apuntes cine mapi

INTRODUCCIÓN A CULTURA AUDIOVISUAL CONTEMPORÁNEA

2/10/23

UNIDAD 1: TECNOLOGÍA, EL CINEMATÓGRAFO. ¿Qué es el cine?

❖ Espectáculo visual.

Entra por los ojos. Nació con el objetivo de entretener, evadir y sorprender.
Cine como espectáculo vs cine de arte y ensayo (de autor)

❖ Conocimiento del mundo.

Muestra universos y mundos que a veces no podemos ver.

Con el cine se viaja. Se busca que la película nos enseñe, que sea edificante: que aborde
determinadas conductas, contextos históricos, lecciones utilitarias y más banales.
Cine como herramienta ideológica. Instrumento de manipulación.

❖ Evasión:

Forma parte del espectáculo. Hollywood era denominado como “fábrica de sueños”. Esto se
explotó mucho en periodos de crisis como por ejemplo depresiones financieras. Aquí surge el
musical. Géneros que son modos de escapismo: terror y musicales. El terror surge del miedo
que Norteamérica le tenía a Europa.

❖ Medio de expresión :

El cine tiene un lenguaje audiovisual que narra una historia en imágenes.

Lenguaje universal, la imagen la entendemos.
Ver una peli, leer un libro > la experiencia difiere.

Literatura narrativa:
- sintaxis para unir oraciones (planos)
- vocación de contar historias
- descripción del detalle (primer plano)
- acciones paralelas y saltos en el tiempo
- descripción del detalle (primer plano).

Teatro:
- Argumentos y creación de situaciones
- construcción de personajes e interpretación
 - puesta en escena

pintura:

- composición
- perspectiva
- luz y color
- diversidad de puntos de vista (colocación de la cámara)

❖ Arte que aúna a todas las demás. Sólo el cine es capaz de reproducir imágenes en
movimiento, en acción.
❖ Industria > máquina de hacer dinero. Cita en el campus (Roman Gubern, Historia del
cine, 2014: 11)
Cine: industria
película: mercancía

❖ Tecnología > se basa en imágenes en movimiento. Fotogramas en movimiento. No

existiría sin el desarrollo tecnológico.

5 octubre

La primera descripción de una sala de cine la encontramos en el mito de la caverna de Platón.

Cine como ilusión de la realidad, representa una realidad pero que no es real.

CUADROS:
❖ La caverna de Platón (Lalita Hamill, 2014)
El cine representa la realidad pero no es la realidad misma. Si nos desplazamos en el tiempo,
a los comienzos de la pintura, podemos ver este ejemplo. La realidad no es tán estática, por
eso en las pinturas de Altamira un jabalí tiene varias patas.
Necesidad del ser humano de captar el movimiento.
❖ El martirio de San Felipe (Ribera, 1639)
La tensión se dirige al punto de luz. Es una pintura que transmite inmediatez. Las personas
que están alrededor son espectadores.
❖ Bonjour, Monsieur Courbet (Courbet, 1854):
Encuentro casual y espontáneo. Predomina luz y sugiere imagen realista e inmediatez.
❖ No lo esperaban (Iliá Repin) (1884-1888):
Plasma una escena muy cinematográfica. Vemos una acción que se está llevando a cabo. Es
lo que en el cine se denomina planos de reacción.

El ser humano siempre ha perseguido captar gráficamente el movimiento.

El cine surge tras una acumulación de hallazgos y experiencias diversas > la base está en la
fotografía.
1826 > invención de la fotografía, al principio requería de muchos productos químicos.
Esta invención inicia una serie de hallazgos que hacen posible la creación de la ilusión del
movimiento.
A medida que avanza la fotografía (materia prima del cine) surgen avances tecnológicos y se
comienza a investigar sobre ilusiones ópticas.
Pasatiempos ópticos: enfocados a un público infantil.
ej:
● La linterna mágica, basada en cámara oscura (cámara oscura con juego de lentes y
soportes corredizos. Era una lámpara de aceite.)
● Fenaquistiscopio > “copio”, del griego, es > mirar, investigar.
El fenaquistiscopio era un disco de cartón con ranuras en las que hay variación en la
ilustración y al girar se ve el movimiento.
Mediados del siglo XX
Zoótropo y praxinoscopio > derivan del anterior.
● El praxinoscopio > doble tambor y espejos. Tambor circular con ranuras y en el
interior hay dibujos dentro.
Hale’s tours of the world (los Tours de Hale)> atracción > se recreaba un viaje en tren
mediante la proyección de imágenes en un interior que estaba decorado como si fuese un
vagón.
Letter from an unknown woman (carta de una mujer desconocida, de Max Ophüls, 1948) > en
esta peli se ve la atracción.
● Después surge la cronofotografía > nos acerca a la tecnología cinematográfica.
Étienne Jules Marey era un fisiólogo interesado en el movimiento de animales cuando llevan
a cabo acciones. Por ejemplo cuando los pájaros vuelan.
● Gracias a él surge un fenómeno muy cercano al cine. Creó la escopeta
cinematográfica.
La crea para analizar movimiento de animales > él descompone el movimiento a través de la
fotografía que forma parte de un disco.
Consiguen 12 fotografías sucesivas en un segundo.
Nada que ver con el cine pero resulta muy útil.
Roman Gubern > “El cine es un invento colectivo”
No podemos atribuir el nacimiento del cine a una sola persona. Surge por una acumulación de
inventos de procedencias diversas, son distintos hechos, descubrimientos y hallazgos.
● George Eastman creó la película de celuloide, sin él la escopeta cinematográfica no se
podría haber creado.
Él fundó KODAK.
Dio inicio a la democratización de la fotografía.
“you press the button, we do the rest”, George Eastman.
● Edison creó la primera cámara cinematográfica de EEUU.
El kinetógrafo tiene el obstáculo de que no permite poder observar las imágenes que se
graban en movimiento.
● Edison inventó el kinetoscopio, precursor del proyector. Permite observar lo que se
graba con el kinetógrafo. Kinetoscopio: caja de madera que permite el visionado.
Requiere una posición muy incómoda.
Pese a que eran voluminosos e incómodos, tuvieron éxito y se crearon salas de kinetoscopio
en las mejores de EEUU.
Edison monta su propio estudio, el primer estudio de EEUU y se empiezan a grabar varias
películas al mismo tiempo.
Kinetoscopio > aparecían personas que tenían que ver con el mundo del espectáculo, del
circo, gimnastas, boxeadores, contorsionistas.
Baile serpentina (1897) > tipo de película que se veía en estas salas del kinetoscopio. Enfatiza
la capacidad de la cámara para captar el movimiento.
Quería crear la ilusión de que el vestido cambiaba de color y se coloreaba fotograma por
fotograma.
Hermanos Lumière > Habían comenzado a experimentar. Dieron con la primera cámara
cinematográfica en Europa.
El cinematógrafo > multifuncional > graba las imágenes, las proyecta, imprimía esas
imágenes y tiraba copias.
Modo filmación / modo proyección
16 imágenes por segundo.
Se trasladaron a París para dar una proyección privada en un café de París.
1895, 28 diciembre, en el café de París.
Se pasaron 10 películas, entre ellas la primera película que rodaron los hermanos Lumiére >
La salida de los obreros de la fábrica.
Se considera la primera película de la historia del cine.
La Sortie de l'usine (1895) > las mujeres van bien vestidas. Sabían que de alguna forma este
momento iba a ser grabado.
Las mujeres van con sombrero y se pusieron sus mejores trajes.
Distancia entre obreros, obreras y cámara.
En su día parecía algo real. Tenemos que meternos en la mentalidad pre cinematográfica para
entender la magnitud.
El cine se acaba convirtiendo en el hobby de la clase trabajadora.
Lo que hacen los Lumière es como un mini documental, mini noticiero.
“Las fotografías y el cine son invenciones que satisfacen definitivamente y en su esencia
misma la obsesión del realismo”
Documental : Lumiére. L'aventure commence. Internet Archive.
Se ven las primeras piezas de los hermanos Lumière que reflejan la cotidianidad.
Los Lumiére nunca pierden de vista la puesta en escena. Está todo coreografiado a pesar de
que parezca todo muy casual.
El regador regado (1895) > principio, nudo, desenlace. Es una comedia y se está actuando.
Hay conciencia del encuadre > es la primera película de ellos.
Realmente la primera es la de los obreros.
Lo que más éxito tuvo fue la llegada del tren, por el impacto.
L'arrivée d' un train en gare (1896)
Los hermanos Lumière buscaban ese impacto.
Contiene varios encuadres y valores de plano a pesar de ser una cámara fija.
Los hermanos Lumière no supieron ver las capacidades comerciales de lo que habían creado,
de su invento, pensaban que era un entretenimiento pasajero.
1898 > Despidieron a una buena parte de su equipo de camarógrafos pensando que era algo
temporal.
Uno de los primeros espectadores fue George Meliés. Él se convirtió en director de cine, era
mago y cuando descubre el cinematógrafo se da cuenta de que si lo fusiona con lo suyo sería
invencible. Le da sentido de fantasía y mejora el cine.

