21 - Febrero - 2013

TEMA 1. LA HISTORIA DEL CINE

En la época que nos ha tocado vivir nos encontramos en la postmodernidad, libro:

1. 1. Introducción a la asignatura

¿Es posible que ya haya un final de la historia? Que hayamos llegado a un tope y
existan cosas nuevas.
¿Es posible una historia o no es posible?
Vamos a plantear una historia del cine basada en que estamos en una sociedad en
al que se han caído los metarrelatos, que han configurado todo Occidente por
siglos (Ej: Biblia, marxismo).

Hipótesis: Si es posible una historia del cine o no es posible una historia del cine.

Nuestra hipótesis es que estamos en una sociedad en la que han caído los metarelatos,
que han configurado occidente durante siglos. En nuestro caso serían los relatos
configuradores.

NO SE DEBE HACER HISTORIA DEL CINE SIN AMAR EL CINE.

La Historia del Cine es como un baúl del que son muchas las sorpresas que surgen cada
día, sólo queda conocerlas e interpretarlas.

CINE COMO HERRAMIENTA Y PROYECTO DE LA MODERNIDAD.

El cine surge a finales del siglo XIX. Justo en esta época se procese el proceso absoluto
de industrialización, se empieza a crear la sociedad de masas y sobre todo los avances
tecnológicos configurarán una nueva sociedad. Se producen nuevas migraciones a las
ciudades, también del continente europeo al americano. Se configura la modernidad a
principio del XIX, que se creó en el siglo XVIII con la Ilustración y la Revolución Francesa,
que fueron un paradigma de la modernidad, llegando a su apogeo a finales del XIX y
principios del siglo XX, con la IGM.
Una de las herramientas de esa modernidad es el cine.

Otras fuentes que son claros y seguros antecedentes de la modernidad:

• La pintura desde el Renacimiento.
• La fotografía como antesala del cine.
• Idea de poder captar y reproducir la realidad fundamental. Una de las principales
vías de investigación filosófica que se inició con Platón y Aristóteles.
• Gente adinerada fueron los primeros en conseguir fotografiarse y obtener su
recuerdo.
• A su vez la fascinación por las imágenes en movimiento. A finales del siglo XIX
existe esta idea.

Elementos constitutivos del nacimiento del cine:

• La industrialización a gran escala
• la sociedad de masas (la gran ciudad)

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 • La posibilidad de repetir un acontecimiento como el cine en distintos lugares, el
mismo tiempo (radio y cine son contemporáneos). Ambos tienen la capacidad de
poder emitirse desde un sitio y captarse desde otro.

Estamos hablando de:

• Inventores: van a ver la posibilidad de captar las imágenes en movimiento en
inventos
• Feriantes: lo convertirán en elementos de feria
• Ilusionistas: los primeros cines se producen en circos.
Existe un ambiente propicio en el último cuarto de siglo en torno a la búsqueda de un
invento que pudiese captar la imagen en movimiento:
• Zootropo
• Praxinoscopio
• Bioscopio: fue creado por dos hermanos (Max y Emil Skladanowsky) y su primera
proyección se produjo meses antes de que lo hicieran los hermanos Lumière.
• Kinetoscopio.

* Vemos ejemplos en clase de estos elementos:

Zootropo, vida que gira: www.youtube.com/watch?v=4l4lCgEa69A
Praxinoscopio: Praxinoscope - YouTube: www.youtube.com/watch?v=Ez_UJAafRMs

Auguste Marie Louis Nicolas Lumière y Louis Jean Lumière eran de Lyon. Ellos inventaron
el cine tal y como lo conocemos y quizá eso marque la diferencia entre la concepción que
tienen ellos del cine y la nuestra. Fueron los primeros en filmar en cámara y proyectarlo
en una gran pantalla. En 1895 fue la primera proyección y en 1896 ya estaba implantado
en todo el mundo. Grababan a sus trabajadores y a ellos mismos.

El kinetoscopio nos permitía proyectar esas imágenes en movimiento, el problema es que

se veía como en unas cajitas a cambio de unas monedas, nickelodeones, inventado por
Thomas Alva Edison.

George Eastman: inventó la película fotosensible de celuloide. Este verano Kodak se fue
a pique y tuvo que vender las patentes que las han comprado Instagram, Facebook,
Twitter, etc.

Nadie pensaba en estos momentos en que pudiera guardarse ni que sirviera para la
historia, los primeros celuloides no tardaban nada en arder. Surge como industria.

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La primera película fue "El regador regado" en la que se empiezan a contar historias.
Surge dicha industria para recaudar dinero.

Georges Méliès: se le considera el primer gran narrador, es francés también. Va a vender

máquinas y va a intentar ser distribuidor de Lumière pero se dará cuenta de que el
negocio está en rodar él mismo las películas. Un óptico inglés será su propio cámara. Va
a introducir efectos para alterar la realidad, se busca la ilusión. Es el primer ilusionista del
cine. Va a crear la primera idea de cuadro, narración dentro de una pantalla. Lleva a cabo
esos trucos en las imágenes y está fascinando con su nueva herramienta del cine. Se
conocerán sus obras como "El melómano", "El viaje a la luna", etc. No solo filma esas
ficciones sino que será el primero en acercarse a las ideas de montar cuadros como
composiciones teatrales, a pesar de no ser capaz de yuxtaponer esos planos teatrales.
Tuvo mucho éxito, pero finalmente murió arruinado en el año 1938. Siempre se le
reconocerá como el primer narrador de historias, pero no supo adaptarse a los cambios.

Charles Pathé: sería el primer productor. Va a ser un productor de películas, de hecho

sigue existiendo su nombre en muchas producciones francesas. Era de una familia muy
humilde, emigró a Brasil y al volver a Francia se decantó por ir de feria en feria con un
fonógrafo con el que consiguió dinero. Hizo su primera empresa que se llamó Pathé,
delegó en sus hermanos y contrató a otro realizador que fue Ferdinand Zecca. Obtuvo
gran éxito con obras como "Los siete castillos del diablo". Es el ejemplo del primer
productor.

* Visionado: "Paisajes de la Historia. Los orígenes del cine en España".

http://www.rtve.es/m/alacarta/videos/paisajes-de-la-historia/paisajes-historia-pioneros-
hollywood/640602/?media=tve

Gracias a la persistencia retiniana y al efecto phi, el cine fue posible, aprovechando

ciertos defectos de la visión humana.

Partimos de dos defectos ópticos que tienen nuestro sistema perceptivo:

• Persistencia retiniana: Percibimos la continuidad, el movimiento.
• Fenómeno Phi: Fue estudiado por la escuela de la Gestalt. Sobre el último tercio
del siglo XIX surge la idea de la individualización y el estudio de la psique. Explica
que el ser humano completa el movimiento de los objetos aunque no lo perciba
en su totalidad, también es un error en nuestra percepción, que tiende a rellenar
esos espacios vacíos completándolos. La psicología de la Gestalt descubre este
movimiento phi, pero el psicoanálisis surge casi al mismo tiempo que el cine.
Justo en ese momento, a la vez que el cine, aparecen corrientes psicológicas. Surge otra
investigación de la psique: el conductismo, el perro de Paulov, se basa en un parámetro
muy básico que se llama estímulo-respuesta. El psicoanálisis se basa en la búsqueda del
subconsciente, la interioridad, que hasta este momento nunca se había investigado, el
inconsciente está movido por el deseo, con esa asociación de ideas, el relato edípico, el
relato de Electra. A Freud no le gustaba el cine, a pesar de que los surrealistas utilizaron
la libre asociación inspirada en él. En el cine ruso se inspirarán más en los conductistas,
se elimina la interioridad adaptándolo en el constructivismo ruso, de hecho el
subconsciente es un concepto que se crea como concepto, ya que de por sí no existe.

En ese estudio de la Gestalt darán una serie de teorías de cómo percibimos, las leyes de
la Gestalt o buena forma. Leyes:
- ley de la pregnancia
- ley de simetría

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- ley de cerramiento
- ley de proximidad
(faltan las que puso el profe en su diapositiva)
• de proximidad
• de semejanza
• de simetría
• de continuidad
• de dirección común
• de igualdad o equivalencia
• de completamiento de la figura
• ley de figura-fondo
• ley de la buena forma
• ley de simplicidad
• de cerramiento
• de la experiencia
• de distancia

* Visionado: "Condicionamiento clásico de Pavlov" de Youtube.

* Visionado: "Psicología - Leyes de la Gestalt" YouTube

Factores psicológicos del cine, como en Meliès con su utilización de los trucos, será esa
herramienta de la modernidad para el estudio del yo, del sujeto. Factores sociológicos
como sociedad de masas que se crea.
Psicoanálisis y cine nacen juntos y van a ir juntos.
Muchas veces había un código de conducta en las películas, el código Hays, que ocultaba
lo que no podía mostrar.
Factores económicos y factores industriales.

27 - Febrero - 2013

* Noticia de "El mundo": Sobre la muerte de Hessel, el autor de "Indignaos!". Vemos

secuencia del puente de "Jules et Jim".
http://www.elmundo.es/elmundo/2013/02/27/cultura/1361958781.html

Hay dos vías: la realista de la cotidianidad y la puesta en escena, la narración como "El
regador regado".

Las opciones hasta el momento carecían de lenguaje cinematográfico, ya que era una
especie de teatro filmado. Los elementos para que las imágenes se articulen son:
montaje, movimiento de cámara (ejemplo "Jules et Jim"), yuxtaposición de las imágenes y
los distintos tipos de planos (PP, PM, PA, etc). Si el cine primigenio parte de una
representación real, teatral, hasta que no aparecen esos elementos no se puede hablar
de la existencia de un lenguaje cinematográfico.

ESCUELA DE BRIGHTON:
La escuela de Brighton, constituida por un grupo de fotógrafos y cineastas son los que
van a empezar a hablar del lenguaje cinematográfico. Destacan entre ellos James
Williamson y George Albert Smith.

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EDWIN S. PORTER
Era un camarógrafo de Edison, cuya obra "Asalto y robo de un tren" es famosa por la
doble trama del montaje paralelo que se utiliza en el salvamento en último minuto.

• Psicoanálisis:
Descubrimiento del inconsciente
Articulación del deseo: el relato edípico que estará presente en una cantidad innumerable
de relatos desde el nacimiento del cine.
Inspiró a una importante vanguardia: el surrealismo.

• Psicología conductista:
Principios básicos de la percepción: E-R.
Inspiró al constructivismo, a las vanguardias rusas, Eisenstein. Todo el cine ruso se basa
en lo que se quiere conseguir con el montaje.
Otro conductista importante fue el psicólogo Skiner (guiño de los Simpson)
* Vemos el "efecto Kuleshov" que parte de unos estímulos psicológicos, estímulo-
respuesta: www.youtube.com/watch?v=_gGl3LJ7vHc y la explicación de Hitchcock:
www.youtube.com/watch?v=BpxYzs8hj3A

En cada época habrá un paradigma dominante.

ALFRED HITCHCOCK
Empieza su carrera haciendo carteles para una empresa americana. El montaje va a
definir su obra.

• Psicología cognitiva:
Cuando el estímulo ignora al individuo, surge la psicología cognitiva, que posteriormente
se sumará a la teoría computacional, de cómo los ordenadores podrán llegar a pensar.
E-O-R: estímulo-organismo-respuesta.

1. 2. ¿Es posible una historia general de la imagen?

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TEMA 2. EL PASO DEL PERÍODO MUDO AL SONORO (1927-1932)

2. 1. Avances tecnológicos
2. 2. La comercialización y la distribución
2. 3. Implicaciones artísticas y cuestiones creativas: ¿Es necesario el cambio?
2. 4. El monopolio del cine americano
2. 5. La implantación del sonido en el mundo

2. 1. Avances tecnológicos

Se mejoran los obturadores de las cámaras (shutter) y surgen los largometrajes. En

Francia tenemos el caso de Pathè y Gaumondo, pero en EE.UU. es bastante diferente a
cómo se plantea en Europa.

Guerra de las patentes:

Europa no estaba preocupada por las patentes, existían una gran cantidad de modelos
distintos de cámaras y en EE.UU. había un monopolio de Edison, en el que podía vender
las cámaras al precio que quisiera, llegando a tener más de 500 juicios.

Poderoso Cartel Internacional: La Motion Pictures Patents Company (M.P.P.C.).

El objetivo de este trust era consolidar, un monopolio en la industria cinematográfica por
medio del cobro de cánones e impuestos a productores, distribuidores y exhibidores.
Quien no pagara corría el riesgo de verse perseguido por los abogados y detectives de la
compañía en interminables y costosos juicios.

Empieza a surgir una idea del cine como corruptor de la sociedad y es en lo que
posteriormente se basarán como el Código Hays.

2. 2. La comercialización y la distribución

INDEPENDIENTES VAN A HACERSE CON LA INDUSTRIA

• Carl Laemmle, judío alemán fundador de Universal.
• Los hermanos Warner, judíos polacos responsables del nacimiento de Warner Bros.
• Wilhelm Fuchs, judío húngaro que, rebautizado con el nombre de William Fox.
• Samuel Goldfish, creador -con Marcus Loew- de Metro Goldwyn Mayer.

Este año se cumplen 100 años de Paramount.

SE VAN A NUTRIR DE GRANDES ESTRELLAS DEL TEATRO

NUEVO SISTEMA DE PRODUCCIÓN:

• Producción eficiente basado en el control contractual millonario
• Exclusiva de las estrellas
• Unión Adolph Zukor y Jesse L. Lasky sistema de trabajo en los estudios. Tienen una
idea visionaria que es el sistema de estudios, que funcionará durante casi 50 años. Se
materializará en la Paramount.

Utilizarán estrellas de teatro como reclamo, sistema de producción que busca la máxima
rentabilidad.

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NUEVO SISTEMA DE PRODUCCIÓN:
• Sistema de estudios: jefe de estudio
• Director
• Secretaria de rodaje.
Contaban con todos los servicios necesarios para el rodaje.

Producción seriada:
Director Artístico, Directores Reparto, Maquilladores, Eléctricos. Y evidentemente la
construcción de estudios, de fábricas de sueños, que permitan dicha producción seriada.
Hablamos de 1912-1913.

Se crea un Star System, primeros nombres: Mary Pickford, las hermanas Lillian y Dorothy
Gish, Douglas Fairbanks, el cómico Mack Sennett, Rodolfo Valentino.

Ese star system estará unido en simplicidad, cercanía, etc, al paradigma de la Gestalt.
Desde un principio, trayendo a estrellas teatrales, se va a generar y formarán productores
independientes que harán las grandes Majors.

* Visionado: "Historia General de la imagen: Murnau, Bonzage and Fox":

Innovaciones tecnológicas.
Hablará de Murnau: "El último", "Nosferatu", "Fausto", etc.
"Amanecer", la primera película que hizo en Hollywood.
En 1929 los primeros premios de la academia. "El séptimo cielo" y "Amanecer" fueron las
grandes candidatas de esta gala.
Son todos judíos, emigración de europeos a EE.UU. Ellos ven un negocio en la
producción en fábrica, crearán un imperio económico.
Inversores privados con dinero privado en EE.UU del que sacarán negocio, en Europa se
ve como un bien cultural que ha de proteger el estado.
En Alemania, "Metropolis" se estrenó y la UFA casi decae, pero el gobierno la saca de la
bancarrota.

William Fox, nació en Hungría, llegó joven a EE.UU. Comenzó su negocio con
nickelodeones. En 1914 abrió su primer estudio en Nueva Jersey. Se mudaron a Los
Ángeles para crear los estudios de Hollywood, donde podían hacer películas durante todo
el año por el buen clima.
Los empresarios estaban en Nueva York.
La guerra entre los independientes y Edison fue fuerte. Hasta que en 1917 ganaron la
batalla legal contra Edison, que tuvo que desmontar el trust. William Fox fue el que
desbancó a Edison.
La calidad comenzó a verse como algo que afecta a lo que el público quiere ver. Fox
siempre ponía su nombre en sus producciones. Se enorgullecía de ver su nombres.
La Fox creció apoyada en los directores de sus producciones.
Steingberg, Stroheim y Wellman fueron reclutaron por Hollywood, dejando la MGM casi a
la vez.
Sistema Fox Movietone en el que incorpora el sonido a los noticiarios. Warners había
hecho cortos musicales, pero no había incorporado el sonido en ellos.
Tras imponerse el sonido, su siguiente visión es experimentar con la televisión y decide
crear un formato panorámico, "Grandeur". Dos conceptos: conglomerados multimedia (tv,
radio y cine) y el formato panorámico.
En el rodaje de The Big Trail, Raoul Waltz perdió un ojo, se filmó en Grandeur.
En 1937 hubo un incendio en Nueva Jersey, donde había material original y negativo de
películas que se perdieron. Entre ellas "Cuatro diablos".

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Fox empieza comprando salas de cines en 1927, hasta que tras la muerte de su dueño
compra MGM y se convierte en un paria. Posteriormente se traslada a Hollywood.
En 1929 tuvo un accidente muy grave en el que murió su chófer. Fox tenía heridas graves
internas y un actor, Nash, le donó sangre, el actor nunca más volvió a preocuparse por
conseguir trabajo.
Con este sistema de producción, rodaban unas tres o cuatro películas al año.
En 1930 lo echaron de su compañía y fue absorbida por 20th Century Fox. Durante unos
cinco años estuvo de litigios con sus acreedores.
Cuando William Fox se fue, el espíritu se perdió, ya que perdió la productora el interés por
innovar. Cuando murió en solitario casi nadie fue a su funeral. Todo su imperio
desapareció de la noche a la mañana. Cuando nació no existía la industria del cine, pero
posteriormente se creó y transformó el mundo.
Fox se convirtió en lo que intentó destruir con Edison.

Borzage nació en una sociedad mormona, comenzó trabajando en minas. Hasta que
empezó a trabajar en el teatro. Para hacer grandes películas hay que conseguir grandes
cineastas, su figura se pareció a la de Raoul Waltz. Tuvo una existencia marginal hasta
que en 1913 conoció a Thomas Ince. Pronto se ganó su confianza y comenzó a dirigir
películas. Su familia entera actuó en sus películas. Su mujer fue su musa, aunque insistía
en un estilo de vida muy lujoso. Poder del amor que lo une con Murnau.
Cuando hay emociones filma a sus actores por detrás.
Ponía a las mujeres en un pedestal, no tuvo hijos.
Buscaba actrices que se parecieran a su mujer.
"El tumbón" era un gran filme protagonizado por Buck Jones, que no tuvo buena acogida
por el público.
Hay un remake de "El séptimo cielo" con James Stewart.
John Ford fue su ayudante en "El séptimo Cielo". Jean Negulesco fue su otro ayudante en
otra película.
En la película "Ángel de la calle" se inspiró en Murnau.
Borzage ganó el Oscar a mejor director en 1928.
Janet Gaynor y Charles Farrel protagonizaron 12 películas juntos tras "El séptimo cielo".
Borzage quiso irse de la Fox cuando ya no era propiedad de William Fox. Tuvo mucho
éxito tras el paso al sonoro. Se divorció de su mujer en los 40 porque las infidelidades
eran muchas.
Murió y a su funeral fueron 500 personas, todo el mundo lo quería. Antes de morir le dijo a
su siguiente mujer que encontrarían su séptimo cielo.

Murnau: fue una de las figuras claves del cine mudo y del cine en general. Venía de una
familia culta, con una infancia privilegiada. Hacía películas con sus hermanos, pero su
pueblo de origen no era el indicado para desarrollar su faceta artística, por ello se fue a
Berlín. Max Reinhardt fue el maestro de Murnau y de Lubitch, procedía del teatro. La IGM
fue un elemento que influyó muchísimo a Murnau, que le provocó una visión más
pesimista. En aquella época, en Berlín, uno podía pasar de una orientación sexual a otra
sin problemas.
William Fox vio "La última risa" de Murnau. Lo trajo a EE.UU y firmó con él un contrato de
5 años.
El cine se volvió un medio de masas a principios del S.XX. Se preguntaban qué le faltaba
al cine que tuviera la radio: el sonido.

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Theodore Case fue el inventor de los inicios del sonoro. Junto con el Dr. Lee de Forest
comienza a experimentar hasta 1925, que Case se asocia con Sponable. William Fox tuvo
la idea de que el sonido tenía que estar sincronizado con la imagen en la misma película.
Cuando llegó a EE.UU. William Fox le hizo una fiesta de bienvenida, donde conoció a
Raoul Waltz y John Ford entre otros. Ford y Murnau se hicieron amigos.
"Amanecer" fue una obra maestra del cine mudo, fue el final de la era del cine mudo
cuando ya estaban asentadas las bases del lenguaje cinematográfico. Los decorados de
la película se hicieron con punto de fuga, también se utilizaron para el rodaje de "El
séptimo sello"
Murnau se llevó a sus operadores de Alemania. Psicología de la Gestalt que se utilizará
en todo el lenguaje de Hollywood.
"Amanecer" no consiguió recaudar todo lo que costó, a pesar del gran éxito que tuvo.
En un incendio se quemó "El río".
Murnau tuvo un accidente de coche en 1931, cuando iba de camino a Monterey. Poco
después murió. A su funeral no acudió mucha gente, pero sí Greta Garbo, quien se hizo
una máscara de su rostro para inspirarse.

28 - Febrero - 2013

* Recomendación: www.youtube.com/watch?v=0G4YVZfvPWk

* Deberíamos ver todas las películas de Fritz Lang y Murnau. Buscar las películas de
Borzage.

