocepción, la percepción,
la emoción, los tipos de memoria, la conciencia, la mente ("alma") y la cultura en
la danza. El estrés también es un factor de preocupación para la danza: el estrés
moderado es beneficioso, motivador, pero el estrés excesivo tiene un impacto
negativo tanto en el cuerpo como en el cerebro, lo que impide el aprendizaje.
Además, el estrés reduce la comunicación celular y la generación de neuronas y
conduce a problemas de salud.
El Capítulo 2, “La mentalidad y la cuestión del aprendizaje a través de la
danza”, analiza cómo el cerebro sustenta los lenguajes de la danza. La
investigación corrobora la eficacia de la comunicación gestual y sugiere
la consideración de una plétora de posibilidades de envío y recepción de
significado en la danza. Diferentes tipos de conocimiento de la danza,
como el declarativo (saber qué) y el procedimental (saber cómo), tienen
su lugar en el cerebro. El significado de la danza se comunica a través de
varios dispositivos y esferas de incorporación de la imaginación.
Comprender la danza requiere razonamiento, familiaridad con un
género de danza y símbolos de la vida cotidiana en los que se basa el
bailarín, y la capacidad de analizar imágenes.
Traducir emociones e ideas de un medio a otro en un contexto diferente,
como pensar metafóricamente mediante la incorporación física de un texto
escrito o hablado, requiere una comprensión de ambos
medios de comunicación. La creatividad, parte de la educación de la danza en su máxima
expresión, es esencial para la vida en general. La creatividad de la danza requiere
razonamiento, comprensión y capacidad de análisis de imágenes simbólicas, y saber
organizar el conocimiento y resolver problemas.
Si la danza es una herramienta potencialmente poderosa para alimentar
el cerebro, su cognición y emoción, "dos caras de la misma moneda" y el
aprendizaje, ¿dónde se puede colocar la danza para que el desarrollo
prospere? El Capítulo 3, “Lugares que cambian el cerebro: Danza del
escenario al estudio/aula y viceversa”, aborda esta pregunta:
Sabemos que el logro en cualquier campo depende de la atención, el
compromiso, la creatividad, el autocontrol, la buena salud y el crecimiento. Pero
menos conocido es cómo y dónde la danza puede promover estas habilidades/
hábitos mentales/herramientas. Existen numerosas formas de experiencia de
danza, desde lo informal (p. ej., de la calle a los medios) hasta lo formal (p. ej.,
estudios de danza, academias de danza, escuelas académicas y universidades,
organizaciones artísticas, compañías de danza y centros comunitarios).
Los lugares de baile van desde la formación preprofesional en estudios y escuelas
especializadas en artes y academias hasta el baile en escuelas regulares K-12 y
universidades. Las organizaciones de artes escénicas, las operaciones sin fines de
lucro y las compañías de danza ofrecen educación en danza, a menudo como socios
de escuelas académicas. Los programas de danza ilustrativos, algunos establecidos
en el siglo pasado pero que continúan desarrollándose, sugieren cómo la educación
en danza o la educación en danza que mejora la creatividad promueven habilidades
para la academia, la ciudadanía y el lugar de trabajo.
Obviamente, los planes de estudios y la evaluación varían. La danza puede ser una
disciplina de artes escénicas distinta con una exploración secuencial profunda de un
cuerpo coherente de conocimiento guiado por profesores de danza altamente
calificados. La danza también puede ser un arte liberal, complementario o parte de otra
materia. Breves introducciones a la danza pueden llenar los vacíos en los planes de
estudios escolares.
La casualidad histórica, el liderazgo, el interés de los maestros, la participación de los
padres y los recursos económicos afectan la forma en que experimentamos la danza. Los
maestros pueden ser antiguos bailarines profesionales, certificados por el estado en
danza, certificados por el estado en otras materias con capacitación informal o formal
para usar la danza en sus aulas, y maestros no de danza certificados por el estado que
enseñan conjuntamente con maestros de danza.
 El Capítulo 4, “El cerebro danzante no deja a nadie atrás”, destaca la danza
como un arte aplicado con el poder de beneficiar a los estudiantes en su vida
académica, personal y adulta. Un aspecto clave de la educación en danza en
las escuelas radica en su demostración como gancho y ancla para que los
estudiantes aparentemente desinteresados en la escolarización, ya sean los
de bajo rendimiento académico o los dotados y talentosos, se interesen en lo
que los académicos pueden ofrecer. El éxito y la sensación de logro que
sienten los estudiantes al crear danza a menudo les da la confianza en sí
mismos y la motivación para dominar otras ofertas escolares.

La educación de la danza en todo el mundo ha cambiado el comportamiento

entre los niños con problemas y desfavorecidos, los niños de la calle, los
drogadictos, los presos, los ex soldados, los refugiados de guerra, los huérfanos y
los enfermos. A través del baile, los estudiantes aprenden respeto por los demás,
camaradería y buenos modales. Aprender un género de danza requiere
disciplina, persistencia, compromiso, sensibilidad auditiva, agudeza visual,
memoria y habilidad corporal. El proceso de elaboración de la danza estimula la
imaginación.
Al estar familiarizado con los elementos de la danza, la creación de danza de
una persona puede ser un medio para evaluar su comprensión de la danza, así
como de diferentes materias. La transferencia de los aprendizajes adquiridos a
través de la enseñanza de la danza contribuye al objetivo de la empresa
educativa. Este capítulo aborda las dimensiones de la transferencia y la
enseñanza para la misma.
Existen numerosas herramientas para el aprendizaje de la danza. Los medios de
comunicación, el ciberespacio y las redes sociales permiten actuaciones virtuales. Los
sistemas de análisis de movimiento aumentan la adquisición de la agudeza visual de los
estudiantes.
Estar vivo en general y bailar a menudo implica estrés, tanto bueno como
malo. El baile puede ayudar a una persona a resistir, reducir o escapar del
estrés negativo.
El Capítulo 5, “La mente y la emoción en el aprendizaje de las identidades propias,
culturales y nacionales a través de la danza”, reconoce que el cerebro no es mente y que
la conciencia es un estado mental con agencia. A través de la danza, una persona puede
aprender sobre sí misma, incluyendo: carrera, género, identidades sexuales, étnicas,
regionales y nacionales. Este capítulo también plantea algunas de las cuestiones
relacionadas con la diversidad cultural.
 Bailar para aprender: la cognición, la emoción y el movimiento del cerebro es
un paso hacia un andamiaje de última generación para identificar los
procesos centrales de aprender a bailar y bailar para aprender. El libro nos
lleva a lo que sucede dentro del aprendiz de danza; dónde puede suceder y
cómo pueden proceder los conocimientos, las habilidades y el “bailar para
aprender”.
El libro ofrece ideas para el mundo de la danza. Un objetivo es iluminar y
desmitificar los procesos internos de aprendizaje, creación y ejecución de los
bailarines, desarrollando sus complejas habilidades cognitivas, emocionales y de
movimiento necesarias para perfeccionar y ejecutar el oficio de los bailarines.
Saber cómo funciona el cerebro puede aumentar los poderes creativos de los
coreógrafos y conducir a nuevas formas de representación.
Espero que el libro involucre a los científicos para explorar más a fondo los
fundamentos de la danza. La Dra. Deanna Barch eligió la investigación sobre
el trabajo clínico, creyendo que "la investigación es la única forma en que
tendrá un impacto en muchas vidas, en lugar de vidas individuales".21
Que este libro involucre a educadores y miembros del público en general
que sientan curiosidad por nuevas formas de comprender la danza y su
potencial. Los formuladores de políticas, los maestros y los padres pueden
descubrir enfoques pedagógicos exitosos.

NOTAS
1. Forsythe 2011.
2. Damasio 2010, 300.
3. Año 2014.
4. Ver resumen de estudios científicos, Sevdalis & Keller 2010; Rose y Abi-Rached 2013.
5. Citado en Burke 2013.
6. Fay et al. 2014.
7. Chiao et al. 2013.
8. Bohannon 2010.
9. De Smedt y De Cruz 2010.
10. Rose y Abi-Rached 2013, pág. 3.
11. Immordino-Yang 2013.
12. Para una revisión, véase Krasnow et al. 2011.
13. Chiao 2009, 288.
14. Véase Cross et al. 2013; Jola et al. 2012.
15. Total 2009, 2012.
16. Rose y Abi-Rached 2013.
17. Gorman 2014.
18. Honigsbaum 2013.
19 Hanna 1987 (1979).
20. Crujiente 2005.
21. Citado en Gorman 2014, D2.
 Capítulo 1

El baile de coreografías cerebrales-

Creador, bailarín y espectador

Imagina el cerebro, ese montículo brillante del ser, ese parlamento de células gris ratón, esa fábrica de
sueños, ese pequeño tirano dentro de una bola de hueso, ese grupo de neuronas que llaman a todas las
jugadas, ese pequeño lugar en todas partes, esa voluble cúpula de placer, ese armario arrugado de yos
metido en el cráneo como demasiada ropa en una bolsa de deporte.

— Diane Ackerman (Una alquimia de la mente: la maravilla y el misterio del cerebro, 2004)

Antes de hablar sobre el impacto del cerebro en la danza, es útil preguntar: "¿Qué
es la danza?" Para desmantelar los conceptos erróneos de la danza como
meramente física y emocional y para explorar sus complejidades cognitivas y
emocionales, es necesaria una aclaración. La danza tiene muchas definiciones.1
En consecuencia, hablé con personas de diversas culturas y examiné una
variedad de formas de danza en todo el mundo en un intento de encontrar
características comunes en los tipos de comportamiento que generalmente se
clasificarían como danza. Discutiré el instrumento, los elementos básicos y los
procesos de la danza. Luego paso al papel del cuerpo en movimiento en la
evolución. Un boceto de la arquitectura del cerebro prepara el escenario para
la danza como la encarnación de la cognición (el proceso de obtener y utilizar
el conocimiento), el cuerpo en la mente ("alma"), los lenguajes de la danza y la
emoción.
El cerebro es un órgano biológico complejo que “coreografia” nuestra
experiencia sensorial, pensamientos, emociones y acciones, desde lo
relativamente simple hasta lo complejo como pensar, hablar y bailar.
Aunque el cerebro es el “coreógrafo maestro”, es importante recordar
que todos los coreógrafos están influenciados por sus experiencias
personales internas y externas en su cultura, sociedad y período
histórico. Los bailarines a menudo contribuyen al baile. Ningún
coreógrafo es un robot cableado. Del mismo modo, el entorno influye
en el cerebro.
 CONCEPTUALIZACIÓN CULTURAL DE LA DANZA
El cuerpo humano es el instrumento de la danza. Desde una perspectiva
transcultural, la danza puede conceptualizarse como un lenguaje humano
compuesto por secuencias intencionales, intencionalmente rítmicas y
culturalmente influenciadas de movimientos corporales no verbales y
quietud en el tiempo y el espacio y con esfuerzo. A partir de movimientos
de la vida cotidiana, la danza los estiliza con un grado de convencionalidad
o distinción. Los movimientos de danza pueden hacer referencias
simbólicas a las actividades motoras ordinarias, pero por lo general son
distintos de ellas. Por ejemplo, los movimientos en realidad se lavan, y los
movimientos en la danza simbolizan imaginariamente el lavado. Ambas
actividades motoras pueden ser culturalmente específicas. La danza tiene
un valor inherente y estético, es decir, estándares de idoneidad y
competencia.2Evolucionando a partir de ideas, sentimientos, sensaciones
físicas, movimientos hábiles y procesamiento emocional y cognitivo, la
danza suele ir acompañada de música con su variedad de sonidos y ritmos
y, a veces, con disfraces, accesorios y otros medios.
El propósito de un bailarín puede ser contar una historia, brindar una
experiencia emocional, conceptualizar a través del movimiento o jugar con el
movimiento mismo. La danza puede contar la “historia” de la música
(visualización), el espacio o tipos de formas. Jugar con la forma y crear una
danza no figurativa es un paralelo de la abstracción del siglo XX en las artes
occidentales.
Relevante para bailar para aprender, la historia atestigua que la danza es un
medio para enviar mensajes de agravio y remedio. Los temas problemáticos,
como el miedo, pueden someterse a escrutinio, jugarse con ellos, distanciarse,
volverse menos amenazantes e incluso llevar a las personas a la acción social.3
como defiende la pedagogía crítica. La danza puede ser un vehículo, o un canal
abierto, para una comunicación intencionada. La comunicación efectiva, por
supuesto, depende del conocimiento compartido entre el bailarín y la audiencia.

La danza es un arte en el sentido de cumplir con los criterios de una habilidad

aprendida y una comunicación expresiva dentro de una estética particular. Las
clasificaciones de las formas de danza pueden ser en términos de complejidad y años
necesarios para llegar a ser competentes. Por ejemplo, el término "arte elevado" se
refiere a la danza de concierto de ballet, mientras que el arte "bajo" o "popular"
generalmente se refiere al baile social o striptease.
 ELEMENTOS DEL MOVIMIENTO DE LA DANZA

Definición de movimiento:

Resultado visual y/o cinestésico de la liberación de energía en el tiempo y el

espacio; Respuesta muscular a un estimulo.

Estructura del movimiento (interrelación de partes) y estilo

(modo característico y cualidad de todos los elementos contribuyentes) puede
analizarse en estos términos:

Espacio(diseño):
Dirección(camino cuerpo en movimiento corta a través del espacio)
Nivel(alto: peso sobre la bola del pie; bajo: cuerpo bajado a través de
flexionando las rodillas; soporte medio-normal; elevado; arrodillado; sesión;
mintiendo)
Amplitud(tamaño del movimiento, cantidad relativa de distancia
cubierto o espacio encerrado por el cuerpo en acción)
Enfocar(dirección de los ojos y el cuerpo)
Agrupamiento(patrón espacial general de movimiento en relación con
bailarina, espacio de danza creado:
Forma libre o patrón organizado: individuo, pareja, grupo pequeño,
equipo: lineal o circular, simétrico o asimétrico Vínculo físico:
ninguno, partes del cuerpo, duración del contacto) Forma(
contorno físico del diseño del movimiento—incluye
dirección, nivel, amplitud, ascenso/hundimiento, avance/retroceso,
expansión/cierre)
Ritmo(tiempo, flujo):
Tempo(velocidad a la que se suceden los movimientos) Duración(
longitud relativa de movimientos, patrones, rendimiento) Acento(estrés
rítmicamente significativo)
Metro(patrón recurrente básico de tempo, duración y acento)
Dinámica(fuerza, cantidad relativa de energía, esfuerzo-tensión y
relajación liberada por el cuerpo para realizar el movimiento):
Espacio(indulgencia: uso mínimo o máximo; recta "directa"
líneas o curvas “flexibles”)
 Flujo(control, transferencia continua de energía que cualifica
movimiento: libre, sin trabas o atado)
Ritmo(rápido lento)
Calidad(textura producida por combinación de elementos—relativa
rapidez o lentitud de la energía liberada en el espacio)

Uso característico del cuerpo(instrumento de danza):

Postura(movimiento que activa o es apoyado en gran medida
por todo el cuerpo) Pose(una
postura sostenida, actitud)
Locomoción(movimiento que implica un cambio de ubicación del
cuerpo entero, por ejemplo, caminar, correr, brincar, brincar, brincar, deslizarse,
galopar) Gesto(movimiento de una parte del cuerpo, incluidos los ojos y la cara,
no apoyado a través de todo el cuerpo, por ejemplo, rotación, flexión,
extensión, vibración)

La cultura incluye los valores, creencias, reglas y colecciones de

habilidades complejas compartidas por un grupo y aprendidas a través de
la comunicación social. La creatividad y la cultura de un individuo influyen
en su creación, ejecución y visualización de la danza, lo que conduce a
diferentes sinergias neuronales y musculares. Hay influencias culturales en
el cerebro con “efectos de bucle, impacto bidireccional con los procesos
psicológicos y biológicos del individuo que facilitan la interacción social”.4
Las culturas han sido juzgadas sobre la base de sus artes de danza.

La cultura da sentido a quién baila qué, por qué, cómo, cuándo, dónde,
con y para quién, además del papel del público que baila. Tales variables
pueden indicar orientación sexual y roles de género, así como identidades
étnicas, nacionales y de otros grupos. Estos pueden promover la
autoestima, el aislamiento o la pertenencia. Los bailarines pueden reflejar
o influir en la cultura, engendrando visiones de posibilidades alternativas.
El consciente y el inconsciente codifican las percepciones corporales como
experiencia cultural y social. La danza como acción cultural en un contexto
social puede tener un impacto único en los procesos de memoria: algunos
conocimientos se recuerdan en un contexto particular.
 Las funciones cerebrales inconscientes pueden ser susceptibles de
enculturación. Los antropólogos Daniel Lende y Greg Downey proponen: “El
mismo pensamiento y sutileza que se utilizan para comprender las relaciones
entre las partes del cerebro y el cuerpo se pueden extender para considerar
cómo los elementos del entorno cultural y social están vinculados a funciones
cerebrales específicas, iluminando algunos de las formas específicas en que la
mente puede extenderse a través del apalancamiento cultural”.5

EL CUERPO EN MOVIMIENTO AYUDA A LA EVOLUCIÓN HUMANA

La danza humana surge de un proceso evolutivo de millones de años.

Por lo tanto, los presagios aparecen en otros animales y en los infantes.
Aunque los humanos modernos surgieron en África hace quizás unos
doscientos mil años, la historia de la danza parece comenzar con la
primera aparición de los humanos modernos en Europa durante el
Paleolítico Superior hace casi cuarenta mil años, según los arqueólogos.
6Repartidas en una vasta área geográfica y en un inmenso lapso de

tiempo, se encuentran grabadas figuras humanas danzantes en flautas,

ornamentos y placas de piedra. Existen registros prehistóricos de hace
quince mil a dieciocho mil años en, por ejemplo, pinturas rupestres en
Lascaux, suroeste de Francia, Altamira, España y sitios magdalenienses
en Europa (Magura, noroeste de Bulgaria y Cresswell, Inglaterra).

Los seres humanos prestan atención al movimiento como una herramienta para la
supervivencia: para distinguir presas y depredadores y para seleccionar pareja. Además, los
humanos tienen que anticipar las acciones de los demás y responder en consecuencia para
cooperar o pelear. Los sistemas perceptivos y motores juegan un papel importante en la
vinculación social. La primera comunicación de un bebé es un movimiento que ayuda a la
capacidad inicial del bebé para vincularse con su madre.
Además, los investigadores postulan que la actividad motora moldeó y agudizó
nuestros cuerpos y cerebros.7El movimiento eficiente tiene ventajas selectivas. Los
humanos más fuertes y rápidos tenían resistencia para atrapar presas rápidas y huir de
los depredadores. Como alimento, los animales capturados producían energía para el
apareamiento humano. Los humanos se volvieron más inteligentes a medida que
planeaban y ejecutaban cacerías en grupo. Nuestros antepasados bípedos se
convirtieron en atletas capaces y sus cuerpos desarrollaron piernas más largas, dedos de
los pies más cortos, menos pelo y mecanismos internos complicados para el equilibrio y
la estabilidad.
 Los humanos más físicamente activos transmitieron a sus hijos características
fisiológicas que mejoraron la supervivencia. Tales humanos comenzaron a
desarrollar grandes cantidades de sustancias biológicas internas, incluida una
proteína llamada factor neurotrópico derivado del cerebro. Se sabe que
secretado cerebralmente impulsa el crecimiento del cerebro, y se sabe que el
factor neurotrópico derivado del cerebro secretado muscularmente impulsa la
resistencia.8Por lo tanto, existe una base evolutiva para la relación entre cuerpos
sanos y mentes sanas. Hoy en día, el cerebro humano tiene tres veces el tamaño
que cabría esperar en comparación con el tamaño del cerebro de otros animales.

En el siglo XXI, la actividad motora hábil continúa promoviendo el éxito. El

psicólogo infantil Jean Piaget fue pionero en el reconocimiento de que la
actividad sensoriomotora fomentaba las habilidades cognitivas. Un estudio de
8.061 niños finlandeses de ocho y dieciséis años encontró que la función motora
deficiente en la infancia contribuye a la inactividad física y al bajo rendimiento
académico en la adolescencia. La actividad física se correlacionó con un promedio
de calificaciones más alto.9Sensible a las señales de movimiento, el cerebro tiene
regiones especializadas para detectar diferentes patrones de movimiento.10

Algunas de las funciones de los movimientos de los gorilas y chimpancés

salvajes, como las demostraciones de poder de exhibición rítmica de carga,
sugieren la base a partir de la cual la danza puede haber evolucionado. El
movimiento suprautilitario que logra una estimulación placentera, la aptitud
física, atrae la atención y facilita las interacciones con los demás es la base de
la actuación de los bailarines humanos.11Cuando los humanos tomaron su
camino evolutivo único, es posible que hayan llevado consigo rasgos rituales
parecidos a la danza que desarrollaron aún más.
Gracias a las nuevas herramientas de investigación para estudiar el cerebro
(descritas en el apéndice A), hemos aprendido que la danza como categoría de
actividad física produce nuevas células cerebrales y sus conexiones; aumenta los
neurotransmisores, los factores de crecimiento nervioso y la formación de
nuevos vasos sanguíneos; ayuda a regular el estrés; y aumenta la producción de
sustancias químicas cerebrales que mejoran el aprendizaje. El conocimiento del
impacto de la acción física se suma a la comprensión del poder de la danza, una
forma tradicional de aprender, conocer y expresar. Instituciones comunitarias,
religiosas y gubernamentales dan fe del uso de la danza para
comunicar. Más antigua que las humanidades y las ciencias, la creación de
danza es un modo serio de investigación y descubrimiento.

EL BAILAR NUTRE UN CEREBRO HAVIENTE

“Todo el comportamiento humano y el aprendizaje, incluyendo sentir,
pensar, crear, recordar y decidir, se originan en el cerebro. En lugar de un
sistema biológico cableado, el cerebro se desarrolla a través de un proceso
activo y dinámico en el que las experiencias sociales, emocionales y
cognitivas de un niño organizan su cerebro a lo largo del tiempo, de
acuerdo con las limitaciones y los principios biológicos.12escriben los
neuropsicólogos Mary Helen Immordino-Yang y Kurt Fischer.

Figura 1.1. Espectáculo de estudiantes

Cortesía de la Escuela Secundaria Glen Burnie, Escuelas Públicas del Condado de Anne Arundel.

Con un peso aproximado de tres libras y con forma de nuez, rodeado de membranas
protectoras en una cuna redonda en la parte superior de la columna vertebral, el
cerebro es probablemente el sistema vivo complejo más inusual del mundo.
mundo. La capacidad del cerebro para procesar y combinar información va
más allá en comparación con nuestros parientes primates más cercanos. El
cerebro, que consume casi el 20 por ciento de nuestras calorías por día, es
un órgano maleable, dependiente de la experiencia, social y afectivo.
Numerosos procesos ocurren simultáneamente y están unidos a través de
conexiones entrecruzadas con propiedades biofísicas, químicas y eléctricas.
Con sus aproximadamente cien mil millones de neuronas, el cerebro es
una colección de sistemas interdependientes.
Al resumir gran parte de la literatura sobre el cerebro, Nicholas Rose y Joelle
Abi-Rached concluyen que “el cerebro humano ha llegado a ser anatomizado a
nivel molecular, entendido como plástico y mutable a lo largo del curso de la
vida, exquisitamente adaptado a la interacción humana y la sociabilidad. , y
abierto a la investigación tanto a nivel molecular como sistémico en una
variedad de configuraciones experimentales. . . . Esto ha generado una
sensación de que la neurobiología humana establece las condiciones para la
vida mental de los humanos en sociedades y da forma a su conducta en todo
tipo de formas, muchas de las cuales no son susceptibles de ser
conscientes. . . . Las concepciones neurobiológicas de la personalidad no están
borrando otras concepciones de quiénes somos como seres humanos,
especialmente las derivadas de la psicología. Al contrario, se han aferrado a
ellos. . . y los transformó de maneras significativas”.13
Contrariamente a las suposiciones anteriores sobre la danza, los científicos han
demostrado que la danza tiene un procesamiento ampliamente distribuido en las
áreas interconectadas internamente diferenciadas del cerebro. Algunas regiones del
cerebro que afectan la danza tienen más de una función y afectan el
comportamiento que no es de danza, y varias partes del cerebro pueden realizar una
sola función. Los cambios en el funcionamiento de un área del cerebro a partir del
aprendizaje y otras experiencias de la vida pueden provocar cambios significativos
en otras áreas a las que está conectado.14

Arquitectura del cerebro

¿Dónde ocurre gran parte de la interacción del cerebro con la danza? Con su
desconcertante complejidad, el cerebro ha sido comparado con un comité de
expertos, todas las partes del cerebro trabajando juntas, pero cada una con sus
propias propiedades y funciones especiales.
Figura 1.2. Corteza cerebral, hipocampo y amígdala
Cortesía del Instituto Nacional de Salud Mental, Institutos Nacionales de Salud, Departamento
de Salud y Servicios Humanos.

Unidad de cerebro posterior

Médula espinal.Ubicada en el extremo posterior del cerebro, la médula

espinal funciona principalmente para transmitir señales neuronales entre el
cerebro y el resto del cuerpo. La médula espinal es un conducto para
información del motorque viaja por la médula espinal y un conducto para la
información sensorial en la dirección inversa. La médula espinal también
maneja la generación de patrones motores como caminar, correr y saltar.
Renata Maslowski, neurocientífica y bailarina,15señala que el sistema
cableado de la médula espinal que reacciona a los estímulos dañinos, como
alejarse de una estufa caliente, tiene una respuesta automática similar a la
caída de un bailarín.
Núcleos del tronco cerebral.La ruta principal para que los hemisferios
cerebrales envíen y reciban información de la médula espinal y los nervios
periféricos (doce van al cerebro, once de los cuales terminan en el tallo), los
núcleos del tallo cerebral contribuyena la atención: alerta, orientación y
funciones ejecutivas.
 Cerebelo.Similar a la corteza, este “pequeño cerebro” tiene una estructura de
dos hemisferios. Se encuentra detrás del tronco encefálico y la parte posterior del
cerebro. el cerebelocoordina múltiples conjuntos de movimientos musculares
voluntarios y su sincronización, mantiene la postura, el equilibrio y el equilibrio. El
cerebelo, que participa en el aprendizaje y la recuperación de movimientos
memorísticos y en el control del ensayo mental de las tareas motoras, así como
en el ajuste fino de los pensamientos, las emociones y los sentidos
(especialmente el tacto), contribuye a la automatización de numerosas
actividades mentales.. A pesar de su pequeño tamaño, el cerebelo tiene más de la
mitad de las neuronas de todo el cerebro, lo que refleja su importancia para
aprender a bailar y bailar para aprender.
Los escáneres cerebrales muestran a un bailarín que visualiza una
coreografía de baile sin moverse y estimula el cerebelo.dieciséis

Unidad del cerebro anterior

La unidad del cerebro anterior es la parte más desarrollada del cerebro

y consta del cerebro, la corteza cerebral y los hemisferios izquierdo y
derecho.
Cerebro.El ochenta por ciento del peso del cerebro, el cerebrocontrola la
percepción, el pensamiento, la planificación, la memoria, la comprensión del
lenguaje y la danza voluntaria.Las ramas de las neuronas se extienden a través de las
capas corticales en una densa red de fibras (materia blanca, el 60 por ciento del
cerebro) que se conectan entre sí para llevar a cabo funciones.
Corteza cerebral.Compuesta por seis capas de cuerpos de células nerviosas
con sus dendritas, axones y sinapsis, la corteza cerebral es la porción exterior
del cerebro y alberga procesos asociados con pensamiento consciente. La
corteza cubre dos hemisferios con pliegues elevados (circunvoluciones),
fisuras profundas y superficiales (surcos) que aumentan la superficie de la
corteza y la cantidad de materia gris (el grosor de una pila de dos o tres
monedas de diez centavos y el 40 por ciento del cerebro) y cantidad de
información que puede ser procesada. La materia blanca consta de axones
recubiertos con una sustancia grasa blanca (mielina) que conectan entre sí
diferentes partes de la materia gris.
Al interactuar con el tronco encefálico y el tálamo, la corteza cerebral es
responsable depensamiento y lenguaje, percepción, emociones matizadas,
memoria, enfoque, modulación del movimiento de danza, y construyendo
los mapas que se convierten en la mente, el ser central.
 Hemisferios.Cada hemisferio derecho e izquierdo tiene cuatro
secciones (lóbulos): frontal, parietal, occipital y temporal. losCuerpo
callosoes un surco (surco) desde el frente hacia atrás del cerebro que
divide los hemisferios. Se comunican entre sí, pero tienden a tener
diferentes focos.
loshemisferio izquierdogeneralmente alberga la capacidad derecibir,
comprender, expresar el lenguaje y la gramática, y dominar la sintaxis
de la danzay es el sitio para lectura, aritmética, lógica, análisis, música y
computación.
loshemisferio derechogeneralmente controla la entonación musical del
lenguaje, procesa la información de una manera holística, tal vez creativa, y
apoya las habilidades de razonamiento abstracto, el uso de metáforas y la
interpretación del bailarín.
Las funciones reflejadas en ubicaciones hemisféricas específicas pueden
cambiar de lado en algunos casos. La lógica y la creatividad son procesos
ampliamente distribuidos y variables.
Lóbulo frontal:Los lóbulos frontales actúan comositios de almacenamiento a corto
plazo, lo que permite tener en cuenta una idea mientras se consideran otras. Los
recuerdos a corto plazo pueden convertirse en recuerdos a largo plazo mediante el
ensayo y la asociación significativa.
losla corteza prefrontal, la parte anterior de los lóbulos frontales, es la
planificación, el pensamiento ycentro de control ejecutivo. Esoinicia y
coordina los movimientos motores, regula los excesos del sistema
emocional y está vinculado a la personalidad, la autoestima, la memoria de
trabajo y la evaluación de las consecuencias de un determinado curso de
acción.
loscorteza motoratrabajando con el cerebelo, envía comandos a los
músculos y coordina el aprendizaje de habilidades motoras.
loscorteza premotoradecide estrategias y opciones de comportamiento,
evalúa la adecuación de movimientos particulares dado el contexto
conductual o ambiental, transmite comandos a los conjuntos apropiados
de neuronas motoras inferiores para ejecutar las acciones deseadas, y es
un área principal para el sistema de espejos que se analiza a continuación.

área de Broca, en la parte inferior del lóbulo frontal izquierdo, controla las funciones
motoras deproducción sintáctica del habla, permite que los pensamientos sean
transformado en palabras, y también está comprometido con la música, la memoria de
trabajo, el cálculo y el movimiento con un propósito.
Lóbulos parietales:Los lóbulos parietales están en el medio del cerebro. los
lóbulo parietal en el hemisferio derechoestá activo en la atención sensorial y la
imagen corporal, mientras que elparietal izquierdoparticipa en movimientos
hábiles y en aspectos del lenguaje (nombramiento de objetos, lectura y escritura).
Pero la comprensión del lenguaje ocurre principalmente en el lóbulo temporal.17

Lóbulos temporales:En la sección inferior del cerebro, arriba de los oídos,

frente a las áreas visuales y debajo de los lóbulos parietal y frontal, se encuentra
el área de procesamiento del sonido, el lenguaje y la música, que integra la
información de los sentidos del gusto, la vista y el tacto. y reconocimiento de
rostros, hechos y objetos. El centro del habla, así como el reconocimiento de
algunos olores, está en el lado izquierdo.
Junto con el hipocampo, la región temporal medial contribuye a
formar, organizar, consolidar y recuperar recuerdos.

el área de Wernicke, en la porción posterior del lóbulo temporal izquierdo

del hemisferio cerebral izquierdo, está ligado a la comprensión del
significado del lenguaje, y al parecer a la planificación y comprensión de la
danza. Está conectado por tejido cerebral blanco alárea de Broca, que está
vinculado a la comprensión de la sintaxis.
Lóbulos occipitales:Situados en la parte posterior del cerebro, los lóbulos
occipitales procesan la información visual de los ojos y la conectan con las
imágenes almacenadas en la memoria. Junto con los lóbulos parietal y temporal,
los lóbulos occipitales se denominan "cortezas de asociación" debido a su
capacidad para integrar la información sensorial y el comportamiento.

Unidad Cerebral Interna

Estos son los guardianes entre la médula espinal y los hemisferios

cerebrales:
Hipocampo.Cerca de la base del sistema límbico, dentro del lóbulo temporal
medio, el hipocampo ayuda a convertir la información dememoria de trabajo
a través de señales eléctricas a la memoria a largo plazo. Fundamental para la
memoria episódica (evento o experiencia específica), el recuerdo y la
secuenciación de la información, el hipocampo puede producir nuevas
neuronas en adultos que contribuyen al aprendizaje y la memoria.
 Un tracto arqueado de neuronas que va desde el hipotálamo y el tálamo
hasta el hipocampo actúa como un indexador que envía recuerdos a la
parte apropiada del hemisferio cerebral para su almacenamiento y
recuperación a largo plazo.
Amígdala.Dentro del lóbulo temporal medial al final del hipocampo,
la amígdala orquesta nuestravida emocional, especialmente el miedo
con respuestas autonómicas y hormonales y media la influencia de la
emoción en la cognición.

Figura 1.3. Regiones del cerebro

Cortesía del Instituto Nacional de Salud Mental, Institutos Nacionales de Salud, Departamento
de Salud y Servicios Humanos.

tálamo.En el centro de cada hemisferio, entre la corteza cerebral y el

mesencéfalo, encima del tronco encefálico, el tálamoprioriza las funciones
sensoriales y motoras y sirve como estación de relevopara la mayor parte de la
información sensorial, excepto el olfato, del exterior y del interior del cuerpo
a la corteza cerebral. El tálamo también recibe señales del cerebro y el
cerebelo, lo que genera actividades cognitivas, incluida la memoria. En alianza
con la corteza cerebral, el tálamo contribuye al funcionamiento de los latidos
del corazón, la respiración, la temperatura corporal, la digestión, el estado de
alerta del cerebro, la excitación y las transiciones entre el sueño y la vigilia.

Hipotálamo.Encima del tronco encefálico, ubicado debajo del tálamo del

tamaño de una perla, el hipotálamo controla los apetitos, la libido, los
comportamientos defensivos y reproductivos, la frecuencia cardíaca, la presión
arterial, la vigilia del sueño, la mayor parte de la información del sistema corporal
interno, las funciones autónomas y el sistema endocrino.regulación hormonal
que afecta las respuestas al estrés.
Bganglios asales .Grupos de neuronas que rodean el tálamo y por encima del
sistema límbico, los ganglios basalesiniciar, integrar y ayudar a regular el
movimiento aprendido, y actuar en asociaciones de estímulo-respuesta y en la
formación de hábitos. Las conexiones entre los ganglios basales y el cerebelo
parecen aumentar cuando se aprende una tarea motora con el tiempo. La parte
más externa de los ganglios basales, lacuerpo estriadoestá involucrado con la
recompensa y la expectativa.

Unidad de cerebro medio

Dos pares de pequeñas colinas (colículos) de las neuronas afectan los reflejos
visuales y auditivos y el movimiento relacionado con la percepción, la coordinación y
la integración de imágenes que ayudan a seleccionar objetos y transmiten esta
información al tálamo. Otros grupos de neuronas regulan la actividad en el sistema
nervioso central y están involucrados en los mecanismos de recompensa y el estado
de ánimo. losárea tegmental ventraltiene neuronas que liberan la dopamina química
que está implicada en la atención, la motivación y la anticipación de la recompensa.

Otras partes interiores del cerebro

Sistema límbico.Situado por encima del tronco encefálico y por debajo del
cerebro, el sistema límbico recibe nervios sensoriales que van a las
estructuras del cerebro por debajo de la corteza cerebral que se ocupan de la
emoción, la motivación y la asociación de las emociones con la memoria, a
saber, la amígdala, el hipocampo, la corteza, el hipotálamo y corteza piriforme
(relacionada con el olfato).
 NEURONAS: ÁTOMOS DEL PENSAMIENTO

El núcleo del cerebro y del sistema nervioso tiene aproximadamente cien mil
millones de neuronas interconectadas a través de billones desinapsis(el
espacio entre dos neuronas donde se produce la transferencia de información
entre las neuronas emisoras y receptoras). Compuestas de las mismas partes
que otras células del cuerpo, las neuronas son únicas en ser portadoras de
señales electroquímicas. Todas las sensaciones, movimientos, pensamientos,
recuerdos y sentimientos emanan de señales que se mueven a través de las
neuronas que generan acciones breves que varían en amplitud, frecuencia y
patrón de acción de disparo.18La información sensorial que llega al cerebro se
convierte en códigos neuronales que se organizan en circuitos complejos que
se conectan a otros circuitos para representar eventos que ocurren en otras
células, recibir impulsos eléctricos de otras neuronas y transmitirlos. “Células
que disparan juntas, se conectan juntas” y proporcionan una base neuronal
para el aprendizaje asociativo, proclamó el psicólogo Donald Hebb en 1949.

Figura 1.4. Célula cerebral

Donald Bliss, ilustrador médico; Cortesía del Instituto Nacional de Salud Mental, Nacional
Institutos de Salud, Departamento de Salud y Servicios Humanos.
 Las neuronas pueden enviar señales a otras células del cuerpo y al
mundo exterior a través del movimiento y recibir señales de ambos.
Aunque las interrelaciones anatómicas entre las neuronas se desarrollan
según un plan establecido, la experiencia puede alterar la fuerza y la
eficiencia de las conexiones.
Una neurona tiene una célulacuerpo(un núcleo donde se fabrican la mayoría
de las moléculas que la neurona necesita para sobrevivir y funcionar), un axón
y algunas dendritas. Decenas de miles de fibras de entrada, dendritas,
emergen del núcleo de la neurona y se extienden hacia afuera como las ramas
de un árbol para recibir mensajes de otras neuronas, mientras que
generalmente hay una fibra de salida, laaxón. Las neuronas están rodeadas y
sostenidas por miles de millones de células gliales, que proporcionan
estructura física y andamiaje para las neuronas, así como protección, algo de
nutrición y los productos químicos necesarios. Algunas células gliales forman
las vainas de mielina alrededor de los axones (células de Schwann), que
mejoran la conducción de la corriente eléctrica a través de las neuronas. Las
señales pasan desde las dendritas a través del cuerpo celular y pueden viajar
desde el cuerpo celular por un axón hasta otra neurona, célula muscular o
células en otro órgano. Los conjuntos de neuronas se conocen comonervios.
 Figura 1.5. sinapsis cerebral
Cortesía del Instituto Nacional de Salud Mental, Institutos Nacionales de Salud,
Departamento de Salud y Servicios Humanos.

La neurotransmisión se produce a través de mensajes químicos en una

sinapsis que transmiten información a otra neurona a través de la transmisión
eléctrica en cuestión de once milisegundos. Al recibir muchas entradas al
mismo tiempo, una neurona dispara una onda de carga eléctrica por el axón.
Cuando la señal llega al final del axón, estimula la liberación de pequeños
sacos que liberan sustancias químicas conocidas como neurotransmisoresen
una sinapsis para difundirse a las dendritas de las neuronas adyacentes y
contribuir al disparo de acción en éstas.
Más de cincuenta sustancias químicas incluyen acetilcolina (hace que las células sean
más excitables), ácido gamma-aminobutírico (hace que las células sean menos
excitables), epinefrina, serotonina (constriñe los vasos sanguíneos, induce el sueño y
regula la temperatura, el apetito y el estado de ánimo) ydopamina(involucrados en el
estado de ánimo, la liberación de hormonas, el flujo de información al frente del cerebro
y el control de movimientos complejos). La dopamina, que evoca nuestra sensación de
placer, es esencial para el aprendizaje, la mejora de la memoria de trabajo, la formación
de hábitos y el control de los impulsos. Tenga en cuenta que muchas sustancias
químicas que actúan como neurotransmisores en el cerebro se comportan como
hormonas en el resto del cuerpo.
Figura 1.6. Vías de dopamina y serotonina del cerebro
Cortesía del Instituto Nacional de Salud Mental, Institutos Nacionales de Salud, Departamento de
Salud y Servicios Humanos.

Fuerza sináptica(conciencia y sensibilidad) afecta la facilidad de las

señales que van entre las neuronas y eléxito del aprendizaje.La memoria a
largo plazo se basa en el proceso de cambiar las sinapsis para que la
influencia de una neurona sobre otra también cambie.19La potenciación a
largo plazo (mejora de la transmisión de señales de larga duración entre
las neuronas que resulta de estimularlas sincrónicamente), la plasticidad
sináptica y la transmisión de señales duraderas que resulta de la
estimulación repetida de las neuronas en el hipocampo permiten clasificar
la información que da lugar a nuevas vías neuronales y fortalece los
caminos existentes.
Si un patrón se repite a través de la práctica, la tendencia del grupo asociado
de neuronas a activarse juntas aumenta, lo que da como resultado
en un nuevo rastro o engrama de memoria, consolidando la memoria y
haciéndola más fácilmente recuperable. “Ustedes son sus sinapsis”, dice el
científico Joseph LeDoux.20

Chispas—Neurogénesis
Las creencias tradicionales de que los humanos nacen con un número fijo de
células cerebrales que se degradan con la edad, algunas se pierden y nunca se
reponen, han sido reemplazadas por un nuevo paradigma: la neurogénesis.
Podemos generar nuevas células cerebrales y conexiones, modificar nuestro
intelecto a lo largo de la vida. La neuroplasticidad se refiere a la capacidad del
cerebro para cambiar su estructura y patrones de actividad y para conectarse en
respuesta a la estimulación de cómo nos movemos y las señales sensoriales que
llegan a la corteza. El cambio neuronal también puede resultar del aprendizaje y
de la actividad mental interna: nuestros pensamientos. Este último proceso
también se conoce como sinaptogénesis. Para simplificar me referiré a ambos
como neurogénesis.
Las autopsias revelaron que los cerebros humanos adultos contenían muchas
neuronas nuevas, especialmente en el hipocampo. Cierto volumen disminuye con
la infrautilización y la edad. Sin embargo, las neuronas pueden mejorar el
intelecto, la memoria y ciertos tipos de aprendizaje si se unen a las redes
neuronales existentes en lugar de traquetear sin rumbo fijo en el cerebro
durante un rato antes de morir.El ejercicio hace que las neuronas sean ágiles
para que se conecten a la red neuronal.Otra forma de atraer neuronas a la red es
aprender algo.
El psiquiatra John Ratey explica cómo la capacidad de cada persona para
dominar información nueva y recordar información antigua mejora mediante
cambios biológicos en el cerebro provocados por la actividad física.21Las células
consumen oxígeno y glucosa. El agua es necesaria para mover las señales de las
neuronas a través del cerebro. El ejercicio aumenta el flujo de sangre y oxígeno al
cerebro, lo que es efectivo en el área del hipocampo involucrada en la formación
de recuerdos a largo plazo. El ejercicio desencadena el factor neurotrópico
químico derivado del cerebro que apoya la salud de las neuronas jóvenes,
fomenta el crecimiento de otras nuevas y fortalece las conexiones entre las
neuronas.
Así, la danza como actividad física desencadena la neurogénesis. ¿Será
que la danza potencia más el pensar que el pensar?
 Una revisión de estudios que incluyeron una medida de actividad física
y otra de rendimiento académico confirmó una relación positiva entre
ellas. La razón, sugieren los investigadores, es que el ejercicio no solo
aumenta el flujo de sangre y oxígeno al cerebro, sino que también
puede aumentar los niveles denorepinefrina y endorfinas, importantes
en la reducción del estrés.22
La danza es una forma de ejercicio plus, que produce más dividendos que
otras formas de ejercicio. Más allá del ejercicio, la danza transmite ideas y
sentimientos, cuenta historias y utiliza más partes del cuerpo de diversas
formas que, por ejemplo, al correr.La danza requiere aprender movimientos,
secuencias e interpretación significativa. El experto David Brooks comparó el
baile con los Juegos Olímpicos: “El baile es físico, como los deportes, pero, en
muchos sentidos, es lo opuesto a los deportes. En la danza, el propósito es
fusionarse y reflejarse entre sí; en el deporte, el propósito es salir adelante.
Los bailarines actúan para la audiencia y ofrecen un regalo de emoción; los
atletas se responden unos a otros y los espectadores están allí para
presenciar y animar”.23
Figura 1.7. Clase de resistencia DanceSport El fotógrafo Paul
Goeth. Cortesía de Laurie Frederick Meer.

LA DANZA ENCARNA LA COGNICIÓN

Sentidos, interocepción y percepción

Aquí, la cognición incorporada se refiere a pensamientos y emociones que se
expresan en la danza, un proceso interactivo con el cerebro.24Las interacciones
en tiempo real y dirigidas a objetivos entre las capacidades sensoriomotoras, el
cuerpo y el entorno de los bailarines juegan un papel formativo en el desarrollo
de los procesos cognitivos. Estos interactúan dinámicamente con la mente
mientras manipula símbolos que representan e influyen en el mundo. Pensamos
no solo con nuestro cerebro sino en colaboración con nuestro cuerpo porque los
procesos de pensamiento se basan en parte en experiencias físicas del cuerpo,
muchas de las cuales están construidas culturalmente. Los estímulos cognitivos
involucran el movimiento de la danza y esta acción motora puede desencadenar
el procesamiento conceptual.
Los estudios de cognición encarnada actualizan el enfoque fenomenológico sobre
la experiencia subjetiva vivida por una persona, a saber, la descripción del
movimiento, la propiocepción, las relaciones cinestésicas, la aprehensión del mundo
a través de la movilización del propio peso, la ocupación del espacio y la identidad
somática. El énfasis está en la percepción que deriva el significado de la experiencia
sensorial.25
PercepciónSe refiere a la conciencia de lo que ocurre en una serie de sistemas
sensoriales neurales específicos. La percepción háptica subyace e informa la
percepción visual; cuando miramos algo recurrimos a recuerdos táctiles de texturas,
formas, espacios, movimiento y materiales, a menudo derivados de la danza. Hay
múltiples sitios de procesamiento sensorial en el cerebro, incluidas regiones que se
cree que son específicas de la modalidad. Sin embargo, la capacidad de seleccionar
una modalidad sensorial específica es una característica crítica de la percepción. Los
bailarines y los espectadores se concentran en las características suficientes para
identificar el género, la forma y el estilo de la danza.26
Nuestra percepción de la danza no es un registro interno de una cámara de video.
Más bien, nuestro aprendizaje previo, predisposición neuropsicológica y contexto
impactan la realidad que construimos y experimentamos.
 Nuestros sentidos son el primer filtro de información que fluye a través de la
corteza. Esta información primero debe someterse a un procesamiento
preliminar, de modo que lo que emerge en nuestra conciencia comience en
nuestra inconsciencia. La conciencia sensorial del cerebro de la experiencia
interna y externa amplía nuestro acceso al mundo.
interocepciónes el procesamiento de la fisiología del cuerpo y los estímulos de
información visceral comunicados al cerebro y otras estructuras del cuerpo que
llegan a la conciencia de una persona y afectan el comportamiento. La
interocepción es cómo percibimos los sentimientos de nuestros cuerpos que
afectan nuestras emociones y sentido de bienestar.
propiocepción, la capacidad del cuerpo para sentir su posición en el espacio
relacionada con la posición, la postura, el equilibrio o la condición interna, se
produce a través de las terminaciones nerviosas de los músculos y las articulaciones
que llegan al cerebro. Las técnicas somáticas enfatizan la atención centrada en el
interior del bailarín y una mayor conciencia del movimiento para el análisis y el
autoconocimiento. La improvisación de contacto del género de danza se trata de
pensar, sentir y actuar en el momento en relación con el comportamiento similar de
otro bailarín junto con el contacto físico de peso compartido.
La danza personifica una interacción multisensorial. Se puede enfatizar
uno o más sentidos. Para los bailarines y los espectadores, existe la vista de
los bailarines moviéndose en el tiempo y el espacio, con vestuario y
escenario. Los ojos indican grados de atención y excitación, influyen en el
cambio de actitud y regulan la interacción. Además, los ojos definen las
relaciones de poder y estatus.27Está el sonido del movimiento físico: partes
del cuerpo tocándose, el suelo, un objeto u otra persona; respiración;
música de acompañamiento y charla. Es posible que escuchemos
movimientos antes de verlos. Está el olor del esfuerzo físico de los
bailarines; la sensación táctil/vibración de partes del cuerpo que tocan el
suelo, otras partes del cuerpo, personas o accesorios, y el aire alrededor de
los bailarines; el sentido proxémico de distancia entre bailarines y entre
bailarines y público; y la experiencia cinestésica de sentir el movimiento del
cuerpo y la sensación de empatía con el movimiento y la energía del
cuerpo de un artista. Bailarín y espectador (que también puede ser bailarín)
pueden tener una sensación de inmediatez y contacto.
El científico cognitivo Alistair Knott28argumenta que existe una fuerte interfaz
entre el lenguaje natural y el sistema sensoriomotor porque podemos hablar
sobre lo que vemos y hacemos. La danza se amplía y se profundiza.
experiencia corporal, porque Martin señala, “amplía el léxico del
movimiento”.29
Diversos sistemas cognitivos se entrelazan con la sensibilidad corporal,
subyacen a la percepción y organizan la acción.30Las conexiones neuronales entre
los sentidos, el movimiento, la percepción y la cognición son mutuamente
informativos. Al explorar la percepción estética, los científicos buscaron los
correlatos neuronales de la experiencia perceptiva de simplemente ver estímulos
de baile que, en promedio, gustan. Descubrieron que la red neuronal del cerebro
para la percepción estética implícita de la danza incluía las cortezas occipital y
premotora. Ver el baile que nos gusta activa aspectos sensoriales y motores del
cerebro, casi como si quisiéramos bailar nosotros mismos. Parece que se
produce una representación de goles en el hemisferio izquierdo, mientras que el
hemisferio derecho está más interesado en los parámetros de movimiento
detallados.31La práctica médica enfatiza la cognición, y el cuerpo físico rara vez es
un sitio de aprendizaje para los estudiantes. Como consecuencia de tal
desencarnación, la capacidad de los médicos para monitorear sus
comportamientos puede verse comprometida. Pero los residentes adquirieron
una mayor conciencia de sí mismos y de los demás a través de la coreografía y la
realización de un baile seguido de un diálogo.32

La visión, un sentido especialmente importante

La visión, incluidas las neuronas espejo, merece una mayor discusión
porque ha ayudado a los humanos a sobrevivir a lo largo de la evolución y
la mitad de la información sensorial que llega al cerebro es visual. El
sistema visual, esencial para la mayoría de los bailes y contemplaciones,
“crea representaciones en el cerebro (en forma de códigos neuronales) que
requieren. . . más información que la modesta cantidad que el cerebro
recibe de los ojos. Esa información adicional se crea dentro del cerebro”,
explica el biólogo molecular y neurocientífico premio Nobel Eric Kandel.33

La imagen en la retina se deconstruye en señales eléctricas que

representan un objeto. Estas señales que se mueven a través del cerebro
se recodifican en base al conocimiento previo y se reconstruyen y elaboran
en la imagen que percibimos. La visión, como otros sistemas sensoriales,
es una creación del cerebro, el facilitador supremo.34
La región del cerebro que responde selectivamente a las imágenes del
cuerpo humano o partes del cuerpo es laárea extraestriada del occipital
lóbulo. Estas imágenes tienen el poder de captar nuestra atención incluso cuando
estamos enfocados en otra cosa.35Un estudio de percepción visual de recordar la
postura estática de la danza o el movimiento dinámico sugiere que los estímulos
de movimiento son mejores para el aprendizaje.36

Neuronas espejo
La empatía cinestésica y el fenómeno de las neuronas espejo se dan cuando
vemos en un cuerpo humano un movimiento que experimentamos
indirectamente en nuestros nervios y músculos; el movimiento evoca
asociaciones que habríamos tenido si el movimiento original hubiera sido
nuestro.37
Los procesos motores y perceptivos sustentan estrechos vínculos entre
la danza y la observación de la danza. Áreas cerebrales similares (la
corteza premotora que recibe información de la región del surco
temporal superior que responde al movimiento biológico, el área
motora suplementaria, la corteza somatosensorial primaria y la corteza
parietal inferior) se denominan colectivamente Sistema de Neurona
Espejo o Red de Observación de Acción. Estas áreas se activan al percibir
una acción de danza a través de canales sensoriales y al ejecutar la
misma acción de danza.
Las neuronas espejo parecen facilitar el aprendizaje de la danza por
observación sin los beneficios de la práctica física. Existe una resonancia
neuronal entre el movimiento observado (imaginado o ensayado
mentalmente) y el corporal.38Cuando observamos una acción, simulamos el
movimiento usando la misma red cerebral que usamos para ejecutarla.
El repertorio motor personal de un individuo es relevante en la fuerza de
activación de las neuronas espejo. Las áreas premotoras del cerebro muestran
activaciones más fuertes cuando los bailarines observan movimientos de baile de
salón que ellos mismos podrían realizar, en comparación con movimientos que
no habían intentado.39Cuando los bailarines de ballet masculinos y femeninos
vieron videos de movimientos específicos de género realizados por bailarines
masculinos o femeninos, hubo una mayor actividad en las cortezas premotora,
parietal y cerebelosa cuando los hombres observaron movimientos de baile
específicos de hombres y mujeres.
Los bailarines contemporáneos profesionales muestran más señales
eléctricas (actividad EEG alfa) viendo danza contemporánea e
imaginando realizar un baile improvisado o un vals que los novatos.
Los bailarines experimentados superaron a los novatos de muchas maneras, como
representar la estructura del movimiento de la danza de cerca con la estructura
funcional, la actividad neuronal asociada con las habilidades de interpretación, los
tiempos de fijación visual (más cortos) y (movimientos oculares pequeños más rápidos)
mientras observan la danza.40
De acuerdo con la investigación que sugiere que la experiencia modula el
procesamiento neuronal al hacer y ver la danza a través de la simulación, un
estudio encontró que los novatos y los expertos (bailarines modernos
contemporáneos capacitados) no diferían en la discriminación de las
manipulaciones de la forma (formas posturales relativamente discretas hechas
por el cuerpo) . Sin embargo, se encontraron diferencias significativas entre
novatos y expertos en la discriminación de las manipulaciones del espacio
(cambios en la orientación, el nivel y la trayectoria del cuerpo) y el tiempo
(duración del movimiento y acento).41
La experiencia observacional también tiene una influencia determinante a la
hora de ver espectáculos de danza complejos. Los investigadores probaron el
impacto de la experiencia visual en la simulación motora cuando los
observadores sin entrenamiento formal en ningún estilo de danza vieron tres
presentaciones de danza en vivo en solitario (ballet, danza india y no danza)
midiendo los cambios en la excitabilidad corticoespinal. Examinaron los
potenciales evocados motores (MEP) tanto en la mano como en el brazo, porque
la mano se usa específicamente en la danza india y el brazo en el ballet. Los
espectadores frecuentes de ballet mostraron mayores amplitudes de MEP en los
músculos del brazo cuando miraban ballet en comparación con cuando miraban
otras actuaciones. Los espectadores de danza india obtuvieron puntajes más
altos en la subescala de fantasía del índice de reactividad interpersonal, y sus
eurodiputados más grandes estaban en los brazos cuando miraban la danza
india. Incluso sin entrenamiento físico, la excitabilidad corticoespinal puede
mejorarse en función de la experiencia visual o de la tendencia a transponerse
imaginativamente en personajes ficticios. Los espectadores parecen simular de
forma encubierta los movimientos para los que han adquirido experiencia visual,
y las habilidades empáticas aumentan la resonancia motora durante la
observación de la danza.42
Pequeños grupos de células con propiedades similares a las de las neuronas espejo se
encuentran en muchas partes del cerebro como parte de un gran circuito
interconectado. Las neuronas espejo pueden estar en el corazón de la empatía con otra
persona, la adopción del punto de vista de otra persona o el aprendizaje social. El espejo
las neuronas preparan el escenario para la transmisión cultural de habilidades.43
El neurocientífico Vilayanur Ramachandran sugiere que las neuronas espejo
"pueden haberse vuelto hacia adentro, permitiendo una representación de la
propia mente".44
El investigador Marco Iacoboni señala una convergencia entre los modelos
cognitivos de la imitación, las explicaciones de la psicología social sobre su
omnipresencia y sus vínculos funcionales con la empatía y la simpatía, y los
descubrimientos neurocientíficos de los mecanismos neurales de la imitación y la
empatía. Al preguntar por qué se seleccionaron estos mecanismos neuronales y
cuál es su ventaja adaptativa, responde: "La duplicación neuronal resuelve el
'problema de otras mentes' (cómo podemos acceder y comprender las mentes de
los demás)". Identificar los sentimientos y estados mentales de los demás facilita
una piedra angular del comportamiento social. Las neuronas espejo ampliamente
congruentes parecen apoyar el comportamiento cooperativo entre las personas.
45

El proceso sustenta la empatía y la comprensión en las interacciones

profesor-alumno, bailarín-bailarín y bailarín-espectador. Las neuronas
espejo pueden ayudar a un individuo a comprender las intenciones y
predecir el comportamiento de los demás. El cerebro tiene una red de
áreas interconectadas que se comunican entre sí para lograr una cognición
social más sofisticada a partir del movimiento biológico y las señales de la
mirada.

