Historia Del Arte VANGUARDIAS

CARRERA: Profesorado en Artes Visuales.
UNIDAD CURRICULAR: Historia del Arte II.

CURSO: 2° año.
ALUMNA: Martínez, Raquel
CICLO LECTIVO: 2023
¿Qué son las vanguardias artistas del siglo XX?
Este concepto surge con el fin de definir un estilo artístico que no encajaba con el concepto artístico de la
época y que se calificaba como algo novedoso, define la postura del arte ante la sociedad y su papel de
influir en ella. Una manera de criticar a la sociedad, de enfrentarla y al mismo tiempo ser un reflejo de su
época.
El fin de estas vanguardias es romper con lo establecido, con lo clásico, lo tradicional y tratar de
concebir algo nuevo, aunque el concepto de algo totalmente nuevo sea una utopía. Cada vanguardia que
surge trata de ser un desafío para la anterior y gran parte de ellas toma su manifiesto de los textos de
escritores y poetas de la época.
BODY ART
Hoy hablaremos del body art, donde el cuerpo es el lienzo y centro de atención del artista.
El interés en el cuerpo en el arte no es algo nuevo y se puede decir que las primeras expresiones de este
estilo artístico, se pueden apreciar en las culturas primitivas africanas.
Sin embargo, destacaré las primeras manifestaciones artísticas de este arte a partir de las primeras
manifestaciones realizadas en Europa por artistas, de manera intencional. Es decir, tomando el cuerpo
como parte de la obra o como la obra en sí misma.
 Definición
Como arte conceptual el body art, es calificado como el arte del cuerpo. También llamado arte del
cuerpo o arte corporal.
Se define como un estilo o expresión artística donde se usa el cuerpo como vehículo de expresión
artística, es el lienzo o soporte de la obra, donde se juega con la forma del cuerpo para dar lugar a la obra
de arte.
Este arte puede enmarcarse dentro de la performance. Sin embargo la performance no siempre es un
body art.
 Origen
Surgió en Europa alrededor de 1960 en Europa, desarrollándose especialmente en los EE.UU, retomando
el arte primitivo de la pintura corporal.
El origen del Body Art, se atribuye al artista Bruce Naumann, quién fue uno de los primeros creadores en
realizar obras con su cuerpo en 1965.
Surge a finales de los años sesenta y se desarrolla en la década siguiente. La obra de estos artistas trata
temas como la violencia, la autoagresión, la sexualidad, el exhibicionismo o la resistencia corporal a
fenómenos físicos. Así, el cuerpo puede estar transformado por un disfraz, ser utilizado como
instrumento o unidad de medida, agredido o puesto a prueba hasta los límites del sufrimiento, etc.
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El cuerpo es la esencia de la obra se puede pintar, ensuciar, retorcer, realizando acciones que pueden
estar ligadas a otras artes como la música o la pintura para hacer una acción o performance.
Asimismo, aunque estas acciones que suelen ser irreverentes y anecdóticas, guardan un mensaje o una
crítica intrínseca.
Además, al ser una acción efímera que se presenta con la acción del cuerpo solo puede registrarse en
vídeo o fotografía.
Luego en 1958, se empezaron a usar modelos desnudas como lienzo para pintar o como pinceles vivos
para pintar e imprimir diversas superficies, dejando marcas del cuerpo. Para estas obras las modelos o
artistas se pintaban el cuerpo desnudo para luego sobre un lienzo o papel dejar marcas con su cuerpo
pintado sobre la superficie.
De esta manera busca una nueva forma de sensibilizar, desde lo erótico, primitivo, instintivo y psíquico.
Para dar pie a un arte más cercano al hombre como ser humano.
Estos artistas del body art causaron caos en Viena, mostrando la violencia, lo feo, lo erótico, lo
maravilloso y lo repugnante.
Al ser un arte efímero que desaparece con la acción, se dejan registros de estas obras a través de
fotografías y videos.
Este arte también dio pie a otros estilos como el Action Paiting donde el uso del cuerpo para pintar era
tan importante como la obra misma. Aquí destaca Jackson Pollock.
El arte corporal puede verse como un antecedente de la aceptación generalizada actual de tatuajes,
perforaciones, cicatrices o adornar el cuerpo como un medio para establecer la propia individualidad, así
como las conexiones con ciertas formas de comunidad y mentalidades afines.
 Características
 Es una arte de acción, arte corporal.
 Usa el cuerpo como forma expresiva.
 Es efímero, que ocurre en un determinado momento solo que puede llevar un registro de la obra
con fotografías o vídeo.
 Usa el espectáculo y el sensacionalismo como recurso expresivo.
 Requiere que el artista maneje recursos como el teatro, la expresión corporal, la danza, música, el
manejo del espacio.
 Incentiva la participación del público.
 Representantes: Gina Page, Urs Luthi, Jordi Benito, Vito Acconci.
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Gina Pane
Gina Pane (Biarritz, 24 de mayo 1939 – París, 6 de marzo 1990)1 fue una artista francesa de
origen italiano.
Empieza practicando la pintura y la escultura de estilo minimalista. A finales de los 60 realiza sus
primeras acciones de contenido ecologista en la naturaleza. Durante casi diez años utilizará la acción
como recurso artístico. Utiliza su propio cuerpo como canal de comunicación artístico. Se la vinculará
con el movimiento llamado Body Art, junto artistas como Vito Acconci, Sus acciones están cargadas de
un alto contenido agresivo y simbólico. Nos presenta una doble visión del cuerpo, por un lado objeto