Lubistch hizo películas históricas en Europa, óperas mudas ("Carmen").

Idea de que grandes directores y actores europeos van a EE.UU. donde está la industria.

En esta época descubrieron lo susceptible que era la película de celuloide por los
incendios.

El cine ruso, será el otro modelo de trabajo totalmente antagónico al cine norteamericano.
En Europa se llega a la máxima expresión del cine también, convirtiéndose también en
otro elemento antagónico.

6 - Marzo - 2013

* Recomendaciones:
- 10ª Muestra Syfy de cine fantástico. Recomendaciones: "Nosferatu" y "Garras
humanas".
- Ciclo de Almodóvar en LaSexta3. "Mujeres al borde de un ataque de nervios".
- Grupo de por la mañana que van a hacer proyecciones.

EL STAR SYSTEM

• Surge a la par que Hollywood. Sus orígenes en el Film D'Art Francés.

• Pero su EXPLOSIÓN se da mano de los que hemos llamado independientes.
• Mary Pickford fue la primera gran estrella del star system. Se comprobó que si
participaba en las películas, se recaudaba más dinero. Douglas Fairbanks fue otro
importante en este concepto. Más tarde Charles Chaplin, británico de origen judío.

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• Su paso por los estudios reportó grandes cantidades de dinero: Concepto de Money
Making Star (actor fabricante de dinero). Idea de entretenimiento y de hacer dinero.
Donde se dan los grandes relatos en la actualidad es en el relato deportivo:
protagonista, el bueno, el malo, etc.
• Producción desde este momento condicionada a la estrella. Se intenta crear un mito. Se
crean estrellas como Tara Bara, William Fox.
• Creación de un sistema en torno a la persona.
• Producción de todo un ámbito de promoción y venta de películas en torno a la estrella.
• Se buscan crear mitos.

• Y cómo se crean esos mitos:

El actor o actriz representa todas las virtudes de los personajes que ha encarnado
en la gran pantalla, lo que despierta la adoración en sus fans que imitan y siguen
cada paso que da el artista, convirtiendo cualquier información sobre ellos:
entrevistas, vida privada, vida pública.

• Explicaciones psicológicas

• Ley de la pregnancia (una imagen en movimiento nos deja una impresión, es esta la
idea del Star System), Ley de simetría, Ley de cerramiento, Ley de continuidad, Ley de
dirección común, Ley de simplicidad, Ley de proximidad, Ley de relación entre figura y
fondo, Ley de igualdad o equivalencia, Ley de semejanza.

• Psicoanalíticamente: principio de transferencia/proyección. Cómo vemos proyectado lo

que nos gustaría ser en esa persona. Diálogo entre sujeto/espectador y el actor.
Funciona a un nivel en el subconsciente.
• No tardaron en asociarse y convertirse en productores. Idea de que no sean explotados
los actores.

• United Artist: www.youtube.com/watch?v=cRZiC6VuVLE

• Charles Chaplin, Douglas Fairbanks, Mary Pickford y David Wark Griffith fueron los
fundadores de United Artist. Hay un paradigma de la película que quiebra que es "Las
puertas del cielo". Después de producirse esta quiebra, muchos de sus propietarios
fundaron Orion. Va a ser la productora de grandes clásicos como "El apartamento".

• De esta manera, el actor que se convertía en estrella llegaba a ganar de cuatro a 25

veces más que un director, al que se consideraba como un elemento más dentro de una
cadena de montaje. Por ello, los directores no eran considerados como artistas.

• El final del cine mudo supuso que muchas de las estrellas que lo fueron hasta el año
1927 dejarán de serlo con la aparición del sonido. Algo que se ha documentado en
formas de narración cinematográfica en múltiples películas como "Cantando bajo la
lluvia" (Singin' in the rain, 1952) o "El crepúsculo de los dioses" (Sunset Boulevard,
1950). Eric Von Stronheim era el que interpretaba al mayordomo en la última.

Marlene Dietrich trabaja en Alemania desde 1924, tras "El ángel azul" que se estrena en
1930, iría a EE.UU. para estrenar "Marruecos" con Josef Von Sternberg y buscan crear un
tándem de actores con éxito, la juntan para ello con Gary Cooper. Hicieron otras películas
juntos. La voz de ella con su acento alemán es todo un emblema. Película remarcable en
la que vemos cómo un mito generado en Europa se traslada a Hollywood.

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* Visionado: Final de "Marruecos". La Universal compra los derechos de la Paramount.
Marlene Dietrich tiene ya su rol de mujer fatal. Esos dos mitos del cine ya sonoro, que se
estrena 6 meses después de "El ángel azul", la mujer fatal se convierte por amor.

No solo se da en Hollywood, sino que en el resto del mundo, el star system también
funciona.

CINE EUROPEO
• Costumbrismo/Vanguardia. El cine europeo se va a dividir entre las películas más
tradicionales y las más modernas (Momento de ebullición, brecha gigantesca que se
crea en esa modernidad, la IGM fue el primer hachazo a ese planteamiento que nos
va a liberar, durante la guerra aparece el dadaísmo. El vanguardismo va a eclosionar
en dos polos: París y Berlín.

EL GRAN CINE ALEMÁN:

A pesar de la deuda generada tras la IGM se va a generar una industria a la altura de

Hollywood, no a nivel de producciones pero sí a nivel creativo y obras magnas. Tras el
hachazo de la IGM y en reacción en todo ello, surge el expresionismo.

• El expresionismo: En pintura: Munch. Dentro del expresionismo alemán destacó

Murnau.
• El expresionismo es un movimiento artístico que se inicia en Alemania en la pintura y se
va a extender a la música, al teatro y al cine. En un inicio surge como contrario al
impresionismo. Se basa en que el autor no representa la realidad de una forma fiel, sino
que involucra su estado de ánimo. "Nosferatu" es una versión no oficial del Drácula de
Bram Stocker, por eso se llamó el señor de la noche en la película. La familia de Bram
Stoker lo demandó por los derechos.
• La productora UFA. Universum film.
• En plena guerra mundial los alemanes crean una empresa pública como herramienta de
propaganda de guerra.
• Inicios en la propaganda de guerra
• Empresa pública
• Privatizada en 1921
• Primera película producida: "Carmen" en 1918, es una ópera que hizo Ernst Lubitch, era
el Griffith alemán, pero se convirtió al llegar a Hollywood en el rey de la comedia.
• Produjo: "Metrópolis" (Fritz Lang): película hoy reconocida pero que entonces se pegó
un batacazo de taquilla, ideas del nazismo inquietantes, ya que estuvo casado con Thea
von Harbou, "El último", "Fausto", (Murnau)
• Star System alemán: Emil Jannings (el protagonista de "El último"), Marlene Dietrich.
• También películas de "folclore alemán. Autóctonas. Como de montañismo.
• Nacionalizada por los nazis y usada de nuevo como herramienta de propaganda.
• La marca sigue viva. Hoy en día, esta marca se ha convertido en distribuidora y sigue
existiendo la marca UFA. Palacio UFA que está en Dresde.

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 CONSTRUCTIVISMO RUSO/VANGUARDIA RUSA

• REVOLUCIÓN RUSA 1917

• En los primeros años de régimen Soviético, se ve el cine como la mejor herramienta pra
intentar ensalzar las grandes gestas del Gobierno y llegar a todo el inmenso territorio de
las repúblicas socialistas soviéticas.
• La gran juventud de sus autores, que se desprende en su obra como la rabia
revolucionaria de "vamos a crear un mundo nuevo".
• Basado en economía comunista
• Teorización y experimentación
• Destacaron autores como: Sergei M. Eisenstein, Dziga Vertov, Vsevolod Pudovkin.

CINE Y VANGUARDIA

• París y Berlín ciudades de vanguardia después de la Primera Guerra Mundial.

• Música, arquitectura, literatura, ... Tenía una ideología comunista. Buñuel tendrá
problemas al acabar la guerra, pues Dalí lo tachó de comunista.
• Vanguardias como gran brecha en el proyecto de la modernidad
• Cine abstracto, dadaísta, escuela experimental ("Berlín, sinfonía de una ciudad")
• Surrealismo: 1924 manifiesto surrealista de André Bretón.
• Interpretación de los sueños, asociación libre (no hay intermediación del racionamiento,
buscan la irracionalidad)
• Lo irracional exaltado, el amor "fou" (amor loco, sin sentido), la pasión
• Serie de mediometrajes Luis Buñuel, Man Ray, Germaine Dulac.
• Primer largometraje: "La edad de oro" (L'âge d'or, 1930). Son unos condes los que
pagaron la película. Aquí está plasmado el ideario surrealista.
• Surrealismo: el óleo "Metamorfosis de Narciso", también de 1937, que se exhibe
actualmente en la muestra "La sombra", del Thyssen (como préstamo de la Tate Modern
de Londres a la Fundación Gala-Dalí), lo mostró Dalí a Freud cuando lo visitó en
Londres en 1938 para impresionar al padre del psicoanálisis. La ambición de Salvador
Dalí era aparecer como "una suerte de dandi del intelectualismo universal". A Freud, Dalí
le puso de buen humor y se mostró agradecido por conocer a este "joven español de
ojos exaltados".
• Ideas políticas asociadas al surrealismo: comunismo. Se alinean con las ideas
revolucionarias. Es una de las cosas por las que Buñuel tiene problemas en España tras
la guerra, Dalí le acusa de comunista.

OTROS NOMBRES CLAVES A CONOCER Y CUYAS OBRAS DEBERÍAN SER

CONOCIDAS:

• CINE NÓRDICO:
• Carl Theodor Dreyer (Dinamarca). Cine de autor que ya empieza a verse en
los años 20.
• Victor Sjöström (Suecia), película emblemática "El viento". La cinematografía
sueca desapareció por los incendios, al igual que las americanas.

• CINE FRANCÉS:
• Jean Renoir, Abel Gance. Los directores más importantes de esta época.

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(no vine a clase, apuntes de Sheila)

Visionado "Días de cine: Universal"

Tema de quién reflota la Universal: Frankenstein, Drácula, La momia, El hombre
invisible...

2. 3. Implicaciones artísticas y cuestiones creativas: ¿Es necesario el cambio?

¿Cuáles fueron los inventos que cambiaron el sistema de producción?

La gran pregunta que tenemos que hacernos es si el cine necesita audio. Se había
llegado a un límite en el lenguaje y el audio ofrece espectacularidad, pero en realidad no
se necesita audio para contar una historia de cine.
Ej: el recurrente actual a la voz en off.

Va a ser un proceso de cambio dirigido por los grandes estudios o majors. Habían recibido
ya grandes cantidades de dinero, así que producen una escalonación en la forma de
llegar al sonido. William Fox pretendía monopolizarlo y eso era una amenaza para el
resto, así que se pusieron de acuerdo y se repartieron el negocio.
Hay controversia, porque por un lado tenemos a la Warner Bros. con su "Don Juan" en
1926 y por otro tenemos a Fox y su noticiario. Esas son las dos grandes productoras.

La consecución del sonido y su implantación va a ser una de las causas del triunfo de
Hollywood.
Gracias a la mediación de la Academia, las otras 4 majors van a conseguir que se vendan
esas patentes y las puedan tener todos.

El Kinetophone era un prototipo de unión fonógrafo y cinematógrafo, el problema que

tenía era la repetición.
La solución la dan las grandes empresas de comunicación y radio de EEUU.
La AT&T y su filial Western Electric son las compañías que más invierten en esto y
también la Radio Corporation of America (RCA). Las compañías telefónicas ya en estos
años van a apostar por esa investigación en maneras de grabar el sonido y lo van a llevar
al cable. Y la otra industria importante es la radio.

2. 4. El monopolio del cine americano

¿Quién lo comercializó, por qué se desarrolló, cómo se distribuye y quién era el público
potencial?
Aún así, en 1926 se estrena Don Juan con el sistema vitaphone, que va a ser un invento
basado en esa separación de discos por un lado y imagen por otro. Era una obra muda a
la que se le añadía música orquestada y sincronizada por discos. Realmente no es una
película sonora, sino un largometraje sonorizado, filmado mudo, pero al que se le añadían
efectos sonoros después del montaje.

El Movietone lo va a desarrollar William Fox y se va a asociar a Theodore Case y Earl

Sponable y la revolución es incorporar el sonido en la película, con lo cual es una
grabación óptica del sonido, similar al sistema tri-ergon alemán... va a ser el invento que
va a triunfar al final.

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Grabación de Lee de Forest de Conchita Piquer: primera película sonora en español

"El Cantor de Jazz" es una película muda, que incorpora las canciones en ese sistema
vitaphone de la Warner. Él es un cantante judío que le dice a su padre que quiere ser
cantante de jazz y hay un drama familiar: temática de cómo los judíos al sentirse
excluidos, se refugiaban en las artes menos nobles. La historia de los hermanos Warner.
En realidad es una película religiosa que habla sobre los judíos y sobre el judaísmo.
Además fue un fracaso comercial. El jazz es una música que van a utilizar las
vanguardias.

El modelo photophone de RCA es también una grabación óptica en película.

Estas fueran después de esto, MGM, Paramount y Columbia Se van a reunir en secreto
estas tres compañías y se crea en 1927 la Academia de las Artes y las Ciencias
Cinematográficas y van a estudiar los sistemas que hay. Deciden que el mejor es el
movietone.
Cuando el sistema de sonido de RCA es rechazado o denostado, causa la cólera de la
compañía y ésta se une a Keith Alee-Orpheum y forma la Radio Keith Orpheum (RKO),
que es el siguiente estudio que se crea en Hollywood, el sexto.

Hay una transformación gradual en 4 años . Es un utriunfo del sistema óptico y esto
genera una enorme industria que demanda sistemas de sonido para las miles de salas en
todo Estados Unidos.
Va a llevar consigo la desaparición de pequeños estudios, las majors no van a permitir
que haya independientes. Van a aparecer nuevas profesiones, como técnico de sonido.
Hay cambios en la exhibición, las primeras salas estarán en las grandes salas, que están
en las grandes ciudades y eso se convierte en un reclamo turístico. No estará completo
en salas medianas hasta 1929 o 1930.
Es en 1930 cuando se consolida el cine sonoro. La compañía AT&T va a fabricar todos
los sistemas de sonido.
Warner Bros abandona el sistema Vitaphone y lo deja para cortometrajes y empieza a
hacer dibujas animados con él.
Triunfa el movietone y el photophone. Los empresarios de sala piden la liberalización para
que sean sistemas compatibles. La única empresa que resiste este avance en el resto del
mundo será la UFA, en Europa.

Repercusión laboral de la implantación del sonido en vivo

• Se prescinde del sonido en vivo
• Ya no hay músicos en los cines
• Esto llevó a un conflicto social
• Crash económico del 29, se aprovechó para la nueva industria.
• Broadway invade Hollywood, se habla de 3000 actores que van de costa a costa (de
la Costa Este a la Costa Oeste). Se potencia ante todo el género musical.
• Consolidación de las majors.

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¿Por qué no interesó el sonido a todos los directores?
• Hay un fuerte debate a todos los niveles: producción, dirección, actores, la crítica, los
distribuidores...
• Hay un cambio fundamental a la hora de narrar, se cambia de algo basado en lo
visual a algo imperado por la palabra.
• Se teme a una intelectualización del cine, es decir, una invasión de las obras de
teatro de Broadway.
• Reconversión u olvido: si no se reconvertían los directores, serían olvidados.
• Primero hay una idea del sonido como acompañamiento, no tienen idea del sonido
diegético.
• Después se hace hablar a los actores: movie talkies.
• Al principio, al no haber guionistas especializados en hacer diálogos, las películas
resultan redundantes y la palabra repite lo que se ve.
• Así que se comienza a elaborar un lenguaje nuevo.
• Ese lenguaje nuevo lleva a una planificación fílmica, fueras de campo, espacios en
off, diálogos en off, diálogos rápidos e ingeniosos, sonidos para dar verosimilitud...
• Las cámaras eran muy pesadas y difíciles de mover. Murnau y sus operadores
ayudaron a solventar esto.
• Los guiones sufren una gran variación e innovación: guión americano. Se convertirá
en el estándar.
• Aparición del guionista-dialoguista, buscando dinamismo y brillantez. Broadway
aporta sus autores.
• Se habían alcanzado un nivel de lenguaje y ahora se cambiaban las reglas.
• El sonido se impone en 4 años
• Al principio empobrece el relato, pero la adaptación de los directores es rápida.
• Hay grandes enemigos del sonido, los expresionistas alemanes y el montaje
simbólico ruso.
• El star system tenía a los directores como meros técnicos y ahora van a cobrar más
importancia, porque van a ser técnicos, pero más especializados a la hora de colocar
la cámara, que no se vea el micrófono... esto repercute a que lleguen directores
incluso a ser jefes de estudio. El primer caso será Lubisch, que va a convertirse en el
jefe del estudio de la Paramount durante varios años.
• Directores en contra del sonoro: Chaplin, Eric von Stroheim, Rene Clair o Eisenstein.
• También va a haber un cambio en la manera de trabajar del director de fotografía:
hay un sistema de auxiliar-meritorio, ayudante de cámara y operador de cámara.
• Adquieren gran importancia y las estrellas a veces exigían a determinados directores
de fotografía.
• Las cámaras eran enormes y debajan poco espacio.
• Se pierde la costumbre del cine mudo de teñir las películas porque el tinte dañaba la
pista de sonido.

¿Por qué triunfó la industria americana en detrimento de las europeas y asiáticas?

• Desde mediados de los años 20 el departamento de publicidad y promoción.
• En 1930 aparece el concepto de trailer o avance para promocionar los momentos
cumbres del film
• Se consolidan las majors en el mundo y es un grupo de presión mundial. Producen,
distribuyen y exhiben en todo el mundo. Hay una globalización y colonización
imparable desde estos momentos.

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2. 5. La implantación del sonido en el mundo

¿Cómo llega el sonoro al mundo?

• El problema es el idioma, pero aún así el cine sonoro se impone.
• Se propone:
- Subtítulos
- Doblaje: surge en Italia
- Producción en el idioma de cada país o versiones de películas
• En París se crean los estudios Joinville (Paramount)
• Solo resiste Alemania
• En Italia se crea Cinecittá
• En Rusia no hay evolución del sonido hasta mitad de los años 30 porque están
inmersos en la segunda Revolución que supone la llegada de Stalin.
• A España también le cuesta adaptarse al sonoro. La primera película sonora en
España es "El misterio de la Puerta del Sol" de Francisco Elías, con sistema
phonofilm, y la primera que se sonoriza es "Fútbol, Amor y toros" (con filmófono se
sonoriza).

1929 - BLACKMAIL, DE ALFRED HITCHCOCK

Es la primera película sonora inglesa. Ya había dirigido 10 películas antes de rodar esta.
Ya se intuye su manera de escribir, el estilo de Hitchcock.

13 - Marzo - 2013

Recomendaciones:
* James Franco: "El cine es un negocio, pero también un arte":
http://www.metropoli.com/cine/2013/03/11/5139b6ba684341f942000001.html
* "Las zapatillas rojas"
* El elogio de lo siniestro en París:
http://www.elmundo.es/elmundo/2013/03/07/cultura/1362657275.html

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TEMA 3. LA DÉCADA DE LOS TREINTA EN ESTADOS UNIDOS: EL DESARROLLO
DE LOS GÉNEROS.

3. 1. La consolidación del género estética, industrial y comercialmente.

3. 2. El lenguaje clásico de Hollywood. El modo de representación institucional.
3. 3. Los principales géneros cinematográficos

• ¿Cómo se desarrolló el lenguaje de Hollywood? ¿Qué es un género

cinematográfico? ¿Para qué se usan y por qué llegaron triunfaron en todo el
mundo?