9 octubre
George Meliés > primera persona que añade fantasía a sus películas. Hizo historia en el cine
moderno. También añadió trucajes cinematográficos como por ejemplo incorporación de
maquetas, desapariciones, animación de objetos.
1º persona en aplicar los efectos especiales en el cine.
1º estudio cinematográfico de Europa.
El primer estudio de EEUU es el de Edison.
Estudio > especie de invernadero. Da rienda suelta a su fantasía y hace muchas películas
aunque muchas se perdieron y otras se usaron para hacer combustible.
Las primeras son muy teatrales
La cámara fija la sitúa siempre frente al escenario, en el espacio en el que están las butacas.
Va a incluir un telón. Saluda al público como si estuviera en un teatro.
Actuaba, dirigía, construía el diccionario, el escenario, las maquetas, la ropa. Estaba muy
puesto con la realización.
Corto: The vanishing Lady (1896) > cine como concepto que viene del teatro.
Película: Hugo, Unlock The Secret > sale Meliés.
Los hermanos Lumière no supieron ver el lado u oportunidad comercial del cine pero Edison
sí.
● Vitascopio > proyector (antes de esto estaba el kinetoscopio)
Un año más tarde hay cientos de proyectores como este y el cine se convierte en industria.
El invento de los Lumière que Méliès convierte en espectáculo, se hace industria en manos de
Edison.
El cine no ha hecho más que empezar. El cine es un lenguaje y modo de expresión, la cámara
tiene que aprender a moverse, el cine tiene que escapar de la rigidez de la convención teatral.
Con el tiempo, las cámaras se harán más ligeras. El cine tiene que desarrollar su lenguaje.
En tan solo 64 años se da un salto en el tiempo.
Touch of evil (Orson Wells, 1959): se ve el plano secuencia en tres minutos aproximadamente
y la cámara es absolutamente acrobática. Al principio nos sitúa en la frontera EEUU México.
Cámara versátil, fluida, acrobática.
Efecto estético e inmediatez de plano secuencia.
Los cineastas tienen que aprender a narrar no solo por los diálogos sino también a través de la
edición.
Gramática del cine
Surge más adelante > GRIFFITH
Lo que no tenga que ver con la narración tiene que ver con los avances tecnológicos.
La cámara va a aprender a desplazarse hacia adelante y hacia atrás.
● Dolly. Es una plataforma que se desplaza por unos raíles.
Sacrificio (Tarkovski, 1986)
 ● Travelling > el tipo de movimiento de cámara que realiza.
Para pelis muy indies una dolly puede ser un carro de supermercado.
Se puede realizar con cualquier artilugio que tenga ruedas.
Las cámaras se pueden poner también en grúa.
Citizen Kane (Orson Wells, 1941)
Las cámaras con el tiempo (a partir de los años 50) se hacen más ligeras, esto permite planos
distintos que sugieren casualidad, inmediatez, inmersión.
À bout de souffle (Godard, 1960)
Efecto de cámara en mano puede sugerir distintos estados de ánimo.
Pasamos a la Steadicam
● Steadicam
Bound for glory (esta es mi tierra, Hal Ashby, 1976) > primero en usar la steadicam
Garret Brown (inventor de esta revolución tecnológica)
Es como un arnés
Ofrece una estabilidad impresionante, el operador puede hacer lo que quiera y la cámara no
se va a mover.
Es capaz de soportar todo tipo de movimientos y favorece mucho los planos secuencia.
La peli con la que da el salto a la fama es con Rocky ( John G Avildsen, 1976).
Quien supo sacar provecho de este invento es Stanley Kubrick
El resplandor, Stanley Kubrick, 1980.
The tree of life (Terrence Malick, 2011)
Un gran invento revolucionario del cine es la cámara digital.
● Tecnología digital: se democratiza el cine.
La filmación de una película va a ser una experiencia distinta.
Ej: Tangerine (Sean Baker, 2015) > rodada con iphone 5s
Incorporación del sonido a las películas, la llegada del sonoro en Hollywood coincide con los
primeros años del crack.
La consecuencia económica de esta crisis afectó a los estudios cinematográficos pero seguían
haciendo películas y se intentaba dar con la tecnología adecuada para dar con el sonido en el
cine.
La mayoría de las películas se veían con un acompañamiento musical, pero esto era un sonido
que no pertenecía a la película, sino que era parte de la sala de proyección.
Sonido en Disco.
Tuvo éxito el invento
Aportaba homogeneidad a la película
Sonido sobre la película > otro formato > el sonido ya se ha incorporado a la tira de la
película > sonido e imagen en un mismo fotograma.
Los discos a veces llegaban rotos o rayados, para una peli de una hora había que cambiar 20
veces de disco > el operador tenía que estar atento.
Sonido sobre la película > Este fue el que prevaleció y las salas de proyección usaban mucho
esto.
La primera película que se considera sonora es El cantor de Jazz (1927) e inicia el cine
sonoro. Se considera la primera película sonora pero no lo es.
Don Juan (Alan Crosland, 1926) > incorpora una banda sonora compuesta de música y
efectos de sonido pero no tiene diálogos grabados.

● Banda sonora de una película > Efectos de sonido, diálogos, música > estas tres
partes componen la banda sonora de una película.
El cantor de jazz sí incorpora diálogo aunque son dos minutos. El formato que usa es el de
sonido en disco.
La incorporación de sonido conllevó cambios importantes en la industria y en la forma de
hacer películas.
La incorporación de sonido se consideraba un inconveniente para el estilo de Hollywood.
Conlleva una serie de inconvenientes a nivel tecnológico.
Los cámaras tenían que colocarse en habitaciones insonorizadas debido al ruido que hacía el
motor y la cámara apenas se podía mover.
Por otro lado los micrófonos eran enormes y abultaban muchísimo.
Breve período en Hollywood con películas estáticas > fue la consecuencia de esto.
Actores quietos y estáticos.
Los actores y actrices tendrán que aprender a hablar ante una cámara.
En el caso de los cómicos fue como el fin de su carrera. Choplin se negó a incorporar sonido
a sus películas.
ej: Singing in the rain (1952)
La prota tiene una pronunciación vulgar. Va de dos actores que van a hacer una película
sonora y la voz de la actriz no es como se espera. En clave cómica se ven reflejados estos
inconvenientes . El micrófono impide libertad de movimiento.
A partir de aquí la gente quiere escuchar diálogos de enamorados.
Pese a esta revolución, con esto el cine vuelve a sus inicios, muy estático.
1927 > Los intertítulos de Hollywood eran traducidos a muchos idiomas. Eso cambia con la
llegada del sonoro.
1929-1933 > los estudios de Hollywood adoptaron una práctica común.
MLV
Multiple language version
Mediante este sistema podías grabar las películas en diferentes idiomas > misma película y
diferentes actores.
Francés, español, alemán > los más comunes.
Las películas que se hacían eran productos comerciales y estas proyecciones requerían de
mucha gente en el plató y era caótico.
El público no acogió con agrado que actores que nadie conocía tomaran el relevo de estos
grandes actores.
Falta de equilibrio entre grandes estrellas y las estrellas menores.
Ejemplo: Drácula y su versión española.