sexual y simbólico de fecundidad y por otro lado vehículo de regeneración. “(…) La herida es la
memoria del cuerpo.
Desde 1971 a 1979 Gina Pane va a realizar un conjunto de acciones en las que la mutilación del cuerpo,
mediante la herida sangrante, está continuamente presente.
Escalade non anesthesiée, 1970, 1971 Gina Pane asciende con los pies desnudos por una escalera
metálica en la que los escalones están llenos de acedados dientes. Al apoyar las palmas de las manos y
las plantas de los pies estos sangran. Cuanto mayor fuerza hace para ascender más se clavan las puntas
de acero en su piel y mayor es el dolor. “Denominé la acción Escalade non anesthesiée para protestar
contra un mundo en el que todo está anestesiado. La guerra del Vietnam continuaba y mi obra tuvo una
clara dimensión política”
Hiperrealismo
 Definición
El hiperrealismo o fotorrealismo es un movimiento artístico figurativo que reproduce la realidad con una
nitidez y definición semejante a la exactitud fotográfica, pero aplicando técnicas pictóricas o escultóricas
que hacen la imagen más vívida que la mera fotografía.
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 Origen
Es un género artístico que surge a final de los años 60 teniendo como precursor el pop art y el
fotorealismo, que se asemeja a la fotografía y busca representar los objetos con una realidad aumentada,
es decir más real que el propio objeto real.
Surge en respuesta a los planteamientos abstractos, conceptuales y no objetuales del arte contemporáneo.
Al principio, la crítica no fue favorable, pero encontró su centro en la exposición V documenta de
Kassel, Alemania, de 1972. Hoy, se ha tornado un movimiento influyente y se mantiene activo.
 Características del hiperrealismo
Aunque el hiperrealismo expresa la influencia del arte conceptual y, muchas veces, es catalogado como
arte pop debido a su aparente trivialidad temática, es un movimiento con características propias bien
definidas. Estas características los distinguen del conceptualismo y, especialmente, del arte pop.
Noción de hiperrealidad como fundamento: El hiperrealismo se basa en la noción filosófica de la
hiperrealidad, desarrollada en el siglo XX. Comprende que el cerebro humano es incapaz de distinguir
entre realidad y ficción. Aplicado al arte, el concepto de hiperrealidad nos acerca al simulacro, cuyo
realismo resulta más convincente que el mundo objetivo.
Verismo descriptivo absoluto: La obra hiperrealista debe ser tan verosímil (realista) que parezca más
viva que la realidad conocida. Por ende, los artistas ocultan cualquier evidencia del proceso de ejecución
por medio de la perfección en los acabados. Nada puede interrumpir la sensación de estar ante una obra
que aparenta vida propia. Así, el hiperrealismo se separa de movimientos que exhibieron abiertamente
sus procedimientos, como el impresionismo, el postimpresionismo o el expresionismo abstracto, entre
otros.
Virtuosismo y gusto por el detalle: El virtuosismo se relaciona con la perfección técnica, abocada a
lograr definición y nitidez absoluta. Por ello, se regodea en el gusto por el detalle, que permite acrecentar
el realismo. Tanto el virtuosismo como el gusto por el detalle le brindan al hiperrealismo un tono
academicista. Estos dos rasgos, además, fueron característicos del arte barroco siglos atrás. Por eso, no es
extraño que el hiperrealismo nos recuerde al barroco en su espíritu del desengaño ante la realidad. No
otra cosa revela el efectismo.
Temas aparentemente triviales: Los temas del arte hiperrealista son variados. Con frecuencia se ven
figuras humanas, escenas y paisajes urbanos, bodegones, objetos de la sociedad de consumo, momentos
efímeros, elementos de la naturaleza, etc. Estos temas dan la apariencia de ser triviales. Sin embargo,
tienen el profundo sentido de expresar la desesperación de la sociedad de consumo. Asimismo, son
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ocasión para reflexionar sobre el papel de los medios audiovisuales, en su intento por suplantar la
realidad.
 Representantes: Johon de Andrea, Richard Estes, Antonio López, Duane Hanson, David Parrish.
 Pintura hiperrealista
Para los pintores hiperrealistas, la fotografía es una realidad adulterada, una copia de la realidad, así que
parten de ella para dotar de verdadera vida a la imagen. No pretenden competir con la fotografía, sino
aprovechar el recurso para reflexionar sobre la autenticidad de las imágenes en una sociedad dominada
por los medios audiovisuales.
Algunos pintores usan la fotografía para la elaboración de sus obras. En este caso, acuden a técnicas
como la proyección de diapositivas sobre el soporte. Otros optan por la tradicional observación de la
realidad. Todos aplican pormenorizadamente el claroscuro, la mezcla de colores perfecta y el estudio de
la refracción de la luz sobre los objetos, pues de ello depende la vivacidad de la obra. Sus técnicas
pictóricas son tradicionales: la pintura al óleo es la más común.
Antonio López. Pintor y escultor español (1936). Su centro de interés está en los temas de la
cotidianidad, los que representa con rigor fotográfico sin usar fotografías como apoyo. Entre sus obras
más importantes, destacan: Espejo y lavamanos (1967); Vista de Madrid desde Capitán Haya (1987-
1996) y La familia de Juan Carlos I (2014).
Antoni
o López: Vista de Madrid desde Capitán Haya, 1987-1996, óleo sobre lienzo pegado a tabla, 184 x 245 cm, Museo Reina Sofía,
Madrid.