Contextualización histórica:

• DESPUÉS DE LA 1ª GUERRA MUNDIAL, EE.UU. SE CONVIERTE EN LA PRIMERA

POTENCIA MUNDIAL. En la IGM EE.UU. no quería entrar, se convierte en la primera
potencia mundial porque vencen, no hubo campo de batalla allí y ademas durante estos
años que Europa se reconstruye, los americanos se dedican a investigar y avanzan en
desarrollo tecnológico.
• EL TRIUNFO DE LA REVOLUCIÓN RUSA Y EL CRACK DE 1929, SIEMBRAN LAS
DUDAS SOBRE EL SISTEMA CAPITALISTA. El crack fue en Octubre de 1929. Fox
compró todos esos teatros, intenta comprar MGM en plena burbuja tecnológica e
inmobiliaria y pierde todo su imperio. Se cuestiona todo el sistema capitalista estos
años. Hay un replanteamiento de ese sistema capitalista, si EE.UU. ha conseguido ser
la potencia mundial se replantea el sistema capitalista: años del New Deal.
• Hollywood nace como una iniciativa privada. Había dos vías de entrada al gobierno:
- a través de la económica
- a través de la censura. Ya en los años 20 surge esa idea de regular y controlar
porque las ideas del cine pueden pervertir a la sociedad, a la juventud. Muchas majors
van a necesitar la ayuda de los bancos, el new deal va a ver una manera de intervención
clara. Además se da el código Hays.
• LA DÉCADA QUE VA DE 1929 A 1939 SE PUEDE HABLAR DE LA CONSOLIDACIÓN
DEL LENGUAJE CLÁSICO. Esta idea de entrada en el gobierno va a ser una ayuda
también para que se consolide este lenguaje clásico, lectura más o menos política,
porque si el Estado promueve un tipo de leyes, el cine cumple ciertas funciones.
• En cuatro años (1927-1931) se pasa de un cine como espectáculo tecnológico a una
plenitud narrativa. La gente va de los pueblos a la gran ciudad a ver películas sonoras.
Ya en 1932 hay unas películas con diálogos brillantes.
• No solo es diversión o entretenimiento. Sino evasión. Como estamos en un momento de
crisis total, la gente va al cine a evadirse, va a ser el teatro de los pobres.
• Búsqueda de la elegancia, la opulencia. Tenemos su máximo exponente en Ninotchka,
que muestra la contraposición entre el modelo soviético y el capitalista, con la imagen
del sombrero. Esta idea de evasión. Películas de ricos y de gente que vive de forma
maravillosa.
• REORGANIZACIÓN DE LA INDUSTRIA (ENTRADA DE LA BANCA). La Universal
quebró tras la Fox. Fox pide un crédito par intentar comprar la MGM.
• ¿CUÁL ES EL CONCEPTO DOMINANTE ECONÓMICAMENTE EN EE.UU. DURANTE
ESTOS AÑOS? New Deal: idea que surge desde el gobierno de Roosevelt en el que se
plantea que si no hay ayuda estatal, no hay una salida de esa gran depresión.
• ESTE CONCEPTO CHOCA DIRECTAMENTE CONTRA LOS TRUST. Con la llegada del
sonoro los independientes desaparecen y aparecen las 6 compañías con monopolio

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 vertical: producción, distribución y exhibición. Las leyes del Trust van a ir contra las 6
majors para evitar el monopolio. Paramount sale muy perjudicada.
• LOS ESTUDIOS SE CONVIERTEN EN TRUST, CONTROLARÁN PRODUCCIÓN,
DISTRIBUCIÓN Y EXHIBICIÓN Y POR ELLO SERÁN PENALIZADOS
• PARADOJA POLÍTICA/IDEOLÓGICA
• EL NEW DEAL VA A SER PROPICIO A LA GENERACIÓN DE HÉROES
NORTEAMERICANOS. Las películas muestran un héroe que lucha contra la tiranía y los
oligarcas que intentan controlar todo, ejemplo: "Qué bello es vivir".
• AÚN ASÍ, HOLLYWOOD SE CONVERTIRÁ EN UNA HERRAMIENTA DE
COLONIZACIÓN ECONÓMICA Y CULTURAL A NIVEL MUNDIAL, gracias al lenguaje
clásico.
Hollywood es de ideología demócrata y favorecerá esta ideología en el cine. Paradigma
de héroe americano "Qué bello es vivir".
Herramienta de colonización. Paramount va a producir sus películas o versiones en
francés en Joinville, en España Cifesa (Fox y Columbia) hace lo mismo. Es una paradoja
total porque mientras les atacan ellos crean una corriente muy fuerte.
Estas ideas del gobierno americano se van a introducir en todo el mundo, colonización.

3. 1. La consolidación del género estética, industrial y comercialmente.

El gran descubrimiento del lenguaje sonoro y del lenguaje clásico en la década de los
treinta será la instauración de los géneros cinematográficos como un modelo de
producción, distribución y exhibición.
El público objetivo para Hollywood es captar la atención de la mujer.
El lenguaje sonoro va a crear iconos, mitos y sobre todo va a haber esa idea del modelo
de producción, distribución y exhibición en las productoras para que se especialicen en
géneros, en especial Universal. Aunque se especialicen en ciertos géneros, los estudios
solían hacer de todo.

• Género según RAE: "En las artes, cada una de las distintas categorías o clases en que
se pueden ordenar las obras según rasgos comunes de forma y de contenido".

• Género como gran baúl de películas e ideas

• Herramienta útil para clasificar y comercializar una película
• Uso común práctico

• Los géneros constituyen las estructuras que definen a cada uno de los textos; las
decisiones de programación parten, ante todo, de criterios de género, la interpretación
de las películas de género depende directamente de las expectativas del público
respecto al género. Es decir, el género abarca, por sí solo, todos los aspectos
cinematográficos. Así un actor interpreta de modo distinto a unos personajes según esté
en una comedia, etc.
• (falta) SARA

Definiciones de Altman: estructuras que definen a cada uno de los textos.

GÉNERO:
1. Esquema básico o fórmula que precede, programa y configura la producción de la
industria.
2. Entramado formal sobre el que se construyen las películas y que la identifica: tipos de
planos.

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3. Género como etiqueta que va a definir las decisiones y comunicaciones sobre esa
película de distribuidores y exhibidores. Ejemplo: en el estreno de "Frankenstein"
pusieron los distribuidores una ambulancia fuera y metieron en la sala a una mujer que
gritaba entre el público para crear más terror entre los asistentes.
4. Género como contrato "ficticio" que se le ofrece al espectador: cuando se compra algo,
no firmas nada, pero hay un contrato con el público en el que la película se rige al
entramado formal. Que el espectador sepa qué va a ver.

• Género cinematográfico más amplio que el literario. Por su relación con la industria y
con la producción.
• Periodo vital de un género.
• ¿Cómo nace un género? Nace en la época silente. En esta época, ya sonora, adquieren
esplendor el cine de terror y el musical.
• Éxito-copia-explotación-agotamiento-muerte o renovación. El modelo para que un
género se instaure o nazca es que se parte de un gran éxito, se hacen copias, se
explota hasta el máximo y finalmente hay un agotamiento, que puede dar lugar a que
desaparezca o que se renueve. Ejemplo: cine policíaco ---> film noir, el cine policiaco
que se agota y con un nuevo cambio de valores en los 40 sufre la renovación como el
cine negro.

Los géneros que más se van a explotar en estos años y que tienen mucho esplendor son:
musicales (que surge ahora) y terror (innovaciones y efectos gracias al sonido, hay una
neuva dimensión que permite asustar no solo con lo visual).

Se van a crear iconos como en el cine de terror, Universal en el año 1927-1928 se quedó
atrás porque no apostó por el sonido y en 1931 estaba más a la cola. El fundador que era
muy conservador murió y quedó en cabeza de la empresa su hijo, éste apostó por hacer
películas de ese estilo. Gracias a esto y a "Nosferatu" que no tenía los derechos, va a
conseguir que Universal tuviera grandes beneficios.
El cine de horror narra, a veces, las mutilaciones. La gente va a ver historias de lisiados.
"Garras humanas" de Tod Browning.

* Visionado: Documental "Universal Horror"

Vemos las versiones de "Dracula" de Tod Browning y la mexicana. Lupita Tovar fue la
protagonista femenina. La mexicana es superior a nivel técnico que la de Tod Browning,
en la que la cámara se mueve con total fluidez. Ambas son de 1931.
Ambas se beneficiaron de la película de Murnau en su "Nosferatu" que se había inspirado
en las novelas góticas. Universal la acababa de adquirir. Pero la versión mexicana se vio
más influenciada por la de Murnau.
Gracias a "Dracula", en el año 1931 el único estudio que tuvo beneficios en la época de
crisis fue la Universal.
También en el "Frankenstein" de James Whale hay influencias de "Amanecer" de Murnau.
Cine de género.

Deberíamos preguntarnos por qué en esta época de crisis triunfa el cine de terror, el éxito
todavía sigue siendo un misterio, podría ser por la influencia de la IGM. Al igual que ahora
triunfan las películas apocalípticas, como en los 50 y en el final del siglo XX.

También existe la creencia de que la ciencia ha salvado a la gente. El cine de horror es

una clara influencia del expresionismo y aún así sigue sin explicarse la tendencia
masoquista de que el espectador haya ido a ver esto cuando tienen tan reciente la guerra.

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En tiempo de crisis se produce un apogeo del cine de terror, los malos en estas películas
son extranjeros, de clase alta, Boris Karloff era británico como James Whale, los
monstruos son personas extranjeras, se focaliza el miedo y el terror en la gente de fuera
de América.

Tras tener éxito con "Drácula", hará "La momia", "Frankenstein", "El hombre invisible", etc.
Todas de la Universal. Después harán "La hija de Drácula", "La novia de Frankenstein",
etc. * Recomendación: "White Zombie".

3. 2. El lenguaje clásico de Hollywood. El modo de representación institucional.

• Lenguaje clásico de Hollywood.

Se llega a este lenguaje a partir de 1927-1931 porque la gente está acostumbrada a ver
películas con música, cuando se plantea que no haya música sino ruidos, pasos, etc, eso
es lo que da miedo, se articula el espacio en off. No estaba presente en el cine, pero
hasta que no llegan los efectos sonoros no se llega al lenguaje clásico de Hollywood. Se
va a componer en 4:3, en cuadrado, Zuckor a Fox le pide que no introduzca formatos
panorámicos, composición en lenguaje clásico con formatos cuadrados. Desaparecen los
tintados para no estropear la banda de sonido. El raccord ya estaba instaurado y ahora se
va a instaurar.
El tipo de montaje ya empieza a ser más parecido al de hoy en día. Todo ello configura un
lenguaje clásico que se completa con el sonido.

• Los tintados ya pertenecían al lenguaje clásico (ya que tenían codificación), se

eliminan para que no alteren la onda de sonido.
• Se perfecciona el raccord.
• Los fundidos.
• El montaje.
• Se completa con el sonido.

• Modo de representación institucional

Clásico: dicho de un autor, merece ser copiado. Según la RAE:

1. adj. Se dice del período de tiempo de mayor plenitud de una cultura, de una civilización,
etc.
2. adj. Dicho de un autor, de una obra, de un género, etc.: Que pertenecen a dicho
período. Apl. a un autor o a una obra, u. t. c. s. Un clásico del cine.
3. adj. Dicho de un autor o de una obra: Que se tiene por modelo digno de imitación en
cualquier arte o ciencia. U. t. c. s.
4. adj. Perteneciente o relativo al momento histórico de una ciencia, en el que se
establecen teorías y modelos que son la base de su desarrollo posterior.
5. adj. Perteneciente o relativo a la literatura o al arte de la Antigüedad griega y romana.
U. t. c. s.
6. adj. Dicho de la música y de otras artes relacionadas con ella: De tradición culta.
7. adj. Que no se aparta de lo tradicional, de las reglas establecidas por la costumbre y el
uso. Un traje de corte clásico.
8. adj. Típico, característico. Actúa con el comportamiento clásico de un profesor.
9. m. Arg., Ur. y Ven. Competición hípica de importancia que se celebra anualmente.

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¿Qué es clásico?: periodo clásico, desde 1913-1914 (narraciones de Griffith) hasta los
años 60. Al ser clásico es un modelo que merece ser copiado, por eso dura tanto.

• Grandes investigadores sobre este tema.

Los dos autores que van a plantear esos términos.

• Noël Burch. "El tragaluz infinito". Habla de los dos modelos de representación, el
institucional y el de representación primigenia.
• David Bordwell, Janet Staiger y Kristin Thompson. "El cine clásico de Hollywood".
Aproximación científica a cómo configuraríamos el lenguaje clásico de Hollywood.
Combina análisis teórico, son estructuralistas, y las vivencias empíricas que da el
relato, el texto fílmico.

• BORDWELL
• Modo de producción fundamental para configurar lenguaje clásico
• Entretenimiento de toda la familia
• Va a estar basado en la causalidad (lógica) y la temporalidad como un algo común.
Causa y efecto, linealidad. No va a haber sobresaltos en la historia, lógica espacial,
nunca va a haber sincronías como en el surrealismo, causalidad y temporalidad
común. Hay una linealidad. En "Ciudadano Kane" hay una falla y aparece el
flashback rompiendo la linealidad.
• Espacio lógico, no hay asincronías como en el surrealismo.

• NOËL BURCH
• Modo de representación institucional. Basado en una industria, en una linealidad,
con un objetivo claro, narratividad, continuidad, causalidad, etc.
• Se deja atrás el modo de representación primitivo. El teatral, plano con elementos,
sin perspectiva ni composición.

14 - Marzo - 2013

3. 3. Los principales géneros cinematográficos

GÉNEROS AÑOS 30 EN HOLLYWOOD

• Se van a sentar las bases de la mayoría de estos.
• Se crean los grandes iconos de los géneros cinematográficos
• ¿Por qué son los que triunfan en todo el mundo?

CINE MUSICAL

• Con la llegada del sonido, el cine musical va a ser el género que más se desarrolle
• Primero como reclamo de espectacularidad
• Gran apuesta de la Warner Bros. Recordamos las películas de "Don Juan" o "El cantor
de Jazz".
• Género muy repetido y agotado rápidamente
• Muy centrado en las estrellas, ya que éstas tenían que ser fotogénicas y saber bailar y
cantar
• Llevar Broadway a todo el mundo: idea del teatro para los pobres.

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• En la década de los 30 se rodaron más de 600 musicales.

• Los nombres que van a definir este género son:

• Coreógrafo de Broadway que creó coreografías para muchos musicales: Busby
Berkeley.
• La RKO cuenta con Fred Astaire y Ginger Rogers. A pesar de hacer 10 películas
juntos, se odiaban.
• Paramount cuenta con Bing Crosby: cantante popular, icono de la música
cantada.
• Hibridación entre la comedia y el musical, mezcla de géneros. (Caso de "La viuda
alegre") Ernst Lubitsch o Hermanos Marx. Estos géneros se van a unir con
mucha frecuencia.
• MGM hace "El mago de Oz", aquí se ve el cambio de género, es en color, a
diferencia del resto de los musicales de la época. Se hace en 1939, al igual que
"La diligencia", "Lo que el viento se llevó". Década con colofón magnífico que es
el apogeo.

* Visionado: "El musical americano" de Días de cine, en La2:

http://www.rtve.es/m/alacarta/videos/programa/dias-cine-historia-del-musical/1374856/?
media=tve
Robert Mamuligan.
Warner con cariz más social en contraste con la RKO que buscaba más el lujo y el brillo,
la opulencia (Fred Astaire y Ginger Rogers).
Biopic sobre uno de los compositores de la época: "Night and day".
Quien lleva a la gran pantalla a Gene Kelly es Busby Berkeley.

Es uno de los primeros géneros que introduce el factor racial.

Se asientan las bases del musical, hoy en día no se hacen muchas.

CINE DE TERROR/HORROR

• Se generan los espacios en off

• Los agudos de las músicas (voces estridentes)
• Esto da realidad al horror, más verosimilitud
• La Universal es la más beneficiada
• RKO aparece a finales de los años 30 ¿Quién es el monstruo por antonomasia de la
RKO? "King Kong": la belleza fue lo que le mató.
• Cine de terror de la Universal:
• Finales de los 30 e inicios 40. Mezcla de monstruos y sobre explotación del
género que lleva a una saturación de películas. Lleva a su agotamiento.
• Ejemplos de películas:
• "Frankenstein y el hombre lobo" de 1940, de Roy William Nelly
• "La mansión de drácula, de 1945, de Erle C. Kenton donde aparecen todos
los monstruos creados en una década por Universal.

* Visionados de 3 películas:
• "El malvado Zaroff" (1932, "The most Dangerous Game"). Directores: Irving Pichel,
Ernest B. Schoedsack. Relacionada con "Zodiac". Basada en una novela. Es de RKO.
La dirige uno de los directores de "King Kong". Se relaciona con el poco valor que se le
daba a la vida con la pérdida por la muerte. Concepto del valor de la vida humana que

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 no tiene importancia para el personaje y esa fascinación por lo siniestro que se muestra
en estas películas, desarrollo de lo que va a pasar 7 años más adelante en la IIGM. Se
habla en estas películas de la influencia del cine alemán, impresionismo, las sombras,
luces, el contrapicado que llama la atención porque es un hombre que asusta y a la vez
puede fascinar. Por eso, en 1934 surge el código Hays que va a regular mucho más
esto.

• "Satanás" (1934, "The black Cat"). Director: Edgar G. Ulmer. Su director es europeo,
proviene de Viena, de Berlín, dice que trabajó con Murnau y va a llegar a Hollywood tras
un periplo europeo, va a trabajar en varias películas como operador, pero aquí le dan la
oportunidad de trabajar con Boris Karloff y Bela Lugosi. Los malos son extranjeros con
acento ruso. Este relato se va a situar en los Balcanes, referencia visual muy clara: la
Bauhaus en el estilo, en la iluminación. Elementos de "Satanás" la Bauhaus en la casa
de Boris Karloff, tiene en su villa a su mujer en una urna en el sótano, Bela Lugosi va a
torturar a Boris Karloff, no se sabe cómo se permitió esto en los años 30. Con un
presupuesto muy bajo Ulmer consigue hacer esta película. Vemos un documental que
nos cuentan: Joe Dante director de "Los Gremlins", "Piraña", "El chip prodigioso" y John
Landis director de "El hombre lobo americano en Londres".
Ulmer se casó con una mujer casada con un hombre de la Universal y no volvió a trabajar
en Hollywood.
Luego se fue a NY a hacer películas de minorías: judíos y negros. En los años 40 hará
otro gran clásico del cine negro: "Detour".

• "La legión de los hombres sin alma" ("White Zombie" de 1932). Dirigida por Victor
Halpering. Las majors se impusieron con la llegada del sonido, arruinando a los
pequeño estudios. Esta película la producen dos hermanos los Victor y Edward
Halpering que después distribuiría United Artist. Tema de los zombies de haití, del vudú.
Tiene un principio muy inquietante. Protagonizada por Bela Lugosi. La mujer que acaba
de casarse va a ser manipulada por Bela Lugosi.

• "Freaks" sería otro buen ejemplo. No lo vemos ahora.

La casa del terror en los años 40 es de la productora RKO.

¿CIENCIA FICCIÓN? UN EJEMPLO CLARO

• "El hombre invisible" ("The invisible man" 1933) que la escribió H. G. Wells. También
dirigida por James Whale (El mismo de "Frankenstein)
• El científico loco, su laboratorio y la exaltación de la razón (que es la que le lleva a la
locura).
• Los seriales: Flash Gordon. El terror y la ciencia ficción de alguna manera están unidos.
Empezó a publicarse en 1934, por Alex Raymond. En la película "Ted" se habla de ello.
Es un jugador de fútbol americano, de los Jets, cuadra con la idea de ese nuevo héroe
americano, va a crear el concepto de los seriales para cine. El malo es una persona de
otro planeta, un oriental.

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 WESTERN

• Género de géneros Hollywodienses.

• También beneficiado por el sonido, pero en menor medida porque podía aportar los
disparos dándole verosimilitud, pero poco más. Sonido de los disparos y los caballos en
los efectos especiales.
• Se busca la épica del héroe norteamericano. Salva a la chica en apuros, a una ciudad
que tenga problemas. El mito por antonomasia es Wyatt Earp.
• La historia central del western es la leyenda de colonización y fundación de un país. Es
una historia falsa porque el western es un cajón desastre de películas que van desde
finales del siglo XVII y principios del siglo XX. Lo mismo pasa con el espacio, las
historias ocurren en todo el país sin tener en cuenta las guerras que hubieron. La
historia del país y lo que ocurrió con los indígenas fue otra. Lo que plasman, ni ocurrió ni
es real.
• Se intenta la creación de una mitología, donde no hay mitos el cine los va a crear.
• Gran cajón desastre
• Se asienta sobre 3 bases:
• Situarse Oeste Río Mississippi y Este de California
• Finales siglo XVII y principios del XX.
• Lucha bien y el mal, ley sobre el caos
• Mito de la frontera sobre la que se funda un país. Se denominan westerns fronterizos, es
un reto psicológico que separa ley de caos.
• No hay una evolución muy marcada en este género de 1930-1939, ya que se habían
dado los grandes iconos antes.
• Se rueda de una manera seriada. Se convierte en serie B y los grandes directores se
alejan de ello. Howard Hawks, John Ford y Raoul Waltz no hicieron casi ninguno en esta
época. Fox planteó los grandes formatos o panorámicos, que no se llevaron a cabo.
• En esta década se rodaron más de 1000 westerns, más que musicales.

• "La diligencia" es el western más clásico que existe, John Ford. Jesús González
Requena plantea un libro sobre ello. Clásico, manierista y postclásico.
• Relato clásico por antonomasia.
• Héroe norteamericano. Que surge con el new deal y que va a consolidarse.
• Estudio psicológico de todos los personajes y de una nación después de una guerra
civil. Todos los personajes tienen un background con detalles, que hacen de ese espacio
cerrado (la diligencia) otro donde reflejar los estamentos de la sociedad.
• Corrupción económica. John Ford en "La diligencia" habla de la corrupción económica,
de los especuladores que podían arruinar a la gente por maldad. Era un remake de otra
película de Bing Crosby.
• El director de fotografía es Greg Toland. Es muy relevante, hizo "Ciudadano Kane". Con
la llegada del sonoro, la dirección de fotografía cobra mucha importancia. Greg Toland
siembra las bases y sirve de referencia para muchos.

* Visionado: "La diligencia" escena del minuto 17.25. La presentación de John Wayne con
un travelling hacia él, el plano se desenfoca a mitad y al final vuelve a foco. Aquí, el
director de fotografía es muy relevante Gregg Toland. Hay un remake de los años 60 en el
que sale Bing Crosby haciendo de borracho.