Mente y conciencia
El neurocientífico Antonio Damasio argumenta que el cerebro da a luz a la
mente: la mente es lo que hace el cerebro. Una propiedad de un órgano del
cuerpo, la mente es el asiento de la conciencia, la voluntad, la emoción y la
cognición. El cerebro introduce el cuerpo como contenido en el proceso de la
mente, y la mente puede incorporarse. Damasio explica: “Las mentes
emergen cuando la actividad de pequeños circuitos [de neuronas] se organiza
a través de grandes redes para componer patrones momentáneos” que
representan cosas y eventos situados fuera del cerebro, ya sea en el cuerpo o
en el mundo externo, así como en el cerebro mientras procesa otros patrones.
46

Las culturas surgen y evolucionan a partir de los esfuerzos colectivos de las mentes
humanas e influyen en la creación de otras mentes individuales. Así, la cultura es a la
vez creadora y creadora de una experiencia colectiva encarnada.
 Damasio dice que los aspectos de la función corporal están representados en
el cerebro en forma de mapas construidos cuando recordamos objetos de los
bancos de memoria del cerebro. Los mapas cerebrales que aportan imágenes
a la mente pueden ser de cualquier origen sensorial (visual, auditivo, visceral y
táctil), tanto abstractos como patrones concretos. “Una consecuencia
espectacular del mapeo incesante y dinámico del cerebro es la mente”.47La
conciencia nos permite manipular las imágenes y aplicarles el razonamiento.
“La deliberación consciente se trata dereflexión sobre el conocimiento.”48

La conciencia es una mente con un giro, una mente equipada con un

propietario-protagonista subjetivo, un proceso propio agregado a un proceso
mental que reconoce la propia existencia en el entorno. El yo, presente en
todo momento cuando se supone que somos conscientes, es un testigo de la
mente. El capítulo 5 analiza los aspectos de aprendizaje de la personalidad a
través de la danza.
¿Cómo hace el cerebro la mente y la hace consciente? La creación mental,
principalmente en la corteza cerebral, se manifiesta primero en el tronco
encefálico, relacionado con el origen y la naturaleza de los sentimientos, el
mecanismo detrás de la construcción elemental del yo.49Las neuronas en el
tálamo reciben información sensorial que filtra, organiza y luego transmite a
la corteza. Inextricablemente vinculada con la conciencia y más activa cuando
buscamos nuevos patrones y realizamos tareas complejas o novedosas, está
la red parietal prefrontal.
Tanto el procesamiento de información consciente como inconsciente y el
manejo de emociones e ideas emanan de la actividad eléctrica de vastas
colecciones de neuronas, cada una de las cuales posee miles de "cables"
biológicos de entrada y salida conectados a otras neuronas, lo que permite
interacciones mutuas. “La mente, la conciencia y el yo son 'acontecimientos'
continuos como consecuencia de la actividad electroquímica del cerebro”,
como dice el científico y bailarín Blake Martin.50
Los científicos Stanislas Dehaene y Jean-Pierre Changeux han
identificado mecanismos neurofisiológicos que diferencian el acceso
consciente a cierta información del procesamiento inconsciente de la
misma información y postularon una teoría de la conciencia del
"espacio de trabajo neuronal global".51
La conciencia es una meta-representación que crea un sentido ilusorio, pero probablemente
ventajoso desde el punto de vista evolutivo, de coherencia y autorreferencialidad.
dirección.52Guardián de nuestra conciencia, la atención es un mecanismo de
filtrado y refuerzo que solo permite el paso de "aquellos elementos de nuestros
sentidos o cogitaciones internas que tienen la prominencia biológica más
apremiante, y especialmente aquellas características inesperadas que nos
brindan las mayores percepciones potenciales", escribe el neurocientífico Daniel.
Bor.53Si la conciencia se trata de innovar y derivar hábitos automáticos a nuestro
inconsciente, como argumenta Bor, la danza creativa sin duda puede fomentar
una mayor conciencia y una menor dependencia de nuestros hábitos
profundamente arraigados.
Entonces, ¿dónde están la voluntad, la individualidad, la autorrealización y la
libertad en la neurociencia? Algunos procesos inconscientes pueden volverse
susceptibles de control consciente bajo condiciones particulares o con el
entrenamiento apropiado. El filósofo Patrick Haggard argumenta: “La volición
involucra redes cerebrales que toman una serie de decisiones complejas y abiertas
entre acciones alternativas. . . . Además de la experiencia de la intención, las acciones
voluntarias a menudo producen una experiencia de agencia que. . . implica la
experiencia de las consecuencias sensoriales externas, mientras que la intención se
relaciona más estrechamente con la preparación y el esfuerzo. La base neuronal de
la agencia sigue sin estar clara”.54

Memoria
“La memoria es el pegamento que une nuestra vida mental, ya sea en
nuestra respuesta al arte oa otros eventos de nuestra vida”, escribe Kandel.55
Los diferentes tipos de conciencia están vinculados a múltiples tipos de
memoria: sensorial e inmediata, de trabajo y de largo plazo (memorias
declarativas de hechos y conocimientos o memorias procedimentales de
cómo hacer algo). El hipocampo es nuestro almacén temporal. Existe una
superposición en las áreas del cerebro donde se archivan diferentes tipos de
recuerdos y los organizadores neuronales permiten su uso para la resolución
de problemas.
Damasio explica qué sucede cuando memorizamos un encuentro. Al aplicar
esto a la danza, se involucra más que su estructura visual tal como se mapea
en las imágenes ópticas de la retina: los patrones sensoriomotores asociados
con la visualización de la danza (como el ojo, el cuello, el movimiento de todo
el cuerpo o el tacto), los recuerdos y sentimientos previamente adquiridos y
emociones relativas a la danza. Habla de la importancia de
compromiso y aprendizaje multisensorial/motor; “percibimos por
compromiso, en lugar de por receptividad pasiva”.56
Aunque la neuroa la anatomía de la memoria se propagaa través A lo largo
del cerebro, las vías importantes para la memoria motora procedimental
(cómo) están separadasde los medios vías del lóbulo temporalasociado con de
memoria clara (asociada con la teoría de la danza y la danza creativa). Al igual
que con la memoria declarativa, la memoria motora parece tener una fraágil a
corto plazo etapa de codificación de memoria susceptible a daños, y una más
smesa a largo plazo etapa de consolidación.
Los recuerdos, distribuidos por todo el cerebro, implican un cambio persistente
en las sinapsis. Los sitios dependen de las asociaciones que hace el cerebro entre
el aprendizaje nuevo y el pasado. Cuantas más conexiones se hacen, más
significado se atribuye al nuevo aprendizaje. Los tipos de memoria se analizan
con más detalle en el capítulo 2.

Danza en la mente, el espacio, el ritmo y el envejecimiento

Los cerebros de los bailarines se activan de manera diferente al moverse

sin intentar expresar esfuerzo (en la red sensoriomotora para movimientos
automáticos como caminar), al pensar en el esfuerzo de la danza como la
ligereza o la fuerza (en la corteza prefrontal y otras áreas involucradas en la
acción ejecutiva), al realizar movimiento expresivo (en las redes del
pensamiento y del movimiento sensorial).57
Un estudio de la danza encontró que la representación mental juega un
papel clave en la danza, es decir, aprender secuencias de movimientos
complicados, interactuar con compañeros, refinar los movimientos
estilísticamente y crear coreografías. Los artistas simulan movimientos que
imaginan u observan en otros usando los mismos correlatos neuronales que
en los movimientos de la vida real. Esto indica que las representaciones
mentales se “activan y producen imágenes incrustadas en el espacio y el
tiempo, que pueden traducirse introspectivamente, interpretarse
conscientemente y describirse esquemáticamente”.58
Como se señaló en la investigación de las neuronas espejo, la experiencia motora al
realizar movimientos de baile observados conduce a una mayor participación del
sistema cognitivo-neuronal que solo observar el movimiento. Así también, en un
estudio en el que los participantes no observaron ningún movimiento pero vieron
listas de elementos verbales; la activación del sistema motor cortical se basó
únicamente en la simulación mental del movimiento.59Participantes
de diferentes niveles de habilidad (bailarines profesionales, aficionados con
diferentes niveles de experiencia y bailarines novatos) mostraron
diferencias específicas de movimiento en su representación mental de dos
movimientos básicos del ballet clásico, elpirueta en dehorsy elpas
ensamblado, en la memoria a largo plazo. lospas ensamblado, un salto que
consta de tres fases, es un movimiento de transición realizado como parte
de una secuencia de pequeños pasos y saltos. lospirueta en dehors
requiere más tiempo, tiene varias fases y es un movimiento de rotación
que requiere una coordinación muy definida y un ajuste constante del eje
del cuerpo para que se realice con la estabilidad necesaria.
Los movimientos fueron demostrados y explicados verbalmente. En
resumen, la representación mental de una persona de un movimiento parece
depender de su propio nivel de habilidad y de cómo es el movimiento. La
forma en que recuerdas los movimientos de baile depende de lo que se baila y
de lo que puedes hacer.
En su estudio sobre el espacio y el ritmo en el movimiento del tango, los
neurocientíficos Steven Brown (un ávido bailarín de tango) y Larry Parsons
señalan que la danza requiere habilidades mentales especializadas relacionadas
con la conciencia espacial, el equilibrio, la intención y la sincronización, entre
otras cosas, que ocurren en el sistema sensorio-motor del cerebro. “La corteza
parietal posterior traduce la información visual en comandos motores, enviando
señales hacia las áreas de planificación del movimiento en la corteza premotora y
el área motora complementaria. Estas instrucciones luego viajan a la corteza
motora primaria, que genera impulsos neurales que se mueven a la médula
espinal y luego a los músculos para que se contraigan. . . Al mismo tiempo, los
órganos sensoriales de los músculos proporcionan información al cerebro, dando
la orientación exacta del cuerpo en el espacio a través de los nervios que pasan a
través de la médula espinal hasta la corteza cerebral. Circuitos subcorticales en el
cerebelo. . . y en los ganglios basales. . . también ayuda a actualizar los comandos
motores basados en la retroalimentación sensorial y a refinar nuestros
movimientos reales”.60Mientras que un área del cerebro que alberga una
representación de la orientación del cuerpo ayuda a dirigir los movimientos de
los bailarines a través del espacio, otra les permite marcar el ritmo de sus
acciones con la música.
Al registrar el flujo sanguíneo cerebral después de los cambios en la actividad cerebral,
Brown y Parsons escanearon los cerebros de cinco hombres y cinco mujeres que
ejecutaban pasos de tango al ritmo de la música de tango. Pasos de baile
sincronizado con la música generó significativamente más flujo de sangre en el
vermis anterior del cerebelo que el baile a su propio ritmo. Por lo tanto, hay un
beneficio en bailar con la música.
¿Cuál es el impacto de 16,5 años de baile de salón (1,33 horas a la semana)
en las funciones sensoriomotoras y cognitivas? Veinticuatro bailarines
aficionados de entre sesenta y uno y noventa y cuatro años se compararon
con treinta y ocho no bailarines de la misma edad en estilo de vida,
rendimiento cognitivo, tiempo de reacción, equilibrio, rendimiento motor y
rendimiento táctil. El grupo de baile se desempeñó mejor que el grupo de
control en casi todas las pruebas. El baile se usa cada vez más como
intervención porque combina muchas características diversas, lo que lo
convierte en una herramienta prometedora para inducir la neuroplasticidad.
Seis meses de baile condujeron a mejoras significativas en la cognición/
atención (memoria, capacidad visoespacial, lenguaje y atención), tiempos de
reacción, rendimiento sensoriomotor, postura y estilo de vida.61
La memoria a corto plazo se utiliza para unir movimientos individuales en una
secuencia continua. Las señales propioceptivas coincidentes de las configuraciones
corporales durante la enseñanza y la recuperación facilitaron el recuerdo de los
movimientos en el orden correcto.62
Los investigadores midieron la duración de la respuesta cerebral cuando el
público en un teatro vio el ballet narrativoBella Durmiente en un ensayo
general de ballet escocés durante 2,5 horas. Descubrieron que la excitabilidad
de la corteza cerebral disminuyó con el tiempo, tal vez debido a la disminución
del interés a medida que avanzaba el drama narrativo de la danza o la
relajación muscular. La simulación del motor no fue automática mientras se
observaba la actuación.63
El aprendizaje de habilidades motoras de la improvisación de danza
contemporánea mejora la flexibilidad cognitiva y el control atencional en el
envejecimiento. Se hizo una comparación con un entrenamiento de 5,7 meses
en danza, prevención de caídas o Tai Chi Chuan. Los procesos cognitivos de
los bailarines (energización, inhibición, ajuste, seguimiento, control y
realización de tareas) mejoraron. En lugar de reproducir o repetir
movimientos, los bailarines los crearon. El instructor propuso un tema, como
una palabra, una acción, una idea, un objeto, un poco de música o un lugar y
les dio a los participantes herramientas de baile. Los individuos exploraron el
tema; luego las parejas trabajaron juntas. Cada grupo presentó el trabajo
desarrollado.64
 El impacto del baile en las poblaciones que envejecen también es relevante para
el impacto del baile en los grupos más jóvenes. La evidencia muestra que la
danza moldea los circuitos cerebrales y mejora la cognición. De hecho, bailar
como experiencia neurocognitiva activa múltiples funciones cognitivas como la
percepción, la emoción, la función ejecutiva (toma de decisiones), la memoria y
las habilidades motoras. De este modo, se activa una gran variedad de redes
cerebrales.

LENGUAS VERBALES Y NO VERBALES (DANZA) DE

PENSAMIENTO

La danza encarna un dominio cognitivo del lenguaje. EnLos lenguajes del

cerebroLos investigadores argumentan que existen múltiples "lenguajes
del pensamiento" posibles que desempeñan diferentes roles en la vida de
la mente pero, sin embargo, trabajan juntos.sesenta y cincoLa antropóloga
Margaret Clegg clasificaría la danza como un lenguaje: “el habla se refiere
al medio oral/auditivo que usamos para transmitir los sonidos asociados
con los lenguajes humanos. El lenguaje, por otro lado, es el método de
transmitir conceptos e ideas complejos con o sin recurso al sonido.

De hecho, el movimiento es 'la lengua materna'”66en preceder al sonido y

otros lenguajes simbólicos. Una persona orienta el lenguaje hacia otra(s)
persona(s) en la vida social. El lenguaje puede ser una forma de agencia
destinada a producir apoyo o protesta. El modelado metafórico del
desempeño de la vida social es otro uso del lenguaje.
El ballet tiene una gramática de movimiento codificada con siglos de
antigüedad, un léxico clásico y atributos de armonía y equilibrio. En la década
de 1930, Martha Graham, reconocida bailarina moderna del siglo XX, había
descrito la danza como una expresión emocional. Más tarde, en la década de
1980, se sintonizó con la expansión del conocimiento. En consecuencia,
actualizó sus puntos de vista y describió la danza como un lenguaje, similar a
la poesía. Reconoció que más allá de la exteriorización física del sentimiento
interior, la danza es también una actividad cognitiva capaz de transmitir
imágenes informativas con metáforas y abstracciones.67
La coreógrafa Merce Cunningham creó danzas abstractas que fueron
paralelas a escritores del siglo XX como Gertrude Stein, James Joyce y
TS Eliot, quienes desafiaron las formas lineales y figurativas
anteriores de escribir poesía y prosa.
Comparación de idiomas
Semejanzas y diferencias notables aparecen al comparar el lenguaje
verbal con el lenguaje no verbal de la danza. El proceso de hacer una
danza involucra algunos de los mismos componentes en el cerebro para
la conceptualización, la creatividad y la memoria que la poesía verbal o
la prosa, pero no el mismo conocimiento procedimental.68Ambos tipos
de lenguajes se forman a través de la interacción de cuerpo y mente,
contextos culturales, históricos y ambientales, y dinámicas conscientes e
inconscientes.
Para el lenguaje, el área del cerebro de Broca se activa en varias tareas
lingüísticas, entre ellas el procesamiento de sintaxis. Pero además, el área de
Broca es activa en la codificación de movimientos humanos complejos que
implican la ejecución, la imaginación, la imitación y la observación de
movimientos.69
La observación de sombras de manos significativas que se asemejan a animales en
movimiento y agarre y manipulación, que activa el área del lenguaje frontal,
demostró que el área de Broca juega un papel en la interpretación de la acción de los
demás.70Lo más probable es que estos hallazgos se apliquen a otras extremidades y
partes del cuerpo utilizadas en la danza. El área de Broca ensambla y decodifica los
sonidos del habla de la misma manera que interpreta el lenguaje corporal. El área de
Wernicke está asociada con la expresión y comprensión del lenguaje verbal, la
comprensión del significado, las funciones simbólicas y analíticas, el procesamiento
de información secuencial y los patrones de movimiento complejos que también se
encuentran en la danza.
La danza es una forma de movimiento estilizado que, como el
lenguaje verbal, tiene vocabulario (locomoción y gestos en la danza),
gramática o sintaxis (reglas en diferentes idiomas y tradiciones de
danza para unir el vocabulario y, en las tradiciones de danza, justificar
cómo un movimiento puede seguir a otro) y semántica (significado).
El lenguaje verbal une secuencias de palabras, y la danza une
secuencias de movimiento para formar frases y oraciones.
El lenguaje verbal y la danza tienen algunas otras características similares.
Ambos se transmiten culturalmente y contienen ambigüedad. Muchas
características del lenguaje verbal y la danza no tienen previsibilidad
(arbitrariedad). Los signos son en su mayoría neutrales y no están
determinados por la naturaleza de los significados que comunican. Ambos
tienen discreción (separación) y pueden referirse a algo que no
inmediatamente presente (desplazamiento). Cada uno lleva mensajes nunca antes
producidos que pueden ser enviados y entendidos dentro de un conjunto de
principios estructurales (creatividad).
La articulación del lenguaje verbal y la danza muestra un sistema de
acción física y un sistema de significado (dualidad). También hay
expresiones de un estado interno con el potencial de cambiar estados
de ánimo y situaciones (afectividad), y cada una ofrece una amplia gama
en el número de participantes potenciales en los procesos de
comunicación.71Los comunicadores pueden jugar, exhibir o provocar
lenguaje de baile verbal o no verbal. El lenguaje verbal es único entre los
idiomas porque la sintaxis "depende de si las palabras son sustantivos,
verbos, etc., no de sus significados específicos".72Aunque el lenguaje
hablado puede incluir sonidos sin sentido y los movimientos pueden ser
mero movimiento, los oyentes y los espectadores tienden a leer el
significado de lo que oyen y ven. La danza mimética o abstracta se
parece más a la poesía, con sus significados múltiples, simbólicos y
elusivos, que a la prosa. Una diferencia clave es que es más difícil
comunicar estructuras lógicas complejas a través de la danza que con el
lenguaje verbal.
Los canales de comunicación difieren entre la danza y el lenguaje verbal. Los
canales motores, visuales y cinestésicos predominan en la danza, mientras
que los canales vocales, auditivos y algo estáticos visuales predominan en el
lenguaje verbal. El lenguaje verbal existe únicamente en una dimensión
temporal, mientras que la danza involucra lo temporal más tres en el espacio.
Sin embargo, la expresión verbal tiene ritmo, fraseo y fluidez, características
que se encuentran en el movimiento. Los elementos del lenguaje verbal
también tienen raíces en el sistema sensoriomotor.73
La danza compleja no está a un nivel conceptual más bajo que el lenguaje
verbal. En cierto sentido, la danza es el cuerpo en movimiento que "suena".
Los fundamentos de la danza a menudo están por debajo del nivel de
conciencia de un bailarín o un observador. En gran parte del comportamiento
lingüístico, un individuo crea oraciones y responde a ellas sin ser consciente
de cómo lo hace.
Los investigadores estudiaron el aprendizaje implícito de regularidades que
gobiernan secuencias de movimientos de baile discretos y poco familiares.74
Los observadores sin experiencia previa con la danza contemporánea pudieron
aprender las regularidades que sustentan el movimiento humano estructurado.
Vieron veintidós frases gramaticales de baile y luego se les dijo que la
organización de los movimientos seguía un conjunto de reglas, pero no
se les dijo cuáles eran esas reglas. Los participantes se desempeñaron
significativamente por encima del azar al determinar qué frases eran
gramaticales.
Como los hablantes nativos pueden producir nuevas expresiones nunca
antes escuchadas, los coreógrafos y bailarines experimentados pueden crear
y realizar nuevas configuraciones de movimiento y mensajes dentro de un
género específico. Del mismo modo, los espectadores educados entienden
secuencias que nunca antes habían visto. Pueden reconocer tanto lo
innovador como lo familiar.
Curiosamente, el Lincoln Center Arts in Education exploró cómo los
principios de un baile flamenco (cambios de ritmo, velocidad y fraseo,
además de la interacción de reglas e innovación) eran de alguna manera
similares a la entonación, transición, gestos y gestos faciales. expresiones
del lenguaje verbal. Estas similitudes se utilizaron para ayudar a desarrollar
la confianza de los estudiantes que aprenden a hablar inglés como
segundo idioma. La evidencia anecdótica fue positiva.75
El Instituto de China en la ciudad de Nueva York ha introducido clases de danza
china para ayudar a niños y jóvenes a aprender el idioma mandarín. En el salón
de clases, el profesor de baile se mueve y habla con los estudiantes para que
aprendan la cultura y el idioma chino. Involucrar tanto las habilidades no
verbales como las verbales parece mejorar las habilidades de aprendizaje
mentales y físicas de los estudiantes.76
Manuela Macedonia y Thomas Knösche, del Instituto Max Planck de Ciencias
Cognitivas y Cerebrales Humanas, descubrieron que las personas aprenden un
nuevo idioma más fácilmente cuando el vocabulario va acompañado de
movimiento. Los gestos que acompañan al habla mejoran la memoria de la
información verbal en la lengua materna de los hablantes y también en el
aprendizaje de lenguas extranjeras. “El rendimiento de la memoria para palabras
recién aprendidas no está impulsado por el componente motor como tal, sino
por la imagen motora que coincide con una representación subyacente de la
semántica de la palabra”.77
Así podemos identificar similitudes y diferencias en el lenguaje verbal y el lenguaje
no verbal de la danza. Las investigaciones muestran que los observadores de la
danza pueden identificar patrones gramaticales en la danza. Además, el aprendizaje
de la danza ayuda al aprendizaje del lenguaje verbal.
Figura 1.8. Clase de danza/idioma chino El fotógrafo
Kanchalee Reeves. Cortesía de Ling Tang.

Muchos idiomas y dialectos de la danza

Contrariamente a la sabiduría convencional, ahora sabemos que la danza
no es un lenguaje universal. La cultura, el contexto y el conocimiento de un
género de danza afectan el desarrollo y la comprensión del mismo. Los
lenguajes verbales tampoco suelen ser entendidos por personas que no
están familiarizadas con ellos. Tanto “danza” como lenguaje verbal son
términos genéricos. Uno no habla “idioma”, sino que habla inglés, igbo o
alguna otra lengua específica. De manera similar, uno baila, por ejemplo,
ballet o Bharata Natyam. Hay aproximadamente 6.909 lenguas verbales78y
probablemente tantos lenguajes de baile.
Figura 1.9. Bailarina
Fotógrafo Paolo Galli. Cortesía de Kirov Academy of Ballet, DC.

Peter Martins, director del New York City Ballet, cree que el ballet clásico y la
danza moderna son el mismo idioma, pero cada uno es un dialecto diferente.
Identificamos el ballet por sus posiciones básicas codificadas; rotación hacia
afuera de la articulación de la cadera; dedos puntiagudos; se mueve y da pasos
con los pies girados hacia los lados y paralelos entre sí; pierna sostenida
extensiones; y frases distintivas y transiciones. Sin embargo, el idioma
del ballet clásico tiene dialectos franceses, rusos, británicos, italianos,
daneses y estadounidenses (Balanchine; American Ballet Theatre).

La danza moderna parece ser un lenguaje diferente al ballet, aunque

algunos coreógrafos de danza moderna incorporan el ballet y sus bailarines
suelen estudiar la técnica del ballet. La danza moderna tiene sus dialectos,
desde el vocabulario simbólico de Martha Graham hasta la abstracción de
Merce Cunningham. Los bailarines modernos a menudo desarrollan sus
propios puntos de vista y vocabularios de movimiento.
La danza clásica india, con su antiguo sistema elaborado de gestos
codificados y danzas abstractas y narrativas, es un lenguaje
marcadamente diferente del ballet y la danza moderna. Los dialectos
estilísticos son Bharata Natyam, Kuchipudi, Manipuri, Kathakali, Kathak,
Odissi, Mohiniyattm y Sattriya, cada uno de un estado indio diferente.
Texto, poesía y letras de canciones de varios lenguajes verbales
acompañan los bailes.
Figura 1.10. Piso central de niños, ballet
Fotógrafo Paolo Galli. Cortesía de Kirov Academy of Ballet, DC.

En algunas culturas africanas, hay una base lingüística para tocar los tambores.79
El idioma del tambor Ewe of Ghana no imita exactamente las voces
humanas, pero su estrecha asociación con el idioma tonal hablado permite
a quienes están familiarizados con el idioma y la cultura entender y bailar
al ritmo del tambor.
Figura 1.11. Danza Moderna, Cuento “Ruta Escénica”
El fotógrafo Jim Guzel. Cortesía de Ling Tang.

Ya sea que se utilice un lenguaje de danza o un dialecto, existe una

diferencia entre un creador de danza (coreógrafo o improvisador) y un
bailarín (principalmente copiando movimientos coreografiados). Aunque
pueden ser lo mismo, la diferencia es como la de un dramaturgo y un actor
o un escritor creativo y un copista.

Pensando a través del lenguaje

La creencia de que diferentes idiomas pueden impartir diferentes
habilidades cognitivas se remonta a siglos atrás.80Desde la década de 1930, la
hipótesis de que el lenguaje da forma directamente a cómo lo pensamos se
asoció con los lingüistas estadounidenses Edward Sapir y Benjamin Lee Whorf.
Psicólogo Lev Vygotsky81reconoció esto.
 El lenguaje es parte integral de muchos más aspectos del pensamiento de lo que los
científicos se habían percatado anteriormente. Las personas que hablan idiomas que se
basan en direcciones absolutas sobresalen al hacer un seguimiento de dónde están,
incluso en paisajes desconocidos o dentro de edificios desconocidos. Es probable que las
personas que piensan diferente sobre el espacio también piensen diferente sobre el
tiempo. Además, los hablantes de diferentes idiomas también difieren en la forma en
que describen los eventos y, como resultado, qué tan bien pueden recordar quién hizo
qué.
La forma en que pensamos influye en la forma en que hablamos y nos movemos,
pero la influencia también va en sentido contrario. Los estudios han demostrado que
cambiar la forma en que la gente habla cambia su forma de pensar. Enseñar a las
personas nuevas palabras de colores, por ejemplo, cambia su capacidad para
discriminar colores. Y enseñar a las personas una nueva forma de hablar sobre el
tiempo les da una nueva forma de pensar sobre él. “Las palabras pueden. . .
determinan nuestras ideas, porque enfocan nuestra atención en ciertos conceptos a
expensas de otros e invocan suposiciones que quizás nunca se hagan explícitas”.82“El
lenguaje se convierte en parte del pensamiento, así como en una herramienta para
pensar”.83
La danza también influye en nuestra forma de pensar y viceversa. La forma en que
pensamos y bailamos surge del cuerpo, el cerebro y la experiencia en el mundo. Los
conceptos obtienen su significado a través de la encarnación, especialmente a través
de las capacidades perceptivas y motoras. Los conceptos incorporados directamente
incluyen conceptos de nivel básico como las relaciones espaciales, la acción del
cuerpo, la estructura general de acciones y eventos y el color.84
John Dewey reconoció que una forma de arte puede transmitir cierta
información mejor que otros idiomas.85Muchos en el mundo de la danza están
de acuerdo. En un programa de Paul Taylor Dance Company de 2008 en el
New York City Center, Taylor dijo: “Hago bailes en un esfuerzo por
comunicarme con la gente. Un medio visual puede ser más efectivo que las
palabras. Hago bailes porque no siempre confío en mis propias palabras o, en
realidad, en las de muchos otros que he conocido”.
Numerosos estudios han demostrado que la danza es un poderoso medio de
comunicación, a menudo aprovechado por líderes políticos para promover la
adhesión a una ideología y estructura de poder. Los bailarines también
cuestionan e interrumpen el statu quo a través de la danza.86Además,
científicos de todo el mundo compiten en el concurso de la Asociación
Estadounidense para el Avance de la Ciencia, "Dance Your Ph.D". Ellos crean
videos de danza basados en sus investigaciones en física, química, biología y
ciencias sociales, expresando con el cuerpo humano todo tipo de
descubrimientos científicos complejos.

Multilingüismo en Danza
Durante el siglo XX se pensaba que un niño que aprendiera un segundo
lenguaje verbal interferiría con su desarrollo intelectual. Así, también, se
pensaba que los bailarines de ballet que aprendían otros lenguajes de
danza les impedirían alcanzar la excelencia en el ballet. Sin embargo, la
ciencia puso patas arriba estas creencias. Además, las compañías de ballet
de hoy en día han incorporado coreografías basadas en muchos estilos de
danza y requieren que sus bailarines sean versátiles.
En el bilingüismo, tanto los sistemas lingüísticos verbales como los no
verbales están activos y compiten incluso cuando se utiliza un solo idioma.
Esto obliga al cerebro a resolver conflictos internos y mejorar la función
ejecutiva del cerebro (capacidad para regular y gestionar otros procesos
cognitivos, comomemoria de trabajo , razonamiento verbal, inhibición,
flexibilidad mental, alternancia de tareas e iniciación y seguimiento de
acciones).87Cada vez que una persona bilingüe habla o escucha en un idioma
específico, la persona debe enfocarse en su sistema y dejar de lado el sistema
del otro idioma. Los bilingües adquieren una conciencia metalingüística de las
propiedades estructurales del lenguaje. Además, es probable que el
conocimiento y las habilidades de los niños se transfieran entre idiomas, y
cada uno se nutre del otro.88El bilingüismo requiere realizar un seguimiento
de los cambios a su alrededor, saber cuándo cambiar de idioma.89
El aprendizaje de un segundo idioma verbal conduce a cambios en el cerebro: la
densidad de la materia gris en la corteza parietal inferior izquierda es mayor en los
cerebros bilingües que en los monolingües. Los jóvenes que crecen multilingües tienen
una tasa más alta de plasticidad cerebral y “realizan múltiples tareas” más fácilmente que
los monolingües. Como investigador de la atención, Blake Martin dice: “En realidad,
hacemos una tarea en serie. . . una tarea 'cuece a fuego lento' en un segundo plano
mientras que otra 'hierve' en el frente”,90por lo que los multilingües parecen realizar
tareas en serie más rápidamente. Además, aprender y conocer un segundo o tercer
idioma puede usar partes del cerebro que no se pueden usar si se conoce solo la lengua
materna.91
Un estudio de bilingües español-inglés, francés-inglés y chino-inglés
demuestra la generalidad de la ventaja bilingüe en
funcionamiento ejecutivo. Los niños bilingües eran más capaces que los
monolingües de cambiar de tarea con precisión.92Los bilingües tienen
ventajas como la flexibilidad mental, una visión del mundo ampliada y una
mayor conciencia sensorial. El multilingüismo puede influir en procesos
cognitivos específicos que conducen a un aumento de los esfuerzos creativos,
una continuación de la cognición humana. El conocimiento de dos o más
idiomas permite la comparación de cómo cada idioma organiza la realidad y la
fantasía.93
Las personas mayores bilingües disfrutan de una mejor memoria en comparación con
las personas mayores monolingües, lo que puede generar beneficios para la salud en el
mundo real. Retrasando la aparición de la enfermedad de Alzheimer, el bilingüismo es
una forma de reserva cognitiva94debido a las ventajas bilingües en la atención y las
funciones ejecutivas.95
Los hallazgos sobre el aprendizaje de un segundo o tercer lenguaje verbal parecen
aplicables al aprendizaje de un segundo o tercer lenguaje de danza. Los adultos
tienen más dificultades para aprender un idioma extranjero porque su experiencia
de inmersión de por vida en su idioma nativo le enseña al cerebro a actuar dentro de
un marco determinado.96Del mismo modo, los bailarines adultos que solo tienen
formación en ballet clásico a menudo tienen dificultades para captar los
movimientos contemporáneos que han entrado en el repertorio de la compañía de
ballet clásico.

SENTIMIENTO Y EMOCIÓN

La neurociencia afectiva nos dice que, de manera espontánea y continua cada

vez que uno está despierto, los sentimientos primordiales se originan en el
tronco cerebral. Sentir, o afectar, es nuestra respuesta fisiológica a
experimentar un fuerte estímulo positivo o negativo al sentir el medio interno
del cuerpo. Además, el sentimiento es “los puestos de espionaje del cuerpo” —
las mucosas del olfato y el gusto, los elementos táctiles de la piel, los oídos y
los ojos— antes de que registremos su ocurrencia.97
La emoción, una evaluación cognitiva de los sentimientos, se aprende a través
de experiencias pasadas y se pondera para reflejar las elecciones actuales. La
evaluación nos dice qué tan significativo es algo mientras la atención se enfoca
en lo importante y se aleja de lo sin importancia.98La cognición nos dice lo que
hay que hacer y nos da posibles formas de hacerlo. Las habilidades motrices nos
dan la capacidad de actuar.
 Un habilitador de efectos biológicos en varias vías en el cerebro, una emoción
en la memoria de trabajo puede, con la repetición, pasar a la memoria a largo
plazo. Conectada a las áreas sensoriales del cerebro, aquellas involucradas en la
visión, el olfato, el tacto, el dolor, el procesamiento del miedo y la audición, la
amígdala trabaja con el sistema límbico en el procesamiento de las emociones y
el almacenamiento de recuerdos emocionales. En una pequeña parte de la
corteza entre los lóbulos parietal y temporal, a saber, la corteza insular anterior,
se representan y evalúan nuestros sentimientos.
Fundamentales para aprender a bailar y bailar para aprender, facilitando la
interacción social e influyendo en el comportamiento racional, las emociones nos
ayudan a escapar del peligro y acercarnos al placer. La emoción positiva se entrelaza
con el sistema de recompensa y placer del cerebro. La dopamina nos permite no solo
ver las recompensas, responder a los estímulos que predicen las recompensas, sino,
lo que es más importante, tomar medidas para avanzar hacia ellas. También
asociada con una mejor memoria de trabajo, la dopamina es esencial para el
aprendizaje.99Los niveles más altos de dopamina están asociados con una mayor
plasticidad sináptica en la corteza prefrontal.100
La neuroestética emocional intenta identificar los procesos cerebrales que
subyacen a la experiencia estética. Se refiere a nuestras respuestas
perceptivas, interpretativas, emocionales y empáticas a la danza. Aquí la
emoción puede ser compartida, dinamismo entre bailarines y entre ellos y
entre bailarines y músicos, y bailarines y espectadores, una sensación de
vitalidad, intensidad, presencia y carisma. La cara, incluso cuando no se
mueve, es importante en la expresión y recepción de la emoción, mientras
que las manos y el cuerpo en movimiento señalan cómo una persona está
lidiando con la emoción.
La traducción de sentimiento a emoción a menudo se identifica a través del tempo,
el tamaño y el esfuerzo del movimiento, el contenido, el vestuario y la música en la
danza. Un bailarín no solo puede expresar sentimientos y emociones, sino que el
baile a menudo tiene poder sobre los del bailarín y el espectador. Por supuesto, los
bailarines pueden expresar o experimentar sentimientos que aún no son del todo
conscientes o que no se pueden expresar con palabras. Además, un lenguaje verbal
puede no tener traducción para algún afecto.
Figura 1.12. Flamenco
Fotógrafo Lonnie D. Tague.

En algunos experimentos, parámetros muy relevantes para la percepción de la

belleza fueron la amplitud del movimiento, la velocidad de giro y el tiempo de
mantenimiento del equilibrio.101Las áreas del cerebro visual y sensoriomotor
estaban más activas al ver movimientos que recibieron calificaciones promedio
altas que movimientos que recibieron calificaciones promedio bajas.102Aprender
físicamente movimientos particulares conduce a un mayor disfrute al
observarlos.103La respuesta del cerebro a la evaluación estética puede ayudar a
explicar por qué la danza es tan apreciada en tantas culturas humanas.

Se ha pensado que la emoción altera la función cognitiva. Se consideraba

que la danza era simplemente una expresión emocional y una actividad
física, una diversión, ciertamente no una máquina de pensar. De ahí el bajo
estatus de la danza en la vida humana occidental. Sin embargo,
Los neurocientíficos también brindan apoyo para la danza como algo cognitivo.
Sin embargo, dicen que sentimos primero y luego pensamos. “Si bien el control
consciente sobre las emociones es débil, las emociones pueden inundar la
conciencia”. El cerebro está conectado de tal manera que "las conexiones de los
sistemas emocionales a los sistemas cognitivos son más fuertes que las
conexiones de los sistemas cognitivos a los sistemas emocionales", nos informa
el neurocientífico Joseph LeDoux.104Historiadora de la ciencia, Ruth Leys105señala
que un mensaje recibido conscientemente puede ser anulado por el afecto
inconsciente que resuena con la fuente del mensaje.
“Cuando la emoción positiva nos energiza, somos más capaces de
concentrarnos, de descifrar las redes sociales. . . ampliar nuestro pensamiento
para que podamos integrar creativamente información diversa, y mantener
nuestro interés en una tarea para que podamos perseverar. . . . Un sentimiento
impregna prácticamente todo lo que hacemos. . . Prácticamente todas las
regiones del cerebro juegan un papel o se ven afectadas por las emociones,
incluso las cortezas visual y auditiva”, afirma el neurocientífico Richard Davidson.
106Aquí nuevamente vemos esa comunicación multidireccional entre la mente y el

cuerpo.

Estrés
Las emociones intensas afectan el aprendizaje, incluido el baile para
aprender a bailar y otras materias. Si está ansioso por algo, es difícil
concentrarse y la memoria se ve afectada. Historiador social de la medicina
Edward Shorter107afirma que del 10 al 20 por ciento de la población
estadounidense está estresada, aunque casi todos se quejan de estrés en
algún momento de sus vidas.
El estrés se produce cuando las personas tienen que hacer frente a demandas
que les obligan a funcionar por encima o por debajo de su nivel habitual de
actividad. La amígdala, a través de la glándula pituitaria, estimula el hipotálamo
para enviar un mensaje a las glándulas suprarrenales que liberan hormonas del
estrés. Estos activan la respuesta de lucha o huida, aumentando la producción de
las hormonas inflamatorias adrenalina (epinefrina) y cortisol, que trabajan juntas
para acelerar el ritmo cardíaco, aumentar el metabolismo y la presión arterial,
desviar la sangre de los órganos a los músculos, reducir sensibilidad al dolor y
mejorar la atención, todo beneficioso para la supervivencia. La respuesta de
lucha o huida no requiere una emergencia.
Las preocupaciones y presiones cotidianas, la anticipación de una situación
amenazante o una excitación extraordinaria pueden desencadenar la respuesta.108
Una vez que el cuerpo se ha movilizado para la reacción de alarma y se ha
enfrentado la situación estresante, comienza la segunda fase de la respuesta
al estrés. La corteza suprarrenal produce hormonas antiinflamatorias que
limitan el grado de inflamación contra los factores estresantes y devuelven el
cuerpo a la normalidad. .
Sin embargo, el estrés constante, la angustia crónica, impide que el cuerpo
vuelva a la normalidad. Los niveles altos de adrenalina y cortisol que persisten
pueden causar desequilibrios de azúcar en la sangre, problemas de presión
arterial y una reducción del tejido muscular, la densidad ósea y la inmunidad.
El estrés puede cambiar la estructura física y la función del cerebro, afectando
el cableado y, por lo tanto, el rendimiento. La formación de nuevas conexiones
neuronales en el hipocampo, responsables de codificar nuevos recuerdos, se
bloquea. Este bloqueo dificulta la flexibilidad mental necesaria para encontrar
soluciones alternativas y hace que la persona se sienta desmotivada y
mentalmente agotada. El estrés a corto y largo plazo, incluso unas pocas
horas, puede reducir las conexiones celulares en el hipocampo, encogiéndolo.
109

La danza es un medio que los humanos han tenido durante mucho tiempo
como un arma clave en su arsenal para resistir, reducir o escapar temporalmente
del estrés. Las conexiones de las bailarinas se desarrollan en los escenarios del
teatro, en la carrera de danza profesional, en la danza amateur y mediante
intervenciones terapéuticas.

Recuerdo/Reconsolidación de la emoción
Los recuerdos conscientes de la emoción sondeclarativoo recuerdos
explícitos. Los recuerdos implícitos no están en la conciencia, sino que entran
en la memoria durante las experiencias emocionales. Este conocimiento
puede serprocesalen el sentido de saber actuar. Con recuerdos implícitos
sobre situaciones peligrosas u otras situaciones amenazantes, puede haber
condicionamiento del miedo. Por ejemplo, una vez que se ha producido el
aprendizaje de tocar una estufa caliente, no es necesario que el estímulo sea
percibido conscientemente para provocar la respuesta emocional
condicionada (es como lo que coloquialmente se denomina “memoria
muscular”). Los sistemas de memoria emocional explícitos e implícitos suelen
funcionar al mismo tiempo.
 La mayoría de los neurocientíficos habían pensado que los recuerdos implícitos, las
reacciones de evitación y los esquemas rígidos estaban bloqueados
permanentemente en las vías sinápticas del cerebro. Sin embargo, investigaciones
cerebrales recientes muestran que, bajo ciertas condiciones y dentro de un breve
período de tiempo, estas vías neuronales pueden desbloquearse e incluso borrarse y
sustituirse por un nuevo aprendizaje. En este proceso de reconsolidación, las
sinapsis consolidadas se convierten físicamente en una condición plástica
desconsolidada similar a la de las sinapsis antes de la consolidación inicial para
permitir nuevos conocimientos. El borrado químico de un miedo aprendido no
perjudicó la memoria autobiográfica explícita.110Los psicoterapeutas han logrado
avances con los clientes utilizando nuevos enfoques basados en esta investigación
de reconsolidación. Las neuronas asociadas con el miedo pueden ser suplantadas
por nuevas neuronas que expresan placer.
El uso de la capacidad narrativa de la danza es uno de los métodos
experienciales para liberar a una persona de malos pensamientos y
comportamiento. En la danza, las personas pueden relatar situaciones
estresantes, sostenerlas para reevaluarlas y crear versiones de las historias de
manera placentera. La danza tiene el potencial de reactivar el aprendizaje
emocional que subyace a los patrones negativos de la persona. El líder/
profesor/terapeuta de danza encuentra un conocimiento o experiencia
vívidamente contradictoria para refutar y disolver el aprendizaje pasado y
luego combinar los dos en una experiencia de yuxtaposición de nuevo
aprendizaje. La repetición sirve como nuevo aprendizaje que reescribe el
aprendizaje negativo.

La motivación y el placer de bailar

Como fuente importante de motivación humana, la emoción es el timón que
dirige el pensamiento de los alumnos. La emoción restringe o inspira a las
personas a medida que crean bailes y se relacionan entre sí. Entusiasmarse
(eustrés, estrés bueno) sobre el proceso y los resultados del aprendizaje y la
creatividad conduce al éxito. Un alumno emocionado siente una oleada de
energía cuando las glándulas sintetizan hormonas y las inyectan en el torrente
sanguíneo. Pequeñas cantidades de adrenalina (epinefrina) o cortisol, en
combinación con dopamina, brindan un subidón placentero.
La emoción ayuda a los alumnos a recordar información y recuerdos que son
relevantes para el tema o en cuestión.111De esta forma, la cognición y la
emoción en el cerebro son “dos caras de la misma moneda”. hay un cierre
relación entremovimiento(movimiento corporal) yemoción (sentimientos). A medida
que nos movemos, movemos a otros; al observar el movimiento de los demás, nos
conmueve. Si bien los sistemas neuronales para el "reflejo" no cuentan toda la
historia del sistema neurológico para el aprendizaje social, la investigación actual
sugiere que brindan un importante mecanismo de bajo nivel sobre el cual se puede
construir el aprendizaje cultural y social.112Cada área del cerebro que procesa la
información social puede estar activa con el movimiento y las emociones en la danza.

La dopamina química del cerebro, el neurotransmisor que lo dirige hacia el

placer y los comportamientos biológicamente gratificantes,113da la sensación de
euforia, como un subidón inducido por drogas. Los movimientos de baile pueden
aumentar la transmisión de dopamina y aumentar los niveles de calcio en la
sangre que mejoran la síntesis de dopamina cuando llega al cerebro. La
dopamina generalmente apoya la función cognitiva, especialmente la toma de
decisiones, la impulsividad y la memoria de trabajo. Es más probable que las
personas recuerden el contenido en el que han realizado una inversión
emocional placentera.
La serotonina también es un neurotransmisor que apoya la producción de nuevas
células cerebrales y la sensación de sentirse bien. La norepinefrina (también conocida
como noradrenalina) es una sustancia química que actúa como una hormona dentro del
cuerpo y actúa como un neurotransmisor dentro del cerebro. Las neuronas
noradrenérgicas pueden estar activas mientras aprenden nuevas tareas.114
La norepinefrina afecta muchas áreas del cerebro, como la amígdala,
que puede influir hacia dónde dirigimos la atención, potenciada por el
riesgo, la emoción y la capacidad de respuesta a estímulos ambientales
inesperados, como un espectáculo de danza.
Los sentimientos positivos, las emociones y el baile extenuante liberan endorfinas.
Estos se encuentran entre los neurotransmisores químicos del cerebro que
funcionan para transmitir señales eléctricas dentro del sistema nervioso para
producir una sensación de euforia. Liberadas por el hipotálamo y modulando la
glándula pituitaria, las endorfinas pueden bloquear los estímulos dolorosos.
El contacto interpersonal, la asociación o el tomarse de la mano en grupo
durante el baile liberan la hormona oxitocina. Crea una sensación de
calidez, seguridad, confianza y vínculo social. Científico de laboratorio
médico James V. Kohl113explicó que la sensación táctil que sentimos cuando
alguien nos toca durante el baile, o lo que sentimos (sensación emocional)
cuando vemos bailar a otros, o imaginamos durante un
El "momento conmovedor" es neurofisiológicamente posible solo a través del
condicionamiento por la entrada olfativa / feromonal.
En un estudio de las respuestas emocionales y neurohormonales al
bailar tango argentino, bailar música en pareja resultó más
placentero que bailar solo o en silencio.116El baile en pareja de forma
libre también es más agradable que bailar solo.117
también el tango118y bailes de salsa119se ha demostrado que disminuye la
depresión. Sin embargo, los efectos positivos del baile se extienden más allá
del ámbito del placer, como se informó anteriormente: el baile de salón
regular con una pareja frena la disminución de las habilidades cognitivas,
perceptivas y motoras en las personas mayores.120
El placer es parte integral de la respuesta estética a la danza. ¿Cómo
contempla y aprecia el cerebro la danza? Un metanálisis de noventa y tres
estudios de evaluación estética con neuroimágenes en cuatro modalidades
sensoriales encontró activación principalmente en la ínsula anterior
derecha, un área típicamente asociada con la percepción visceral y el
procesamiento multisensorial y emocional. La corteza orbitofrontal, un
área clave para la integración multisensorial y las evaluaciones subjetivas
del placer, está recíprocamente conectada con la ínsula.121
Las áreas del cerebro que median las respuestas estéticas a las obras de
arte se superponen a las que median la valoración de los objetos de
importancia evolutiva, como el atractivo de los alimentos o el atractivo de
las parejas potenciales. La experiencia estética visual se caracteriza por la
activación de áreas sensoriomotoras, así como centros emocionales
centrales y centros relacionados con la recompensa.122

BIS
En este capítulo analicé cómo el cerebro milagroso coreografía la
danza, el baile, la observación y el aprendizaje en innumerables
dominios. Por supuesto, el cerebro interactúa e interpenetra con el
cuerpo y el entorno del bailarín.
Una conceptualización transcultural de la danza nos permite saber en qué está
nuestro sujeto.Bailar para aprender. La danza ha crecido a través de un proceso
evolutivo que comenzó con la aparición de los humanos modernos, según el
registro arqueológico. La evolución muestra que el desarrollo humano ha sido
influenciado por el movimiento, incluida la danza. ¿Por qué? La atención al
movimiento es fundamental para la supervivencia para hacer frente a
comer o ser comido, la vinculación social y dar forma y agudizar el cuerpo y
el cerebro.
La danza es una forma compleja de movimiento comunicativo con un
procesamiento ampliamente distribuido en el cerebro diferenciado
internamente, contrariamente a las suposiciones anteriores sobre la danza.
Algunas regiones del cerebro que afectan la danza tienen más de una función.
Influida por el cerebro, la danza influye en él generando nuevas asociaciones,
influyendo en la cognición social y sensorial, conectando con otros lenguajes e
incluso generando nuevas células. La cultura hace su aporte a la danza y
viceversa.
Debido a que la masa esponjosa que es el cerebro humano cataliza la actividad
humana influenciada por un cuerpo que baila, es relevante un bosquejo de la
arquitectura del cerebro y su papel en la danza. El cerebro tiene la clave de
quiénes somos y cómo bailamos y observamos la danza. Increíbles acciones
eléctricas y químicas dinámicas ocurren en el cerebro para un simple paso de
baile y mucho menos para un baile sofisticado para continuar.
Las señales eléctricas zumban entre las neuronas y caen en cascada a través
del cerebro, y las neuronas liberan mensajeros químicos en muchas sinapsis.
Los transmisores químicos se mueven a través de la hendidura sináptica y los
pulsos eléctricos bajan por la propia neurona. En la sinapsis entre neuronas, el
aprendizaje se produce cambiando las sinapsis de manera que también se
altera la influencia de una neurona sobre otra.
Los científicos del cerebro han anulado la creencia tradicional de que al nacer
tenemos un número fijo de células cerebrales que disminuyen o desaparecen con la
edad. Hemos aprendido sobre la neuroplasticidad, la capacidad del cerebro a lo
largo de toda la vida para desarrollar nuevas neuronas y cambiar su estructura y
patrones de actividad y reconfigurarse en respuesta a la estimulación de cómo
bailamos y las señales sensoriales que llegan a la corteza de nuestro cerebro.

Bailar nutre el cerebro al catalizar cambios biológicos en él, es decir, generar

nuevas células cerebrales. Estas neuronas mejoran la cognición si se unen a
las redes neuronales existentes. Bailar para aprender a bailar y otros temas
puede ayudar al cerebro a resistir el encogimiento físico y unir nuevas células
a las redes neuronales existentes en lugar de moverse sin rumbo fijo en el
cerebro por un tiempo antes de morir. Bailar aumenta el flujo de sangre a las
células que requieren oxígeno y glucosa y desencadena la
factor neurotrópico químico derivado del cerebro que promueve el crecimiento de las
neuronas.
No solo física y emocionalmente, la danza multisensorial es una forma de cognición
encarnada. Nuestros sentidos son el primer filtro de información enviada al cerebro.
La percepción se refiere a nuestra conciencia de esta información. Dado que la mitad
de la información sensorial que llega al cerebro es visual, a través del aprendizaje de
la danza por observación, los estudiantes adquieren competencia en la lectura de
todo tipo de comunicación no verbal. El descubrimiento de las neuronas espejo en la
corteza premotora identificó áreas similares de activación cerebral en el ejecutante
de un movimiento y también en el observador de ese movimiento. Sin embargo, el
repertorio motor de una persona es relevante en la fuerza de activación de las
neuronas espejo. El fenómeno de la neurona espejo cataliza la empatía. Los estudios,
por ejemplo, sobre el tango, el envejecimiento de la población y los bailes de salón
ilustran el procesamiento de la información cerebro-cuerpo en la danza y sus
ventajas.
Al dar a luz a la mente, el cerebro alberga circuitos de neuronas
distribuidas en grandes redes que componen representaciones
momentáneas de cosas situadas fuera del cerebro. La conciencia, un
estado mental centrado en el yo como protagonista, es un producto del
cerebro que se ocupa del procesamiento de la información y el manejo de
las emociones y las ideas. La mente, que refleja e influye en la cultura, se
desarrolla principalmente en la corteza cerebral, aunque la base de la
mente es el cuerpo, el instrumento del bailarín.
Lo más importante para comprender el potencial de aprendizaje de la
danza es el hecho de que la danza encarna el dominio cognitivo del
lenguaje, un método para comunicar conceptos e ideas complejos con o
sin sonido. La danza es un lenguaje no verbal que utiliza algunos
componentes del cerebro que utiliza el lenguaje verbal para la
conceptualización, la creatividad y la memoria. Tanto la danza no verbal
como el lenguaje verbal tienen vocabulario, gramática o sintaxis y
semántica. Así como la mayoría de las personas no pueden articular la
gramática verbal, es posible que las reglas de baile no se verbalicen sino
que se transmitan visualmente de maestro a alumno.
Como no existe un lenguaje verbal universal, existen múltiples lenguajes de
danza. Los idiomas juegan un papel causal en la configuración de la cognición; la
comunicación de las personas afecta su forma de pensar. La danza y los
lenguajes verbales comparten otras similitudes, pero por supuesto estas
Los lenguajes difieren en tipos de representación, canales de
comunicación y conocimiento procedimental.
La emoción también se encarna en la danza. La investigación ha cuestionado la suposición de
que la danza es principalmente un sentimiento que interrumpe la función cognitiva. Pero el
sentimiento y la cognición están entrelazados. La emoción es una evaluación mental de los
sentimientos, mientras que los sentimientos son en su mayoría percepciones de lo que están
haciendo nuestros cuerpos. Sin embargo, primero sentimos y después pensamos.
El estrés, que provoca emociones fuertes, puede afectar negativamente la
atención, la memoria y otras funciones cognitivas. La danza ha sido un
mecanismo de supervivencia a lo largo de la historia y en todo el espacio
geográfico, aunque a veces la danza puede causar angustia (consulte el
capítulo 4). El estrés moderado (eustrés) puede ser beneficioso.
Entusiasmarse por aprender, crear y realizar danza conduce al éxito.
El advenimiento de nuevas herramientas de investigación ha llevado al
descubrimiento de que la danza es una actividad poderosa y sofisticada
que antes se consideraba simple y sin importancia. La danza no solo es una
forma venerable de aprender, conocer y expresar, sino que, como ejercicio,
ayuda a generar nuevas células cerebrales que contribuyen al fenómeno
continuo de la danza y otros tipos de aprendizaje, conocimiento y
expresión. La neurociencia ha revelado que el cerebro es el hacedor de
danza y el bailarín modificado por la retroalimentación de la actuación del
bailarín.

