Control de Lectura 1

Diana Mayerly Ortiz Rico - 2216809

Parte 1: El cuerpo: Interfaz de prácticas artísticas

2. Del cuerpo representado al cuerpo actuado

En este capítulo nos explican como a lo largo de los siglos el cuerpo siempre fue
representado a través de diversas formas de arte sin embargo a partir del siglo XX
esto se empieza a dejar atrás y empezamos a ver como el cuerpo empieza a ser
un medio, los artistas necesitaban nuevas formas de inspiración entonces
empezaron a explorar formas como el body art, el performance o el fluxus
olvidándose un poco del arte de galería y volviendo a retomar ese espíritu que en
su momento había tenido el movimiento del dadá.

Estas nuevas iniciativas tenían como base la expresión del cuerpo y la interacción
que podían recibir de otros artistas o de un público, a través de todas estas formas
de expresión muchos artistas empezaron a articular arte y vida. Para esto el
espectador no tenía la necesidad de poseer un conocimiento amplio en el arte o
de presentarse a una exposición o museo, simplemente se trataba de sentir el
arte, mostrando acciones artísticas con diversos elementos, en diversos lugares y
de diversas formas todo esto para despertar la sensibilidad e interacción de los
asistentes. Los artistas utilizaban su cuerpo y daban reflexión sobre el tiempo, el
arte, el espacio dejando atrás el convencionalismo y dándose la oportunidad de
explorar formas, colores y mercados nuevos.

A partir de 1910 y hasta la década de los setentas y con la primera guerra mundial
artistas europeos que llegaron a estados unidos introdujeron todas estas nuevas
formas; donde una de ellas, el performance, adquirió un gran reconocimiento a
finales de los años treinta.
Yves Klein

Fue un artista francés que pretendía junto a Manzoni atacar los valores del arte y
utilizar esa energía creativa para despertar en el publico emociones, sensación
reflexiones y para esto utilizaron el cuerpo.

En la siguiente obra el decide que quiere plasmar esta obra sin pinceles, ni
modelos, ni paletas, ni nada así que decide contratar a dos modelos que desnudas
se untan en pintura y siguiendo sus órdenes plasman su cuerpos sobres la tela.

Yves Klein: La gran antropometría azul, hacia 1960. Pigmento y resina sintética en papel montado
sobre tela. 280 × 428 cm.

Paul McCarthy

Este artista recibió una gran influencia europea como locales y esto se nota al ver
sus diferentes obras donde es clara la influencia de ciertos artistas, McCarthy usa
máscaras, disfraces y diversos elementos que le sirven para referencias
personajes pero dándoles un entorno, historia situación incómoda, violenta,
traumáticas o llena de tabúes
Paul McCarthy: Tomato Head (Green), 1994. Fibra de vidrio, uretano, caucho, metal, plástico y
tela. Altura: 218,4 cm. Instalación: dimensiones variables

Charles Ray

Escultor estadounidense que es conocido por sus esculturas extrañas más

interesadas en lo íntimo que en lo social mostrando obras corporales cercanas al
body art activadas por su propio cuerpo como con la siguiente obra donde crea
ocho moldes corporales de sí mismo en diferentes posturas con la que confronto
las sexualidad masturbadora con la serialidad minimalista

Charles Ray: Oh! Charley, Charley, Charley, 1992. Ocho maniquíes de fibra de vidrio pintados y con
peluca. 183 × 457 × 457 cm.
  Mi elección a la hora de escoger a los artistas sin duda alguna tuvo mucho
que ver con lo que me generaban sus obras es por eso que de cierta
manera creo que escogí a tres de ellos que me parecían revolucionarios
pero sin la necesidad de mutilarse o embadurnarse de algún fluido.