20 - Marzo - 2013

* Recomendación. Web: abcguionistas.com

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Paul Schrader en Cartagena: http://www.abcguionistas.com/noticias/guion/las-reflexiones-
de-paul-schrader-en-cartagena.html

CINE DE GÁNGSTERS/POLICÍACO

• Modelo de serial sobre un policía que resuelve crímenes (de novelas o relatos seriados).
Lo previo a las series que tenemos hoy en día. Un referente es la serie "The Wire",
comienza el primer capítulo con un plano que va de un reguero de sangre al cadáver de
un chico.
• Pero el Gángster reinará en este género.
• Gran polémica por ensalzar a los criminales.
• Ex-combatientes que no encuentran su lugar, emigrantes no adaptados. La IGM como
germen de muchos males.
• Ley seca. Uno de los motivos recurrentes en la narración. Es importante porque
continuó durante muchos años en muchos estados, iba en contra de las ideas que
dominaban a principio de los años 30.
James Cagney, Edwar G. Robinson fueron actores destacados.
• Tema real y cercano al público.
• Problemas por la censura y por el puritanismo, muy reguladas. El código Hays de
autocensura se instaura en 1934.
• Películas destacables:
• "El hampa dorada", 1931.
• "Scarface", de 1932 de Howard Hawks y producida por Howard Hughes. Hay un
remake postmoderno de Brian de Palma del año 1983: "Scarface, el precio del
poder". Vemos en clase un visionado de un montaje de las dos películas.
Emigrante italoamericano que no ha sido capaz de integrarse en la sociedad,
Boris Karloff. Sin embargo, en el remake es cubano, Al Pacino.
Es anterior a las películas de cine negro que surgieron después.

COMEDIA

• Cine cómico había alcanzado un grado máximo de lenguaje.

• Se habían fijado iconos y mitos del humor silente: Charlot, Buster Keaton o Harold
Lloyd. La comedia avanzó mucho con la llegada del sonoro.
• Humor alocado, basado en la pantomima y la mímica. Persecuciones de Max Emett.
• Rápidamente desfasado y anticuado. Con la llegada del sonido, todo ese cine quedó
desfasado, nadie quería ver slapstick.
• La mayoría de estos actores/directores lo intentan en el cine sonoro, pero fracasan en
crítica y éxito de taquilla.
• Solo darán bien el paso del mudo al sonoro Stan Laurel y Oliver Hardy.

• También se adaptará Charles Chaplin. Era judío. Aunque fue un acérrimo enemigo del
sonoro, pese a estas reticencias dará tres clásicos eternos en esta década:
• "Luces de la ciudad" ("City lights", 1931) anunciada como una "película sonora
pero no hablada". Decía que era humor visual.
• "Tiempos modernos" ("Modern Times", 1936).
• "El gran dictador" ("The great dictator"), en 1939.

25 de 88
• Con respecto a la palabra el gran hombre de la comedia es ERNST LUBITSCH, también
era judío. Empezó como actor. Primer director que va a rodar películas de la UFA, rodó
las primeras grandes superproducciones como "Ana Bolena", "Carmen", etc.
• Director europeo (judío-alemán) que proviene del teatro, de la actuación y de la
dirección. Su maestro fue Max Reindhart, también fue maestro de Murnau.
• Asociado a la Paramount en estos años. Incluso va a ser director de producción en el
año 1934-1935. Pocos directores tuvieron ese honor o maldición, ya que no podían
mostrar su genialidad como directores porque producen.
• Maestro de maestros. Como de Billy Wilder, que fue su alumno más aventajado.
• Creador del toque Lubitsch. Idea de las puertas y lo que se oculta detrás de la puerta.
Fue uno de los primeros en hablar del psicoanálisis y de cómo afectaba a la sociedad
neoyorkina "De qué hablan las mujeres". Él nunca firmaba los guiones, como en
"Barbazul", pero siempre les daba una vuelta de tuerca. Siempre pensaba que tenían
que ser profesionales los que escribieran los guiones. Otros ejemplos: el sombrero en
"Ninotchka". Se implicó mucho contra el comunismo ("Ninotchka") y contra el nazismo
("Ser o no ser").
• "El ladrón de alcoba" va a ser la precursora de la screwball comedy.

Otros directores cómicos judíos de la historia del cine: Woody Allen, Ben Stiller, Adam
Sandler, Chaplin, etc.

* Visionado: "El toque Lubitsch" http://www.rtve.es/m/alacarta/videos/dias-de-cine/dias-

cine-toque-lubitsch/1555810/?media=tve

• Hermanos Marx:
• La idea de traer Broadway a Hollywood, del vodevil pasando por el teatro y a la
gran pantalla. Tenían producciones con las que recorrían EE.UU. Eran famosos
antes de llegar a la gran pantalla. Son muy curiosos los nombres que ponían a
sus personajes en sus películas
• Su humor se aferra a la palabra (juegos de palabras, ideas absurdas...)
• Pero a su vez es visual y muy unido al musical (reacciones absurdas, actuaciones
de cabaret...). También salían tocando instrumentos.
• ¿Cuántos eran los Hermanos Marx? Cinco. Zeppo era el guapo.
• Aportan una visión ácida y anarquizante de la sociedad nortemericana.
• Nunca realista y sí creadores de universos propios.
• Películas de la Paramount:
• "Pistoleros de agua dulce" (Monkey Business, 1931) de Norman McLeod
• "Plumas de caballo", 1932, de Norman McLeod
• "Sopa de ganso", 1933, de Leo Mc Carey.
• Películas de la MGM, a partir de estos años fueron perdiendo frescura, pero
siguen teniendo buenas películas en la MGM:
• "Una noche en la ópera" de 1934
• "Un día en las carreras" de 1937

• WC Fields es un personaje curioso:

• Menos popular en Europa o en España, más autóctono (basado en acento y bromas)
• Viene del cine mudo, trabajó con Griffith y con Mack Sennet.
• Es un humor basado en las palabras, un ser despreciable, ligaba y bromeaba con
camareras.
• Personaje misántropo, misógino, odiaba a niños, perros y tocado por el alcoholismo.

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 SCREWBALL COMEDY: su nombre viene del baseball

• Género por excelencia de los años 30. Comedia de enredo que tendrá su vigencia
desde 1932 hasta 1940. La película pionera fue "Sucedió una noche" de Frank Capra.

• Características Centrales:
• Screwball viene del baseball, es jerga
• Historia de amor/comedia romántica
• Uno de los personajes se comporta de manera alocada
• Son comedias en ambiente rico y sofisticado, pero con la introducción de personajes
de clase social baja que suelen dar lecciones a los ricos.
• Nace justo en la implantación del código Hays. Surge para bordear dicho código.
Situaciones que intentan ocultar lo que no se puede ver.
• La tensión sexual entre los protagonistas se oculta en brillantes diálogos, situaciones
graciosas o elipsis ambiguas.
• Cambio en los roles sexuales, la mujer es la que toma la iniciativa en la relación con
el hombre que suele ser un tontorrón. James Stewart entre otros.

• Películas:
• "Sucedió una noche" (It Happened one night, 1934) de Frank Capra.
• "La pícara puritana" (The awful Truth, 1937) de Leo Mc Carey.
• "Al servicio de las damas" (My Man Godfrey, 1936) de Gregory LaCava
• "Historias Philadelphia" (The Philadelphia Story, 1940) de Georges Cukor

• Howard Hawks rodará tres películas que pueden incluirse en este género:
• "La comedia de la vida", 1934.
• "La fiera de mi niña", 1938.
• "Luna nueva", 1940.

Característica importante en toda esta época y en todas estas películas: la cámara es

imperceptible, es invisible y esto lo hace propio de las características del lenguaje clásico.
Incluso los movimientos de cámara eran finos e invisibles.

* Visionado: "Sucedió una noche" (Frank Capra). Vemos en clase un pequeño reportaje
sobre la película: www.youtube.com/watch?v=MUXZDfynOlQ
Película fundacional de la screwball comedy. Ella huye de sus padres y él es un reportero.
Ninguna escena se rodó más de dos veces. Primera película ganadora del Oscar Gran
Slam. Llegó a recaudar 5M$.

MELODRAMA

• Esta década también sentarán las bases del melodrama hablado.

• Dirigido al público femenino (el más numeroso en las salas norteamericanas).
• Women Stories.
• Pasiones humanas, historias de sacrificios, el matrimonio siempre en peligro.
• Son películas muy ligadas a su tiempo, actualmente han quedado desfasadas.

• Películas:
• El gran melodrama por antonomasia es "Lo que el viento se llevó", toca el cine
histórico, western, etc. Se reestrenaba sin cesar.

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 • "The women" de George Cukor de 1938. Máximo ejemplo de este género, no
aparece ningún hombre en toda la película. Germen de "Sexo en Nueva York".
George Cukor es el gran director de mujeres. Howard Hawks le dio una vuelta de
tuerca a los personajes femeninos. Película de MGM. Son 6 mujeres protagonistas,
el guión está escrito por otras dos mujeres, hay una escena de color, un desfile de
modelos. Rumorología y sus relaciones. Máximo ejemplo.
21 - Marzo - 2013

* Visionado: Documental "El hombre fuera de la pantalla" de Edgar G. Ulmer. "Detour".

Películas de serie Z. Cine en Nueva York (con judíos y con afroamericanos). Dudan de
muchas cosas que han dichos a lo largo de su vida, ideó el travelling de "El último",
construyó decorados de "El gabinete del Doctor Caligari", etc.

AVENTURAS:

• Muy ligado a la movilidad de la cámara.

• Sucesión de actos circenses.
• Dependiente de "rudimentarios" efectos especiales.
• Obras del pasado, de tierras lejanas, Extremo Oriente, antigüedad.
• Se verá muy beneficiado por la incorporación del color.
• Los directores expertos en este género, también lo son en el western.

La gran película de 1938 en tecnicolor es "Robin Hood" de la Warner. El "Robin Hood" de

Walt Disney está calcado plano a plano al de Errol Flynn.

AMERICANA:

• Un género que no se exportó

• Finales Siglo XIX y comienzo de Siglo XX.
• Sobre la vida de las pequeñas ciudades rurales del interior de EE. UU.
• Cercano al melodrama
• Máximo representante: Henry King. Toda su vida trabajó para Fox. Es un gran director al
que Spielberg ha copiado en muchas ocasiones. Tiene películas bíblicas, westerns, etc.
• "La feria de la vida" (State Fair, 1933). An Iowa family finds adventure, love, and
heartbreak, when they spend a week at the state fair.

DIBUJOS ANIMADOS

• No es un género.
• Consiguen éxito a la vez que llega el sonido. Como cortometrajes que antecedían una
película (o un dibujo animado o un noticiario).
• El primero fue Walt Disney en 1928, éxito enorme con Mickey Mouse. "Plane Crazy
Mickey Mouse" (VER!!!!: www.youtube.com/watch?v=I4zdxtCgbtY)
• La Warner y MGM también apostaron por la animación, el resto también pero en menor
mediada: "The ofice boy, 1928 y "Sinkin in the bathtub" de 1930.
• Se da mucho la copia, no el lema de renovarse o morir. Son formas similares.
• No solo entretenimiento para niños, deja de ser mero acompañamiento.
• Se basan en la cultura popular/cuentos tradicionales
• La lucha entre el bien y el mal. Expresionismo.

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• Empeño personal de Walt Disney de dar el salto del cortometraje al largometraje. Estuvo
3 años haciendo "Blancanieves y los siete enanitos" de 1937.
• Se van a exportar a todo el mundo. Surgimiento de una nueva productora que llega
hasta nuestros días
• Colores de Disney. Iconos y forma de dibujar que duran casi 50 años. En "Fantasía" se
ven ya los iconos hasta que se juntó con Pixar.
• "Blancanieves y los siete enanitos" es de 1937. Fue un pionero, al principio creyeron que
estaba loco por meterse en este proyecto, y, a raíz de esta película, la factoría se pone
en marcha y hace las demás películas.
• "Fantasía" de 1940.
• "Pinocho" de 1940.
• "Dumbo" de 1941.
• "Bambi" de 1941.

AUTORREGULACIÓN EN HOLLYWOOD

• Ya desde finales de los años 10, la cantidad de dinero que genera Hollywood es
enorme.
• Vida libertina de los actores que salta a los periódicos y a las radios. La radio es la rival
del cine que va a intentar sacarles los colores.
• Los que controlan las películas serán los Estados o los Ayuntamientos en cada ciudad.
• Sexo, drogas y muertes en extrañas circunstancias llevan a la creación de la MPAA
(Motion Picture Association of America) en 1922. Que sigue vigente hoy en día.
• La MPAA la va a dirigir un alto cargo republicano y senador que es Will Harrison Hays.
• Van a promover la autocensura (nunca censura estatal) con el fin de promover la
limpieza de los estudios.
• Al principio serán leves directrices: "don't and be carefull", "no lo hagas y sé cuidadoso".
• Evitar inseguridad jurídica en cada pequeña ciudad o estado. Dependiendo de la presión
de los grupos morales del lugar.
• Con el cine silente no había problema al cortar escenas, pero con el sonoro era mucho
más complicado para censurar momentos concretos.
• Gran presión de las iglesias protestantes y católicas
• Hays consiguió que todas las productoras dejasen sus películas a la MPAA para ser
clasificadas
• Pero cristalizan en un código que se promulga en 1934, de obligado cumplimiento que
para obtener una buena calificación de la MPAA.
• El código funcionó como una censura religiosa, moral y política pero no estatal, su
intención no era tanto imponer una ideología, sino servir a la industria para que sus
películas fuesen más comerciales y aceptadas por todos los públicos. Sigue
funcionando, siguen dando ese PG para todos los públicos o R restricted. Hay un
documental que habla de cómo funciona la MPAA.

• Tres leyes del Código Hays:

1. No se debe producir una película que pretenda rebajar los cánones morales de
quienes la vean. De ahí que las simpatías de la audiencia nunca deban estar
del lado del crimen, el delito, el mal o el pecado.
2. Deben presentarse unas formas de vida correcta, sujetas sólo a los requisitos
del drama y el entretenimiento.
3. La ley, natural o humana, no debe ser ridiculizada, ni se debe crear simpatía por
su violación.

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 3 - Abril - 2013

* Recomendación: "Una mujer para dos" de Ernst Lubitsch.

* Hablamos de Jesús Franco y de su cine de horror, el director más prolífico.
* Warner Bros. va a poner sus películas a través de internet, al principio de forma gratuita.
Registrándote en la web puedes verlas. Fue pionera en el paso al sonoro y ahora va a ser
pionera también en esto, aunque después será de pago.
* Sentencia de Capital Records que ha ganado un pleito por las canciones digitales que
se están metiendo de segunda mano. Otra compañía las estaba revendiendo.

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TEMA 4. EL CINE EN EUROPA Y JAPÓN EN LOS AÑOS TREINTA: EL NACIMIENTO
DE LAS INDUSTRIAS NACIONALES.

4. 1. Hacia las industrias nacionales

4. 2. En los países europeos
4. 3. El caos problemático de Japón.

¿Qué países supieron adaptarse al sonido? ¿Se utilizó los idiomas de cada país, distintos
del inglés, para crear industrias nacionales? ¿Qué ocurrió con los narradores del cine
japonés? ¿Y con las grandes industrias del cine mudo europeo?

4. 1. Hacia las industrias nacionales. Europa.

• Ubicación histórica
• Planteamientos democráticos vs. totalitarios
• Tratado de Versalles
• Hasta el año 2010 tuvieron que pagar la deuda de la IGM. No les perdonaron nada. Los
daños de la IIGM no han sido pagados todavía. Esto va a marcar un poco la política que
se produce en Europa. http://www.publico.es/internacional/339704/alemania-paga-sus-
ultimas-deudas-de-la-primera-guerra-mundial

• Los fascismos y el comunismo soviético se había instaurado en algunos países

Europeos en los años 20. El primer fascista que llegó fue Mussolini. El futurismo se
relaciona con el fascismo, pertenece al fascismo italiano y en donde la guerra es
ensalzada. En los años 20 encontramos grandes hechos históricos que se van a
desarrollar, la revolución rusa, etc.
• El crack del 29 será un impulso para los totalitarismos en Europa y Japón. Llegada de
Hitler al poder.
• La URSS se encontraba pasando la mayor crisis desde su constitución. Grandes
hambrunas, la gente moría de hambre y evidentemente, el cine va a tener jóvenes
cineastas que revolucionaron el cine, pero que tras el paso al sonoro y la hambruna, se
van a quedar estancados. El arte que planteaban los soviéticos, el cine del 27-28 de
Pudovkin y Eisenstein entre otros, se va a cuestionar. Evolucionará al realismo.
Realidad del proletariado.
• La crisis económica llega a Alemania, Austria y a todas las democracias liberales de
Europa.
• El nivel de desempleados es altísimo. Crisis e inestabilidad política en todos los países.
• Llegada de forma democrática del partido nazi en Alemania en 1933. Hitler llega al
poder el 31 de enero de 1933 de manera democrática porque gana las elecciones, no
gana por mayoría absoluta, pero al llegar al poder desmantela todo lo establecido
anteriormente.
• En España se instaura la II República, 14 de abril de 1931. Durante 5 años estaría
vigente.
• Los partidos radicales proliferan por todo Occidente. Es una época de convulsión.
• El primer gran fracaso de las democracias liberales será en España con el golpe de
estado del general Mola y Francisco Franco que lleva a la Guerra Civil.
• El espíritu belicista y expansionista de Alemania se extiende por toda Europa. Las
democracias más sólidas como fueron la francesa y la británica se mantuvieron
neutrales e intentaron apaciguar a la fiera (Hitler).
• Alianza entre Italia y Alemana (a la que se uniría España después de la Guerra Civil)
• Guerra Civil como banco de pruebas de lo que vendrá a posteriori. La IIGM.

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CENTRÁNDONOS EN EL CINE DE LOS AÑOS 30 EN EUROPA Y JAPÓN:

• Se produce un shock con la llegada del sonoro.

• La onda expansiva del crash del 29 al llegar a Europa va a coincidir con la
expansión de cine sonoro de Hollywood. Los efectos de la explosión fueron
impresionantes.
• Los países europeos comienzan a percibir el gran poder del cine. Como arma
propagandística y como fuerza de estructuración nacional (imaginario). A través
del western, por ejemplo, se creó un imaginario de algo falso. Europa se da
cuenta de todo esto, ante el cine americano y reacciona creando industrias
nacionales.
• Necesidad de fomentar las industrias nacionales con ayudas o con
proteccionismo. Porque si no la cultura autóctona puede desaparecer.

ALEMANIA

• La gran excepción en Europa años 30. A pesar de la IGM logra hacer una
industria cinematográfica: UFA.
• Industria arraigada en los años 20 y con posibilidad de disputar la llegada del
sonido. La UFA surge como propaganda de la IGM se privatiza desde el año 22.
Tri-ergo: patentes de disco de plasmación del sonido les dio la opción de
posicionarse en un mercado que llegaría a tener 27mil salas.
• Aunque grandes directores se habían marchado a Hollywood.
• Se puede hablar de un antes y un después de la llegada de Hitler al poder.

• ALEMANIA AÑOS 30. EL CINE ANTES DE HITLER:

• Concepto claro de industria. Entretenimiento - Arte - Cultura popular. Conceptos

arquitectónicos de Bauhaus y cultura popular que se van a mezclar.
• Elenco de grandes directores/actores/técnicos
• Idea de innovación tecnológica
• Distribución de su producción a toda Europa. Incluso hubo acuerdo con majors
americanas para repartirse el mercado europeo.
• Con la llegada del sonido a Hollywood muchos actores alemanes no se adaptan.
es el caso de Emil Jannings. No se conformó con hacer papeles de malvado en
Hollywood y volvió a Alemania.
• La UFA es el gran ejemplo. Empresa privada. Pero hay productoras menores,
distribuidoras, exhibidoras, laboratorios, sindicatos cinematográficos y círculos
cinematográficos que se convertirán en el germen de las Filmotecas.
• El sonoro alemán recoge la herencia del expresionismo, dramas sociales, cine
policiaco.
• Va a apostar por el género musical. "El ángel azul".
• Género que es muy autóctono del cine alemán es el cine de montaña. El director
más importante es Arnold Fanck con su actriz principal Leni Riefenstajl, película
"La tormenta sobre el Mont Blanc". Hay una reflexión de cómo esto podía ser el
western para el cine hollywoodiense. No se expande a otros países el cine de
montaña.

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 • Los dos grandes directores alemanas de estos años serán:
• GEORGE WILHELM PABST:
• Director polémico. Liberal de izquierdas.
• Brillante carrera cine mudo
• Cine con gran carga social
• Creador del realismo social alemán
• La comedia de la vida ("Die 3 Groschen-Oper 1931") sobre la obra de
Bertolt Brecht.
• "Don Quijote" ("Don Quixote", 1933). Una de las mejores versiones.
• Emigró con la llegada de Hitler, pero volvió en 1938 y trabajó hasta los
años 50 con películas del régimen.
• FRITZ LANG:
• Maestro del cine mudo
• Se especializó en el cine policíaco.
• "M, el vampiro de Düsseldorf" ("M", 1931).
• "El testamento del doctor Mabuse" ("Des Testament de Dr. Mabuse",
1932).
• Fritz Lang, tras morir su mujer, tuvo una pareja guionista llamada Thea Von
Harbour, que fue una de las ideólogas nazis.
• Como en "Metropolis" que no queda claro su ideología.

• Libro: "De Caligari a Hitler" de Siegfried Krakauer.