NOTAS
1. Hanna 1987/1979 elabora la conceptualización y los usos relacionados de la palabradanza.
2. Ver Hanna 2003 sobre la variedad de la estética de la danza.
3. Greene 1995; Ana 2006.
4. Chiao et al. 2013.
5. Lende & Downey 2012, 49.
6. Véase Stockman 1985.
7. Lieberman y Bramble 2004; Hojas-Johnstone 2011; Raichlen y Polk 2013.
8. Blake Martin, comunicación personal, 2 de marzo de 2014.
9. Kantomaa et al. 2012.
10. Cotman y Berchtold 2002.
11. Francisco 1991.
12. Immordino-Yang & Fischer 2009.
13. Rose y Abi-Rached 2013, pág. 9.
14. Ramachandran 2011.
15. Comunicación personal, 14 de febrero de 2014.
16. Olsson et al. 2008; Jones & Viamontes 2010.
 17. Ramachandran 2011, 301.
18. Kandel 2012, 232.
19. Sousa 2011, 22.
20. LeDoux 2002, ix.
21. Ratey 2008.
22. Singh et al. 2012.
23. D. Brooks 2012.
24. Hay varios relatos de la cognición incorporada, por ejemplo, Shapiro 2011; Cobarde
2014.
25. Gibbs 2006.
26. Blasing et al. 2012.
27. Cueros 1986, 42.
28. Knott 2012.
29. Martín, comunicación personal, marzo de 2012.
30. Schulkin 2012.
31. Calvo-Merino et al. 2008.
32. Foster y Defenbaugh 2014.
33. Kandel 2012, 233, 219.
34. Pescador y Whitney 2014.
35. Kandel 2012, 412.
36. Vicary et al. 2014.
37. Rizzolatti y Destro 2008; Calvo-Merino et al. 2005, 2006; Grove, Stevens y McKechnie
2005.
38. Cruz, Hamilton y Grafton 2006; Grafton & Cross 2008.
39.Pilgramm et al. 2010 .
40. Cruz 2010; Cruz et al. 2006; Calvo-Merino et al. 2010.
41. Henley 2013.
42. Jola et al. 2012.
43. Ramachandran 2011, 121.
44. Ramachandran 2011, 260.
45. Iacoboni 2009.
46. Damasio 2010, 18.
47. Damasio 2010, 70.
48. Damasio 2010, 271.
49. Damasio 2010, 8.
50 Blake Martin, comunicación personal, marzo de 2014.
51. Dehaene & Changeux 2011.
52. Rose y Abi-Rached 2013, 219.
53. Bor 2012, xiv.
54. Demacrado 2008.
55. Kandel 2012, 307; Snigdha et. Alabama. 2014. La formación de la memoria ocurre en una fase
inicial de adquisición, una fase lábil intermedia y luego un proceso de consolidación que conduce a la
memoria a largo plazo.
56. Damasio 2010, 132–33.
57. Cruz-Garza et al. 2014
58. Blasing et al. 2009, 350.
59. Blasing et al. 2009.
60. Marrón y Parsons 2008.
 61. Kattenstroth et al. 2010, 213.
62. Wachowicz, Stevens y Byron 2011.
63. Jola, Davis y Haggard 2011.
64. Coubard et al. 2011.
65. Galaburda, Kosslyn y Christen 2002, 1, 200.
66. Clegg 2004, 8.
67. Graham 1985.
68. Cruz et al. 2006.
69. Clerget et al. 2009.
70. Fadiga et al. 2006.
71. Hockett y Ascher 1964.
72. Galaburda, Kosslyn y Christen 2002, 10.
73. Knott 2012.
74. Opacic et al. 2009.
75. Tumani 2005.
76. Ling Tang, comunicación personal, 18 de enero de 2014.
77. Macedonia y Knösche 2011.
78.etnólogo 2009, SIL Internacional.
79. Locke y Agbeli 1980.
80. Boroditsky 2011.
81. Vygotsky 1962.
82. Bialystok 2001, 121.
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84. Lakoff y Johnson 1999, 497.
85. Dewey 1934, 106.
86. Jackson y Shapiro-Phim 2008; Hanna 1986, 1987, 2006, 2008, 2012.
87. Bialystok 2001, 248. Ver Asbury & Rich 2008 sobre la atención sostenida aprendida en la
educación artística.
88. Cummins 2003, 63.
89. Bialystok y Martín 2004; Bialystok y Crago 2007; Marian & Shook 2012.
90. Blake Martin, comunicación personal, marzo de 2014.
91. Mechelli et al. 2004.
92. Barac y Bialystok 2012.
93. Kharkhurin 2012.
94. Marian y Shook 2012.
95. Alladi et al. 2013.
96. Jean-Marc Dewaele, comunicación personal, 8 de mayo de 2008; Dewaele et al. 2003.
97. Damasio 2010, 303.
98. Damasio 2010, 110.
99. Floresco 2013.
100. Sheynikhovich, Otani y Arleo 2013.
101. Torrents et al. 2013.
102. Calvo-Merino et al. 2008.
103. Kirsch, Drommelschmidt y Cross 2013.
104. LeDoux 1998, 19.
105. Leyes 2011.
106. Davidson 2012, 89.
107. Más corto 2013.
 108. Ver Hanna 2006 sobre la respuesta al estrés y la danza a través de la historia y el
espacio.
109. Van der Kolk 2006, 11. La identificación del circuito cerebral y su plasticidad que vincula las
emociones y los recuerdos es la base neurológica para manipular el contexto emocional de los
recuerdos perturbadores. La memoria en el hipocampo y el valor emocional de un recuerdo en la
amígdala juegan un papel clave en cambiar la valencia de la memoria de negativa a positiva.
Kohara et al. 2014.
110. Ecker, Ticic y Hulley 2012, 2.
111. Immordino-Yang y Damasio 2007.
112. Foolen et al. 2012.
113. Blum et al. 2012.
114. Kohl 2012.
115.Quiroga, Murcia, Bongard y Kreutz 2009 .
116.Sevdalis y Keller 2011 .
117. Pinniger et al. 2013.
118. Dirks 2007.
119.Kattenstroth et al. 2010 .
120. Brown et al. 2011.
121. Dio y Gallese 2009; ver también Cross & Ticini 2012; Calvo-Merino et al. 2008.
Traducido del inglés al español - www.onlinedoctranslator.com

Capitulo 2

La mentalidad y la cuestión del aprendizaje a través de

Danza

Todos los gestos del bailarín son signos de cosas, y la danza se llama racional, porque significa y manifiesta acertadamente algo más
allá del placer de los sentidos.
— San Agustín (354–430), teólogo romano

EL CEREBRO SOSTIENE LOS LENGUAJES DE LA DANZA

Este capítulo amplía la discusión sobre el cerebro como coreógrafo de danza. Explicaré más a fondo cómo se
comunica la danza, los tipos de conocimiento adquiridos al aprender a bailar y al bailar para aprender, algunos
impactos del aprendizaje de la danza para jóvenes y mayores, y la creatividad. La historia apunta a la danza como
una comunicación cautivadora a través de la fusión del cuerpo, la emoción y la cognición; postura, gesto,
locomoción, quietud, tacto, mirada, expresión facial, apariencia física, olfato, emoción y proximidad a los demás. El
cuerpo danzante da pistas. “Habla” y la gente “escucha”.
Entre los lenguajes que genera el cerebro, la comunicación no verbal constituye una característica central del desarrollo
humano.1Los humanos aprenden primero a través del movimiento, y la percepción de la danza facilita el aprendizaje y el
recuerdo continuos. Además, los humanos son los únicos entre las especies que tienen experiencias artísticas sin una
recompensa evolutiva obvia. Pero el pensamiento ficticio a través de la danza involucra módulos cerebrales de "juego"
innatos que nos permiten considerar situaciones hipotéticas para que podamos adquirir habilidades y formar planes antes
de las dificultades.2
La danza es un sistema autónomo de comunicación que no se basa en el lenguaje hablado ni está dictado por los
estándares de la forma del habla que es lineal y no espacial. Por lo tanto, la danza tiene el potencial de ofrecer una visión
diferente de la mente del artista y transmitir contenido que no se transmite fácilmente en el lenguaje verbal.

POTENTE COMUNICACIÓN DE MANO

El dominio humano sobre la naturaleza requirió el desarrollo de la mano, así como la coordinación ojo-mano, el
bipedalismo y la expansión de la corteza parietal posterior. La mano es simplemente una de las partes
comunicativas del cuerpo del bailarín. La evidencia de la potencia de la mano en la comunicación no verbal proviene
de la psicóloga Susan Goldin-Meadow y sus colegas. Cuando se produce al lado del habla, el gesto se vuelve imagen
y analogía. Sin embargo, cuando se le pide que lleve toda la carga de la comunicación, el gesto toma una forma
similar al lenguaje verbal usando una estructura a nivel de palabra y oración.
Entre los niños sordos congénitos que tienen padres oyentes y que no están expuestos a un lenguaje de señas
convencional, los gestos llevan la carga principal de la comunicación.3Los jóvenes se refieren a información que se
desplaza espacial y temporalmente de la ubicación del hablante y del oyente. Los gestos que producen los niños
sordos y hablantes transmiten información que a menudo es diferente de la que se encuentra en su lenguaje de
señas y habla respectivamente.4
Los hablantes ciegos de nacimiento gesticulan a pesar de su falta de modelo visual, incluso cuando hablan a un
oyente ciego. Los niños ciegos transmiten gestualmente a los adultos que ven información sustantiva, por ejemplo,
la explicación de un juego o una ecuación matemática, que no se encuentra en ninguna parte del habla de los
niños. Además, cuando el habla y el gesto transmiten información diferente, el gesto transmite el mensaje
dominante.5
Un estudio de niños sin problemas visuales o auditivos encontró que los gestos de un niño transmiten información
a los oyentes comunes que es diferente del habla. Así, los gestos ofrecen una percepción de los pensamientos,
procesos mentales y representaciones de un niño al reflejar el conocimiento que el niño posee pero que no
verbaliza.6
Goldin-Meadow dice que “los gestos pueden estar involucrados en el proceso de cambio cognitivo en sí. . . a través de dos
mecanismos que no son mutuamente excluyentes: (1) indirectamente al comunicar aspectos no verbalizados del estado
cognitivo del alumno a los posibles agentes de cambio (padres, maestros, hermanos, amigos); y 2)
directamente al ofrecer al alumno una forma más sencilla de expresar y explorar ideas que pueden ser difíciles de
pensar en un formato verbal, aliviando así la carga cognitiva del alumno”.7
Promulgar palabras a través de gestos, una especie de cognición incorporada, conduce a una mejor memorización y una recuperación más
rápida en una prueba de transferencia; los participantes produjeron nuevas oraciones con las palabras que habían adquirido, lo que
demuestra su mayor accesibilidad en la memoria.8La promulgación es una herramienta poderosa no solo para la codificación de un solo
elemento, sino también para la codificación de texto.

MÁS PARTES DEL CUERPO, DANZA MÁS POTENTE

Aunque mucha investigación proviene de una tradición que enmarca la comunicación del gesto manual en relación
con el lenguaje verbal, parece razonable extrapolar este trabajo a la danza. La danza ha sido reconocida como un
poderoso pensamiento no verbal que se hizo visible en la India durante unos dos mil años.9y en Occidente más
recientemente.10La importancia del gesto de la mano en la enseñanza y el aprendizaje11sugiere el impacto
exponencial y más poderoso de la danza. La danza utiliza un sistema gestual dirigido multicanal de varias partes del
cuerpo (extremidades, torso, musculatura, cabeza) además de la locomoción en el tiempo, el espacio y con el
esfuerzo, la música y el vestuario. La cara (p. ej., los ojos fruncidos, la boca fruncida, el movimiento de la nariz)
también comunica.

Figura 2.1. Rendimiento del estudiante

Cortesía de la Escuela Secundaria Glen Burnie, Escuelas Públicas del Condado de Anne Arundel.

Además, la danza comunica intenciones y deseos a un observador como lo habrían sido las intenciones si el
observador hubiera realizado los mismos movimientos. Por ejemplo, ver a alguien levantando un vaso sugiere que
la intención de la persona es beber del vaso. El proceso de simulación del cerebro está "diseñado para detectar el
movimiento biológico con el fin de extraer intenciones del movimiento y predecir las acciones futuras".12

CONOCIMIENTO DECLARATIVO, PROCESAL Y SOCIAL PARA LA DANZA

La ciencia del cerebro respalda la teoría constructivista del aprendizaje a la que han contribuido John Dewey, Jean
Piaget, Lev Vygotsky y otros. El conocimiento de un bailarín se construye cuando la nueva información entra en
contacto con el conocimiento existente que ha sido desarrollado por las experiencias. Los constructos son los
diferentes tipos de filtros que los bailarines eligen colocar sobre sus realidades para cambiarlas del caos al orden.
Los bailarines aprenden o crean secuencias de movimiento complejas estimuladas por la observación, transfiriendo
información visual y verbal al movimiento, o realizando movimientos que un creador de danza grita. Una vez que se
comprende el movimiento observando a alguien o mediante instrucción cognitiva, el sistema motor neurológicamente
representa pasos secuenciales. Luego, las instrucciones van a la corteza motora primaria y se produce la acción. El baile da
retroalimentación sobre la coincidencia entre los movimientos y las instrucciones interiorizadas.
Los investigadores señalan que “las construcciones conceptuales a nivel de la mente ejercen efectos físicos directos que
modulan las percepciones sensoriales y los resultados motores”.13Además, la actuación en dúos o conjuntos requiere que
los bailarines presten atención a otros bailarines, a la música y al entorno mientras sincronizan sus movimientos.

Al aprender a bailar y bailar para aprender, las personas adquieren varios tipos de conocimiento (memoria) que se
procesa en diferentes partes del cerebro. La mayor parte del almacenamiento y el procesamiento están fuera de la
conciencia. conocimiento preliminarestá en la memoria de trabajo de la persona. Aquí los recursos atencionales se asignan
por segundos o minutos ante la distracción, deteniendo temporalmente la actividad para responder a otra información y
coordinando el curso de las actividades concurrentes.
memoria de trabajoimplica el almacenamiento temporal de información mientras se manipula y se asocia coninteligencia fluida,
utilizando la información para resolver problemas en situaciones novedosas. Una forma transitoria de nuevas experiencias, la
memoria de trabajo es un contenedor consciente a corto plazo para recordar, reorganizar y evaluar cualquier cosa que se
encuentre en un grupo de aproximadamente cuatro elementos. Esto es como un foco en una pequeña parte del escenario de un
teatro.
fragmentaciónagrupa y comprime unidades de información en la memoria de acuerdo con reglas específicas del dominio para una
recuperación eficiente.14Los datos sensoriales conscientes difíciles de manejar se comprimen en pequeñas pepitas de significado desde la
memoria de trabajo hasta la memoria a largo plazo de acuerdo con la forma en que se relacionan con nuestros recuerdos preexistentes que
se han ido acumulando desde el nacimiento. “La fragmentación dentro de la memoria de trabajo es tanto el árbitro como el indexador de
nuestro almacén de memoria a largo plazo, siempre esforzándose por hacer que lo que es más importante para nosotros sea más
fácilmente accesible y forjar nuevos grupos a partir de elementos aparentemente independientes, según los patrones que discernimos. ”,
escribe Bor.15La conciencia y la fragmentación nos permiten pasar de pasos de baile a frases de pasos a una sección de un baile y a una red
densa y brillante, interconectada por todos los patrones innumerables que hemos aprendido. El ritmo, las imágenes, la mnemotécnica y la
historia pueden ayudar a la fragmentación de un bailarín.
Durante un período de unos pocos meses, el hipocampo traslada gradualmente el conocimiento de la danza en gran medida al sistema
visual o motor de la corteza cerebral para su almacenamiento permanente. Hay una superposición en las áreas del cerebro donde se
archivan diferentes tipos de conocimiento o recuerdos. Los organizadores neuronales permiten el uso de la memoria para la resolución de
problemas.
Memoria declarativa, apoyada por una gran red de áreas en la corteza y procesada por el hipocampo y el
cerebro, esexplícitorecuerdo consciente de hechos cotidianos y eventos vividos. Estos están ordenados
cronológicamente y almacenados en secuencias y asociaciones. Los estudiantes de baile adquieren
conocimientos declarativos sobre hechos, conceptos, historia, vocabulario de movimiento y reglas para
construir bailes (gramática). Los bailarines pueden expresar conocimiento declarativo en su coreografía.
EpisódicoLa memoria, información secuencial ligada al tiempo que es una forma de memoria declarativa, es el recuerdo
de un evento experimentado. El hemisferio derecho del cerebro parece importante para el recuerdo de experiencias
personales que ocurrieron en un lugar y tiempo en particular. Eventualmente, las regiones corticales activadas durante un
evento se vinculan tan fuertemente que ya no necesitan el hipocampo para cumplir esta función. El recuerdo de un
movimiento de danza realizado en un evento podría ser suficiente para recuperar toda la danza. Tales señales actúan
como una entrada de índice que nos permite recuperar otras señales de la conciencia. memoria espaciales específico del
hipocampo: la estructura correcta crea un mapa mental del espacio.
Memoria implícitaes el recuerdo inconsciente de la emoción y la empatía en respuesta a la danza. Una
forma común de contener información aquí es asociando la información con algo que generalmente ocurre
con ella. El conocimiento que no se puede articular verbalmente pero que se puede expresar kinestésica,
cognitiva y emocionalmente a través de la danza estácito.memoria emocional involucra la amígdala, conocida
por manejar nuestras respuestas al miedo.
Recordando informaciónconduce al reprocesamiento y la restauración. La información se separa del contexto en
el que se aprendió por primera vez. Cuando se olvida el contexto en el que se obtuvo la información, la amnesia de
la fuente puede provocarmemoria falsa. Información errónea de una fuente increíble que inicialmente no es
Se cree que puede ganar credibilidad durante los meses que lleva reprocesar los recuerdos desde el almacenamiento hipocampal a
corto plazo hasta el almacenamiento cortical a largo plazo.
Memoria a largo plazo, a veces denominado comointeligencia cristalizada, se refiere a la información almacenada y al
conocimiento práctico que crece a medida que envejece. Este conocimiento y experiencia acumulados involucran el
hipocampo y la corteza, las estructuras corticales que lo rodean y las vías neurales que las conectan con la corteza. El
fortalecimiento de las sinapsis entre las células nerviosas durante un período prolongado proporciona la base para la
memoria a largo plazo. La información codificada aquí durante un largo período de tiempo ya no necesita la intervención
del hipocampo. Esta es la situación para el conocimiento general enmemoria semántica eso también es declarativo. Tiene
áreas especializadas temporales (activación del hecho en cuestión) y cortezas frontales (conduce a la conciencia) para
procesar, por ejemplo, rostros, casas, herramientas, acciones y lenguaje. La memoria a largo plazo se introduce en la
memoria de trabajo para ser manipulada.
Idioma, una forma avanzada de conciencia, permite otro nivel de procesamiento de información desde donde se pueden
compartir fragmentos de información entre las personas. Bor nos dice: “Nuestra capacidad para aplicar conscientemente nuestras
habilidades de fragmentación, tanto al detectar regularidades cruciales en un repentino estallido de conocimiento como al
construir capas de conocimiento estructurado de manera más paciente y constante durante meses o años, es esencialmente
responsable de cada avance humano y todos los logros intelectuales de nuestra historia”.dieciséis
Memoria de procedimientoes el conocimiento de cómo hacer algo que uno sabe. En la danza esto se manifiesta en las habilidades
motoras, la propiocepción que se siente en el cuerpo y las habilidades y estrategias cognitivas que permiten la aplicación de
patrones en la comunicación de ideas y sentimientos. La memoria procedimental requiere procesamiento por parte del cerebelo,
los ganglios basales y la corteza motora.
En realidad bailando, las personas adquieren conocimiento procedimental ("saber-es-en-el-hacer", conocimiento corporal
o conocimiento incorporado). Esto se logra a través de múltiples aspectos de la percepción sensorial, especialmente la
cinestesia, una revelación de la esencia dada de algo por el movimiento del cuerpo sensual a través del espacio. “Los
matices, la intención de comunicar y la expresión distinguen la interpretación de la danza (y la música) de otros
comportamientos basados en el movimiento que dependen del conocimiento procedimental”.17
En el aprendizaje de las habilidades motoras/cognitivas de la danza, el proceso cerebral cambia de una etapa cognitiva de
reflexión al aprendizaje de un procedimiento a través de la observación o la descripción. Luego, el cerebro pasa a elaborar
un método para realizar la habilidad, y luego pasa a una etapa reflexiva autónoma en la que la habilidad se vuelve
automática, un hábito aprendido, unmemoria inconsciente. Esta memoria implícita almacena funciones motoras y
sensoriales que se amplían con la práctica.
Repetir un movimiento crea aprendizaje motor a largo plazo, coloquialmente "memoria muscular", "segunda naturaleza",
realizado sin esfuerzo consciente, y permite que el cerebro almacene energía.18La consolidación del aprendizaje motor implica la
evolución continua de los procesos neuronales después de que se ha detenido la práctica de una tarea.19La disminución del
volumen de materia gris y blanca en las áreas del cerebro asociadas con las funciones motoras en los bailarines de ballet
profesionales en relación con los no bailarines se debe a una reducción de la actividad neuronal en las áreas del cerebro que
sustentan el aprendizaje motor.20
La mayoría de las teorías sobre el mecanismo de consolidación de la memoria motora dentro del cerebro asumen que existe una
redistribución general de la información a través del cerebro desde la codificación hasta la consolidación. La gran cantidad de
estimulación proveniente de la práctica de un movimiento provoca la repetición de disparos en ciertas redes motoras, lo que
presumiblemente conduce a un aumento en la eficiencia de excitarlas con el tiempo.
Ensayar un movimiento en tu mente aumenta los circuitos de imitación en el cerebro a medida que ocurre el
aprendizaje. Los bailarines toman conciencia de los procesos perceptuales, propioceptivos y musculares cuando
funcionan mal. Aprender y ensayar un baile requiere concentración en los elementos básicos de posicionamiento
corporal preciso, coordinación y sincronización correcta, así como fraseo, sentimiento y movimientos coreográficos.
Esto requiere esfuerzo físico y cognitivo.
Marcar (realizar una versión atenuada) en lugar de bailar al máximo en el ensayo puede conservar ambos tipos de
energía. Un estudio encontró que marcar conduce a un rendimiento superior.21Marcar reduce las tareas que el cerebro
debe realizar a la vez y permite concentrarse en los detalles. Sin embargo, esto puede depender de la etapa del ensayo
porque si los bailarines conocen los movimientos del cuerpo en la “memoria muscular”, pueden concentrarse en los
detalles del estilo y las interpretaciones mientras bailan al máximo.
La investigación encontró que la práctica variada o mixta,intercalado de información, mejora del aprendizaje. Los cambios
frecuentes de la práctica de tareas motoras en contraposición a la práctica bloqueada (repetir lo mismo una y otra vez
hasta dominarlo antes de pasar a nuevos problemas) mejoran el conocimiento procedimental. La práctica variada y
repetitiva involucra distintas regiones neuronales, la primera es la corteza prefrontal que requiere confrontar
constantemente representaciones novedosas de la información que se va a aprender, y la segunda es la corteza motora
primaria.22
 El intercalado, como el multilingüismo, empuja al cerebro a descubrir qué habilidad necesita cada problema de práctica.
La diversidad de tareas puede permitir que un alumno, por lo general sin saberlo, extraiga la información más relevante e
invariable de la tarea y elimine las asociaciones espurias. Es probable que la práctica variada fomente el ensayo elaborado
en el que el alumno forma múltiples asociaciones con el material que se va a aprender, de modo que pueda recordarse
utilizando una variedad de claves.
Al intercalar, el cerebro necesita traer el conocimiento apropiado a la memoria de trabajo para cada tarea diferente, para
enfocarse más intensamente, lo que puede hacer que las vías para esos recuerdos se fortalezcan y permitan una mejor
retención. Practicando una habilidad repetidamente, el cerebro sabe lo que viene a continuación y no tiene que trabajar
tan duro. Además, debido a que los alumnos cambian de tareas con frecuencia, la práctica puede parecer menos
repetitiva, lo que potencialmente minimiza el aburrimiento y aumenta el nivel de compromiso durante la práctica.

Una diferencia entre el conocimiento declarativo y el conocimiento procedimental en la danza es que alguien puede
conocer las reglas gramaticales de una forma de danza y apreciar sus denotaciones y connotaciones con ideas acerca de lo
apropiado y, sin embargo, no tener las habilidades para la interpretación. El compromiso declarativo y procedimental con
el conocimiento activa diferentes partes del cerebro.23Tenga en cuenta que a través de ensayos y experiencias, los
bailarines también tienen un conocimiento declarativo (semántico y episódico) de las frases de movimiento y el vocabulario
que constituyen un baile específico.
El coreógrafo y el bailarín utilizan diferentes tipos de conocimiento. La creatividad de hacer bailes establecidos e
improvisar dentro de un estilo requiere conocimiento declarativo y procedimental (generalmente tácito) de reglas
relacionales para emparejar movimientos con significados apropiados. Estas reglas tienden a ser funciones
cerebrales del hemisferio izquierdo, enfatizando el procesamiento digital, analítico y secuencial de la información
como en el lenguaje o las matemáticas. La psicóloga Catherine Stevens y sus colegas señalan que la cognición
coreográfica es un fenómeno complejo y problemático porque los procesos subyacentes son ocultos, rápidos,
multimodales, no lineales y no verbales, y la danza evoluciona a partir de la experimentación y exploración en el
medio mismo.24
A diferencia de la danza, la imitación de la danza (o bailar la coreografía de otra persona) depende del aprendizaje de un
patrón establecido que generalmente es una función del hemisferio derecho que involucra habilidades analógicas y
espaciales. La imitación requiere observación: inferir las representaciones mentales que subyacen al movimiento y
almacenar las representaciones en la memoria. Sin embargo, el bailarín es más que el pincel del coreógrafo. La imitación
no es una copia estricta sino una versión construida, interpretada y recreada, un proceso que se basa en las funciones del
hemisferio izquierdo. Un bailarín interpreta creativamente un baile coreografiado a través de la expresión emocional.

inteligencia cinestésicaes la teoría del psicólogo Howard Gardner deinteligencias multiples.25Su teoría
es popular entre los educadores de arte, pero algunos científicos esperan evidencia. Sin embargo, los
estudiantes y los maestros brindan anécdotas de apoyo de que hay múltiples formas de aprender y ser
experto. Los profesores de danza ya tenían prácticas y creencias que se alineaban con la teoría.
Gardner distingue entre una inteligencia asociada con un dominio (cualquier actividad cultural en la
que se pueden identificar y fomentar grados de experiencia) y una inteligencia como dominio. El
dominio de la interpretación de la danza involucra la cinestésica corporal, y también las inteligencias
visual-espacial, musical-rítmica, intrapersonal y, a veces, verbal-lingüística. La danza y la producción de
danza fomentan la inteligencia interpersonal, también llamada conocimiento social. Esto es importante
en la era de la inmersión en la pantalla digital que impide las conexiones interpersonales cálidas en la
vida diaria.

Música y Danza Juntos

La investigación relacionada con las otras artes probablemente se aplica a la danza porque la danza a menudo ocurre con ellas.
La música no solo es un componente frecuente de la danza, sino que utiliza algunas de las mismas habilidades.26La capacidad de
tocar un ritmo requiere habilidades cognitivas, lingüísticas, motoras y perceptivas. . Hacer tapping al ritmo es un proceso
especializado y complejo que requiere una amplia red de áreas cerebrales auditivas, motoras y prefrontales. El rendimiento del
golpeteo para mantener el tiempo parece estar asociado con la atención y la lectura.27
La danza y la música son el epítome del entrenamiento (la respuesta eléctrica del cerebro), la coordinación
espaciotemporal que resulta de la respuesta rítmica a una señal rítmica percibida. El sistema auditivo detecta el
ritmo, el sistema musculoesquelético actúa y un sistema de retroalimentación parieto-cerebeloso integra la entrada
y la salida. La combinación contribuye a la capacidad de producir señales rítmicas y permite que las parejas de baile
"produzcan un baile que sea congruente con los ritmos de la música y el movimiento de cada uno".
 Según la científica cognitiva y música Jessica Phillips-Silver y sus colegas, la danza y la música indican “una
experiencia social y de percepción mutua que se origina al compartir el tiempo y el espacio del ritmo incorporado”.
28Las capacidades para percibir y sincronizar un latido son posibles a través de diferentes modalidades sensoriales y

con varias estructuras rítmicas y métricas. El arrastre puede tener lugar a través de señales que reflejan su
naturaleza de periodicidad o previsibilidad, desde el ritmo musical hasta la conversación, la comunicación no verbal,
el juego y la mirada mutua. La sincronía galvaniza el comportamiento cooperativo y los vínculos, especialmente si
los individuos comparten intenciones. Los ideales alineados con los cuerpos amplifican las respuestas cooperativas.
29

Investigadores en Hong Kong informan que el entrenamiento musical puede fortalecer la memoria verbal. “Los niños con
formación musical parecen tener una más fuerte que sus contrapartes. Además, cuanto más tiempo permanecían los niños con un
programa de música, más mejoraba su memoria para las palabras”.30Esta relación puede deberse a que tanto la música como la
memoria verbal están centradas en el hemisferio izquierdo. El entrenamiento musical puede haber servido como un tipo de
ejercicio para el cerebro, permitiéndole desempeñarse mejor en otras tareas relacionadas. En una prueba de memoria de
seguimiento un año después, los estudiantes que habían interrumpido su formación musical continuaron teniendo un mejor
desempeño que aquellos que nunca habían tomado lecciones en primer lugar, aunque sus recuerdos verbales parecieron
estabilizarse después de que abandonaron. En un programa diferente de entrenamiento musical breve, los niños también
exhibieron un desempeño mejorado en una medida de conocimiento del vocabulario que reflejaba la inteligencia verbal.31

Los músicos practican la asociación de acciones motoras con patrones sonoros y visuales específicos (notación
musical) mientras reciben retroalimentación multisensorial continua. La plasticidad en esta red puede explicar
algunas de las mejoras sensoriomotoras y cognitivas que se han asociado con el entrenamiento musical.32
Las redes neuronales y los recuerdos echan raíces. Complementando los beneficios de la danza para la población que envejece, el entrenamiento
musical retarda los problemas relacionados con la edad. La disminución de la sincronización neuronal en respuesta a los elementos del habla que
cambian rápidamente y causan dificultad para comprender el habla, especialmente en entornos auditivos desafiantes, no es inevitable. Los adultos
mayores con entre cuatro y catorce años de formación musical al principio de su vida tenían una sincronización neuronal más rápida en respuesta al
habla más adelante en la vida, mucho después de la formación.33
Contrariamente a la perspectiva de mi padre como músico profesional y la mayoría de los etnomusicólogos,
Blake Martin cree que “la música es un subconjunto de la danza y no al revés. Los sonidos rítmicos no
— no puede existir sin movimientos rítmicos. Desde el punto de vista filogenético, ciertamente nos movíamos
rítmicamente (caminando, balanceándonos, apareándonos) antes de usar herramientas y objetos para producir tonos. El
hecho de que usemos un lenguaje sinestésico (una nota 'alta', una nota 'baja') muestra el arraigo profundo de la música en
una experiencia corporal que se relaciona con un entorno del mundo real”.34

EMBALAJE Y DESEMBALAJE SIGNIFICADO EN LA DANZA

Simbolización
Otro concepto clave tan integral para la danza como para el lenguaje verbal es la simbolización, una actividad cognitiva
fundamental que las personas usan de manera continua. Psicólogo FriedmannPulvermüller 35propone que "la actividad
correlacionada en los sistemas cerebrales sensoriales y motores, especialmente en la corteza, y las conexiones
neuroanatómicas preexistentes impulsan la formación de los principales componentes básicos de la cognición, el lenguaje
y el significado".
Como los lingüistas y psicólogos han informado durante mucho tiempo, un niño avanza, retrocede y gira antes de
conocer los símbolos de estas acciones, es decir, las palabras "adelante", "atrás" y "alrededor". Cuando los
estudiantes bailan formas con sus cuerpos en diferentes direcciones, comprenden experimentalmente las palabras
asociadas a las direcciones y aprenden sobre las relaciones. “Parte de la riqueza de la creación de la danza”, dice
Blake Martin, “es el uso necesario de la 'metáfora encarnada', en la que la creación es a la vez significado,
significante y comunicador”.36
Las personas pueden estar preprogramadas para reconocer o crear analogías metafóricas a través de diferentes
dominios sensoriales, perceptivos y afectivos de la experiencia.37El lingüista cognitivo George Lakoff señala que la
metáfora es fundamentalmente conceptual, no lingüística verbal.38Las formas metafóricas de conocer, pensar en lo posible
y no solo en lo real, pueden ampliar nuestra comprensión. Crear y comprender una metáfora es poder pensar bien,
especialmente cuando se usa con humor que puede llamar la atención sobre la forma en que se construye y deconstruye
el significado.
La danza puede tener una representación externa o interna que muestre algún objeto real o una representación interna
imaginada.39En su mayoría, los movimientos no son los que se realizan en las actividades motoras ordinarias, sino que se refieren a
ellas, como los movimientos que se usan para luchar realmente y los movimientos que se usan imaginativamente en la danza para
simbolizar la lucha. Ambas actividades motoras pueden ser culturalmente específicas. La frecuente ligereza y la postura
corporal levantada del ballet transmiten una trascendencia terrenal, mientras que muchas danzas africanas transmiten
una fuerte conexión con la tierra. Las formas de baile como el krumping reflejan una superación catártica de la pobreza y
un desafío para la sociedad en general.
En muchos niveles con una pluralidad de significados, la danza significa. Además, el significado de un mensaje que un
bailarín intenta enviar no siempre es el mismo que el mensaje que recibe un espectador. Los espectadores interpretan el
significado a partir de sus propias experiencias personales y culturales.

Bailando una disertación de ciencias

Traducir una tesis doctoral en ciencias a la danza es un ejercicio simbólico que requiere una comprensión de
la ciencia y de la danza. De hecho, tal actividad puede utilizarse como una forma de evaluación de ambos
tipos de conocimiento.
Desde 2008,Ciencia, la revista de la Asociación Estadounidense para el Avance de la Ciencia, ha patrocinado “Baila
tu doctorado ”, una competencia internacional para ver qué científicos pueden explicar mejor su trabajo de
posgrado a través de la danza interpretativa. podría ser unsolo ,dueto , o grupo de laboratorio presentado en video.
Este es un baile de ciencias para la física, la química, la biología y las ciencias sociales. Los jueces eligieron a los
mejores y los finalistas compitieron por el primer premio, $500 en cada categoría. El ganador del gran premio
recibió $500 adicionales.
Las presentaciones han variado en estilo desde las tradicionalesdanza folclórica india parahip hop . Pero para
ganar el concurso, la danza debe ser un arte atractivo y debe ayudarnos a comprender la esencia de la ciencia
detrás de la investigación de doctorado. Los australianos han dominado en los últimos años, con un físico ganando
en 2011 por su baile stop-motion sobre caderas de titanio y químico en 2012 por suburlesque antiguo sobre
cristales de aluminio .
El ímpetu del concurso llegó en 1971 cuando los estudiantes graduados en bioquímica de la Facultad de Medicina de la
Universidad de Stanford intentaron capturar en una película la esencia de la síntesis de proteínas en la danza (tenían amigos que
eran bailarines de ballet). Su película fue bien recibida.
Estas son las opiniones de dos científicos sobre el concurso.40“El punto final de mi investigación se expresó más
claramente endos minutos y medio de baile que cientos de páginas de texto”, dijo Keith Massey. “Hacer este
proyecto, para mí de todos modos, fue más una forma de aclarar mis pensamientos sobre mi proyecto y
determinar cuáles fueron las piezas clave de información que formaron la historia que me interesaba. Creo que es
muy fácil perderse en la literatura. revisiones y análisis estadístico como un Ph.D. estudiante y perder el enfoque en
lo que realmente está estudiando y por qué es importante”, comentó Genevieve Metson.
Cientos de científicos han participado en el concurso. Alienta a los investigadores a resumir su trabajo, traducir los resultados de
la investigación en danza para hacer que la investigación sea accesible (educación y divulgación), evocar nuevas preguntas sobre la
investigación y tener una herramienta de enseñanza. La participación también ha generado puestos de trabajo.

Dimensiones del significado en la danza (sondeando con una cuadrícula semántica)

En el curso de mi primera investigación de campo, buscaba significado en varias danzas africanas.41Había

conceptos para analizar los movimientos físicos de la danza, por ejemplo, los sistemas de notación de Laban,
Benesh y Eskhol. Sin embargo, no había un sistema para sondear el significado de la danza.
En consecuencia, con la ayuda de bailarines de muchas culturas diferentes que compartieron formas en que crearon y
descubrieron significado en sus géneros de danza, desarrollé una cuadrícula semántica aparentemente universal para que
sirviera como herramienta para descubrirycreando movimiento. La herramienta es útil para investigadores y también para
estudiantes de acuerdo a su desarrollo intelectual e instrucción docente. La cuadrícula, una modificación semántica de las
formas semióticas de significado verbal de Charles Pierce, sugiere la complejidad y el sofisticado potencial semántico de la
danza.
La cuadrícula en el siguiente cuadro de texto tiene dispositivos y esferas que representan varias formas en que los
bailarines encarnan la imaginación. Los bailarines crean significado en una o más “cajas” de la cuadrícula formada por la
intersección de las líneas verticales y horizontales que separan los dispositivos y las esferas.

FORMAS DE TRANSPORTAR SIGNIFICADO EN LA DANZA (GRID SEMÁNTICA)

esferas
 Evento Cuerpo Entero Discursivo Específico entrelazar PRes
en Rendimiento Rendimiento Movimiento con otro
Acción Medios de comunicación

concretización
Icono
estilización
metonimia
Metáfora
Actualización

Al buscar significado en un baile, el observador puede imponer la cuadrícula en el baile como un todo y luego acercarse a
unidades más pequeñas del baile para preguntar si el significado podría estar relacionado con una o más de las casillas.
Por ejemplo, al observar la intersección de la estilización y la actuación discursiva, es posible que la estilización de un
bailarín (dispositivo de un caballo encabritado) sea significativa en una historia de carnaval (esfera de la actuación
discursiva).
Los bailarines pueden usar uno o más de al menos seis dispositivos simbólicos para codificar el significado.concretizaciónes un
movimiento que produce el aspecto exterior de algo, como una danza guerrera que muestra tácticas de batalla de avance y
retirada. Los bailes de cortejo que muestran el flirteo de los amantes potenciales, y las mujeres acunando miméticamente a un
bebé en bailes que celebran el nacimiento son otros casos.
Uniconorepresenta la mayoría de las características de algo y se responde como si realmente fuera lo que representa. Por
ejemplo, un bailarín haitiano que manifiesta a través de una danza específica la presencia de Ghede, el dios del amor y la
muerte, es tratado por sus compatriotas haitianos con un respeto genuino y un comportamiento apropiado para su
género, como si el bailarín fuera en realidad el dios mismo.
Aestilizaciónabarca gestos o movimientos arbitrarios y convencionales, como un bailarín de ballet occidental que señala
su corazón en señal de amor por su dama. En Ghana, un bailarín akan dice: “Miro a Dios”, cuando señala hacia el cielo con
la mano derecha o ambas manos. Los jóvenes de Ubakala en Nigeria mueven vigorosamente la cintura pélvica y la parte
superior del torso para resaltar las características sexuales secundarias y el potencial matrimonial; las mujeres simbolizan
la fertilidad estilísticamente con ondulaciones del torso y cambios de cadera para marcar el elevado prestigio y estatus de
una mujer con el nacimiento de un niño, lo que los Ubakala consideran el renacimiento de un antepasado.

Ametonimiaes una conceptualización en movimiento de una cosa que representa a otra de la que forma parte, como un
dúo romántico que representa una aventura. Como movimiento cultural especializado, la danza es metonímica del
movimiento de la vida y del ethos de la acción.
La forma más común de codificar el significado en la danza es a través demetáfora, la expresión de un pensamiento,
experiencia o fenómeno en lugar de otro al que se parece. Ilustrativos de la unión de diferentes dominios son los patrones
de movimiento contrastantes para hombres y mujeres que se refieren a sus distintos roles biológicos y sociales. Una
historia de amor de cuento de hadas bailada entre animales puede denotar la situación entre amantes humanos. Un
conjunto de danza bien ensayado en el escenario puede referirse a una sociedad armoniosa.
Actualizaciónes una representación de uno o varios de los roles habituales de una bailarina, como una mujer que
actúa en un baile para madres, para transmitir su rol maternal. Este dispositivo ocurre en escenarios de actuación
sin límites rígidos entre el actor y el espectador, cuando un bailarín expresa un interés romántico en un miembro de
la audiencia que a través de la danza acepta o rechaza al bailarín. La danza puede reflejar la identidad individual,
grupal y nacional de un artista.
Los dispositivos para encapsular significado en la danza parecen operar en una o más de nueve esferas de comunicación.
Un ejemplo del significado de la danza en elevento de baileen sí mismo es cuando las personas asisten a un baile social
para ser vistas, tal vez como participantes en un baile benéfico para recaudar fondos o para señalar disponibilidad sexual o
marital y encontrar pareja. En el evento, el baile en sí mismo es incidental al propósito social detrás de él.

El significado de la danza puede estar en la esfera de lacuerpo humano total en accion, como en la autopresentación de
una persona. lospatrón completo de rendimiento, enfatizando la estructura, el estilo, el sentimiento o el drama, puede ser
el lugar del significado. El foco está en la interrelación de las partes de una danza que le dan un carácter distintivo, como
en una danza sagrada.
 El significado puede estar centrado enactuación discursiva, una secuencia narrativa de movimiento en desarrollo,
que incluye quién le hace qué a quién y cómo, en episodios dramáticos. Los ballets narrativos clásicos como “La
bella durmiente”, “Cenicienta” y “El cascanueces” y los bailes modernos como “La última cena en la cabaña del tío
Tom” de Bill T. Jones son ilustrativos.
Movimientos específicosy cómo se ejecutan pueden ser significativos, como cuando un bailarín parodia a una mujer
bailandoen puntaAl igual que las palabras, algunos movimientos tienen definiciones; otros movimientos no tienen
nombres.
losentrelazamiento de movimientos con otro mediocomo una canción (discurso) o un disfraz pueden comprender una
esfera de significado como en musicales como el "Rey León". El movimiento de baile de una mascarada se vuelve
significativo cuando el ejecutante se pone el traje de máscara de un ser sobrenatural y canta su música.
El significado puede estar en la esfera dela danza como vehículo de otro medio.Un ejemplo es la danza como telón de
fondo para la canción de un artista o la recitación de rap. El ritmo o esfuerzo puede servir como puntuación.
intertextualidades otra esfera de significado. Aquí un estilo de baile se refiere a otros, por alusión, imitación
o parodia. Por ejemplo, “Dido and Aeneas” de Mark Morris utiliza gestos basados en las posiciones de
manos y dedos altamente estilizadas de la danza clásica india, así como gestos similares a los del mimo de
ballet clásico.
La esfera de significado puede estar centrada enpresencia, el impacto emocional de la sensualidad proyectada, la
animalidad cruda, la trascendencia o el carisma de la danza, lo que convierte la técnica en poesía. La presencia es la
energía eléctrica entre bailarines y público, la “magia” de la danza.
Tenga en cuenta que algunos miembros del mundo de la danza argumentan que el movimiento de danza contemporánea
abstracta no tiene un referente más allá de sí mismo. Sin embargo, el movimiento puede referirse a otros géneros de danza y al
desarrollo histórico de la danza. Además, los espectadores de danza pueden leer significado, un referente específico o diseño de
movimiento corporal, en una actuación, independientemente de la intención del coreógrafo o del bailarín.

BAILAR EN EL MOMENTO Y EN LA MEMORIA

Imágenes visuales y atención plena
El ojo es un sentido crítico que se utiliza para observar la danza y desarrollar habilidades para el análisis visual de otros
fenómenos. La danza es arte visual en movimiento.
El Dr. Elias Zerhouni, exdirector de los Institutos Nacionales de la Salud (NIH), dijo que cree que el ojo tiene
entendimiento, por lo que los NIH usan animación por computadora para presentar dimensiones complejas de la ciencia.42
De hecho, el físico Albert Einstein pensó en imágenes y encarnó el desarrollo de su teoría de la relatividad a través
de la sensación muscular y corporal.43Mientras que la mirada es un estado de pensamiento, los bailarines ciegos
confían en el sentido cinestésico y el conteo rítmico.
Similar a la forma en que leemos literatura, vemos narrativas de danza. Las personas parecen encontrar atractivas las historias
personales de los demás y dedican mucho tiempo a leer novelas, obras de teatro, películas y medios de comunicación. Las
narrativas de danza pueden contribuir a la teoría de la mente, la capacidad de atribuir creencias, intenciones, deseos y
conocimientos a uno mismo y a los demás que pueden diferir de los propios.
La comprensión de la historia parece implicar una amplia red prefrontal de estructuras cerebrales únicas para el
procesamiento narrativo, separadas de las identificadas para las operaciones a nivel de palabras e incluso oraciones.44
Leer historias provoca una mayor conectividad en la corteza temporal izquierda, el área asociada con la
receptividad del lenguaje, y en la red concentrada alrededor del surco central que comprende las regiones motoras
y somatosensoriales. Esta semántica incorporada, o cognición fundamentada, evoca la actividad neuronal que se
asocia con las sensaciones corporales, la acción de las ideas sobre los sentimientos.45
La experiencia en ballet se asocia con una mayor sensibilidad perceptiva a las diferencias sutiles en el movimiento
al observar las exhibiciones de bailarinas con puntos de luz.46Las habilidades para lograr la alta competencia motriz
requerida en la danza se ven reforzadas por la capacidad de realizar movimientos observados que se habían
ensayado previamente. Tal experiencia, reflejada en activaciones cerebrales en áreas premotoras y parietales,
acompañó la percepción de movimientos de danza.47Se encontró una situación similar para los bailarines que
aprenden secuencias complejas de techno dance. En la red de acción-observación ubicada en la corteza temporal
superior y posterior, hubo una respuesta preferencial al observar movimientos realizados por otros humanos en
lugar de flechas que señalan pasos de baile, independientemente de si la acción es familiar o no.48
El aprendizaje visual/kinestésico ocurre cuando los estudiantes/bailarines observan la coreografía, copian y/o interpretan, y luego
la memorizan y la ejecutan. Las representaciones cognitivas de la danza ayudan al pensamiento coreográfico y al baile. También
guardamos imágenes de danza en la memoria a través de la visualización repetida de grabaciones. El cine y el video permiten
obtener nuevos conocimientos. Sin embargo, los novatos que ven presentaciones en vivo de ballet y
Bharatanatyam evocó una respuesta más corporal que ver un video, lo que sugiere que la actuación en vivo
tiene más impacto.49La mera observación de una acción tiene el potencial de construir una representación
neuronal similar de esa acción como práctica física.50Incluso cuando las personas observan movimientos que
ellos mismos no podrían realizar físicamente, surgen representaciones neuronales dentro de las regiones
sensoriomotoras.51
Pensar en las representaciones mentales de la danza permite evaluar y seleccionar información efectiva. Esto ayuda a los
bailarines a aprender secuencias de movimientos complicados, interactuar atentamente con los compañeros, refinar los
movimientos correspondientes a las normas estéticas y coreografiar.52Estas imágenes representativas están incrustadas
en el espacio y el tiempo. Las imágenes pueden traducirse introspectivamente, interpretarse conscientemente y
describirse esquemáticamente. El tipo de participación del sistema cognitivo-neuronal durante la observación de
movimientos complejos depende de la experiencia en la realización de los movimientos observados, no simplemente de la
experiencia visual inmediata del observador.
Los bailarines ven el movimiento, codifican señales ambientales relevantes a través de estrategias de atención, procesan
la información a través de una interacción continua entre la memoria de trabajo y la memoria a largo plazo, toman una
decisión relacionada con la acción y ejecutan el movimiento de baile mientras dejan espacio para refinamientos y
modificaciones.
El conocimiento de la secuencia de ejecución de un movimiento en la memoria a largo plazo juega un papel crucial en la
experiencia (caracterizada por redes jerárquicas de conceptos) al reducir el esfuerzo cognitivo requerido para activar la
información relevante. Los bailarines profesionales tienen una gran capacidad de memoria. Los bailarines expertos forman
representaciones mentales jerárquicas en la memoria a largo plazo basadas en las relaciones entre fases específicas de los
movimientos de baile, como las posturas al realizar una pirueta, mientras que los novatos muestran menos evidencia de
este patrón cerebral.53
Los estudios de autorreconocimiento muestran una mayor sensibilidad para los movimientos propios que para los de otros
cuando se observan breves episodios de actuaciones de danza en varios estilos musicales (p. ej., pop, jazz, folk).54Además, los
estudios de los movimientos oculares han revelado tiempos de fijación más breves y movimientos más rápidos en los expertos que
en los novatos cuando observan una actuación de danza contemporánea, lo que sugiere que la experiencia puede facilitar la
anticipación de los movimientos corporales.55
Los investigadores encontraron que los observadores novatos aprenden implícitamente la gramática, las regularidades en la estructura de
las secuencias de movimientos de baile, a través de la mera exposición. Sin embargo, difieren de los expertos en la forma en que
representan los movimientos de baile en la memoria a largo plazo.56
La danza tiene efectos transitorios y duraderos. Al enseñar cualquier tema, agregar lo visual a lo verbal aumenta la probabilidad
de retención. El sistema de memoria visual del cerebro tiene una enorme capacidad de almacenamiento y una notable
disponibilidad para recordar. La integración rica en sentidos ayuda a los alumnos a encontrar sentido y significado en el nuevo
aprendizaje, lo que aumenta las probabilidades de retención; es importante que los alumnos vean cómo se puede aplicar el
aprendizaje a problemas significativos. Estar en el momento puede ser estimulante, pero también puede perder la historia y el
peso de la crítica.
Mindfulness en la danza se refiere a prestar atención a la observación del cuerpo, su necesidad de fortalecimiento y
funcionamiento en el uso del tiempo, el espacio y el esfuerzo en el gesto y la locomoción. Reunir las piezas para decir algo
en la danza desarrolla la habilidad de atención plena. Las investigaciones muestran que las personas que utilizan la
atención plena aumentan el tamaño y la función de su corteza prefrontal, el área del cerebro conectada con la toma de
decisiones y la planificación a largo plazo.

Percepción de la emoción
Bailarines, críticos y académicos han enfatizado que los bailarines revelan sentimientos internos y que los espectadores deben
responder emocionalmente, no pensar. Al descubrir lo que realmente sucede en los encuentros entre bailarines y público,
encontré múltiples puntos de vista sobre los sentimientos y las emociones.57Esto contradice la sugerencia de la filósofa Suzanne
Langer de que la danza sólo transmite emociones simbólicas, sentimientos recogidos.58
En ocho conciertos de diferentes géneros de danza, cuatro estadounidenses y cuatro asiáticos, encuesté y
entrevisté a miembros de la audiencia y entrevisté a bailarines y coreógrafos (a veces uno solo). Ninguna
emoción es más importante que otra, y puede ocurrir más de una forma de expresión durante una actuación.
Los bailarines y los espectadores a menudo difieren en la interpretación de la expresión emocional en el
mismo baile. Estas son algunas de las formas en que los coreógrafos y los artistas expresan emociones a
través de la danza:

1. Al sentir una emoción particular, el ejecutante puede expresarla inmediatamente a través de la danza.
 2. Un bailarín puede recordar una emoción de una experiencia personal anterior y usar la memoria como estímulo
para expresar la emoción en la danza.
3. El bailarín puede recordar la emoción y expresarla simbólicamente, utilizando la ilusión de la emoción en
lugar de su presencia real.
4. El baile puede inducir emociones a través de la actividad física enérgica o la interacción entre los bailarines
durante una actuación. El estrés cinestésico, el sobreesfuerzo y la fatiga aumentan la susceptibilidad al
estado alterado de conciencia de un bailarín a través, por ejemplo, de frecuencias de ondas cerebrales
alteradas, adrenalina y contenido de azúcar en la sangre. El vértigo puede ocurrir a través de estimulación
rítmica sensorial o de alta velocidad en más de un modo sensorial.
5. La reacción del público a una actuación en curso puede evocar las emociones del artista, que pueden
expresarse o no en la danza.
6. Sin embargo, el bailarín expresa emoción, a través de un sentimiento inmediato o recordado, el bailarín
intenta evocar una emoción (aunque no necesariamente una específica) en la audiencia.

Así como las personas a menudo asumen que la danza es un lenguaje universal, sostienen que la expresión emocional en
la danza se entiende universalmente. Pero ambas suposiciones son incorrectas. Por ejemplo, en un concierto de los
bailarines posmodernos Douglas Dunn y Deborah Riley, los espectadores ofrecieron puntos de vista opuestos sobre si los
bailarines transmitían o no emociones en el baile. Casi la mitad de los encuestados no vio ninguno. La otra mitad percibió
una amplia gama de emociones. El cincuenta y cinco por ciento de la audiencia encuestada observó erotismo, una fuerte
experiencia emocional. Al percibir este sentimiento en el entrelazamiento y rodar de la pareja en el suelo, un ingeniero dijo
que lo hacía sentir "caliente". Otra persona vio el baile como “clasificado X”. Al ver el éxtasis mientras los bailarines
“mentían como gastados”, un abogado se sintió “emocionado. Recuerde que la mitad de la audiencia que informó sus
percepciones no vio ninguna emoción. Algunas de las personas describieron el estilo de movimiento como mecánico,
forzado, parecido a un robot y computarizado. “Me hizo sentir como si estuviera viendo androides o maniquíes mecánicos”,
dijo un encuestado.
En las actuaciones de mi estudio, hubo diferencias de percepción entre los miembros de la audiencia en el
reconocimiento de las emociones de los bailarines y las pistas para indicarlas, que se basaron en el grupo étnico, el
género, la ocupación y el conocimiento sobre la danza del espectador individual. Por ejemplo, los indios orientales
estaban más familiarizados con las historias mitológicas y las personalidades de los personajes que aparecían en
los bailes que estaban viendo. De manera abrumadora identificaron la ira en los rostros, ojos y manos de los
bailarines, mientras que menos de un tercio de los encuestados estadounidenses hicieron lo mismo. Los indios
también estaban mejor informados sobre la tradición india clásica de enfatizar la cara y los ojos tanto en el gesto
como en el maquillaje y de articular las manos en distintos signos y símbolos.

PENSANDO A TRAVÉS DE IMÁGENES MEMORABLES DE LA DANZA

El espectáculo de danza ha impactado a los espectadores de varias maneras. Aunque efímero con la instantaneidad, la danza tiene
un residuo que vive en la memoria, así como en las imágenes en movimiento, y como metáfora en el lenguaje verbal. Los géneros,
conceptos, experiencias y memorias de la danza son herramientas para pensar.
Bailar genera una reflexión sobre la experiencia de los bailes que hacemos, vemos en la calle, en el escenario, en
imágenes en movimiento, o leemos o escuchamos que perdura mucho después de una actuación. La metáfora de la danza
evoca la emoción, el significado y la magia de la danza. La metamorfosis de la experiencia de la danza en el lenguaje
vernáculo y literario es potente cuando ocurre en una comunidad que puede compartir y reaccionar ante su significado.
Refiriéndose a las personas que bailan, los géneros que abundan, la preparación, la ocasión y la actuación, la metáfora de
la danza ilumina la vida social, económica, política, científica y tecnológica. A su vez, la forma en que hablamos y escribimos
en la literatura y la lengua vernácula sobre la danza ratifican o modifican nuestra percepción de la danza.

Shakespeare utilizó muchas metáforas de la danza como técnica dramática. En su época, la danza formaba parte tanto de la
tradición popular como del entretenimiento cortesano y, por tanto, atraía a diversos estratos sociales. Por lo tanto, el uso de
diferentes formas de danza como símbolo, estímulo emocional y comentario sobre los personajes y la trama podría ser fácilmente
captado por todos. Shakespeare emplea la danza como un medio para permitir que los amantes se hablen indirectamente entre sí.
Su uso de la giga y la gallarda hacen referencia a la sexualidad y el cortejo. Los motivos de la danza dramatizan la inocencia y el
ardor juvenil de un personaje, las características personales y el período de transición en una comunidad.59

La danza como creativa, propia, seria y alegre se ve en este tipo de frases: “la poesía del pie”, “una
pieza notable de coreografía política” y “la danza es un ritmo medido”. porque la danza es
generalmente placentero y saludable, y para muchos géneros requiere disciplina, "bailar por la vida" es una
metáfora común.
Cuando se trata de política, hay una plétora de ejemplos, "el baile de zapatos blandos en torno al tema" y subtítulos de
noticias como "Él bailó alrededor del tema". “El Tango Económico; De cómo el sí se convierte en no” se refiere al tango,
bailado con pasos deliberados lento, lento, rápido-rápido en una dirección y seguido de desandar los pasos en la dirección
opuesta. Otros bailes sirven como metáforas: "El presidente electo baila el vals de Washington", "Nuevos pasos en el vals
del presupuesto ayudan a facilitar la circulación", "El gran minueto de las memorias postelectorales", "La polca del podio" y
"Es un baile de claqué". en una bola de cristal que se nubla de buenas intenciones.”
En el alegato oral delTeatro Barnes contra Glencaso de la Corte Suprema de EE. UU., en el que un grupo de bailarinas
exóticas en South Bend, Indiana, desafió una prohibición estatal sobre la desnudez pública, el Fiscal General Adjunto de
Indiana se puso de pie y dijo: "Si eso es bailar, entonces lo que estoy haciendo aquí arriba también es danza.” El juez Byron
White respondió de inmediato: “No, eso es una canción y un baile”.
“La coreografía de la diplomacia bailaba en torno a la tentadora posibilidad de un apretón de manos histórico que podría
poner fin a tres décadas de veneno”, fue noticia cuando surgió la posibilidad de que el presidente Obama estrechara la
mano del nuevo presidente iraní Hassan Rouhani en las Naciones Unidas. “En Kennedy, un baile complejo durante una
reunión de la ONU”, subtituló un artículo sobre la confluencia de personas muy importantes en el aeropuerto. Una vez que
los agentes federales y los policías despejaron sus vehículos, “el orden del día principal fue la coreografía”. Cuando Rusia se
apoderó de Crimea de Ucrania en medio de otras posibles adquisiciones, “Putin lleva la voz cantante, pero ¿Obama y
Europa se negarán a bailar?” apareció “Los corchetes están listos para el gran baile: el baile en torno a la responsabilidad
fiscal” se refería a las corporaciones codiciosas que no pagan impuestos.

