CLASE 3 - Discurso audiovisual

Elizabeth Téllez

El lenguaje o lenguajes con los que nos comunicamos a través de sistemas de signos
(oral, escrito, audiovisual, visual, etc.) son válidos para su fin: COMUNICAR UN
MENSAJE y es importante conocer nuestras herramientas como documentalistas.
Lo principal es comprender que fuera de solo grabar, entrevistar y contar la historia
tenemos más recursos narrativos que debemos comprender. Hablemos entonces de
conceptos clave:

RECURSOS NARRATIVOS

Cuando realizamos cine de ficción podemos encontrar historias que dicen:

“basadas en hechos reales”, lo cuál es totalmente válido, y ocurre más de lo que
piensan. Ahora bien, esto no ocurre así en el cine documental. Ya que, para el cine
documental todos los recursos se obtienen de manera verificable, los hechos,
acontecimientos o historias. Se tienen de dos tipos: las cualitativas, y las
cuantitativas. Hablaremos un poco sobre las primeras.

CONSTRUCCIÓN RECREACIÓN RECONSTRUCCIÓN

ENTREVISTAS: A partir de la memoria histórica o de hechos históricos,

testimonios, e información que obtienen por su percepción o participación en los
hechos, por su experiencia dentro de los entornos que queremos retratar, o las
situaciones que queremos conocer.

RECREACIONES: Se refiere a la representación o representación de un evento,

escena o situación de una manera que no busca necesariamente replicar todos los
detalles exactos o la precisión histórica.

- En la recreación, se permite cierta libertad creativa y artística para capturar el

espíritu o la esencia de algo sin preocuparse por la precisión extrema.
- Puede ser utilizada en la producción de películas, programas de televisión,
teatro y otras formas de entretenimiento para transmitir una historia de manera
más emocional o dramática, incluso si algunos aspectos no son completamente
precisos.

RECONSTRUCCIÓN: Se refiere a la representación de un evento, escena o situación

con un alto grado de precisión y fidelidad histórica.
- En la reconstrucción, se hace un esfuerzo consciente por investigar y reproducir
los detalles de manera precisa y auténtica.
 - Se utiliza a menudo en contextos históricos, científicos o forenses donde es
importante documentar y entender un evento o escena de manera precisa. Por
ejemplo, en la reconstrucción de un crimen, se busca recrear la escena exactamente
como ocurrió para ayudar en una investigación.
- También se utiliza en arqueología y restauración de patrimonio cultural para
devolver un objeto o sitio a su estado original.

ARCHIVO DOCUMENTAL: Aquí entra todo tipo de respaldo de información como

fotografías, oficios, cartas, papeles oficiales, que nos brinden la información que
necesitamos para nuestro documental, Estos archivos pueden pertenecer al
dominio público o ser privados. siempre se debe contar con los permisos para su
uso.

OBJETOS: Son símbolos que tienen una función detonante, o protagonista con la
escena o temática de tu documental.

VOZ EN OFF: Se utiliza comúnmente en producciones audiovisuales, como

documentales, películas, programas de televisión, anuncios publicitarios,
videojuegos y más.

- En la voz en off, la voz del narrador o del personaje no es visible en la pantalla, y

el narrador no forma parte de la acción principal que se muestra visualmente. La
voz se superpone a las imágenes o escenas.

- Puede utilizarse para proporcionar información adicional, comentarios,

descripciones o diálogo que no se muestra en la pantalla, lo que ayuda a los
espectadores a entender mejor lo que están viendo.

- Por ejemplo, en un documental, la voz en off podría narrar los hechos históricos
mientras se muestran imágenes relacionadas.

VOZ OVER: El término "voz over" se utiliza de manera más amplia y puede incluir
tanto la voz en off como otras técnicas de narración de voz.

- En algunos casos, "voz over" se utiliza de manera intercambiable con "voz en

off", pero a menudo se usa para describir cualquier narración de voz realizada
fuera de la pantalla, ya sea que esté superpuesta a las imágenes o no.

- Puede referirse a grabaciones de audio que se utilizan en diversos contextos,

como comerciales de radio, audiolibros, locuciones para aplicaciones móviles,
grabaciones de respuesta automática en teléfonos, entre otros.