16 octubre

¿Qué pasó en Europa con la introducción del sonido? > supuso lo mismo que en Hollywood.
¿Se presentan inconvenientes en Europa? no tanto
Caso de Alemania > llegada del sonido tuvo mucho impacto en Alemania.
Expresionismo alemán.
Industria fuerte y bien armada en Alemania
1927-1928 > directores alemanes emigran a Hollywood
Se desarrolló el sonido antes de que los nazis tomaran el control
Usaron el sonido de manera creativa
Mantienen la flexibilidad de la cámara y un montaje elaborado.
Fritz Lang > director que surge del expresionismo alemán. En Hollywood se hace mucho cine
negro.
M, el vampiro de Düsseldorf, Fritzlang (1931) primera peli de la historia que retrata a un
asesino en serie.
Violencia > la sugiere pero no la muestra
Experimentó con el sonido, con la banda sonora y contrasta mucho con la teatralidad de
Hollywood de ese entonces.
A parte del narrador encontramos los sonidos fuera de campo (Campo de visión).
Por ejemplo: un perro que ladra, sonido de cuchillo, violación, etc.
Silencio sepulcral que es interrumpido por sonido muy brusco.
¿Cómo comienza la peli?
Comienza con unas niñas cantando una canción macabra y premonitoria.
Sonidos fuera de campo > bocinas de los coches, efectos de sonido: pasos, timbres, puertas,
reloj de cuco, campanas. >>> sonidos que marcan el tiempo.
Interpretación convincente y diálogos desarrollados. Líneas de acción que ocurren al mismo
tiempo.
La culminación de esta escena depende del sonido. Se nos presenta al asesino en sombra.
Escuchamos la conversación del asesino con la niña pero no vemos al asesino.
Encontramos algo muy novedoso. Leitmotiv musical.
Melodía recurrente para un personaje, un lugar. > aquí es el silbido del asesino.
Música asociada a Darth Vader > leitmotiv.
Sonido de tiburón.
Introducción del color > siguiente hito del cine.
En la danza serpentina ya se ve el color (1897)
George Meliès (Francia) pintaba fotogramas a mano.
Tintado (sistema) > consistía en teñir la tira de películas. Se sumergía en un barreño con un
tinte de un solo color y se mostraba en las zonas más claras de la imagen.
El gabinete del doctor Caligari (Robert Wiene, 1920)
Surgen convenciones cromáticas

- azul > escenas nocturnas

- ámbar > escenas durante el día
- verde > escenas fantásticas
- lavanda > escenas románticas.

Varias empresas buscaron un color fotográfico que estuviese dentro de la película y que
cumpliese los estándares de Hollywood.
La empresa que lo logró fue Technicolor. Fue la que fue perfeccionando su método y se hizo
con el monopolio. Tenían que alquilar sus propias cámaras y contratar a sus propios técnicos.
En esta técnica se empleaba el rojo y el verde y de estos dos se creaban todos los demás.
Luego se incorpora el azul.
Método tricromático. Se podía producir una mayor gama de tonos.
La primera peli que hace esto es Becky Sharp, 1935
Estas pelis tienen que mejorar la iluminación, hace falta más luz en el plató.
Esta luz tiene que ser potente y favorecer los tonos cutáneos.
Con iluminación, maquillaje más sutil y otras técnicas, fue mejorando el technicolor.
Lo que el viento se llevó (1939) > destaca uso simbólico del color.
Oz > Destaca por la experimentación con el color.
Lo que el viento se llevó es un espectáculo histórico. La peli demostró que el color podía
aumentar la recaudación en taquilla.
Tuvo 13 nominaciones y se llevó 8. Se llevó un premio honorífico por el uso del color. La
peli comienza con una escena, un plano de situación.
No solo el color adquiere connotaciones simbólicas, sino que el vestuario nos sugiere estados
de ánimo y cambios de personalidad.
La peli da un giro y estalla la guerra civil, los vestuarios, colores, decoración cambia.
La antagonista es fría, tímida, contenida, débil, dócil, de colores fríos.
El mago de Oz > destaca uso simbólico del color.
El mundo de Dorothy > color sepia, más realista y tipo documental pero cuando damos el
salto al color ya hay un uso simbólico claro.
Este uso de la simbología es nuevo y la alternancia entre el blanco y negro y el color es algo
que se da a día de hoy.
Ej: Memento (Christopher Nolan, 2000) Blanco y negro es el pasado.
Otro ejemplo es Raging bull (toro salvaje, Martin Scorsese, 1980) Raging bull es una apuesta
muy expresiva con el contraste entre el pasado y el presente.
Las imágenes en color muestran imágenes familiares.
Blanco y negro > soledad del personaje en el ring.
Son ejemplos del uso simbólico del color. También está el uso subjetivo del color >>>
elemento más de la puesta en escena. Y se usa para expresar el estado de ánimo de un
personaje, un tema, una idea concreta sin que el color deje de formar parte de la puesta en
escena.
Ej: In the mood for love (Wong - wai, 2000)
El rojo representa una relación, una puesta en escena, en la habitación del motel. Representa
la pasión y domina el rojo.
Ej: la vie d'Adèle (Abdellatif Kechiche, 2013)
Predomina el azul, todo lo que rodea la vida de Adele es azul > expresa la subjetividad de
Adele.
Kill Bill > predomina el amarillo.
vídeo en el campus > psicología del color.
Artículo sobre el sonido en la película M.

19 oct
Los grandes formatos.
Formato de encuadre. Gran hotel Budapest, de Wes Anderson, 2014.
El cine comparado con otras artes tiene menos variedad de formato.
¿A qué llamamos en el cine relación de aspecto?
● aspecto ratio, aspect ratio: proporción entre el alto y ancho de una película.
La relación de aspecto ha ido variando en la historia del cine.
En el cine silente era cuadrado
Con la llegada del sonido se amplía el formato para incluir la tira de sonido a la película.
El tamaño va a variar ligeramente, un poco más ancha, con el fin de dar información en el
aspecto ratio, la academia de cine en el 32 acordó una relación de aspecto más apaisada que
es academy ratio.
Años 80 > surge un competidor agresivo en Hollywood, la televisión.
Esto supone un gran reto para Hollywood y la mejor forma de competir con la TV es con un
formato espectacular.
1952 > Hollywood lanza un formato de imagen, de proyección que se llama cinerama (This Is
Cinerama).
3 cámaras (proyectores) que se proyectan en pantalla curva.
Se lanzó una película llamada This Is Cinerama (1952) para presentar este formato. Con esto
se consiguen películas aparentemente más reales. Se ven las líneas de fusión que dividen los
tres paneles.
Es muy costoso > 3 proyectores y una pantalla curva.
Cinerama acabó fracasando
CITA > (D. Borwell, J. Stougen y K. Thompson. El cine clásico de Hollywood, 1997: 514.)
Las películas que solían proyectarse eran documentales de viajes.
Se produjeron dos películas de ficción con este formato.
El maravilloso mundo de los hermanos Grimm (1962)
La conquista del oeste (1962)
20 century fox consiguió las imágenes panorámicas y para ello acudió a un tipo de lente
llamada lente anamórfica. Inventada por Henri Chreiten.
Estas lentes distorsionan la imagen horizontalmente y esto da un enfoque característico
porque la imagen es más ancha que larga.
Cinemascope > cuando se filma una película la imagen se comprime en el programa y cuando
se proyecta se descomprime durante la proyección.
Esto se convirtió en el sistema más popular de filmación y proyección y todo Hollywood
adaptó este sistema porque era simple y económico comparado con el cinerama.
Una de las primeras pelis en rodarse con este sistema (cinemascope) es:
Cómo casarse con un millonario (Jean Negulesco, 1953).
La película comienza con un plano de situación. Una panorámica de la ciudad de Nueva
York.
Cámara más dinámica y versátil que se mueve en distintas direcciones.
Nos queda por ver el aspecto digital
A finales del siglo XX se produce una revolución del digital y poco a poco sustituye a lo
analógico, la película de celuloide.
Esto nos lleva a hablar de la democratización del cine.
Lo que permite el cine digital es que una persona con pocos recursos pueda hacer su propia
película.
Las imágenes reales comienzan a ser reemplazadas por ordenadores.
El soporte digital tiene dos caras. Por un lado uno de los juguetes más costosos de Hollywood
pero también puede ser un instrumento accesible para alguien que no tiene tanto dinero.
Al mismo tiempo que surge Jurassic Park surge una película como El proyecto de la bruja de
Blair. Uno de los grandes hitos del cine independiente.
DOGMA 95 > Un movimiento vanguardista iniciado por dos directores daneses : Thomas
Vinterberg y Larss Von Trier
Este dogma es un movimiento fílmico, muy rupturista, hay una voluntad de romper con lo
establecido, con lo comercial. Crearon un manifiesto, lo que ellas llamaron votos de castidad,
10 reglas para hacer cine. En el campus virtual hay un documento que es un resumen del
movimiento.
1. Los rodajes tienen que llevarse a cabo en locaciones reales. No se puede
decorar ni crear un "set". Si un artículo u objeto es necesario para el desarrollo
de la historia, se debe buscar una localización donde estén los objetos
necesarios.
2. El sonido no puede mezclarse separadamente de las imágenes o viceversa (no
debe usarse música, a menos que se grabe en el mismo lugar donde la escena
se está rodando).
3. Se rodará cámara en mano. Se permite cualquier movimiento o inmovilidad
debido a la mano. (La película no debe estar donde esté la cámara; al contrario,
el rodaje debe ocurrir donde se dé la película).
4. La película tiene que ser a color. No se permite ninguna luz especial ni
artificial (si la luz no alcanza para rodar una determinada escena, la escena
debe eliminarse o, en rigor, se le puede enchufar un foco simple a la cámara).
5. Se prohíben cualquier efecto óptico y los filtros.
6. La película no puede tener una acción o desarrollo superficial (no pueden
mostrarse armas ni pueden ocurrir crímenes en la historia).
7. Se prohíbe la alienación temporal o espacial. (Esto es para corroborar que la
película tiene lugar aquí y ahora.)
8. No se aceptan películas de género.
9. El formato de la película debe ser el Académico de 35mm (1.37:1).
10. El nombre del director no debe aparecer en los títulos de crédito.9​