En 2012, “el pivote”, generalmente considerado como un movimiento de rotación sin esfuerzo de un bailarín como
Fred Astaire, Gene Kelly o Michael Jackson, alrededor de su propio eje vertical, fue una metáfora del momento.
Cuando ocurrían errores, se hacía referencia a pivotar, a desviarse con gracia del fracaso. Esta metáfora se aplicó a
las nuevas empresas de Internet, un atleta que deja un equipo, un cambio de la contención militar a un enfoque de
múltiples capas, el desempleo, el emparejamiento y las posiciones contradictorias de Mitt Romney en su campaña
para la presidencia. Como muestran estos ejemplos, las metáforas de la danza pueden ser una forma vívida de
expresión verbal y validación de la importancia de la danza.

LA DANZA DESPIERTA LAS REDES CEREBRAL Y EL APRENDIZAJE

Es importante reiterar que el cerebro se reconecta constantemente; esto altera los delicados circuitos que dan forma a los
recuerdos, las emociones y el yo. La danza influye en la mente, provocando cambios plásticos positivos en el cerebro en
diversos grados, reorganizando las vías neuronales y la forma en que funciona el cerebro tanto para jóvenes como para
adultos.
La actividad física, como la danza, provoca cambios biológicos que fomentan nuevas neuronas y su red. Mientras
que la danza como ejercicio físico requiere un movimiento motor complejo, la danza como ejercicio cognitivo
estimula “las áreas del cerebro involucradas en el conjunto completo de funciones cognitivas. . . haciendo que el
cerebro emita señales a lo largo de la misma red de células, lo que solidifica sus conexiones”, explica Ratey.60

Las actividades multimodales de la danza, que requieren habilidades y procesos de pensamiento, estimulan muchas
áreas del cerebro que desempeñan un papel en el crecimiento de las vías cognitivas, emocionales y psicomotoras
responsables del razonamiento verbal, visual y musical. Al involucrar todos los sentidos, el baile ayuda a conectar el
cerebro para un mayor aprendizaje y mejora la percepción y la atención a los matices. La danza contribuye a las
habilidades para resolver problemas que tienen múltiples soluciones y para tratar con preguntas que tienen múltiples
respuestas.
Recuerde que el cerebro responde de manera diferente cuando realiza un baile coreografiado fijo o cuando hace un baile.
La danza crea una inversión emocional a medida que el entorno de aprendizaje se transforma y absorbe energía física. El
compromiso con la danza en lugares educativos mejora la motivación académica y mejora las habilidades sociales cuando
se coopera en una danza grupal o en una producción de danza.
Figura 2.2. El entrenamiento de ballet del autor estimuló el logro de la no danza.

La danza reduce el riesgo de deterioro cerebral

La juventud tiende a dominar el mundo de la danza, y se ve como una actividad de jóvenes. Pero el baile es para todos: el
aprendizaje es una actividad para toda la vida. El aprendizaje extendido y/o profundo en la danza afecta la forma en que el
cerebro procesa otras tareas.
En un estudio neurológico en el que las actividades "estiraron" la mente y redujeron el riesgo de que las personas
mayores desarrollaran la enfermedad de Alzheimer, los investigadores descubrieron que las personas mayores que hacían
crucigramas reducían el riesgo en un 38 por ciento; los que tocaban instrumentos, 69 por ciento; y los que jugaban juegos
de mesa, 74 por ciento. Sorprendentemente, bailar redujo el riesgo en un 76 por ciento.61Bailar requiere las tareas
cognitivas de recordar los pasos de baile y ejecutarlos en respuesta a la música y la coordinación con un compañero o
grupo en el espacio. Otro estudio encontró que el baile de salón regular con una pareja frena la disminución de las
habilidades cognitivas, perceptivas y motoras en las personas mayores.62
En el envejecimiento normal, se ha informado un déficit para casi todas las tareas de atención, aprendizaje y memoria. Sin embargo, el
baile se usa cada vez más como una intervención para las personas mayores porque las muchas características diversas del baile lo
convierten en una herramienta prometedora para inducir la neuroplasticidad.63
Un programa de danza contemporánea de seis meses mejoró el rendimiento postural, sensoriomotor y cognitivo en los ancianos.
Se descubrió que la improvisación de la danza mejora el control de la atención y la flexibilidad cognitiva en el aprendizaje de
habilidades motoras en el envejecimiento.64

Artes Escénicas en General

Las teorías curriculares de la danza, meritorias en sí mismas e integradas con otras asignaturas, se evalúan con
diferentes métodos en muchos programas ilustrativos. Los estudios (p. ej., en el índice descriptivo de investigación
y literatura sobre educación en danza (DELRdi) de la Organización Nacional de Educación en Danza de unas tres mil
disertaciones, tesis, actas de congresos y artículos de revistas desde 1926) sugieren el potencial de la educación en
danza K-12 para proporcionar una variedad de resultados beneficiosos en el desarrollo intelectual y social.
 Desafortunadamente para comprender el impacto de la educación en danza, muchos estudios de las artes no separan la
danza de la música, las artes visuales y el teatro. En una revisión de los hallazgos de un arco de desarrollo de doce años
(estudio longitudinal) de más de doce mil estudiantes, todos se beneficiaron de una participación intensiva en las artes.
sesenta y cincoLos investigadores analizaron los informes del Departamento de Educación de EE. UU.: Estudio longitudinal de

educación nacional de 1988 (octavo grado a veintiséis años), Estudio longitudinal de la primera infancia, Clase de jardín de
infantes de 1998–1999 (K–8) y Estudio longitudinal educativo de 2002 (décimo grado a veinte años), y la cuarta base de
datos, National Longitudinal Survey of Youth of 1997, patrocinada por el Departamento de Trabajo de EE.UU. (doce a
dieciséis años hasta mediados de los veinte).
Los hallazgos de cuatro estudios longitudinales de jóvenes en riesgo de bajo nivel socioeconómico (SES) muestran que los
adolescentes y adultos jóvenes que tenían un historial de participación profunda en las artes tienen un mejor compromiso
emocional y resultados académicos que los jóvenes de bajo SES con menos participación artística. No solo obtienen
mejores calificaciones y tasas de inscripción universitaria, sino que es más probable que muestren un comportamiento
cívico, como interés en eventos actuales, voluntariado y votación.
Los hallazgos parecen estar relacionados con el desarrollo neurológico y la transferencia del aprendizaje. La experiencia
tiende a reconfigurar el cerebro, lo que puede realizar tareas de manera diferente y tal vez más eficaz. Sentirse
competente en las artes puede motivar a los estudiantes a abordar otras materias con confianza. Las artes pueden ser la
forma en que una persona aprende mejor al brindar acceso a otros temas y formas de resolver problemas. Las artes son
también una forma de actuación teatral para resolver cuestiones problemáticas sin las consecuencias del mundo real.

La psicóloga Ellen Winner y sus colegas examinaron el estado del conocimiento empírico sobre el impacto de la educación
artística en las habilidades basadas en materias, incluso en materias no artísticas; habilidades de pensamiento y
creatividad; y habilidades conductuales y sociales. Examinaron las clases de artes en la escuela (clases de música, artes
visuales, teatro y danza), las clases de artes integradas (donde las artes se enseñan como apoyo para una materia
académica) y el estudio de las artes realizado fuera de la escuela (p. ej., clases privadas). clases de música; clases
extraescolares de teatro, artes visuales y danza). Su evidencia revela que la educación artística contribuye a hábitos
mentales amplios e importantes, lo que significa "no solo el dominio del oficio y la técnica, sino también habilidades como
la observación cercana, la visualización, la exploración, la persistencia, la expresión, la colaboración y la reflexión".66
Una síntesis de los hallazgos de seis evaluaciones a gran escala de asociaciones de educación artística, en su
mayoría combinando varias artes: (a) Artes en el plan de estudios básico, Carolina del Sur; (b) Artes para el Logro
Académico: Minneapolis Annenberg Challenge for Arts Education; (c) el Centro para la Educación Artística, Ciudad
de Nueva York; (d) el Programa de Escuelas A+, Carolina del Norte; (e) Transformando la Educación a través del
Desafío de las Artes; y (f) Chicago Arts Partnerships in Education—muestra los efectos positivos de la práctica de la
educación artística.67Un examen de las experiencias artísticas de 2406 niños en los grados cuarto, quinto, séptimo y
octavo en escuelas públicas también encontró mayores capacidades cognitivas.68Desde 2002, la red estatal de
Escuelas A+ de Oklahoma ha seguido una asociación de cuatro años de capacitación y apoyo con el Programa de
Escuelas A+ de Carolina del Norte. En particular, las escuelas de Oklahoma A+ han superado los promedios de sus
distritos y estados en las pruebas estandarizadas.

Adquisición de Habilidades de Aprendizaje a través de la Danza

La educación en danza puede preparar a los estudiantes con conocimientos y habilidades aplicables al aprendizaje académico y
permanente, la calidad de vida y el éxito en el mundo laboral, especialmente si los maestros ayudan a los estudiantes a transferir el
aprendizaje (consulte el capítulo 4). Los alumnos de primer grado desarrollaron perseverancia en el baile que se trasladó al trabajo
académico.69Los bailarines que han pasado a otras carreras han descubierto que la resistencia en la danza desarrolla la
perseverancia para dominar otros dominios.
Las prácticas de educación en danza estimulan el estado de alerta mental (requerido para que el cerebro se “registre”), el
modelado, la secuenciación, la atención a los detalles y las habilidades de memorización. Aprender una técnica de baile es
a menudo más que adquirir habilidades físicas. Comprender la forma de hacer y pensar para ir más allá de los pasos, y
conocer el uso de elementos específicos de tiempo, espacio y esfuerzo, además de las secuencias dentro de la gramática
de un género.
Los alumnos aprenden a adquirir un estilo ya interpretarlo. En la creación de danza a través de la danza moderna y la
improvisación, los estudiantes pueden desarrollar el pensamiento crítico, ampliar el razonamiento, analizar imágenes y
símbolos y obtener una apreciación estética. Los estudiantes aprenden a comprender los símbolos pasando de una danza
concreta a una danza abstracta y viceversa.
En el programa ArtsConnection en las escuelas de la ciudad de Nueva York, los estudiantes de danza mostraron comportamientos
relacionados con el aprendizaje de la danza que podrían transferirse a otros aprendizajes.70Los estudiantes aprendieron a tomar la
iniciativa (moverse a un buen lugar para observar un modelo). Practicaron (marcar, pensar o trazar corporalmente
movimiento en lugar de bailar). Identificaron un problema no señalado y se arriesgaron a preguntar al respecto. Es importante
destacar que perseveraron cuando se cometió un error; y comprometidos con la autoevaluación crítica. Los estudiantes
desarrollaron procesos de autorregulación, como la elección de técnicas de práctica, el uso de ayudas para la memoria, la
búsqueda de lugares adecuados para trabajar, la formulación de preguntas apropiadas y el establecimiento de objetivos
intermedios.
En Corea, los estudiantes participaron en lecciones basadas en problemas de danza creativa durante ocho semanas que tuvieron un efecto
positivo en las habilidades de pensamiento crítico, como la búsqueda de la verdad, la mente abierta, las habilidades analíticas y la
curiosidad.71
Para ampliar las habilidades de razonamiento (un tipo de pensamiento crítico que se expresa tanto verbal como visualmente, de
forma cinética, táctil y auditiva), los educadores piden a los estudiantes que creen sus propios bailes. En este proceso, los
estudiantes aprenden a formarse juicios y bases para la acción, así como a persuadir o disuadir. La toma de decisiones
conceptuales se encuentra detrás del procedimiento de poner en danza el movimiento cotidiano para transmitir pensamientos,
sentimientos o patrones en una forma visual.
Para ilustrar una "estructura de conocimiento",72o la organización del conocimiento, los profesores de danza dirigen a los estudiantes a
explorar los elementos básicos de la danza. El conocimiento de cómo las partes del cuerpo pueden moverse en el tiempo, el espacio y con
esfuerzo y encarnar el significado a través del contenido o el estilo forma la estructura para el aprendizaje.
Los estudiantes aprenden habilidades para adquirir conocimientos. Una progresión ilustrativa es primero el dominio
secuencial de una técnica de danza específica (como ballet, Martha Graham moderna, jazz o tap). A continuación, los
alumnos realizan danzas al estilo de esta técnica; diseccionar el proceso de la coreografía; describir las dimensiones físicas
de la danza; y, finalmente, interpretar las imágenes cinéticas.
Carmelina Martin, educadora de danza en la Junta Escolar del Distrito de Peel, Ontario, Canadá (y fundadora y directora
de Pulse Ontario Dance Conference que se analiza en el capítulo 3), invierte este proceso. Comenzando con los principios
de movimiento de la técnica específica de un bailarín moderno, los estudiantes interpretan físicamente una variedad de
conceptos como balanceo, suspensión, caída, rebote, recuperación, tirón de oposición, balanceo sucesivo, etc. En grandes
hojas de papel, agregan descriptores adicionales para revelar lo que implica la palabra/concepto sobre la relación con el
peso, el espacio y el tiempo. Los estudiantes construyen frases de movimiento usando las palabras/conceptos para crear
estudios de movimiento cortos que comparten con un compañero. Convierten el material compartido en un dúo y luego
unen los dúos con otros dúos, creando otra capa de baile.
Este proceso introduce la noción de que quizás la coreografía precede al desarrollo de una técnica diseñada para
facilitar una estética de danza particular. Los estudiantes discuten y debaten el enfoque de coreografía primero
antes de aprender la técnica específica de danza moderna donde los principios de los movimientos luego se
refuerzan a través del aprendizaje de una serie de ejercicios. Debido a que los estudiantes ya han incorporado las
palabras/conceptos, Martin cree que la transición a una técnica de danza moderna específica produce una mayor
precisión física en la comprensión y la interpretación.73
En las clases de danza avanzada, los estudiantes pueden aprender métodos de análisis de movimiento, como el análisis
de Laban, el enfoque de análisis de movimiento más popular en los Estados Unidos. La capacidad de analizar imágenes es
esencial en esta era en la que gran parte del aprendizaje implica la televisión, los videojuegos, los programas informáticos
interactivos y las grabaciones de vídeo.
Los estudios de neurociencia de la danza están revelando lo que sucede en el cerebro al bailar y observar la danza.
Todavía tenemos que saber cómo la educación en danza altera el cerebro de una manera que haga una contribución aún
mayor.

Creatividad
El cerebro es una máquina de creatividad, en cierto sentido. La información proviene del propio cuerpo y del
mundo exterior y los recuerdos en el cerebro la remodelan: una máquina, en una percepción que se basa en
experiencias individuales anteriores. Todo el proceso creativo no involucra una sola región o lado del cerebro.
Muchos procesos cognitivos y emociones que interactúan funcionan en equipo y reclutan partes del cerebro según
la etapa y el propósito del proceso creativo.
Aunque diferentes bailarines pueden crear estilos radicalmente diferentes, los estilos surgen de procesos neurológicos
comunes que mejoran el estado de alerta de los circuitos cerebrales involucrados.74La actividad en regiones cerebrales
particulares de individuos altamente creativos durante la realización de una tarea creativa proporciona evidencia de una
red neuronal específica.75
Un experimento identificó que el cerebro correlaciona la creatividad subyacente de los bailarines novatos y expertos
imaginando un vals con sus movimientos repetitivos, imaginando la improvisación de la danza y pensando en usos únicos
para objetos cotidianos. Los investigadores registraron la actividad de electroencefalografía (EEG) alfa (oscilación neural).
En el Test psicométrico de Usos Alternativos, los bailarines indicaban en una consola cuando tenían nuevos
ideas y respondieron preguntas en un test de personalidad. Los novicios solo tenían una formación básica en danza. La
actividad alfa del EEG, que normalmente aumenta en las regiones cerebrales frontal, frontotemporal y centrotemporal en
función de las demandas creativas de pensamiento asociativo libre de una tarea, fue relativamente alta al imaginar una
danza improvisada novedosa en comparación con el vals estandarizado que involucra demandas creativas más bajas. . Los
bailarines profesionales (con varios años de experiencia en ballet o danza moderna) mostraron generalmente una
actividad alfa más fuerte y usaron sus cortezas asociativas más que los novatos (solo con entrenamiento básico en danza)
para imaginar la danza creativa, revelando apertura a nuevas experiencias en la prueba de personalidad, y tener un mayor
número de ideas en la tarea de Usos Alternativos.76
Los procesos cognitivos que subyacen al pensamiento creativo son ciclos de tipos de pensamiento.Pensamiento
divergente comienza con un solo concepto y genera múltiples ideas y soluciones para una tarea en particular, vinculando
muchas representaciones mentales y descubriendo alternativas.Pensamiento convergentecomienza con múltiples
conceptos y busca una o más conclusiones útiles para un problema claramente definido.pensamiento evaluativoes el
estrechamiento de los pensamientos a través del juicio y la justificación.
Kandel sugiere que el inconsciente cognitivo puede contribuir a la creatividad porque puede manejar un mayor
número de operaciones que los procesos conscientes que ocurren al mismo tiempo. Además, “nuestros conflictos,
afán sexual y pensamientos y acciones reprimidos pueden, por lo tanto, hacer un uso creativo de esos procesos”.77

Los investigadores están explorando cómo la cognición creativa podría mapearse en el cerebro humano.78Es probable
que el mapa de los jugos que fluyen en el cerebro de los músicos durante la improvisación79es similar a los mapas de los
bailarines durante la improvisación. Durante la actividad creativa, el cerebro disminuye el área involucrada en el
autocontrol (corteza prefrontal lateral dorsal) y la observación, ya que aumenta la región relacionada con la autoexpresión,
los sentidos y las regiones motoras.
El cirujano y músico Charles Limb ha señalado que la ciencia y la creatividad son inseparables. El pensamiento
creativo requiere nuevas teorías para probar. Así que estudió música y medicina al mismo tiempo, y las combinó
convirtiéndose en un especialista en audición.
Las experiencias artísticas de los científicos mejoran su imaginación y creatividad científica, según Robert Root-Bernstein,
becario del Premio MacArthur, quien ha completado un estudio de casi 150 biografías científicas. Encontró que casi todos
los grandes científicos e inventores también están activos en las artes.80La educación artística también formaba parte de la
educación inicial de los empresarios.

Desafíos
Todo viene de algo. Entonces, el desafío de innovar es trabajar con lo viejo y lo nuevo, lo recurrente y lo
inesperado. La creatividad, hacer algo “nuevo”, puede ocurrir en la danza mediante la combinación de
elementos existentes en diferentes patrones, ornamentación, exageración, remodelación, recreación,
disminución y omisión de estilo, estructura y/o tema. ,
La creatividad de la danza puede ocurrir dentro de los parámetros, códigos y convenciones de un género de danza o
desafiarlo y extenderlo. Así como los hablantes nativos pueden producir nuevas expresiones nunca antes escuchadas, los
bailarines pueden producir nuevas configuraciones de movimiento y mensajes nunca antes vistos dentro de un género
específico. Debido a que la hibridación es popular en el siglo XXI, muchos coreógrafos fusionan diferentes formas de danza
para decir algo nuevo y hacerse notar por ello.
Crear una nueva coreografía en respuesta a una consulta intelectual es cognitivamente exigente porque
requiere trabajar con dos sistemas: el no verbal y el verbal o numérico. La creatividad no surge de un solo
individuo, sino de un individuo o colaboradores con conocimiento de la disciplina de la danza creada por
muchas personas, la cultura en la que los creadores están haciendo danza y la sociedad que brinda
experiencias educativas y lugares para realizar. El proceso creativo incluye muchas fases que interactúan y
cada fase está relacionada con las demás. La imaginación, la exploración, la experimentación, la evaluación y
la revisión son fases comunes.
La danza en grupo proporciona un potencial cognitivo diferente que requiere liderazgo e interacción social para organizar y
evaluar qué elementos, movimientos, música y similares se convierten en parte de la danza. Pueden ocurrir la indagación, la
intuición, el cuestionamiento, la observación crítica, la escucha perspicaz, el análisis, la superación de obstáculos y la habilidad para
liderar. La colaboración en la creación de danzas puede dar lugar a nuevas ideas y experiencias en el liderazgo compartido, la
planificación conjunta y la comprensión del trabajo en equipo.
Forsythe señala que "cada instancia de coreografía está idealmente en desacuerdo con sus encarnaciones definitorias
anteriores, ya que se esfuerza por dar testimonio de la plasticidad y la riqueza de nuestra capacidad para volver a concebir
y separarnos de posiciones de certeza". El acto de la coreografía provoca movimiento en “un ambiente de
regla gramatical regida por la excepción.”81Los artistas y espectadores aportan su propia interpretación
creativa a un trabajo de danza.
Ir más allá del original diversifica tus experiencias de baile y te empuja fuera de tu zona de confort. La inspiración puede
provenir de ideas, imágenes, sentimientos, música, texto, jugar con el movimiento, el azar, un accesorio o un problema, y
la intención de traducir algo en movimiento corporal. La danza o parte creada puede visualizarse o puede ser un esqueleto
o una "frase de apertura". La creatividad se ve afectada por la capacidad de juicio independiente de una persona, la
confianza en sí misma, la atracción por la complejidad, la orientación estética, la tolerancia a la ambigüedad y la inclinación
a asumir riesgos.
Los coreógrafos de danza moderna a menudo trabajan con la improvisación (creando algo nuevo en el impulso del
momento) y la discusión durante el proceso creativo. Este enfoque ha sido menos común entre los coreógrafos de ballet.
La investigación encontró que la improvisación en la danza, y también en la música y el habla, promovió el pensamiento
divergente en dominios no artísticos.82
Los coreógrafos pueden ver a sus bailarines como un lienzo sobre el cual pintar su danza. Otros ven a los
bailarines como colaboradores y socios creativos. Se puede invitar a los bailarines en las clases de técnica a
improvisar con material de frases de movimiento aprendidas, oa inventar el movimiento usando la técnica que
están estudiando.
La imaginación en la danza, la visualización y la percepción fomenta la capacidad de una persona para adquirir
flexibilidad cognitiva para interpretar, adaptar y aplicar el conocimiento; para encontrar conexiones significativas, hacer
inferencias y resolver problemas; y fantasear. Todas estas funciones cognitivas son esenciales para hacer frente a la
información en un mundo animado visualmente que cambia rápidamente y lleno de ambigüedad.
Tenga en cuenta que la innovación es la estética occidental que comienza en el siglo XX. Antes de este momento, los
bailarines generalmente se esforzaban por hacerlo mejor que lo que habían hecho sus predecesores. Puede surgir un
problema con la innovación cuando se desafía demasiado el statu quo y se pierde audiencia. Además, existe un conflicto
entre el creador como único e independiente versus el creador como solitario y extraño, el que pregunta versus el
alborotador, o el flexible versus el que no se compromete.
Este conflicto puede aplicarse al mundo de los negocios. Sin embargo, varias empresas han pedido a los artistas que den rienda suelta a la
creatividad latente de los empleados para ayudar a encontrar nuevas soluciones a viejos problemas. Los artistas a veces crean el tipo de
ejercicios que los maestros dan a los estudiantes de educación en danza.

Impulsando la creatividad

Para promover la resolución creativa de problemas,83tolerancia a la ambigüedad, la toma de decisiones y la asunción de riesgos,
los educadores de danza les piden a los estudiantes que hagan frases de movimiento dentro de parámetros establecidos. Esto
requiere comprender los conceptos de danza y codificar el significado del movimiento y poner el conocimiento en uso: elegir cómo
organizar los elementos del cuerpo, el gesto, la locomoción, el tiempo, el espacio y la energía. Hacer bailes requiere este proceso
de selección muchas veces. Además, es pertinente decidir sobre un tema, música, decorados, utilería, iluminación y maquillaje;
toma la iniciativa; obtener sugerencias de compañeros y profesores sobre nuevas opciones; y darse cuenta de las consecuencias
que se derivan de las decisiones que uno ha tomado. Hacer danza permite tomar riesgos porque la danza es fingir, jugar.

Blake Martin señala que la danza puede ser la única “disciplina en las escuelas públicas que explícitamente
se propone enseñar los procesos de creatividad y la metacognición y evaluación de esos procesos. En la
danza decimos: 'Aquí empieza con estos elementos. Esta es tu receta para crear. Ve a hacer algo, luego
hablaremos sobre cómo fue la creación'”.84
Presentar el baile de uno, una insignia de independencia, a los demás obliga a reconocer algo que antes no se
reconocía. Demuestra al creador el resultado de la motivación, el trabajo duro, la perseverancia, la confianza en sí
mismo, la responsabilidad y el aprendizaje a través de los errores.
La coreografía de los estudiantes atrajo especialmente a sus estudiantes varones, informaron los maestros de Carolina del Norte
Jody Sutlive y Noel Grady Smith en una sesión de capacitación de desarrollo de personal en todo el estado. La demostración de
autoridad, control y poder son cualidades que muchos adolescentes varones consideran marcadores esenciales de su
masculinidad.
Los profesores pueden ayudar a los estudiantes a comprender lo que es perceptivamente interesante y atractivo en su
transacción con la danza. Un sentido de la estética, nociones de adecuación y competencia, para un género de danza es esencial
para la creatividad. Los estudiantes exploran diferentes formas de comunicación de danza, temas, estilos y medios para saber qué
ha sido y, por lo tanto, qué es nuevo. Los maestros les piden a los estudiantes que reflexionen sobre las "grandes preguntas" de los
filósofos y críticos de arte sobre la naturaleza de la danza. Los estudiantes desarrollan amplias perspectivas al considerar cómo la
apreciación estética se extiende más allá de la danza. Por ejemplo, los científicos a menudo se refieren a las fórmulas como
"hermosas".
 BIS
El cerebro genera y sustenta lenguajes influenciados por el entorno, el cuerpo y la experiencia personal en la
cultura. El lenguaje de la danza tiene un poderoso potencial comunicativo. Complementa la potencia del uso
de la mano en la comunicación porque la danza se comunica a través de múltiples sentidos y muchas partes
del cuerpo, no solo de la mano.
El aprendizaje y la interpretación de la danza se basan en diferentes formas de conocimiento en la mente, el producto del
cerebro relacionado con el procesamiento de la información. El conocimiento entra en la memoria de trabajo oa corto
plazo, y puede o no ser retenido. La memoria episódica es el recuerdo de un evento ordenado crónicamente, como la
preparación para un concierto de baile. El conocimiento declarativo, saber sobre la danza, sus conceptos, historia,
movimiento, vocabulario y gramática, puede ser conocimiento recordado. La memoria procedimental es saber bailar con la
motricidad pertinente. El conocimiento tácito puede no articularse verbalmente, pero puede expresarse kinestésica,
cognitiva y emocionalmente a través de la danza. La inteligencia cristalizada se refiere a la información almacenada y al
conocimiento práctico que crece con la edad. El conocimiento social es un recurso sobre cómo interactuar con las
personas.
La motivación es fundamental para adquirir conocimientos con éxito, y la danza es un medio atractivo. El
coreógrafo y el bailarín en sus respectivos roles recurren a diferentes tipos de conocimiento procesados y
almacenados en distintas partes del cerebro.
Así como el lenguaje verbal se comunica simbólicamente, también lo hace la danza. Los científicos incluso han bailado sus
disertaciones. Una cuadrícula semántica con dispositivos y esferas de creación de significado es una herramienta única
para sondear el significado en movimiento. Los bailarines pueden usar uno o más de al menos seis dispositivos simbólicos
para codificar el significado. Los dispositivos para encapsular significado en la danza parecen operar en una o más de ocho
esferas de comunicación.
La danza tiene efectos transitorios y duraderos. La actuación debe ser memorable si los conceptos y las imágenes de la
danza se usan metafóricamente en la literatura seria y los medios populares para explicar la política, la ciencia, la
economía y otros aspectos de la vida. La danza puede ser emocional y transmitir emociones. Sin embargo, existen
variaciones transculturales y niveles de experiencia en la expresión y lectura de las emociones de los bailarines.
Se ha descubierto que la atención plena en el aprendizaje de la danza y el baile para aprender aumenta el tamaño y la función de
la corteza prefrontal y sus funciones cognitivas. La investigación relacionada con los beneficios de la música, las artes visuales y el
teatro puede aplicarse a la danza porque a menudo son parte integral de la danza. El aprendizaje final puede provenir del impacto
de la danza en la educación y las habilidades para la vida.
Hemos explorado cómo la interacción cerebro-danza influye en el aprendizaje. Entonces, ¿cuáles son los tipos de baile
que se enseñan comúnmente y cuáles son los lugares para aprenderlos ya través de ellos? El siguiente capítulo
proporciona una visión general de la multiplicidad de géneros de danza y de los lugares formales e informales para la
educación en danza.

NOTAS
1. Corballis 2002; Hewes 1973; Roth 2001.
2. Gazzaniga 2008, 203–45.
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4. Goldin-Meadow 2002.
5. Goldin-Meadow y Sandhofer 1999; Iverson 1998.
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11. Goldin-Meadow & Singer 2003.
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18. Krakauer y Shadmehr 2006; Lee y Schmidt 2005.
19. Stevens y McKechnine 2005b, 249.
20Haenggi, Koeneke, Bezzola y Jäncke 2010 .
21 Warburton et al. 2013.
22. Kantak et al. 2010.
23. Galaburda et al. 2002, 20.
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83. Gigüere 2011.
84. Blake Martin, comunicación personal, marzo de 2014.
 Capítulo 3

Lugares de baile que cambian el

cerebro: de la calle/estudio/aula a
Escenario y espalda

¿Quieres, no quieres, quieres, no quieres, te unes al baile?

- Lewis Carroll

Si no haces tu baile, ¿quién lo hará?

—Gabrielle Roth

En la danza en su máxima expresión, el bailarín y el espectador sienten la magia

o la trascendencia de la danza. Conociendo el impacto beneficioso de la danza en
el cerebro y viceversa, ¿dónde se baila? Los educadores, los legisladores y los
adultos pueden considerar opciones sobre dónde, qué géneros de baile y cómo
experimentarlo. Los científicos pueden obtener ideas de investigación. Hay una
plétora de géneros de baile y opciones dentro de diferentes categorías amplias
de lugares que pueden superponerse. Además, existen diferentes niveles de
complejidad de la danza y posibilidades para la adquisición de conocimientos a
través de una forma de danza y la forma en que se enseña. Obviamente, los
planes de estudios y la evaluación varían.
Este capítulo nos lleva fuera de los laboratorios de neurociencia a explorar el
cerebro y cómo la danza encarna la cognición y la emoción en la práctica humana en
entornos sociales, principalmente en los Estados Unidos. Los lugares ilustrativos no
están clasificados. Todos tienen algún valor. Idealmente, cada estudiante debería
tener experiencias completas de participante y observador.

DANZA MULTILINGÜÍSTICA: MULTIPLE DE GÉNEROS

Una sola y simple palabra, “baile”, describe una forma de arte que es tan
multicolor como un jardín al que se le permite correr libremente y tan diversa
como la población mundial. Hay baile para todos, desde profesionales
bailarinas de ballet hasta personas con discapacidad, desde muy jóvenes hasta muy
maduras.
Como se señaló anteriormente, los variados géneros de danza son idiomas y
dialectos. Hablar con fluidez más de uno les da a los bailarines profundidad y
adaptabilidad en el baile y beneficios cognitivos. Entrenar en múltiples estilos de
baile ofrece un tipo único de entrenamiento de cerebro y cuerpo. Podemos
aplicar lo que los psicolingüistas han descubierto sobre el aprendizaje de un
segundo o tercer lenguaje verbal al aprendizaje de más de un lenguaje de danza.
Los estudiantes que aprenden más de un idioma de baile no solo están
ejercitando sus cerebros y cuerpos; también están aumentando su plasticidad
cerebral.
Los géneros de danza pueden tener numerosos dialectos. Además, un
baile en particular puede variar según el lugar de origen, la cultura, la clase
social, el género, la formalidad y el desempeño. Las referencias a danzas
de un área geográfica abarcan una multiplicidad de géneros. Por ejemplo,
en África hay alrededor de mil grupos lingüísticos diferentes y muchas
constelaciones de patrones de baile, a menudo con diferentes bailes según
el género, la edad, el ritual, la ocasión y el logro.
Géneros de baile que se ven comúnmente en los lugares de baile de EE. UU.:
ballet, claqué, creativo, baile de salón, hula, Broadway, africano, asiático,
flamenco, hiphop, irlandés, improvisación, indio, jazz, krumping, moderno,
Morris, teatral, tongano, baile social ( folk/étnico, booty/freaking/twerking,
Charleston, country/western, Zydeco, baile cajún, contra, disco, fox trot,
house, jitterbug, kizomba, ring and line play, square dance, street, swing, pavo
trot, vals , baile cuadrado, aéreo [con aparatos suspendidos]), patinaje sobre
hielo, ritual/trance y bailes de países extranjeros, incluido el Caribe (cubano,
dominicano, jamaicano, haitiano, puertorriqueño: bachata, cha-cha, mambo,
merengue, rumba, salsa) y sudamericana (samba, lambada, tango). Los flash
mobs, organizados a través de las redes sociales, se organizan para reunirse
repentinamente en un lugar público y bailar al unísono durante un breve
período de tiempo para divertirse, sátira, solidaridad y expresión artística.
Luego se dispersan.
Figura 3.1. Chicos en la barra de ballet
Fotógrafo Paolo Galli. Cortesía de Kirov Academy of Ballet, DC.

Los nombres de los bailes tienden a ser ambiguos, por lo que puede ser útil un
bosquejo de algunas formas de baile ampliamente practicadas que se enseñan
comúnmente en las escuelas de EE. UU. El ballet, que comenzó en el siglo XVI, tiene
una gramática codificada de movimiento de siglos de antigüedad, posiciones
básicas, rotación hacia afuera de las articulaciones de la cadera, dedos en punta,
movimientos y pasos con los pies girados hacia los lados y paralelos entre sí,
extensiones de piernas sostenidas, distintivo frases y transiciones, y una calidad
elevada en el cuerpo. El ballet tiene varios dialectos.
Figura 3.2. Chicas en la barra de ballet
Fotógrafo Paolo Galli. Cortesía de Kirov Academy of Ballet, DC.

La danza moderna se rebeló contra la “tiranía” jerárquica de las restricciones

de movimiento y género del ballet, el vestuario restrictivo y el dominio de los
hombres europeos en la gestión y la coreografía, las extravagancias y la
consideración de los bailarines como prostitutas virtuales. Las mujeres, que
dieron a luz a la danza moderna, enfatizaron la autoexpresión, el movimiento
natural, el peso de todo el cuerpo, la flexibilidad del torso, la riqueza
emocional y la espiritualidad. Estas bailarinas desarrollaron sus propias
técnicas y criterios de excelencia. Además, organizaron sus propias empresas.
La danza moderna pronto atrajo a los hombres y el género ahora abarca
desde las técnicas de Isadora Duncan, Martha Graham, Erick Hawkins y
Katherine Dunham hasta las más recientes.
estilos como los de Elizabeth Streb, Pilobolus, Bill T. Jones y Gaga de
Ohad Naharin.
Martha Graham creó bailes muy emocionales, profundos y de
múltiples capas con tensión/contracción y liberación corporales y
movimientos angulares. Basó sus bailes en el mito, traduciéndolo en
una exploración de la psique moderna y los desafíos para las mujeres.
Erik Hawkins, el esposo y socio de Graham, la dejó personal y
profesionalmente y pasó a coreografiar movimientos fluidos y
desenfrenados claramente articulados en bailes armoniosos y
poéticos.
Alwin Nikolais creó arreglos relativamente equilibrados de movimiento
humano, sonido, luz y objetos visuales y cinéticos. Katherine Dunham,
despertando a los negros a sus raíces artísticas en África y el Caribe,
desarrolló una técnica de baile basada en géneros de estos lugares.
Alvin Ailey se basó en temas culturales negros para sus danzas,
especialmente el éxtasis de la iglesia negra, ejemplificado en sus
"Revelaciones", una danza reconocida en todo el mundo. Merce
Cunningham creó danzas abstractas y experimentó con el movimiento
por sí mismo. Tiraba una moneda al aire para seleccionar movimientos y
frases y creaba bailes usando otras técnicas aleatorias con la
computadora. Debido a que él coreografió sus bailes aparte de la
música, sus bailarines tenían que contar sus movimientos y
concentrarse para evitar ser afectados por la música.
Los géneros de danza no están grabados en piedra. Robert Battle,
director artístico de Alvin Ailey Dance Theatre, dijo: “En los inicios del ballet,
era vanguardista para su época. Y sus reglas se siguieron rompiendo, por
Nijinsky y más tarde por Balanchine. . . La danza moderna salió de ahí,
rompiendo las reglas, quizás más severamente. Se trataba de quitarse las
puntas y transmitir el peso de la condición humana, en lugar de ser etéreo.
Pero todavía están estrechamente relacionados”.1Y los límites entre los
géneros de danza a menudo se desdibujan.
En la década de 1960, rebelándose contra la danza moderna, la danza
posmoderna explotó los conceptos abiertos de lo que debería ser la danza,
rompió los límites entre el arte y la experiencia de vida, ofreció una sensación
de inmediatez y utilizó el movimiento peatonal y las estrategias de repetición.
 La improvisación de la danza puede verse como una reacción al ballet, la
danza moderna y la danza posmoderna. La participación en la improvisación
de la danza es una manera de resistir y reducir el estrés de las relaciones
jerárquicas entre maestro/coreógrafo-alumno, siendo moldeado a un ideal
autoritario de un estilo de danza en particular, y el sistema estelar
estratificado de actuación.
El término contemporáneo se refiere a la danza de concierto que incorpora
nuevas prácticas como el collage, el yoga, las artes marciales, el habla y la
tecnología multimedia. La danza jazz abarca una amplia gama de estilos.
Muchos de ellos se originaron en la danza tradicional afroamericana
vernácula y caribeña. Interpretado con música popular con movimientos
especiales como manos abiertas, hombros rodados, rodillas giradas,
aislamientos de partes del cuerpo, patadas, saltos y ritmo sincopado, la danza
jazz se convierte en un género teatral.
El claqué utiliza el sonido de los zapatos con un golpe de metal en el
talón y la punta golpeando el suelo como un instrumento de percusión.
La síncopa y la improvisación son frecuentes. Se cree que se originó a
mediados de la década de 1800, el claqué tiene sus raíces en el baile
europeo de pasos y zuecos y en el baile afroamericano Juba que se ve en
las plantaciones. El toque rítmico se centra en la musicalidad y los
practicantes se consideran parte de la tradición del jazz.
 Figura 3.3. Tapper Joseph Webb
Cortesía de Joseph Webb Embajada Estadounidense de Danza.

Las formas de danza clásica de la India ofrecen un tapiz de gestos y

locomoción junto con texto, filosofía, melodía y métrica. Las extremidades
inferiores se mueven con la fuerza de la gravedad a través de flexiones
profundas y pesadas de las rodillas. Los pies descalzos relajados producen
sonidos de bofetadas. Los dedos articulan de 35 a 213 gestos manuales
diferentes, cada uno con un significado distinto. En poses y movimientos
estilizados, los bailarines expresan sentimientos básicos que se cree que están
incrustados en el alma humana: amor, ira, risa, asco, tristeza, miedo o terror,
asombro y valor o caballerosidad. Son comunes los movimientos del pecho
(“retraído”, que denota miedo y modestia, y “levantado”, para orgullo, coraje e
ira). Los movimientos de los globos oculares, párpados, cejas, boca, labios y
mejillas sugieren e insinúan.
 Bailes de todo el mundo amplían nuestro repertorio. De hecho, el ballet
clásico, el claqué y la danza moderna notoriamente han tomado prestado de
varias culturas. Por ejemplo,El cascanuecesEl ballet, en sus múltiples
versiones, cuenta con interpretaciones de danza árabe, china, rusa y española.
En Antonio TudorElegías oscuras, los bailarines entrelazan los brazos
alrededor de los hombros o la cintura de los demás como en las danzas
folclóricas europeas. Martha Graham se basó en su interpretación de las
danzas nativas americanas del suroeste enmisterios primitivos. Las danzas
“tradicionales” y folclóricas realizadas por miembros de la comunidad se
transforman cuando se presentan en escenarios de artes teatrales y son
interpretadas por personas que no pertenecen a esa comunidad.
La danza (danza creativa), basada en el movimiento natural en lugar de
estilos formales como el ballet, predomina en el entorno académico. La
creatividad puede ser iniciada por el maestro con la especificación de la
tarea o centrada en el estudiante con diversos grados de independencia
al elegir cómo implementar una tarea. Por el contrario, en las escuelas
de artes escénicas, los alumnos suelen profundizar en la técnica de
diferentes formas de danza, como el ballet, el jazz o el tap. Clases de
coreografía y producción, e historia de la danza, crítica, análisis y salud,
también se están convirtiendo en parte de estos programas de danza.

MUCHAS FORMAS DE APRENDER EL BAILE

La mayoría de las personas en el mundo aprenden a bailar observando y siendo

entrenadas. El aprendizaje ocurre fuera de las aulas en el hogar, en las calles y en
los patios de recreo a partir de la observación de familiares y amigos, y en clubes,
sitios para ocasiones de celebración y algunos lugares de culto (no todas las
religiones sancionan el baile). Mucha gente aprende a bailar en estudios de baile,
parques, centros comunitarios, escuelas e instalaciones de educación para
adultos. Los museos, las prisiones, los orfanatos, los centros de refugiados, los
entornos de rehabilitación de niños soldados y los hospitales son otros lugares. El
ciberespacio está creando nuevas oportunidades, como se analiza en el próximo
capítulo.
Figura 3.4. Concurso de baile de salón amateur Fotografía
del Parque Oeste. Cortesía de Laurie Frederik Meer.

Los centros de artes escénicas, como el Kennedy Center for the

Performing Arts y el Lincoln Center, ofrecen programas para escuelas,
educadores y comunidades. Organizaciones como la Sociedad de Artes
Escénicas de Washington (WPAS), producen conciertos de danza, talleres
magistrales, desarrollo profesional y artistas de danza en las escuelas. Las
fundaciones y donaciones filantrópicas (p. ej., Wallace, Spencer, Pew
Foundation y MacArthur) promueven la educación en danza a través de
representaciones, residencias de danza y proyectos de investigación. La
gente aprende viendo actuaciones, desde recitales de estudiantes hasta
conciertos de danza profesional. Las charlas previas y posteriores a la
función ofrecen conocimientos específicos.
Organizaciones como NYC Dance Alliance patrocinan convenciones con
competencias, talleres e intensivos (cursos cortos). Estos pueden elevar las
metas personales y dar a los estudiantes "protegidos" una idea de cómo es
el mundo real de la danza: altamente competitivo y estresante. Además, las
competencias ofrecen a los estudiantes de danza la oportunidad de ganar
trofeos, dinero en efectivo y becas. Los directores de las compañías de
danza a menudo se sientan entre la audiencia buscando futuros artistas.

Los departamentos atléticos patrocinan equipos de baile que actúan en

juegos y competencias. Los festivales de danza tienen conciertos, clases
magistrales y cursos, por ejemplo, Jacob's Pillow y American Dance Festival en
la Universidad de Duke. Las organizaciones de artes y danza a menudo se
asocian con universidades y escuelas.
Algunos adultos obtienen educación, como en lecciones/entrenamiento de bailes
de salón, que los lleva a presentaciones o competencias de baile. Las sesiones de
terapia de baile se llevan a cabo en una variedad de lugares. Todas las edades
aprenden de los medios de comunicación, el cine, la televisión, Internet, flash mobs y
otros espectáculos de danza en entornos que no son de danza. Los programas de
ejercicios de baile como Jazzercise, Zumba, CardioDance, DanceSport Endurance y
pole dance introducen movimientos basados en bailes específicos. En las siguientes
páginas señalaré algunos programas ilustrativos diversos con los que estoy
familiarizado.
 BAILE PREESCOLAR
Un programa federal de Head Start que promueve la preparación escolar para niños
en edad preescolar de familias de bajos ingresos ofreció danza/movimiento creativo.
En un estudio de estudiantes que recibieron danza/movimiento creativo dos veces
por semana durante ocho semanas, la investigación encontró mejoras en la
competencia social y reducciones en los problemas de comportamiento.2La
competencia social se refiere a la capacidad de los niños para lograr objetivos
sociales, participar de manera efectiva en interacciones interpersonales complejas,
hacer y mantener amistades y lograr el ingreso a grupos sociales con la aceptación
de sus compañeros.
En el programa de danza creativa que se ofrece comúnmente, los niños
expresan a través de movimientos corporales sus ideas, sentimientos e
impresiones sensoriales. Aprenden conceptos de danza y cuentan de manera no
verbal una historia leída por el instructor. Los niños crean corporalmente
diferentes formas (círculos, letras y números) y componen una pieza musical en
el xilófono mientras los otros niños bailan espontáneamente con la música. Los
accesorios y disfraces no solo estimulan el sentido de la vista, sino que también
brindan a los jóvenes la capacidad de ser creativos con estos elementos e
imaginar que se han convertido, por ejemplo, en una mariposa o en un
cascanueces. La música es un elemento importante del programa de baile. Los
niños pueden compartir cosas emocional y socialmente a través del baile que tal
vez no podrían hacer de otra manera. Comunicar experiencias similares crea
vínculos entre los niños. Se valora la contribución de cada niño y se aprecia la
diversidad de ideas diferentes. Los niños no pueden fallar. Sintiéndose seguros
en el ambiente de la clase de baile, prueban muchas cosas nuevas.

BalletMet, una compañía de danza de Ohio, ofreció un “Grow Up Great!

Programa Piloto de Educación en Danza Magia en Movimiento.” La
evaluación de Luminesce Consulting encontró que se cumplió la meta de
mejorar la preparación para el kindergarten de más de cuatrocientos niños
de tres a cinco años de edad inscritos en seis programas Head Start.3

ESCUELAS ACADÉMICAS

La casualidad histórica, la familia, los grupos de compañeros, el liderazgo escolar, el

interés de los maestros, la participación de los padres, los vientos económicos y políticos
y los espacios físicos afectan la forma en que los jóvenes experimentan la danza en
escuelas académicas. La educación en danza en K–12 en todo el país surge continuamente
en modelos múltiples. Es posible que los programas piloto de educación en danza no estén
institucionalizados, y la longevidad de otros planes de estudios de danza puede ser inferior a
cinco años. Por lo tanto, algunas de las ofertas de baile que se describen a continuación
pueden haber cambiado o incluso haber desaparecido, con la esperanza de que se levanten
como el ave fénix.
A algunos padres les preocupa que la educación en danza pueda distraer la
atención de sus hijos en las materias académicas tradicionales. Desconocen el
potencial de la educación en danza para el desarrollo de sus hijos y el vínculo
con otras materias. Algunos padres afroamericanos se preocupan aún más
por el estereotipo de que los estudiantes negros pueden ser bailarines pero
no académicos.
La continuidad de la experiencia de danza que se ofrece en las escuelas varía de
poca a mucha, como un programa de currículo continuo secuencial que aumenta
en complejidad. Las escuelas pueden tener actividades de baile para todos los
estudiantes con tiempo y frecuencia variables; por ejemplo, veinte o treinta
minutos cada dos semanas o una hora al día durante varios días en la misma
escuela. Los cursos de baile pueden ser optativos. Una escuela puede tener su
propio especialista en danza o varias escuelas pueden compartir un especialista
en danza entre ellas.
La danza también se puede enseñar como parte de las clases de educación física
(comúnmente danza folclórica, étnica y moderna). Una escuela puede ofrecer
actividades de danza en un centro de artes al que pueden asistir los estudiantes
interesados de las aulas regulares de la escuela.
Es posible que los estudiantes solo tengan una breve muestra de la danza,
como una clase de danza ocasional, ya en edad preescolar, o simplemente una
oportunidad de observar una actuación de danza y tal vez discutirla. A veces, la
educación en danza en las escuelas se ofrece a través de asociaciones con
organizaciones educativas, estudios de danza o compañías de danza en un
contexto comunitario.
Los estudiantes de escuelas K-12 y universidades que ofrecen cursos de danza, o incluso
programas completos de danza, a menudo toman clases de estudio después de la escuela,
los fines de semana y durante las vacaciones escolares. La participación en clases de baile en
el estudio, el departamento de recreación y el centro comunitario fuera de la escuela puede
tomarse como crédito de educación física escolar (las Escuelas Públicas del Condado de
Montgomery de Maryland han ofrecido esta opción).
 La danza que se enseña en K–12 para todos incluye movimiento creativo y
diversas técnicas de danza moderna y folclórica. Los estudiantes pueden
descubrir con alegría a los adultos en la danza moderna que no solo andan
descalzos y usan ropa inusual, sino que también parecen correr, girar y saltar
con abandono.
Los modelos visuales, los comentarios orales y la imaginación cinestésica de
los estudiantes ayudan al aprendizaje. La danza de los estudiantes incorpora
una gama de otras materias K-12 que alimentan una reserva de ideas para la
comunicación encarnada. La metáfora se explora en la danza y otorga ideas
que tienen el potencial de explorar las relaciones de poder en la sociedad, una
preocupación de la pedagogía crítica.4
A medida que los niños aprenden a leer y a realizar otras tareas complejas por su
cuenta, algunos niños también aprenden a encarnar o animar los componentes
básicos conceptuales de la danza y a simbolizar sus preocupaciones a través del
medio por sí mismos y de la interacción con sus compañeros y la televisión. Por
ejemplo, el baile cultural espontáneo de los niños afroamericanos en una escuela
primaria magnet integrada fue un comentario creativo sobre las relaciones raciales,
los patrones de autoridad y la identidad personal.5
Sin embargo, la mayoría de los niños necesitan más instrucción para desarrollar completamente sus
habilidades naturales de baile.

Un arte escénico: la danza como disciplina

Como arte imaginativo, hábil y comunicativo, la danza tiene un valor
intrínseco y es meritoria en sí misma como un plan de estudios de artes
escénicas con una secuencia de dificultad creciente. La danza es un desafío
intelectual, emocional y físico y no necesita excusas ni pretextos externos.
Este tipo de plan de estudios, bajo la guía de profesores de danza
altamente calificados, se ofrece típicamente en academias de danza y
escuelas especializadas en artes que aceptan estudiantes sobre la base de
una audición para la educación preprofesional.
El estudio de ballet clásico se enfoca en una técnica codificada y una
habilidad que se enseña a través de la dirección del maestro y modelos
visuales,6ejercicios repetitivos y evaluación del maestro sobre el dominio de
las habilidades y la expresión del estudiante. La danza no suele formar parte
del plan de estudios del ballet clásico. Comúnmente se piensa que los
coreógrafos tienen un talento innato que implica visión e imaginación, un don
dado por Dios, según un director artístico de la Kirov Academy of Ballet, DC.
Ella dijo que si apareciera un estudiante que tuviera tiempo e interés
para coreografiar, la academia lo apoyaría.7
Se considera que el entrenamiento mejora la habilidad física en una técnica de
danza a través de demandas crecientes en actividades repetitivas para
desarrollar fuerza, flexibilidad y resistencia. Por el contrario, la educación es vista
como enseñar a los estudiantes principios y prácticas para aplicar estos principios
a nuevas situaciones, además de una perspectiva crítica para cuestionarse a sí
mismos y a las autoridades.

Figura 3.5. Dúo de ballet preprofesional

Fotógrafo Paolo Galli. Cortesía de Kirov Academy of Ballet, DC.
 Sin embargo, un paradigma de entrenamiento respetable ofrece una
explicación de los movimientos, cómo realizarlos y por qué, y su historia y
contexto contemporáneo. Aunque un alto grado de innovación y expresión
individual puede parecer limitado a través de la adquisición de
movimientos de baile repetitivos y prefigurados, la capacidad de respuesta
y la interpretación del bailarín son creativas.

Es necesario que el alumno quiera mejorar, tenga los conocimientos suficientes

para comprender cómo se puede aplicar y sea capaz de analizar los resultados de
la aplicación. Una habilidad aprendida incorrectamente tiene que ser corregida y
nuevos patrones aprendidos.
Algunas academias o escuelas especializadas en artes se enfocan en la danza
moderna y tienen un plan de estudios similar a la educación en danza para
todos. El énfasis está en la improvisación y la creación creativa de danza. El
estudio preprofesional generalmente explora los enfoques de los primeros
coreógrafos de danza moderna que se distinguieron por desarrollar distintos
estilos y técnicas y pasan a estudiar a los artistas de danza que llegaron más
tarde. También se pueden estudiar otras formas de danza.