3. La creación de una iconografía del <<otro>>

En la década de los setenta la forma de pensar de las nuevas generaciones

cambiaron y comenzaron a buscar formas alternativas de la vida, en este contexto
pasan muchas cosas y una de ellas es la incorporación de artistas mujeres sin
embargo con ello llegan los estereotipos de cómo debe ser el arte femenino, es
así como también se empiezan a formar corrientes feministas que no solo
hablarían de temas artísticos si no también políticos, sociales, sobre las injusticias
de género y las desigualdades salariales. Antes de todo esto se creía que la
mujer y el hombre eran diferentes por ende merecían un trato diferente pero a
finales de los setenta los movimientos feministas empezaron esta concientización
donde algunas artistas mujeres empiezan su lucha a través de sus procesos
creativos y de su arte, muchas de ellas desde el performance comienzan a
denunciar la opresión patriarcal, los roles de género y la hipersexualización del
cuerpo sin embargo esto se puede sintetizar en dos tendencias que hasta hoy se
ven reflejadas:

La que se resiste a aceptar que un cuerpo sexualizado es clave de la opresión de

las mujeres y las que a partir de ese cuerpo como objeto intentan elaborar una
teoría de esto.

 El discurso de género
Ya con estas ideas feministas no solo se empieza hablar de roles sino también de
géneros, de lo masculino y lo femeninos, el termino queer empieza a ser un tema
social, se habla de la sexualización de las mujeres pero también de la lucha
feminista que se había centrado en los conceptos de identidad cuyo objetivo era
conseguir que la mujer se librara de la opresión de hombre ya con esto sobre la
mesa se tocan temas como la no exclusión de todos los constructos de la
sexualidad; lo femenino pero también lo masculino, lo feminista, gay, lesbiana y
queer.

Annette mesagger

Es una artista contemporánea nacida en Francia y es conocida principalmente por

su trabajo de instalación en el que a menudo incluye fotografías, grabados y
dibujos y diversos materiales trabajando formas extrañas extrayendo sus técnicas
y materiales del entorno doméstico estereotípico femenino pero que le sirven para
transformar temas y deformar los conceptos entre masculino y femenino.

Annette Messager: Les Tortures Volontaires, 1972. Fotografía. 19 × 14 cm

Sophie calle
Es una artista conceptual nacida en Francia que busca hablar de su obra desde la
intimidad e identidad desde un punto más personal, es por eso que su artes
muchas veces se basó en sus acontecimientos y experiencias atravesó de textos
impersonales y fotografías y a través de esta exploración lograba captar diferentes
historias todos desde el lado vulnerable de ser como sociedad.

Sophie Calle: El detective, 1981

Jana Sterbak

Es una artista nacida en Chequia que realiza esculturas, instalaciones,

performance, fotos, etc. Para expresarse porque para esta artista el cuerpo es su
inicio, la existencia, la realidad y el reconocimiento a nosotros mismos y al mundo
y para expresar todo esto utiliza diversos materiales objetos que buscan la
intimidad de un cuerpo, órganos modelados, diferentes jaulas, diversos objetos
que permitan reflejar o aludir al cuerpo, toda su obra se mueve en la contradicción
ya que al buscar representar el cuerpo se mueve entre la aversión y la atracción,
el dolor y el deseo, entre lo masculino y femenino.
Jana Sterbak: Vanitas: Flesh dress for Albino Anorexic, 1987. Maniquí, bistec, sal, hilo. Fotografía,
158,1 × 42 × 30,16 cm

Mi elección de artistas tuvo que ver más con los temas que tocaban quise escoger
artistas que hablaran desde la intimidad y la introspección, no tanto con un tinte
político o social si no más personal que es donde siento llegan las obras más
interesantes y con las cuales uno se puede adentrar a nuevas historia es por eso
que a pesar de que las otras artista me parecieron interesantes no fueron mi
primera elección.