Estos votos persiguen devolver al cine la naturalidad y desnudez que antes tenía.
Las pelis se graban con cámaras digitales.
Dos primeras pelis del dogma:
La celebración (1998), Thomas Vinterberg
Los idiotas (1998), Lars von Trier.
Bailar en la oscuridad, con Björk
Que el director no aparezca en el título es como la muerte del cine de autor
El hecho de que desaparezca el nombre del director va en contra de la idea de director/autor
La celebración > tema tabú: incesto.
¿Qué es lo primero que nos llama la atención de la escena del discurso en la comida durante
“La celebración”? > se siguen prácticamente los votos de castidad. La intención del dogma es
plasmar la verdad.

UNIDAD 2: LA INDUSTRIA DEL CINE

Distintos procesos en la producción de películas. Evolución de la industria > el productor se

va haciendo más importante.
Todos los aros económicos de producción y distribución de una película.
Los presupuestos, contrataciones.
En este lado industrial del cine está la figura del productor, figura fundamental.
El cine además de ser un arte es una gran industria que puede ser más sólida dependiendo del
país.
Peli producto artístico e industrial > como un coche.
David Bordwell y Kristin Thomas, el arte cinematográfico, 1995:3
Se crea mediante el trabajo de las máquinas y la labor humana
Esto es algo de lo que se encarga el metacine
Gran equipo humano, mano de obra. Hay una maquinaria, tecnología y presupuesto detrás de
todo esto.
Cuando un actor y actriz mira a la cámara se rompe la realidad
Esto se puede crear mediante movimiento de cámara bruscos, cambios de color.
Fases de producción de una película.

23 oct
3 estadios en la elaboración de una película desde que surge la idea.
Preproducción >
- Guión (literario y técnico), documentación, localizaciones, casting
- Guión técnico: tipo de iluminación, plano, encuadre > proceso que el equipo técnico
va a seguir.
- Casting artístico y técnico > equipo de iluminación. Actores y actrices
- Búsqueda de presupuesto y financiación.
- Donde los productores hacen cálculos
- Primeras reuniones entre director y productor y director de fotografía.
Producción o rodaje>
- Cinematografía
- Sonido > sonido que se recoge mientras se va rodando.
- Diseño de producción> persona encargada del estilo de la película y los diferentes
escenarios.
- departamento de arte, diseño de vestuario y maquillaje.
- Preparación actoral > sientan a todo el reparto y hacen lectura de guión.
- Efectos especiales
 - El director de fotografía se reúne aquí con los operadores de cámara, con los
eléctricos.

IMDB> Buscar aquí La niña de tus ojos.

Posproducción

Edición o montaje final de la película, posproducción de sonido, distribución y exhibición

Vemos cómo se va desarrollando la industria cinematográfica.
Con Los obreros saliendo de la fábrica no hay producción. Es un instante en la vida cotidiana
que se proyecta.
Empezamos a ver la edición con La mujer que desaparece. El regador regado 1895
(LUMIERE)> pertenece a un género y nos cuenta una historia.
Con Melies empieza la fase de preproducción. Está interesado en narrar y contar historias.
Proceso de creación de película se convertirá en fase de preproducción
EEUU >>> Edison monta un estudio cinematográfico.
Black Maria > el primer estudio cinematográfico de la historia (1893).
Se llama así porque así se llamaba en algunos estados a los coches que transportaban a los
prisioneros.
El estudio crea una estructura de madera muy simple forrada de negro por dentro y por fuera.
Aquí los operarios de Edison van a rodar estas primeras películas con el kinetoscopio.
En el interior había un mínimo plan de rodaje.
Francia 4 años después > primer estudio cinematográfico de Europa. Estudio Méliès. Méliès
aprovecha la luz natural y acondiciona un invernadero a las afueras de París.
Méliès era un mago, artesano, director de cine, actor, participaba en todas las fases de
producción que hemos visto, diseñador, maquillador, director, carpintero.
Creó su propia productora > star film. También era productor.
Las pelis de Méliès, de Edison, ya son películas de ficción, que cuentan una historia, aunque
sea mínima y requiere planificación, preproducción.
Para entender la evolución del cine desde el punto de vista de la industria tenemos que ver los
cambios en los sistemas de producción.
La producción de una peli se va a organizar en distintos sistemas.
- Sistema de director (1907-1909) > todo el rodaje en manos del director. Aporta idea,
reescribe guión. El director también monta la película.
- Sistema de equipo de director (1909-1914) > el director ya no va a estar más sólo y se
organizan en departamentos.
- Sistema de productor central (1914-1931)
Figura del director relegada a segundo plano.
Las pelis se hacen más complejas y adquieren mayor duración y el director no puede estar
solo así que surge el sistema de equipo: se crean las jerarquías.
Se crea este sistema para optimizar la producción.
Para responder a la mayor demanda de películas.
Separación y subdivisión del trabajo en especialidades.
- Preparación
 - Equipo técnico
- Guión elaborado
- Interés por dirigir a los actores
- Diseño de escenario
El guión de continuidad (herramienta útil y vital hoy día) > guion de rodaje muy detallado,
especie de guión técnico.
Garantiza la continuidad del rodaje.
Con el guión de continuidad se abaratan los costes de producción.
Los decorados empiezan a ser más realistas.
David Wark Griffith > se le considera creador de lenguaje fílmico. Uno de los grandes hitos
de su carrera es: El nacimiento de una nación (1915)
Lo que consigue en esta película es histórico.
Él era un racista
Desde el punto de vista técnico es una obra maestra, es un film largo. Ser exigente desde el
punto de vista de la producción.
Realizar películas de grandes presupuestos.
Supone un antes y un después en la industria
Intolerancia (Griffith, 1916) >>> dura 2h 50 min.
Narra de forma paralela cuatro historias que tienen en común la intolerancia.
Constitución artificial de un mundo > BABILONIA
Tal era la magnitud de la producción que dirigía desde un globo.
La producción costó dos millones de dólares.
Griffith tenía su propia productora. No se acogió al siguiente sistema > sistema de productor
central. Él era director y productor.
Sistema de productor central.
Concentra la producción en el sistema de productor central. Él era director y productor.
productor central > señor que no sabe de cine pero sí de dinero.
Se crea un sistema muy bien organizado de producción en cadena, como coches en una
fábrica,
Hombre que desde su oficina toma decisiones importantes.
El director pierde su posición dominante y solo tiene la responsabilidad de rodar una película.
Aquí surgen los primeros directores de actores.
A partir de 1931 en la industria cinematográfica va a haber un equipo > sistema de equipo de
productor> ya no hay un único productor central sino que había varios productores.
Hay una mayor especialización.