RECURSOS NARRATIVOS DE CONTEXTO

 HISTÓRICO PERSONAL

Los acontecimientos más importantes La historia personal se realiza con toda

de la época y lugar de origen del actor la experiencia de cada persona, pero
social, ¿que ocurre en el mundo que solo la información necesaria y que
está influyendo sobre el o la actor persigue el objetivo inicial.
social?

TEXTOS: Conversaciones de WhatsApp, correos, documentos, notas periodísticas,

cartas, boletines, comunicados, contratos, inscripciones, que también tengan
modo de ser verificables y que tengan la función argumentativa necesaria para la
construcción de la historia.

MÚSICA:
- EFECTOS SONORO: Creador para sonorizar objetos
- DISEÑO SONORO: Composición, creación y recreación de ambientes.
- CANCIONES: Ya compuesto o para componer (más original)
- SOUNDTRACK: Específicos como identidad del documental.

COLOR: Importante en la psique del otrx, en la construcción denotativa que busca

percibir, los significados que ya estan asignados y las referencias visuales que
conocemos.

ENCUADRE: Es básicamente todo lo que está en la cámara, en el rectángulo de tu

cámara, digital o de celular, independientemente del formato. Es lo que ve el
espectador, pensemos en lo que nuestros ojos perciben, pero reducido a un
rectángulo específico. No puede salir todo lo que observamos, por ello el director
debe elegir minuciosamente que quiere que aparezca en el encuadre, seleccionar lo
que queremos que vean.

En el sistema de composición tradicional, el encuadre desempeña un Rol Dinámico

incluso más que en la pintura, la razón es que mientras que un cuadro se construye
a partir de la nada empleando la percepción y la imaginación, el proceso de la
fotografía consiste en seleccionar imágenes de escenas y sucesos reales dentro del
encuadre. Aparecen varias fotografías posibles cada vez que el fotógrafo mira a
través del visor, de hecho en las tomas muy activas y rápidas, como sucede en la
fotografía social, el encuadre es el escenario donde evoluciona la imagen. Al recorrer
una escena con la cámara pegada al ojo, los bordes del encuadre asumen una
considerable importancia, ya que los objetos se desplazan por el área de imagen e
inmediatamente interactúan con ellos.
MARCO VACÍO: La existencia de un marco rectangular induce a ciertas reacciones
visuales. Este esquema muestra cómo puede reaccionar el ojo (por supuesto hay
muchas variables) Empieza a mirar en el centro, se dirige hacia arriba y a la
izquierda, luego desciende y gira a la derecha y, en cierto punto -ya sea por la
visión periférica por el parpadeo-, registra las esquinas “nítidas”. El entorno
oscuro que se ve a través del visor de la cámara enfatiza las esquinas y los bordes.

TENSIÓN DIAGONAL: En esta toma angular el movimiento Dinámico proviene de la

interacción de las diagonales con un marco rectangular aunque las líneas
diagonales tienen un movimiento y dirección de independientes en esta fotografía
lo que permite crear tensión es la referencia de los bordes del marco

El segmento sonoro de los mensajes audiovisuales ocupa una pequeña parcela de

nuestro paisaje sonoro cotidiano y de la comunicación acústica la audición es el
procesamiento de un sonido disponible y potencialmente significante para el que
escucha este acto mediatiza la comprensión del entorno por aquellos que lo habitan
que son precisamente quienes lo crean y lo organizan significativamente.

Es importante destacar que la imagen y el sonido se afectan mutuamente pues la

diferencia de significado entre una imagen con sonido determinado Y esa misma
imagen muda puede ser enorme inversamente un sonido cuando en lugar de ser
oído aisladamente es acompañado por imágenes adquiere una dimensión
completamente nueva el segmento sonoro puede estar sustituido o compuesto por
la voz la música y ruidos de ambiente pero el mensaje audiovisual es
eminentemente vococentrismo pues la voz especialmente la palabra es el sonido
sobre el que giran todos los demás esto es simplemente un reflejo de nuestros
hábitos perceptivos trasladados a los modos de producción de imágenes
secuenciales con sonido.

- Gran Plano General o Plano de Ambiente: el Gran Plano General es una

herramienta efectiva para establecer la escala, el contexto y el tono de una
película. Proporciona a los espectadores una visión panorámica del mundo
de la historia y puede ser utilizado para transmitir información importante
de manera visual. *No hay un sujeto.

- Plano general: El sujeto supondrá entre una tercera parte o una cuarta parte
de la imagen total. El plano general es una herramienta visual versátil que
puede utilizarse para múltiples propósitos, desde establecer el contexto
hasta transmitir emociones a través del entorno. Su capacidad para resaltar
la escala y la relación entre los elementos es esencial para crear una
narrativa visual rica y envolvente.