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 Escultura Hiperrealista
La escultura hiperrealista es aún más literal que la pintura en su representación de la realidad. Por eso,
suele ejecutarse en tamaño natural a partir de moldes. Sin embargo, puede incrementar sus efectos al usar
dimensiones colosales.
Por las posibilidades que ofrece, la escultura hiperrealista suele centrar su atención en la figura humana.
Con frecuencia, usa técnicas ampliamente conocidas en la tradición como el modelado, el fundido y la
pintura. Sin embargo, sus materiales son menos ortodoxos: fibra de vidrio, silicona, acrílico, pinturas de
resina y objetos cotidianos incorporados a la obra.
 Duane Hanson. Escultor estadounidense (1925-1996). Se dio a conocer gracias a las esculturas
en tamaño natural que ejecutó, cargadas de una verdadera apariencia de vida gracias al fino
cuidado de todos los detalles. Sus figuras suelen expresar rasgos de carácter. Entre sus obras
más conocidas destacan: Supermarket Lady (1969) y Mujer comiendo (1971).
Duane Hanson: Supermarket Lady, 1969; fibra de vidrio, poliéster, pintura acrílica, óleo, cabello,
prótesis oculares, carrito de supermercado y latas, 166 × 65 cm.
Minimal Art
 Definición
El arte minimalista es una corriente artística contemporánea que surgió en Estados Unidos, durante los
años 60. Este estilo se caracteriza por reducir sus obras a lo fundamental, utilizando sólo los elementos
mínimos y básicos, como las líneas. Se utiliza la geometría de las formas, buscando la mayor
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expresividad con los mínimos recursos. Y se hace evitando el recargamiento de ciertas manifestaciones
artísticas.
 Orígenes
El minimalismo surgió en Nueva York a principios de la década de 1960 entre los artistas que
renunciaban conscientemente al arte reciente que creían que se había vuelto obsoleto y académico.
Una ola de nuevas influencias y estilos redescubiertos llevó a los artistas más jóvenes a cuestionar los
límites convencionales entre varios medios. El nuevo arte favoreció lo frío sobre lo “dramático”: sus
esculturas fueron frecuentemente fabricadas con materiales industriales y enfatizaron el anonimato
sobre el exceso expresivo del expresionismo abstracto.
A fines de la década de 1970, el minimalismo había triunfado en América y Europa a través de una
combinación de fuerzas que incluían curadores de museos, comerciantes de arte y publicaciones, además
de nuevos sistemas de patrocinio privado y gubernamental.
Y los miembros de un nuevo movimiento, el postminimalismo, ya estaban desafiando su autoridad y,
por lo tanto, eran un testimonio de cuán importante era el minimalismo en sí mismo.
Esta negación de expresión, junto con un interés en hacer objetos que evitaban la aparición de las bellas
artes, llevó a la creación de elegantes obras geométricas que evitan a propósito y radicalmente el
atractivo estético convencional.
Los minimalistas intentaron romper las nociones tradicionales de escultura y borrar las distinciones
entre pintura y escultura. En particular, rechazaron el dogma formalista propuesto por el crítico
Clement Greenberg, que impuso limitaciones al arte de la pintura y artistas privilegiados que parecían
pintar bajo su dirección.
El minimalismo surgió como una reacción al movimiento expresionista abstracto de los años cincuenta y
principios de los sesenta, derivado en parte del reductivismo del modernismo y del
movimiento abstracto geométrico.
 El arte minimalista se caracteriza por varios factores:
 Una variedad de formas y patrones geométricos.
 Tan pocas formas como sea posible.
 Pocas variaciones en color y forma, utilizadas en repetición.
 A menudo utilizar materiales industriales o no típicos.
 Bordes precisos y bordes flagrantes.
 El monocromatismo (negro/blanco/gris) como rasgo común.
 Falta de significado (obvio) o emoción.
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 Representantes del minimalismo artístico: Sol Lewitt, Robert Morris, Dan Flavin, Donald
Judd.
Solomon «Sol» LeWitt nació en una familia de inmigrantes judíos de Rusia el 9 de septiembre de 1928.
Después de recibir el título de Bachelor of Fine Arts (BFA) de la universidad de Syracuse en 1949, Sol
LeWitt viajó a Europa, donde recibió la influencia de los grandes maestros de la pintura. Después de eso,
participó en la Guerra de Corea, primero en California, después en Japón, y finalmente Corea. Se mudó
a Nueva York en los años 50 y prosiguió con su interés por el diseño gráfico, trabajando en la Seventeen
Magazine. Por ese tiempo, LeWitt también descubrió la fotografía de Eadweard Muybridge, cuyos
estudios sobre la locomoción y las secuencias en el Siglo XIX le influyeron. Estas experiencias,
combinadas con un trabajo en 1960 en el Museo del Arte Moderno de Nueva York, MoMA, influyeron
en la obra de LeWitt como artista. fue uno de los minimalistas que salieron del arte de los años 60 del
siglo XX. Su obra abarca de todo: pintura, dibujo, instalación, fotografía, escultura (esto último él
prefería llamarlo estructuras) aunque para él lo importante era el concepto y no se involucró demasiado
en la creación de la obra final. Se destacó sobre todo por el uso de la geometría.
Como ejemplo de sus miles de obras podemos hablar de sus estructuras, que van de monumentales moles
de cemento a pequeñas maquetas. Son típicas sus estructuras modulares derivadas del cubo, a veces
abiertos, dialogando con el espacio que las rodea.
Artista: Sol LeWitt