26 OCT

Sistema de productor central

La era de los grandes estudios de Hollywood (1920-1960)

Surge en los 20 por la llegada del sonoro
Hollywood se rige como la meca del cine
1960 concluye por la llegada de la TV a la mayoría de los hogares norteamericanos, que se
pueden permitir una.
La llegada de la tv va a propulsar este declive en la era dorada de Hollywood.
Época dominada por una serie de compañías y estudios. Estudios que van a controlar cada
uno de los aspectos de las películas que se producen. Estas compañías establecen a
Hollywood como eje central de referencia. Todas estas compañías se acogieron al sistema
llamado integración vertical:
- Producción.
- Distribución.
- Exhibición.
Los estudios grandes practicaban esta integración. Con esto se consigue una connotación
financiera que reporta enormes beneficios. Los grandes estudios tienen control pleno sobre
producción distribución y exhibición en sala y los grandes estudios cuentan con sus propias
salas de exhibición. Cuando hablamos de grandes monopolios hablamos de una escala
internacional.
Los ejecutivos determinaban el número y naturaleza de las películas que iban a ser exhibidas
en las cadenas de salas.
Películas que se realizan con arreglos o fórmulas determinadas > los géneros.
Por ejemplo hacer musicales como género de evasión, hacer películas de propaganda, pelis
del oeste demandadas por el pueblo.
Se tenía en cuenta también el sistema de estrellas.
Una vez que los ejecutivos determinan el número y tipo de películas…
el script departament desarrolla los proyectores individuales a partir de fuentes ya existentes
o creando guiones originales…
Se diseña el escenario, el tratamiento (estética, estilo, equipo de arte, de fotografía), los
diálogos
storyboard (diseño de plano pero en viñeta)
ej: Los pájaros, de alfred hitchcock
Los dibujos son fieles a las pantallas
Planificación gráfica de la parte técnica y se consiguió que todo estuviese muy organizado.
Nuevos cambios en el guión que cambia por numerosos procesos de reescritura.
Guión de continuidad > 3 funciones
Dar cuenta de recursos que se encuentran disponibles y ajusten al presupuesto previo. Que la
duración del rodaje, actores, etc se ajusten al presupuesto ajustado en fase de preproducción.
Durante el rodaje funciona como plantilla para la programación de las actividades diarias.
Permite a los productores la supervisión del desarrollo del rodaje.
En esa época era un tío que aparecía de repente en el plató para comprobar que se está
cumpliendo el guión de continuidad.
Ejemplo guión de continuidad. >>> call sheet > hoja de llamado

Hoja de llamado de cortometraje llamado “las vacaciones”> se incluye un avance del día
siguiente.
HOLLYWOOD LA INDUSTRIA DEL CINE
La meca del cine
Un espacio que no deja de ser un barrio de Los ángeles, muy ligado a la industria del cine.
La pequeña industria > se inició en Nueva Jersey.
1910 > la industria pasa a Los ángeles, pasa a la costa oeste.
Los estudios más importantes se centran en esa zona por…
- Huir del monopolio de Edison
- El clima (costa este y oeste muy diferentes)
- Mayor variedad de localizaciones > mayor diversidad de paisajes
1910 pasa a la costa oeste porque Griffith rueda su primera película en Hollywood llamada In
old California".
El hombre que inventó hollywood, harto de la costa este.
A partir de ahí todos los estudios lo copiaron. Instauró una corriente que fue imitada, fue
pionero.
Exploró la diversidad de paisajes, hizo películas de más de 1h 30.
El letrero de Hollywood se construyó en 1923, ya existía el pueblo llamado así.
Lo incorporó para publicitar una urbanización que se estaba construyendo. Hollywoodland.
Parte de campaña publicitaria para urbanización. 1949 > eliminó LAND.
Se restauró y quitó el land y se convirtió en todo un símbolo.
2 años después de In old california, Hollywood contaba con 15 estudios > 1912.
1922 > Hollywood ya tenía el 84 por ciento de la producción del país > concentrada en los
ángeles.
Estos pequeños estudios se van a convertir en grandes estudios cinematográficos y
Hollywood experimenta un gran crecimiento.
La producción cinematográfica en Europa se había parado por la II GM.
Cerca de 40 mill de ciudadanos norteamericanos iban al cine cada semana.
Grandes estudios que empezaron siendo compañías independientes.

SISTEMA DE ESTUDIO. STUDIO SYSTEM:

Basado en tres conceptos > estudios, géneros, sistema de estrellas (star system) > destinado a
hacer dinero.
Sistema cerrado muy bien organizado.
En la década de 1930 existían en Hollywood 8 estudios que dominaban la industria que
proporcionan el 80 % de la producción de películas.
8 empresas se dividían en dos categorías
Las 5 grandes > majors > abarcaban esta estructura vertical.
Las 3 pequeñas > minors > no tenían presupuesto para salas de exhibición.
20% restante > producciones y productores independientes.
Las 3 pequeñas tenían acceso a las salas de las cinco grandes.
No había competitividad
Una de las 5 grandes > metro goldwyn mayer
Las cinco majors>>>
1. 20 century
2. warner
3. paramount
 4. RKO
5. Metro goldwyn mayer
Las 3 minors >>>
1. UNITED ARTISTS
2. UNIVERSAL
3. COLUMBIA

Metro goldwyn mayer>>> fundado en 1924 > León con cabeza rodeada por película de
celuloide > se incorporó sonido de León con la llegada del sonido.
Hubieron más leones
A la metro se le conoce como el estudio de lo superlativo puesto que es el que tenía mayor
presupuesto
Era el estudio con mayores ingresos y con mayor número de estrellas.
Ej: Ben-hur (1959), William Wyler
Película épica y dramática
Producción más cara rodada hasta entonces. 15 $$$
Estudios cinecittá > se rodó en Italia
Trabajo de 9 meses.
Obtuvo 12 nominaciones y consiguió 11.
Cada estudio tenía su propio sello visual. Metro > sets enormes y muy iluminados, vestuario
elegante y refinado
Estudio que facturaba el glamour.
Adam's Rib (George Cukor 1949)
An American in Paris, Vincente Minnelli, 1952
Cat On A Hot Tin Roof, Richard Brooks.
Los sets muy iluminados es algo que los caracteriza “More Stars than there are in heaven”
La metro > tenía un edificio.
Actualmente es Sony Pictures quien tiene el edificio.
“El cine es el fraude más hermoso del mundo”
En un set tenían una estación de tren falso que se ve en Con faldas y a lo loco (1959)
Vamos a encontrar pelis donde el proceso de rodaje y planificación se puede alargar años.
Boyhood (Richard Linklater, 2014) > abarcan 12 años reales en la vida de un chico.
Se ve en tiempo real toda la transformación del personaje.
Metacine
Película> La noche americana, Francois Truffaut, 1973.
Es una peli que se considera una oda o canto al cine y trata sobre el rodaje de una película.
Da cuenta del placer y pesadilla del rodaje, inconvenientes del rodaje.
Ganó un oscar.
Uno de los mayores representantes de la nueva ola francesa.
Él creó la teoría del autor, fue pionero. Es uno de los directores más destacados de la segunda
mitad del siglo 20 a nivel mundial. Su obra fue producida por él mismo.
El propio director defendió su peli dentro de la peli y aludió a la nostalgia.
Les presento a Pamela (peli que se rueda dentro de la peli) es un melodrama, historia similar
a las que se contaban antes en el viejo Hollywood. Muestra que no tienes que tener miedo a
contar una historia sencilla. Tampoco miedo a ser un melodramático.
Se ve desde el primer día de rodaje hasta el último día de rodaje. Se ve esa hermandad,
intimidad y cercanía del equipo de rodaje. El director de la peli es alter ego de Truffaut >
dirige dentro y fuera de la película. Él mismo hace de director.
Hay gente de todas partes, se crean situaciones cómicas.
La noche americana va sobre un rodaje y nos cuenta cómo se filma una película
artículo > de Fernando Carret> sobre el metacine > me sirve para el trabajo.
Permite al cineasta reflexionar sobre su medio de expresión.
2 categorías :
- Reflexividad cinematográfica centrada en procesos y mecanismos de creación de una
película, mecanismos y procesos de recepción de una película, forma en la que los
espectadores reaccionan.
ej: La rosa púrpura del Cairo.
La mirada se dirige al proceso de construcción de la película.
2 subcategorías > metahollywood y pelis que narran dificultades que deben ser superadas.
Metahollywood se centra en desvelar los entresijos del funcionamiento de la industria de
Hollywood. ej: Cautivos del mal (1952). Luego, están las películas que narran dificultades
que deben ser superadas para que una producción cinematográfica llegue a buen puerto. ej:
La noche americana.
- Reflexividad fílmica > se centra en la apropiación de la herencia cinematográfica.
Pelis que hacen alusión a la historia del cine, al movimiento fílmico. Que haga alusión
a un hecho cinematográfico anterior. Que haya referencia a un personaje, a un gesto.
distingue dos subcategorías.
- “reescenificación” > término acuñado por Weinrichter > películas que recrean escenas
de películas anteriores. Los simpsons recrean escenas de películas.
- “apropiación” > películas que aluden a material cinematográfico precedente como
parte del mundo diegético. ej: cuando un personaje va al cine, o cuando dos
personajes hablan de una película.
Diégesis > mundo de la película> personajes, música, diálogo, espacio.
Extradiegético > no forma parte del mundo de la peli > ej: música añadida en posproducción.
2 noviembre 2023
Godard decía que el cine es el fraude más hermoso del mundo y se ve en La noche americana
que todo se falsea. La noche se falsea, la nieve se falsea.
Meritorio > persona que en el mundo del cine está de aprendizaje.

