Arte conceptual

Definición y Características
En el arte conceptual va a prevalecer ante todo la idea, el concepto, la información que
se tenga, más que la realización artística en sí. Es decir, aquí lo fundamental es darle
importancia al predominio de los fundamentos conceptuales más que a lo puramente
formal, tomando así una forma un tanto abstracta.
La temática es de lo más variada que te puedas encontrar y con ella lo que se pretende
es cuestionar, atestiguar, criticar, explorar, denunciar una realidad en base a nuestro
entorno político, económico o social, llevar a cabo una reflexión en base a las vivencias
o pensamiento del artista, es decir, lo que nos quiere decir tras la observación de una
obra.
En la gran mayoría estas recurren a la sátira, ironía, o a la polémica buscando como ya
hemos dicho anteriormente la lectura y reflexión del concepto artístico que tenemos
delante.
Uno de los objetivos principales por lo que se dieron los artistas conceptuales fue por el
reto de cambiar y dar otros puntos de vista en el arte que no fuese la contemplación de
la belleza, la calidad del material con el que fuera realizado… cuestionando por
completo el verdadero significado de lo que hasta el momento se entendía como arte,
pues defendían el hecho de estar haciendo arte sin necesidad alguna de estar mediada
por la observación de un objeto que fuera bello, un concepto muy subjetivo igualmente
puesto que para lo que uno puede ser algo bonito para otros es todo lo contrario.

Movimientos surgidos a partir del arte conceptual

Happening
Happening (de la palabra inglesa que significa acontecimiento, ocurrencia, suceso)
provocación-participación-improvisación. Tiene su origen en la década de 1950 y se
considera una manifestación artística multidisciplinaria. Aunque se han relacionado con
el pop-art y el movimiento hippie, los happenings se integran dentro del conjunto del
llamado performance art. El artista norteamericano Allan Kaprov (1926-2006) es uno de
los pioneros en el establecimiento de los conceptos de arte performativo.
Yard, performance, 1961. Obra de Allan
Kaprow
Inicialmente una tentativa de producir una obra de
arte que naciese del acto a organizar y con la
participación de los espectadores, en la que se
pretende que abandonen su posición de sujetos
pasivos y se liberen a la expresión emotiva y la
representación colectiva. Aunque es común
confundir el happening con la llamada acción artística el primero difiere de la segunda
en la improvisación. El happening, como manifestación artística múltiple que pretende
la participación espontánea del público, suele ser efímero. Por este motivo los
happenings suelen presentarse en lugares públicos, irrumpiendo en la cotidianeidad.

Fluxus
Fluxus (palabra latina que significa flujo) es un movimiento artístico de las artes
visuales en especial, pero también de la música, la literatura y la danza, el cual tuvo su
momento más activo entre la década de los 60 y los 70 del siglo XX. Se declaró contra
el objeto artístico tradicional como mercancía y se proclamó a sí mismo como un
movimiento artístico sociológico. Fluxus fue informalmente organizado en 1962 por
George Maciunas 1931-1978). Este movimiento artístico tuvo expresiones en Estados
Unidos, Europa y Japón.
Fluxus, que se desarrolla en Norteamérica y Europa bajo el estímulo de John Cage, no
mira a la idea de la vanguardia como renovación lingüística, sino que pretende hacer un
uso distinto de los canales oficiales del arte que se separa de todo lenguaje específico; es
decir, pretende la interdisciplinariedad y la adopción de medios y materiales
procedentes de diferentes campos. El lenguaje no es el fin, sino el medio para una
noción renovada del arte, entendido como “arte total “.
Bajo la etiqueta Fluxus, George Maciunas comercializa por
correo una amplia gama de objetos hechos por otros
artistas. ‘Fluxkit’ es una selección representativa de estos
objetos, y abarca el rango de formas en que se emitieron
las ediciones Fluxus: puntajes gráficos para eventos, cajas
interactivas y juegos, revistas y películas. Casi todos los
‘Fluxkit’ tenían un contenido algo diferente, y el número
de componentes incluidos aumentó con los años: de unos
veinticinco en 1965, por ejemplo, a cuarenta en 1966. El
“Fluxkit”, sin embargo, fue concebido como un producto
colectivo en lugar deun museo individual.