Un enfoque común es el del bailarín y teórico Rudolf Laban, y más tarde se

elaboró en los Estándares Nacionales de Estados Unidos para la Educación en
Danza para K-12 y los Estándares Nacionales de Artes Básicas en Danza.8
Los estudiantes aprenden cómo el cuerpo humano se mueve a través del
espacio, en el tiempo y con esfuerzo y forma. Los estudiantes aprenden
que el espacio tiene dirección, nivel, amplitud, enfoque, agrupación y
forma. El ritmo tiene tempo, duración, acento y métrica. Esfuerzo, o
dinámica, es fuerza o energía, tensión, relajación y flujo. La forma es la
relación cambiante del motor con otra persona, objeto o espacio. La
locomoción incluye caminar, correr, saltar, brincar, brincar, deslizarse y
galopar. Gesto, movimiento que no lleva peso, puede ser rotación, flexión,
extensión y vibración. Una frase es un grupo de secuencias de movimiento
que son coherentes y hacen una declaración distintiva. Un motivo es una
porción de movimiento de una danza que se puede presentar de diferentes
maneras, como rápido o lento o con más o menos fuerza.
 Los estudiantes aprenden cómo funciona el cuerpo en sí mismo, la dinámica de la
cognición, anatomía, fisiología y física, kinesiología y nutrición. Además de obtener
una comprensión de los procesos mente-cuerpo que se pueden expresar en
palabras, los procedimientos, los diagramas y la animación por computadora ayudan
a los estudiantes a adquirir conocimiento corporal.
Un currículo secuencial que se vuelve cada vez más complejo también
implica conocer la música, la historia y la cultura de diferentes danzas; escribir
sobre estos bailes; y, si produce un programa, comprender las matemáticas
para trabajar dentro de los presupuestos y el inglés (u otro idioma relevante)
para escribir notas del programa.
Los estudiantes pueden aprender Labanotation o Laban Motif Writing, una forma
de alfabetización cinética simbólica derivada de la Labanotation más compleja de la
danza. La escritura de motivos es una ayuda para la memoria en la danza. Cuando
los estudiantes están aprendiendo principalmente ballet, pueden aprender la
notación Benesh.
Aprender a bailar como preparación para una carrera en danza requiere procesos
cognitivos relacionados con la somatosensación, la percepción visual y motora, la
simulación, la acción hábil, la memoria, las imágenes multimodales y la expresión
emocional. Las demandas de atención son altas: el aprendizaje de la danza
personifica la memorización de largas secuencias de movimientos complejos en el
tiempo y a lo largo del tiempo.
Muchos colegios y universidades ofrecen una especialización en danza, algunos tienen
maestría y aún menos tienen programas de doctorado. Algunos programas universitarios
son preprofesionales.
Educación preprofesionalse ofrece en academias/escuelas de baile con políticas
de admisión competitivas. Algunos estudiantes comienzan con cuerpos ya
finamente afinados y experiencia en danza. Los programas académicos de danza
pueden o no tener admisiones competitivas. El estudio de la danza llamado
“trabajo de estudio” está separado de las materias académicas regulares.
Algunas escuelas preprofesionales son programas de residencia, aunque pueden
aceptar estudiantes que viajan diariamente.
La Escuela de Artes de la Universidad de Carolina del Norte, un
conservatorio de artes público, en Winston-Salem, atiende a estudiantes de
secundaria y universitarios. Interlochen Arts Academy es un internado para
estudiantes de secundaria. Walnut Hill School, un programa preprofesional
de internado para los grados ocho a doce, está afiliado a Boston
Instituto de Ballet para la Educación en Danza, que también tiene programas
para escuelas vecinales y lugares comunitarios.
La Kirov Academy of Ballet (KAB) privada residencial y de cercanías de
Washington, DC, ofrece el método Agrippina Vaganova de
entrenamiento de ballet en la rica tradición del Kirov Ballet estudiado
por muchos de los bailarines más famosos del mundo, incluidos Rudolf
Nureyev, Mikhail Baryshnikov, Natalia Makarova, Diana Vishneva,
Natalia Osipova, Daniil Simkin, Ulyana Lopakina, Yevgenia Obraztova,
Alina Somova, Svetlana Zakharova y Alexei Timofeyev.
Los estudiantes vienen a KAB de muchos países. Alrededor del 75 por ciento de los ex
alumnos de KAB actúan con las principales compañías de danza y ganan concursos de
ballet. Otros graduados pasan a la educación superior para continuar su educación en
danza o campos relacionados con la danza.
El KAB abarca varios programas de admisión solo por audición. Los programas de
alcance comunitario incluyen la colaboración con las escuelas metropolitanas de DC
y los Boys and Girls Clubs. KAB ofrece cientos de entradas gratuitas para
espectáculos a organizaciones locales sin fines de lucro dedicadas al desarrollo de la
juventud.
Escuelas de compañías de danza y programas de extensión.reflejan un
reconocimiento de que la participación del mundo de la danza profesional en la
educación de la danza es esencial para la vitalidad y la supervivencia misma de un
arte escénico que requiere bailarines y miembros de la audiencia. Además,
numerosos estudios han encontrado que la educación en danza es el mejor
predictor para asistir a espectáculos de danza.9
Las actuaciones de los artistas de la danza son educativas. Una
actuación convincente comunica pensamientos, sentimientos y estilo, y
puede impulsar el estudio y la apreciación de la danza de un estudiante.
Las actuaciones televisadas transmitidas en lugares sin fácil acceso a
actuaciones en vivo y en hogares donde la gente no asistiría también
son instructivas.
Las organizaciones de danza se han movilizado para documentar y preservar
el legado de las actuaciones de las compañías de danza en imágenes,
notación y palabras. Estos registros son importantes herramientas educativas
y cada vez más en Internet.
Muchas compañías de danza administran escuelas con programas preprofesionales y
de extensión. Desde la década de 1960, los artistas de danza han enseñado en
universidades, escuelas académicas K-12 y entornos comunitarios, así como
en escuelas privadas de danza.
Las escuelas de compañías de ballet tienen sus programas, planes de estudios
graduados, métodos de enseñanza y procedimientos de examen para la
educación progresiva de los bailarines. Los ejemplos incluyen la Escuela August
Bournonville, el Método Cecchetti de Entrenamiento de Ballet Clásico, la Real
Academia de Danza, la Escuela de Ballet Americano y la Academia de Ballet
Vaganova.
Las evaluaciones existen para los estudiantes en un entorno académico.10Las
compañías de danza moderna tienen pedagogías menos formales (por ejemplo, la
técnica que se enseña en el Conservatorio de Danza Contemporánea Martha Graham
y en la Escuela Ailey).
Las compañías de danza no solo patrocinan a menudo la educación en danza en
asociación con las escuelas, sino que algunas compañías invitan a los estudiantes a
participar en la compañía profesional o tomar clases en la escuela de la compañía. En su
tiempo libre, estos estudiantes toman clases académicas para completar sus diplomas
de escuela secundaria. Los cursos o programas de baile dentro de escuelas públicas o
privadas pueden requerir que los estudiantes sean aprendices o hagan una pasantía en
una organización profesional de baile, lo que incluye ayudar con actividades de
recaudación de fondos o servir de ujieres en actuaciones.
El coreógrafo Eliot Feld creó la Escuela Pública de Danza de la Ciudad de Nueva
York (NYCPSD), una escuela de ballet gratuita que es una colaboración única
entre Ballet Tech y el Departamento de Educación de la Ciudad de Nueva York.
Ballet Tech se centra en la evolución y la redefinición continua de lo que es ser
estadounidense: ¿Cuál es el vocabulario de la danza para articular nuestras
historias sobre quiénes somos y en qué queremos convertirnos?
Aunque los estudiantes hacen una audición para la admisión, no es necesario un
entrenamiento previo en danza. El personal de Ballet Tech busca la alegría del niño por el
movimiento, así como la flexibilidad, la musicalidad y la coordinación. El programa para
principiantes de seis semanas introduce a los estudiantes a la clase de ballet. Los transportan
desde sus escuelas primarias hasta Ballet Tech una mañana cada semana.
Los estudiantes que muestran la mayor aptitud están invitados a regresar
para una segunda sesión de seis semanas. El otoño siguiente, unos cincuenta
de estos jóvenes se inscriben como estudiantes de tiempo completo en la
Ballet Tech School. Ofrece técnica de ballet, que incluye puntas, moderno,
carácter, gimnasia, baile irlandés, danza tahitiana y repertorio, y coreografía
de Eliot Feld, además de un plan de estudios académico que sigue las
Requisitos de los Regentes del Estado de Nueva York. Además, los estudiantes estudian
historia de la danza, artes visuales y música, y asisten a un programa intensivo de verano
de cuatro semanas. Kids Dance es la compañía de actuación estudiantil de Ballet Tech.

Children's Dance Theatre (CDT) de la Universidad de Utah Virginia

Tanner Creative Dance Program, Repertory Dance Theatre (RDT), Ririe-
Woodbury Dance Company y Ballet West en Utah han colaborado con
las escuelas públicas de Utah. Un estudio cualitativo de tres años que
incluyó entrevistas y observaciones informó las intenciones y
percepciones de maestros, padres, estudiantes y directores.11Los
programas ofrecieron a los maestros desarrollo profesional en danza e
integración de la danza además de ofrecer servicios culturales a las
comunidades rurales.
Se creía que las colaboraciones entre empresas y académicos en el aula conducían
a mejoras en el clima escolar y beneficios para los estudiantes en las relaciones entre
compañeros a través de experiencias de aprendizaje cooperativo. Los estudiantes
aparentemente desarrollaron confianza en sí mismos, autoexpresión, motivación y
compromiso escolar, así como la adquisición de habilidades de baile. Además, los
estudiantes pudieron recordar mejor la información después de traducir el
contenido en movimiento y comprender los conceptos académicos aprendidos a
través del movimiento.
La Escuela de Ballet de Boston tiene programas para todas las edades y niveles:
infantil, adulto y preprofesional. Ofrece guías de estudio para espectáculos de
ballet. La División para la Educación y las Iniciativas Comunitarias (ECI) intenta
crear una nueva generación de defensores y participantes de las artes para toda
la vida. ECI ofrece experiencias de danza en las escuelas del vecindario, teatros
(Boston Opera House y Strand Theatre) y las instalaciones del Boston Ballet. ECI
sirve como un laboratorio para el desarrollo de las mejores prácticas en la
educación de la danza, los esfuerzos innovadores de construcción de la
comunidad y la promoción de los principios y la disciplina de la danza más allá de
los entornos de estudio y escenario. La división promueve el estudio académico
de danza dentro y fuera de la escuela y trabaja con estudiantes con necesidades
especiales.
El alcance educativo de Dance Theatre of Harlem, "difundir la riqueza", tiene
programas de residencia Bailando a través de barreras para estudiantes en
los grados K-12. Las experiencias de educación en danza incluyen estudio en
clase, actuaciones e interacción con la comunidad. Cada
La lección incluye alfabetización en danza, creación creativa de danza,
pensamiento crítico y reflexión.
El Campus Noroeste de la Escuela de Ballet de Washington es un
programa no académico para pasajeros que comparte estudios con el
Ballet de Washington (TWB) en DC. Más de setecientos estudiantes toman
clases por la tarde después de sus clases escolares académicas y los fines
de semana. TWB en THEARC (Town Hall Education, Arts and Recreation
Center) es un programa de extensión de la escuela TWB.
Alvin Ailey American Dance Theatre tiene varios programas de Ailey
Arts in Education and Community (AAEC). El interés de Ailey en los
programas de danza en la educación surgió de su primera exposición a
la danza cuando su profesor de inglés de secundaria llevó a su clase a
ver el Ballet Russe de Monte Carlo. Al año siguiente, otro maestro llevó a
su clase a ver a Katherine Dunham, quien se convertiría en una
importante inspiración para el trabajo de Ailey.
AAEC envía bailarines a escuelas públicas y centros comunitarios e invita a
los jóvenes al teatro para presentaciones especiales. Hay demostraciones
de conferencias, clases de técnicas y residencias basadas en el plan de
estudios. Cuando la Compañía Ailey se presenta en ciudades seleccionadas,
la AAEC ofrece clases magistrales, demostraciones de conferencias o
talleres de danza con un miembro de la compañía Alvin Ailey American
Dance Theatre.
Ailey Dance Kids atiende a los grados prekínder a 12 y tiene una variedad de
programas para satisfacer las necesidades individuales de cada escuela
pública o privada durante las horas dentro y fuera de la escuela. Hablaré de
Ailey Camp en el próximo capítulo.
Escuelas especializadas en artesson para estudiantes preprofesionales e
interesados. Vivir dentro de los límites de la escuela no es necesario para
asistir a la mayoría de las escuelas especializadas en artes. Existen entre
trescientas y cuatrocientas escuelas magnet de artes escénicas en todo el
país. Duke Ellington School of the Arts para los grados nueve a doce es una
escuela pública suburbana en todo DC con educación preprofesional y
académica, acorde con los planes de estudio preparatorios para la
universidad, en un día escolar extendido de 8:30 a. m. a 5 p. m. Entrada al
baile el programa es por audición.
La Escuela Profesional de Artes Escénicas de Manhattan (PPAS), parte de las Escuelas
Públicas de la Ciudad de Nueva York, tiene como misión satisfacer las necesidades
de dos grupos de estudiantes, a saber, aquellos que quieren ejercer un
trabajo profesional en las artes y aquellos que quieren estudiar las artes como
una vocación. Los grados seis a doce estudian con artistas en activo. Los
estudiantes de PPAS tienen trabajo académico riguroso en la escuela todas las
mañanas e instrucción intensiva de artes escénicas en estudios profesionales,
por ejemplo, Ailey School for Dance, todas las tardes.
Jefferson High School en Portland, Oregón, tiene un programa magnet de artes
escénicas y visuales para estudiantes de tiempo completo o de tiempo parcial
(aquellos que toman sus cursos académicos en su escuela local). El programa
enseña diferentes niveles de una amplia gama de estilos de baile, incluidos ballet,
tap, africano, moderno, hip-hop y jazz. Los estudiantes pueden tomar hasta un
año o más de crédito universitario en Portland Community College a través de un
sistema de inscripción simultánea. Dentro de esta estructura, los estudiantes de
tiempo completo pueden tomar clases de técnica de danza impartidas en
estudios profesionales por instructores con experiencia como bailarines y/o
coreógrafos profesionales. Además, los estudiantes tienen la oportunidad de
estudiar con artistas de renombre mundial en programas de residencia y
audicionar para escuelas y universidades de formación postsecundaria.
una electivaprograma dentro de una escuelaes PACE, la experiencia del plan de
estudios de artes escénicas, en Mamaroneck High School, Mamaroneck, Nueva
York. El plan de estudios ofrece a los estudiantes cuatro años progresivos de
estudio. Tienen la oportunidad de aprender a través de proyectos de producción
y actuación de danza extracurriculares. Los maestros trabajan como socios con
los estudiantes para que puedan desarrollar sus propias voces en lugar de ser
simplemente un conducto para las voces de los demás. La mayoría del contenido
de la actuación de PACE está escrito, coreografiado, arreglado y dirigido por
estudiantes. Highland Park High School en Illinois ofrece dos o tres cursos de
danza dentro de su departamento de bellas artes. El plan de estudios se centra
en el modelo de educación artística basado en disciplinas.
Aprograma de baile de la escuela de grupoen el Centro de Artes Fillmore,
Washington, DC, atiende a estudiantes de escuelas públicas K-8 de seis
escuelas públicas cercanas de DC. Viajan en autobuses de las Escuelas
Públicas de DC a un sitio de Fillmore en “su día”. El programa de danza
proporciona el desarrollo de habilidades técnicas, conciencia cinestésica,
improvisación, composición individual y grupal, y el estudio de la
interrelación de las artes.
 La educación en danza en las 1,850 escuelas del sistema de Escuelas Públicas de la
Ciudad de Nueva York sigue elPlan para la enseñanza y el aprendizaje de las artes:
Danza, grados Pre K-12, basado en elEstándares de aprendizaje del estado de Nueva
York en las artes. losPlanoLas pautas del plan de estudios de permiten programas de
educación de baile secuenciales y completos. Explica en detalle los objetivos del
contenido que los estudiantes deben aprender, las habilidades que deben poseer y
las herramientas para la evaluación de los estudiantes.
Los estudiantes hacen danzas y aprenden sobre el lenguaje y la
estética de la danza para analizar, evaluar, documentar, crear y realizar
danzas. Además, se les anima a comunicar sobre la danza a sus familias,
amigos y comunidades. Los estudiantes investigan los contextos
históricos, sociales y culturales de la danza. Trabajan con artistas
profesionales y organizaciones artísticas y ven diversos espectáculos de
danza. Además, los estudiantes consideran la gama de danzas y
profesiones relacionadas con la danza cuando piensan en sus
aspiraciones.
Tres modelos para brindar educación de baile en la ciudad de Nueva York son
(1) maestros de baile certificados en la escuela con licencia en el personal de la
escuela que brindan educación de baile secuencial. (2) Las organizaciones
culturales se asocian con escuelas para talleres, actuaciones y residencias (un
bailarín profesional enseña durante un período breve en una escuela). (3) Los
maestros de aula, algunos de los cuales tienen experiencia en danza, apoyan la
enseñanza de la danza independientemente de sus propias habilidades de danza.

La mayoría de las escuelas primarias ofrecen algo de baile, aunque no un programa

completo en todos los grados. En la escuela intermedia, se requieren dos formas de arte
y en la escuela secundaria, al menos una. La danza es una forma de arte opcional si el
director decide ofrecerla. En la escuela secundaria y preparatoria, se requiere un
maestro de baile con licencia certificado para que los estudiantes reciban crédito.
Aprograma de baile en todo el condadopara todos los estudiantes de K–12
durante un período de años está en las Escuelas Públicas del Condado de Anne
Arundel (AACPS) de Maryland. El programa que comenzó a instancias de los
padres y el interés de un maestro en una escuela secundaria en 1968 se convirtió
en un programa para todo el condado que ha crecido bajo la guía de Judi Fey y
otros. En 2013, AACPS tenía 125 escuelas que atendían a aproximadamente 78
000 estudiantes con treinta y seis profesores de baile. El programa de baile es
una unidad separada en el bien establecido programa de educación física.
departamento, junto con salud y educación física. Tenga en cuenta que algunas
escuelas distinguen entre la danza como forma física y la danza como arte.

La danza se ofrece dos veces por semana durante media hora en las escuelas
primarias. Actúan veinte grupos extraescolares. En las escuelas secundarias, las
clases de Dance Company 1–1V son por audición y los estudiantes también ensayan
después de la escuela. La clase de Danza para Deportistas (también disponible en
séptimo grado) mejora el rendimiento de los deportistas porque ofrece movimientos
diferentes al entrenamiento deportivo. Demasiado enfoque en ciertas habilidades
puede aumentar las posibilidades de lesiones por uso excesivo.12Después de dos o
tres días a la semana durante nueve semanas, los atletas de la escuela Anne Arundel
mejoraron su flexibilidad, agilidad y estado físico general.13
AACPS ahora tiene una escuela secundaria especializada en artes escénicas y visuales
basada en audiciones. Hay seis programas piloto de integración de las artes.
Las compañías de danza de la escuela secundaria audicionan para la exhibición de
danza de la escuela secundaria de Maryland. El Conjunto de Danza de la Escuela
Secundaria del Condado de Anne Arundel es un grupo de actuación formado por los
mejores bailarines de la escuela secundaria de AACPS. El Conjunto se presenta en
festivales de danza y conciertos de danza durante todo el año escolar. La coreografía del
festival está a cargo de profesores de danza, estudiantes y artistas de danza invitados.
Fey ha coordinado AACPS'Danza Actuaciones en festivales desde 1981. Los grupos de
actuación en todos los grados escolares presentan espectáculos con entradas agotadas.
Las ganancias de las entradas ayudan a pagar los disfraces. En 2012–2013, más de 2640
bailarines demostraron su talento en seis conciertos en todo el condado.

Cuando se le preguntó cómo sobrevive el programa AACPS en la era del recorte

en las artes y la falta de fondos para iniciar nuevos programas, Fey dijo: “A los
padres les encanta el programa. Los directores ven los beneficios de la disciplina
y la responsabilidad que los estudiantes obtienen de la educación en danza y
cómo las actuaciones unen a las comunidades escolares”.
Para que un programa de danza comience y se integre en el currículo
escolar, la experiencia de AACPS sugiere: (1) Encontrar interés entre
maestros y padres. (2) Ayudarlos a organizar y reclutar a otros (maestros,
directores y oficina administrativa central) para su causa. (3) Ubique el
programa de baile donde tiene poder de permanencia. (4) Usar estándares
de currículo. (5) Producir actuaciones en festivales para mostrar los logros
de los estudiantes, atraer la atención y obtener el apoyo de
padres y profesores y administración de la escuela. (6) Desarrollar vínculos con los
programas de danza en las universidades para enriquecer el programa escolar. (7) Usar
títulos para el personal de baile que tenga influencia en el sistema escolar. (8)
Comercializar el programa de danza con las administraciones escolares, llegar a los
medios de comunicación y utilizar la web.14

Figura 3.6. Programa de baile con poder de permanencia

Cortesía de la escuela secundaria Glen Burnie. Escuela pública del condado de Anne Arundel.

Un arte liberal: la danza integrada con otras materias

El plan de estudios de danza K-12 enfatiza el proceso de los estudiantes
creandodanzas—los caminos que toman los estudiantes para encontrar y
resolver problemas y explorar conexiones simbólicas entre el entorno, el
cuerpo y la mente a través de la coreografía y su realización—en lugar del
producto y la actuación. Centrarse en el contexto, o la ecología, de la danza la
convierte en un arte liberal, parte de las humanidades y las ciencias sociales y
del comportamiento. En la historia, la antropología y la sociología de la danza,
los individuos exploran la naturaleza culturalmente específica de la danza, así
como los puntos en común de toda la danza. La danza está dentro de los
dominios de la psicología y la filosofía cuando los individuos aprenden a
percibir críticamente, responder y juzgar los elementos de la danza y sus
conexiones, y darse cuenta de las cualidades de la danza que contribuyen a
una respuesta estética. El negocio de la danza lo sitúa en el
esferas de la economía, la administración de las artes y el derecho. Al ser
corporal, la danza es un arte físico en los dominios científicos de la
anatomía, la biomecánica, la kinesiología, la salud, la neurociencia, la
fisiología, la informática y la física.
Como maestra de escuela secundaria de estudios sociales/inglés certificada por el
estado de California y educadora de danza, vi cómo la danza involucraba a los
estudiantes en mi curso centrado en la danza en Gill/St. Escuela Secundaria de
Bernardo. Los estudiantes trabajaron con entusiasmo en otros temas. Por ejemplo,
además de los beneficios de la inmersión estética, los estudiantes desarrollaron
habilidades en inglés cuando escribieron críticas de los conciertos de baile que
vieron en el Lincoln Center de Nueva York y luego compararon sus críticas con lo que
estaba escrito en elNew York Timesel día siguiente.
Las conexiones entre la danza y las demás artes o entre la danza y
otras materias son de dos tipos: correlación e integración. Correlación
Los enfoques muestran similitudes o diferencias específicas (p. ej., cómo
la expresión no verbal de la danza y la expresión verbal de la poesía
usan vocabulario y gramática).IntegraciónLos enfoques utilizan la danza
y otras disciplinas para que se refuercen mutuamente.
Las clases en diferentes disciplinas pueden trabajar en un proyecto temático
interartes o interdisciplinario común. Por ejemplo, los estudiantes podrían
estudiar el sistema solar en las clases de ciencias mientras que los estudiantes de
danza usan el sistema solar como tema para explorar el movimiento y hacer
danzas. Los estudiantes de otras artes explorarían el sistema solar desde la
perspectiva de sus respectivas disciplinas. Todos compartirían sus nuevos
conocimientos y productos.
En el currículo integrado a la danza, la danza es el enfoque de la enseñanza y el
vehículo para el aprendizaje. Los estudiantes cumplen objetivos de aprendizaje
duales cuando participan en el proceso creativo para explorar las conexiones
entre la danza y la materia que no es danza. Enseñar danza a través de una lente
interdisciplinaria conduce a libros y la danza inscribe doblemente el aprendizaje.

Los estándares de baile locales, estatales o nacionales para niveles de grado

específicos, así como las normas relevantes de otras materias, guían la instrucción. Los
profesores que enseñan danza y aceptan las solicitudes de los profesores para
desarrollar producciones de danza que iluminen la historia y los temas curriculares de
inglés se convierten en defensores de la educación en danza.
 La danza puede ser complementaria o parte de otra materia, como
música, estudios sociales, literatura, idiomas, ciencias o educación física. En
este plan de estudios mejorado en danza, los objetivos en la forma de
danza pueden no ser explícitos ni los maestros capacitados en danza.
Los investigadores argumentan que la integración de las artes aprovecha los
hallazgos sobre la memoria a largo plazo.15Es probable que la integración de la
danza sea efectiva para mejorar la retención del contenido a través de la
transferencia del aprendizaje y el desarrollo de disposiciones. El ensayo, parte
integral del aprendizaje de la danza, mejora la memoria a largo plazo. La
generación de información significativa y contextual mejora el recuerdo. La
promulgación y producción oral de información contribuye a la memoria a largo
plazo más que solo leer. La danza puede retratar información narrativa y
abstracta. Esforzarse por comprender información novedosa (contenido
integrado en el arte), la activación emocional y la representación pictórica
contribuyen a la memoria a largo plazo.
Impacto de las artes alternativas de Duxberry ParkEscuela primaria,
Columbus, Ohio, es una escuela de artes integradas que atiende a unos 250
estudiantes en toda la ciudad, en los grados K-5. Las artes se infunden en el
plan de estudios académico básico con un equipo de artes de tiempo
completo compuesto por maestros certificados en artes visuales, música,
danza y teatro. Además, la escuela expone a los estudiantes a diversas formas
artísticas a través de su colaboración con el Artista en las escuelas del Greater
Columbus Arts Council, Festival de las Artes, además de proyectos con
BalletMet, Jazz Arts Group, Columbus Children's Theatre y Phoenix Theatre.
Duxberry sobresale académicamente a pesar de atender a una población
estudiantil que tiene un 84 por ciento de desventaja económica.
El aprendizaje interdisciplinario, la infusión de danza, es parte del plan de
estudios de la Escuela Primaria de Artes Creativas Ashley River, Charleston,
Carolina del Sur. El acceso a la escuela es por sorteo. En 2013 había mil
alumnos en lista de espera. Otro ejemplo de infusión de danza es la
Escuela Integrada de Artes Woodrow Wilson reconocida a nivel nacional en
Weehawken, Nueva Jersey.
La escuela primaria Adams en Hamilton, Ohio, incluye las artes como parte de las
matemáticas, las ciencias, las artes del lenguaje y los estudios sociales. Los estudiantes
toman una clase semanal en cada una de las disciplinas artísticas: artes visuales, música,
danza y teatro, impartidas por un maestro de artes certificado. Los maestros de artes y
no artes colaboran para que los conceptos aprendidos en artes y no artes
las clases de arte se refuerzan mutuamente. Por ejemplo, las lecciones de
estudios sociales sobre los primeros Estados Unidos y George y Martha
Washington incluyen instrucción de baile en el minueto. Al aprender a decir la
hora, los estudiantes aprenden un baile en el que se convierten en un reloj ya
que sus movimientos reflejan el paso de las horas. La escuela sigue el
programa SPECTRA+ (Escuelas, padres, educadores y niños, los maestros
redescubren las artes desarrollado por el Centro Hamilton Fitton para las
artes creativas).
El Perpich Center for Arts Education Arts High School de Minnesota (ART
HI), una innovadora escuela secundaria pública residencial y de cercanías
integrada de artes y académicos para estudiantes de undécimo y
duodécimo grado en todo el estado, es un ejemplo de los esfuerzos de
reforma de la educación en danza. La legislatura estatal creó la escuela en
1989 en Golden Valley (un suburbio de Minneapolis) después de cinco años
de planificación. La escuela tiene cinco objetivos principales: la adquisición
de habilidades para aprender, pensar y resolver problemas; creatividad e
innovación; comunicación; organización, planificación y liderazgo; y
relaciones sociales, economía y autorregulación, todo para lograrse sin
perder la integridad de la forma de arte individual que se estudia.
La admisión requiere un ensayo sobre lo que los estudiantes esperan obtener y
aportar a la experiencia. Los estudiantes hacen una audición y tienen una
entrevista diseñada para evaluar su competencia, motivación, compromiso,
creatividad, imaginación y capacidad para adquirir habilidades rápidamente,
independientemente de su educación previa en danza. La escuela analiza los
expedientes académicos de los estudiantes para identificar patrones que podrían
indicar un problema de actitud que haría desaconsejable su ubicación en la
escuela.
Por ley, la escuela debe inscribir estudiantes en igualdad de condiciones de cada
uno de los ocho distritos electorales del estado. Esto da como resultado una
población estudiantil diversa. Los estudiantes que no residen dentro de una distancia
razonable para viajar al trabajo pueden vivir en un dormitorio del campus.
ART HI incorpora planes de aprendizaje para estudiantes basados individualmente,
desarrollados por el estudiante en cooperación con la facultad, que detallan las metas
del estudiante, los resultados esperados y los criterios para demostrar el dominio de las
experiencias de aprendizaje (los planes se revisan cada seis u ocho semanas). Los días de
ocho horas tienen bloques separados de tiempo de instrucción que son específicos de
las artes, específicos de los estudios generales e interdisciplinarios.
Enseñanza Universitaria de Danza
en la academia,dieciséisla danza puede ser una bella arte, un arte liberal, un
componente de la educación física e incluso un foco de investigación en las
ciencias. En los niveles de maestría y doctorado, los estudiantes que
deseen enfocarse en la danza pueden explorar el tema en disciplinas
distintas a la danza (p. ej., antropología, educación artística, comunicación,
literatura comparada, estudios culturales, educación, etnomusicología,
historia, kinesiología, estudios de interpretación, filosofía, física).
educación, psicología, sociología y estudios de la mujer). En mi trabajo de
doctorado en antropología en la Universidad de Columbia, mis artículos
sobre antropología cultural, lingüística, arqueología y antropología física
estaban relacionados con la danza y se convirtieron en capítulos enBailar
es humano: una teoría de la comunicación no verbal.
Como disciplina independiente, la danza es nueva para la academia en
comparación con las otras artes. Los programas de baile de pregrado y posgrado,
incluido el nivel de doctorado, pueden requerir audiciones. Algunos programas
universitarios son como conservatorios preprofesionales/centrados en la actuación,
que ofrecen ballet y otros géneros de danza. Sin embargo, la mayoría de los
programas universitarios se centran en la danza moderna/creativa.
La historia de la danza fue un enfoque académico preliminar. Los planes de
estudios se ampliaron para abarcar la influencia de la ciencia y los estudios culturales
para comprender cómo la práctica de la danza teoriza el cuerpo, el yo, el otro, la
colectividad y la divinidad. La indagación puede utilizar “escritura
performativa” (coreografía de conceptos).
Las instituciones académicas ofrecen cada vez más pedagogía de la danza como
preparación para enseñar danza K-12 y obtener la acreditación estatal. Melanye
Dixon White de la Universidad Estatal de Ohio (OSU) comenzó el trabajo de
aprendizaje de servicio en 1989 porque en ese momento ninguno de los cursos de
métodos de enseñanza/pedagogía incluía trabajo de campo en las escuelas públicas.
Ella y sus estudiantes universitarios se reúnen con estudiantes de primaria un día a
la semana durante cuarenta y cinco minutos durante un semestre. Una guía de
estudio explica cada estilo de baile, su vocabulario y coreografía, y el
comportamiento del concierto.
El programa "Bailarines en las escuelas" de la Universidad de Hofstra es para estudiantes
de danza y educación en danza para enseñar en escuelas públicas y privadas en Long Island
y en la ciudad de Nueva York. En 2014, la atención se centró en cómo las obras de arte
famosas pueden inspirar la creación de la danza. Para los estudiantes eran
trabajando con. Los estudiantes de Hofstra, inspirados en una pintura
de Jackson Pollock, realizaron una pieza colaborativa para escolares.
Luego, los estudiantes universitarios animaron a los jóvenes a
inspirarse en varias pinturas y en pequeños grupos crear sus propios
bailes.

OFERTAS DE ORGANIZACIONES DE ARTES ESCÉNICAS

Por lo general, las actividades de danza que ofrecen las organizaciones artísticas son
programas de exposición, una actividad única o una serie corta de actividades que sirven
como "enriquecimiento" para otras partes del plan de estudios académico. Al igual que
los programas que las organizaciones artísticas suelen ofrecer en sus propias
instalaciones, sus programas de extensión pueden ser para estudiantes de escuelas
públicas interesados. Elaboraré algunos programas bien establecidos que van más allá
de un sitio específico.

Centro John F. Kennedy para las artes escénicas (KC)

El alcance se dirige a las escuelas locales, los estudiantes de danza del área, los
maestros y el público a través de conferencias, demostraciones, talleres,
presentaciones en vivo y programas de capacitación en DC y los suburbios de
Maryland y Virginia. Los maestros que toman los programas de educación
artística de KC pueden recibir crédito de posgrado a través de la Universidad de
Virginia y crédito en servicio en los sistemas de escuelas públicas de DC,
Maryland y Virginia.
Changing Education through the Arts (CETA) es una asociación entre KC y
dieciséis escuelas en el área metropolitana de DC que están interesadas en
adoptar un enfoque en la integración de las artes. El KC ofrece desarrollo
profesional para profesores de danza. Asisten a talleres, cursos de sesiones
múltiples y enseñanza de demostración en las aulas. Además, los maestros
trabajan con un entrenador para obtener comentarios sobre su
implementación de la integración de las artes. Las escuelas, a su vez,
desarrollan un plan estratégico diseñado para ayudarlas a difundir la
integración de la danza en sus aulas.
El Programa de Educación Artística ofrece recursos para educadores de
danza en todo el país. Un instituto reúne asociaciones de organizaciones
que presentan artes y sus sistemas escolares vecinos para crear nuevas
oportunidades de aprendizaje para maestros y estudiantes. Seguir-
up consulta ayuda en el desarrollo del programa. Arts Education ha creado una
plataforma digital para recursos didácticos (plan de estudios de danza y planes
de lecciones) y una red nacional de proveedores de servicios de educación
artística.
En el programa Socios en la Educación, una comunidad desarrolla una
asociación entre el distrito escolar local y una organización artística. Y
esa asociación trabaja para desarrollar y ofrecer desarrollo profesional
en las artes para maestros. había noventa y sieteequipos de asociación
en cuarenta y dos estados en 2013.

Instituto Lincoln Center para las Artes en la Educación/Lincoln Center

Education
El Instituto Lincoln Center en la ciudad de Nueva York, rebautizado como Lincoln
Center Education (LCE) en 2013, recibió una subvención de $4 millones de la Fundación
Sherman Fairchild para apoyar nuevos programas. LCE durante un período de cuatro
años se centrará en programas de educación artística K-12, asociaciones de educación
superior para capacitar a maestros de educación artística, programas de divulgación, un
instituto para la investigación de educación artística y consultoría en educación artística.

LCE trata de desarrollar habilidades de percepción en la transacción entre una

persona y una obra de arte, en lugar de centrarse en la historia, las tradiciones y
la naturaleza técnica de la forma de arte. El centro de atención está en los
avances que permiten el asombro, la inquietud, el cuestionamiento y la búsqueda
de lo que aún no es.
Los maestros participan en un programa en LCE para explorar conceptos
estéticos de obras interpretadas. Artistas didácticos dirigen actividades
participativas. Los maestros ven una obra, identifican y exploran sus
características, ven otras obras de arte que tienen características similares,
ven la obra nuevamente y discuten las percepciones cambiadas. Luego, los
maestros discuten el diseño de construir experiencias comparables para
sus estudiantes que implementan.
Unas trescientas escuelas con dos mil maestros y administradores
de K-12 en artes y otras materias en el área metropolitana de Nueva
York participan en el programa. Los educadores tienen acceso al
Centro de Recursos de la Fundación Heckscher. El modelo LCE ha sido
replicado en otras ciudades. LCE ofrece consultorías, residencias,
talleres para estudiantes K–12 con desarrollo profesional para
educadores, colaboración de múltiples organizaciones y participación en
conferencias y seminarios.

Público joven Artes para el aprendizaje

Young Audiences (YA) es un programa de artes en la educación que vincula
escuelas, artistas docentes y recursos culturales comunitarios con el plan de
estudios K-12. YA se ha convertido en una red nacional que atiende a más de
cinco millones de estudiantes en siete mil escuelas y centros comunitarios a
través de su diversa red de treinta afiliados locales.
YA busca mejorar las habilidades de los estudiantes en alfabetización, aprendizaje y
vida a través de las artes. Impartidos por un maestro de aula que ha recibido
capacitación del personal del programa YA, los talleres de danza se construyen alrededor
de una o más historias centrales y se complementan con residencias artísticas
extendidas. YA tiene residencias creativas de resolución de problemas diseñadas
específicamente para estudiantes de secundaria.

Instituto Nacional de Danza

Cuando aún era un bailarín estrella del New York City Ballet, Jacques
d'Amboise fundó el Instituto Nacional de Danza (NDI). Quería exponer el
baile a los niños que no podrían pagar clases de baile o actuaciones por
su cuenta. D'Amboise nunca tuvo que pagar sus clases cuando era niño
(recibió apoyo de becas o trabajó para las clases). Aunque abandonó la
escuela secundaria, d'Amboise insta a los jóvenes a completar su
educación. Al principio, d'Amboise trabajaba solo con niños porque no
quería que pensaran que el baile era "solo para maricas o niñas". El
programa ahora atiende tanto a niños como a niñas.

NDI ofrece un programa integral de baile en la escuela que abarca a niños,

educadores y padres en treinta y cinco escuelas asociadas en el área
metropolitana de la ciudad de Nueva York, y atiende a casi seis mil
estudiantes por semana. En cada escuela asociada, el NDI inscribe a todo el
cuarto o quinto grado. Algunas escuelas tienen hasta trescientos bailarines.
Estos niños aprenden danza junto con artes del lenguaje y matemáticas.
Las clases de NDI, impartidas por un artista/coreógrafo docente profesional, un
maestro asistente y un músico, introducen a los estudiantes a los conceptos básicos de
la danza. Además, los miembros del personal artístico y de programas del NDI
trabajar con maestros de aula y otros especialistas en artes en cada
escuela para integrar las artes en el aprendizaje diario en el aula.
Alrededor del 90 por ciento de los estudiantes matriculados en NDI
provienen de comunidades desfavorecidas y algunos tienen discapacidades
físicas y emocionales. El NDI también ha ofrecido clases fuera del horario
laboral para niños de albergues de la ciudad y hoteles de asistencia social que
no pudieron regresar a los albergues hasta la noche. Debido a la muestra
representativa étnica (afroamericana, latina, asiática y europea) y económica
de los niños del área metropolitana de Nueva York que participan en NDI, los
jóvenes bailarines aprenden a trabajar con personas de diferentes orígenes.
NDI se comunica con los padres en chino, español e inglés.
Las clases de una hora son de jazz de estilo libre y utilizan
acompañamiento en vivo. Los niños aprenden secuencias básicas de
baile y luego progresan a coreografías más complejas. Crean
personajes y estados de ánimo a través de la danza y, finalmente,
pulen y refinan su trabajo. Se llevan a cabo tres actuaciones para el
público escolar durante el año para brindarles a los estudiantes
metas tangibles y oportunidades para demostrar su entusiasmo y
logros recién desarrollados. Se reserva tiempo para que su audiencia
participe y pruebe las técnicas de baile.
Las asambleas preparan a los bailarines del NDI para el concierto “Evento
del año” que se lleva a cabo cada mes de junio. Durante el año, los
maestros de d'Amboise y NDI coreografían bailes originales para que cada
escuela los presente en el "Evento". Tiene un tema sobre algo
históricamente significativo que los estudiantes están estudiando en sus
aulas regulares. Los temas han incluido "Andrew Jackson y la batalla de
Nueva Orleans", "Paul Revere's Ride", "La revolución francesa", "Chakra:
una celebración de la India" y "La danza en la vida de Coney Island".
El tema del evento y los materiales del plan de estudios relacionados
complementan los requisitos de la Junta de Educación de la Ciudad de Nueva York
para inglés, estudios sociales, ciencias y matemáticas. Los materiales curriculares del
NDI incluyen descripciones y análisis del tema; su cronología; viñetas de la vida de las
personas involucradas; recetas para su comida; e ilustraciones de la música, el arte y
la literatura de la época. En los materiales se incluyen preguntas de estudio, una lista
de exhibiciones actuales a las que los estudiantes pueden asistir y una bibliografía
seleccionada.
 Los niños actúan junto a bailarines, músicos y artistas de cine y
televisión célebres en el musical Event que presenta a dos mil niños del
programa escolar de Nueva York. Los bailarines muestran lo que han
aprendido en una velada para padres, amigos y miembros de la
comunidad. Después del evento, el NDI realiza una clase adicional
especial para permitir que los niños reaccionen ante la presentación.
Esta clase ayuda al NDI a evaluar el programa e informar a los niños
sobre oportunidades para continuar participando en la danza.
Durante el programa en la escuela, los maestros del NDI invitan a los niños
que demuestran un talento especial para la danza a unirse a las clases de
becas de los sábados por la mañana que se reúnen durante todo el año
escolar. Aproximadamente ochenta niños se unen al equipo SWAT (Becas para
personas dispuestas, exitosas y talentosas; la etiqueta se refiere a
especialistas en danza, como la policía tiene especialistas). Las becas están
disponibles para hasta setenta y cinco de los estudiantes del NDI más
talentosos y motivados para el Instituto de Verano.
Este programa intensivo de cuatro semanas ofrece clases de ballet,
jazz, danza étnica, tap y canto. El instituto culmina con una actuación
gratuita al aire libre, como la que se da en la plaza del World Financial
Center en Battery Park City ante una audiencia de 1.600 personas. Los
bailarines con logros excepcionales pueden continuar hasta el octavo
grado en el equipo de celebración de NDI. Muchos graduados del NDI
han ido a estudiar con la Escuela Alvin Ailey, el Ballet Hispánico, el Teatro
de Danza de Harlem, la Escuela Secundaria de Artes Escénicas LaGuardia
y la Escuela de Ballet Americano.
El personal artístico del NDI está compuesto por profesionales que
audicionan para sus trabajos. Deben gustarles los niños y tener una
personalidad enérgica y teatral; una comprensión de los niños y sus
necesidades de desarrollo; y familiaridad con el proceso de enseñanza y
aprendizaje. Profesores y coreógrafos realizan prácticas en un Instituto
de Verano y participan en talleres de coreografía y técnicas didácticas
que se realizan en otros momentos.
Treinta y ocho páginas detalladasNDI Profesor/Coreógrafo
Manualexplica el NDI y su enfoque orientado a la interpretación de las
artes en la educación. Las instrucciones incluyen consejos para llamar la
atención de los niños, estructurar los calentamientos diarios del salón de
clases, enseñar coreografías, saludar a los jóvenes y decir buenos-
adiós. Los objetivos y técnicas de enseñanza incluyen cómo corregir
errores, trabajar con niños con necesidades especiales y mantener la
disciplina.
NDI ofrece una residencia de un mes. Un equipo de cuatro a cinco miembros del
personal del NDI viaja a una comunidad y crea un espectáculo de danza original
con niños de dos o tres escuelas. Con la ayuda de los directores de las escuelas,
se selecciona un grupo de edad o grado para participar en las clases de baile. Al
mismo tiempo, los niños de otros grados en las escuelas seleccionadas participan
en proyectos de artes visuales para crear los escenarios, disfraces, propiedades y
materiales publicitarios para la producción. Todas las escuelas de los distritos
participantes pueden trabajar con materiales curriculares del NDI diseñados para
ayudar a los niños a relacionar su experiencia artística con sus esfuerzos
académicos.
Finalmente, los estudiantes realizan la producción durante una semana durante el día y miles de
niños viajan en autobuses desde las escuelas locales para ver a sus compañeros en el escenario.
Dentro del área metropolitana de la ciudad de Nueva York, las escuelas individuales pueden tener
residencias de dos semanas a menor escala.
Los estudiantes del NDI mostraron mejores logros académicos entodos
asignaturas.17Este logro se debió a que los jóvenes experimentaron clases de
baile estructuradas con técnicas básicas y actuaciones que estaban vinculadas
a la colaboración con los maestros de aula de la escuela que impartían su plan
de estudios regular.

Programa de danza para jóvenes talentos ArtsConnection

ArtsConnection ha colaborado con el Departamento de Asuntos Culturales de la Ciudad

de Nueva York, la Oficina de la Juventud de la Ciudad de Nueva York y la Junta de
Educación de la Ciudad de Nueva York. Este programa me tieneresidencias n-school y
afterschool en danza , colaboraciones entre profesores de aula y artistas docentes, y
desarrollo profesional para ambos. Basándose en sus diversos proyectos de
investigación, ArtsConnection se ha convertido en un modelo de trabajo para asociar la
educación artística con las escuelas académicas.18
El programa de educación de baile secuencial de cuatro años Young Talent
Dance Program ("YT") (los estudiantes son sacados de otras clases) se enfoca en
estudiantes en riesgo y poblaciones escolares marginadas del centro de la
ciudad. El programa tiene tutoría opcional para el tiempo de clase perdido. YT
identifica y capacita a estudiantes de danza talentosos para que trabajen con
algunos de los estudios y teatros profesionales más respetados de la ciudad.
 ArtsConnection y un panel de educadores de danza profesionales audicionan a
estudiantes para YT en grandes clases magistrales que se llevan a cabo dentro de
una escuela académica. Los criterios de selección incluyen las habilidades de
control físico, coordinación y agilidad, conciencia espacial, observación y
memoria; ritmo; motivación; capacidad de concentración; perseverancia; y
creatividad en términos de expresividad, cualidades de movimiento e
improvisación.
Cada año, los jóvenes del programa YT aprenden un estilo de baile
diferente extraído de diferentes países, técnicas y tradiciones. Aunque
los niños aprenden danza moderna, jazz, africana, española, caribeña
y ballet, el desarrollo de la creatividad y el potencial de cada niño es el
hilo común.
Durante el año del Nivel I, todos los estudiantes de tercer grado, junto con sus
maestros, reciben una introducción al arte de la danza y la energía y
concentración requeridas en una clase de danza seria. Los estudiantes asisten a
una serie de talleres “Tu cuerpo es tu instrumento” y toman una clase por
semana en el gimnasio de la escuela durante cinco a diez semanas. Aprenden los
conceptos básicos de la danza, como una buena postura, anatomía, nutrición,
habilidades auditivas, estiramientos de calentamiento, técnicas de concentración,
vocabulario de danza y estructura rítmica. Además, usan su imaginación para
descubrir una amplia variedad de opciones de movimiento que son
exclusivamente suyas.
Después de esta introducción, el personal de YT audiciona a los estudiantes de cuarto
grado para identificar a aquellos con la capacidad y el entusiasmo para beneficiarse de la
capacitación extendida en la instrucción de baile de Nivel II. Alrededor de veinticinco
estudiantes en cada escuela toman una clase en la escuela por semana durante
veinticinco semanas y asisten a tres excursiones en semanas consecutivas para recibir
clases magistrales en estudios de danza profesionales y al menos un viaje a una
representación teatral profesional. Se proporciona transporte en autobús y supervisión
de un adulto para todas las actividades extraescolares del programa.
YT introduce a los estudiantes de segundo año a los elementos de la técnica
de la danza, aumentando su vocabulario de movimiento y conocimiento del
cuerpo en la atmósfera de un entorno de estudio profesional. Una rutina de
clase estructurada permite a los estudiantes trabajar en la conciencia rítmica y
espacial y realizar ejercicios para mejorar la fuerza, la flexibilidad y la
resistencia.
 Los estudiantes que completan con éxito el Nivel II pueden pasar al Nivel
III (años tres y cuatro, para estudiantes de quinto y sexto grado). Aquí
reciben veinticinco talleres en sus escuelas y veinte clases semanales en
estudios profesionales. Un enfoque en la técnica de la danza exige una
mayor concentración y práctica de lo que es posible en la clase en la
escuela. Los estudiantes aprenden y recuerdan frases de movimiento y las
convierten en coreografías.
Además del entrenamiento de movimiento intensivo de cuatro años, YT
ofrece talleres de recursos de baile de tres a cinco semanas para las aulas y
sus maestros en los grados K-6 para vincular el movimiento con áreas del plan
de estudios académico. YT también realiza talleres para estudiantes de
educación especial, clases bilingües y otros grupos distintos dentro de la
escuela. Se imparten clases extraescolares para maestros, padres y la
comunidad.

PROGRAMAS DE BAILE BASADOS EN LA COMUNIDAD

Algunos programas comunitarios de danza de distintas edades están

diseñados para preservar la herencia cultural de un grupo. Por ejemplo, el
área metropolitana de DC tiene grupos de actuación mexicanos y bolivianos
activos de niños y niñas, hombres y mujeres. Los centros recreativos/
comunitarios a menudo ofrecen programas de baile. Aquellos con grupos
étnicos mixtos ofrecen inclusión social para poblaciones recién llegadas con
uso limitado de un segundo idioma. El vínculo y la inclusión social a través de
la danza a través de las divisiones culturales y lingüísticas de la sociedad en
general contribuye a la regeneración del vecindario. El apoyo a los programas
de danza basados en la comunidad proviene de los propios grupos que
recaudan dinero para las actuaciones, las unidades de servicio como justicia
juvenil, salud mental, educación vocacional, grupos de personas mayores,
consejos estatales y locales sobre las artes, el Fondo Nacional para las Artes y
organizaciones religiosas. .19
Dance4Life, una iniciativa internacional, moviliza y une a los jóvenes
para hacer retroceder la propagación del VIH/SIDA a través de eventos
de baile en todo Estados Unidos. Muchos estudios en las comunidades
participan en la celebración anual del Día Nacional de la Danza para
correr la voz sobre el valor y la relevancia del baile.
 PREPARACIÓN DEL PROFESOR DE BAILE

¿Quién enseña danza? En lugares informales, una persona con algún

conocimiento de un género de danza puede enseñar visualmente (haciendo
demostraciones) o verbalmente (explicando). La aceptación del profesor depende
del alumno. En lugares formales, se espera que los maestros de danza cumplan
con los criterios de la institución que ofrece la instrucción.

Estudios privados de danza, conservatorios y artistas docentes

Una carrera de danza profesional a menudo califica a alguien para enseñar lo
que ha aprendido. Por supuesto, ser un experto no significa necesariamente que
el bailarín tenga las herramientas pedagógicas adecuadas. Las compañías de
danza ofrecen talleres de formación de profesores, por ejemplo, Royal Winnipeg
Ballet School, American Ballet Theatre, Ailey Extension y Central Pennsylvania
Youth Ballet.
Los profesores de estudios de danza y conservatorios pueden obtener una
certificación en las técnicas de danza que enseñan, por ejemplo, Cecchetti Ballet.
El CORPS de Ballet International apoya la educación del ballet.
Dance Masters of America lleva a cabo un Programa de Escuela de
Formación de Profesores en la Universidad Estatal de Nueva York en
Buffalo y el Centro de las Artes durante una semana durante el verano. Hay
técnicas básicas para profesores de danza nuevos y futuros, educación
continua para profesores en activo y clases de "repaso" para los antiguos.
Al completar el programa, los maestros reciben una certificación de
competencia.
La escuela también ofrece un programa de tres años de formación intensiva
en técnica y pedagogía para enseñar ballet, jazz, tap, acrobacias, gimnasia,
moderna, pointe, lírica, movimiento preescolar, alineación corporal, danza
litúrgica, anatomía y lesiones, notación, coreografía. , kinesiología, danza
teatral, hip-hop, danza folclórica, baile de salón, negocios de estudio, diseño
de vestuario e iluminación y técnicas de audición. DMA tiene pruebas escritas
y orales, además de la observación de las habilidades de enseñanza con niños
para la certificación en las formas de baile de elección de un maestro
estudiante.
La Asociación de Artistas Docentes multiartes (ATA) se fundó en 1998
para promover la educación artística en numerosos contextos. Su
revista y conferencia difunden información práctica y teórica.
Laboratorio de Educación en Danza

En la institución cultural NYC 92nd Street Y, Dance Education Lab (DEL)

capacita y apoya a los maestros en el arte, la práctica y la teoría de la danza.20
DEL proporciona preparación profesional de maestros de baile para bailarines
que podrían no tener acceso o no ser elegibles para un programa de
posgrado universitario en educación de baile. El laboratorio atiende a
bailarines no profesionales, especialistas en danza a tiempo parcial o
completo y maestros de aula que desean enseñar danza en materias que no
son de danza. Dado que la mayoría de los estudiantes de DEL provienen de
una formación en técnica de danza moderna, ballet o étnica, se exponen al
movimiento creativo y la improvisación, comunes a la educación académica de
danza.
Los cursos de baile se alinean con el Departamento de Educación de la Ciudad de
Nueva York Plan para la enseñanza y el aprendizaje de la danzaen los grados K-12. El
laboratorio está vinculado con un programa de certificación de créditos universitarios a
través de Empire State College en la Universidad Estatal de Nueva York. DEL también
ofrece una serie de presentaciones y talleres para niños, divulgación en escuelas
públicas y desarrollo del personal para la Junta de Educación de la Ciudad de Nueva York,
tutoría y redes laborales, y una biblioteca de educación en danza.

Pulse Ontario (Canadá) Conferencia de Educación de Danza

La Conferencia de danza Pulse Ontario busca abordar las preocupaciones
actuales sobre el estado subdesarrollado y desatendido de los programas de
danza en la provincia de Ontario (el doble del tamaño de Texas).21El foro
semestral de toda la provincia para educadores de danza, artistas de danza,
estudiantes de danza de escuelas secundarias y académicos de danza brinda
apoyo curricular y desarrollo profesional.
Los actores de la educación en danza tienen un espacio para promover el
diálogo a través de una experiencia compartida y colaboración. Estudiantes y
profesores ven actuar en vivo en el escenario a artistas de primer nivel en
Canadá. Estos bailarines comparten su experiencia en talleres que se centran en
la técnica o la creación de danza. Prevalecen las relaciones duraderas entre los
participantes más allá de la experiencia de la conferencia. Pulse permite que los
estudiantes de comunidades más pequeñas y desfavorecidas tengan acceso a
artistas de danza de primer nivel y fomenta colaboraciones basadas en la
comunidad entre escuelas y profesionales de la danza.
Registro Nacional de Educadores de Danza
El Registro Nacional de Educadores de Danza (RDE) fue una
respuesta para reconocer a maestros de danza ejemplares, algunos
de los cuales no tienen títulos académicos. Las escuelas de danza
independientes y los contratistas suelen llegar a acuerdos de
colaboración con las escuelas públicas como compatriotas en lugar
de competidores. Pueden llenar los vacíos si no existen programas de
danza en K-12 y educación superior. Los estudiantes expuestos a la
danza en las escuelas públicas a menudo continúan participando en
estudios más extensos e intensos en conservatorios de danza o
estudios de danza privados. Los criterios de registro son para
mantener altos puntos de referencia profesionales, filosóficos, éticos
y de seguridad (incluidos los Estándares Nacionales para la Educación
en Danza, los Estándares de Oportunidad de Aprender y las prácticas
de enseñanza).

Certificación Estatal de Danza

La certificación del departamento estatal de educación intenta colocar maestros
calificados en escuelas académicas. Cada estado puede tener sus propios criterios.
Por lo general, se requiere una licenciatura o maestría para enseñar en K-12. Los
estados que tienen certificación de danza desean elevar la calidad y la respetabilidad
de la danza en la educación para los grados K-12. Los cursos de educación fuera de la
danza son comúnmente necesarios.
Los estados pueden exigir que los maestros estén certificados para enseñar danza
en las escuelas o que estén certificados en otra materia para poder enseñar danza.
Sin embargo, las personas sin ninguna certificación pueden enseñar bajo
disposiciones especiales. Como se señaló anteriormente, hay muchos programas de
artistas en las escuelas.
La capacitación previa al servicio de maestros de baile para obtener la certificación
estatal se lleva a cabo en universidades y lugares de baile. Los programas de
capacitación de maestros a menudo colaboran con escuelas, distritos escolares y
otras organizaciones estatales y comunitarias de arte, danza y educación. Los
requisitos para la certificación estatal en danza generalmente incluyen estos temas:
uso de los elementos de la danza, diferentes formas de danza (y su cultura, sociedad,
bailarines, tiempo, lugar, propósito), dimensiones de ideas (es decir, símbolos,
temas, contenido) , interpretación, análisis de movimiento,
teoría y filosofía, conocimiento del cuerpo, participación en la danza,
exposición a actuaciones en vivo y películas y videos de danza, coreografía,
contribución a los marcos y planes de estudio de la educación de la danza,
desarrollo de planes de lecciones y conocimiento de la capacidad de
desarrollo del alumno.

Talleres en servicio
El estado y el sistema escolar continúan la educación de danza en servicio
K-12 en forma de institutos y talleres que se llevan a cabo durante el
verano, los fines de semana o después de la escuela. Ayudan a
especialistas en danza, profesores de aula (incluidos algunos que no
conocen la danza o tienen poca experiencia) y otras personas interesadas a
aprender sobre varios aspectos de la educación en danza. Los profesores
pueden aprender cómo traducir el conocimiento actual de la danza a la
práctica en el aula y también contribuir con ideas de sus propias
experiencias. La educación en servicio es un medio eficaz y eficiente para
tratar de superar el abandono de la educación en danza en los colegios y
universidades.

Organización Nacional de Educación de Danza

La Organización Nacional de Educación en Danza (NDEO) difunde
información sobre formación de docentes a través de sus conferencias y
diarios. Desde enero de 2012, NDEO ha desarrollado y lanzado más de
once cursos distintos de educación en danza a través de su Instituto de
Desarrollo Profesional en Línea (OPDI). Los educadores de danza de K-12,
estudios privados, centros comunitarios y educación superior, así como las
personas interesadas en aprender más sobre la danza se han convertido
en estudiantes de OPDI.
NDEO ofrece un Certificado en Educación en Danza (CiDE) a los estudiantes que
completan con éxito treinta y tres Créditos de Educación Continua (CEU) en
educación en danza a través de OPDI. El CiDE es un programa de estudio
individualizado diseñado para ayudar al estudiante a ser altamente calificado en
cualquier entorno de enseñanza (p. ej., K–12, colegio o universidad, estudio
privado o centro comunitario). Tanto los cursos de baile obligatorios como los
optativos dependen de la formación previa, la experiencia profesional y los
objetivos profesionales.
 BIS
Los primeros capítulos deBailar para aprenderdescribir los fundamentos de la
danza (interconexiones entre cerebro, mente, cuerpo y entorno) que le dan a
la danza el potencial de hacer lo que hasta ahora se consideraba
contribuciones increíbles al bienestar individual y grupal. Pasamos a la
aplicación de la neurociencia a la práctica humana en entornos sociales reales.
La atención se centra en la juventud, el grupo demográfico más grande para
la danza.
Entonces, ¿dónde encontramos o ubicamos qué tipo de baile con qué tipo de
instructor? Abundan innumerables formas de lenguajes de baile y dialectos. Las
experiencias de aprendizaje de las personas con ellos varían, desde lo informal hasta
lo formal. Presento lugares generales y proporciono algunos ejemplos ilustrativos
específicos. Debido a que los psicólogos infantiles saben desde hace mucho tiempo
que los niños se desarrollan a través del movimiento, la danza es un elemento del
plan de estudios preescolar. Los programas de danza continúan durante los años de
escuela primaria, intermedia y secundaria hasta la universidad y más allá.