Cita > Francois Truffaut, la noche americana (guion)/ 451 (diario de rodaje), Fernando
Torres. Editor, 1979.

Empezaremos por el escenario

Estudios en Niza, la victorine.
En este estudio se encuentra todo el equipo y donde pasa la mayor parte del tiempo. Hay un
hotel, un plató, las localizaciones exteriores, todo está concentrado aquí salvo algunas
escenas exteriores como por ejemplo la escena del accidente de coche.
El estudio incluye la sala de proyección > es el primer testeo del rodaje y donde asistimos a
dos visionados > la vista primaria y la visión proyectada. Se multiplican las pantallas dentro
de la película, algo muy típico del metacine.
Vemos como la pantalla se adapta cuando se hacen entrevistas en el formato estilo televisivo.
La peli comienza con una escena elaborada que muestra una calle que está dentro de una de
las localizaciones exteriores del estudio.
Se nos muestra lo que no se ve cuando estamos viendo una película.
La escena nos muestra > el cine mirándose a sí mismo.
También nos muestra la artificialidad del cine. Cómo las pelis se hacen, gracias a un equipo
humano, técnico y artístico. A nivel técnico, mucha dificultad > doble rodaje > La noche
americana y Les presento a Pamela.
Tanto el rodaje diegético como el rodaje exterior.
Esto implica una labor de dirección muy elaborada y tienen las ideas muy claras y lo que se
quiere a cada momento.
Rodaje diegético, rodaje real.
Hay autorreferencialidad > Mucha similitud entre Truffaut Y Ferrand. Su forma de participar
en diferentes ámbitos de la película depende del presupuesto > ej: usar un jarrón del lugar
como decorado. otro ej: que el productor tiene que buscar mantequilla.
ej: la de vestuario es la de maquillaje y también es actriz.
Película coral > trama compuesta de varios personajes que tienen peso en la trama. Truffaut
ahonda en el espíritu de personas que participan en el rodaje > concepción de hermandad en
un rodaje. > ahonda desde la maquilladora hasta los actores.
Actriz principal de Les presento a Pamela que se llama Julie Baker en la película > pertenece
a una categoría de actriz, estrella de Hollywood con respecto al resto del reparto, de una
generación anterior a la otra actriz, se nos dice que su madre era una famosa actriz de
Hollywood, ella es la verdadera estrella de la peli. La ficción nos hace conscientes de esto ya
que la primera vez que la vemos es a través de una fotografía.
También la vemos en rueda de prensa. Recibe el tratamiento de una estrella y se le pregunta
por su vida privada.
A niveles de producción es importante la información de Julie. Se está recuperando de una
crisis nerviosa y se ha casado con su médico. Esto preocupa al productor por si le da un
ataque nervioso durante el rodaje, su presencia en el rodaje supone cierto riesgo. Tiene
antojos dignos de una diva, como por ejemplo la mantequilla fresca.
Alphonse > tiene mucho peso en la trama y en la subtrama amorosa que se desarrolla en el
rodaje. Él está acostumbrado a rodajes modernos. El único problema de Alphonse es que no
sabe separar su vida personal de su profesión.
Actor > Jean Pierre Leaud > protagonizó el primer largometraje de Truffaut, La sage de
Antoine Doinel. Con el rodaje de la peli se ve complicidad entre actor y director. Hay
veracidad fuera de la pantalla.
Severine > Actriz madura, generación posterior. Vivió en Hollywood y ha rodado con
directores italianos. Hay autorreferencialidades > la actriz ha rodado con actores italianos en
la vida real.
Referencia a Federico Fellini. Ella se llama Valentine Cortaza y ha rodado con Fellini. Tiene
el problema de “ ya nadie me llama porque soy mayor”. El alcohol interfiere. Es una diva de
antaño. Fue amante de Alexandre.
Severine alude a discriminación de Hollywood con las actrices maduras.
Alexandre > de la misma generación que Severine y añade la nota trágica a la película. Lo
que le ocurre a Alexandre es un desastre para el seguro.
Solución > en la trama matan a Alexandre.
Tanto el guión como la dinámica del aeropuerto prefiguran el accidente.
Lilianne > novia de Alphonse > se le consiguió trabajo y su papel en la peli es script >
continuista. La función de una script es imprescindible, supervisan la continuidad de la peli
tanto en argumento como en aspectos visuales. La continuista debe impedir los fallos de
racord.
Ella es la donna e mobile y desestabiliza el rodaje, sobre todo a Alphonse.
Se besa con Pierre > responsable de foto fija. >>> fotografía momentos del rodaje y trabaja
mano a mano con la continuista.
Joelle > ella es la ayudante de dirección y cumple otras funciones. Ella consigue que el rodaje
de la película salga a buen puerto.
Gracias a ella es lo del gato. Convence a la embarazada de salir en bañador. Se le ocurre la
solución de la muerte de Alexandre.
El productor > esa figura que ejerce la presión continua.
En el rodaje, sombra del director. Desde que aparece nos indica que el rodaje no debe
sobrepasar las siete semanas.
Pendiente de que se cumplan los plazos, supervisando el plan de rodaje, portador de malas
noticias, habla con los productores americanos >>> las acciones que hace el productor.
Personajes secundarios con funciones importantes > maquilladora, utilería, actriz secundaria,
esposa de asistente de producción (tejedora celosa)
La tejedora celosa pensaba que la gente del cine eran vagos y maleantes. Quizás Truffaut la
añadió para hacer ver al público esa visión retrógrada que las personas tenían del cine.