Género: In situ (En el arte contemporáneo, in-situ se refiere a un método artístico específicamente
diseñado para una locación .Es decir, de ser transportado perdería su significado ya que tiene en cuenta
dónde está instalado.) Dibujo mural
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Período: Op-art (es un estilo de arte visual que hace uso de ilusiones ópticas. Suele usarse en la crítica e
historia del arte la denominación en inglés, op art, aunque también hay referencias al arte óptico.)
Fecha de creación: 1987
ARTE CONCEPTUAL
¿Qué es el arte conceptual?
Arte conceptual es el nombre de un movimiento artístico en el que el concepto tiene prioridad sobre
el objeto. Nació en la década de 1960 y se manifestó en diferentes países como Estados Unidos,
Inglaterra, Francia e Italia, entre otros.
El propósito del arte conceptual es favorecer los procesos de reflexión intelectual por encima de la
estimulación de sensaciones visuales. De ese modo, parte del principio de que el espectador participa del
mismo proceso que el creador del concepto.
Este tipo de planteamientos derivan en una idea fundamental: puede haber experiencia estética aun
cuando no haya la presencia de un objeto artístico.
Al cuestionar la idea preconcebida de la trascendencia del objeto artístico, el arte conceptual abre un
campo nuevo de exploración estética que lleva a la formación de múltiples tendencias y grupos en
diferentes latitudes.
El movimiento tiene sus antecedentes en la técnica del readymade desarrollada por Marcel Duchamp y
otros artistas del dadaísmo. El readymade consiste en tomar un objeto cotidiano, descontextualizarlo e
intervenirlo.
El arte conceptual nace en una década muy polémica, debido a la emergencia de múltiples agendas: por
un lado, la guerra de Vietnam, cuyos escandalosos detalles habían sido revelados en la prensa
independiente. Por el otro, la investida del feminismo, la aparición y desarrollo de las tecnologías de
información y comunicación y las diferentes revoluciones sociales de la época.
 Características del arte conceptual
 Valora el concepto por encima de la estética.
 Identifica y denuncia problemas del entorno social.
 Es polémico.
 Usa de la sátira y la ironía.
 Abarca diferentes disciplinas artísticas (música, literatura, artes plásticas, etc.).
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 Usa diferentes medios y técnicas: videoarte; readymade; fotografía; performance; arte-objeto;
instalación; collage, entre otros.
 Representantes: Joseph Kosuth, Richard Long, Ad Reinhard
Condensation Cube, comenzada en 1965, completada en 2008; plexiglas y agua; Hirshhorn