* Visionado: "M, el vampiro de Düsseldorf". Vemos el principio de la película en clase. La

cuestión es cómo se mira la maldad, es un asesino de niños, el estado no va a poder
hacer nada, se unen los criminales de la ciudad para hacer algo. Idea desasosegadora
que va a continuar en la filmografía de F. Lang.

* Visionado: "El testamento del doctor Mabuse" de 1932. Vemos en clase un fragmento de
la película a raíz de un documental en el que Fritz Lang explica que pretendía ser una
película antinazi. El doctor Mabuse es un psiquiatra, Fritz Lang va a plantear las dramas
psicoanalíticas a Hollywood. Es un archimalvado psiquiatra que puede manipular las
mentes de los criminales. También cuenta el momento en el que Goebbels le propuso ser
un director del régimen tras ver Hitler "Metropolis" y "Los Nibelungos" y posteriormente
abandonó Berlín (él afirma que inmediatamente, pero un historiador confirma que fue más
paulatina su partida). Hizo 22 películas durante su exilio americano, algunas proyectos
personales y otras de encargo. Volvió en 1957 a Alemania a rodar dos películas de
temática india. "El doctor Mabuse" no se llegó a estrenar en Alemania hasta 1953.

• ALEMANIA AÑOS 30. TRAS LA LLEGADA DE HITLER AL PODER.

• Hitler es plenamente consciente de las capacidades y fuerzas del cine. (* El

profesor tiene un libro de esta temática publicado, en la biblio está)
• Crea en una de sus primeras medidas el Ministerio de Propaganda. A la cabeza
Joseph Gobbels.
• Cine como vehículo de expresión máximo de la propaganda. De la que fue uno
de los grandes maestros.
• Crea nuevos sindicatos afines al partido nazi
• Obligatoriedad de la raza aria a los trabajadores, razas inferiores un número
reducido de plazas. Excluidos judíos y ciertas razas.

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 • Férrea censura a tres niveles:
• Censura en el guión, siempre previo y cerrado
• Censura rodaje
• Censura montaje e incluso una vez estrenada

• Se busca eliminar cualquier posibilidad de un arte degenerado (expresionismo,

tradición cabaret berlinés, etc.)
• Los nazis prohibirán en su totalidad "El testamento del doctor Mabuse"
• El estado va a intervenir de manera total en la industria fílmica
• Crean el Filmkreditbank (banco de crédito cinematográfico). Financia el 50% de la
producción alemana hasta la entrada de la IIGM.
• Nacionalización de la UFA, otras productoras, laboratorios, distribución,
exhibición.
• El número de salas que abastecía la industria alemana es cercana a las 27000.
• La producción alemana durante la época nazi alcanza las mil películas
• La ficción se fue empobreciendo y no hay ni grandes directores, ni grandes
relatos. Muchos directores se fueron.
• La ficción tiene muchas carencias, pero el contenido documental/propagandístico
son lo más relevante.

• Hablamos de Leni Reinfestahl:

• "El triunfo de la voluntad" ("Triumph des Willens, 1936).
• "Olimpiada" ("Olympia", 1936)

• El cuadro favorito de Hitler, su modelo de abstracción era el arte realista. El

cuadro se llamó "Recuerdo de Stalingrado" de Franz Eichhorst. http://
www.elmundo.es/elmundo/2012/02/27/cultura/1330332628.html
• Durante la guerra, la propaganda y el antisemitismo se hace más brutal en ficción
como en el documental.
• Veit Harlan "El judío Süss" una película histórica que muestra el daño que
hicieron los judíos.
• Emil Jannings. Titulo de "actor del estado alemán" en 1941. Interpreta al prototipo
del héroe germano en las películas de la guerra.

* Visionado: "El triunfo de la voluntad". Es una de las obras más importantes de la

propaganda cinematográfica. En Nuremberg, el partido nazi celebra su gran congreso y
Riefenstahl debe rodar un documental para mostrar la exaltación del pueblo hacia Hitler.
Se ruedan los discursos, las manifestaciones, los grandes desfiles todos con una enorme
calidad técnica y una estética megalómana: La masa absorbe al individuo.
Vemos el inicio de la película. Los primeros compases muestran a un ser que baja del
cielo a la tierra, endiosado. Esta directora hizo otros documentales. Tiene un valor
histórico y espeluznante. Aparato audiovisual en torno a una idea concreta: la
propaganda, que tiene unos puntos de unión con "M". El horror en estado puro. Toda una
ideología para controlar a las masas, como también sucede en "Raza". Hitler = dios.

El cine alemán va perdiendo calidad en los años 30 en cuanto a narraciones fílmicas. Un

ejemplo de ello es el director Douglas Sirk cuyos primeros largometrajes son de los años
30, hechos en Hamburgo. Se convirtió en EE.UU. en un director muy importante de
melodramas "Obsesión", "Solo el cielo lo sabe", etc. Hay una tesis doctoral de González
Requena sobre este hombre en la biblioteca.

* http://cultura.elpais.com/cultura/2013/03/28/actualidad/1364478566_297335.html

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 4 - Abril - 2013

FRANCIA AÑOS 30.

• Muy influenciada por la gran depresión. Su industria no se pudo adaptar al sonido

de una manera adecuada porque se gastaron mucho dinero en las salas de cine
mudo. No supieron posicionarse y no invirtieron en patentes.

• Las causas:
• Falta de patentes propias. Escasez de fondos propios.
• Implantación empresas extranjeras de producción cinematográfica, los
estudios Joinville (Propiedad de la Paramount), Tobis (Empresa alemana),
etc. Se produce una colonización hollywoodiense y alemana.
• Hundimiento de las dos grandes empresas productoras francesas:
Pathé-Natan (era de origen judío, hizo unas grabaciones pornográficas
que le causó un estigma, ya que fue perdiendo adeptos en las salas, el
antisemitismo que se inició en Alemania recorrió toda Europa) y la
empresa Gaumont (sigue funcionando hoy en día).

• Primeras películas sonoras se produjeron en Berlín. Impulsadas por la productora

Alianza Cinematográfica Europea (filial de la UFA). Más tarde la empresa Tobis.
• Primeras películas sonoras francesas: "Le collier de la reine" (1929) de Gaston
Ravel y "Les trois masques (1930) de André Hugon.

• Primeros films sonoros con defectos comunes a las de otras cinematografías:

• Limitaciones técnicas.
• Lenta implantación equipos de sonido en sala.
• Difícil adecuación de los profesionales al nuevo sistema.

• Rápidamente se comienzan a rodar grandes películas.

• Se crea un concepto muy interesante y brillante. Realismo poético.

• Acercamiento a la realidad pero siempre con un anhelo de intimismo,
poesía y dulzura.
• René Calir "Bajo los techos de París" ("Sous les toits de Paris", 1930)
• Julien Duvivier "Poil de carotte" (1932)

• Como película relevante de comedia histórica: "La kermesse heroica" ("La

kermesse héroique", 1935) de Jacques Feyder.

* Visionado: reportaje de la película "La kermesse heroica" del programa Días de cine por
su 75 aniversario: http://www.rtve.es/m/alacarta/videos/dias-de-cine/dias-cine-75-
aniversario-kermesse-heroica/958953/?media=tve
Se cita a pintores como Brueghel. Idea del factor femenino, película para las mujeres que
eran las que llenaban las salas. Realismo político. Fobias/filias que se generan con la
nouvelle vague que le ponen una cruz al director.

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 • JEAN RENOIR
• Es hijo del pintor Pierre-August Renoir.
• Su cine es en gran medida deudor del cine de la pintura de su padres,
vitalista, lleno de ilusión y con personajes llenos de energía.
• Su obra pretende ser un retazo de la vida.

• Sus películas más importantes de este periodo son:

• "La gran ilusión" ("Le grande illusion", 1937)
• "La regla del juego" ("La règle du jeu", 1939)
• "Un día en el campo" ("Une partie de campagnie", 1936)

• La obra de Jean Renoir fue poco popular en la década de los 30. No fue de
gran éxito en Francia, pero se considera un gran director y un precedente de
la Nouvelle Vague.
• La nueva ola considerará a Jean Renoir como uno de sus padrinos.

* Visionado: "Jean Renoir parle de son art": www.youtube.com/watch?v=DSTbujrDVfI

• JEAN VIGO.
• Hijo de un anarquista.
• Cine ácrata, revolucionario. Punto de contacto entre el cine soviético y el
francés.
• Pero también un cine tierno, melancólico y poético.

• Murió muy joven de tuberculosis cuando finalizaba su primer largometraje:

• "Atalant" ("L'atalante", 1933-34) No pudo verla estrenada.

• No olvidarnos de sus dos cortometrajes:

• "A propósito de Niza" ("A propos de Nice", 1929).
• "Cero en conducta" ("Zéro de conduite", 1932).

* Visionado: Entrevista a Truffaut: www.youtube.com/watch?v=hzfvYSIIgyc.

* Visionado: Fragmento del cortometraje "Cero en conducta" donde unos niños hacen una
guerra de almohadas y el tiempo se ralentiza.

ITALIA AÑOS 30.

• Recordamos la llegada de Mussolini al poder en 1922.

• Primer país fascista del mundo. Concepto de fascio.
• Llegada del sonido permite la creación de un cine propiamente italiano.
• En los años 30 en Italia se va a crear una Dirección General de Cinematografía
(dependiente del Ministerio de Prensa y Propaganda). El estado va a regular la
cinematografía para controlarlo todo.
• Con el fin último de controlar la producción en Italia: argumentos, directores y
estética.
• 1935 se crean los grupos cinematográficos universitarios fascistas.
• 1936 Centro Sperimentale di Cinematografía di Roma (Primera gran escuela de
cine de Italia, y probablemente del mundo). Tendrá sus frutos 10 años después en
el neorrealismo.
• 1937 Festival de Venecia. "La Kermesse Heroica" obtuvo un premio.

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 • En 1936 se queman los estudios Cinès, sobre ellos construye Cinecitá.
• Se controla la entrada de las películas extranjeras. Proteccionismo del producto
italiano contra el americano.
• Obligatoriedad de la versión doblada.

• El cine italiano se divide en dos grandes bloques:

• Comedias intrascendentes, ambientadas en países exóticos o alejados.

• Muestra una sociedad frívola o decadente.
• Estas películas se las denomina "comedias de teléfono blanco". Son
comedias intrascendentes, se copian las comedias intrascendentes
de escapismo como la screwball.

• Por otro lado, películas históricas e imperialistas:

• Clara vocación fascista
• Evocación de una época imperial
• Alessandro Blasetti "Vieja guardia"
• Carmine Gallone "Escipión el africano"

GRAN BRETAÑA AÑOS 30.

• Reino Unido en el cine silente tuvo mucha relevancia. Recordamos la Escuela de

Brighton en 1908. Paso del modelo de representación primitivo al institucional.
Montaje, tipo de planos, etc.
• El púbico en el cine británico es muy numeroso. Estable y fiel. Que dé mucho
dinero.
• Sobre todo es un público femenino. Se ve en una película de David Lean, "Breve
encuentro".
• El colonialismo del cine de Hollywood.
• En 1927 se promulga la Ley de Protección del Cine Inglés: Cinematograph Film
Act.
• La función de esto es invertir en el cine local.
• Se obligó a una producción mínima en producto británico.
• Que los distribuidores y los exhibidores tuviesen en cuenta el producto inglés.
Proteccionismo.
• Escuela de formación para muchos cineastas.

• Se crean 3 grandes productoras en el Reino Unido:

• Gaumont British Pictures Corporation (1924).
• London Film Production (1932). Alexander Korda. Dos hermanos que van
a ser productores y directores.
• Los hermanos Korda serán muy relevantes en esta época del cine
inglés.
• Alexander Korda como director y productor:
• "La vida privada de Enrique VII" (1933).
• "Don Juan" (1934).
• "Rembrandt" ("Rembrandt", 1935).
• Associated British Picture Association (1933).

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 • ALFRED HITCHCOCK:
• "La muchacha de Londres" ("Backmail", 1929).
• "39 escalones" ("The Thrity-nine Steps, 1935).
• "El hombre que sabía demasiado" ("The Man Who Knew Too Much", 1934)
• "Sabotaje" (1936).

* Visionado: "Sabotaje", 1936. Vemos la secuencia del niño en el autobús con la bomba
en un paquete envuelto. La música ayuda muchísimo, junto con la repetición. Cuando
estalla, contrapunto con el plano de los que se están riendo. Manipulación del montaje, la
idea del montaje como contraposición.

10 - Abril - 2013
(no vine a clase, apuntes de Sheila, los de Helena en hotmail)

* Recomendaciones:
* Exposición sobre Georges Mèlies, la magia del cine en Caixa Forum, Madrid
* Los vídeos de José Medina

• El cine documental será un punto fuerte del cine inglés.

• Robert Flaherty (Nanuk, el esquimal)

• ¿Por qué y cuál es la función del documental?
• Tiene su idea en el concepto de Imperio Británico, al tener tantas posesiones
tienen un mercado muy amplio y espacios que pertenecen a ellos.
• Luego hizo "Hombres de Arán: hombres y monstruos" en 1934.

• Hay que citar el caso de Michael Powell: se formó en las películas de cuota (cuota
quickies) películas que el gobierno británico obliga con una ley de 1927 para protección
del cine británico, obligando a producirse x películas y se destina un dinero en
contraposición con el cine americano. Esto fue muy criticado.
• Pero en 1938 con muy poco presupuesto rodó The edge of the world (1937): película
pseudodocumental, con actores también, que se tuvo que subtitular por el acento.
• Esta película conjuga la tradición documentalista con la ficción. Es uno de esos relatos
primigenios de realismo europeo. El productor Alexander Korda vio este largometraje y
lo llevó a trabajar con él. Fue el inicio de una larga y brillante carrera.
• Descubridor de grandes historias de Hollywood como Deborah Kerr.

* Visionado: "The edge of the world" (Michael Powell, 1938).

40 años más tarde hace un documental, vuelve a la isla de Foula.

LA URSS AÑOS 30

• Años de represalias políticas que se conocería como La gran purga.

• La incorporación de la URSS al sonido será muy lenta y pausada.
• Inmensidad del país / salas de cine del enorme país se quedaron obsoletas. Se gastó
mucho dinero cuando era una época dura en la URSS y la gente moría por las calles.
• Hasta 1934-35 la producción en su mayoría sigue siendo muda.
• En 1930 Boris Shumiatski se pone al frente de la administración general de la industria
fotocinematográfica, que va a marcar muy claramente por dónde tiene que discurrir la
cinematografía soviética.
• Boris Shumiatski va a lograr que el cine abandone los planteamientos del FEKS.

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• FEKS (Factoría del Actor Excéntrico).
• S.M. Eisenstein y Lev Kulechov eran deudores de este sistema.
• Pero se produce una segunda revolución en el cine ruso, o mejor dicho
contrarrevolución (política cinematográfica contrataría a las vanguardias). Será un cine
realista, mostrando al proletariado.
• La manera de trabajar del gobierno soviético son los planes quinquenales (5 años). Los
dos planes que influyen serán los que van de 1928-1932 y de 1932-1937
• La intención del cine soviético es crear una industria nacionalizada que superase a la
industria de Hollywood.
• "Nos vemos obligados a pedir a nuestros creadores obras dotadas de una estructura
narrativa fuerte. Solo de este modo podrán convertirse en un espectáculo al servicio de
las masas populares".
• Los grandes directores del cine mudo ruso, no continúa su trabajo en el sonoro ruso.
Eisenstein lo hará, pero se va a Hollywood, luego a México, un país en el que también
podría surgir una revolución.
• Es la época del realismo socialista.

El comité de cine formado en 1938 establece unas nuevas normas de trabajo:

1. No puede empezarse ninguna película sin haber sido aprobada.
2. Ni se empezará ninguna sin título ni guión.
3. Un departamento de guiones dispondrá de una reserva y abastecerá a los grupos
de realización.
4. Queda prohibido cualquier cambio en un guión aceptado.
5. Se dejan de financiar películas con equipos que tuviesen malas recaudaciones
anteriores.
6. Los ahorros sobre los costes de producción alimentarán un fondo especial que
otorgan primas a los creadores más meritorios.

• Dos estudios se crean en estos años:

• LEINFILM
• MOSFILM

• Cine como propaganda con el fin de llevar el comunismo a todo el mundo.

• El camino de la vida (1931), de Nikolai Ekk, primer film sonoro, sobre niños vagabundos
en un centro de reeducación. Vendido a 26 países.
• Grigori Aleksandrov hizo la primera película comedia musical rusa, llamada: "Chicos
alegres", de 1934.
• Gran estrella rusa femenina Lyubov Orlova. Mujer del director Grigori Aleksandrov.
• "Lenin en octubre" (1937) y "Lenin en el año 1918" (1939), de Mikhail Romn.

• EISENSTEIN
• La gran película rusa de estos años, será:
• "Alexander Nevsky":
• Es una película que aprovecha un héroe histórico ruso y se enfrentó con los
germanos y los venció. Ponen mucho énfasis en eso.
• Antes de que se estrenase, Stalin llega a los acuerdos con Hitler y la película es
parada. Fue mandado a Siberia y estuvo mucho tiempo sin hacer cine.

* Visionado: de "Alexander Nevsky". Es un príncipe real, pero aquí se cargan las tintas
contra el enemigo alemán, con las cruces (cruzadas) fieles a Roma. La realización es lo
importante. Einsenstein se ve que sigue pensando en mudo porque a pesar del sonido no

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hay apenas diferencia. Hay una conciencia clara en el cine de lo que va a pasar, de lo que
se avecina, por eso se prohibió la película. Matan a hombres y niños, no a mujeres.

* Visionado: de "The edge of the world"

ESPAÑA AÑOS 30

• Época convulsa y trágica

• Alzamientos y revoluciones se produjeron hasta la llegada de la Guerra Civil.
• Fracaso de dos modelos de gobierno: Monarquía y República Democrática.
• En España se instaura la II República, el 14 de abril de 1931 (hasta el 18 julio de 1936).
• Todas las contradicciones, las crisis económicas y sociales de la década tuvieron su
versión en España. La repercusión del crack del 29 llegará ahora a España.
• Como conclusión la Guerra Civil más violenta de Europa Occidental.

• "El Misterio de la Puerta del Sol" es la primera película sonora en España (1929), de
Francisco Elías. Se considera la primera película sonora española, pero tiene muchos
defectos técnicos ya que no había equipo adecuado ni dinero suficiente. Además no
había salas para proyectarla, porque no estaban equipadas aún para el sonido.

• Resulta fácil deducir lo lento e ilógico de la llegada del sonoro a España.

• Imposibilidad de producción por las duras condiciones económicas.
• Dos opciones: Sonorización o Rodaje en el extranjero (Alemania). El sonido empezó mal
y sigue mal (hasta en los años 80 se seguían sonorizando y doblando las películas, no
se hacían con sonido en directo). Hoy en día el problema está en el reducido número de
técnicos de sonido de cine, además de que una persona hace el trabajo de 20 personas
y se sigue sin dar importancia al sonido. Muchas veces no se entiende lo que se dice
porque los actores no vocalizan.
• Las versiones en castellano de Hollywood llegan y tienen importancia en nuestro país
hasta 1935, eran muy populares.
• El sistema que impuso Hollywood fue el de las versiones. ¿Por qué? Porque es más
barato y así afianzan su star system (no hacen versiones con otros actores).
• Ni los gobiernos de la monarquía, ni de la República prestaron mucha atención al cine
por razones obvias, ya que estaban preocupados por encontrar un sistema político que
hiciera avanzar al país.
• El cine republicano buscará conectar con la cultura popular y no va a plantearse ninguna
propuesta arriesgada. No hace cine de vanguardias. Se empiezan a crear industrias en
Madrid, Barcelona y Valencia. El sonido avanza.

• El 15 de diciembre de 1931 en Madrid hay un Congreso Hispanoamericano de

Cinematografía. No llegó a nada, pero se ve la idea.
• Periodistas, productores y empresarios. Hay ideas grandilocuentes aprovechando la
llegada del sonido. Pero no se llegó a nada.
• Primeros estudios sonoros fueron los Estudios Orphea, en Barcelona (1932). Iniciación
privada.
• En 1932 aparece CIFESA, de la familia de origen valenciana Casanova, primero es
distribuidora (Columbia) y luego productora.
• En 1935 Ricardo María Urgoti apoyado por Luis Buñuel crea la productora Filmófono,
que también era un sistema de sonido sincronizado con el que se graban las primera
películas sonoras. Buñuel venía de la vanguardia más pura. Buñuel tiene mucha
importancia en esta época y le convencen para que se ponga a crear películas.

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Luis Buñuel proviene de la vanguardia más pura: "El perro andaluz", "La edad de Oro",
etc. Llega a España y lo primero que hace con la república es un documental atroz: "Las
Hurdes, tierra sin pan". En 1935 hace una productora (Filmófono) pero no hace cine
transgresor sino que Filmófono hace comedias y cine popular como "Don Quintín el
Amargao" (Luis Marquina), "La Hija de Juan Simón" (Jose Luis Sainz de Heredia),
"¿Quién me quiere a mí?" (Heredia) y "Centinela Alerta" (Jean Gremillon). Luego en
México Buñuel dirigirá una versión de "Don Quintín el Amargao".

• FILMÓFONO
• Don Quintín el amargao (Luis Marquina)
• La hija de Juan Simón (José Luis Sáenz de Heredia).
• ¿Quién me quiere a mí?, de José Luis Sáenz de Heredia.
• Centinela alerta, de Jean Gremillón.