- Plano conjunto: Este tipo de encuadre se utiliza para mostrar la acción del
sujeto principal con las personas u objetos que tiene a su alrededor. El plano
conjunto es versátil y puede adaptarse a una variedad de situaciones
narrativas. Su uso dependerá del contexto y de cómo el cineasta quiera
transmitir la interacción entre personajes y el ambiente general de la escena.

- Plano entero: Este plano a nuestro personaje, este plano se caracteriza por
dejar un poco de aire en la parte de la cabeza y pies. El personaje vuelve a
estar de cuerpo entero de la cabeza a los pies, pero la ubicación ya no es el
centro de atención. En este plano, es posible que desees mostrar cómo se
viste o cómo se mueve un personaje.
- Plano Americano: El plano americano enmarca al sujeto desde
aproximadamente la mitad de los muslos hacia arriba. En las antiguas
películas de vaqueros, el personaje a menudo se mostraba de la cadera hacia
arriba, lo que ahora se conoce como plano de vaquero.
Este plano trata de revelar información. Puedes ver más detalles que en un
plano general. La razón por la que las películas de vaqueros tuvieron que
revelar las caderas se debe a las fundas de pistolas. Si no se mostraban las
caderas, cuando un vaquero estaba listo para sacar su pistola, se perdía
mucha acción importante.

Planos Medios.
- Plano Medio: De la cintura a la cabeza. Se enfatiza más al sujeto y, al mismo
tiempo, se mantiene visible su entorno. Los planos medios pueden parecer el
tipo más estándar, pero cada tamaño de plano que elijas tendrá un efecto en
el espectador. Un plano medio se puede utilizar a menudo como un plano
intermedio para las escenas de diálogo que tienen un momento importante
más adelante que se mostrará en un primer plano.

- Plano Medio Corto: De la cabeza a la mitad del torso. El plano medio corto es
una herramienta versátil que encuentra un equilibrio entre la proximidad
emocional del plano corto y la contextualización del plano medio. Los
cineastas lo utilizan para lograr diversos efectos emocionales y narrativos, y
es especialmente útil en escenas que enfatizan las interacciones y las
reacciones emocionales de los personajes.
 Planos Cerrados.
- Primer Plano: Un primer plano enmarca el rostro del personaje. En un
primer plano se pueden ver aún más detalles que nos dicen cómo se siente
un personaje. Un primer plano resalta las pistas emocionales en los ojos y
puedes ver un movimiento o una lágrima que podría pasar desapercibido en
un plano medio. Por su naturaleza, es más íntimo, por lo que el efecto suele
ser que el público puede sentir lo que siente el personaje.

- Primerísimo Primer Plano: El Primerísimo primer Plano encuadra aún más

un rostro (o un sujeto), resaltando más los rasgos faciales. Por lo general,
enmarca una parte particular del rostro como los ojos o la boca. Es incluso
más íntimo que el primer plano y está casi incómodamente cerca, por lo que
el espectador está más dispuesto a sentir lo que sea que el actor transmite.
Por ello, se usa para mostrar una emoción más intensa y a menudo se usa a
medida que aumenta el drama.

- Plano Detalle: Permite indicar al espectador el que debe de fijarse

concretamente sin necesidad de diálogo. En este debe de estar si o si, una
parte del cuerpo humano sino se convertirá en un insert.

No puede salir todo en un encuadre, el director elige minuciosamente lo que

requiere la historia que aparezca en el encuadre y por lo tanto, aquello en lo que el
espectador se fije.
Puntos de vista/Ángulos.

- Angulo Normal u Horizontal (Eye-Level Shot):

Características: El ángulo de la cámara es similar al nivel de los ojos del
personaje o del observador. Es un ángulo neutro y común que proporciona
una perspectiva realista y natural.
Uso: Escenas de conversación, narración neutral, establecimiento de la
relación entre el personaje y su entorno.
- Ángulo Picado (Low Angle Shot):
Características: La cámara se coloca por debajo del nivel de los ojos del
sujeto, mirando hacia arriba. Esto puede hacer que el sujeto parezca más
grande, poderoso o dominante.
Uso: Para enfatizar la autoridad o la superioridad de un personaje, crear una
sensación de vulnerabilidad en otro personaje, o dar una sensación de
grandiosidad a una ubicación.