El compromiso de los estudiantes con la danza puede ser un mero

gusto que abre el apetito. Una experiencia introductoria de baile a
menudo inspira una mayor participación en el baile. La danza se
enseña como una disciplina por derecho propio en estudios de danza,
escuelas de compañías de danza e instituciones académicas. Hay
escuelas especializadas en artes con especialización en danza, así
como otras artes y materias académicas. Los jóvenes pueden
participar en currículos separados de baile secuencialmente ricos
organizados por escuelas individuales o distritos escolares de
ciudades y condados. Hay programas especiales para estudiantes de
la pobreza y estudiantes con otras discapacidades.

En el debate en curso sobre si la danza debe enseñarse como un arte en sí

misma o como integrada con otras materias, los críticos de la integración de la
danza dicen que hace que la danza esté “abierta a la explotación y dilución”. Pero
la dicotomía es falsa. Los estudiantes pueden aprender la danza como una forma
de arte y a través de la danza aprender otras disciplinas (otras artes,
Inglés, Matemáticas y Estudios Sociales), y aun así lograr los objetivos de aprendizaje en
ambos.
La integración de la danza con otras materias escolares a menudo atrae a los
estudiantes a realizar un estudio profundo de la danza en una escuela
especializada en artes o en un estudio de danza externo. Además, la danza como
fenómeno únicamente estético, “arte”, es un concepto occidental estrecho. A lo
largo de la historia y en todo el mundo, la danza es mucho más, ya sea un medio
para educar, alabar a los dioses, curar o celebrar una boda.
En algunas escuelas, la única educación de danza disponible se ofrece a
través de asociaciones artísticas, organizaciones educativas o compañías
de danza. Son ilustrativos el John F. Kennedy Center for the Performing
Arts, el Lincoln Center Institute for the Arts in Education, WPAS, Young
Audiences, NDI y ArtsConnection. Algunos programas llegan a jóvenes
desatendidos o desatendidos. Las organizaciones de danza orientadas a la
interpretación pueden entrelazar temas de conciertos con el plan de
estudios escolar.
La preparación de los profesores de baile varía. Enseñan exbailarines con o sin
credenciales académicas. Las organizaciones profesionales de danza certifican a los
maestros. Algunos estados tienen certificación de danza, sin embargo, algunos maestros
certificados en otras materias que tienen experiencia en danza también son instructores
de danza.
Este capítulo destacó algunos géneros de baile y lugares alternativos para
aprenderlos. Al igual que los estudiantes a los que sirven, los programas tienden a
crecer con el tiempo. Aprendiendo lecciones valiosas a medida que se desarrollan,
los líderes de estos enfoques de educación en danza los transforman para lidiar con
las lecciones aprendidas.

NOTAS
1. Citado en Ritzel 2014.
2. Lobo y Winsler 2006.
3. Consultoría Luminesce 2012.
4. McLaren y Kincheloe 2007.
5. Hanna 1986, 1988a, 1988b, 2006.
6. Johnston 2006.
7. Yelena Vinogradova, comunicación personal, 1997.
8. Consorcio de Asociaciones Nacionales de Educación Artística 1994, 2013;
www.ndeo.org/coreartsdance, 2014.
9. Consulte las publicaciones del National Endowment for the Arts.
 10. Verwww.judithhanna.com porBailar para aprender(una lista completa de
referencias y recursos sobre el cerebro y la enseñanza de la danza, http://
www.ccsso.org/projects/scass/ proyectos/arts_education_assessment_consortium).
11. Horowitz 2008.
12. Así como los bailarines a menudo se involucran en actividades que no son danza (entrenamiento cruzado) para mejorar el
estado físico general y mejorar el rendimiento, muchos atletas profesionales en todo el espectro deportivo recurren a la danza
para complementar sus esfuerzos de entrenamiento.
13. Quigley y Mehrhof 2007.
14. Fey 2010.
15. Rinne et al. 2011.
16. Salomón 2013.
17 Hanna 1999; Seham 1997; Horowitz 2003.
18. Rico 2005.
19. Véase Heath 2001.
20. Biddle et al. 2002.
21. Véase Richard et al. 2012.
Traducido del inglés al español - www.onlinedoctranslator.com

Capítulo 4

El cerebro danzante no deja

uno detrás

La danza es la más inmediata y accesible de las artes porque involucra tu propio cuerpo.
Cuando aprendes a mover tu cuerpo con una nota musical, es emocionante. Has tomado el
control de tu cuerpo y al aprender a hacerlo, descubres que puedes tomar el control de tu
vida.
— Jacques d'Amboise (1989:5), bailarín del Ballet de la Ciudad de Nueva York, fundador del National
Instituto de Danza y educadora/coreógrafa

Sobre la base de la información sensorial del cuerpo cinético y los tipos de

memoria procesada, el cerebro coreografía al creador de la danza, al bailarín y
al espectador de la danza. La arquitectura del cerebro revela áreas que alojan
el procesamiento del lenguaje con redes de interconexión. Una constelación
interdisciplinaria de perspectivas teóricas e investigación indica que los
lenguajes y dialectos de la danza son formas poderosas de pensar, hacer y
experimentar. La dinámica de la danza genera neuronas y sus conexiones.
Además de adquirir conocimientos declarativos y procedimentales de la danza
a medida que ejercitan múltiples inteligencias, los estudiantes desarrollan
patrones de comportamiento y adquieren habilidades que son aplicables en
ámbitos distintos a la danza.
Mientras que el capítulo 2 describió los tipos de conocimiento y habilidades que la
educación en danza puede inculcar, y el capítulo 3 amplió la discusión al describir
formas de ofrecer educación en danza, incluida la danza como un arte escénico y
liberal, este capítulo explorará la danza como un arte aplicado y abordará
herramientas para el aprendizaje, la transferencia de habilidades y actitudes de
danza, y la danza como un medio para resistir, reducir o escapar del estrés, como se
señaló en el capítulo 1.

UN ARTE APLICADO
La serie óptica de mensajes bailados ejecutados y observados puede llevar a
reforzar patrones de comportamiento social en curso, adquirir nuevas respuestas
o debilitar o fortalecer inhibiciones sobre patrones completamente elaborados en
el repertorio de una persona. Los mensajes de baile también pueden facilitar la
realización de conductas previamente aprendidas que se vieron obstaculizadas
por las restricciones.
La danza no existe como una entidad aislada, sino que está incrustada en nuestra
cultura y sociedad y puede ser un tutor académico, personal, interpersonal, de
ciudadanía y laboral. Más allá de brindar una instrucción significativa en la técnica de
la danza y la creación de danzas, el arte aplicado tiene como objetivo ayudar a los
estudiantes a desarrollarse personalmente y establecer conexiones con el mundo en
general.

Desarrollo personal a través del aprendizaje de ayudas de baile

Los ejercicios de educación en danza están diseñados para promover valores, cultivar
la fuerza interior con la que resistir las presiones externas negativas del grupo de
compañeros y desarrollar la autoaceptación fomentando el crecimiento personal. (El
capítulo 5 analiza cuestiones de la identidad propia a través de la danza).
Puede surgir un sentido de valores cuando los educadores alientan a los
estudiantes a ver danzas y reflexionar sobre los principios que encuentran
en el trabajo. Muchos aspectos de la danza se transmiten de una
generación a la siguiente. En consecuencia, la danza es un depósito de
valores y una huella reveladora de la civilización. La danza sobre la lucha en
la sociedad, las actuaciones de Urban Bush Women de "No sé, pero me han
dicho" evoca preguntas sobre valores y recordatorios de las propias luchas.

El desarrollo personal puede ocurrir cuando las personas aprenden sobre sí

mismas a través de sus cuerpos. Tener una imagen corporal positiva suele ser difícil.
Las culturas en diferentes momentos de la historia tienen cuerpos “ideales”. Sin
embargo, pocos nacen con un cuerpo como el de una modelo, un cantante popular o
un bailarín de ballet. Los estándares culturales amplios afectan la visión que las
personas tienen de sí mismas. Tratar de alcanzar el cuerpo “bello” es fuente de
angustia entre jóvenes y mayores por igual.
Los requisitos para el ballet profesional (rotación de piernas y pies hacia afuera,
pies fuertes y proporciones corporales específicas) descartan muchos cuerpos. Sin
embargo, hay géneros de danza que dan la bienvenida a una variedad de formas y
tamaños. Las personas pueden maximizar otros activos además de la delgadez
y un torso de tabla de lavar. En la danza, la expresión personal, la musicalidad, la
presencia escénica, el rango dinámico y la simple alegría del movimiento son cualidades
convincentes. Además, independientemente de la forma y el tamaño del cuerpo, una
persona puede explorar cualquier género de danza de una manera que le brinde placer.

Las personas pueden mejorar su autoestima a través de la danza sintiendo la

alegría cinestésica del movimiento, haciendo que la buena forma física forme
parte de sus vidas y sintiendo una sensación de autoempoderamiento y la
satisfacción que conlleva dominar el movimiento de la danza.1El logro viene a
través de la integración mente-cuerpo que es la danza.
— hacer que el cuerpo responda a los dictados de la mente mientras se está consciente de
los mensajes corporales.
Figura 4.1. Ballet
El fotógrafo Chris Dame.

Los maestros trabajan para promover la autoestima de los estudiantes enfocándose en

la persona en su totalidad, no solo en la parte de "baile". Además, los maestros tratan de
involucrar a las familias de los jóvenes para que asistan y asistan a las representaciones.
Los elogios de los logros por parte de los padres y tutores mejoran aún más la
autoestima de los estudiantes.
 Las opiniones de los jóvenes sobre los beneficios de la danza revelan que
les da conciencia de sí mismos. Por ejemplo, treinta mujeres adolescentes
que participaron en dos centros comunitarios en Oakland, California,
informaron sobre el desarrollo de una identidad positiva obtenida a través
del baile. Describieron la danza como un “lugar seguro” donde
desarrollaron un sentido de control sobre sus cuerpos, emociones,
cognición y comportamiento social. Aprendieron paciencia en el trabajo
hacia el éxito.2

Figura 4.2. Danza creativa de la escuela primaria El fotógrafo

Kevin Dixon. Cortesía de Melanye Dixon White.

Todo el mundo necesita apoyo para el desarrollo personal, especialmente los

jóvenes cuyas vidas en el hogar son problemáticas. Las prácticas educativas pueden
proporcionar un sustituto familiar, un santuario de apoyo y un sentido de
comunidad. Los maestros y compañeros cumplen algunos roles de padres y
hermanos cuando trabajan intensamente con los estudiantes durante mucho
tiempo en un proyecto grupal. Bailar con otros en el mismo espacio, con
toque (asociación y baile en grupo) promueve la conexión social.
Los estudiantes aprenden habilidades sociales.3mientras interactúan con otros
para perfeccionar un espectáculo de danza para una audiencia. El proceso y la
producción de la danza pueden proporcionar un entorno placentero para la
vinculación social que cambia la química corporal. Al coreografiar un baile grupal
con sus compañeros, los estudiantes aprenden sobre la cooperación, la escucha
atenta, la comunicación clara de instrucciones y correcciones, la programación de
ensayos y el comienzo y el final a tiempo. Las ideas giran en espiral y rebotan con
la negociación de diferentes perspectivas. Los bailes en pareja o en grupo
también requieren armonía interpersonal.
Las clases de baile redujeron la conducta agresiva en estudiantes de bajo
nivel socioeconómico4y mejora del autoconcepto y la autoeficacia. Las
personas generalmente encuentran fuerza en el autodominio requerido para
aprender a bailar. Los artistas se sienten realizados cuando expresan la
sensación de hacer algo y tener el control. El rendimiento puede dar una
sensación de "subidón del corredor".
Los concursos son convenciones para estudiantes de danza que toman
clases y se comparan con otros. Varios competidores exitosos me han
dicho que la experiencia les ayudó a desarrollar presencia en el
escenario y mejorar a partir de la retroalimentación de los jueces. El
éxito ha dado lugar a becas e invitaciones para unirse a compañías de
danza profesionales.

Baile atractivo y cambio de comportamiento

Ciertamente,motivaciónes fundamental para la adquisición exitosa del
conocimiento. Los estudios experimentales muestran que el interés en las
artes conduce a la motivación y la atención sostenida (activando las cortezas
prefrontal y frontal) necesarias para mejorar el rendimiento, así como la
atención enfocada que conduce a la mejora en otros dominios cognitivos.5Los
bailarines desarrollan la habilidad de inhibir y seleccionar las señales
sensoriales apropiadas. La actividad física contribuye al estado de alerta
académico, envía oxígeno al cerebro, disipa la tensión y alivia el estrés. Si nos
gusta lo que estamos aprendiendo, es más probable que mantengamos la
atención y el interés.
 La educación en danza puede ser el elixir para la alienación de algunos estudiantes
de la escuela y el comportamiento de oposición, a menudo una muestra equivocada
de poder y autoafirmación. Muchos jóvenes, desde los dotados y talentosos hasta los
que aprenden lentamente, y especialmente los niños y los que corren el riesgo de
abandonar la escuela, están alienados de la educación “aburrida”. Esto se refiere a
planes de estudios que dividen el conocimiento en materias, dejando
pedagógicamente las "piezas" sin relación entre sí y con la vida real y con la
enseñanza para la prueba como parte de la política Que Ningún Niño se Quede
Atrás. Una de las razones postuladas para el desequilibrio entre hombres y mujeres
en la obtención de títulos de licenciatura (las mujeres ahora ganan más de la mitad)
es que los niños luchan con "diecisiete años de permanecer sentados": estilos de
aprendizaje pasivo, enseñanza memorística y autoridad rígida.6
A los estudiantes no les gustan las clases en las que los maestros hablan en un tono
monótono sobre material que los estudiantes consideran irrelevante para sus vidas.7Sin
embargo, a través del “aprendizaje de pie” corporal, la educación en danza puede captar y
mantener la atención de muchos de estos jóvenes, el poder más íntimo que tiene una
persona y esencial para adquirir conocimientos académicos.
El compromiso con la danza puede llevar a aprender otras materias por
necesidad percibida. Los resultados de un estudio de diez años de un programa
de danza en una organización juvenil de bajos ingresos no escolarizada sugieren
la idoneidad del programa de danza para el plan de estudios escolar.8
En comparación con la participación en deportes y actividades de
servicio, cuando los jóvenes participaron en actividades de baile durante
al menos tres horas, tres días a la semana durante un año completo,
mejoraron académicamente. Los estudiantes incrementaron sus
habilidades de autoevaluación y motivación, y se dieron cuenta de la
importancia de planificar y trabajar por un futuro para ellos y sus
comunidades. Los jóvenes plantearon problemas, hicieron preguntas,
consideraron posibles soluciones y evaluaron cómo se comunica la
danza. Asumieron riesgos, desarrollaron hábitos de trabajo duro y
adquirieron habilidades y conocimientos para producir un espectáculo
de danza exitoso. Los bailarines deben saber leer, escribir y calcular. Un
concierto involucra no solo los procesos de la danza, sino también el
negocio de la producción de danza que requiere lectura, escritura, habla
y matemáticas.
Algunos jóvenes en riesgo de abandonar la escuela carecen de las fortalezas
psicológicas y las habilidades aprendidas para tener éxito académico. El bueno
Sin embargo, la noticia es que los registros de asistencia, los puntajes de las
pruebas y las tasas de graduación de aproximadamente una docena de escuelas
en todo el país que ofrecen educación en danza dan fe del hecho de que puede
ser un gancho y un ancla para la escuela. La emoción palpable y envolvente de la
danza, la disciplina requerida y el éxito alcanzado impulsa a muchos estudiantes
hacia el logro académico y la ciudadanía productiva.
Al expresarse creativamente, los estudiantes toman posesión de sus creaciones
de danza y entran en un mundo en el que tienen el control, sin importar qué más
esté sucediendo en sus vidas. Pueden tomar riesgos y traer a otros a un reino
que no pueden verbalizar. Una vez que los estudiantes están arraigados en la
danza, se presentan otras opciones educativas. Es más fácil enseñar una materia
con material en el que los niños están completamente involucrados,
especialmente cuando el alumno genera el material que debe dominar en lugar
de recibirlo pasivamente. La educación en danza puede liberar la imaginación de
los estudiantes, empoderarlos a través de la realización de desafíos artísticos y
hacer de la escuela un lugar donde se produzcan otros éxitos. Los estudiantes
aprenden a tomar una tarea hasta su finalización.
Varios programas exitosos de danza a largo plazo ilustran cómo aprovechar
el potencial de la educación en danza como catalizador para un cambio
personal y social positivo, por ejemplo, Instituto Nacional de Danza9
y la Conexión de las Artes. En la educación de la danza, no se han llevado a cabo
investigaciones empíricas sobre las relaciones de causa y efecto entre ciertas prácticas
de la educación de la danza y los resultados de los estudiantes. Por lo tanto, debemos
confiar en la investigación relacionada, la teoría (un andamio integrador, una telaraña o
un tapiz), estudios de casos y observaciones de profesionales. Las siguientes historias de
bailarines ilustran que la danza puede ser un instrumento de cambio positivo y una
forma de arte al mismo tiempo.
La educación en danza ayudó al estudiante con problemas Rasta Thomas, quien
recuerda pelear y acosar a otros niños a una edad muy temprana y convertirse en
un payaso. Debido a su mal comportamiento en la escuela, llamaban a su padre
tres días a la semana. Rasta solo quería un escenario. Él estaba pidiendo actuar.
Rasta pasó a estudiar danza y se convirtió, en ese momento, en la bailarina más
joven y la única estadounidense en ganar una medalla de oro en la categoría
junior en una Competencia Internacional de Ballet en Varna, Bulgaria.

La madre de la estrella de ballet Jacques d'Amboise lo envió a la escuela de ballet

de su hermana para mantenerlo alejado de las ásperas calles de Nueva York.
Washington Heights con sus pandillas vecinales en ciernes. Carlos Acosta,
bailarín destacado del Houston Ballet y luego del Royal Ballet, terminó una
carrera en la delincuencia a los nueve años cuando su padre, enojado por el
ausentismo escolar de Carlos y consternado porque su hijo estaba robando
las frutas de los vecinos para cambiarlas por boletos de cine, lo envió a la
Escuela Nacional de Ballet de Cuba.10
Para promover lo que sentía que les faltaba a los jóvenes (comunicación
cívica cara a cara, conciencia social y autoestima), Pierre Dulaine fundó
Dancing Classroom NYC, documentado en la película "Mad Hot Ballroom".
El programa de baile de salón de residencia en la escuela es de diez
semanas con veinte sesiones para niños de quinto y octavo grado. Los
jóvenes no solo aprenden una variedad de bailes sociales contemporáneos,
sino que todos en la clase bailan con todos los demás, lo que fomenta el
respeto por los demás, la camaradería y la disminución de la intimidación.
Acerca de tocar a una pareja, un niño al principio "pensó que era un poco
asqueroso". Muchos estudiantes "se sacudirían la timidez". El programa
complementa los estudios sociales, introduciendo bailes del país que se
está estudiando.
Cada clase de la serie introduce nuevos pasos, reforzando lo aprendido
previamente a través de la práctica y la repetición. Los estudiantes
actúan en una asamblea para sus padres y compañeros, así como en
festivales y competencias. Los estudiantes que hayan completado las
ofertas en sus escuelas públicas pueden continuar tomando clases los
sábados. El programa ha crecido más allá de la ciudad de Nueva York a
unas quinientas escuelas en veinticuatro ciudades de todo el mundo. En
Jaffa, el programa reunió a israelíes y árabes para promover la paz.

Las organizaciones tienen sus historias sobre cómo generar cambios a través de
la danza. Entrevisté extensamente a los participantes en uno de los programas de
verano de Ailey Camp dedicados al uso de la danza para mejorar la vida de los
niños desatendidos y evitar la pérdida de los logros obtenidos durante el año
escolar.
El distrito escolar de Kansas City, Missouri, y otras diecinueve organizaciones
comunitarias colaboraron para ofrecer el programa AileyCamp de Kansas City
Friends of Alvin Ailey (KCFAA). Se basaron en la investigación sobre la
educación y la danza de las minorías, así como en la experiencia
enseñando danza por sí misma en la escuela Ailey y usando la danza para
enseñar inglés y estudios sociales.
El programa piloto de ocho semanas para 102 jóvenes en riesgo del centro de la
ciudad, de sexto a octavo grado, con cincuenta y un estudiantes en cada sesión,
se reunió cinco días a la semana. Cada estudiante y “padre” recibió un manual
que incluía información biográfica sobre los maestros de baile, consejeros y
administradores, una descripción de los objetivos de cada clase y actividades
típicas, definiciones del vocabulario de baile y reglas de AileyCamp. Se llevó a
cabo un picnic para que los campistas y sus padres se reunieran con el personal
para aumentar y reforzar la asistencia.
Los campistas tomaron clases en diferentes técnicas de danza, incluyendo
ballet, técnica moderna de Lester Horton, técnica africana-caribeña de
Katherine Dunham y jazz. Los estudiantes tuvieron experiencias de
improvisación y actuación. AileyCamp ofreció escritura creativa (poesía,
ficción y no ficción) y asesoramiento (sobre nutrición, abuso de drogas y
alcohol, sexo y toma de decisiones).
Al principio, algunos AileyCampers estaban tan fuera de forma física que no
podían completar cinco minutos de actividad física. Renunciarían por
frustración. “Demasiado duro” era una queja común. Sin embargo, dos
semanas más tarde, estos mismos estudiantes estaban realmente motivados
por un ensayo continuo de una hora.
Las habilidades perceptivas y matemáticas eran tan deficientes que los
campistas inicialmente no podían realizar cinco pasos iguales a través del
espacio. Aprendieron a crear bailes con pasos contados ya improvisar frases
de movimiento para poemas que habían escrito. Dotar a los campistas de las
habilidades necesarias para crear movimiento y expresarse por escrito
pareció, según el personal del campamento y los padres, mejorar
notablemente la automotivación, la autoconciencia, la autoestima y la
confianza en sí mismos de los jóvenes.
Los jóvenes inicialmente reacios a ponerse de pie y dar sus nombres
clamaron por actuar solo cuatro semanas después. Los campistas produjeron
tanto material en las clases de escritura creativa e improvisación que querían
montar su propio espectáculo de talentos el último día del campamento. ¡Y lo
hicieron! Sin la supervisión de un adulto, ensayaron en su propio tiempo,
eligieron un narrador y trajeron su propia música y vestuario. Los jóvenes
escribieron material para lo que coreografiaron, produjeron e interpretaron
en el espectáculo.
 La culminación de AileyCamp fue la presentación final para setecientos
amigos y familiares, que fue reseñada enLa llamada de la ciudad de Kansas
. ¿Cuántos niños de doce años pueden presumir de ser revisados? A
LaKeisha, estudiante de doce años, le encantaba actuar: “El rugido de la
multitud y las largas horas dedicadas a trabajar en la actuación me hicieron
sentir que realmente había logrado algo. Aprovecharía la oportunidad de
venir y experimentarlo todo de nuevo”, dijo.
El refuerzo siguió a las experiencias de enseñanza y aprendizaje de
AileyCamp. Los estudiantes tomaron clases magistrales con bailarines Ailey,
asistieron a una clase de autoestima, vieron un ensayo y asistieron a una
actuación. El programa intentó ubicar a los ex campistas en actividades
durante todo el año con oportunidades de crecimiento artístico, académico e
interpersonal positivo. Varios campistas que demostraron un talento de baile
excepcional recibieron becas para continuar su entrenamiento durante el año
escolar y oportunidades para actuar en eventos de la ciudad. Los
AileyCampers ejemplares tuvieron la oportunidad de convertirse en campistas
senior de segundo año y se les confió el liderazgo a través del entrenamiento
antes y durante el campamento.
El primer AileyCamp se llevó a cabo con poco tiempo para la planificación,
pasando del papel al final. Mucho de lo que ocurrió fue inesperado tanto para
los estudiantes como para el personal. La diversidad de los estudiantes fue
una sorpresa. ¡Incluso los gemelos inscritos diferían en el comportamiento
entre sí! Algunos jóvenes temían una atención especial. Se aferraron a la barra
de baile contra la pared del aula y se resistieron a moverse hacia el centro de
la sala. A otros campistas les encantó el protagonismo. Un niño se negó a
hacer aislamientos pélvicos en la clase de jazz porque pensó que su madre lo
desaprobaría.
Los maestros de danza de AileyCamp enfrentaron el desafío de cultivar una
apreciación de la danza como un arte teatral en los jóvenes del centro de la
ciudad que no habían estado expuestos previamente a esta disciplina. Esto
desafió a los instructores a involucrarse en la vida de sus alumnos, enseñarles a
respetarse a sí mismos ya sus compañeros, y compartir experiencias personales
sobre lo que se necesitó para tener éxito. Al hacer esto, los maestros se
convirtieron en modelos a seguir realistas.
Algunos maestros también necesitaban preparación. El profesor de escritura
creativa, por ejemplo, carecía de conocimientos sobre danza. El director del
campamento ayudó a abordar estos problemas.
 En la típica clase de baile de estudio, los estudiantes hacen lo que dice y hace el
maestro. Muchos jóvenes en riesgo están acostumbrados a confiar en las habilidades de
supervivencia de la calle, responder a la presión de los compañeros y participar en la
toma de decisiones entre compañeros. En consecuencia, dan lo mejor de sí desde el
punto de vista conductual y académico cuando tienen voz y voto en la determinación de
las reglas para las actividades gobernadas por adultos. Este es especialmente el caso de
la resolución de conflictos, las rutinas diarias, los eventos especiales y los temas para las
improvisaciones de danza y otras actuaciones.
Inicialmente, los jóvenes no respondían a las tareas de escritura. Sin embargo,
cuando eligieron sobre qué escribir en el boletín del campamento, tenían mucho
que decir, especialmente sobre las drogas en casa, en la escuela y en las calles.
Los estudiantes se sintieron más seguros al pasar de lo conocido a lo
desconocido. Cuando los campistas decidieron tener un espectáculo de talentos,
eligieron movimientos de baile callejero improvisados.
AileyCamp brindó opciones para los pocos jóvenes que pensaron que
querían bailar y luego decidieron no participar en la presentación final.
Observaron e informaron sobre las actividades del campamento o
trabajaron entre bastidores.
Los programas posteriores de AileyCamp aprendieron de la experiencia de
Kansas que sugiere: (1) Usar un proceso de selección teniendo en cuenta que
algunos jóvenes no pueden beneficiarse del programa. Por ejemplo, el personal
no estaba capacitado para tratar con estudiantes con discapacidades de
aprendizaje y/o problemas de conducta. (2) Debido a que el primer grupo de
AileyCampers no tenía idea de la energía y el compromiso que eran necesarios,
muestre a los campistas potenciales ya sus padres fotografías y cintas de video
que capturen la vida del campamento. (3) Informar a los maestros sobre qué
esperar de la población con la que trabajarán. AileyCamp ahora también se
ofrece en Nueva York, Newark, Miami, Bridgeport y Baltimore.
Una evaluación de PEACE, un programa de prevención de violencia basado
en terapia de baile/movimiento de doce semanas con cincuenta y cuatro niños
multiculturales de escuelas primarias en una ciudad del suroeste, encontró
que el programa fue eficaz para reducir los comportamientos agresivos. Se
introdujeron conductas prosociales y métodos de autocontrol mediante el
movimiento, cuentos infantiles y debates.
Los maestros notaron una disminución significativa de sus
estudiantes instigando peleas, sin calmarse, manifestando frustración
o intolerancia y lanzando objetos. Los niños informaron que vieron y
experimentó disminuciones de "alguien haciendo algo mal" o "alguien
tirando algo". Comentarios tales como "no sentirse feliz" y "sentirse
asustado" al ver tales incidentes, y sus observaciones sobre cómo
manejarse y responder en tales situaciones sugieren cambios en las
percepciones y sentimientos de los estudiantes acerca de experimentar
o ver agresión. Las observaciones en el aula mostraron una disminución
significativa en la frecuencia de los comportamientos negativos. Sin
embargo, no hubo un aumento significativo en las conductas
prosociales.11
Turnaround Arts es una asociación público-privada destinada a combatir problemas
crónicos específicos de las escuelas primarias y públicas de bajo rendimiento, como
la participación de los estudiantes, las percepciones negativas de la escuela interna y
externamente, las relaciones en la escuela y otros aspectos de la cultura escolar,
como palancas hacia una mejora escolar más amplia.12El programa es parte de una
cohorte más grande de escuelas del Gobierno de los EE. UU. con Subvención para la
Mejora Escolar (SIG, por sus siglas en inglés) designadas entre el 5 por ciento inferior
de las escuelas en sus estados.
Las escuelas Turnaround Arts trabajan sobre el principio de que un programa
de educación artística es esencial. Cuenta con especialistas en arte, maestros de
aula que no son de arte que integran las artes en el contenido básico y el uso de
artistas docentes y organizaciones comunitarias. Después de un año hubo una
mejora en la asistencia, la disciplina y el rendimiento estudiantil en la mayoría de
las escuelas.
Muchos países, incluidos Colombia, Brasil e Inglaterra, han tenido programas
de baile para jóvenes con problemas. Dance United se ha basado en el poder
transformador de la danza para que los jóvenes superen sus propias expectativas
y las de los demás y cambien. Desde la década de 1990, la organización ha
trabajado con niños en las calles de Etiopía, en la Alemania posterior a la
unificación y en católicos e irlandeses en Irlanda del Norte. Recientemente, los
desertores escolares y los delincuentes menores y de otro tipo remitidos por las
escuelas, los padres y los servicios juveniles han sido "sentenciados a bailar" en
Leeds, Bradford, Wessex y Londres. Los jóvenes entrenan seis horas al día
durante seis semanas y al final presentan un espectáculo, “Páginas reescritas”,
sobre deshacerse de las etiquetas y remodelar la propia vida. La mayoría aprende
sobre disciplina, dieta, libros y el poder de tomar el control de su propia historia e
ir a la escuela o al trabajo.13
 Para los jóvenes empobrecidos de todo el mundo, Promethean Spark
International (PSI) enseña habilidades para la vida de disciplina, enfoque,
concentración, respeto, establecimiento de metas y perseverancia a través de la
educación en danza. En San José, Costa Rica, PSI cooperó con Danza para la Vida
para ejecutar programas en el Centro de Rehabilitación de Alcoholismo y Drogas
para Jóvenes. PSI se unió a Rising Star Outreach of India School para niños
afectados por la lepra en el distrito de Tamil Nadu en el sur de la India para
enseñar a los estudiantes. Un grupo de baile adolescente de veinte miembros se
presentó en lugares públicos, ayudando a eliminar el estigma de la lepra. En
asociación con Reach the Children y Boys Choir de Kenia, PSI tiene programas en
Nairobi en el centro de capacitación correccional juvenil de la prisión de Kamiti
para reclusos de diecisiete a veintidós años que se preparan para regresar a la
sociedad. Los programas en curso están en Kahawa West, Soweto, y los barrios
marginales de Kibera. PSI también tiene un programa de danza en el Hogar
Infantil Eternal Hope (orfanato) en Kayole, Kenia.
La danza ha sido parte de los programas de rehabilitación para niños
soldados en Liberia, Sierra Leona, Mozambique y Uganda. Durante más de
veinte años en el norte de Uganda, unos treinta mil niños fueron secuestrados
y obligados a convertirse en niños soldados y esclavos sexuales, ya cometer
atrocidades, incluido el asesinato de familiares. Miles de personas fueron
asesinadas, un millón fueron desplazadas. Una vez implicados, muchos niños
se consideraban marginados que nunca podrían regresar a casa. La danza
ayuda a los niños soldados a lidiar con el trauma y la reconciliación de la
posguerra y a volver a aprender las normas y el comportamiento civiles. La
danza tradicional se puede combinar con la terapia de danza occidental. La
experimentación lúdica con fantasías agresivas a través del movimiento
dinámico ofrece una forma simbólica de reflexionar sobre la participación en
el conflicto armado.14
En Ruanda, donde el genocidio de la etnia hutu de 1994 contra la etnia tutsi
cobró más de ochocientas mil vidas durante cien días, la danza es una
herramienta para la reconciliación. “Cuando nuestros maestros demuestran
capas o piruetas, es exactamente lo mismo para todos los niños,
independientemente de si son tutsi, hutu o twa”.15La danza infunde
autodisciplina, confianza y respeto por los demás. Los instructores de baile
enseñaron música moderna, hip-hop y jazz a niños y adultos jóvenes. Muchos
de los jóvenes de seis a trece años habían estado en las calles vendiendo
drogas, sexo y bebida. Los sobrevivientes del genocidio de catorce a dieciocho
años habían perdido a su familia.

Evaluación del conocimiento de la no danza a través de la danza

La capacidad de jugar y manipular una idea de un tema es una

indicación de la comprensión que uno tiene de ella. Dada la
familiaridad de un estudiante con los elementos de danza, las
creaciones de danza del estudiante sobre un tema que no es de
danza son demostraciones visibles de aprendizaje. Tales creaciones
de danza pueden ser un medio para evaluar la comprensión de un
estudiante de diferentes materias. La comprensión no es
simplemente una regurgitación del contenido (emociones, ideas y
datos) a través de una encarnación física del texto escrito o hablado,
sino usarlo en diferentes contextos, pensar metafóricamente y
proporcionar nuevos conocimientos sobre el contenido. Este proceso
creativo puede revelar el conocimiento adquirido, ser una evaluación
sumativa y proporcionar una base para determinar qué instrucción
adicional es necesaria, una evaluación formativa. Las evaluaciones de
los estudiantes sobre el trabajo de los demás pueden mejorar las
evaluaciones.
Una evaluación ilustrativa les pide a los estudiantes que creen un baile
que demuestre cómo cambian las estaciones. Deben conocer el
vocabulario y los conceptos compartidos por la ciencia y la danza (como
rotar, girar, ciclos, patrones y cambios). Así, un estudiante puede
mostrar conocimiento de la diferencia entre rotar y girar, la naturaleza
cíclica de las estaciones o cómo demostrar el concepto de cambio a
través del movimiento físico.
Recuerde los hallazgos de John Dewey y Susan Goldin-Meadows de que el
gesto ofrece una idea del conocimiento que un niño posee pero que no
verbaliza. Martha Graham nos recordó que el cuerpo dice lo que las palabras
no pueden.

La danza propia de los niños como herramienta de diagnóstico

Al observar el baile de un niño durante el tiempo de juego libre, los maestros

pueden comprender cómo piensa, siente, se mueve e interactúa socialmente un
niño. La creación y visualización de la danza por parte de los niños contribuye a sus
hábitos de pensamiento, proporcionando un ancla sensorial contra la cual
validan viejas y nuevas ideas. Las voces cinestésicas de los estudiantes pueden ser
una herramienta de diagnóstico del maestro para comprender las preocupaciones y
creencias de los bailarines y luego ajustar la instrucción en danza y otras materias.

Durante mi estudio presencial de un año de duración en la Escuela Primaria

Hamilton Park (HPES) en Dallas, Texas (discutido más detalladamente en el
capítulo 5), los estudiantes negros comentaron sus preocupaciones a través de la
danza, el canto y la mímica. Espontáneamente realizaron bailes en el patio de
recreo, en las aulas escolares y en los pasillos escolares.dieciséis(Los términos
blanco y negro usados en HPES se usan aquí).
La escuela está ubicada en una comunidad negra creada en la década de 1950 como
consecuencia del terrorismo blanco y el bombardeo incendiario de casas negras, que se
compraron o se construyeron en áreas residenciales anteriormente exclusivamente para
blancos. La desegregación le quitó el control a la comunidad negra de la escuela
anteriormente segregada. Un esfuerzo de derechos civiles del Departamento de Justicia de
EE. UU. de cinco años de duración culminó en un caso judicial que condujo a la creación de
una escuela magnet que requería que los niños blancos fueran transportados en autobús
voluntariamente a la escuela.
Debido a que el territorio residencial ocupado por los negros es
históricamente pequeño y precario, ha sido especialmente valorado. Así, el
uso del espacio por parte de los niños, incluido el corte de formas en el
espacio a través de la danza, se dotó de un significado conmovedor.
A menudo, los jóvenes de bajo nivel socioeconómico, incluida la mayoría de
los negros de bajos ingresos de HPES, no valoran ni persiguen la excelencia
académica. Sin embargo, a pesar de la baja estima que tienen por las notas
altas, son sensibles a la revelación pública, como en la recitación oral, de su
inadecuado trabajo escolar. Esto lleva a algunos de ellos a buscar escenarios,
como la danza y los deportes, en los que puedan dominar y ganar
reconocimiento. A través de temas de danza, criterios de participación y
actuaciones en un sistema escolar controlado por blancos, los jóvenes de
HPES expresaron su diferencia con los estereotipos de “negros arrastrando los
pies” de períodos históricos anteriores y con sus compañeros de clase
blancos. Al proyectar su conocimiento de la historia de la discriminación de los
blancos, los niños presentan un conflicto para examinarlo a través de la
danza, evalúan el problema y trabajan para resolverlo.

Transferencia del aprendizaje de la danza

 La transferencia de aprendizaje, utilizando el aprendizaje pasado tanto en
situaciones similares como nuevas, es importante para la danza como arte aplicado.
La transferencia, ligada a nuestra vida cotidiana, es el apogeo de todo aprendizaje. El
fisiólogo Robert Root-Bernstein y la historiadora Michele Root-Bernstein escriben
que "las herramientas para pensar son inherentemente transdisciplinarias, es decir,
forjan vínculos de procesos creativos comunes entre esfuerzos dispares que los
estudios centrados en el contenido no pueden conectar fácilmente".17

Dimensiones de Transferencia
Se debate el significado del concepto de transferencia. Hay muchas dimensiones
para transferir.18En la transferencia, las competencias y no los contenidos son la
clave del aprendizaje. La transferencia de competencias es más probable cuando los
estudiantes tienen un grado conceptual profundo de aprendizaje original con
comprensión. El aprendizaje de memoria no tiende a facilitar la transferencia. El
fracaso de la transferencia del aprendizaje es a menudo el fracaso del aprendizaje
inicial, la adquisición incompleta del conocimiento relevante, su representación y su
organización.19
El desarrollo del conocimiento en danza, “saber mirar, ver y apreciar”20es una
herramienta clave para pensar más allá de la danza. Ser capaz de transferir
conocimientos y utilizarlos en situaciones nuevas (también conocidas como
dominios y campos conceptuales) está estrechamente relacionado con la
verdadera comprensión de un concepto.21
La transferencia cercana ocurre cuando el conocimiento se transfiere a nuevas
situaciones que son muy similares. La transferencia de camino bajo es la
activación automática de actividades bien practicadas en nuevas circunstancias
que son similares al contexto de aprendizaje original.22Un ejemplo de
transferencia a la danza es abrir un libro de historia de la danza que desencadena
hábitos de lectura adquiridos en otras partes de la clase de inglés. Un ejemplo de
transferencia de la danza es aplicar el pensamiento espacial (como moverse en
diferentes direcciones y en diferentes niveles) para mejorar la comprensión de la
geografía, la jerarquía organizacional, el flujo de información y el transporte.

La transferencia lejana es aplicar el aprendizaje a situaciones que son

bastante diferentes. La transferencia por vías altas depende de la abstracción
intencional de habilidades o conocimientos de un contexto a otro nuevo. Esto
significa reflexionar sobre lo aprendido y hacer conexiones entre contextos de
forma activa.23Por ejemplo, en carreteras de gran alcance
transferencia, un estudiante de danza que aprende habilidades matemáticas
mediante el conteo de movimientos de danza y frases podría anticipar cómo
los elementos de diseño de danza, que pueden usarse para representar
problemas multidimensionales. Una ilustración de la transferencia de alto
camino hacia atrás es un estudiante que se enfrenta a un problema
matemático y aplica el análisis rítmico de la danza.
La transferencia de contexto es la aplicación de lo que uno ha aprendido en una
situación ligeramente diferente. El desplazamiento o transferencia creativa modifica
el aprendizaje que conduce a un nuevo concepto. Puede haber transferencia
declarativa a procesal y transferencia procesal a declarativa, ya que la experiencia
práctica puede ayudar a una persona a aprender más conocimiento abstracto. La
transferencia estratégica tiene lugar cuando se adquiere conocimiento sobre cómo
aprendemos o recordamos mediante la comprensión de nuestras actividades
mentales durante el aprendizaje. La transferencia teórica es comprender las
relaciones de causa y efecto en un área que se pueden transferir a otra. La
transferencia negativa ocurre cuando el aprendizaje pasado interfiere con el nuevo
aprendizaje, lo que genera confusión o errores.

Acción cerebral
Al recibir nuevos estímulos, el cerebro integra actividades dispares y
aparentemente desconectadas en áreas especializadas del cerebro. La conectividad
de la red aumenta cuando la nueva información de danza se fusiona con la antigua.
A medida que los productores, coreógrafos, bailarines, músicos, diseñadores de
iluminación y escenografía y vestuario se unen para presentar una actuación, sus
cerebros unen ideas desconectadas presentadas por cada colaborador del baile. La
transferencia de algún tipo de aprendizaje puede posiblemente involucrar el cuerpo
estriado, grupos de neuronas ubicadas en el cerebro medio que se activan cuando
un participante encuentra un nuevo aprendizaje que requiere actualizar la
información.24
El aprendizaje pasado tiene un efecto en el procesamiento y la adquisición
de nuevos aprendizajes que se trasladan a la memoria de trabajo y luego a la
memoria a largo plazo, donde busca en los sitios de almacenamiento a largo
plazo cualquier aprendizaje pasado que sea similar o esté asociado con el
nuevo aprendizaje. Si estos aprendizajes existen, las redes de memoria se
activan y los recuerdos asociados se reconsolidan en la memoria de trabajo.
Reciclar información pasada no solo refuerza y demuestra un ensayo
adicional para la información ya almacenada, sino que también ayuda a dar
significado a la nueva información. La transferencia negativa ocurre cuando el
aprendizaje pasado interfiere con la comprensión del nuevo aprendizaje por parte del
alumno, lo que genera confusión o errores.

Enseñanza para la Transferencia

Los estudiantes generalmente necesitan ayuda para hacer conexiones para una
transferencia exitosa. Siguiendo los principios que se encuentran en la
investigación sobre la transferencia del aprendizaje, algunos maestros confían en
la taxonomía del teórico de la educación Benjamin S. Bloom y sus desarrollos
posteriores para transmitir nueva información de forma secuencial.25Los
maestros utilizan estrategias de cuestionamiento sobre la danza para los
dominios cognitivo (recordar conocimientos, comprender, analizar, evaluar y
crear), afectivo (percibir, responder, valorar y organizar) y sensoriomotor
(modelar correctamente y dominar la mecánica del movimiento).
A través de la instrucción en clase, el descubrimiento de los estudiantes, el aprendizaje
o el entrenamiento, las lecciones pueden volverse explícitas para los estudiantes. Los
instructores pueden promover las reflexiones de los estudiantes sobre la lógica de lo que
se enseña en la danza y cómo pueden utilizar los procesos, las habilidades y los
conceptos que dominan a través de la educación en danza en otras materias académicas
y aspectos de la vida, incluido el mundo laboral. Brindar a los estudiantes oportunidades
para practicar la aplicación del conocimiento y las habilidades de la danza en diferentes
campos les ayuda a construir redes relacionales y utilizar el razonamiento metafórico y
analógico.
Un maestro podría alentar, por ejemplo, a los estudiantes a aplicar su
comprensión de las formas de codificar el significado en la danza al análisis
literario. O los estudiantes podrían aplicar la danza al diseño
arquitectónico.

Investigación sobre Transferencia

Los filósofos de la educación Paul Hager y Phil Hodkinson sugieren que, en

lugar de aplicar una concepción de sentido común de la transferencia directa
a situaciones típicas de la vida, es más realista considerar la transferencia
como un proceso continuo que como una serie de eventos de adquisición.26

Al revisar la investigación sobre la transferencia de forma retrospectiva y

prospectiva, los psicólogos cognitivos John Bransford y Daniel Schwartz
proponen concebir la transferencia como "la capacidad de aprender".
durante la transferencia” y los mecanismos de transferencia como “saber con”,
que proporciona un contexto que guía el notar y la interpretación.27
La preparación para el aprendizaje futuro, que incluye dejar de lado los enfoques
anteriores, resistir las interpretaciones fáciles y hacer preguntas sofisticadas conduce a
actividades de aprendizaje que tienen más probabilidades de ayudar a las personas a
adquirir experiencia en un campo. Tales actividades son los elementos básicos de las
clases de danza creativa.
Hay discrepancias en el éxito de la transferencia a lo largo de una serie de dimensiones
contextuales y de contenido. Los psicólogos Susan Barnett y Stephen Ceci señalan que
los principios generales pueden transferirse más fácilmente que el aprendizaje más
específico “porque la naturaleza de las demandas de memoria durante la transferencia
(p. ej., recuerdo espontáneo frente a ejecución solicitada) puede influir de manera
diferente en las tasas de éxito de la transferencia, interactuando así con el tipo. de
habilidad aprendida. . . recordar hechos y procedimientos específicos puede requerir
indicaciones, mientras que las habilidades generales pueden recordarse
espontáneamente. . . las pistas que recuperarían los hechos y procedimientos específicos
podrían ser más específicas de la situación”.28Las habilidades cognitivas generales
involucradas en la transferencia pueden depender de la familiaridad del bailarín con los
factores contextuales relevantes y la habilidad cognitiva subyacente del bailarín
involucrada en la codificación, representación, recuperación, mapeo y transferencia del
aprendizaje previo.
La danza ciertamente involucra habilidades de observación para aprender el
arte escénico y observarlo de una manera significativa. El entrenamiento en
danza parece desarrollar una alta agudeza propioceptiva, también necesaria en
medicina y otras profesiones.29La capacidad de transferir tales habilidades de
agudeza visual a diversas situaciones de trabajo es ventajosa.
Este es un ejemplo de aprendizaje a través del arte del museo, pero el enfoque es
aplicable al arte en movimiento: la danza. Los médicos necesitan habilidades de
observación para interpretar tomografías computarizadas, resonancias magnéticas,
biopsias y otras tecnologías. Entonces, la clase del Dr. Joel Katz de estudiantes de la
Escuela de Medicina de Harvard se reunió en el Museo de Bellas Artes, donde
discutieron diferentes pinturas para convertirse en mejores médicos. La capacidad
de los estudiantes para hacer observaciones precisas aumentó un 38 por ciento.
Cuando se mostraban fotografías de pacientes, era más probable que los
estudiantes notaran características tales como ojos asimétricos o una pequeña llaga
curada en un dedo índice. El conocimiento aprendido en las artes de que no hay una
respuesta correcta fue difícil de aceptar para los estudiantes de alto rendimiento.
dada su necesidad de encontrar la única respuesta correcta. Sin embargo, aunque
diagnosticar una afección médica implica llegar a la respuesta correcta, a menudo, para
llegar allí, los médicos tienen que abrir la mente a una miríada de posibilidades.30pasar
del pensamiento convergente al divergente.

HERRAMIENTAS PARA EL APRENDIZAJE

En cierto sentido la danza es efímera, instantánea. Sin embargo, la danza vive en

la memoria tanto como en formas registradas. Los archivos y colecciones de
danza están aumentando en todo el país.

Medios, Ciberespacio y Redes Sociales

Los medios de comunicación (televisión, radio y periódicos) son recursos
útiles para el aprendizaje. El advenimiento del ciberespacio ha creado un
mundo de computadoras, Internet (red masiva de redes) y World Wide Web
(una forma de acceder a la información a través de Internet). Las autopistas
de la información, las posibilidades de creación de redes, las bases de datos y
los dispositivos de juego brindan la oportunidad de intercambiar ideas,
compartir información, brindar apoyo social y crear obras artísticas. Una red
semántica de datos que las máquinas pueden procesar directa o
indirectamente admite el almacenamiento, la recuperación y el uso de
multimedia en la danza.
YouTube tiene bailes y extractos de bailes de todo el mundo que pueden brindar
inspiración e ilustración. Estos se pueden ver varias veces. Por ejemplo, los clips
están disponibles parahombres de negro, Salón de baile loco y caliente,línea de
batería,Stomp the Yard,Billy Elliot(la película de 2000 y el musical de 2008-2012 que
retratan a un bailarín de ballet acosado que se convierte en héroe local en una
ciudad de provincia que no está dispuesto a perdonar fácilmente a las personas que
son diferentes), y así sucesivamente.
Los niños, “la generación de la pantalla táctil”, ahora comienzan a aprender
habilidades informáticas cuando están en pañales. Los preadolescentes
programan y crean sitios web. Con una conexión profunda con sus teléfonos
inteligentes, tabletas y otros dispositivos, los estudiantes pueden desarrollar
competencia y sofisticación. La tecnología proporciona a estos nativos
digitales nuevas formas de capturar lo que aprenden y crean en la educación
de la danza. Los sistemas de anotación de video respaldan la gestión creativa
de los estudiantes de su propia narrativa de aprendizaje procesal.31
 Se puede alentar a los jóvenes a usar su tecnología: teléfonos celulares, teléfonos
inteligentes, computadoras portátiles, tabletas, reproductores de videojuegos y
aplicaciones móviles como recursos para mejorar la danza en todos sus aspectos, desde
el movimiento hasta la música y el vestuario. Un chip de procesamiento puede asumir el
papel de coreógrafo. Poner bailes en los medios de comunicación social como Facebook,
YouTube, LinkedIn, Instagram y comunidades en línea permite la oportunidad de
actuación, la expresión de uno mismo, el intercambio de cartera digital y la
retroalimentación.
La colaboración entre bailarines, coreógrafos, críticos y miembros del
público se produce a través de cámaras web, correo electrónico, Skype y
redes sociales. La plataforma de participación del público en línea de
Chris Elam es una red de comunicaciones basada en la web que está
diseñada para conectar a los artistas con sus audiencias para facilitar
una interacción bidireccional significativa y productiva entre quienes
crean danza y quienes la aprecian.
La tecnología digital puede ser parte de la coreografía y del baile real. El
filósofo Eric Mullis se refiere a la “actuación de danza interactiva”. En este
documento, los movimientos de los bailarines son "leídos por dispositivos
sensoriales, traducidos a información digital, procesados por un
programa de computadora y presentados en una salida que da forma al
entorno de actuación en tiempo real". Otro enfoque son las “actuaciones
inmersivas” en las que las tecnologías permiten que un bailarín participe en
entornos de realidad virtual.32LilyPad Arduino (un conjunto de sensores y
hardware que puede activar luces, sonido y otros eventos a través de la
interacción programada con los usuarios y el entorno) se puede utilizar
para crear trajes de baile interactivos.33
Los cuerpos danzantes producidos digitalmente en entornos virtuales
ofrecen experiencias visuales únicas. Blake Martin dice que "esos entornos
(también en Second Life) también permiten a los aspirantes a coreógrafos
con capacidades diferentes comunicar una visión coreográfica a los
bailarines".34
La actuación telemática es un paradigma de investigación para la
producción, difusión y grabación de técnicas informáticas y el
intercambio intercultural de danza y creación de medios. Identificada
como "coreografía distribuida", actividad compartida entre dos o más
personas que colaboran al mismo tiempo (artista-artista o artista-
audiencia), los participantes en diferentes lugares pueden ver
y escucharse simultáneamente. Para este método de comunicación bidireccional o
multipunto, el sistema tecnológico básico consiste en una computadora, un monitor,
una cámara de video, una superficie o superficies de proyección, un micrófono y
parlantes en cada sitio.
“Dance Dance Revolution” (DDR) es una serie pionera de ritmo y danzagénero s en
videojuegos nacidos en salas recreativas japonesas que ponen a los niños en
movimiento frente a grandes televisores. Los jóvenes bailan en furiosa unión cinética
ante la PlayStation 2 de Sony y las consolas de juegos Xbox de Microsoft. El DDR de
bombeo de sangre se ha convertido en parte de la educación física de algunas
escuelas y podría ser una puerta de entrada para explorar los principios de la
coreografía. Los jugadores se paran en una "plataforma de baile" y mueven los pies
al ritmo de señales musicales y visuales. Mientras se reproduce una canción, las
flechas que apuntan en una de las cuatro direcciones se desplazan hacia arriba en la
pantalla en varias secuencias y combinaciones, lo que requiere que el jugador pise
las flechas correspondientes en una alfombra del piso. Los jugadores son juzgados
por lo bien que sincronizan su baile con los patrones que se les presentan. También
hay una serie Just Dance Wii que ofrece juegos de baile individuales y grupales con
entrenamiento. Los jugadores imitan los movimientos de los bailarines en la
pantalla.

La educación a distancia

El aprendizaje a distancia más estructurado se está abriendo paso con el

aprendizaje conectado, interactivo y presencial en tiempo real. Skype, las
conferencias y los entornos de aprendizaje sincrónico en línea tienen una presencia
social, cognitiva y tutorial.35Utilizando una conexión web que proporciona una fuente
de audio y video en vivo, los artistas y los estudiantes interactúan como si estuvieran
en la misma habitación, viéndose unos a otros en una pantalla grande.
YOUmedia alberga Remix Learning que apoya las colaboraciones entre
mentores y estudiantes más allá de la jornada escolar y las clases
extracurriculares. Permite a los participantes publicar textos, diseños gráficos,
juegos y videos; intercambiar ideas; trabajo de crítica; compartir experiencia; y
debate Tales plataformas ofrecen un cofre del tesoro para el aprendizaje de la
danza.
En octubre de 2009, Apple iTunes App Store presentó la primera de una
serie de quince aplicaciones educativas para iPhone dedicadas a la
enseñanza de la danza en el siglo XXI. Los niños aprenden diciendo, viendo
y haciendo. El diseñador de software Phillip Corrigan se asoció con
Carol Richmond, propietaria del estudio de danza, para llevar la idea de un
glosario de referencia de ballet visual a las manos de jóvenes bailarines
bien informados de todo el mundo. Hay más de 144 términos y 77 videos
de capacitación. La aplicación también es compatible con el iPod Touch. La
descripción en inglés del término francés se traduce a diez idiomas,
incluidos el ruso y el chino, y se ha vendido en treinta y un países. El
estudiante puede escuchar cómo se pronuncia un término, ver la
ortografía y la pronunciación fonética correctas, usar el reconocimiento de
voz para practicar decir el término correctamente y ver el paso realizado.

El sitio Wesleyan University Press y Academic Media Studio ofrece

Movimiento acelerado: hacia una nueva alfabetización en danza
materiales diseñados para su uso en clases avanzadas de secundaria y
en educación superior. La mayoría son fácilmente adaptables a edades
más jóvenes. Todos estos módulos integran la percepción visual, las
ideas intelectuales y la acción física. La serie tiene experiencias
interactivas en el baile y la danza, así como ver, hablar y escribir sobre
obras de danza de eminentes coreógrafos estadounidenses de danza
moderna, así como danzas tradicionales y contemporáneas de
diferentes culturas. Un módulo sobre "Cuerpos y máquinas" analiza el
tema de la capacidad física en los cuerpos que bailan, desde los que
tienen grandes desafíos hasta los que tienen mucha habilidad.
“Ecologies of Beauty” ha generado unidades de baile de secundaria que
desafían las ideas de lo que es “hermoso”. “Creación de identidades
estadounidenses” puede conectarse con las clases de historia de los EE.
UU. en la escuela secundaria, al tiempo que amplía la comprensión de lo
que significa ser “estadounidense”.Bharatanatyamde la India.

"Pluma y papel"
La escritura reflexiva ha fomentado la comprensión del propio esfuerzo de
danza, así como una mayor participación en la escritura y la comprensión de
uno mismo en relación con el mundo. Los estudiantes pueden grabar sus
bailes en video para reflexionar y evaluar. Llevar un diario que detalla el
aprendizaje de la danza y pensar en ello es común en los lugares académicos.
La tecnología puede ayudar a llevar un diario mediante el uso de recursos en
línea y aplicaciones portátiles para iPhone, iPad y otros dispositivos.
Análisis de movimiento
Laban Movement Analysis (LMA) es un método para describir, visualizar,
interpretar y documentar cualquier tipo de movimiento humano. LMA explora
el cuerpo, el esfuerzo, la forma y el espacio.Labanotación (o Kinetography
Laban) se utiliza en LMA. Los Fundamentos de Bartenieff son una extensión
de LMA desarrollado originalmente porIrmgard Bartenieff , el fundador del
Instituto Laban/Bartenieff de Estudios del Movimiento (LIMS). Los practicantes
y educadores que completan su estudio LIMS se convierten en Analistas de
Movimiento Certificados (CMA).
El programa de software VocTools permite un análisis detallado del
contenido y la técnica de cada movimiento de danza, definición de
frases y secciones, movimiento en relación con la música, coloración y
ritmo dinámicos, motivos y su desarrollo, y claridad en el uso del
espacio.
El kit de herramientas de software FORMotion permite a los usuarios presentar
su propio material de video en dos pantallas para comparar clips, diferentes
partes de un baile y diferentes ángulos de cámara, y acceder y controlar con
precisión la reproducción de video. También permite la creación de bucles
repetibles de material incluso en sincronía y voltear la pantalla para imitar el
aspecto de un espejo de estudio. El control cuadro por cuadro de la reproducción,
junto con las funciones de búsqueda en cámara lenta, permite encontrar matices
de movimiento y evaluar actuaciones.36
La tecnología sensorial y el software asequibles permiten el seguimiento del
movimiento. El software interactivo 2003 Isadora permite la creación y
superposición de video y sonido en tiempo real. El bucle 2007 es un software
de controlador que crea bucles de cada segmento de movimiento. El Institute
de Recherche et Coordination Acoustique/Musique (IRCAM) ha desarrollado
un sistema de análisis de gestos interactivo que se puede integrar con una
actuación en vivo para identificar la sincronización y la interacción entre los
movimientos de los artistas y los procesos sonoros y visuales utilizando video
y un conjunto de sensores. colocada sobre el cuerpo del ejecutante.