• CIFESA
• Gran productora de los años 30 y 40.
• A la época de la Segunda República se la conoce como la Edad de Oro. Hubo un
intento por acercar el cine al pueblo. Se adaptaron novelas y obras teatrales.
• Éxito popular, pero con obras de poca calidad.
• Los directores más importantes y sus obras:
• Benito Perojo: "La verbena de la Paloma" (1935) y "El hombre que tenía el
alma blanca" (1934)
• Florián Rey, director aragonés: "Nobleza Baturra" (1935), "Morena
Clara" (1935), "La hermana de San Sulpicio" (1934) con la presencia de
Imperio Argentina. Es la época del star system español, con tintes de cultura
popular.
• Otros directores importantes: Luis Marquina o Edgar Neville.

*Visionado: de Nobleza Baturra (1935) de Florián Rey.

Vemos el inicio. Cultura popular: tierra, campo, icono de la canción: Imperio Argentina.

• Nivel documental. La terrorífica:

• "Las hurdes, tierra sin pan" (1932)
• De Luis Buñuel
• Se aleja del surrealismo y plasma la realidad de una España muy profunda. Hay
mucha manipulación y controversia, pero consigue que se hable de lo que hace y
lo que critica.
• Salto en dos años del surrealismo más puro, al realismo extremo.

• El golpe de Estado del General Franco y del General Mola fracasa y se inicia la Guerra
Civil.
• La mayoría de la industria, estudios y laboratorios están en la zona leal a la República:
Madrid - Barcelona y Valencia.
• Se cancelaron algunos proyectos, otros se suspendieron y comenzó a realizarse cine de
propaganda.
• Se crea una productora anarquista llamada Laya Films o Sindicato de la Industria del
espectáculo (SIE). Produce:
• "Aurora de esperanza" (1937), de Antonio Sau Olite.
• La gran película de propaganda y buque insignia del bando republicano será
"Sierra de Teruel" (1938-1939), de André Malraux. Que no se llega a estrenar por
el avanza de los franquistas (1989-1939). Se estrenará más tarde.

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• El bando franquista presenta total carestía de medios para rodar y realizar películas.
• La junta militar crea un órgano de censura para controlar las películas que se exhiben.
• Alemania, Italia y Portugal llegan a acuerdos con los alzados para préstamo de equipos
y materiales de rodaje.
• Los directores más populares de la República se pasan al Bando Nacional: Florián Rey,
Benito Perojo, Edgar Neville y Sáenz de Heredia.
• Así como la estrella Imperio Argentina.

• Gracias al apoyo de la UFA se crea HISPANO-FILM PRODUKTION. Directores

españoles rodaron en Berlín.
• Por ejemplo Benito Perojo rodó "El barbero de Sevilla" (1938) o "Suspiros de
España" (1938)
• Florián Rey hace "Carmen la de Triana" (1938)
• Eran películas que ya habían rodado en ESpaña en la República.

* Recomendación del libro: "El pasado es el destino. Propaganda y cine del bando
nacional en la Guerra Civil" del profesor Tranche.
* 8Madrid es de Cerezo.

11 - Abril - 2013

Hola me llamo Ruth y ... me gusta el chocolate y las navajas de Albacete. Poesía
postmoderna por Helena y Miriam.

* Recomendación: Cinefórum Walden

* Cartel del Festival de Sitges 2013: está dedicado a "La Semilla del Diablo". Va a haber
homenaje a Takashi Miike.
* "El éxito del Señor Rodríguez" de Malik Bendjelloul.

Sleeper: película que funcionó así "Sucedió una noche" de Frank Capra.

JAPÓN AÑOS 30:

• Japón vivirá casi en la época medieval feudal

• Rápida industrialización en los inicios de los años 30. La convierte en la primera
fuerza Asia
• Se basa en la importación de recursos naturales de los que carecía la isla y de la
exportación de sus productos
• El gran crecimiento llevó consigo la autoconsciencia de que no se podían
autoabastecer. Comienzan una carrera colonial por Corea, Manchuria, China,
Filipinas, etc. Las matanzas en las distintas colonias de Japón durante su
expansión son atroces y los los actos en la IIGM son bastante impactantes.
• Esto llevaría a su entrada en guerra con los EE. UU.
• Aunque haya una modernización industrial hasta los años 30, el régimen político
es imperial en el que el emperador es un ser divino, es una teocracia, que había
muerto en Europa casi 150 años antes. Hay que tenerlo en cuenta porque incluso
finalizada la IIGM esto se sigue manteniendo. Se va a enfrentar durante esta
expansión con un nacionalismo exacerbado contra Oceanía, desencadenará en
el ataque de Pearl Harbour.

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 • Es decir, que Japón como isla tenía una vocación aislacionista, pero sus
necesidades la llevaron a salir en busca de recursos.
• En el cine esto se tradujo en que su cine mudo fue diferente al occidental.
• Cine propio y característico en estilo, estética, temática y exhibición.

• El elemento más característico del cine silente será el Benshi o narrador, esto fue
algo común a todos los cines.
• Pero en Japón el proceso fue muy distinto. El Benshi contaba y explicaba la
escena. La tradición del kabuki del teatro (tres tipos del teatro de Japón) del
bunraku la usaba el benshi.
• El benshi se inventaba los diálogos y utilizaba entonaciones distintas para las
voces de cada personaje.
• Cada cine tenía un benshi que se anunciaba con el mismo tamaño de letras que
las películas que se proyectaban
• Las películas en esos tiempos llevaban muchos tiempos muertos para la
intervención del benshi
• En Japón, en la década de los 30, llegó a haber 7000 benshis
• Se posicionaron claramente contra el sonoro y con la llegada de las películas con
sonido hubo huelgas y tumultos
• Pero a mitad de la década de los 30, este se había impuesto en Japón.

* Visionado: Otowaza and Benshi narration. Sobre cómo hacían estas narraciones en el
cine japonés.

• El cine japonés se desarrolló a parte del de Hollywood. Las películas de Frank

Borzage llegaron a Japón, como "El séptimo cielo".
• Las producciones estadounidenses se estrenaban en la isla, pero loa autores
japoneses fueron capaces de generar sus propios géneros y tener gran
popularidad.

• Basados en sus propias narraciones dieron dos géneros:

• El Jidai-Geki es un género histórico ambientado en el Japón feudal. Los
protagonistas son Samurais, nobles o comerciantes que deben luchar por
defender su honor, su amor y su lealtad. Se suelen ambientar en Kyoto, la
antigua capital de Japón. El gran director del género era Kenji Mizoguchi.
• El Gendai-Geki es un género moderno ambientado en la ciudad de Tokio o
en las periferias de la misma. Sus protagonistas son de una clase
económica media o baja y luchan por mantener la dignidad y la alegría
ante los problemas de la vida, la carestía, la soledad o la vejez. El gran
director de este género fue Yasujiro Ozu, director de "Cuentos de Tokio".
Es más realista, más moderno.

En los últimos años ha habido una revalorización sobre el cine japonés, en el festival de
Gijón se ha hecho un homenaje a este cine. Últimamente es más cercano a nosotros.

Hay que tener en cuenta que todo esto se da en una ideosincrasia de estar en un régimen
pseudofeudal.

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TEMA 5. LA DÉCADA DE LOS CUARENTA Y CINCUENTA EN ESTADOS UNIDOS: EL
ESPLENDOR DEL LENGUAJE CLÁSICO O DE HOLLYWOOD.

5. 1. Segunda Guerra Mundial: propaganda e industria

5. 2. La consolidación de los géneros: el triunfo de la industria
5. 3. La crisis de la industria: llegada de la televisión y aspectos sociales
5. 4. La caza de brujas, los cambios culturales y el cambio generacional
5. 5. El agotamiento del lenguaje clásico

• ¿Cómo contribuyó la industria americana en la Segunda Guerra Mundial?

Presentación del desarrollo del lenguaje clásico y el inicio de su crisis ¿Qué
factores influyeron en el final del período dorado de Hollywood?

5. 1. SEGUNDA GUERRA MUNDIAL: PROPAGANDA E INDUSTRIA

• Aislamiento USA
• Pearl Harbor - Domingo 7 de diciembre de 1941
• Narraciones fílmicas
• "De aquí a la eternidad" ("From here to eternity", 1953)
• "Tora! Tora! Tora!" (1970)
• "El final de la cuenta atrás" ("The final Countdown", 1980)
• "Pearl Harbor" (2001): Este ataque supone la entrada en la guerra de los EE. UU.
• Todo Hollywood se implica en esta guerra.
• Howard Hawks - John Ford - Frank Capra - William Wyler (Va a estar en combate y va a
realizar películas como "La señora Miniver" y "Los mejores años de nuestra vida") - John
Sturges (no confundir con Preston Sturges): ellos van a hacer películas incluso yendo al
campo de batalla.
• Algunos van al frente y otros realizan films en el propio Hollywood.
• Actores, directores y técnicos: Clark Gable (su mujer, Carole Lombard, murió y él llegó a
combatir, se hizo piloto de aviones), Alfred Hitchcock (su madre nunca llegó a viajar a
EE. UU., pero él no llegó a viajar al frente, a volver a Londres), Gregg Toland.

Es un cine de propaganda, muy educativo, tiene menos valor fílmico de lo que hizo
Eisenstein en su momento. Son Filmes muy educativos, presencia de las armas,
innovación tecnológica: utilización de cámaras especiales de 16mm.

* Visionado: "Why we fight. Prelude to war" de Frank Capra, de 1942. Primer episodio de
una serie de documentales que hizo F. Capra. Hizo un total de 7. Está explicado el
aislacionismo, se justifica por qué mandan a la guerra a sus chicos a luchar allí. Enlace:
www.youtube.com/watch?v=ZBtdTiHsQqI

* Visionado: "Memphis Bell. A Story of a Flying Fortress" del año 1944, cuando la guerra
había tomado otro cariz. Incluso aparecen soldados reales, vemos la parte en la que
aparece la familia real y el final. Enlace: http://archive.org/details/MemphisBelle

* Visionado: "Thunderbolt" de William Wyler en 16mm original, de 1944. Esa innovación

tecnológica permitirá grabar bombardeos desde este avión llamado thunderbolt. Lo
presentó James Stewart. Enlace: www.youtube.com/watch?v=ugFV-oo8Eyw

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En el frente japonés se acaba la guerra con la bomba atómica, la máxima expresión de la
razón humana. Se produce la fractura de lo que suponía la IIGM "El sueño de la razón
produce monstruos" de Goya. Aquí se llega al hecho de que somos capaces de
aniquilarnos a nosotros mismos.

Cambia todo, esa Alemania y ese Japón devastados cambian las normas, la ciencia. Toda
la tecnología es alemana, los judíos alemanes crearon la bomba atómica, que emigraron
a EE. UU. y la produjeron allí.

EE. UU. DESPUÉS DE LA GUERRA

• La llegada de Harry S. Truman sucesor a la muerte de Franklyn Delano Roosevelt.
• Fue reelegido en una ocasión
• Se plantea una situación mundial mucho más compleja
• Se incita lo que se denominó la guerra fría. Una auténtica guerra que duró 44 años. La
guerra fría es una guerra, tal cual, de la que hubo una sucesión de guerras, se inicia en
1945.

GUERRA FRÍA
• A partir de los primeros años 50, la guerra fría toma un carácter global
• En 1953 los republicanos llegan al poder y lo hacen de la mano de Ike, Dwight D.
Eisenhower, el responsable militar del desembarco en Normandía.
• El miedo al comunismo que se comienza a ver como un enemigo real va a marcar la
década de los 50 y se va a plasmar en las listas negras. También en una nueva guerra,
la guerra de Corea: 1950-53. Se firma un armisticio, la guerra queda en tablas y el
armisticio se ha vuelto a abrir en la actualidad.
• Se produce la llegada de un nuevo medio a todos los hogares estadounidenses. El
mundo se plantea como un tablero de ajedrez. Hasta 1948 no surge la ONU.

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5. 2. LA CONSOLIDACIÓN DE LOS GÉNEROS: EL TRIUNFO DE LA INDUSTRIA

Antes de entrar en cómo los géneros se siguen desarrollando hay que hablar de
"Ciudadano Kane" porque es un punto de inflexión dentro del cine hollywoodiense, está
inspirado en un personaje real: Hearst. Fue un desastre en taquilla como "Metrópolis" y
"Amanecer". Gregg Tollan había ganado un Oscar por "Cumbres Borrascosas"

ORSON WELLES
• Fue un niño prodigio.
• Carrera en el teatro desde Shakespeare a un teatro Underground, que se desarrolló en
los años 30 en NY. Conocía a Shakespeare desde pequeño porque sus padres le
habían hecho aprenderse todas las obras cuando era pequeño.
• Éxito sin precedentes de la guerra de los mundos de H. G. Wells en la radio. Fue el día
de antes de Halloween. En la radio, el otro medio que lucha contra el cine. El programa
de radio lo produjo la CBS.
• Esto supuso la fama y éxito mundial de este joven.
• Hollywood y en concreto la RKO, le dieron control absoluto sobres su primera obra. Algo
que no le volverían a conceder. Todos los actores que aparecen en "Ciudadano Kane"
se los llevó con él para trabajar, Mercury Theatre.

Orson Welles llamó a Gregg Tollan y vio 39 veces "La diligencia", así consiguió el
contactazo para hacer su primera película. Manera de si no sabes hacer algo, te rodeas
de los mejores técnicos. Como el montador Robert Wise, para la música, llamó a Bernard
Herman que hizo una de sus primeras obras maestras, autor de los cuchillazos de
"Psicosis", tiene cientos de Bandas Sonoras. Uno de los mejores músicos de la historia
del cine.

* Visionado: "Ciudadano Kane" de Orson Welles, 1941, se estrenó el 1 de mayo de ese

año. Considerada la mejor película de todos los tiempos. Se presenta como Mercury
Theatre. Vemos en clase el principio. Utiliza el código de una película de terror. Toda la
peli se construye en la búsqueda de quién era Charles Foster Kane. Narración
fragmentada como algo innovador.

* Recomendación: "RKO 281"

17 - Abril - 2013

* Congreso de masculinidades en la que el profesor presentaba algo. Workshop. Roman

Gubern. Homenaje al profesor Paul no sé qué. Guionista de El Terrat que presentaba
Boardwalk Empire y una guionista de 11-M.

II GUERRA MUNDIAL: EL CINE NORTEAMERICANO HASTA EL 1945

• Indignación de los grandes estudios por la neutralidad de los EE. UU. Recordemos que
en los grandes estudios sus fundadores eran casi todos judíos, por ello existía esta
indignación, había una queja sobre por qué no intervenían. La familia de Billy Wilder
murió en un campo de concentración, por ejemplo.

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• Hay dos ejemplos claros previos a la guerra que hacen un llamamiento de alarma:
• "Me casé con un espía nazi" ("The man I married, 1940), de Irving Pichel.
• "El gran punto de alarma lo dio Charles Chaplin "El gran dictador" ("The great
dictator", 1940)
• Se autoproduce. En la UA.
• Hace un falso biopic (biographical picture) sobre Hitler
• Alegato en pro de la razón y el entendimiento. Máxima manifestación de la
nación: bomba atómica, somos capaces de autodestruirnos.
• Se alerta del genocidio.
• Hay una escena increíble que es el alegato final, es speech final, que a
pesar de odiar el cine sonoro, habla de esclavitud. Llamamiento elocuente
de alguien a quien no le gustaba hablar.

* Visionado: "El gran dictador": http://www.youtube.com/watch?v=3cFTJ9q5ztk

Todo lo que hemos hablado de la esclavitud y la razón está plasmado ahí. La película se
estrena en octubre de 1940 y se reestrena en marzo de 1941. En el movimiento gestual y
en los discursos imita a Hitler, él hacía constantemente un discurso aludiendo al corazón,
a la lucha. La sinrazón triunfó.

• Una vez que se produce el bombardeo de Pearl Harbour, la implicación de Hollywood es

total.
• Dos formas de implicarse.
• Documentales propagandísticos (los noticiarios o documentales no eran comunes
en Hollywood)
• Películas de ficción a favor de los valores norteamericanos.

• Documentales con propósito de subir el ánimo de las trompas

• William Wyler y Howard Hawks fueron al ejército del aire. También James
Stewart.
• John Ford rodará el desembarco de Italia y Normandía. Junto a Gregg Toland.
• John Huston se acerca a los hospitales psiquiátricos para hacer documentales
sobre la gente que tenía traumas de la guerra. * Recomendación: "The master".

• En ficción también se produce un cambio en la narrativa:

• Cine basado en campañas bélicas. Ej. "Objetivo Birmania", 1945, de Raoul Walsh
• Cine exaltación patriótica. "El sargento York" ("Sergeant York", 1941) de Howard
Hawks.
• Cine colaboración con aliados (incluso exaltación URSS) "También somos
humanos" ("Story of GI-JOE) de William A. Wellman, 1945.

• Pero los ejemplos de esa narrativa que se adapta a la guerra más brillante y que no son
películas de guerra, sin duda son:
• "Ser o no ser" de Lubitsch. Producida por Alexander Korda, de origen judío-
húngaro que trabajaba en Inglaterra.
• "Casablanca" de Michael Curtiz

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 NUEVA CONSOLIDACIÓN DE LOS GÉNEROS: EL TRIUNFO DE LA INDUSTRIA
(POSTGUERRA)

• Durante la IIGM se replantean muchos de los géneros.

• En EE. UU. se mantuvo una vida normal. Lejos de los bombardeos.
• Se acudía al cine con normalidad. Una vez finalizada la guerra se acudía al cine aún con
más frecuencia
• Se baten récords de espectadores en sala. Los mayores ingresos de la historia de las
majors.
• Después de la guerra el triunfo de la industria hollywodiense sí que se convirtió en
global. Ya que en Europa quien hacía frente a EE.UU. era Alemania.
• El modelo de producción de los estudios se podía considerar un éxito de modelo de
negocio que ahora buscaba reinar en nuevos mercados. El imperialismo llega al cine,
incluso exportan sus deportes nacionales como el baseball a Japón.
• Los vencedores cuentan la historia.
• Parecía que el cine de Hollywood era un ente inquebrantable.

• Pero al final de los años 40 hay varios factores que suponen una brecha en el modelo
de estudios clásicos. Tres son las causas:
1. Las leyes anti-trust se hacen más estrictas.
2. Cambios sociales ocasionados por la postguerra/nueva sociedad. Factor social
y psicológico. Baby-boom tras la muerte de la guerra. El psicoanálisis va a
tardar muchos años en imponerse en EE. UU., "Recuerda" de Hitchcock. El cine
va a ser uno de los primeros que va a acogerse a esta idea.
3. La llegada de la televisión. A finales de los 50 empieza a haber tv en los
hogares, programación continua.

Final del sistema de estudios en 1959, no es que desaparezcan, pero empiezan a

funcionar de otra manera.

* Recomendación: mañana se presenta un libro de J. A. Bardem en la Filmoteca, Antonio

Castro.
* "El hombre que mató a Liberty Valance" la ponen en la filmoteca.

5. 2. 1. CINE NEGRO

• Es el género que nace en este momento, un momento preciso histórico.

• Es un género nuevo.
• Se define por su pesimismo moral. Narración muy pesimista.
• Unido a la tragedia de la guerra. Como el cine de gángsters. Idea de pesimismo global
por la GM.
• Tiene una temporalización bastante clara, desde 1941 a mediados de los años 50. Se
considera la primera película de cine negro "El halcón maltés" de John Huston.
• Características visuales y narrativas muy marcadas. Se define por el blanco y negro. Se
mezcla género con estética.
• Los personajes del cine negro van evolucionando en maldad.
• Se plantean en muchas ocasiones triángulos amorosos, con situaciones escabrosas
sobre todo a nivel de diálogos.
• Películas: "Perdición", "Chinatown" como ejercicio de estilo.
• Se muestra de una manera clara la angustia y la desesperación.

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• Identidad femenina de femme fatale. Las vampiresas de las pelis de Murnau son un
antecedente. Aquí es una de las piedras angulares en las que se forma este género.
Como en "Laura" de Otto Preminger. Llevan al hombre por distintos malos caminos.
• Relativismo moral muy criticado y autocensurado, imponiendo finales absurdos.
• El arco de arrepentimiento. En casi todos los grandes relatos de los grandes directores.
Idea que se copia en las series de tv, aquí en España en "Sin tetas...". Un personaje
malo que puede llegar a ser bueno por la intromisión de un personaje femenino. En
"Perdición", el hombre es capaz de matar al marido por cobrar una póliza de seguros, es
Edward G. Robinson quien le hace entrar en razón. El código Hays sigue siendo tajante:
si haces algo mal, tienes que morir.
• Iluminación con "luz negra":
• Se suponía que estas películas se fotografían al revés que las de los demás
géneros; en vez de ir sumando luces hasta tener una imagen brillante, los
operadores del cine negro apagaban uno a uno los proyectores hasta que solo
quedaban sombras, contraluces y juegos de claroscuros violentos. Los encuadres
de los planos son muy barrocos y estudiados, la composición suele ser compleja
y saturada de personajes y acciones. Influencia del expresionismo.
• Los diálogos ocultan casi siempre dobles significados para ocultar las pulsiones
sexuales (modo de hablar irreal).
• Brillantez de alocuciones, hachazos invisibles (frases cortantes).
• Película primigenia o fundacional del cine negro "El halcón maltés" de John Houston.