- Ángulo Contrapicado (High Angle Shot):

Características: La cámara se coloca por encima del nivel de los ojos del
sujeto, mirando hacia abajo. Esto puede hacer que el sujeto parezca más
pequeño, débil o subordinado.
Uso: Para enfatizar la vulnerabilidad de un personaje, mostrar la perspectiva
de un personaje más poderoso o crear una sensación de amenaza.

- Ángulo Cenital:
La grabación se hace desde arriba completamente del sujeto.
- Angulo Nadir:
Lo contrario al cenital. Es una toma 100% desde abajo del sujeto.
- Plano Inclinado (Dutch Angle or Dutch Tilt):
Características: La cámara se inclina en un ángulo lateral, creando una
composición visual desequilibrada. Puede generar una sensación de tensión,
desorientación o inestabilidad.
Uso: Para crear una atmósfera de inquietud, caos o para reflejar el estado
mental alterado de un personaje.
 - Punto de Vista de Primera Persona:
Características: La cámara adopta el punto de vista literal de un
personaje, como si fuera su mirada. Se simula la experiencia visual y
puede dar una sensación inmersiva.
Uso: Para crear una conexión emocional y subjetiva con el personaje,
permitir al espectador ver desde los ojos del personaje.

Composición Fotográfica:
La composición fotográfica es una habilidad fundamental tanto en la
fotografía estática como en la cinematografía. Una comprensión sólida de
los principios de composición puede llevar a imágenes más atractivas,
evocadoras y comunicativas, lo que mejora la experiencia visual y emocional
del espectador.
- Atracción Visual: Una composición bien equilibrada y armoniosa atrae
instantáneamente la atención del espectador. Los elementos en la
imagen están organizados de manera que el ojo se sienta
naturalmente atraído a ellos.
- Narrativa Visual: La composición puede contar una historia por sí
misma. La disposición de los elementos, la relación entre ellos y su
ubicación en el encuadre pueden transmitir información y sugerir una
narrativa sin necesidad de texto explicativo.
- Transmisión de Emociones: La composición puede influir en cómo se
sienten los espectadores al ver una imagen. Los elementos de la
composición, como el color, la iluminación y la orientación, pueden
evocar emociones específicas.
- Jerarquía y Enfoque: Una composición efectiva permite establecer una
jerarquía visual, lo que significa que los elementos más importantes
se destacan claramente. Esto guía la atención del espectador hacia lo
que el fotógrafo o cineasta considera más relevante.
- Equilibrio y Armonía: La composición adecuada crea un equilibrio
visual entre los diferentes elementos de la imagen. Esto asegura que
no haya una sensación de caos o desorden, lo que puede afectar
negativamente la percepción de la imagen.
 - Eliminación de Elementos Distraídos: La composición bien
planificada ayuda a eliminar elementos no deseados o distractores del
encuadre, manteniendo la atención en lo que realmente importa.
- Creatividad y Originalidad: La composición puede ser una forma de
expresión creativa. Experimentar con diferentes ángulos,
perspectivas y técnicas de composición puede resultar en imágenes
únicas y originales.
- Impacto Visual: Una composición poderosa puede hacer que una
imagen sea memorable y tenga un impacto duradero en la mente del
espectador.
- Comunicación efectiva: Una composición bien ejecutada transmite el
mensaje deseado de manera clara y efectiva. Ayuda a comunicar la
intención del fotógrafo o cineasta de manera precisa.
- Profundidad y Perspectiva: La composición adecuada puede crear la
ilusión de profundidad y perspectiva en una imagen plana, lo que
agrega dimensión y realismo.
Ahora las decisiones de composición es una tarea conjunto entre el director y el
director de foto, todo depende lo que se quiera mostrar en pantalla y que tipo de
estética fotográficamente hablando se quiera dar. Hay diferentes tipos de
composiciones las cuales son :

1- La regla de los tercios consiste en dividir el cuadro de la fotografía en 9

cuadrículas de igual tamaño, ordenadas en 3x3. ¿Para qué? Fácil. Está comprobado
que, ubicando los elementos principales de tu fotografía en cualquiera de las
intersecciones de las líneas de división, obtienes una fotografía más armoniosa e
interesante.