6 noviembre
Figura más importante dentro de ambas películas > figura del director. Ferrand /Truffaut
humaniza la figura del director. Ferrand es el director perfecto , ideal, no endiosado.
Se muestran una serie de inseguridades que se muestran en sus sueños. Se manifiestan
inseguridades verbalmente también. Ferrand escucha a todos, resuelve dudas e incluso llega a
hacer de psicólogo, escucha a la prensa, a los especialistas, al productor.
Voz en off de Ferrand > visión del cine como director. Un director es alguien al que no se le
paran de hacer preguntas. Saca la figura del director de su endiosamiento. “El cine es más
bello que la vida. no hay atascos ni tiempos muertos. Avanza como un tren atravesando la
noche. Hemos nacido para ser felices con nuestro trabajo, haciendo cine.” > lo dice Ferrand
en la película. Refleja el amor del cine de Truffaut > el cine le salvó la vida.
Analogías entre Ferrand y Truffaut
Reflexiones en voz en off relacionadas con el oficio del cineasta. Pensamientos e ideología
del director se manifiestan en voz en off y en los sueños > frustraciones, inseguridades,
miedos.
Narración objetiva > se nos presenta de forma clara. Es lo que el personaje ve o escucha.
Narración subjetiva > se observa cuando personaje habla o lleva a cabo alguna acción.
Ferrand > narración subjetiva > no les transmite sus miedos al equipo. Hay cambio de color
en fotografía en el lenguaje de los sueños > uso subjetivo y simbólico del color > en blanco y
negro.
Niño > propio Ferrand. Emula la figura de Chaplin. Roba ficha de la película "Ciudadano
Kane". Se decantó por eso para atraer un público más amplio.
Aquí estaríamos ante ejemplo de apropiación > material precedente (herencia
cinematográfica) como parte de la diégesis. Otra forma en la que se nos plasma la cinefilia >
momento de los libros > hay una intención clara > su amor por el cine y los directores que
admira> directores de cine que tienen sello personal.
ej: Buñuel, Lubitsch, Godard. Forma de rodar de Ferrand similar a Truffaut. Improvisa
escenas o cambia diálogos de escenas al día siguiente. Le da a Julie un diálogo de una
conversación íntima. Ferrand incorpora las mismas palabras al diálogo. Truffaut prefiere
escribir los diálogos en función del momento emocional que estaba atravesando la actriz en el
momento del rodaje. Truffaut defiende el cine más artesanal, más orgánico.
El esquema que aparece en la película cuando trabajan en la habitación del hotel es el
esquema real que Truffaut está usando. Alphonse nos muestra su interés por ir al cine. Se
muestra esa pasión por el medio. Se nombra peli El padrino> apropiación.
Calle Jean Vigo > sale en la peli. Jean Vigo era un cineasta mítico del cine francés.
Caso de autorreferencia > En un momento de la peli Ferrand dice: un día haré una peli y la
llamaré las ensaladas del amor.
peli: El amor en fuga > el prota escribe un libro que se llama las ensaladas del amor.
El niño con el bastón es autorreferencia también > Truffaut más de pequeño.
Los créditos iniciales > se ve la tira del sonido > se ven los distintos instrumentos afinándose,
se escucha al que compone la banda sonora de la película.
La tira de sonido se mueve y vibra. > reemplaza a la imagen.
Dedicatoria a las hermanas Gish > detestaba las pelis en las que no aparecían personajes
femeninos. Griffith > primer director en darse cuenta de que el cine es un arte para retratar a
la mujer > truffaut pensaba eso. Improvisos durante el rodaje> actores que se niegan a actuar.
> peli con estructura narrativa clásica.
el rodaje concluye con final feliz si se resuelven los obstáculos > si no hubiesen no sería
entretenido.
- actores que se niegan a actuar
- actriz embarazada
- gato que no quiere beber leche
- fallecimiento de la madre de uno de los técnicos.
- Cuando se revienta la llanta de un coche
- El rodaje tiene que acabarse en el tiempo previsto
- Parón eléctrico > hay que volver a grabar escena.
 - Muerte de Alexandre> desastre para el seguro, y a efectos metafóricos es importante
en la trama. La muerte de Alexandre conlleva:
1. eliminar escena
2. simplificar trama
3. rodar todo lo que falta en 5 días
como se falsea la realidad mediante algunos trucos, como se falsean diversos elementos >
cómo se rueda y el resultado > se nos muestra esto. La noche americana > el título ya nos
muestra esto. Procedimiento > filtro para simular la noche en un rodaje que es de día.
Vemos una bombilla que simula una vela. Vemos un travelling mientras recoge la figura de
Alphonse caminando.
La lluvia falsa > tubo de metal con orificios. El rodaje de la conducción del coche.La escena
del balcón falso. Hay una ruptura de la cuarta pared (la rompe Bernard) >” esperemos que el
público disfrute tanto al verla como nosotros al hacerla.

TEMA 3 > GÉNEROS CINEMATOGRÁFICOS

Tanto los géneros como los sistemas de estrellas.

5 grandes
3 pequeñas
los géneros > categorizan las películas
sistemas de estrellas
El género cinematográfico es una herramienta, fue una herramienta clave para la organización
de la producción.
Los actores determinan los géneros.
El procedimiento de trabajo de esos 8 estudios facilitó que los actores se especializaran en un
género en concreto.
Se reutilizaban decorados y vestuarios dentro de un género > por ejemplo el western con la
metro goldwyn mayer. Los estudios se especializan en géneros concretos.
Metro goldwyn mayer> se le reconocía por los musicales como Cantando bajo la lluvia.
Universal > películas de terror.
La Warner se especializa en películas de gángsters.
Todo esto era en la era dorada de Hollywood
Definición
Grupo de películas que presentan tramas, tipos de personajes, escenarios, técnicas y temas
reconociblemente similares.
Terror > Hay un monstruo, es malo, hay que eliminarlo. Persona que se carga al ser maligno.
Víctima femenina. Sonidos como por ejemplo puerta chirriando, sonido de lobo, planos de
reacción. Temas que tienen que ver con amenaza política o social > amenaza nazi por
ejemplo > películas de miedo.
Cada género tiene unas convenciones > las reconocemos y las asociamos a un género
determinado. Un género es una categoría fílmica ampliamente reconocida por la audiencia.
Comedia romántica > pasa lo que pasa, va a acabar bien. Las amenazas quedarán superadas,
nos hará reír.
Western > personajes arquetipo, escena de duelo, Sheriff, un forajido, tiroteo, salón, chica de
mala vida.
Musical > escena de amor que culmina en un dueto. Los problemas se superan cantando.
Nosotros respondemos de manera tan positiva que nos produce una satisfacción.
Un mundo fílmico familiar. Conocemos los personajes, la acción, la experiencia personal que
nos va a proporcionar.
La variación es imprescindible > misma fórmula pero se varían los detalles.
La naturaleza repetitiva de los géneros hace que las películas sean predecibles.
Origen de los géneros > muchos vienen de la literatura. En cuanto a los géneros
cinematográficos muchos de ellos vienen del cine mudo.
La mayor parte de los géneros vienen del cine mudo > el musical. Reflejan preocupaciones y
valores nacionales pensando en Hollywood.
Western >>> género genuinamente norteamericano y perpetúa el mito de la frontera. Perpetúa
el mito de la conquista del espacio en la historia americana. Dentro de cada género mayor van
a surgir subgéneros. > consecuencias de especialización temática que convierte algún motivo
argumental en centro de la narración.
La industria se va especializando. Hay géneros que son más proclives a la ramificación.
Terror de zombies, vampiros, nuclear, apocalíptico, psicológico.
comedia romántica, tragicomedia.
comedia > finalidad es que te haga reír.
El humor ha cambiado a lo largo de la historia
ej: comedia gamberra/guarra. American Pie.
Géneros híbridos
Hibridaciones entre géneros en apariencia antónimos.
ej: The rocky horror picture show > acción, terror y musical.
Eyes wide shut > drama, elementos de intriga, elementos de cine erótico, cine de terror, cine
de sectas.
Intergéneros > integrados por películas que pese a estar circunscritas a un género canónico
determinado, poseen entidad propia como para ser destacados por su temática o estructura.
Peli > producto artístico e

9 noviembre
Intergéneros > poseen identidad propia pese a estar circunscrita a un género canónico
determinado. Poseen entidad propia como para ser destacados por su temática o estructura.
Ejemplo: metacine.
Ej: intergénero temática lgtbiq
aclaración> el concepto intergénero no tiene que ver con subgénero.
intergénero que destacan por su estructura > road movie, dramas judiciales, viajes en el
tiempo.

en la era dorada de Hollywood tenemos:

- sistema de estudios > 5 grandes y 3 pequeñas
- sistema de estrellas
A las estrellas en Hollywood se les daba caprichos, se les pagaba muy bien, pero se les
demandaba mucho y por ello eran casi esclavos del estudio.
La calidad interpretativa era secundaria en el sistema de estrellas.
Figura pública, eran personas que sobrepasaban los papeles que interpretaban y a cuyas vidas
privadas tenemos acceso. Cuentan con la identificación del público.
Star system > sistema creado para crear, promocionar y explotar a los actores y actrices
dentro y fuera de la pantalla con el fin de asegurar el éxito de las películas.
Glamour, éxito, reconocimiento interpretativo, alto estatus económico.
¿Cómo se hace una estrella?
Grandes estrellas descubiertas por el azar. Por la calle por ejemplo.
Cuando eran descubiertos, los formaban> por ejemplo en clases de dicción, baile, etc., de
interpretación, canto, etc. Se les daba también nuevos nombres. Esta exigencia de cambiar los
nombres se perdió.
Apariencia física > Hubo cambios radicales impresionantes como por ejemplo la cirugía.
ejemplo: Rita Hayworth >>> se le cambió el nombre y la apariencia.
Se les inventaba un pasado trágico sosteniendo la idea americana de: puedes reconstruirte
como tú quieras.
El sistema de estrellas da más importancia a la apariencia física que a las dotes
interpretativas. Estas estrellas eran la mayor fuente de ingresos de los estudios > Dioses y
Diosas de la pantalla.
Cuando la juventud se marchitaba, los estudios ya no querían saber nada de ellos. Las
estrellas eran mimadas por los estudios pero no tenían el control de su carrera.