* Visionamos en clase un reportaje de la película "El halcón maltés" emitida en Días de

cine. Enlace: http://www.rtve.es/alacarta/videos/dias-de-cine/dias-cine-70-anos-halcon-
maltes/1229229/
Sale Peter Lorre que era el protagonista de "M, el vampiro de Dusseldorf". John Huston
hizo muchísimas películas como guionista y dio el salto en "El halcón maltés", renunció a
su dinero como director y solamente cobró como guionista por esta película. Gente joven
que en su momento fue capaz de dar el salto, como en el caso de Billy Wilder con su
película "Perdición".

• Otras películas relevantes:

• "Laura" (1944) de Otto Preminger.
• "Perdición" ("Double indemnity", 1944) de Billy Wilder.
• "Detour" (1945) Edgar G. Ulmer. Fotografía de la ansiedad y de la angustia.

• Siguientes años, a partir de 1946, que también tienen películas importantes como:
• "El sueño eterno" ("The big sleep", 1946) de Howard Hawks
• "Gilda" de 1946, dirigida por Charles Vidor.
• "Retorno al pasado" ("Out of the past", 1946) de Jacques Tourner
• "La jungla de asfalto" de 1950, John Huston
• "La dama de Shanghai" de Orson Welles de 1947.
• "Misterio tras la puerta" de Fritz Lang

• Se produce una hibridación en otros géneros del cine negro. Como en "El crepúsculo de
los dioses" de Billy Wilder.
• Epílogo.
• Películas de hibridación:
• "Atraco perfecto" ("The killing", 1956) de Stanley Kubrick. Historia contada desde
distintos puntos de vista, con gran maestría.
• "Sed de mal" ("Touch of evil", 1958) de Orson Welles. Evolución hacia la maldad,
regreso de Orson Welles al cine. Aparecen muchos elementos de maldad.

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* Visionado: principio de "Sed de mal". Regreso de Orson Welles a Hollywood. Un género
que está en desuso es una buena manera revitalizarlo con este plano secuencia de
arranque.

En la gran depresión triunfan los monstruos, en la postguerra el cine negro. La gente

quiere ver cosas peores de las que vive, masoquismo.

18 - Abril - 2013

"Cautivos del mal", dirigida por Vincente Minelli en 1952. En teoría es un biopic de David
O' Selznick, fue quien trajo a Hitchcock a Hollywood. Productor de "Lo que el viento se
llevó", "Rebeca", etc. Cine dentro del cine. Sobre los años 50 hay mucha reflexión sobre el
cine, como también en "El crepúsculo de los dioses", "Cantando bajo la lluvia", etc.

5. 2. 2. CINE MUSICAL

• Las figuras que estaban en los años 30 se mantienen. Sigue muy anclado en sus
protagonistas.
• Fred Astaire (gran bailarín) va a fichar por MGM (idea fundamental porque como hasta
entonces había estado en la RKO), dejando RKO, donde se habían creado grandes
clásicos.
• MGM se convierte en la casa del musical.
• Las estrellas del musical firman contratos de exclusividad. Se sigue manteniendo esta
idea del Hollywood primigenio. Búsqueda de nuevas estrellas, sobre todo buscando
bailarinas.
• Busca denodada de nuevos talentos.
• Se crean equipos coreográficos.
• Los estudios se esfuerzan en lucir a las "estrellas de cada estudio". Se esfuerzan en el
color y en los grandes formatos. Cine negro era más de 4/3 en su origen, aunque
cuando se instalan en los cines el sistema panorámico todas se adaptan.
• Al ser un género tan seriado y codificado reduce costes.
• Se va a agotar rápidamente y en este período histórico.
• Será uno de los géneros más perjudicados por el final del sistema de estudios. Bubsy
Berkeley deja de generar películas a finales del año 62.

• El grandísimo director fue VINCENTE MINELLI, películas destacadas:

• "Cita en St. Louis" (Meet Me in St. Louis, 1944)
• "Un americano en París" ("An american in Paris", 1951)
• "Melodías de Broadway" ("The Band Wagon", 1953)

• Otro gran director fue STANLEY DONEN, películas destacadas:

• "Cantando bajo la lluvia", 1952.
• "Siete novias para siete hermanos", 1954

* Visionado: vemos la segunda parte del documental de Días de Cine "El musical
americano 2".
Enlace: http://www.rtve.es/m/alacarta/videos/dias-de-cine/dias-cine-musical-
americano-2/1452399/?media=tve
En "Melodías de Broadway" se reinventa Fred Astaire. Incluso Coppola se fijó en él.

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5. 2. 3. WESTERN

• Finales de los años 40 a finales de los 50 es el período más rico del western
• El ciclo de género western es el siguiente. Muy brillante en los años del cine silente - los
años treinta y IIGM declive (serialización) - finales de los años 40 hay un resurgimiento.
• El western era la película que acompañaba a la gran producción, a la obra estrella.
• Se rodaron de una manera seriada que provocó la creación de un universo icónico,
poderoso y reconocible. Nos recuerda a las películas de montaña alemana.
• Los western no gozaban de grandes obras maestras.
• Pero poseía una enorme tradición en un país sin tradición. Un país que no tenía historia
y que generó gran tradición con el western.
• Un mundo definido, cuando el mundo exterior se derrumbaba. Cuando hay una crisis en
el mundo exterior, como la bomba atómica, el western sigue ahí. Esto le proporciona un
público fiel y numeroso.
• Y sobre todo un público fiel y numeroso.
• Cualquier espectador podía reconocer ese universo.
• Estaban todas las figuras: el pistolero, el cowboy, el sheriff, el indio, el tahúr. La
damisela, el cantante, el borrachín.
• La temática estaba muy definida: la venganza, el honor, la conquista, espacios
reconocibles (desierto, las grandes praderas, montañas rocosas, ríos áureos...). Motivo
narrativo muy recurrente: la estampida.
• Los grandes dilemas se mantienen: lucha bien y mal, lucha civilización contra el caos, la
frontera.

• Nada más concluir la contienda mundial aparecen dos grandes títulos:

• "Pasión de los fuertes" ("My darling Clementine, 1946) de John Ford
• "Duelo al sol" ("Duel in the Sun") de King Vidor, 1946:
• No solo dilemas sencillos o esquemas de aventuras.
• Personajes ricos, contradictorios y complejos.
• Tragedia griega.
• Tensión sexual muy presente. Fue censurada en España. La protagonista
fue Jennifer Jones, la mujer de David O' Selznick.

* Visionado de "Duelo al sol": los títulos de crédito del principio y el final de la película.
Tiene todos los elementos de un western. Mujer fuerte, asesina, etc.

• En la década de los 50 el western se va a beneficiar de los grandes formatos que se

imponen.
• Hay una gran reflexión sobre el personaje, comienzan a vislumbrarse sombras en el
personaje.
• Aparecen muchos dilemas morales. Deja de ser todo claro u oscuro. Hay matices.

* Visionado de "El Pistolero de Henry King en 1950, protagonizada por Gregory Peck.
Como un pistolero que quiere dejarlo, elementos de claroscuro. Llama la atención de esta
imagen que se ruede en blanco y negro.

• Peliculas destacadas:
• "Winchester 73" (1950) de Anthony Mann
• "Flecha rota" ("Broken arrow", 1950) de Delmer Daves
• "Solo ante el peligro" ("High Noon", 1952) de Fred Zinnemann
• "Raíces profundas" ("Shane", 1953) De George Stevens.

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• A mitad de los años 50, las dudas llegan al western de una manera abrumadora.
• Los personajes son ambiguos
• Se producen cambios de roles muy complejos
• ¿Son realmente civilizados los colonizadores?

• Películas de esta época destacables:

• "Johnny Guitar" (1954), de Nicholas Ray. Era una canción que ella va a cantar.
Cambio de roles que ya se anticipaba en "Duelo al sol".
• "Centauros del desierto" ("The Searchers", 1956) de John Ford. Marca un antes y
un después en la narración del género. Elemento que es la sombra de la guerra
civil, John Wayne es un soldado del sur. Emparenta con el relato de "Moby Dick"
que se retomaría en "Apocalypse Now", la búsqueda de un objeto.

* Visionado: "50 películas que deberías ver antes de morir: Centauros del desierto"
Enlace: www.youtube.com/watch?v=KEkQFAdXCWI
En "Taxi Driver" están todos estos elementos. La persecución y maldad de los supuestos
hombres civilizados. 6 años más tarde hace "El hombre que mató a Liberty Valance".

5. 2. 5. LA CIENCIA FICCIÓN

La imagen de la bomba atómica va a influir enormemente en este género.

• En la década de los treinta, el cine de terror había generado acontecimientos fílmicos.

• En los 40 la casa del cine de terror será la RKO. Sobre todo la figura del productor Val
Lewton. Tb importante Robert Wise
• Este productor generará nuevos miedos, pero usará en muchos casos actores de otra
época. Va a introducir el factor femenino en los monstruos. Va a explotar a Boris Karloff.

• Val Lewton como productor: (Son todos productos muy serie B)

• 1946: "Bedlam"
• 1945: "La isla de la muerte"
• 1945: "El ladrón de cuerpos"
• 1944: "La maldición de la mujer pantera"
• 1943: "El barco fantasma"
• 1943: "La séptima víctima"
• 1943: "El hombre leopardo"
• 1943: "Yo anduve con un Zombie"
• 1942: "La mujer pantera"

* Visionado: "Val Lewton Tribute" Enlace: www.youtube.com/watch?v=SQIcU2ICXsg

Personajes femeninos. Muchos elementos del cine negro.

• El nuevo gran miedo es la Guerra Fría

• Relatos de Ciencia Ficción en la que los experimentos técnicos fallidos, las
malformaciones genéticas (como en insectos), el miedo al holocausto nuclear domina la
narrativa. Va a ser de los pocos géneros que va a tratar cómo se vivía en esas
condiciones.
• El gran miedo es al enemigo exterior.

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• Los avances en la carrera especial genera un nuevo miedo. Se supone que en Roswell
se hacían los experimentos nucleares, lo que va a impregnar la cultura popular. Se
genera todo un imaginario.

• 1947: se ven platillos volantes y el área 51 (marcianos).

• El miedo a los extraterrestres va a plasmar ese miedo al enemigo exterior.
• Pero estos relatos tienen una doble lectura. Marte es el planeta rojo.
• ¿De dónde vienen los extraterrestres? De Marte.
• Algunos vienen a destruir todo el mundo y a otro miedo más atroz, destruir el American
way of life.

• Películas relevantes:
• "Ultimátum a la tierra" ("The day the earth stood still", 1951) de Robert Wise.
• "La guerra de los mundos" ("The war of the worlds", 1953) de Byron Haskin.
• "La mosca" ("The fly", 1958) de Kurt Neumann. La revisión que hizo David
Cronemberg está más vinculada a la enfermedad que a la tecnología, en esos
años surgió el SIDA.
• "La tierra contra los platillos volantes" ("Earth vs. the flying saucer", 1956) de Fred
F. Sears.
• "La invasión de los ladrones de cuerpos" ("Invasion of body snatchers", 1956) de
Don Siegel. La de las vainas.

24 - Abril - 2013
(no vine a clase, apuntes de Helena)

* Visionado: “La invasión de los ladrones de cuerpos” (Don Siegel, 1955).

Se presenta ya en formato panorámico. Atmósfera paranoica. Elementos que repiten
luego en muchísimas películas: idea del control de células, que se reproducen cuando
están durmiendo.
Lo curioso es que recurren a otros elementos que no son el espacio exterior. Pueden ser
cosas creadas por la experimentación o la radiación.

* Visionado: “La tierra contra los platillos volantes” (1956, Fred F. Sears).
El guionista será luego investigado por el comité de actividades antiamericanos. Ray
Harryhausen es el creador de efectos especiales, son los efectos en stop motion, frame a
frame, como se hacían antes. Los platillos volantes están copiados luego en Mars Attacks
(Tim Burton).

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5. 2. 4. EL MELODRAMA.

• Género más denostado, criticado y olvidado. No tuvo el beneplácito de la crítica.

• Muy unido a la moral de un tiempo.
• Se siguen considerando women stories. Porque la mujer va a ser la primera receptora
de este producto que cobra importancia en la televisión.
• Al tener un público tan definido y fiel, las majors van a apostar por este género.
• Se producen cambios sociales provocados por la llegada de la televisión.
• Las Soap Operas van a captar al público femenino (germen de los culebrones en
América Latina). Al principio eran de 15 minutos.
• Tienen temáticas muy similares a las women stories.
• La mujer marca la narración, la temática y la estética de este producto televisivo. La
mujer acudirá al cine para ver obras más espectaculares o para ver adaptaciones
teatrales.

• El gran maestro del melodrama de esta época fue el director europeo / alemán de origen
danés: DOUGLAS SIRK. Sus películas cuentan con las características del gran formato:
formatos panorámicos, color, cinemascope, etc.
• “Sólo el cielo lo sabe” (1955).
• “Escrito sobre el viento” (1956).
• “Imitación a la vida” (1959).

5. 2. 5. LA COMEDIA.

• Este periodo histórico se inicia con los últimos coletazos de lo que se denominó el
screwball comedy.
• Durante la guerra el género cómico se mantendrá como válvula de escape pero no dará
obras maestras salvo la ya citada “Ser o no ser” (1942).
• Este género va a ser motivo de crítica por ciertos sectores puritanos (se critica que se
muestre tanto lujo).
• Hay un cierto agotamiento de lo que se denominó comedia clásica americana.
• Vamos a resaltar que durante la guerra ya hablamos de John Houston (que escribió
guiones de obras maestras), que le dan la oportunidad de hacer el Halcón Maltés.

• Lo mismo pasa en la comedia, que durante la guerra hay un director americano que va a
resaltar: PRESTON STURGES. Procede del mundo del guión, cuando Hollywood
recurrió a Broadway cuando surge el sonoro (años 30), ya que necesitaban dialoguistas.
• Hizo unas normas sobre lo que hacia reír al público.
• “Los viajes de Sullivan” (1941). * Visionado de un trailer de la película.
• “Un marido rico” (1942).

• Proliferan en estos años la aparición de las parejas cómicas.

• Los que dominan en los años 40 serán: Abbot y Costello (Bud Abbot y Lou Costello).
Hicieron cerca de 40 películas y saldrán en un programa de la televisión de los 50.

• En los que dominan en los años 50 será la pareja cómica formada por Dean Martin y
Jerry Lewis. Hacen en menos de 10 años, casi 19 películas juntas. Su pareja nace a la
vez que la televisión.

• Las parejas cómicas han mantenido una constante en el cine. Hollywood lo ha repetido
mucho a lo largo de muchos años. Da mucho dinero y éxito en taquilla.

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* Visionado de un video de “Colgate Comedy Show”.
Show televisivo donde se mezcla la música, la canción y los gags humorísticos.

* Visionado de un reestreno de una película de Abott y Costelllo en 2012. "Abott y Costello

meet Frankenstein".

• Otro humorista de esta época es Dany Kaye. En solitario.

• Conocido en los años 50-60.

• El sucesor digno de la comedia de Lubitsch es BILLY WILDER:

• De 1942 a 1959 rueda 15 películas y solo 3 comedias.
• La fama de Wilder como sucesor de rey de la comedia hay que ponerlo un poco
en duda porque hizo muchos dramas y pocas comedias.

• En los años 50 somos testigos del nacimiento de la comedia ñoña o costumbrista. El

artífice será Vincente Minelli.
• “El padre de la novia” (1950) y su secuela “El padre es abuelo” (1951).

5. 2. 6. CINE DE AVENTURAS Y CINE HISTÓRICO.

• La llegada de la televisión va a revitalizar el concepto de gran producción.

• La nueva pantalla que se instala en el salón de las familias de los norteamericanos es el
gran enemigo.
• La historia de Roma (peplum), el antiguo Egipto, aventuras históricas, los vikingos, las
cruzadas, etc vuelven a entrar como temática del cine comercial y de entretenimiento.
Dan muchos beneficios porque es el valor diferencial con las películas que se pueden
ver en televisión (16/9 y 4/3), la espectacularidad está en el cine.
• Establecimiento del gran panorámico.
• Un ejemplo es: “The Robe” (La túnica sagrada, 1953, de Henry Koster). Historia bíblica.

• Se produce una espectacularización de la historia.

• La verdad histórica queda en entredicho en muchas ocasiones.
• El nacimiento del cristianismo se presenta como la más importante y valiosa herencia de
la cultura antigua.
• La figura del imperio romano u egipcio se identifica claramente con los EEUU.
• Los bárbaros vienen del Este y de hordas no civilizadas.

• “Sansón y Dalila” (Cecil B- DeMille, 1949).

• “Quo Vadis” (Mervyn Le Roy, 1951).
• “Ben Hur” (William Wyler, 1959).
• “Tierra de Faraones” (Howatd Hawks, 1955).
• Dan estas películas a los grandes directores que van a ir dando aquí sus últimos
coletazos.

• Son películas situadas en el pasado y/o en tierras exóticas.

• Su argumento se une a ese espacio y tiempo en forma de aventura.
• “Las minas del Rey Salomón” (1950 de Compton Benett).
• “El Hidalgo de los mares” (1951, Raoul Walsh).
• “Los vikingos” (1958, Richard Fleischer).
• “Moby Dick” (1956, John Houston).

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5. 2. 7. LOS OTROS GÉNEROS: HACIA EL PÚBLICO MÁS MINORITARIO.

• Como sucedió en la década de los años 30 hubo géneros menores que no llegaron a
constituirse en género.
• Estas películas tenían una dificultad de llegar al gran público y se tenían que vender de
una manera diferente. Es difícil venderlo porque no tienen un público objetivo. No
fracasan, no son encajables en un género. Se vendían de manera diferente.
• Son películas que muestran factores judiciales políticos de una época.
• A su vez los cambios generacionales de una época.
• Obras que apostaban por los textos teatrales y la gran novela americana.

Películas que muestran factores judiciales políticos de una época:

• “Vencedores y vencidos” (1951, Stanley Kramer).
• “La ley del silencio” (1954, Elia Kazan). Fue uno de los chivatos cuando le tocó
compadecer ante el tribunal de comportamiento antiamericano. Muchos de los
actores de esta época salieron de unos estudios teatrales.

Películas que muestran cambios generacionales de una época:

• Los adolescentes son el objetivo de Hollywood. Música y nuevos ambientes
urbanos. Mundo que surge a partir de estos años como el movimiento beat y el
underground.
• “Rebelde sin causa” (1955, Nicolas Ray).
• “El hombre del brazo de Oro” (1955). Que cuenta la historia de un yonki, un
submundo que nunca se había mostrado tan crudamente en Hollywood.

Películas que apostaban por grandes obras teatrales y novelas americanas:

• Hollywood da un paso hacia la gran novela americana.
• “Muerte de un viajante” (1951, Laslo Benedek). Obra de teatro de Arthur Miller.
• “Un lugar en el sol” (1951, Georges Stevens). De la novela “An American
Tragedy” de Theodore Dreiser.
• “Un tranvía llamado deseo” (1951, Elia Kazan). Obra de teatro de Tennesse
Williams.

* Exposición de Bram Stocker en el Matadero.

25 - Abril - 2013

CLASE CON LUIS DELTELL.

Consolidación desde 1925 hasta 1955: este periodo en el cine mundial se llama el
lenguaje clásico, es lo que Bordwell y otros autores sostiene que es una herramienta
creada por Hollywood, esta herramienta de cine clásico está basada principalmente en un
sistema de producción muy económico, muy barato, muy seriado: los géneros
cinematográficos.

Características del lenguaje clásico:

• Hollywood utiliza los géneros para hacer las películas muy baratas. La industria existe
para hacer dinero, mucho dinero. Bordwell también sostiene que este cine tiene que ser
causal y lógico.
• Ha de ser causal porque apela a un objetivo, lo tiene el protagonista, aporta algo
psicológico, ha de ser psicológica y física.
• Ha de ser lógico porque en el lenguaje clásico todo es lógico, es coherente.

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• Otras de las cosas clásicas es que el autor no existe. Hay claras excepciones, como las
películas de Lubitsch.
• Todo el lenguaje clásico es hacia delante, no hay flashback ni flashforward. Raconto:
cuando una película casi entera se hace en un flashback, como en "Carta de una
desconocida". Hay rarezas dentro del cine clásico, lo clásico es lo que veía la gente, no
lo que nos ha llegado a nosotros, eso fue lo que dijo Bordwell.

A partir de 1945 es un momento esplendoroso en la taquilla, la mitad de la población está

en el frente y la otra mitad aburrida, sigue siendo así hasta 1947, la media era de 5 veces
al mes. A partir de 1947 empieza a cambiar por estos motivos:
• el primer factor es el baby boom. Motivos porque la vuelta de tropas a sus
hogares.
• los americanos pasan de ser pobres a ser ricos. La gran depresión surgió en
1942. La gente descubrió que había otras posibilidades para invertir su dinero: tv,
coche. La tv robó espectadores, pero el principal robo de espectador, sostienen
muchos historiadores, era la barbacoa para irse fuera el fin de semana.
• el último factor fue el entramado urbano de EE.UU. Hasta 1945 imitaba el sistema
de construcción europeo, pero a partir de entonces imitaban el inglés que querían
vivir en un chalet.