Pieza de voz para soprano. La culpa de todo la tiene

Yoko Ono. Anécdotas aparte, Pieza de voz para
soprano es una perfomance que se inspira en la cultura
japonesa, donde las mujeres son calladas y sumisas.
Toma como base el dolor del parto, pero lo extrapola
como idea de liberación, de soltarlo todo, en una
sociedad que nos asfixia.

Body art
Con el nombre de Body Art se denominan procesos artísticos en los que el artista utiliza
su propio cuerpo como soporte material de la obra.
Surge a finales de los años sesenta y se desarrolla en la década siguiente. La obra de
estos artistas trata temas como la violencia, la autoagresión, la sexualidad, el
exhibicionismo o la resistencia corporal a fenómenos físicos. Así, el cuerpo puede estar
transformado por un disfraz, ser utilizado como instrumento o unidad de medida,
agredido o puesto a prueba hasta los límites del sufrimiento, etc.
Por lo general el body art se realiza en el marco de una performance (una acción
artística) o para registrar el resultado en videos o fotografías. Una de las expresiones
más conocidas del body art es el body paint o “pintura corporal”. Esta práctica consiste
en aplicar pintura sobre el cuerpo para la realización de diferentes clases de dibujos o la
creación de figuras.
Youri messen-jaschin Yves Klein

Representantes y sus obras

Marcel Duchamp
Marcel Duchamp es considerado el artista más influyente
del siglo XX. Se adelantó al arte conceptual, elevó el
objeto cotidiano a categoría de arte y cambió radicalmente
la idea de la belleza. En realidad, era un gamberro, un
punk que convirtió una broma en el dogma que hoy sigue
la aborregada comunidad artística internacional.
En 1914, Duchamp crea los ready mades, objetos
cotidianos separados de su entorno habitual y presentados
por el artista como obras de arte. A partir de entonces el
arte ya no se veía con los ojos, sino con la mente. Resultó
que la belleza podía estar en otros sitios… También creó
otras formas de arte hoy institucionalizadas: instalaciones, museos portátiles,
performances, happening.

Joseph Kosuth
Joseph Kosuth (norteamericano) fue otro de los artistas pioneros que estuvo activo
desde mediados de los años 50 en este tipo de arte. Kosuth, exploró nuevas ideas a partir
de las que desarrolló Duchamp sobre el ready - made y su planteamiento fue el
siguiente: el mundo está hecho de definiciones y conceptos sobre lo que existe, es decir,
el objeto existe como materia, pero no es hasta que no adquiere un concepto cuando
tiene un verdadero significado, formando parte en el mundo de las ideas.
Joseph Kosuth, a través de esta obra lo que nos
quería era hacernos reflexionar sobre en cuáles de
los tres medios que aparecían se encontraba la
identidad del objeto y es que siempre una obra de
arte será equivalente a una idea, subjetiva y, como
tal, multitudinaria.

Piero Manzoni
Piero Manzoni fue un artista italiano, famoso por sus célebres obras de arte conceptual,
que entre otras cosas resultaron las más irónicas de este estilo.
Merda d'artista (Mierda de artista) es sin ir
más allá el título de una de sus obras más
polémicas, expuesta en 1961 en la Galleria
Pescetto. La obra consistía en 90 latas
cilíndricas, en las que supuestamente
contienen sus heces fecales. Además, en
las latas, como cualquier otra, aparecen las
siguientes etiquetas en varios idiomas:
Contenido neto: 30 gramos. Conservada al
natural. Producida y envasada en mayo de
1961. Todas y cada una de ellas están
enumeradas y firmadas por él en la parte
superior.
Con esta obra quiso hacer una fuerte crítica contra el mercado del arte donde una simple
firma de un artista con cierto renombre hace incrementar el valor de la obra, aunque lo
que haya en su interior sea simplemente “una mierda”.