Control impositivo que ejercen los estudios sobre las estrellas:

- Publicidad
- Aspecto físico > exigía el rol de estrella dentro y fuera de la pantalla.
A las mujeres se les exigía glamour y a los hombres caballerosidad
- Repertorio interpretativo > muy limitado
encasillamiento > proceso mediante el cual una estrella interpreta repetidamente el mismo
rol o papel.
- Vida personal > estudios tenían control de esto, publicitaban romances falsos.
Estrellas atrapadas en contratos diferentes: de 7 años. Entre los estudios se alquilaban los
actores.
Aceptaban que el estudio usara tu nombre para fines publicitarios.

ORIGEN SISTEMA DE ESTRELLAS.

Florence Lawrence “La chica biograph”
Minimizar importancia de intérpretes, minimizar salarios.
Al no poner los nombres en créditos, el público empezó a llamar a los actores por los
nombres que interpretaban.
Por ej: Florence Lawrence era llamada “la chica biograph”.
En 1910 el estudio la biograph decidió anunciar su nombre real.
se puede considerar la primera estrella de la historia del cine sin que existiese el sistema de
estudios.
El resto de los estudios continuaba con esa dinámica.
el 1919 > el sistema de estudios ya está establecido y esto quiere decir que el intérprete
individual va a ser el componente principal de una película.
Mary Pickford > primera novia de América y fue una figura muy popular. Se le considera la
estrella del sistema de estudios y esto quiere decir que este no era su nombre > ella se
llamaba Gladis Smith, ella escogió su nombre.
Fue de estudio en estudio y acabó montando su propia productora junto con Griffith y
Chaplin. Mary Pickford > mujer hecha a sí misma.
Hacía el papel de la mujer ingenua. Le siguieron otras estrellas.

ANONIMATO (nombres de personajes o nombres dados por el público) > NOMBRE REAL
> NOMBRE INVENTADO POR LOS ESTUDIOS

Theda Bara > Anagrama de arab death. Ella hacía papeles de la mujer “vamp”. Mujer “come
hombres” > precursora de la mujer fatal. Su vida inventada era que su madre era concubina
en Egipto.
Greta Garbo por otro lado era una mujer experimentada, misteriosa y de origen europeo.
Llegó a tener control sobre los papeles que quería interpretar. Ella era sueca.
Douglas Fairbanks > el héroe aventurero. Hacía películas mudas de capa y espada. Dartañán,
Robin Hood.
Rodolfo Valentino > primer sex symbol masculino, latin lover.
Charles Chaplin > vagabundo, de buen corazón, le cuesta adaptarse a la sociedad moderna,
un romántico.

Surgen personajes que tienen más que ver con nosotros mismos a raíz de la entrada del
sonoro y seguido del crack.
Gary Cooper encarna al hombre bueno, campechano y sencillo.
Humphrey Bogart > Antihéroe > suelen ser personajes masculinos que presentan mezcla de
bondad y canalla, son sensibles y rudos.
Burt Lancaster > héroe
John Wayne > héroe > asociado a películas del oeste.
A medida que avanzamos nos encontramos en el héroe rebelde > Marlon Brando, James
Dean.
ejemplo: Rebelde sin causa, Nicholas Bay, 1955.
Claudette Colbert > inocente virgen pero más vivaracha y atrevida.
Marilyn Monroe > papel de “rubia tonta” sexy y vulnerable.

TRABAJO MAPI:
Letra 12, interlineado 1.5.
times new roman
párrafos justificados
títulos de peli en cursiva. En caso de examen subrayamos el título.
Títulos de pelis en español solo mayúsculas la primera palabra, en inglés es cada una de las
palabras.
título película (título traducido), nombre director, año.
el argumento de la peli se pone en presente.
no debemos referirnos al director con su nombre de pila
si pongo más de 5 fotos lo pongo en el anexo, también puedo incluir ficha técnica.
si en el cuerpo del texto hago alusión a las fotos, poner: fig1. fig2, fig3.
el anexo no se incluye en la paginación.

13. nov 2023

plano.
3 planos fundamentales
documento en el campus> terminología fílmica
Un plano cinematográfico es un conjunto de imágenes y está definido por el comienzo y el
final de una grabación. La duración de un plano es indeterminada. Por ejemplo en las pelis de
acción hay planos de 2 segundos, luego otro de 3, otro de 3,etc. hay planos que puedan durar
una peli completa sin que haya ninguna interrupción. cuando un plano pasa de un minuto ya
se considera largo, plano secuencia.
También podemos definirlo como la unidad mínima de construcción del lenguaje audiovisual.
Diferencia entre plano y toma > Toma es todas las versiones que se hacen de un plano. El
equivalente a bocetos. El plano final es el que usamos en la edición. la unión de varios planos
forma una escena. la unión de varias escenas forma una secuencia. (hay escenas que puedan
ser un solo plano). plano en función de distancia entre cámara y objeto o persona que está
siendo grabada> primer plano, plano medio, plano general. dependiendo del ángulo que se
use, hay planos que cumplen funciones en si misma > situación, subjetiva y contraplano
plano de situación > nos sitúa en la escena, la establece. Es un plano que suele aparecer al
principio de una escena. Es un plano que contextualiza la escena, nos da mucha información
acerca de la ciudad donde transcurre la película, del espacio, del tiempo (verano, invierno, si
llueve), de los personajes, contexto histórico, establece la escena y sitúa a los personajes en
un entorno, nos ubica. Por eso suele aparecer al principio de una escena, sobre todo cuando
hay un cambio de localización.
ejemplo > comienzo de psicosis. la información que se nos proporciona > la ciudad (mediante
intertítulos), la hora ,el día de la semana, se introduce a los personajes, una escena íntima así
que asumimos que tienen una relación. comienza con plano exterior y una panorámica hasta
que se detiene en un bloque de edificios. no se establece el año (podemos pensar que es para
no condicionarnos, no acotar la peli a un año concreto, Hitchcock nos quiere decir que esto
puede ocurrir en cualquier año). tenemos el sonido (diegético) una música diegética creada
para que percibamos la escena de una manera concreta, genera suspense. música en sintonía
con esta pareja, que es una pareja que no está casada y él está cometiendo adulterio.
plano subjetivo,> uno de los más recurrentes en el cine, se llama así porque nos muestra
subjetividad del personaje el público comparte la perspectiva visual, el punto de vista de
personaje, vemos lo que el personaje ve. compartimos lo que él vive. en el documento del
campus está la definición del plano subjetivo. se compaginan planos objetivos con subjetivos.
Esto puede hacer que nos identifiquemos con un psicópata, llama directamente a la
identificación y empatía con personaje. También en tiburón de Steven Spielberg > plano
subjetivo del vigilante que no aparta la vista del agua, también vemos el punto de vista del
tiburón. En el cine de cualquier género es un plano muy recurrente.
Contraplano > es un plano en el que se va alternando> vemos el plano de un personaje y
luego de otro. Ejemplo de la peli Perdición. Conversación entre dos personajes, se ve el
frente y reverso de los personajes en una conversación. Este plano se creó en el inicio del cine
para que el público no se perdiese viendo la película.
Ejemplo Memories of murder (2003) > es un thriller sobre la búsqueda de un asesino en serie
de mujeres. > comienzo de la película plano situación y plano subjetivo. el plano subjetivo lo
vemos en el cambio del tono, cuando se descubre el cadáver. vemos el cadáver a través de sus
ojos. Con respecto al plano de situación, vemos que es un ambiente rural, inicia con un niño,
encerrado, no lo ubicamos, y la cámara va abriendo el plano y se nos presenta el espacio poco
a poco. Se nos presenta al personaje principal, al detective. Se nos da información sobre el
tiempo narrativo (fecha, año).