Museum and Sculpture Garden
La obra de Hans Haacke ha tomado la forma, las palabras y el estilo de sistemas externos al
mundo del arte -desde el sistema físico y ambiental hasta el social y político-, con la finalidad de
comunicar las frecuentes interdependencias y equivalencias que se establecen entre ellos. Haacke
se apropia de los significados que prevalecen en estos sistemas, los selecciona y organiza fuera de
sus fuentes, y los recontextualiza en el ambiente del museo o de la galería. Subrayando hechos
aceptados como ordinarios y desenmascarando otros ignorados, incrementa la conciencia de las
ideas.
Land Art
El Land Art o Earth Art es una corriente del arte contemporáneo en la que se crean obras en plena
naturaleza (o paisajes urbanos) utilizando en muchas ocasiones los materiales que encontramos en ella,
como rocas, gravillas, tierra, ramas, arena… Incluso algunos fenómenos naturales como es el viento o las
mareas pueden formar parte de estas obras.
En muchas ocasiones, las obras de este tipo están expuestas a los cambios y la erosión del entorno
natural en el que se encuentran por lo que algunas han evolucionado o simplemente desaparecido. De
ahí que en el land art resulten tan importantes los trabajos de fotografía o las grabaciones del proceso y
de la obra terminada sean muy importantes.
ORÍGENES DEL LAND ART
Este tipo de arte en la naturaleza nació entre los años sesenta y setenta, alejado de los
conevncionales y mejores museos de arte del mundo, y su artista pionero fue el americano Robert
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Smithson. El trabajo de este artista estadounidense coincidía con el desarrollo de una conciencia
ecologista y la crítica al materialismo y los excesos del capitalismo urbano. Virginia Dwan, fundadora de
la Dwan Gallery de Nueva York, fue el mecenas principal de la corriente durante los años 60 y patrocinó
las monumentales y efímeras esculturas de los artistas pioneros como eran Robert Smithson y Michael
Heizer.
Las primeras obras se realizaron en desiertos de Estados Unidos a finales de los años sesenta, pero la
obra que más popularidad ha tenido es, probablemente, la Spiral Jetty creada en abril de 1970 en Utah
por Robert Smithson (fotografía principal). En esta obra, el artista trabajó con rocas, tierra y algas para
formar una larga espiral que sobresale de la tierra adentrándose en el Gran Lago Salado. Algunas obras
del Land Art son arte efímero y muchas de ellas han necesitado máquinas industriales por el peso de
los materiales para ser construidas.
Surgió como una revolución en contra de la pintura y la escultura, así como de la corriente
antiformalista de finales de los sesenta, que incluía el arte conceptual y el arte povera. Varios artistas,
principalmente británicos y norteamericanos, se centraron en trabajar directamente con la naturaleza, en
particular, Christo y Jeanne-Claude, Walter De Maria, Michael Heizer, Dennis Oppenheim, Robert
Smithson y Richard Long. Crearon esculturas inmensas con las mismas dimensiones que el paisaje en sí,
y realizaron exposiciones de fotografías y escritos en los que plasmaban sus excursiones. Sus obras,
también conocidas como obras terrestres, son casi inaccesibles, ubicadas lejos de los asentamientos
humanos, por ejemplo, en desiertos o áreas abandonadas, aunque hay algunas excepciones. Estas obras
son efímeras, ya que poco a poco se destruyen por la exposición a los elementos y a menudo, por la
erosión. De ahí que se conserven en forma de dibujos, fotografías o películas preliminares para su
posteridad. Solo un número reducido de personas o el propio artista han podido ver las obras en sí.
 Representantes: Christo y Jeanne-Claude, Walter De Maria, Michael Heizer, Dennis