2- Ley de la mirada esta ley, tienes que respetar la dirección de la mirada o el

sentido que tenga tu sujeto u objeto principal. Por ejemplo, si tienes una persona
mirando hacia la derecha, este tipo de composición en la fotografía te dice que
debes dejar más espacio “vacío” en la derecha (porque es el lado al que la persona
está mirando) y, por el contrario, dejar su lado izquierdo sin mucho espacio.
3- Simetría Se trata de uno de los tipos de composición fotográfica bastante fácil de
aplicar. Lo único que debes hacer es tomar como referencia el centro de la imagen,
ya sea de forma vertical o de forma horizontal. Al contrario de lo que ocurre en la
regla de los tercios, para lograr que tu fotografía sea simétrica convendrá ubicar a
tu sujeto en el centro de la composición. Esto hará que no haya un lado con mayor
peso visual que el otro, sino que se distribuya uniformemente en todo el encuadre.
Estas se encuentran más en las fotos de arquitectura.

4. Equilibrio El equilibrio fotográfico consiste en encontrar el balance que deben

tener los elementos que participan en la composición. De hecho, puedes lograr este
tipo de composición fotográfica apoyándote de un elemento secundario que ingrese
a la toma, con el fin de no concentrar todo el peso visual en un solo lado de la
fotografía.

5. Patrones:Los patrones son elementos repetitivos que puedes incluir en tu

composición fotográfica para dirigir tu atención hacia un punto concreto de la
fotografía. En efecto, incluir patrones en tu fotografía puede dotarla de armonía, ya
que tu cerebro los reconoce como algo agradable a la vista.
6. Impares: si una fotografía cuenta con una cantidad par de elementos, el
espectador no sabrá con exactitud a qué prestarle atención. Por ejemplo, si tienes
dos elementos, tu fotografía no cuenta con un solo protagonista, lo que distraerá la
atención del público.
Por otro lado, si tu fotografía tiene una cantidad impar de elementos, suele ser
considerada más natural y más fácil de comprender. Por ejemplo, si tienes 3
elementos, el espectador identificará un objeto principal en la composición
fotográfica a la cual dirigirá su atención, mientras que los otros dos objetos
restantes, serán vistos cómo soporte compositivo.
En definitiva, este es uno de los tipos de composición fotográfica que hace que los
sujetos u objetos en tu fotografía proyecten una complicidad entre ellos.

7. Enfoque - desenfoque: Si lo que deseas es destacar a tu sujeto principal por

encima del resto de elementos, este tipo de composición fotográfica será tu mejor
aliado a la hora de tomar una fotografía.
Con esta regla de composición lograrás que la atención del espectador se centre en
el primer plano de la fotografía, sin distraerse con elementos del fondo. ¿Cómo?
Para lograr esto te ayudarás de un concepto muy importante en la fotografía: la
profundidad de campo.
Esto va a depender de varios factores, pero uno de los más importantes es la
apertura del diafragma con el que tomas una fotografía.

8. Marco natural: El marco natural es bastante aplicado en el rubro de fotografía

paisajística y consiste en enmarcar el motivo principal de la fotografía con algún
elemento propio del paisaje. Como explica Arturo Bullard, se trata de uno de los
tipos de composición fotográfica que te sirve para crear un punto de interés en tu
imagen. Y lo mejor es que el mundo está lleno de potenciales marcos naturales para
componer tus fotografías. No es necesario que el marco esté completo, también
puedes hacer esta composición fotográfica con elementos creados por el hombre,
como arcos, puentes o ventanas.

9. Líneas guía:Una excelente manera de centrar la atención de los espectadores en

un elemento principal es usando las líneas guía para componer tus fotografías. La
clave de uno de los mejores tipos de composición fotográfica es que debes tener en
cuenta tu entorno, ya que muchas veces las líneas guía de la fotografía se
encuentran de forma natural en el lugar donde te ubicas.
En ese sentido, usando este tipo de composición fotográfica serás capaz de dirigir
la atención del público de una parte de la foto a otra.

10. Horizonte:Este tipo de composición fotográfica, que toma como referencia el

horizonte, está basado en la regla de los tercios de la fotografía. Como te
comentamos anteriormente, la regla de los tercios consiste en dividir el cuadro de
la fotografía en 9 cuadrículas de igual tamaño, ordenadas en 3x3 y, para lograr esto
hace falta crear 4 líneas: 2 verticales y 2 horizontales.
Para conseguir esta composición de fotografía solo bastará que uses 2 de las líneas
planteadas en la regla de los tercios: las horizontales.
Por lo tanto, la regla principal de este tipo de composición fotográfica es ubicar a tu
horizonte en cualquiera de las 2 líneas que se acaban de dibujar, nunca en el medio
del encuadre.