Programas para "capturar" danza movimientos para generar

coreografía, por ejemplo, DANCEFORMS y IDanceForms, proporcionan
un lenguaje basado en la máquina para el análisis de movimiento.
LifeForms hace posible presentar un artista virtual tridimensional (con
habilidades físicas únicas) junto con la organización coreográfica de
creando movimientos, estructurando motivos y formando estudios
coreográficos.37Estos programas también brindan oportunidades de
animación con bibliotecas de movimiento de danza que presentan
cinemáticas y dinámicas realistas. Quedan desafíos para capturar todos los
elementos de la danza, especialmente las sutilezas de la expresión, el peso
compartido y otras relaciones no verbales.38

CURRÍCULO DE DANZA, ESTÁNDARES, EVALUACIÓN Y

EVALUACIÓN
Los géneros de danza tienen sus planes de estudio, puntos de referencia,
evaluación y métodos de evaluación específicos.Evaluaciónes principalmente
formativo, continuo y de diagnóstico al proporcionar información para
mejorar el aprendizaje y la enseñanza preguntando dónde estamos ahora,
¿cómo avanzamos? La evaluación es principalmente sumativa, crítica al medir
la calidad preguntando ¿cómo lo hicimos? ¿Aprendimos lo que se esperaba
que aprendiésemos?
Mencioné las diferentes escuelas de ballet establecidas con sus propios estándares y
programas de evaluación. El American Ballet Theatre lanzó recientemente su Currículo
Nacional de Capacitación (NTC, por sus siglas en inglés) que detalla las mejores prácticas
en la educación de la danza y la salud de los bailarines.
El National Dance Council of America ilustra criterios para aficionados y
profesionales en bailes de salón y deportes de baile (competencias pro/
am) para diferentes estilos. NDC certifica a maestros y jueces y
representa a los EE. UU. en el Consejo Mundial de Danza que incluye
cincuenta y siete países. La danza irlandesa incluye An Coimisiun le
Rince Gaelacha y la Asociación Mundial de Danza Irlandesa que
establecen estándares para profesores, jueces y bailarines.
En el ámbito K–12, la mayoría de los estados y el Distrito de Columbia han adoptado
Estándares voluntarios para el aprendizaje y la enseñanza de la danza en las artes.
Los Estándares Nacionales Estadounidenses para la Educación en Danza para K–12 y
los Estándares Nacionales Básicos de las Artes en Danza ofrecen orientación. Las
normas de la danza hablan del contenido, la calidad y la responsabilidad. Además,
los estándares ayudan a que la danza se despoje de su imagen de materia “suave” y
ocupe su lugar en los planes de estudios junto con las matemáticas, las ciencias y los
idiomas. Los estándares presentan un ideal de lo que todo joven estadounidense
debería saber y ser capaz de hacer en danza y la expectativa de que todos los
estudiantes tengan experiencias similares.
Las competencias sugeridas son apropiadas para el desarrollo y
secuenciales en el aprendizaje acumulativo. Por supuesto, otras naciones,
provincias y jurisdicciones tienen sus planes de estudio y normas.
Una vez que tengamos las piedras de toque para la educación en danza, ¿cómo
sabremos qué tan bien se están implementando? ¿Qué tan exitoso es el programa de
baile? ¿Qué tan bien se están desempeñando los estudiantes? Aquí es donde la
valoración y la evaluación entran en escena. Los profesores de danza generalmente han
utilizado sus propios criterios para determinar la competencia de los estudiantes en la
disciplina de la danza.
La asignatura de danza tiende a ganar seguridad en una escuela
cuando está siendo valorada y evaluada y por ende en mejora continua.
Las escuelas públicas son reacias a enseñar lo que no se puede evaluar,
tanto para profesores como para estudiantes. Las formas de valorar y
evaluar el aprendizaje de la danza incluyen el examen de carpetas
(colecciones de trabajos como cintas de video de actuaciones y diarios
con reflexiones sobre el trabajo de uno) que documentan el progreso
del alumno a lo largo del tiempo. Las evaluaciones de desempeño (que
evalúan tareas estructuradas usando criterios predeterminados) son
otro enfoque. Otros métodos son juzgar las respuestas de los
estudiantes a las preguntas de las entrevistas o cuestionarios, la
capacidad de los estudiantes para traducir el contenido que no es de
danza a la danza, el examen de la autoevaluación de los alumnos por
parte del maestro y los exámenes escritos.
El entorno y los recursos para la educación en danza (plan de estudios de
danza, personal, equipo, materiales e instalaciones) marcan la diferencia en el
rendimiento de los estudiantes. En consecuencia, los maestros y
administradores en ejercicio familiarizados con las realidades cotidianas de las
aulas y los recursos prepararon los Estándares voluntarios de Oportunidad de
aprender en artes de la danza. Estos están destinados a ser un antídoto contra
los efectos potencialmente negativos de las pruebas en los estudiantes,
quienes, sin tener la culpa, asisten a escuelas que brindan una educación de
danza inferior.

BAILE PARA ENFRENTAR EL ESTRÉS

Como se mencionó en el capítulo 1, el estrés puede tener efectos negativos y

positivos en la educación. La exposición a largo plazo al estrés es dañina,
mientras que la exposición a corto plazo puede ser beneficiosa. Tiempo
el aprendizaje de la danza activa la neuroplasticidad, el estrés inhibe el desarrollo
cerebral.

Mal estrés—angustia
Las emociones afectan el aprendizaje. Tendemos a sentir y luego pensar. El estrés
puede afectar si una persona puede bailar y pensar al máximo. Un factor estresante
para una persona puede no serlo para otra. Todo depende de sus puntos de vista
sobre sí mismo, la personalidad y los contextos culturales y sociales.
Los estudiantes pueden estar estresados por cosas como la pobreza, el divorcio, la muerte
de un familiar o amigo, enfermedad, lesión, intimidación, mudarse a una nueva residencia,
presiones académicas y de los compañeros, trastornos de identidad y sentimientos de falta
de control y autodominio. Incluso el aburrimiento es una forma de estrés.39
El aburrimiento crónico se asocia con depresión y déficit de atención (una falla
en las redes neuronales que controlan la atención).
Podemos ver signos de estrés excesivo: manos heladas en una habitación
caliente; rubor, extremidades temblorosas, dificultad para respirar y ojos
furtivos; lágrimas y otros arrebatos emocionales; nerviosismo y aumento de la
transpiración; viajes adicionales al baño; un grito de dolor debido a una lesión.
En otras ocasiones, la persona estresada es la única que se da cuenta de
síntomas comopalpitaciones, tensión muscular, desmayo, tensión en la
espalda, depresión, ansiedad, dificultad para tragar, dolores de cabeza,
pérdida de apetito, trastornos intestinales y alimentarios, insomnio,
sentimientos de frustración y resentimiento, y fatiga crónica (persistente) o
aguda (a corto plazo) .
Como se señaló anteriormente, el estrés inunda el cuerpo con la adrenalina y el
cortisol necesarios para hacer frente a una situación difícil. Después el cuerpo
vuelve a la normalidad. Sin embargo, el estrés persistente mantiene altos niveles
tóxicos de hormonas del estrés que reconfiguran los circuitos del cerebro y
alteran el metabolismo del cuerpo. La toxicidad de las hormonas del estrés causa
daño físico al corazón, los huesos, los músculos, las respuestas inmunitarias y
más. La angustia bloquea la formación de conexiones neuronales en el
hipocampo, responsable de codificar nuevos recuerdos. En consecuencia, las
personas tienen dificultad para aprender y retener lo que se les enseñó.

Para prevenir, resistir o escapar de la angustia, algunas personas hablan con amigos,
beben, comen, se vuelven violentas, buscan la soledad, recurren a la religión o buscan
proveedores de atención médica. Sin embargo, otros bailan, hazlo o míralo. los
La evidencia más significativa que el baile puede ayudar a las personas a lidiar con el
estrés es que el ejercicio regular es un componente crítico de las formas que nos
ayudan a protegernos contra los estragos del estrés y ser resistentes a él. Casi todas
las recomendaciones de los proveedores de salud para el manejo del estrés incluyen
ejercicio y terapia cognitiva.
El ejercicio disipa los elementos bioquímicos dañinos de la energía que
pueden permanecer en el cuerpo cuando no luchas ni huyes del estrés porque
la acción física es imposible. Además, el ejercicio puede reducir la depresión,
los trastornos de ansiedad y el dolor. Aparentemente, el ejercicio también
libera una gran cantidad de químicos cerebrales mágicos similares a la
morfina, como las beta-endorfinas opiáceas, que producen sentimientos de
calma, satisfacción, euforia, mayor tolerancia al dolor y un mejor estado de
ánimo para aprender.
Bailar puede ser una especie de vacuna contra el estrés. Con su necesidad de
fuerza, flexibilidad y resistencia, el baile también promueve el buen estado físico y
ayuda a los alumnos a sobrellevar el estrés. Un individuo se adapta al aumento de la
frecuencia cardíaca, la presión arterial y las hormonas del estrés experimentadas
durante el baile y, en consecuencia, el cuerpo está acondicionado para reaccionar
con más calma durante el estrés mental.
Entonces, ¿por qué bailar en lugar de participar en otras formas de ejercicio para
manejar el estrés? La danza es ejercicio.más, como la terapia cognitiva (habla). Como
un diamante con facetas radiantes, la danza atrae nuestra atención, se siente bien y
tiene el potencial de satisfacer nuestras necesidades de alivio del estrés y buena
salud.
Como lenguaje, la danza puede expresar asuntos estresantes, sometiéndolos a
examen para que puedan ser evaluados para soluciones constructivas fuera del
escenario de la danza. Recordemos, la danza es el sonido de los cuerpos. Algunas
personas responden mejor a las imágenes en la comunicación no verbal de
danza que crean o ven que a las representaciones verbales al trabajar con
eventos estresantes. Además, la danza social y la danza del arte teatral a menudo
permiten que las personas se toquen entre sí de manera apropiada y segura, por
lo que la oxitocina del contacto humano también puede reducir los niveles de
estrés.
La danza ofrece algo de lo que la poesía o la escritura en prosa o la lectura ofrecen,
a saber, fantasía, narración de cuentos, la conexión entre el artista y el público y la
espiritualidad. La poesía a menudo tiene un significado ambiguo que permite una
exploración segura de temas delicados sin una referencia explícita a ellos. los
el bailarín puede ser el protagonista con agencia en cualquier narrativa elegida.
La danza tiene elementos de autocontrol, escape-evitación y, a menudo, apoyo
social de otros bailarines u observadores.
Los factores estresantes incorporados, como lo prohibido, la sexualidad, la
opresión y la muerte, se someten a escrutinio y permiten a las personas jugar
con ellos, distanciarlos y, en consecuencia, hacerlos menos amenazantes..Las
representaciones temibles a través de la danza son "simuladas" y no tienen el
impacto de los factores estresantes de la vida real.
Al volver a contar una situación estresante, al revivir la experiencia
desgarradora una y otra vez, un individuo se acostumbra a contar y expresar el
recuerdo y se da cuenta de que fue en el pasado y puede ser trascendido.40El
ensayo de danza ofrece una exposición prolongada. Los temas se pueden jugar
con la sugerencia de varios resultados. A través de la danza, una persona puede
presentar una visión que genere una mayor reflexión sobre ella, tal vez para dar
forma a la realidad y calmar el estrés del descontento. El fracaso también es
aceptable y benigno, porque la danza, después de todo, es solo un juego y carece
del impacto del fracaso de la vida real. Si no le gusta un escenario de
rendimiento, puede crear otro. Por supuesto, en la danza profesional, el fracaso
puede ser una amenaza para la carrera.
Aunque los participantes en un espectáculo de danza pueden ganar
distancia y perspicacia que les ayuden a resolver problemas, con menos
frecuencia los temas representados en la danza pueden raspar los nervios e
inducir estrés.
Más que un arte teatral y una forma de ocio, la danza también forma parte de los
programas de bienestar contemporáneos. Algunos estudios de baile anuncian sus
clases como una forma de “aliviar el estrés; baila el blues.” Las actividades
extraescolares que se ofrecen a estudiantes universitarios y grupos de autoayuda
incluyen la danza como antídoto contra el estrés.
Aunque los deportes también son una forma de ejercicio, algunas comunidades
tienen un historial de su asociación con bajo rendimiento académico, abandono
de la universidad, graduación universitaria de analfabetos y violencia. Por el
contrario, se cree que los logros en danza se correlacionan con el éxito
académico. Lo más importante es que la danza es un ejercicio más con estética,
multisensorial entrelazado, imaginación creativa y lenguajes para contar
historias.

Estrés bueno: eustrés

 Una cantidad moderada de estrés puede estimular la creatividad y los logros. El
estrés bueno proporciona energía para responder rápidamente, mantenerse
mentalmente alerta y estar físicamente preparado. A menudo catapulta a los
participantes de la danza hacia picos más altos de rendimiento. Muchos en el
mundo de la danza prosperan debido a sus desafíos y riesgos estresantes. Los
bailarines exitosos tienen un ardiente sentido de convicción que les permite
superar lo que es estresante para los demás. Lo que siente un bailarín depende
de la persona, el escenario y el entorno en el que domina la danza.

Cuando nos arriesgamos, participamos en la creatividad y nos emocionamos con el

proceso y el éxito del aprendizaje, la hormona del estrés, el cortisol, viaja al cerebro.
Aquí estimula la liberación de dopamina, una sustancia química que opera a lo largo
de los circuitos neuronales conocidos como las vías del placer, un subidón que
involucra a un aprendiz/creador.

La danza como factor estresante

Aunque la danza puede ayudar a resistir, reducir y escapar del estrés dañino, la danza
en sí misma puede ser un factor estresante para los bailarines, los padres, los
coreógrafos, el personal de producción, los críticos de danza y otros en el mundo de la
danza. El apoyo inadecuado del maestro de danza o de los compañeros de clase, la
ansiedad por el desempeño y los comentarios ambiguos sobre el desempeño pueden
ser factores estresantes. Los jóvenes que están fuera de casa para estudiar o actuar en
una compañía de danza pueden sentir nostalgia.
Como ocurre con la mayoría de las ocupaciones, una carrera de danza tiene
factores estresantes negativos. Los bailarines profesionales se preocupan por
cumplir con los criterios estéticos exigidos por los coreógrafos y esperados por el
público de la danza. Los perfeccionistas temen no estar a la altura de los estándares
altos. Algunos de los requisitos poco saludables, como la delgadez, hacen que los
bailarines experimenten problemas de imagen corporal y trastornos alimentarios.
Los profesionales enfrentan actitudes negativas hacia una carrera de danza,
demandas físicas y peligros de lesiones, dolor psicológico por no poder bailar debido
a una lesión musculoesquelética, competencia y maltrato ocasional por parte de
coreógrafos y gerentes de compañías. Las bajas recompensas financieras (a
excepción de algunas superestrellas) y la brevedad de una carrera como actor
pueden ser estresantes.
Los coreógrafos pueden experimentar ansiedad acerca de poder
producir, especialmente bajo la presión de los plazos y limitaciones.
recursos. Aunque los coreógrafos deben innovar como dicta la estética
occidental, demasiada innovación puede hacer perder audiencias poco
familiarizadas o poco receptivas a la vanguardia. El creador, recompensado
como único y maravilloso, tiene la contrapartida castigadora como un
extraño solitario, alborotador y apático no comprometido.
La ansiedad por el rendimiento afecta tanto a principiantes como a profesionales.
Paul Taylor, el renombrado coreógrafo, escribe en su autobiografía,Dominio Privado,
"Miedo escénico. Algún clon, no yo, se esconde fuera del escenario y está cubierto de
sudor helado, con las palmas de las manos y las plantas de los pies resbaladizas, las
sienes retumbando, la lengua seca, convulsionada, chisporroteada. Es fácil ver que el
motivo de la pintura grasa es evitar que tu piel traicione su color cobarde”.

Un esfuerzo mucho más relajado que el baile profesional, el baile amateur

tiene menos peligros. Las personas asisten a bailes sociales o clases de
baile por placer, ejercicio, autoexpresión y socialización. El baile ayuda a las
personas a resistir el estrés mediante el desarrollo de la aptitud física y la
creación de apoyo social que se extiende más allá del escenario del baile.
La fantasía y el encanto de un género de danza romántica ofrece un escape
del estrés.
Sin embargo, los estudiantes aficionados pueden intimidarse fácilmente y temer
hacer el ridículo ante un maestro o compañeros de clase. Los hombres pueden
rechazar tener que, por ejemplo, usar trajes de baile ajustados al cuerpo, criticarse a
sí mismos oa los demás, o ser criticados por su maestro y sus compañeros. Los
líderes de baile pueden sentirse inquietos por pedirle a alguien que baile o tener que
liderar. Las invitaciones insuficientes al baile social pueden ser estresantes. Los
bailarines aficionados no son inmunes a la preocupación por su peso. Los niños
pueden ser incapaces desde el punto de vista del desarrollo y de la experiencia para
manejar rutinas que son demasiado desafiantes o complejas. Algunos padres
intentan realizar sus propios sueños a través de sus hijos y empujarlos en contra de
sus propios deseos. Sin embargo, los jóvenes que tienen éxito temprano en sus
clases de baile, generalmente desarrollan la confianza para competir, hacer una
audición y seguir una carrera de baile si así lo desean.
Las competiciones de baile pueden ser estresantes. Los estudiantes con egos
frágiles y autoestima inestable pueden tomar las competencias como algo personal y
sufrir cuando pierden. ¡Un ganador del segundo lugar en una competencia arrojó su
trofeo a la basura!
Escapar
Debido a que el baile es diferente en algunos aspectos de otros
aspectos de la vida diaria, el baile le permite a una persona escapar del
estrés de la timidez, el rigor académico y los problemas laborales o
personales. El baile puede permitir que un artista experimente cambios
emocionales positivos y estados alterados de conciencia. El baile
vigoroso induce la liberación de endorfinas que se cree que producen
analgesia (ausencia de dolor) y euforia (gran euforia). El cuerpo que
baila aumenta la circulación de la sangre que transporta oxígeno a los
músculos y al cerebro, disipa la tensión muscular y emocional e induce
una sensación de liberación y bienestar.
La danza también ofrece a las personas escapar del estrés al trasladarse a un mundo
de fantasía utilizando imágenes mentales mientras bailan en clase o en el escenario. Un
bailarín puede ser un príncipe o una princesa, un animal, un mujeriego o una sirena. Con
tutús de lentejuelas o vestidos con leotardos brillantes que revelan formas, un bailarín
está lejos de las sudaderas de gran tamaño, los jeans Levi o los trajes de negocios que
tipifican la vida cotidiana.
A través de la danza, las personas mayores pueden escapar del estrés del
envejecimiento. Pueden sentirse animados identificándose con los movimientos, la
música y los recuerdos de sus primeros años, así como aprendiendo otros bailes. Bailar
proporciona compromiso social, aumenta el poder del cerebro y aumenta la estabilidad
y mantiene los huesos, las articulaciones y los músculos saludables.

BIS
El baile despierta los cerebros de todos los estudiantes, desde los jóvenes con
discapacidades y de bajos ingresos "en riesgo" hasta los "dotados y talentosos" y
económicamente seguros hasta los adultos. Como arte aplicado, la danza puede
ser un lugar que involucre a jóvenes y adultos por igual en el desarrollo cognitivo
y emocional.
Están activas diferentes áreas del cerebro: evaluación de uno mismo y de
los demás (corteza prefrontal y orbitofrontal), empatía (unión
temporoparietal), atención que regula la cognición y la emoción (corteza
cingulada anterior), procesamiento del lenguaje, movimiento biológico y
atención social (surco temporal superior).
Un tema integral en sí mismo, la danza también puede ser un tutor
académico, personal, interpersonal, de ciudadanía y de trabajo. Qué es
aprendido en la danza podría ser aplicable a la vida de una persona, por lo que es
necesario considerar las dimensiones de la transferencia y cómo facilitarla. Los
profesores utilizan varias prácticas y recursos en la educación de la danza. Los
abundantes medios, el ciberespacio y las redes sociales con los que crecen los
jóvenes pueden aprovecharse para nuevas formas de enseñanza y aprendizaje. El
aprendizaje a distancia y el análisis de movimiento están disponibles con varias
tecnologías.
Los estándares del currículo de danza guían las metas educativas, la valoración
y la evaluación. Cuando la evaluación es parte del proceso continuo de
enseñanza y aprendizaje, la instrucción puede mejorar.
El eustrés y la angustia afectan todo el aprendizaje, incluido el baile, que tiene el
potencial de ayudar a los bailarines a resistir, reducir y escapar del estrés.
Entonces, cómo el estrés puede promover e inhibir la adquisición de
conocimiento declarativo y procedimental debe tenerse en cuenta al bailar para
aprender danza y otras materias.
En el próximo capítulo tomamos una perspectiva diferente sobre el baile para
aprender. La atención se centra en cómo la danza influye y es influenciada por las
expresiones de identidad de carrera, género y orientación sexual, y diversidad
cultural. Se plantean problemas relacionados con la realización de bailes de otra
cultura.

NOTAS
1. Ver Kernis 2003 sobre tipos de autoestima.
2. Katz 2008.
3. Lobo y Winsler 2006; Ganador, Goldstein y Vincent-Lancrin 2013.
4. Koshland, Wittaker y Wilson 2004.
5. Asbury y Rich 2008.
6. Pirata informático 2003.

7. Stinson 1997.
8. Pelota y Heath 1993; Salud 1998, 2001, 2005.
9. Seham 1997; Horowitz 2004.
10. Verhovek 1997.
11. Koshland, Wittaker y Wilson 2004.
12. Stoelinga, Joyce y Silk 2013.
13. Bennhold 2013.
14. Harris 2009.
15. Citado en Kay 2014.
16. Hanna 1988b.
17. Root-Bernstein y Root-Bernstein 2005, 194.
18. Haskell 2001.
19. Bialystok & Craik 2006, 9.
20. Eisner 2002, 215.
21. Housen 2001-2002; Shepard 2002.
22. Perkins y Salomón 1988.
23. Perkins y Salomón 1988.
24. Dahlin et al. 2008; O'Doherty et al. 2003.
25. Anderson y Krathwohl 2000.
26 Hager y Hodkinson 2009; Catterall 2005.
27. Bransford y Schwartz 1999.
28. Barnett y Ceci 2002.
29. Jola, Davis y Haggard 2011.
30. Naghshineh et al. 2008.
31. Brooks 2012.
32. Mullis 2013, 112.
33. Pimienta 2013.
34. Comunicación personal, abril de 2014.
35. pavo real et al. 2012.
36. Verwww.formacion.org ; Smith-Autard 2012.
37. Wilke et al. 2005.
38. Calvert et al. 1991.
39. Danckert 2013.
40. Foa et al. 2013.
 Capítulo 5

Mente y emoción en el aprendizaje

Propio, cultural y nacional
Identidades a través de la Danza

La danza es el único arte del que nosotros mismos somos la materia de la que está hecha.

—ted shawn
Sosteniendo un espejo, la danza nos
dice: Mírate o mira cómo podrías ser.
La imagen que vemos puede ser agradable, incómoda o incluso aterradora.

—Judith Lynne Hanna1

La danza puede estar vinculada, como una bandera o un himno, a la orientación

sexual, el género, la edad, la carrera, las identidades culturales, socioeconómicas,
regionales y nacionales de una persona.2Los procesos cognitivos de
comunicación, categorización sensorial, simbolización y memoria ubican a la
danza entre las convenciones de pertenencia. La percepción consciente del
cuerpo humano activa regiones del cerebro. Los mensajes van desde más allá de
la corteza sensorial hasta las áreas de asociación frontoparietal. La corteza
parietal apoya la perspectiva de una persona sobre el mundo visual y la
experiencia del yo observador.
Como se señaló anteriormente, ciertos aspectos de la personalidad son
creaciones de mecanismos neuronales inconscientes que crean las ilusiones
dentro de la autoconciencia de cada individuo. Algunos procesos pueden ser
susceptibles de control consciente en condiciones particulares o con la
formación adecuada. La conciencia es una mente dotada de subjetividad que
te permite saber que existes y explorar quién eres.3Las mentes conscientes
emergen de los sentimientos primordiales del yo al yo social autobiográfico.

Nuestra biografía: lo que hemos hecho, dónde hemos estado, quiénes nos
han dicho que somos, a quién hemos conocido, qué hemos visto, cómo
hemos sentido, y lo que creemos—influye en lo que nuestro cuerpo
experimenta y en cómo responde nuestro cerebro. Para complicar más las
cosas, la cultura tiene voz en nuestra biografía. El cerebro reacciona a
patrones en la corriente cultural de experiencias.
La cultura y la sociedad atribuyen significados (en su mayoría
arbitrarios) a varios comportamientos físicos, símbolos y experiencias,
como parecer infantil, femenino, varonil, agresivo, insultante, espiritual,
perverso y sexual. Nuestra experiencia de danza influye en el cerebro
que interpreta, media y, hasta cierto punto, controla la danza. En este
proceso recíproco, las personas exploran sus identidades y luchan con
actuar y ser.
Aunque los recuerdos nos ayudan a definirnos, nuestros recuerdos pueden
ser frágiles y mutables. Son reconstrucciones y, en retrospectiva, pueden
crearse imaginativamente.4A través de la danza podemos imaginar quiénes
fuimos, quiénes somos, quiénes queremos ser y quiénes no queremos ser.
Las identidades se pueden remodelar y explotar.

IDENTIDAD, CARRERA, TRANSICIONES Y BAILE DEL BAILARÍN-

OPCIONES RELACIONADAS

“Cuando trato de explicarle a la gente lo que creo que es grandioso y noble sobre
el movimiento”, dice el renombrado coreógrafo Bill T. Jones, “que la razón por la
que es nuestro conector más valioso como seres humanos es porque esa
persona en el escenario, que tiene un cuerpo similar al nuestro, está usando ese
cuerpo en representación de nosotros. . . . Este hecho es la forma en que he
podido lidiar con los problemas de identidad”. Jones continúa: "Y la creación de
arte, el compartirlo, es de alguna manera, la curación suena demasiado
sentimental, pero cierra la brecha entre las personas".5
Los problemas de identidad (incluidos el género, la orientación sexual y la cultura
queer) cuando están cargados de miedo y estrés y son procesados por la amígdala
pueden impedir el aprendizaje.
Seguir una carrera de danza es una pasión que puede cosechar grandes
recompensas. La motivación para bailar profesionalmente a menudo incluye la
satisfacción de lograr lo que otros quieren hacer, tratan de hacer, pero no pueden
hacerlo bien, y la euforia de la actuación. Los bailarines pueden actuar para otros y
en lugar de ellos.
La danza era un escenario creativo en el que la exbailarina de la ciudad de
Nueva York, Gelsey Kirkland, podía desahogar sus miedos y su rabia. De niña ella
era incapaz de controlar su mundo social, pero podía empezar a coordinar los
movimientos de su propio cuerpo. Sin duda, la búsqueda de una carrera de
danza proporciona un escenario para que los jóvenes, que aún tienen que poseer
el control de los adultos, se fortalezcan a sí mismos y se enfrenten a los desafíos
de la vida.
Los brillantes graduados de la escuela secundaria que se dedican a la danza
profesional a veces son censurados por padres y maestros que desaprueban su
universidad. Sin embargo, hay oportunidades para bailarines profesionales que
toman cursos universitarios durante su tiempo libre y luego. Algunas compañías
de danza alientan a los bailarines a prepararse para nuevas carreras después de
sus años de baile. Desafortunadamente, el desempeño profesional en el
escenario está limitado por las limitaciones físicas del cuerpo y la desventaja del
envejecimiento.
El objetivo principal de la educación en danza en las escuelas académicas es que los
estudiantes aprendan conocimientos, habilidades y actitudes a través de una
experiencia encarnada, así como también aprecien el arte de la danza. Sin embargo,
es útil para los estudiantes explorar carreras que tal vez deseen seguir cuando sean
adultos. Los maestros pueden exponer a los jóvenes a la carrera de danza y a
opciones ocupacionales relacionadas con la danza en los sectores público, sin fines
de lucro y privado para aquellos que eligen no bailar profesionalmente pero desean
permanecer vinculados al mundo de la danza.
Los programas de educación en danza pueden ofrecer modelos a seguir
profesionales (artistas de danza y maestros artistas de instrucción a tiempo
completo, a tiempo parcial o en clases magistrales) que presentan a los estudiantes
las realidades del mundo de la danza profesional y lo que se necesita para tener
éxito: normas de compromiso con una tarea; práctica en pos del crecimiento y
desarrollo; y habilidades y actitudes en el trabajo, incluidos hábitos de trabajo tales
como llegar a tiempo, arreglarse, vestirse apropiadamente y seguir las instrucciones
del coreógrafo y/o director. La realidad es que a veces el estilo de dirección es
autoritario. Además, los artistas de la danza comentan sobre el desarrollo de
habilidades de afrontamiento para el rechazo o las lesiones, la creación de redes
para trabajos y recursos, y la adquisición de humildad artística.
Los profesores, principalmente en las academias de danza y las escuelas secundarias
de artes, discuten facetas del mundo de la danza como la oferta por el talento de la
danza; discriminación en el salario por rango (por ejemplo, de aprendiz a bailarín
principal); beneficios sindicales; anuncios de solicitudes de propuestas; redacción de
propuestas de contratos y subvenciones gubernamentales y del sector privado;
negociación de contrato; trabajar con la gerencia; ser un empresario
independiente; y organización de la publicidad. Tal discusión a menudo
tiene lugar durante los preparativos para una actuación pública. Los
maestros explican que una producción de danza generalmente se basa en
las instituciones sociales de los presentadores y los espacios de artes
escénicas.
Al poseer una memoria casi perfecta, los cerebros de los bailarines
profesionales integran información para realizar tareas físicas altamente
sofisticadas que hacen visible el pensamiento, la emoción y, a veces, la música.
Los bailarines deben desarrollar disciplina, perseverancia, resolución creativa de
problemas, memoria mejorada y capacidad para trabajar en equipo y, a veces, en
idiomas extranjeros. Con la creciente globalización, las compañías de danza
tienen miembros de diferentes países. Estas empresas también hacen giras por el
extranjero.
Los accidentes y el envejecimiento pueden truncar una carrera de danza.
Profesional o aficionado, las habilidades y la confianza adquirida a través del baile
son útiles para el éxito en el lugar de trabajo. Los antiguos bailarines
profesionales a menudo se convierten en coreógrafos de baile, directores de
compañías, gerentes, maestros de ballet o amantes (la persona responsable de
establecer y controlar el programa de ensayos diarios de una compañía y hacer
otros preparativos para una actuación), capitanes de baile y maestros.
Aunque algunos estudiantes pueden inspirarse para convertirse en artistas
profesionales, pocos realmente realizan tales aspiraciones. Más se motivan para
dedicarse a carreras relacionadas con la danza, o simplemente adquieren una
apreciación de las artes y se preparan para carreras fuera de la danza. De cualquier
manera, sus vidas se enriquecen profundamente.
Los amantes de la danza y ex bailarines profesionales se han convertido, por
ejemplo, en recaudadores de fondos, escritores de subvenciones, directores de
desarrollo, promotores, escritores, administradores, fotógrafos, publicistas,
críticos, editores, antropólogos, historiadores, teóricos, bibliotecarios, terapeutas
del movimiento, fisioterapeutas, entrenadores, instructores de girotónicos,
practicantes de balanceo corporal, quiroprácticos, nutricionistas, acupunturistas,
masajistas, directores de programas artísticos, agentes de danza, escenógrafos,
diseñadores de iluminación, ingenieros de música y sonido, coordinadores de
producción, directores ejecutivos, asociados de relaciones públicas, diseñadores
de sitios web, danza notadores y doctores en medicina de la danza.
 Hay muchas otras opciones de carrera para los profesionales en
transición. Roger Plaut, después de seguir una carrera de ballet de
catorce años, fue a la universidad y obtuvo un doctorado en
microbiología. Él dijo: “Como bailarín. . . tienes que repetir algo una y
otra vez y tratar de perfeccionarlo, y eso es muy similar a lo que
hacemos en un laboratorio, donde hay mucha repetición y mucha
experimentación. Cuando tratas de descubrir cómo hacer una mejor
pirueta, estás experimentando”.6
Rahm Emanuel estudió ballet y danza moderna mientras estaba en la
escuela secundaria y durante un año en Sarah Lawrence. Rechazó una beca
completa para la Joffrey Ballet School, pero continuó tomando clases de ballet
mientras trabajaba en Chicago. Luego se convirtió en el Jefe de Gabinete del
Presidente Obama y posteriormente en Alcalde de Chicago. Ronald P. Regan,
el hijo del presidente Ronald Regan, abandonó Yale después de un semestre
para actuar con el Joffrey Ballet. Luego pasó a ser presentador de un
programa de entrevistas y analista político.
Cuatro ex bailarines del Ballet de la Ciudad de Nueva York se adentraron en
diversos campos. James Fayette se convirtió en Ejecutivo del Área de Danza de
Nueva York del Sindicato Estadounidense de Artistas Musicales. Toni Bentley
se convirtió en escritor. Linda Hamilton se convirtió en psicóloga. Damian
Woetzel asistió a laEscuela de Gobierno John F. Kennedy enharvard donde
obtuvo una maestría en administración pública. Lo logró mientras continuaba
bailando, transitando diariamente entre universos contrastantes: el Ballet de
Boston y la Escuela Kennedy, el mundo físico de labarray la arena cerebral de
la sala de conferencias. Woetzel se convirtió en director de los Programas de
Artes del Instituto Aspen y Director Artístico del Festival Internacional de
Danza de Vail.
Después de bailar con el Ballet Nacional de Canadá, Rachel Bar obtuvo
una maestría en psicología. Se asoció con Joseph DeSouza, un
neurocientífico de la Universidad de York, para estudiar si las personas con
la enfermedad de Parkinson pueden mejorar sus síntomas físicos y sus
cerebros aprendiendo y ejecutando pasos de baile durante un curso de
doce semanas. Bar luego asumió el cargo de Consultor de Investigación e
Iniciativas de Salud en la Escuela Nacional de Ballet.
Aquí hay algunas personas cuya educación en danza no preprofesional
bien puede haber contribuido a sus carreras no relacionadas con la
danza. Ezekiel J. Emanuel, PhD, MD, oncólogo, ex Casa Blanca
asesor, Vicerrector de Iniciativas Globales y Departamento de Ética Médica
y Política de Salud de la Universidad de Pensilvania, hermano de Rahm
Emanuel, también bailó cuando era joven. Cuando le pregunté cómo el
estudio de la danza afectó sus otros estudios y experiencias de vida, dijo
que le permitió soportar el ridículo y seguir adelante. Afirma haber sido un
pésimo bailarín.
Risa Sanders, psicóloga clínica con doctorado, afirmó: “Casi todo lo que
necesitaba saber en la vida lo aprendí en un estudio de danza. . . la danza
me proporcionó un amplio conjunto de herramientas de vida que. . . me
enseñó a soportar, a lidiar con la incomodidad física y el dolor absoluto.
Retrasar la gratificación y aceptar las críticas con gracia. Para mantener la
compostura y nunca dejar que te vean sudar. Me enseñó que nada que
valga la pena viene sin esfuerzo e incluso si eres el mejor, nunca des por
sentado el éxito porque siempre hay alguien esperando entre bastidores.
En última instancia, aprendí que estás solo y es mejor que conozcas tu
parte”.7El rabino Rick Jacobs, líder del judaísmo reformista, era bailarín
moderno.
Cualquiera puede identificarse como bailarín. Esto incluye aficionados y personas con
capacidades diferentes. La única amputada Amy Purdy era una bailarina como
cualquiera enBailando con las estrellas. Perdió la parte inferior de sus piernas a causa de
la meningitis bacteriana cuando tenía diecinueve años y tiene diferentes piernas
artificiales para tablas de snowboard y para caminar/bailar. Ella cree que "la única
discapacidad verdadera está en nuestras mentes".

GÉNERO Y ORIENTACIÓN SEXUAL

La danza refleja los cambios inevitables en la sociedad y la perspectiva
histórica.8que se aceleran en una era de comunicación global. Al cuestionar
y trascender las restricciones de las costumbres cotidianas, la danza es un
medio para desafiar el espectro de roles de género e identidades sexuales.

En las representaciones de baile de concierto occidentales, los roles

masculino y femenino eran distintos, a saber: el hombre vigoroso atrapando a
la mujer y realizando saltos y brincos, y la mujer delicada que necesitaba el
apoyo masculino. En muchos géneros de danza, hay movimientos específicos
de género.9Ahora uno puede ver inversión de roles y movimientos unisex.
La danza puede desdibujar los roles de género tradicionales, especialmente para las
niñas, cuando las artes marciales y el hip-hop de los niños son parte de la coreografía.
Tradicionalmente, uno veía parejas heterosexuales. Ahora uno puede ver parejas
hombre/hombre o mujer/mujer. En las competencias sociales de swing dance, los
chicos bailan con chicos, las chicas bailan con chicas y los compañeros compiten
con otras parejas similares. Los socios pueden intercambiar roles principales y
secundarios dentro de la misma pieza musical.10

¿Quién está en el escenario? Hembras

En la cultura occidental, generalmente ha sido aceptable que tanto hombres

como mujeres participen en bailes folclóricos y sociales. Sin embargo, solo los
hombres eran bailarines de ballet al comienzo del género durante el reinado de
Luis XIV. Con el inicio de la Revolución Industrial, se esperaba que los hombres
trabajaran en fábricas u oficinas, mientras que el papel de la mujer era el trabajo
doméstico. Sin embargo, en el escenario bailaban talentosas mujeres “sueltas” o
de escasos recursos. La danza teatral comenzó a ser respetable para las mujeres
a principios del siglo XX y para los hombres a partir de la década de 1960.

Aunque al principio la danza teatral estuvo dominada por los hombres, las
mujeres llegaron a predominar en las clases de danza, y las mujeres se iniciaron
en la danza moderna y dirigieron sus propias compañías y escuelas. Sin embargo,
los hombres son desproporcionadamente directores artísticos, gerentes
artísticos y ganadores de becas en todos los géneros de danza. Por ejemplo, “en
el año 2000, de dieciocho coreógrafos de danza moderna que recibieron becas
del Fondo Nacional de las Artes, trece eran hombres. Los hombres recibieron un
total de $200,000, con una subvención típica de $10,000; las mujeres recibieron
un total de $45,000, con una subvención típica de $5,000”.11
Dandelion Dance Company, en Ottawa, Canadá, es específicamente para
mujeres jóvenes de trece a diecinueve años que exploran temas sociales a
través del movimiento. El escenario exclusivamente femenino crea un
ambiente que permite la exploración coreográfica segura de temas
coreográficamente que pueden ser específicos para crecer como mujeres
jóvenes. Experimentan artísticamente y comparten su coreografía.
Los miembros de la compañía eligen, investigan y coreografían todas las
piezas de actuación. El repertorio de la compañía está impulsado por sus
experiencias, reflexiones, pasiones y exploración de los derechos de los
niños, el hambre, la autenticidad, los estereotipos y la inclusión. Los bailes
incluyen "Agua", "Trata de personas" y "Slipping Away".
 Estudiantes audicionan para Dandelion Dance Company. No es necesaria
experiencia previa en danza. La directora fundadora, Hannah Beach, elige
miembros de la empresa con diferentes atributos, ya sean habilidades para
hablar en público, expresividad o habilidades para escuchar. Se espera que
las niñas elegidas sean inclusivas, abiertas a los miembros de un grupo
diverso y deseosas de aprender y conectarse a través del arte de la danza,
así como apasionadas por la justicia social.

Varones en Danza
“¿Los hombres de verdad ven bailar?” preguntó el profesor de inglés Bruce
Fleming. “¿Por qué la danza en Estados Unidos tiene el aura de lo poco varonil, lo
que no es para nosotros?” Buscó respuestas en el bastión de los valores
machistas, la Academia Naval de Estados Unidos, donde impartió un curso
interdisciplinario de modernismo.12Los guardiamarinas vieron espectáculos de
danza. Les gustó la actuación de la compañía de danza moderna de Paul Taylor
de “Arden Court”, identificándose con los bailarines arrojándose al aire y
moviéndose con gran fuerza. Sin embargo, a los guardiamarinas les disgustó el
ballet que viola las normas masculinas de movimiento callejero: los hombres
visten mallas que resaltan la parte inferior del cuerpo, el trasero y la entrepierna,
y levantan una pierna, balanceándose sobre la otra. Además, el ballet tiene un
flujo continuo.
Los géneros de baile breaking y hip-hop atraen a los hombres. Estas formas de baile se
originaron en la década de 1970 como una competencia masculina, peleas improvisadas
en las calles de la ciudad de Nueva York. “Breaking” tiene movimientos de baile
acrobáticos y gimnásticos pirotécnicos, físicamente exigentes, con riesgo de lesiones,
artísticamente inventivos. Estos incluyen giros de cabeza desde una parada de cabeza
con las manos en el aire, giros hacia atrás con las piernas dobladas y sostenidas por los
brazos, "golpes de bebé" o paradas de manos en las que las piernas se cortan
bruscamente entre sí y las caderas giran en espiral, "suicidios" o sin manos volteretas
hacia adelante que aterrizan planas sobre la espalda y "deslizamientos de manos" en los
que una mano sostiene el cuerpo mientras que la otra lo impulsa en un giro. El baile hip-
hop se improvisa con música hip-hop e incluye una amplia gama de estilos
principalmenterotura ,cierre (congelarse por un movimiento rápido y luego volver a
moverse rápido), yhaciendo estallar (contrayendo y soltando rápidamente los músculos
para provocar una sacudida en el cuerpo del bailarín).
 Los hombres han adoptado la coreografía con su poder para dirigir los
cuerpos de los bailarines, mostrar autoridad y controlar. Muchos consideran
estas opciones como un marcador de su masculinidad. Además, crear un baile
es un indicador de propiedad.
Los miembros de la familia, especialmente los padres, pueden desaprobar el deseo de
bailar de los hombres. La aceptación de los hombres en la danza en la corriente principal
de Estados Unidos está cambiando, aunque el ballet y la danza moderna están menos
aprobados. En su comunidad, que carece de modelos positivos a seguir y pocos
compañeros masculinos en el baile, los hombres pueden sufrir burlas, burlas,
aislamiento social y acoso, un sesgo heterocéntrico reforzado por las normas de género
y la presión de los compañeros.13La película y el musical de 2000Billy Elliot ilustrar este
patrón. Es útil para los novatos saber que los jugadores de baloncesto y fútbol
aficionados y profesionales han utilizado las clases de ballet como entrenamiento
complementario.
Debido a que los niños que van a una clase de ballet pueden sentirse incómodos
usando mallas, algunos hombres se ponen capas de ropa, como pantalones cortos o
pantalones deportivos, para mantener los músculos calientes. Eso generalmente se
ve bien. Luego, a medida que se calientan y entran en una zona de confort, se quitan
las medias. Los niños pueden sentirse incómodos con el uso de cinturones de baile.
Son para protección, manteniendo los genitales fuera del camino en fuertes saltos
atléticos con apertura y cierre de las piernas como tijeras gigantes y en pareja.

Algunos maestros promueven la homofobia diciéndoles a los hombres que bailen como un
hombre, no afeminados como un "maricón". Sin embargo, los niños que practican ballet y que
también sobresalen en deportes o montan motocicletas suelen ser aceptados por sus
compañeros que no bailan.
Un estudio de tres años de hombres en la danza utilizó una encuesta en línea,
entrevistas, grupos focales y observaciones de campo de cien participantes
masculinos, de trece a veintidós años, que buscaban activamente estudios
preprofesionales de danza en los Estados Unidos.14Los niños estaban en
academias de baile, conservatorios, escuelas secundarias de artes escénicas y
programas universitarios. El profesor de danza Doug Risner descubrió que los
hombres que bailan continúan experimentando el aislamiento social y el estigma,
especialmente los adolescentes. El apoyo de los padres es clave para el ingreso,
la retención y el progreso de los niños y jóvenes adultos varones en la
preparación preprofesional de la danza. Los participantes informan sobre la
importancia de actuar, expresarse y bailar como una salida creativa.
como fundamental para su propia satisfacción personal y el estudio continuo de la
danza.

Figura 5.1. Chicos en ballet

Fotógrafo Paolo Galli. Cortesía de Kirov Academy of Ballet, DC.

Blake Martin dijo: “Cuando era adolescente, sabía que me gustaba bailar y
quería bailar. Sabía que era diferente. Mis compañeros me decían que era
gay, porque bailar era gay y que me gustara bailar era gay. De hecho, durante
un buen tiempo me pregunté si podría ser gay porque estaba seguro de que
me gustaba bailar. Mis experiencias heterosexuales placenteras recurrentes
finalmente me ayudaron a darme cuenta de que podía ser heterosexual Y me
gustaba bailar”.
Aunque las opiniones sobre la masculinidad a menudo disuaden a los niños de
bailar, puede ayudarlos a aprender a expresar emociones inhibidas por una cultura
de masculinidad. Las expresiones de violencia (los hombres libran y luchan en la
guerra) y la ira son expectativas masculinas, mientras que la expresión de otros
emociones como el cuidado, la compasión y la empatía no lo son. "¿Qué pasa con
los hombres?" la gente pregunta después de los tiroteos masivos. Tenga en
cuenta que entreinta y uno de los tiroteos escolares que han tenido lugar desde
1999 , los asesinos eran hombres blancos de clase media.De los sesenta y dos
asesinatos en masa ocurridos en los últimos treinta años , solamente uno de esos
tiradores era una mujer. A menudo, los hombres albergan ira y resentimiento, se
encierran en sí mismos y desarrollan fantasías de venganza sobre las que actúan.
15La danza proporciona una salida para tales sentimientos.

El Warwick Arts Center lanzó el proyecto Boys Dancing a través de la

formación de West Midlands Boys Dance Alliance.dieciséis
Dirigido exclusivamente a niños y hombres jóvenes, el proyecto ha ofrecido una
gama de oportunidades de creación de espectáculos con bailarines profesionales
masculinos. El objetivo es tratar de desafiar la percepción de que la danza es
principalmente una actividad realizada por mujeres y los discursos normativos sobre
los hombres y la masculinidad. Participan niños de todas las capacidades y todos los
orígenes en escuelas primarias y secundarias, grupos extraescolares, centros
juveniles, unidades de referencia de alumnos e instituciones para delincuentes
juveniles. El programa fomenta la disciplina, el desarrollo de habilidades, la
creatividad y la toma de decisiones, la autoestima y el trabajo en equipo, así como las
habilidades de actuación en danza y coreografía.
Boys Dancing Alliance está compuesta por centros de arte, compañías de teatro
y servicios para jóvenes. El proyecto culminó con la realización deLa suite del
hombre tranquilo, seis películas de danza, con niños y hombres jóvenes de todo
West Midlands, Inglaterra, para demostrarles a los niños que la danza es
emocionante, atractiva, divertida y desafiante. La danza se muestra como una
mezcla de actividad física y mental espontánea que requiere fuerza física como
en el deporte y proporciona un entrenamiento para la mente. La esperanza es
queLa suite del hombre tranquiloinspirará a otros niños a seguir el ejemplo de
los hombres en la suite. Además, la suite también promueve la importancia de la
justicia social, pidiendo a los jóvenes que reflexionen sobre las injusticias en todo
el mundo y consideren lo que está bien o mal o si depende de las circunstancias.
Cada socio de la Autoridad Local montó una proyección de estreno a gran escala
para los participantes y las familias y le dio a cada niño una copia en DVD para
mostrar en casa. Las escuelas y los centros asociados también recibieron un DVD
para mostrar en las asambleas, en los sitios web, en las reuniones de padres y en
el lobby plasma.
pantallas Más ampliamente, las películas aparecen en el micrositio del proyecto,
sitios web asociados, Vimeo y YouTube.
Los hombres en el baile tienen una ventaja. Debido a que hay menos en clases y
empresas, se hacen esfuerzos para atraerlos. También hay un sesgo a favor de
los hombres en puestos de liderazgo como se señaló anteriormente.

CULTURA
Aunque aún no se han realizado estudios sobre el impacto de las diferencias
culturales en la danza sobre los patrones cerebrales, se han obtenido hallazgos
de neuroimagen que reflejan diferencias en las culturas.17Por ejemplo, los
occidentales tienden a enfatizar objetos focales, agrupaciones categóricas y
estilos de razonamiento analítico asociados con una autodefinición
independiente. Por el contrario, los miembros de la cultura de Asia oriental
(Japón, China, Taiwán y Corea) tienden a enfatizar las características contextuales
o de fondo, los grupos relacionales y los estilos de razonamiento holístico que
están vinculados a las opiniones colectivas sobre sí mismos. El procesamiento
visual ventral del cerebro de objetos y contextos mostró diferencias que afectan
la forma en que la información se percibe, codifica, almacena en la memoria y
posteriormente se recupera más tarde. Al comparar las culturas japonesa y
estadounidense, la amígdala está más involucrada con los rostros de la propia
cultura en comparación con los rostros del grupo externo.
El Laboratorio Interdisciplinario de Ciencias Afectivas de la psicóloga Lisa
Feldman Barrett ha desafiado el trabajo pionero sobre el "reconocimiento de
emociones" realizado en la década de 1960 por el equipo de científicos del
psicólogo Paul Ekman. El equipo de Barrett descubrió que el método de
investigación de Ekman tenía fallas al proporcionar a sujetos incluso de culturas
lejanas un conjunto preseleccionado de palabras emocionales para que
coincidieran con las expresiones faciales. El método inadvertidamente "preparó"
a los sujetos, esencialmente insinuando las respuestas.
Por el contrario, el equipo de Barrett pidió a los sujetos que describieran libremente
la emoción percibida en un rostro. Los investigadores encontraron que las
expresiones faciales humanas, vistas por sí solas, no se entienden universalmente
como sugirió el equipo de Ekman. Más bien, “nopasivamente reconocer las
emociones peroactivamentepercibirlos, basándose en gran medida (aunque sin
darse cuenta) en una amplia variedad de pistas contextuales: una posición corporal,
un gesto con la mano, una vocalización, el entorno social, etc.18Entonces
interpretar la danza de una cultura diferente justifica el estudio de su
comunicación general no verbal de la emoción.
Figura 5.2. Conjunto Folklórico La
fotógrafa Judith Lynne Hanna.
Interacción de baile en blanco y negro

En los Estados Unidos, la danza tradicional estadounidense euro-blanca ha

dominado el escenario, el estudio, la escuela y la universidad. Sin embargo,
los negros (de Estados Unidos, África y el Caribe) han influido fuertemente en
la danza popular y social que a su vez ha influido en el ballet y la danza
moderna. Hay llamados para que se dé crédito a las raíces de diferentes bailes
y para que los negros sean reconocidos por sus contribuciones en lugares que
anteriormente eran solo para blancos.

Figura 5.3. danza creativa

El fotógrafo Kevin Dixon. Cortesía de Melanye Dixon White.

En una descripción general de los programas de danza basados en la

comunidad en los Estados Unidos y el Reino Unido, la antropóloga Shirley
Brice Heath descubrió que la danza permite a los jóvenes “expresar su fuerza,
resistencia a las asignaciones de roles habituales y nuevos escenarios
colaborativos del futuro de lo imaginado”.19Si bien la danza suele ser
coreografiada por adultos para niños o creada en conjunto, la danza
creada por niños solos es un medio para que ellos se expresen de la
manera que elijan. La parodia de la forma de ver las cosas de la sociedad
era común en los bailes iniciados por los propios jóvenes.
Un estudio de las relaciones entre blancos y negros en una escuela
primaria no segregada ordenada por un tribunal (50 por ciento negros y 50
por ciento blancos) encontró diferencias culturales.20Dada la historia de
segregación y desegregación en Dallas, en la Escuela Primaria Hamilton
Park (HPES), los niños negros a menudo bailaban su orgullosa identidad en
los patios de recreo, las aulas y los pasillos.
De manera ilustrativa, durante el recreo al aire libre en un día cálido y
soleado, grupos de niñas negras en HPES organizaron espontáneamente
bailes que invirtieron el dominio blanco habitual. Usando una forma
espacial de bailes infantiles que es probablemente de origen británico y
aprendida de los estadounidenses blancos, las niñas se movían al estilo
africano con un torso suelto y flexible; extensión y flexión de las rodillas
con una calidad de respiración fácil; barajar los pasos; y columpios y
empujes pélvicos. Crearon danzas sincréticas que combinaban las
características de la danza tanto blanca como negra en una forma que se
ha descrito en otros lugares como "juegos de anillo y línea".21Un líder
cantaba una frase que el grupo respondía o el líder dirigía a los artistas.
Los movimientos acompañaban y acentuaban el texto de la canción o lo
ilustraban. Los aplausos u otras percusiones corporales puntuaron la
actuación para crear un ritmo sincopado dentro de la canción y el baile.
En un caso, cuando una niña blanca deseaba unirse a las niñas negras en uno
de sus bailes, una niña negra dio un paso atrás, se puso las manos en las caderas
y miró a la niña blanca de arriba abajo. Luego, con una mirada burlona y con el
ceño fruncido, dijo en voz alta para que todos la escucharan: "¡Muéstrame que
puedes bailar!" Todos vieron como la chica blanca se retiraba a un lado.
Más tarde, una niña blanca diferente se unió a la obra de teatro “Check
Me” en la que el nombre de cada participante en el círculo se señaló por
turnos, yendo hacia la derecha. El nombre de una niña fue llamado por la
niña parada a su izquierda inmediata; se identificó, cantó un estribillo
mientras aplaudía y luego llamó a la siguiente chica a su derecha.
Marque [aplauso], marque [aplauso], marque [aplauso]. Mi nombre es Tina,
Soy un Piscis.
Quiero que [aplaudas] compruebe,

compruebe, compruebe,

para ver a Bridgette.

Marque [aplauso], marque [aplauso], marque [aplauso]. Mi nombre es Bridgette. . . .