Oppenheim, Robert Smithson y Richard Long.
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ANÁLISIS DE OBRA
Foto de la obra.
Identificación de la obra.
 Título de la obra: Vista de Madrid desde Capitán Haya
 Autor: Antonio López
 Año: 1987-1996
 Técnica: óleo sobre lienzo pegado a madera,
 Medidas: 184 x 245 cm,
 Localización: Museo Reina Sofía, Madrid.
 Género: hiperrealismo.
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 Estilo: pintura vanguardia
Descripción denotativa
Se trata de un cuadro rectangular, en donde se aprecia muchos edificios al aire libre ya que se puede
apreciar el cielo en pleno día, al fondo se observa cielo despejado lo cual permite apreciar los
edificios a lo lejos.
Descripción connotativa
Se trata de una pintura de la Vista de Madrid desde Capitán Haya es una interpretación que se
realiza sobre una realidad, el territorio, que viene determinada por la configuración de sus elementos
físicos.
En Madrid desde Capitán Haya el argumento es la luz del sol sobre la ciudad, una luz que
endurece contornos, desdibuja perfiles, crea sombras: " El sol es el gran protagonista, hace a la
ciudad más solitaria, le da carácter.
Vista de Madrid es una vista madrileña del edificio del Museo Arqueológico, embocada desde una
terraza elevada de la calle Serrano, de minuciosa transcripción, en la que intervienen así mismo unas
luces de coordenadas espacio-temporales muy precisas, como es característico en él, cuya proverbial
tardanza en terminar un cuadro muchas veces está afectada por este rigor de captación puntual
indeclinable. Esta vista es además una de las primeras que hizo el artista de manera despojada, pues
inició este tipo de panorámica hacia principios de 1960 y, con lógicas variaciones, continúa con ello
hasta la actualidad (Calvo, 2006).
Descripción compositiva.
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 La obra se divido en dos planos diferenciados, separados de en primer plano por los
edificios, en el segundo plano se pueden ver el cielo de día.
 El cuadro está ocupado en un cincuenta por ciento por un cielo despejado.
 El otro plano se puede observar muchos edificios, algunas calles y árboles.
 Las líneas amarillas marcan un ritmo en la imagen por las repeticiones
 Se pueden observar que la figura es geométrica.
 La superposición de imágenes genera profundidad y punto de fuga.
 Además se observa en el primer plano las figuras de colores neutros.
 La luz se encuentra ubicada a la derecha los cual genera sombras a la izquierda.
 Figura compleja y fondo simple.
Conclusión
La pintura me llama mucho la atención la similitud a una fotografía.
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El arte conceptual es un intento de redefinir y de llegar a una nueva conclusión