11. Llenar el encuadre: Otro de los tipos de composición fotográfica que centra la
atención de los espectadores, por lo que si quieres destacar un elemento por encima
de otros en tu fotografía, asegúrate que no haya distractores y llena el encuadre con
el elemento que te interesa.
Además de ayudar a enfocar la atención de los espectadores, con este encuadre y
composición fotográfica podrás resaltar detalles que no serían apreciables si
hubieran más elementos o si hicieras la foto desde lejos.

12. Espacio negativo: Contradiciendo completamente el tipo de composición

fotográfica anterior, el espacio negativo te indica que “menos es más”. No es
necesario llenar toda la toma, puedes dejar mucho espacio vacío en el encuadre y
esto se verá bien ante los ojos del espectador.
Además este es uno de los tipos de composición fotográfica que te da una sensación
de simplicidad, lo que ayuda a que el espectador entienda mejor y sin ningún tipo
de inconveniente el mensaje de la fotografía.

13. Minimalismo: De manera similar que el espacio negativo, el minimalismo tiene

increíbles resultados si lo aplicas en tus fotografías. El secreto de uno de los tipos
de composición fotográfica más populares es incluir pocos elementos en tu
fotografía.
Definitivamente, esta composición de fotografía puede ser un recurso bastante
poderoso. Aparte de centrar la atención en un solo elemento, puedes crear
fotografías bastante expresivas a través de los detalles.

14. Proporción áurea: Este tipo de composición fotográfica está basado en un

principio matemático que postula que dos cantidades se encuentran en proporción
áurea si su tamaño es igual a la suma de ambas cantidades, dividida entre la mayor
de ellas. Curiosamente, este es uno de los primeros tipos de composición
fotográfica que ha sido utilizado desde la antigüedad, especialmente en la pintura y
en la expresión artística en general.
A lo largo de la historia, los fotógrafos identificaron esta proporción mágica o
divina y han usado esta técnica de composición fotográfica para darle dinamismo a
sus imágenes.

Sonido.
El sonido en el cine es una parte esencial de la experiencia audiovisual y desempeña
un papel fundamental en la narrativa, la emoción y la inmersión del público en la
historia.
En este caso el cine no sería lo que es sin el sonido ni la foto, porque sin sonido y
solo foto sería muy aburrido y sin foto y solo sonido sería un podcast.
Bien lo que se puede destacar la importancia del sonido en el cine es:

- Ambientación y Realismo: El sonido contribuye a crear un entorno auditivo

que sumerge al espectador en la realidad de la película. Los efectos de sonido
ambientales, como el ruido de la calle, el viento o la lluvia, pueden hacer que
las escenas se sientan más auténticas y creíbles.
- Atmósfera Emocional: La música y los efectos de sonido pueden establecer el
tono emocional de una escena o película. La elección de la música y el diseño
de sonido adecuados puede evocar emociones específicas y reforzar la
experiencia emocional de los personajes y la audiencia.
- Identificación y Empatía: El sonido puede ayudar a los espectadores a
conectarse emocionalmente con los personajes. La música y los efectos de
sonido pueden reflejar el estado de ánimo interno de un personaje y permitir
que los espectadores se identifiquen con sus experiencias.

- Enfoque y Atención: El uso del sonido puede guiar la atención del espectador
hacia elementos específicos en la pantalla. Los efectos de sonido y la mezcla
de audio pueden resaltar elementos visuales importantes y mantener la
atención en la narrativa.
- Narración e Información: El diálogo y los efectos de sonido proporcionan
información esencial para la trama y la comprensión de la historia. Los
diálogos y los efectos auditivos pueden transmitir detalles que no son
evidentes en la imagen visual.
- Ritmo y Edición: El sonido puede influir en el ritmo de una película. Los
cambios en la música y los efectos sonoros pueden afectar el ritmo de
edición y crear una sensación de tensión, anticipación o relajación.
 - Suspense y Tensión: Los efectos de sonido y la música pueden construir
suspense y tensión en escenas de acción, suspenso o terror. Los sonidos
pueden crear anticipación y mantener al público en el borde de sus asientos.
- Transición y Continuidad: El sonido puede utilizarse para suavizar las
transiciones entre escenas o secuencias, creando continuidad y cohesión en
la narrativa.
- Caracterización e Identidad: La música temática o los efectos de sonido
específicos pueden asociarse con personajes o lugares, creando una
identidad sonora única y memorable.
- Experiencia Inmersiva: El diseño de sonido envolvente puede transportar al
público al mundo de la película, creando una experiencia cinematográfica
más inmersiva y emocionalmente rica.