Cuando fue el turno de llamar a la chica blanca, la chica negra simplemente

pasó de largo y llamó a la siguiente chica negra. Rechazada, la chica blanca gritó:
"¡Yo también puedo hacerlo!" Nadie prestó atención.
El orgullo negro, la identidad, los límites y la lealtad al vecindario parecían
unirse en estos bailes. Afirmaron la unión y la camaradería dentro del
grupo, brindaron diversión y permitieron que los artistas trabajaran en
problemas estresantes en un mundo en el que no se sentían en control. Tal
actuación sirve como respuesta a la conciencia de la opresión blanca
pasada y la exclusión de los negros. El baile de los niños negros imagina la
inversión de las relaciones de poder.
Otras expresiones de identidad negra y vinculación ocurrieron en la escuela.
Al menos una vez a la semana vi de uno a seis niños negros bailar
espontáneamente algunos pasos en secuencias cortas en una variedad de
situaciones tanto dentro como fuera de las aulas en los pasillos. El baile no
interrumpió la enseñanza y el aprendizaje formales. Por ejemplo, cuando se
estaba despidiendo una clase de segundo grado, un niño salió realizando un
paso de Charleston (las rodillas se mueven juntas mientras las manos se
cruzan y se separan al unísono con las rodillas) tres veces. Originario de África
occidental, este paso se trasladó a la cultura negra estadounidense. Después
de que el primer niño salió, un segundo niño lo siguió realizando la misma
frase de movimiento. Las secuencias ocurrieron repetidamente hasta que seis
niños abandonaron el salón de clases.
En una clase de música de cuarto grado, varios niños negros “be-
bopped” (caminaron rítmicamente) ante los ojos de admiración de sus
compañeros. Un niño caminaba con cambios de cadera exagerados, la parte
superior e inferior del torso moviéndose en oposición; otro chico caminó
mientras balanceaba sus hombros. Un tercero se sentó chasqueando los
dedos y luego se levantó y realizó una secuencia de baile de paso y patada. Un
cuarto chico sacudió sus hombros y onduló su torso. Mientras una clase de
sexto grado recorría los pasillos hacia la cafetería, varios niños y niñas negros
realizaron una variedad de frases de movimientos de baile.
No estaba claro qué desencadenó específicamente los movimientos de
baile de estos niños en las aulas y los pasillos. Los jóvenes aparecieron
disfrutar bailando para ganar la atención y admiración de sus compañeros y liberar
energía después de adherirse a un régimen académico formal.
Un ejemplo de parodia ocurrió cuando una maestra blanca a la que no le
agradaba que gritaba y se quejaba perdió el control de su salón de clases
de segundo grado. Cuando la maestra le preguntó a una niña negra que
no dejaba de hablar en voz alta si quería salir del salón de clases, la joven
se levantó de su silla y caminó hacia el pasillo. Aquí realizó el paso de
Charleston. Después de volver corriendo a su asiento asignado y sentarse,
se puso de pie en el asiento de la silla y realizó lo que en ballet se llama un
arabesco. De pie sobre la punta de un pie, levantó la otra pierna hacia atrás
lo más alto que pudo, con un brazo en diagonal hacia arriba y hacia
adelante, el otro hacia un lado. Desde esta posición se rió mientras perdía
el equilibrio y caía al suelo. El maestro recogió a la niña y la sacó del salón
de clases.
Los movimientos de baile de la niña rompieron dos tipos de reglas.
Primero, desafió a la maestra blanca al actuar de manera inapropiada
durante una lección formal. En segundo lugar, rompió las reglas del estilo
de ballet tradicional dominado por blancos que aprendió del director del
Teatro de Danza de Harlem, Arthur Mitchell, cuando su visita a Dallas fue
transmitida por televisión. Habló sobre la historia del ballet y dio talleres
que demostraron los movimientos del ballet. La niña realizó un
movimiento de arabesco que se realiza en el piso de un escenario en lugar
de en el asiento de una silla de salón de clases, colocando los pies donde
pertenecen las nalgas. Luego se cayó deliberadamente de la silla de
manera torpe, en lugar de pasar con gracia del cuerpo apoyado en un pie a
los dos como corresponde en el ballet. Así parecía simbolizar, o con el
poder apremiante de la metáfora para efectuar, la completa caída de la
autoridad del maestro blanco. Las acciones simbólicas a menudo están
destinadas a provocar lo que expresan.

Identidad Regional o Nacional

Muchos bailes reflejan la región o nación del artista. En el condado de Pendleton, Virginia
Occidental, bailarines cuadrados, cloggers y twirlers siguen a las personas que llaman
gritando círculos a la izquierda, círculos a la derecha, do-si-do, “Túntate el sombrero y átate
el zapato; ¡ahora tu compañero te está siguiendo! Los bailarines, muchos descalzos, se
mueven al ritmo de canciones de los Apalaches. losCentro del Patrimonio de Augusta ha
ayudado a organizar bailes en los que la gente de todo el estado
haciendo en la escuela primaria. El centro está cultivando la tradición de la
danza condado por condado en un esfuerzo local para revivir y marcar un
legado de Virginia Occidental. “Es como una identidad regional para mucha
gente de aquí”, dijo un residente. “Crecen con la música de violín y de
banjo, y bailando en sus casas. Es parte de lo que son”.22
La sociedad estadounidense se está volviendo más diversa
demográficamente que nunca. Muchos grupos nacionales y regionales se
reúnen en centros comunitarios y en otros lugares para preservar sus
identidades a través de la danza. Actúan en sus propias celebraciones y
para el público en general en eventos como festivales. Desde la Feria
Mundial de 1893 en Chicago, en la que las "bailarinas del vientre" sirvieron
como emisarios de sus países del Medio Oriente, otras naciones han
realizado bailes que muestran su identidad nacional. Los ejemplos incluyen
la danza Morris en Inglaterra, el flamenco en España y danzas clásicas
como Bharatanatyam en India. Cuando los grupos actúan en un contexto
teatral, la danza sufre la transformación de la puesta en escena. Los
participantes de la danza pueden cuestionar la validez continua de la forma
en el nuevo contexto.
“Autenticidad”, en consecuencia, es un concepto esquivo en el mejor de los
casos. ¡Cambios de baile! “Danza tradicional” es la danza de un grupo que es
considerada por la mayoría de los miembros del grupo como su herencia
cultural; los participantes actuales no lo han creado ni presentado. La danza ritual
es un comportamiento predecible, estereotipado y básico. Sin embargo, una
copia de una danza es en sí misma original y digna de consideración en su propio
contexto cultural.
A medida que el mundo continúa encogiéndose con los avances tecnológicos,
aumentan los intercambios entre las comunidades de baile. Las danzas de todo el
mundo se han convertido en parte del patrimonio estadounidense y han entrado
en los repertorios de la danza teatral y social. Los bailarines de una cultura a
menudo recurren a otras culturas en busca de inspiración creativa. De hecho, la
mayoría de los estadounidenses pertenecen a múltiples grupos, algunos de los
cuales se superponen. Ejemplos de bailes populares que han arrasado en los
escenarios de baile social de Europa y Estados Unidos son la bachata, un baile
afrolatino de la República Dominicana, y la kizomba, de Angola. Algunos de los
movimientos de estos bailes se mezclan con el ajetreo (basado en bailes como el
mambo) de las comunidades latinas de la ciudad de Nueva York y Florida, para
crear nuevos dialectos de baile.23
 El gobierno de Estados Unidos ha enviado compañías de danza
estadounidenses al extranjero como emisarios. La danza teatral estadounidense
se identifica con los cambios rápidos y angulares de George Balanchine en la
tradición del ballet clásico que aprendió en Rusia. Isadora Duncan, Ruth St. Denis,
Ted Shawn, Martha Graham, Merce Cunningham y Paul Taylor fueron pioneros
con técnicas, estilos y contenido temático de danza "estadounidense".
Hubo una coevolución del teatro con la danza vernácula. Arraigados en
las tradiciones africanas, los afroamericanos dieron origen al jazz, que
evolucionó hasta convertirse en la locura del baile de los maratones, el
ragtime, el swing, el boogie woogie, el baile manual, el hip-hop, el booty
dance y el twerking. Bailes como el trote de pavo, el trote de zorro y el
jitterbug transgredían las normas de la época victoriana y muchas
personas los consideraban inmorales. Estos bailes a menudo se
incorporaron a la danza teatral.
El burlesque estadounidense transgresor y los bailes exóticos subsiguientes
encuentran a las principales artistas femeninas y sus movimientos en los medios,
la danza moderna, en Broadway y en el entrenamiento físico. A pesar de la
resistencia de la sociedad al cambio, la danza sigue evolucionando hacia nuevas
formas que influyen en otras experiencias culturales.

Aplicando la Diversidad Cultural

Aprender los bailes de otras culturas nos ayuda a comprender el baile y la
cultura, ganar empatía a través de la acción de las neuronas espejo, así
como adquirir una mejor comprensión de nosotros mismos. Experimentar
similitudes y diferencias en los modos de expresión de la danza puede
ayudar a una persona a volverse más hábil y cómoda al interactuar con
miembros de diversos grupos en el trabajo y en el juego. Participar en los
bailes de otros puede estirar la mente y ayudar a disolver los prejuicios.
Además, la exposición saca a la gente de sus propios marcos, estimula la
curiosidad y desarrolla la imaginación. El conocimiento de alternativas y
préstamos puede estimular el pensamiento crítico de vanguardia, un
elemento clave en la toma de decisiones acertadas en una economía
mundial competitiva. Bailar con otras culturas en sus bailes puede ser una
forma de vinculación, pero con poca frecuencia una ocasión para la falta de
armonía.
El valor cognitivo radica en el multilingüismo y la creatividad de la danza. El
conocimiento de los lenguajes y dialectos de danza de otras culturas proporciona
molienda para el molino coreográfico y material de origen para la interpretación del
bailarín y el público. La familiaridad con diferentes danzas enriquece la caja de
herramientas del creador de danzas en términos de vocabulario de movimiento,
formas de usar los elementos de la danza y sensibilidad artística. Además, el
conocimiento del otro puede desafiar las suposiciones y el statu quo.
Los estudiantes pueden comparar los bailes de sus culturas y sus propios bailes
creativos. Una pregunta provocativa es ¿por qué hay similitudes y diferencias? Al
observar las danzas de otras culturas, los estudiantes pueden comparar el uso del
cuerpo humano, la puesta en escena, el tiempo, el espacio, el esfuerzo, el
entrenamiento de los bailarines y la presentación pública. ¿Quien hace que? ¿Qué
son los énfasis en el movimiento? ¿Cuáles son los temas? ¿Funcionan los bailes como
transmisores culturales o catalizadores del cambio? ¿Por qué?
La comprensión intercultural puede mejorar la perplejidad de la audiencia. En
un concierto de danza kabuki japonesa (en uno de mis estudios de audiencia de
intérpretes),24un cantante de ópera estadounidense dijo: “Mi comprensión se
limitaba a ciertas áreas del cuerpo debido a las anteojeras culturales
occidentales. Me encontré enfocándome en la expresión facial que
probablemente es típicamente occidental”. Otro espectador dijo: “La forma de
baile es demasiado desconocida para interpretarla”. Un maestro de escuela
estuvo de acuerdo: “Es difícil saber dónde estás en un baile y en una forma de
baile con la que no estás familiarizado”. Este tipo de problema podría mejorar un
poco hablando a los miembros de la audiencia sobre la danza Kabuki y la cultura
japonesa antes de la actuación.
Se pierden oportunidades cuando se enseñan movimientos de danzas
de diferentes culturas sin ubicarlos en sus contextos sociales, políticos,
históricos, religiosos y estéticos. Sin embargo, puede ser difícil traducir
los conceptos artísticos tradicionales.
Apoyar la diversidad cultural en las escuelas es un objetivo en el mundo de la
danza y en la educación. La capacitación en diversidad es incluso un mandato en
algunos estados, como California, Florida, Indiana, Maryland, Minnesota, Carolina
del Norte, Oregón y Utah. Aunque el uso de la danza para apoyar la diversidad
cultural es invaluable, la odisea para lograr la paridad requiere el conocimiento
de interpretaciones alternativas de una danza.25
Es importante considerar las perspectivas de los miembros de una
cultura cuya danza se presenta. Hay cuestiones de propiedad cultural,
apropiación y mercantilización (cómo un no miembro de una cultura
enseñar sobre la danza cultural de otra persona y ganar dinero al hacerlo
podría afectar el sustento de los miembros de esa cultura).
Los profesores pueden escuchar los puntos de vista de los estudiantes sobre su
mundo social, las prioridades y presiones de su grupo de compañeros, y su vida
familiar y comunitaria en relación con la danza de su cultura. Al preguntar a los
padres sobre la idoneidad de enseñar/compartir un baile de su cultura, mencionar el
conocimiento de las objeciones de algunos de los miembros de su grupo puede
aliviar la incomodidad y fomentar la transparencia.

Selección de bailes
¿Qué danzas culturales-regionales-nacionales deben ser destacadas? La
variación intercultural existe dentro de una cultura individual; es decir, la
diversidad existe dentro de la diversidad. La sociedad suele poner
etiquetas homogéneas a grupos que se diferencian. Una designación
cultural, en este contexto, puede convertirse en un estereotipo falso e
incluso dañino en el que se sumerge a un individuo. La selección de una
danza de un grupo puede tergiversar al grupo o marginar otras danzas en
el repertorio de un grupo. Una danza de guerra de una tribu de indios
americanos no representa todas las danzas y valores de la cultura.
La “danza africana” es frecuentemente parte de la educación en danza. Sin
embargo, ¿qué es? Con más de mil grupos de idiomas africanos y
aproximadamente la misma cantidad de constelaciones de patrones de baile, hay
muchos grupos con diferentes tipos de bailes. Dentro de un grupo en particular,
los bailes varían según la edad, el género, el estado civil, los logros y el derecho
de nacimiento.
Al igual que el trabajo de muchos escritores afroamericanos, la película de 1988 del
director de cine Spike LeeAturdimiento escolarmuestra que los afroamericanos a
menudo reconocen las divisiones. Estos abarcan la clase social, el color de la piel, la
región o el país de origen, la cantidad de tiempo vivido en un área, el género, la
edad, la religión y el tipo de opresión racista experimentada.
Las comunidades “hispanas” y “caribeñas” de la ciudad de Nueva York,
Miami y Los Ángeles no tienen estilos de baile homogéneos. Los bailes
de inmigrantes recientes y familias establecidas de cubanos,
dominicanos, guatemaltecos, haitianos, jamaicanos, mexicanos,
nicaragüenses y puertorriqueños varían. Esta diversidad, compuesta por
divisiones generacionales y de ciclos de vida, refleja una plétora de
música y danza.
Figura 5.4. Autor ofrece clase con varias danzas de África

Dada la riqueza y abundancia de la diversidad cultural, junto con el tiempo

limitado en la escuela o para festivales de danza, es inevitable priorizar lo que
recibe atención. Seleccionar de los bailes de una cultura requiere sensibilidad
hacia las perspectivas de un grupo sobre el valor de un baile, su respetabilidad,
las posibilidades de estereotipos y vergüenza, y el impedimento para la movilidad
social. Los miembros de un “grupo” pueden estar en desacuerdo sobre qué
aspectos de la cultura de un grupo o subgrupo deben reflejarse y cómo. Tal
desacuerdo puede, a su vez, crear fricciones entre la escuela y la comunidad.
Cuando un grupo carece de una forma de danza específica y fácilmente
identificable, ¿quién decide qué es apropiado crear y designar como la danza del
grupo y cómo se toma esta decisión?
Algunas personas no quieren ser destacadas por sus bailes de herencia. El
reconocimiento por cualquier motivo, ya sea la expresión estética del
grupo cultural o el logro académico, puede someter a los niños al ridículo y
la humillación. Por otro lado, una clase que participa en un
El baile cultural propio del estudiante le da a la persona un sentido de orgullo de
que el baile es digno de tiempo de clase. El baile es significativo porque es un
vínculo con lo que el estudiante sabe.
Algunos afroamericanos incluso ven los aspectos emocionalmente expresivos
de la cultura afroamericana, como la música gospel, sentir el espíritu a través de
la manifestación motora y los géneros de danza tradicional como estéticamente
inferiores. En una escuela de Filadelfia, los funcionarios afroamericanos
prohibieron los bailes espontáneos de los niños en el patio de recreo, lo que los
estudiantes llamaron "hacer pasos", con el argumento de que era "lascivo, fresco,
inapropiado para la escuela, irrespetuoso y demasiado sexual".26
Sin embargo, los funcionarios de una escuela de Dallas no pusieron objeciones a este tipo de
baile.
Mientras que algunos grupos religiosos no permiten el baile, otros ven el
baile como una expresión saludable y positiva. Algunos grupos que participan
en la danza sospechan de la moralidad de algunos de los movimientos, temas,
música y vestimenta de la danza.
Una danza puede reflejar lo que es así como sugerir lo que podría ser. Para
los migrantes o inmigrantes a un nuevo lugar, aferrarse a un baile cultural
familiar a menudo proporciona un ancla en un mar de incertidumbre y un
lastre emocional para las tribulaciones de la vida. Sin embargo, algunos
padres y sus hijos no quieren que sus propios bailes culturales se presenten
en las escuelas porque quieren que las escuelas los “americanicen”. Los
jóvenes que quieren ser estadounidenses a menudo entran en conflicto con
los deseos familiares de preservar los bailes culturales.
Si los bailes de un grupo están integrados en un grupo culturalmente
conservador y de bajo estatus, se cree que los bailes en última instancia
obstaculizan la integración de los artistas en un nuevo entorno social y
limitan su movilidad socioeconómica. A veces, cuando los grupos que
aspiran a la movilidad ascendente evitan su propia expresión estética de
danza cultural, adoptan las formas de danza del grupo que desean emular
en el siguiente peldaño de la escala socioeconómica. En Texas, los
granjeros alemanes y polacos estaban mejor económicamente que los
mexicanos. Así que los mexicanos incorporaron ritmos y patrones de la
música y el baile de los granjeros en su propia música y baile Tex-Mex de
polinización cruzada. A menudo, sólo cuando las personas han mejorado
su situación socioeconómica redescubren su herencia cultural anterior.
Apropiación cultural
Algunas voces piden bailes africanos para los afroamericanos, bailes latinos
para los latinos, etc. La apropiación de la danza de un grupo cultural por parte
de un extraño puede ser resentida, incluso considerada una forma de robo de
propiedad, sacrilegio u otra ofensa. Por ejemplo, mi editor en Profesor de
bailefue castigado por publicar un artículo que yo (un autor blanco) escribí
informando sobre una conferencia de danza negra. El mismo tema de escribir
sobre la danza de otra cultura apareció en un artículo titulado “Por qué no
soporto a las bailarinas de danza del vientre blanco” (AlterNet, 6 de marzo de
2014).
Por supuesto, muchos géneros de danza no son “puros”. Yinka Graves, una
bailarina británica de ascendencia ghanesa y jamaicana que ha interpretado
flamenco en Gran Bretaña y España, lo expresó de esta manera: “Como persona
negra, puedo entender el sentimiento dentro de la comunidad gitana de que
somos personas que han venido a secuestrar su cultura”, dijo, comparándose con
un músico “que puede cantar blues pero no puede pretender haber venido de los
campos de algodón”. Aún así, dijo, “el flamenco es en sí mismo una fusión de
influencias culturales, por lo que no hay razón para que los artistas extranjeros
no puedan tomar el centro del escenario”.27
Las danzas sagradas pueden ser solo para los practicantes de una religión en
particular. Las creencias entre algunos nativos americanos, por ejemplo, impiden
la secularización de la danza sagrada. Según los estándares "políticamente
correctos" de hoy, la danza occidental podría ser acusada de vulgarizar, idealizar
y apropiarse de facetas de culturas no occidentales. Recuérdese que el ballet y la
danza moderna incorporaron visiones occidentales de las danzas de otros
pueblos e inspiraron el interés por los estilos étnicos a través de sus
interpretaciones. No obstante, el uso creativo de danzas de grupos específicos en
fusión o hibridación con otros estilos podría ser problemático.

Jugar al antropólogo para descubrir la danza de una cultura

Emplear los principios de la investigación antropológica puede enseñar a los
estudiantes formas de obtener información sobre la danza de una cultura a través de
la observación de la danza, entrevistando a bailarines y espectadores, y aprendiendo
la danza.28El proceso puede ayudar a los estudiantes a afinar las habilidades
perceptivas, analíticas y de interpretación aplicables a la danza y la vida en general.
 Estudiantes del Instituto de Danza Sutradhar de diferentes culturas
interpretaron a antropólogos para mejorar su comprensión de la historia, el
significado y el estilo de Kuchipudi, una forma de danza clásica de la India, y sus
propias habilidades interpretativas. De acuerdo con nuestra era multicultural, los
estudiantes del Instituto incluyeron inmigrantes indios de primera generación
que cimentaron lazos con su herencia india, indios nacidos en Estados Unidos de
segunda generación que aprendieron valores indios integrados e impartidos a
través de Kuchipudi y no indios que expandieron sus horizontes.
Figura 5.5. danza del medio oriente
El fotógrafo Martin MacPhee. Cortesía de Karen McLane.

Expliqué a los estudiantes que la antropología es el estudio del comportamiento

humano, la forma en que la gente piensa y actúa. Los antropólogos tratan de
entender las diferentes culturas y cómo y por qué son similares y
diferente. Se dedican a la "observación participante", lo que significa que se
encuentran entre las personas a las que intentan comprender. La
antropología de la danza se centra en la danza en sí, su movimiento y
significado, así como sus participantes, escenario e historia, y cómo la danza
encaja en la sociedad.
Hice preguntas a los estudiantes para que pudieran experimentar lo que es
ser un informante. Debido a que los antropólogos delimitan un campo de
estudio los estudiantes abordaron la pregunta ¿qué es la danza? Algunos
ofrecieron sus puntos de vista, aunque otros nunca habían pensado en la
pregunta. Propuse una definición (ver capítulo 1). Luego, los estudiantes
aplicaron la definición a Kuchipudi. Cuando los estudiantes se atascaron o
discreparon entre ellos sobre los detalles, entrevistaron a su maestra
Kuchipudi, Nilimma Devi, obviamente una informante clave.
Para observar y registrar la danza, los antropólogos necesitan un
vocabulario, a saber, los conceptos que componen los ingredientes de
cualquier danza. Los estudiantes encarnaron estos elementos de baile con
nombre. Una persona tras otra ilustraba físicamente una dimensión de
espacio, tiempo, esfuerzo, gesto y locomoción que otros seguían. Luego
discutimos cómo Kuchipudi usó estos elementos. Posteriormente, los
estudiantes demostraron frases de movimiento que habían aprendido.
Para aprender habilidades de observación, cada estudiante informó lo que ella,
un compañero de estudios o el maestro hicieron durante un segmento de diez
minutos de su instrucción de baile. En preparación para su tarea de observación
individual, los estudiantes como grupo describieron el estudio físico en el que
estábamos. ¡Olvidaron mencionar que yo estaba en la habitación! Los estudiantes
en ambos ejercicios se sorprendieron de lo que perdieron individualmente en
comparación con sus observaciones colectivas.
Para practicar en la identificación de similitudes y diferencias en la danza,
discutimos estrategias de recopilación de información y los estudiantes se
turnaron para entrevistarse entre sí y con su maestro. Luego, los estudiantes
entrevistaron a un familiar o amigo sobre su experiencia con el baile, además de
Kuchipudi, e informaron quién, qué, cuándo, dónde, cómo y por qué. Hablamos
sobre el significado en movimiento y los diversos dispositivos y esferas de
transmisión de significado. Los estudiantes vieron una presentación de danza
Kuchipudi profesional grabada en video y la analizaron en términos del
significado y los elementos de la danza y el arte. Dos reseñas de críticos de la
misma actuación de danza en vivo ilustraron diferentes formas en que
incluso los profesionales perciben el mismo baile. Los estudiantes también
ofrecieron sus opiniones sobre qué tan bien se realizó el baile y por qué, qué
les gustó y qué no les gustó y por qué, y cómo los hizo sentir la actuación.
Luego, los estudiantes compararon el desempeño con lo que estaban
aprendiendo. A través de su juego de roles, obtuvieron información sobre la
cultura india y la danza en general.

BIS
La formación continua de la conciencia y la mente ayuda a dar forma a la identidad
propia. La danza permite construcciones y reconstrucciones creativas de la propia
identidad, que a menudo varía según la edad y la experiencia. Como ejercicio y
comunicación, la danza es experta en la remodelación del cerebro. Al igual que la comida
y la vestimenta, la danza refleja la identidad personal, la carrera, el género, la orientación
sexual y las identidades culturales, regionales y nacionales. Los cambios en la sociedad y
la danza en el escenario, en el estudio y en otros lugares de danza comentan sobre los
desarrollos culturales y sociales.
Elegir identificarse como bailarín profesional es problemático para algunos jóvenes.
Pueden enfrentar la desaprobación de la familia y la comunidad. Los hombres que
bailan pueden enfrentarse al estigma. Debido a que la edad y los accidentes acortan
las carreras profesionales de los bailarines, los bailarines pueden prepararse antes,
durante y después de su vida en el escenario para diferentes carreras. Hay
profesiones relacionadas con la danza para las cuales los profesionales y aficionados
se preparan a través del estudio de la danza que desarrolla la autodisciplina, la
autorregulación, la autoexpresión, el pensamiento crítico, la resolución de
problemas, el compromiso colaborativo y la capacidad de resistir, reducir y escapar
del estrés.
Las danzas de las culturas las reflejan e influencian. Cuando realicé
un estudio etnográfico de una escuela primaria magnet desagregada,
no tenía intención de ver la danza. La escuela no tenía programa de
baile. Pero observé cómo la propia danza de los niños negros
comentaba sobre el entorno social/cultural en el que se encontraban.

Hay llamados para que se enseñen otros bailes además de los occidentales en
lugares académicos y se presenten en el escenario. Aprender los bailes de otras
culturas nos ayuda a comprenderlos y comprendernos mejor a nosotros mismos,
ganar empatía (disparo de neuronas espejo) y obtener inspiración coreográfica.
Sin embargo, la diversidad cultural tiene complejidades que
pasarse por alto puede, sin darse cuenta, faltar el respeto a las culturas que se
anuncian. Hay perspectivas de miembros de una cultura cuya danza se
presenta, cuestiones de propiedad cultural, apropiación, mercantilización y
cómo la enseñanza de danzas culturalmente diversas podría afectar las vidas
y los medios de subsistencia de las partes interesadas.
Bailar con diferentes grupos de género, inmigrantes y raciales brinda una
oportunidad para que los estudiantes crucen las divisiones culturales y
lingüísticas, para unirse en apoyo mutuo e interdependencia. Sin embargo, la
conciencia del toro en la tienda de porcelana es importante. Respetar las
opiniones de los bailarines individuales y de los grupos culturales sobre su danza
puede evitar las consecuencias no deseadas de las buenas intenciones.

NOTAS
1. Hanna 1988a, xiii.
2. Wilce 2009.
3. Damasio 2010, 10.
4. Fernyhough 2013.
5. Citado en Burke 2013.
6. Citado en Ritzel 2012.
7. Lijadoras 2005.
8. Hanna 1988a, 2012.
9. Kouwenhoven & Kippen 2013.
10. Renata Maslowski, comunicación personal diciembre 2013.
11www.womenarts.org/womens-employment-in-the-arts .
12. Fleming 2000, 11. En cuanto a la capacidad de baile de los hombres, Neave 2014 encontró que a las mujeres les gusta la
variedad, la amplitud de los movimientos del cuello y el tronco, y la velocidad de los movimientos de la rodilla derecha.
13. Fisher y Shay 2009.
14. Risner 2010.
15. Murphy 2012.
16. Holdsworth 2013.
17. Chiao 2009; Goh y Park 2009.
18. Barret 2014.
19. Salud 2001, 14.
20. Hanna 1988b.
21. Jones y Hawes 1972, 67–68.
22. Ryzik 2012.
23. Renata Maslowski, comunicación personal, diciembre de 2013.
24. Hanna 1983.
25 Hanna 1994; Ashley 2012.
26. Gilmore 1983.
27. Citado en Minder 2013.
28. Hanna 2002.
 Finale y Révérence

En una búsqueda por comprender la danza, he sintetizado el conocimiento de

la danza, las artes y las humanidades, la educación, las ciencias sociales y del
comportamiento y los campos de la neurociencia del siglo XXI. Basándome en
la investigación de disciplinas que a menudo operan de forma aislada unas de
otras, extraigo inferencias y las extrapolo para construir un andamiaje para el
estudio de la danza en el futuro. Sin duda, hay una falta de consenso sobre
muchos temas. Así que presento algunos argumentos aparentemente más
fuertes. Dada una amplia amalgama de ideas y hallazgos relacionados con la
danza, se hace referencia a fuentes sobre el desarrollo y la elaboración de la
teoría y la investigación en las que me he basado (más de cuatrocientas; una
bibliografía completa aparece en www.judithhanna.com).

He retomado temas de danza que he investigado y experimentado desde los

años 60, pero los abordo desde la perspectiva de vivir en un mundo diferente.
Ha sido gratificante descubrir la validación científica de algunos trabajos
iniciales que desafiaron algunos paradigmas estrechamente enfocados de la
época. Una teoría general del holismo (gracias al programa de doctorado en
antropología de la Universidad de Columbia y la literatura hasta la década de
1970) llevó a la conclusión de que la danza era un lenguaje no verbal con
bases psicobiológicas y un simbolismo potencialmente complejo dentro de un
contexto cultural.

DANZA: LA CENICIENTA DE LA EDUCACIÓN Y LA CIENCIA DEL CEREBRO

Bailar para aprender: la cognición, la emoción y el movimiento del cerebro

comienza con una conceptualización de la danza, una forma de
comportamiento que emerge de un proceso evolutivo y continúa afectando el
desarrollo humano. Las últimas dos décadas trajeron nuevas tecnologías que
llevaron a investigaciones que ayudaron a dilucidar el papel del cerebro en la
danza. Por ejemplo, las partes del cerebro se iluminan para mostrar qué áreas
se activan y cambian en respuesta al pensamiento, sentimiento y acción de los
participantes de la danza, los animadores y los espectadores. Sangre
se miden flujos, campos electromagnéticos y química. Se dibujan mapas.
Estos demuestran la dirección cognitiva, el impacto emocional y la energía
física de la danza. Por supuesto, los estudios científicos que
necesariamente se enfocan en pequeñas partes del proceso de la danza no
logran capturar la plenitud de su desempeño en vivo. Esperamos
tecnología que nos permita estudiar más.
Bajo el radar de la mayoría de las personas, los descubrimientos dramáticos en
neurociencia elevan el complicado sistema cerebral a la posición de coreógrafo/
director de danza. El cuerpo es una extensión e informante, un sensorio en
movimiento en un dúo fluido con el cerebro. La naturaleza y la crianza
interactúan al igual que el cerebro y la cultura. El cerebro con el que nacemos es
adaptable, se renueva y reconfigura constantemente a medida que altera los
delicados circuitos que dan forma a los recuerdos, las emociones, el yo y la
habilidad de movimiento. La neuroplasticidad es la capacidad de por vida del
cerebro para cambiar su estructura y patrones de actividad y crear nuevas
neuronas y sus conexiones. Y la danza es un elemento dinámico del proceso.

Una descripción de la arquitectura y el papel de las diferentes partes del cerebro

ilustra la complejidad de los elementos que trabajan juntos. Cada uno tiene sus
propias propiedades y funciones especiales, aunque algunas de ellas son
compartidas por otras secciones. Ningún lugar en el cerebro coreografía bailes
influenciados por la experiencia personal y la cultura del artista. De hecho, la
danza tiene sus raíces en numerosas facetas estructurales y dinámicas de un
cerebro que está preparado para el aprendizaje.
La masa esponjosa que es el cerebro tiene la clave de quiénes somos y cómo bailamos
y observamos la danza. Las neuronas transmiten información eléctricamente a través de
la célula y químicamente a través de las sinapsis a la siguiente neurona. Estas células
cerebrales forman circuitos complejos que se conectan a otros circuitos. Los paquetes de
neuronas respaldan la percepción y la acción al intentar constantemente hacer coincidir
las entradas sensoriales entrantes con las expectativas o predicciones de arriba hacia
abajo. Los bucles, las vías de abajo hacia arriba de la información sensorial entrante y los
mensajes de arriba hacia abajo se mueven desde el cerebro hasta la actividad de bailar.

La mente que emerge del cerebro conduce a una danza culturalmente modelada. La
conciencia es un proceso de la mente con un propietario-protagonista. Sin embargo, el
sustrato neuronal y la actividad que hacen posible la danza y comprometen el
aprendizaje y la memoria están mayormente fuera de la conciencia. Cuándo
se produce el aprendizaje consciente, el cerebro, las acciones sensoriales/
motoras y el entorno sociocultural local interactúan a medida que el cerebro
prioriza ciertos tipos de memoria y formas de pensar en proceso de cambio. Las
vías importantes para la memoria motora están separadas de las vías asociadas
con la memoria declarativa de la teoría de la danza y la creación creativa de la
danza.
Reclutamos el significado y la estructura de nuestra experiencia corporal a
los efectos de la conceptualización y el razonamiento abstractos. Las
influencias externas y la reflexión consciente interna y el recuerdo de estas
influencias depositan recuerdos que pueden promover la acción voluntaria, la
agencia, la voluntad y el "alma". Alojados por diferentes partes del cerebro,
varios tipos de memoria están en proceso de cambio. Las vías importantes
para la memoria motora están separadas de las vías asociadas con memoria
declarativa de la teoría de la danza y la danza creativa.
La danza como ejercicio desencadena la neurogénesis. Genera neuronas
que se conectan ágilmente a la red neuronal en las sinapsis. Los
movimientos físicos aumentan el flujo de sangre y oxígeno al cerebro y
activan el factor neurotrópico químico derivado del cerebro que apoya el
crecimiento de nuevas neuronas y la salud de las jóvenes, además de
fortalecer las conexiones entre las neuronas.
Y el baile es ejercicio plus. El aprendizaje crea cambios en el cerebro, y la danza
son muchos idiomas con sus propios dialectos que transmiten ideas y
sentimientos, y cuentan historias a través de movimientos aprendidos,
secuencias e interpretaciones significativas. Por lo tanto, la danza facilita la
adquisición de conocimientos y el manejo del estrés positivo y negativo que
afecta los resultados educativos.
Así como el lenguaje verbal tiene dispositivos y esferas para transmitir
significado simbólico, también lo tiene la danza. Las emociones son una
evaluación consciente de los sentimientos y permiten efectos biológicos en los
circuitos neuronales y en todo el cuerpo a través de las hormonas del sistema
endocrino. Provocando cambios positivos en el cerebro al estimular la
reorganización de las vías neuronales y cómo funciona el cerebro tanto para
jóvenes como para adultos, la danza influye en la mente y la conciencia.
El golpe de la actuación de baile tiene un gran impacto. Esta forma de arte y sus
diversas metáforas explican la vida, desde el amor hasta la economía, la política y la
ciencia, en nuestros medios de comunicación y literatura.
 Decir que aprender a bailar desarrolla habilidades y contenido que se
extiende más allá de la danza, es de esperar que se haya vuelto más
aceptable a través del contenido presente en este libro. Dada la
comprensión emergente de la danza y sus fundamentos, quizás los
lectores que han tenido la danza en baja estima se han despojado de esta
opinión y se han centrado en el potencial de la danza, la coreografía
cerebral experimentada, vista e invisible.
El discurso de la danza que se centra en el papel dominante del cuerpo
pensante necesita modificaciones: es el cerebro actuando dentro de un
cuerpo situado en un entorno que afecta nuestros procesos cognitivos. Los
paradigmas anteriores de la danza como mera forma de arte, expresión
emocional, práctica corporal, adquisición de habilidades, percepción sensorial,
esfuerzo creativo, ejercicio y ocio no se descartan, sino que se subsumen
dentro de una teoría más amplia y profunda basada en la investigación que se
ha desarrollado con el ayuda de nuevas herramientas de investigación que
nos dan imágenes en movimiento de lo que hay dentro del cerebro y el
cuerpo. Los paradigmas están cambiando de la psicología cognitiva a la
neurociencia y de la danza como una experiencia sentida del artista a la danza
como un lenguaje con representaciones mentales.
Debido a que aprender a bailar y bailar para aprender ofrecen beneficios para el
desarrollo cognitivo, emocional y del movimiento, se señalan una gran cantidad de
lugares de baile, desde informales hasta formales.Bailar para aprender. Los lugares
para aprender danza formalmente van desde estudios de danza y conservatorios
hasta entornos académicos. La danza, ofrecida como una disciplina en sí misma e
integrada con otras disciplinas artísticas y no artísticas, es un arte interpretativo,
liberal y aplicado. Las organizaciones que ofrecen educación en danza incluyen
importantes centros artísticos, programas de divulgación de compañías de danza y
cursos, talleres y competencias de organizaciones de danza. La danza es un medio
para cambiar el comportamiento en diferentes entornos en todo el mundo.

Algunos lugares de baile fomentan la adquisición de los conocimientos

académicos necesarios para producir un espectáculo de danza. Trabajar a
través de la identidad propia como bailarín profesional y miembro de un
grupo de orientación sexual, género, cultural, regional y nacional ocurre en la
danza. Los lugares de baile pueden proporcionar el antídoto para el ambiente
estresante de un estudiante. Aunque la educación en danza es para todos,
este libro presta más atención a la educación en danza para los
jóvenes porque son el grupo más activo en el proceso de adquisición
de la educación.
Las “guerras culturales” en curso son en parte sobre lo que califica y no
como danza y, por lo tanto, para el apoyo económico. Algunos grupos
religiosos hacen campaña para establecer su propia interpretación de
material cultural adecuado para todos y evitar bailar en varios lugares o
dictar la forma en que se realiza.
Los recursos para los programas de educación en danza en las escuelas
académicas generalmente provienen del distrito escolar, el estado y el gobierno
federal, así como también de fuentes privadas. Las fundaciones privadas a menudo
financian la educación en danza. Aunque algunos proyectos piloto pueden tener
éxito, es posible que no se mantengan. La escasez de recursos a menudo se debe a
la ignorancia y la política miope. La investigación del cerebro relacionada con la
danza recibe apoyo tanto privado como gubernamental.

Plié: prepárate para volar en cerebro y cuerpo

mi intención enBailar para aprender: la cognición, la emoción y el movimiento
del cerebroes actualizar nuestros conocimientos sobre la danza, fomentar el
debate e invitar a los investigadores a abordar los temas planteados. La danza
puede ser la Cenicienta de las artes y las ciencias. Hay competencia por el espacio
en el plan de estudios y la agenda de investigación: el objetivo de la educación en
danza no es descartar cursos básicos de matemáticas e inglés o investigaciones
que no sean relevantes para la danza. Hay competencia por el tiempo de los
adultos. Pero hace eones, Platón en 360 a. C. aconsejó: “El que está bien educado
puede cantar y bailar”.
El libro no es de ninguna manera un punto final para la danza en mente y
cuerpo. Como dice Damasio: “La idea de que tenemos un conocimiento firme de
lo que es el cerebro y lo que hace es pura locura, pero siempre sabemos más que
el año anterior y mucho, mucho más que hace una década. Es probable que los
problemas que parecen intolerablemente misteriosos e insoportablemente
difíciles sean susceptibles de una explicación biológica, la búsqueda no es si, sino
cuándo”.1La colaboración entre los estudios de laboratorio del cerebro y el
trabajo de campo documental cualitativo de primera mano, o etnografía,
proporcionaría contexto, contenido y “realidad”.
Bailar para aprenderofrece un andamiaje contemporáneo para un rompecabezas
laberíntico del cerebro cuando una persona realiza y percibe la danza y
aprende otros dominios del conocimiento a través de la danza. Hay mucha
investigación por hacer, preguntas por explorar:

Lo más importante: ¿cómo la educación en danza altera el cerebro de alguna manera?

que mejora el aprendizaje de la danza y otras materias?
¿Qué es causal, correlacional o mera casualidad?
¿Cuál es la tecnología para el estudio in vivo de la danza real y
imágenes del cerebro?
¿Qué controlará los estudios a lo largo del tiempo y la replicación de dichos estudios?
con diferentes bailarines, coreógrafos y miembros de la audiencia?

¿Cuáles son las medidas de los circuitos cerebrales antes del estudio de la danza y
¿después?

¿Cómo se relacionan los diferentes elementos de la danza (p. ej., tempo, equilibrio,
propiocepción, narración y abstracción) se registran
simultáneamente en el cerebro?
¿Qué circuitos neuronales existen para los diferentes géneros de danza, para
coreografía, para la imitación?
¿Cuál es la relación de los circuitos de baile con las secuencias del
genoma? ¿Qué tipo de danza genera más células cerebrales y moldea
su recableado?
¿Cuánto tiempo tarda el baile en ser más generativo?
¿Qué diferencia hace la duración de la actuación en la actividad cerebral?
(efectos de la neurociencia del ensayo en el cerebro)?
¿Por qué y cómo se atrae la atención hacia un bailarín en un grupo que hace el
mismo movimiento?
¿Cómo informa la observación de la danza nuestra comprensión de cómo el
el cerebro procesa las experiencias estéticas?
¿Cómo se comparan la danza y las actividades atléticas en el impacto de la
¿cerebro?
¿Cómo se vinculan los elementos del entorno cultural y social con
las funciones cerebrales específicas del bailarín?
¿Cómo se reflejan los significados culturales de la danza en la estructura del cerebro y
función comparar entre culturas?
¿Cómo funciona el cerebro en la danza creativa? Comparado con
otras artes, matemáticas?
¿Cómo se construyen nuevas ideas a través del baile?
 ¿Cómo se diferencian cognitivamente los diferentes tipos de representaciones de danza?
representado y codificado en la mente?
¿Qué experiencias de baile crean diferentes tipos de memoria?
¿En qué etapa del aprendizaje marcar o bailar completamente lleva a un
desempeño exitoso?
¿Cómo hace frente el cerebro de un bailarín a la multitarea durante la actuación?
en automático (la coreografía está en la memoria a largo plazo después de
mucho ensayo) mientras recibe correcciones al mismo tiempo?
¿Cómo se comparan los circuitos para aprender múltiples géneros de danza con los
circuitos para hablar diferentes idiomas?
¿Cuáles son las diferencias neuronales entre los bailarines que aprenden pasos?
fácilmente y aquellos que no pueden traducirlo tan rápido? ¿Cuáles son sus
respectivos antecedentes educativos?
En la transferencia de habilidades de danza a otros dominios, es un género más
efectivo que otros?
¿Cómo impacta bailar para aprender en diferentes partes del cerebro?
preocupado por el control ejecutivo?
¿Cómo dirige el cerebro y experimenta la danza para que la extremidad
se mueve exactamente con la calidad que el bailarín quiere?
¿Qué métodos funcionan mejor para aprender a bailar?
¿Cómo se relacionan la edad, el género, las diferencias étnicas y las diferentes habilidades de baile?
y las habilidades afectan la enseñanza y el aprendizaje?
¿Qué currículo e instrucción de danza son efectivos para aprender a
bailar y aprender otras materias?
¿Cómo afecta aprender a bailar a los estudiantes de diferentes habilidades? De
¿diferentes edades?
¿Hasta qué punto los mecanismos neurales son responsables de diferentes
¿Las funciones del lenguaje verbal son las mismas que las de los circuitos neuronales
implicados en el no verbal?
¿Cómo ayudan los circuitos neurales al bailarín y al observador a captar el
significado de movimiento de danza?

La danza en sí misma es más que valiosa. Aprender a bailar contribuye al

desarrollo del cerebro, el conocimiento, la salud física y mental y la
diversión. Vinculada integralmente con otros aspectos de la vida humana,
la danza refleja e influye en la cultura y la sociedad. La danza se ha utilizado
a lo largo de los años para expresar todo tipo de creencias, incluso las
creencias de quienes se oponen a la danza. Habilidad y contenido
aprendido en la danza tienen potencial para transferir a otros dominios de
aprendizaje. De hecho, algunas personas afirman que la disciplina de la danza los
ayudó a convertirse en médicos, empresarios y funcionarios electos.
Un objetivo de este libro es difundir nuevas perspectivas a los mundos de las
artes, las humanidades, las ciencias sociales y del comportamiento, las ciencias
del cerebro, la pedagogía multidisciplinaria, la política educativa y el público en
general. Al igual que el plié del bailarín, las rodillas dobladas para permitir que el
cuerpo se eleve hacia arriba, el conocimiento actual puede potenciar la educación
de la danza y alentar a la neurociencia de la danza a elevarse.

NOTA
1. Damasio 2010, 263.
 Apéndice A: Herramientas para revelar el
Cerebro bailando

La ciencia del cerebro está explotando debido al continuo desarrollo

de la tecnología que permite aperturas sin precedentes para
comprender el cerebro. Sin embargo, tenga en cuenta que cada
herramienta tiene fortalezas y debilidades. Los avances en las
tecnologías de neuroimagen in vivo han impulsado el conocimiento
del cerebro. Una técnica consiste en medir y localizar cambios en el
flujo de sangre en el cerebro a medida que los sujetos piensan de
diferentes maneras, bajo el supuesto de que los cambios en el flujo
sanguíneo regional son indicativos de cambios en la actividad
neuronal. Un segundo enfoque consiste en medir la actividad
eléctrica del cerebro, generada por la activación de redes de
neuronas. El tercer enfoque consiste en medir los cambios en la
anatomía y la estructura del cerebro. Las técnicas se pueden
combinar. Aunque las funciones cognitivas pueden mapearse en
ubicaciones específicas del cerebro,

Los complementos de estas herramientas son nuevos algoritmos matemáticos y

hardware que añaden nuevas dimensiones.
Las investigaciones de pacientes con daño cerebral tienen la capacidad de
demostrar directamente qué áreas del cerebro son fundamentales para el
funcionamiento cognitivo específico. Por ejemplo, los neurocirujanos instalaron
una densa malla sensora de electrodos en la superficie del cerebro de tres
personas que tenían ataques epilépticos severos. Los 264 electrodos
muestreados cada uno de un área que abarca millones de neuronas revelaron
cómo los centros del habla en la corteza humana controlan la laringe, la lengua,
la mandíbula, los labios y la cara involucrados en la producción de los sonidos del
habla humana.1
Dispositivos recientes muestran las estructuras y funciones del cerebro sin
necesidad de cirugía o anestesia. De hecho, la resonancia magnética funcional y
la PET, técnicas que se pueden utilizar para observar tanto la anatomía como la
cambios fisiológicos y bioquímicos en el cuerpo, son avances revolucionarios
en la neurociencia cognitiva y la historia médica. En 2004 comenzaron a
aparecer informes que utilizaban tales herramientas en revistas científicas
serias.
Cerebro grandeproporciona cerebros de referencia para que los investigadores
integren datos multimodales, centrándose en las células y su conectividad con los
sistemas cognitivos y todo el cerebro en un espacio anatómicamente realista para
determinar qué áreas están activas durante una tarea o proceso de pensamiento. El
modelo de ultra alta resolución (veinte micras), cincuenta veces más detallado que
un escaneo típico, ayuda al modelado y la simulación.2
Electrodos de registroinsertados en las células nerviosas identifican los impulsos
eléctricos en las células nerviosas y conectados a un osciloscopio ya un amplificador
de audio y un altavoz permiten ver células individuales disparando potenciales de
acción y escucharlas en acción.
Electropoencefalografía (EEG) es a neurofisiológico
técnica, una prueba de "onda cerebral" que registra la actividad eléctrica en curso
generada por las neuronas. Los electrodos generalmente se colocan en treinta y tres
posiciones en una gorra colocada en el cuero cabelludo de una persona para determinar
cómo se conectan bien las regiones entre sí cuando el sujeto está realizando una tarea.

electroculogramamide el movimiento de los ojos por encima y por debajo de la

esquina exterior del ojo derecho.
Potencial relacionado con eventos (ERP) es a esteriotipado
electrofisiológico respuesta a un estímulo como un determinado
sensorial ,cognitivo , omotor evento.
Resonancia magnética funcional (fMRI)crea imágenes que reflejan
cambios en el flujo sanguíneo cerebral e indican qué áreas están activas
durante una tarea, por ejemplo, cuando una persona habla, mira algo o
realiza ciertos movimientos. Una máquina de resonancia magnética crea de
manera segura un campo magnético que rodea la parte del cuerpo que se va
a escanear y envía ondas de radio al cuerpo.
Resonancia magnética estructural (sMRI)evalúa los rasgos
cerebrales.
Estimulación magnética transcraneal (TMS)usosinducción
electromagnética para inducir débilCorrientes eléctricas en un cambio rápido
campo magnético . El pulso eléctrico aplicado a un área pequeña del cuero
cabelludo viaja a través del cráneo e interrumpe la actividad eléctrica en el
capas externas de la corteza. Las medidas intermitentes de duración de la respuesta
cerebral muestran el funcionamiento y las interconexiones del cerebro.
Estimulación magnética transcraneal repetitiva (rTMS)los registros cambian
con el tiempo.
Resonancia magnética con tensor de difusión (DT-MRI)permite el mapeo de la
difusión de moléculas de agua, la dirección del flujo de información, en tejidos in
vivo.
Tomografía computarizada (TC)yresonancia magnética nuclear (RMN))
son escáneres que muestran imágenes tridimensionales del cerebro vivo y sus
funciones a medida que realiza tareas.
Imágenes ecoplanares (EPI) o escaneo en espiralpermite instantáneas
durante un solo ciclo de magnetización e imágenes dinámicas de procesos
que pueden cambiar con el tiempo.
Magnetoencefalografía (MEG)es menos preciso que la fMRI para
identificar la actividad en el espacio, pero puede estimar el tiempo que
tardan ciertos procesos en sectores del cerebro.
micropipetasistema de mapeo de los impulsos nerviosos. Con una máquina
especialmente construida, se funde un tubo de vidrio delgado y se estira para
formar una punta hueca y delgada de una micra de ancho, una milésima de
milímetro. Llena de un fluido similar al que se encuentra dentro de la celda, la
pipeta puede conducir corriente y está conectada a un transformador. Luego, la
punta de la pipeta se guía hacia el tejido cerebral hacia el final de una fibra
nerviosa donde forma una sinapsis. La medición de la actividad en la sinapsis
revela las señales eléctricas que transmiten información de una célula a otra. Esto
hace que sea más fácil estudiar en detalle cómo funcionan las sinapsis. También
permite a los investigadores obtener más información sobre lo que sucede
cuando aprendemos algo nuevo o memorizamos conocimientos.
Espectroscopía de resonancia magnética de protones (1H-MRS)permite
evaluar in vivo la neuroquímica de un sujeto de investigación.
MR-PETpermite la observación de la estructura y función del cerebro al
mismo tiempo; es decir, qué regiones del cerebro están activas y qué
sucede a nivel molecular. Esta técnica híbrida moderna se desarrolla
conjuntamente en Jülich, el hogar del "9point4", un escáner de resonancia
magnética de 9,4 teslas acoplado con un dispositivo PET. optogenéticausa
una luz azul transmitida por un cable de fibra óptica para encender
diferentes partes del cerebro para abrir y cerrar genes modificados, para
ubicar y etiquetar químicamente las neuronas y hacerlas susceptibles a
activación. Esto permite la identificación de las neuronas involucradas en la
formación de una memoria inicial y la reactivación de las células marcadas un día
después.
CLARIDAD, un proceso de 2013, ha dado paso a una herramienta
completamente nueva para obtener imágenes de órganos completos que los
investigadores creen que cambiará fundamentalmente la comprensión científica
de nuestros cerebros. Combinando la neurociencia y la ingeniería química, y
yendo más allá de las limitaciones de los métodos bidimensionales, el proceso de
hidrogel hace que el cerebro sea transparente. Esto muestra su complejidad
tridimensional de cableado fino y estructuras moleculares completamente
intactas y capaces de medirse y probarse con luz visible y productos químicos.
CLARITY puede revolucionar nuestro conocimiento de cómo los cambios locales y
globales en la estructura y actividad del cerebro se traducen en comportamiento.
El hidrogel, construido dentro del propio cerebro, reemplaza los lípidos del
cerebro. El hidrogel forma una especie de malla que impregna el cerebro y se
conecta a la mayoría de las moléculas, pero no a los lípidos, que incluyen grasas y
algunas otras sustancias. Luego, el cerebro se coloca en una solución jabonosa y
se aplica una corriente eléctrica, que impulsa la solución a través del cerebro,
eliminando los lípidos. Una vez que están fuera, el cerebro es transparente y su
bioquímica está intacta, por lo que se le pueden infundir sustancias químicas,
como moléculas de anticuerpos que también tienen un tinte adherido, que
muestran detalles finos de su estructura y actividad previa (Chung et al. 2013). ).

Prueba de línea de cuadro (FLT)mide la capacidad de incorporar e

ignorar información contextual en un dominio no social.
Morfometría basada en vóxeles (VBM) ymorfometría basada en
superficie(SBM), dirigidos a la competencia en el desempeño a lo largo del
tiempo, se ocupan de la medición decerebro estructuras a medida que
cambian con el tiempo durantedesarrollo ,envejecimiento ,aprendiendo ,
enfermedad , yevolución .
Respuesta galvánica de la piel(RSG) mide la resistencia eléctrica de
la piel en respuesta a la excitación emocional activada por el
hipotálamo.
Tomografía por emisión de positrones (PET)hace visible el metabolismo
del cerebro y mide los procesos fisiológicos, incluidos los cambios en el
flujo sanguíneo cerebral. Esto permite a los investigadores ver dónde son
efectivos los productos farmacéuticos, los destinos de
neurotransmisores en el cerebro, así como crecimiento tumoral y depósitos
patológicos en el cerebro. Los investigadores usan moléculas espía marcadas
con radiactividad débil, denominadas radiotrazadores.
Flujo sanguíneo cerebral regional (rCBE)medida por técnicas de
neuroimagen.
Instalación de respuesta de audiencia portátil (pARF) es descrito por
Lende & Downey.4Veinte asistentes digitales personales (PDA) portátiles
registran las respuestas de la audiencia en tiempo real. El pARF registra una
escala de calificación posterior al desempeño y respuestas abiertas, así como
datos de respuesta continua de una o dos dimensiones.
Espectroscopia funcional de infrarrojo cercanousa luz en el cuero cabelludo para
monitorear la actividad cerebral cortical medida a través de respuestas
hemodinámicas asociadas con el comportamiento de las neuronas. Por lo general, el
emisor de luz y el detector se colocan ipsilateralmente en el cráneo del sujeto, por lo
que las mediciones registradas se deben a la luz retrodispersada (reflejada) que
sigue caminos elípticos.
Imágenes ópticas difusas (DOT)Mide la absorción óptica de la hemoglobina
en función del flujo sanguíneo.
Señalización óptica relacionada con eventos (EROS)es una técnica de escaneo
cerebral que utilizaluz infrarroja a través defibras ópticas para medir los cambios
en las propiedades ópticas de las áreas activas delcorteza cerebral . EROS
aprovecha las propiedades de dispersión delneuronas y por lo tanto proporciona
una medida mucho más directa de la actividad celular.
Pantallas de puntos de luzse construyen grabando en video los movimientos
de las personas con marcadores o puntos de luz adheridos a las articulaciones
principales y luego procesando los videos para que solo los puntos de luz sean
visibles en las pantallas resultantes. Estos estímulos se utilizan para aislar
percepción de movimiento procesos ya que contienen información de forma
limitada.
Captura de movimientolas cámaras registran aparatos sensores adheridos al
cuerpo, una extensión de las facultades perceptivas o reactivas, que atraen la
atención hacia diferentes experiencias de danza. Los sensores rastrean marcadores
magnéticos reflectantes y otros. La performance de movimiento tridimensional en
vivo del bailarín permite vincular movimientos cinemáticos y espaciales con procesos
neuronales. La captura de movimiento puede tener lugar dentro de un espacio
donde las cámaras ubicadas alrededor del espacio capturan el movimiento de los
marcadores. Los datos sin procesar se limpian por computadora y se convierten en
una figura compuesta que puede ser animada por diferentes programas
informáticos.
Imágenes móviles de cerebro/cuerpo (MoBi)registra sincrónicamente las
acciones motoras de una persona, el entorno físico y los eventos externos que
influyen en la cognición: lo que el cerebro hace, detecta y organiza a través de la
actividad motora, ocular y autónoma.5

NOTAS
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5. Gramann 2014.
 Apéndice B: Introducción a la danza,
Incluso para los no bailarines

He usado esta introducción para bailar con personas de diferentes países,

desde niños en campamentos y escuelas, estudiantes universitarios y
bailarines, hasta miembros de comunidades de bajos ingresos y no
bailarines. El instructor no necesita tener experiencia en baile o
movimiento ya que el ejercicio es una actividad grupal colaborativa.
Primero el instructor distribuye una copia deElementos de la Danzay lo
proyecta o publica en un formato ampliado y explica el propósito: El
conocimiento de los conceptos del movimiento de la danza y su
realización proporciona los ingredientes para hacer danzas.
Entonces todos hacen fila. La primera persona toma un concepto y uno de
sus elementos que comienza con "Espacio, dirección" y se mueve en una
dirección por la habitación mientras todos la siguen.
La siguiente persona se mueve en otra dirección mientras todos la siguen.
Después de agotar todas las direcciones, el grupo pasa al siguiente
elemento del concepto de Espacio, "nivel".
El procedimiento, de una persona demostrando y otras imitando,
continúa a través de los conceptos (y sus elementos) de espacio
(diseño), ritmo (tiempo), dinámica (esfuerzo) y uso característico del
cuerpo.
Después de todos los conceptos de espacio, tiempo, esfuerzo y uso del
cuerpo presentados en elElementos de la Danzase experimentan, se
produce una discusión. ¿Qué queda fuera? ¿Cómo podemos contar una
historia con los elementos del movimiento? El grupo elige un tema para
bailar. El instructor divide el grupo (de seis a ocho personas) y pide un
voluntario (preferiblemente alguien con experiencia en danza) para
coordinar la coreografía del grupo.
Cada grupo actúa para todo el grupo y sigue la discusión. Los espectadores
comparten sus reacciones, los artistas discuten sus intenciones. Los temas
abordados incluyen cómo se utilizan los conceptos de danza y formas de
comunicarse mejor a través de la danza.
 Referencias

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