en lo que al arte se refiere que sería un deseo real de transformar la idea de arte
que se había tenido hasta ese momento sería además un intento de transformar
la relación que existe entre lo conceptual y lo sensual
Tipo de arte trataría de cuestionarse a sí mismo lo que es una obra de arte es
decir ahí está la pregunta qué es una obra de arte y la definición de arte tal como
se había apreciado hasta ese
espectador que recibe frente a él una experiencia estética o bien una experiencia
fundamentalmente visual y con cuál se queda el arte conceptual supone un
ataque artístico como sede de la mirada del espectador porque en realidad ya no
juega tanto con la mirada como nosotros vamos a ver sino que juega con otros
aspectos distintos que no tienen que ver con la visión tradicional que hasta ese
momento habíamos tenido del arte bien una de las cuestiones que queda por
resolver es hasta qué punto el arte conceptual es un arte eminentemente
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filosófico el arte conceptual es un intento de alinear dos áreas del ámbito cultural
que hasta entonces habían actuado de forma independiente por un lado el
campo de la producción artística y por otro el campo de la producción filosófica al
caer la teoría de clement greenberg.
Sería la filosofía un instrumento al servicio de la crisis contó lógica que se estaba
viviendo o que vivía la obra de arte y al mismo tiempo sería un instrumento que
consiguiera el control social sobre el significado de las obras que hasta ese
momento hasta entonces había estado orientado hacia otros cambios perdón
campos o bien ámbitos de conocimiento si queréis incluso podríamos hablar aquí
desde el punto de vista estético vale desde la desde la estética bien de una
forma más específica lo que pretende el arte conceptual es una transferencia de
autoridad que vaya desde el ámbito artístico hasta el ámbito filosófico pasando
por alto cualquier discurso crítico que sobre la obra de arte se había hecho hasta
ese momento así pues por un lado la filosofía funciona dentro del campo artístico
como una forma de material artístico o crítico es decir la propia filosofía digamos
que se convierte en obra en obra de arte en este caso y es en este punto que me
interesa sabéis por qué da la impresión de que si no existe filosofía el objeto
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CARRERA: Profesorado en Artes Visuales.

UNIDAD CURRICULAR: Historia del Arte II.

Artista: Sol LeWitt

Fecha de creación: 1987

 Representantes: Joseph Kosuth, Richard Long, Ad Reinhard

Condensation Cube, comenzada en 1965, completada en 2008; plexiglas y agua; Hirshhorn

 Representantes: Christo y Jeanne-Claude, Walter De Maria, Michael Heizer, Dennis

El arte conceptual es un intento de redefinir y de llegar a una nueva conclusión

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