El segmento sonoro puede cumplir en el cine diversas funciones de carácter

sintáctico en primer lugar sirve para enlazar las imágenes con otras de manera que
fluyan de un modo unificado también puede establecer pausas más o menos
marcadas otra de sus funciones es guiar el espectador por determinados caminos
confirmando o desmintiendo después sus expectativas finalmente gracias al sonido
es posible crear su silencios cuyo valor dramático puede ser enorme.

La percepción de la imagen y la del Sonido son muy diferentes Aunque a nosotros

nos parecen relativamente cercanas pues la percepción de una afecta al otro y
viceversa el sonido hace ver la imagen de modo diferente a lo que es imagen sería
sin él y la imagen hace oír el sonido de forma distinta a como lo diríamos en una
habitación a oscuras esto queda muy claro en determinados sonidos inocuos sobre
los que la imagen proyecta un sentido horrible o impresionante las dos diferencias
fundamentales entre imagen y sonidos son que el oído funciona con más rapidez
que la vista y que el sonido implica necesariamente movimiento tal vez por esta
segunda razón el sonido sirve fácilmente para temporalizar la imagen de tres
maneras distintas haciendo la percepción del tiempo de la imagen más o menos
fina detallada o concreta imponiendo en las imágenes una idea de sucesión y
linealidad o dramatizando los planos orientandolos hacia el futuro y creando así un
sentimiento de inminencia o expectación es decir produciendo vectorialidad.

Para el sonido desde un punto de vista sintáctico puede cumplir cuatro funciones
unificar puntuar establecer convergencias o divergencias y separar la función más
extendida del sonido es enlazar imágenes para que se desarrollen en un flujo
unificado lo cual se puede conseguir de varias maneras desbordando
temporalmente los cortes visuales mediante encabalgamiento sonoros haciendo
oír ambientes globales que crean un marco general en el que parece contenerse la
imagen o mediante la música orquestal que al estar fuera de un tiempo y espacios
reales desliza las imágenes en un mismo flujo.
Con la llegada del sonido sincro no existe la posibilidad de puntuar de una manera
discreta sin forzar el trabajo de los actores en el guión un maullido fuera de campo
el sonido de un reloj en campo o el sonido de un piano en la habitación de al lado
Son elementos discretos para subrayar una palabra dar cadencia un diálogo o cerrar
una escena la música es un magnífico elemento para puntuar.

El sonido confirma o desmiente determinadas expectativas o direcciones

devoluciones unidas por el espectador esta función es finalmente relacionada con
el movimiento del deseo.

Colonia La última función consiste en separar elementos sonoros mediante el

silencio la impresión del Silencio en una escena no se consigue simplemente Con
ausencia de ruido sino que hay que introducirla a través de un contexto y una
preparación por ejemplo haciendo que el sonido esté precedido de una secuencia
ruidosa el silencio no es un vacío neutro es el resultado de un contraste el negativo
de un sonido Que Se Ha oído antes y que se imagina también se puede expresar
silencio mediante ruidos tenues que no atrae nuestra atención y que son asociados
a una idea de calma estos ruidos solo se oyen cuando los otros ruidos cesan el tictac
de un reloj por ejemplo.

Cuando en cine hablamos de imagen en realidad nos estamos refiriendo al

continente preexistente a la imagen estamos hablando del marco solo hay uno y no
del contenido hay cientos de planos el sonido sin embargo no tiene marco ni
continente que lo preceda al sonido pueden añadirse tantos otros sonidos como se
quieran los sonidos se disponen respecto al marco visual y Su contenido
establecido distintas relaciones y manteniendo distintas distancias.

TEMO, EL PEPENADOR | Revista Replicante

INCENDIO/RESCATE (2015, Juan Renau) - cinemargentino
La pasarela (2012, Ulises Rosell) - cinemargentino
(5) 31 minutos - Nota verde - Perros callejeros - YouTube

MOTIVACIONES DEL PROYECTO

UN TEMA PERSONAL