Parte 2: El arte de la performance

Capítulo 1: A modo de introducción

 El cuerpo del performer intervendrá como un elemento más; como uno más
de las materias o útiles de las que se rodea y con las que se relaciona, un
cuerpo, culturalmente impreso, convertido en signo, que no será
 instrumento dominante en la performance sino que más bien se conectara y
articulara con los objetos de los que se ha rodeado y que pueblan el
espacio de la acción (Ferrando, 2009, Pag 8)

 Y terminare diciendo que el espectáculo, Según Guy Debord nos aleja de

nuestra propia vida y anula la experiencia individual mientras que la
performance es en sí misma una búsqueda y cuestionamiento de nuestra
propia experiencia, ya que esta se indaga y analiza desde el sujeto, el cual
se explora también a sí mismo en esa búsqueda (Ferrando, 2009, Pag 11)

Capítulo 2: Sobre el espacio

 Por otra parte, el espacio que tratamos en el performance ha sido

previamente delimitado. Lo hemos escogido nosotros y lo hemos señalado,
por lo general, con unos límites precisos. Cada acción tiende a abarcar una
dimensión determinada o posee la capacidad de expandirse hasta alcanzar
un volumen preciso, el cual estaría en relación con la idea en la que está
basada la acción misma. (Ferrando, 2009. Pag 21)

 Mirar una performance es mirar ese espacio plural, esa superficie, ese
territorio. Mirar una performance es introducirse con los ojos, con los oídos,
con todo el cuerpo, de manera muy personal en el interior de ese espacio, y
sentirlo como propio, mirar una performance es recorrer una distancia.
Construir una trayectoria, percibir un desplazamiento en un área concreta
escogida y trazada por el performer, que determinara nuestro modo de ver,
de percibir o de observar el acontecimiento. Mirar una performance es
también crear un espacio propio, que recoge las variaciones y cambios
producidos a lo largo de la acción incluyendo al propio observador de esta.
(Ferrando, 2009, Pag 21-22)
Capítulo 3: El factor temporal

 Toda performance trascurre en un tiempo real. Toda performance se

desarrolla en ese tiempo, un tiempo cambiante que se muestre como si
fuera la piel de la acción misma, provista de innumerables terminaciones
nerviosas capaces de cambiar la densidad la forma o el ritmo de esta
(Ferrando, 2009, Pag 31)

 El tiempo se dilata, se abre , se deshace a sí mismo, y nos muestra otra

manera de ver, de percibir y de sentir, transportando y arrastrando en su
trayectoria al performer y/o a la audiencia de la acción (Ferrando, 2009, Pag
33)

Capítulo 4: El cuerpo en la performance

 La inclusión del cuerpo del artista provoco un vuelco, un giro, un gran

cambio en la escena artística, hasta los inicios del arte de acción, el autor
de una idea o de una creación determinada mantenía cierta distancia con la
obra producida, protegiéndose a sí mismo, precisamente por mediación de
esa distancia. (Ferrando, 2009, Pag 37)

 Tapicería o carcasa que habla con sus gestos, con sus movimientos, con
sus actos, que es una prolongación de nuestro entorno al que
 pertenecemos y que esta prevista de una personal carga cultural que lleva
indefectiblemente marcada (Ferrando, 2009, Pag 37-38)

Las citas que escogí en relación al producto de acción cotidiana tiene que ver
muchos con un factor esencial y es el cuerpo como parte de la obra mejor dicho mi
cuerpo como parte de la obra, en el libro en general decían como es que esta
nueva forma de hacer arte dejaba un poco más expuesto al artistas y como a
pesar de que uno tenía el control de ciertas partes de cierta manera uno de
vulnera al ponerse como elemento para aquella acción que usted quiere realizar,
es por eso que elementos como el tiempo, el espacio y hasta el propio uso del
cuerpo nos traslada a la vulnerabilidad de lo que somos como individuos, sin
importar el tema que se toque nos vulneramos al ponernos a nosotros mismos
como principales protagonistas de lo que buscamos mostrar porque al final del día
sin importar el tema o la acción siempre hay una parte personal que el
performance nos permite explorar porque al final del día “la performance no dice.
Solo quiere mostrase desnuda” (Ferrando, 2009. Pag 44)