Todos estos factores hacen que de 1947 a 1955 fueran descendiendo los espectadores.
También se unen unas medidas del Gobierno:
• Medidas anti-trust: medidas antimonopolio, se imponían a los monopolios con
leyes contra esto. Hay otro tipo de monopolio que es monopolio vertical u
oligopolio, un número de empresas que controlan la producción, distribución y
exhibición de todo. Producen el 90% de la producción, controlan el 90% de la
distribución y son las que controlan el 90% de la exhibición. Es un monopolio
vertical que se comporta como un monopolio. Todos están unidos, porque fijan
precios y estrategias. A partir de 1947 decidieron los políticos que esto no podía
ser así, quisieron cambiarlo yendo en contra de esto. La primera empresa
atacada por el gobierno es la Paramount, solo recordamos de ella las películas
que en realidad no representan ese modelo de la Paramount. Esquivan los
problemas, pero les cuesta mucho dinero y, sobre todo, atentan con el modelo de
construcción de los géneros.
• El siguiente problema es heredado de los años 20, es el código Hays: era el
sistema de censura que se había impuesto, era una auto-censura. La única
censura que existía en Hollywood era la de los ayuntamientos, podían decir que
esa película podía provocar un altercado público. Por ello, pensaron los
productores que había que establecer un código que no podía saltarse nunca. El
bien prevalece sobre el mal, lo sexual debe estar oculto, el suicidio está
prohibido. Este código funciona bien hasta los años 40, que hay géneros que no
se pueden rodar si no se saltan este código, como las comedias de Billy Wilder, el
cine negro, las pelis de Lubitsch, etc. "Los mejores años de nuestra vida" se saltó
todos estos códigos. El conflicto fundamental en el que entra el código es la caza
de brujas.
• Desde 1942 a 1945 los EE. UU. se habían apoyado de la URSS para ganar la
Guerra, por eso Hollywood rodó películas amigas de Stalin. Tras la IIGM se
plantea una animadversión contra ellos. Cuando la URSS consigue la bomba
atómica, el comunismo es considerado una amenaza radical en EE.UU. El
senador McCarthy se a cuenta de que la inmensa mayoría de los guionistas de
Hollywood son comunistas. Decide que hay que limpiar esto, lo que recibe la
crítica y apoyo de distintos sectores cinematográficos. McCarthy decide atacar a

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 los 10 más significativos de Hollywood, las productoras y deciden que no se van
a poner de lado de la caza de brujas y aceptan que todo los que vayan a las
comisiones americanas y no demuestren su patriotismo van a una lista negra y no
pueden trabajar para las 5 majors, así que han de dejar de trabajar. La caza de
brujas corta toda una generación por debajo de una generación como Frank
Capra, Lubitsch, etc. A partir de 1955 no surge una nueva generación de
guionistas, por tanto aparece gente que no ha heredado el lenguaje
cinematográfico, viene de las escuelas universitarias, de la televisión, etc. Por
tanto empiezan a hacer películas que no son clásicas, como es el caso de "Marti".
El lenguaje de los que siguen empieza a mutar porque se hacen mayores y
descubren que son autores. En las películas de John Ford los malos y los buenos
no están tan claros, como en "Centauros del Desierto".
Hitchcock es en los años 40 y 50 es el autor con más prestigio, poder, decide
hacer a finales de los 50 y principios de los 60 "Psicosis", hace una cosa
maravillosa, mata a la protagonista en el segundo acto, en ese momento empieza
una nueva película según el lenguaje clásico. Hay una película moderna,
completamente distinta, que no se rige por la estructura de tres actos. Claramente
"Psicosis" es una ruptura radical, hace que el director de cine deje de ser anodino
para ser autor, que empiezan a reclamar la autoría.
Esta ruptura hace que aparezcan directores como Kubrick.

Hollywood a partir de aquí se hipertrofia, como no hay espectadores quieren crear un

espectáculo más y más grande. Mankiewicz hizo una película de 5 horas, como
"Cleopatra". Han desarrollado tanto los recursos que han desaparecido, se han perdido.

Este proceso que se inicia en 1955 hasta 1962 coincide con un proceso idéntico que se
da en Europa, de ruptura con el lenguaje clásico. En Hollywood se da por el dinero, es la
gran diferencia. En Europa se rompe por una cuestión estética y también ideológica.
El lenguaje clásico transmitía los valores del new deal, que todo es posible para el ser
humano. Pero el cine moderno empieza a acepta que esto no siempre tiene que ser así:
puede que el mal triunfe, que las cosas no sean lógicas, que los protagonistas no tengan
objetivos, etc. Yasujiro Ozu era un buen ejemplo de cómo saltarse el eje a propósito.

* Visionado: "Psicosis" secuencia de la ducha. www.youtube.com/watch?v=8VP5jEAP3K4

La escena nos lleva a seguir la continuidad dramática porque el objetivo va hacia la casa,
al seguir el paneo del ojo de la protagonista, al dinero y a la casa de Norman Bates.

* Visionado: "Singing in the Rain". www.youtube.com/watch?v=D1ZYhVpdXbQ

Con la anterior se llevan 5 años y hay un gran abismo. La sensación que tenemos es que
hay un solo plano, pero estamos tan embelesados que lo asumimos como uno.

* Visionado: "Vivir su vida" de Godard. www.youtube.com/watch?v=fUayg_uzTA8

Vemos el inicio de la película, en el que rodando el peor plano del mundo y cambiando de
plano hay una melodía como transición. No es casual esta planificación. Cuando terminan
de hablar se ponen a jugar al pinball de espaldas. No quieren que sus películas sean
causales ni lógicas, ni que se cree un star system, ni que hay un objetivo, etc.

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 8 - Mayo - 2013

* Recomendaciones:
* Artículo de El País, "La Gala del Met viste al punk de glamour": http://elpais.com/
elpais/2013/05/07/gente/1367890545_040983.html
* El punk como objeto del deseo. "No hay futuro en el Metropolitan": http://
cultura.elpais.com/cultura/2013/05/06/actualidad/1367870564_055288.html

El cine es una herramienta de la modernidad, surge en el año 1895, que sirve para reflejar
que es un movimiento técnico. El punk eclosionó en el año 1977 se relaciona con la
postmodernidad, es una de sus manifestaciones más claras. Tiene poquísimas
expresiones fílmicas porque no reconoce al cine como herramienta para mostrarse, sí al
videoclip y a la publicidad, a relatos breves. No hay una narración, hay una ruptura total
de la narración. También se relaciona con las vanguardias, con el dadaísmo y con
Duchamp. Desde un punto de vista visual, icónico. Citamos dos películas, la de los Sex
Pistols y "Remo".

* Se estrena la película "La mula": http://www.elmundo.es/elmundo/encuentros/invitados/

2013/05/08/mario-casas-y-maria-valverde/
* "Así es España (para las series estadounidenses)" de un blog de El país.

5. 3. LA CRISIS DE LA INDUSTRIA: LLEGADA DE LA TELEVISIÓN Y ASPECTOS

SOCIALES

• Después de la guerra estabilidad y desarrollo económico

• La sociedad ha cambiado. Cambio en el arquetipo americano "American Way of Life",
amenazado por las películas de ciencia ficción.
• Consumo de formas masivas. Nuevos valores y nuevas ideologías. Valores más
reaccionarios.
• La industria del cine entre 1944-1947 mejores resultados de su historia. Pero desde ahí
hay pérdida de espectadores. El cine tiene dos medios rivales: la televisión y la radio.

• Podemos citar cuatro aspectos para esta caída de espectadores:

1. La llegada de la televisión.
2. El triunfo de la vivienda unifamiliar, fuera de las ciudades.
3. La familia numerosa. Boom demográfico o baby boom.
4. En la nueva sociedad de consumo hay menos lugar para la cultura. Porque hay
un nuevo mueble en casa que nos permite ver las películas sin salir de casa.

5. 3. 1. NUEVO PÚBLICO

• Busca de nuevos espectadores

• Cambio radical del target del público que busca Hollywood. Buscará adolescente y
joven.
• Para atraer a los jóvenes, el cine se vuelve a buscar en la innovación tecnológica y en la
espectacularidad
• Las leyes anti trust que ya vienen de los años 30, en los años 50 van a buscar que las
majors no se hagan con la televisión. Que no haya un monopolio horizontal.
• El cine clásico buscaba el entretenimiento familiar. Poco a poco se va cambiando ese
paradigma.

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• A mitad de los cincuenta, este público objetivo cambia. Busca un segmento poblacional
más fiel y con un nuevo poder adquisitivo. Aquí es donde se inició cómo hacer que los
jóvenes consumiesen en cultura de entretenimiento.
• Decisión comercial. Ejemplo es el inicio de "Trainspotting" en el monólogo consumista
del principio.
• El resultado es una infantilización de la narración hollywodiense. Sigue produciéndose
actualmente y cada vez es más acuciante. Se produce de manera más radical en los 80.
• Televisión en los años 50 como gran objeto de consumo de los norteamericanos.
• No solo mostraba un signo de ocio, sino de status social.
• Creación de un imaginario político social.
• Majors perciben la importancia de esto. Habían peleado con la radio, pero esto era una
competencia más directa.

5. 3. 2. LA NUEVA TECNOLOGÍA

• Paramount pionera en un modelo de televisión en teatro. Retransmisiones deportivas.

Año 1946.
• Pero en general, las majors apuestan por la espectacularidad.

• Los dos elementos claros para esta serán:

• El color. Se usa para luchar con la tv.
• Los grandes formatos.

* Visionado: "The girl can't help it", dirigida por Frank Tashlin ("Una rubia en la cumbre" de
1956). Explica cómo funcionan los grandes formatos.
Enlace: www.youtube.com/watch?v=9wg2FVV7ZOU

• En color, el formato que triunfó fue:

• Technicolor, a pesar de que ya estaba inventado. Helbert Kalmus inventó este
sistema en 1917.
• Se imprimía en tres negativos de diversos colores que después se superponían.
Su reproducción mostraba colores vivos y saturados.
• Este sistema ofrecía cámara, operador y además un asesor que comprobaba si
estaba filmando correctamente.
• Fue un monopolio y tuvo que abrir sus patentes en 1949.
• A mediados de los 50 surgió el Eastman Color, en un solo negativo. Más barato y
sistema más abierto. Menos espectacular, con colores menos vivos. Eastman y
Kodak se salvaron el año pasado gracias a las patentes.

• En grandes formatos hay 5 modelos:

• Cinerama ("This is cinema"). Creado por la empresa Rockefeller. Sistema con
sonido estéreo, color y panorámico. Muy costos.
• 3D: se experimenta desde años 20 y se explota a mitad de los 50. Actualmente
vivimos un momento similar ya que hay mucho miedo a internet y a la tv en 3D.
• Cinemascope: 20th Century Fox. Proyección en pantalla enorme. Gracias a una
lente anamórfica. Sonido estereofónica y monoaural. Gran éxito comprado por
todos los estudios menos Paramount.
• Vistavision: creado por Paramount. Lo usó hasta mitad de los años sesenta.
• Lentes Panavision: más rentable y más calidad que los anteriores. Se impuso y
generó lentes y cámaras.

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5. 4. LA CAZA DE BRUJAS, LOS CAMBIOS CULTURALES Y EL CAMBIO
GENERACIONAL

• La autorregulación en Hollywood sigue presente.

• El código Hays sigue activo y es un obstáculo para los nuevos creadores de índole
ideológico y artístico.
• La guerra fría crea una mentalidad paranoica que se instala en Hollywood.
• Walt Disney, John Wayne y Gary Cooper crean la Motion Picture Alliance of the
Preservation of America Ideal (M.P.A.P.A.I.), para mostrar su malestar por la presencia
de comunistas en Hollywood. Elia Kazan delató a sus compañeros, como el padre de
Jeff Bridges.
• Harry S. Truman presionado por el senador republicano Mc Carthy crea en 1947 la
primera comisión parlamentaria contra la influencia comunista en Hollywood.
• Grandes majors deciden colaborar con las comisiones.
• La comisión más dura es la Word y Mc Carthy se crean las famosas listas negras. En
ella hay actores, guionistas, directores, productores y técnicos.
• Si entrabas en la lista, suponía que no volvías a trabajar. En "Espartaco" contrataron a
unos cuantos porque les salía más barato.
• Los más perjudicados fueron los guionistas, más de un centenar tuvieron que exiliarse,
abandonar el oficio o usar seudónimo. Como el caso de Dalton Trumbo.

5. 5. EL AGOTAMIENTO DEL LENGUAJE CLÁSICO

• Años 50, periodo de transición de los directores clásicos a los jóvenes realizadores,
como Sidney Polack. La televisión se convierte en modelo para formar a directores.
• Los grandes directores van desapareciendo o trabajando menos. Entre otras cosas
porque fueron muriendo o paulatinamente dejaron de trabajar.
• Los modelos de producción comienzan a tambalearse. Un ejemplo del cambio de
modelo es la película "Psicosis" que supone la ruptura de muchos estándares.

* Visionado: "Mi viaje a Italia (El cine italiano según Scorsese)"

Enlace: www.youtube.com/watch?v=sWnn-DroMe8
Cine Italiano: "Roma, cittá aperta".

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TEMA 6. LA DÉCADA DE LOS CUARENTA Y CINCUENTA EN EUROPA Y EL MUNDO

6. 1. Segunda Guerra Mundial: propaganda e industria

6. 2. El resurgimiento de las industrias nacionales: medidas proteccionistas
6. 3. El Neorrealismo italiano
6. 4. El cine en los países no europeos: América Latina, Japón e India
6. 5. La década de los cuarenta y cincuenta en España

• ¿Cómo se usó el cine durante la Segunda Guerra Mundial? ¿Qué medidas se

aplicaron en cada país para reconstruir sus industrias? El nacimiento del
Neorrealismo y su esplendor. Los cines no europeos. Los primeros veinte años de
cine durante el franquismo

6. 1. Segunda Guerra Mundial: propaganda e industria

• El cine de propaganda en Europa no es muy numeroso y suele ser de consumo

doméstico. De animar a los países a combatir.
• II Guerra Mundial mayor trauma colectivo de la historia de la Europa moderna.
• Es además el comienzo de la decadencia del viejo continente.
• Tras el final de la "Gran Guerra" comienza el periodo de descolonización más importante
de la historia. Europa deja de ser una potencia colonial.
• El holocausto es una gran mancha sobre Europa (colaboracionismo, inactividad y
pasividad)
• El comunismo soviético-estalinista. Antes era solo en la Unión Soviética y ahora se crea
el bloque soviético. Invasión física y real tras el acuerdo de Postdam.
• La supremacía militar y económica pasa de Europa a EE.UU.
• Superpotencia mundial que ahora va a ayudar a reconstruir Europa (económica y
militarmente). Para frenar un posible avance del comunismo.
• La posguerra de la IIGM será dura pero a su vez un periodo de estabilización y
crecimiento económico en Europa.
• Ya a final de los años 50, hay una nueva generación de europeos que demanda un
cambio. Cambio en el paradigma de esos nuevos directores.

6. 2. El resurgimiento de las industrias nacionales: medidas proteccionistas

• En 1945 la situación de la inmensa mayoría de las industrias cinematográficas europeas

es desesperada.
• Los estudios, los laboratorios y gran número de salas se encuentran devastadas o
destruidas.
• Se han perdido actores, directores, guionistas, técnicos en los campos de batalla o en la
retaguardia
• Ya hemos visto que Hollywood aprovecha este vacío.
• Se produce el fenómeno del reestreno. Todo lo que no se estrenó en la zona nazi
ocupada desde 1942. A partir de 1945 muchas películas de Hollywood se van a
reestrenar en todos estos países, es el caso por ejemplo de "Lo que el viento se llevó".
Las películas de Walt Disney sufrieron reestrenos continuos durante mucho tiempo.
• El público europeo nunca ha denostado el cine de Hollywood, pero después de la guerra
hay aún más sintonía.
• Las obras de Hollywood ofrecen una visión de libertad y de abundancia que era lo
opuesto a lo que se vivió y se vivía en Europa. Eran un símbolo de liberación.

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• Esta situación podría ser la ruina para las industrias de los diversos países europeos.
• Se van a generar en toda Europa medidas proteccionistas ante esta "invasión". Los
Gobiernos generan una serie de medidas en común entre los países europeos que se
va a reflejar en este tipo de leyes proteccionistas porque el cine se ha convertido en un
objeto cultural, en la imagen de un país y los Gobiernos van a involucrarse en proteger
su pequeña industria. Va a haber distintas aplicaciones en función de los países.

• Tres son las líneas aplicadas:

1. Se intenta un incremento de la producción propia apoyada con financiación
estatal, que será muy desigual según los países.
2. Se instauran las cuotas de pantalla para el cine nacional en cada país. Es decir,
se obliga a que por un número determinado de películas norteamericanas
proyectadas se exhibía una o varias autóctonas.
3. Se crean nuevos impuestos sobre exhibición y retenciones de ingresos a las
nuevas películas de Hollywood.
• Este tipo de leyes se establecen en toda Europa y tiene un resultado desigual. Por lo
general son incapaces de detener el flujo narrativo hollywodiense.

Ideas proteccionistas que van a recorrer toda Europa. Hollywood pagó con lo que se llamó
más tarde, licencias de doblaje.

16 - Mayo - 2013

* Recomendación: Paul Schraeder, libro "El estilo trascendental en el cine: Ozu, Bresson,
Dreyer". Tesis doctoral del autor. Enlace: http://www.lacentral.com/web/book/?
id=9788495121066
* Ayer empezó el festival de Cannes.

6. 2. 1. FRANCIA

• Va a tener una pequeña ventaja con respecto a otros países de Europa. Grandes
directores en exilio regresan y se conservaban algunos estudios y laboratorios que
usaron los nazis hasta su retirada (ejemplo: Jean Renoir).
• El cine de Hollywood domina de forma masiva.
• El punto de partida serán los acuerdos firmados en 1946 por León Blum, embajador de
la república francesa y James Byrnes, secretario de estado Americano.
• EE.UU. reclamaba el mayor porcentaje de los permisos de doblaje, 150 de 188 posibles,
pero a cambio se impuso una cuota de pantalla en la que quedaban cuatro semanas por
trimestre para el cine francés. Esta fórmula de cuota de pantalla sigue vigente hoy en
día, para fortalecer su industria autóctona. Hay un intento del gobierno francés por
establecer el cine de cuotas.
• Los exhibidores y distribuidores franceses acogieron bien la noticia, pero los productores
sentían que se recortaba la salida de sus películas a su propio mercado, por ello,
presionaron hasta conseguir una mejor acuerdo, en el que se establecía que solo habría
121 largometrajes americanos al año y que la cuota de pantalla ascendería a 5 semanas
al trimestre.
• Además de esta medida inicial, los sucesivos gobiernos franceses apoyarán su industria
con nuevas leyes par incentivar la actividad industrial, para favorecer la creación de
salas y, sobre todo, para aumentar la llegada de jóvenes directores.

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• El cine francés de la segunda mitad de los años 40 pretende conseguir gran calidad,
será el denominado Ciné de Qualité:
• Modelo de producción elegante.
• Grandes presupuestos
• Decorados cuidados
• Se hacen grandes reconstrucciones históricas
• Películas de adaptaciones
• Se busca lo grandilocuente y elegante para mostrar un país rico y poderoso, con
una industria al mismo nivel.

Estas grandes producciones se encomiendan a grandes directores que estaban exiliados

o los que ya tenían una carrera, la respuesta es una crítica que empieza a generar
círculos de reflexión sobre el cine, las cinematecas. Importante la figura de André Bazin.
Detestan el cine comercial.

• El resultado es un cine acartonado que no convence ni al público ni a la crítica. En 1954

aparece en la revista Cahiers du Cinéma un artículo de François Truffaut titulado "Una
cierta tendencia del cine francés". En él, el futuro director de cine critica y ataca la falsa
calidad de las películas francesas desde la liberación. Para Truffaut el cine galo se
encuentra anquilosado y muy pocas cosas de las que se realizan son de valor.

* Artículo: http://cineclubfetiche.blogspot.com.es/2010/11/una-cierta-tendencia-del-cine-
frances.html

• No solo se darán la proliferación de directores, sino también la idea del crítico y del
cinéfilo. El ejemplo es André Bazin, creador de Cahiers Du Cinéma, 1951.
• En el año 1952, se crea la otra gran revista de cine Positif.
• "La cámara pluma" (Cámera Stylo) de Alexandre Astruc, comienzan a plantearse
interrogantes acerca del rol del "Auteur" o realizador, dentro de una película. 30 de
marzo de 1948, con el nº 144 de la revista L'Ecran Français.
• "El cine sencillamente se está convirtiendo en un medio de expresión, algo que todas las
demás artes han sido antes que él, en especial la pintura y la novela (...). Se está
convirtiendo poco a poco en un lenguaje, es decir, una forma en la cual y por medio de
la cual un artista puede expresar sus ideas, por abstractas que estas puedean ser, o
traducir sus preocupaciones exactamente del mismo modo en que lo hace hoy con el
ensayo y la novela. Por eso llamo a esta nueva época del cine la de la camera stylo".

Lo que tiene de positivo este movimiento es que da un paso más, a la realización, a la

dirección, también la creación de las cinematecas.

• Películas y autores relevante.

• En 1950 se estrena la película de Jean Pierre Melville "Los niños terribles" ("Les enfants
terribles, 1950")
• "Juegos prohibidos" ("Jeux interdits", 1952) de Jacques Becker
• Robert Bresson rueda con un estilo muy personal y austero. Considera que la clave de
sus películas se encuentra en los actores y en su interpretación y evita que el
espectador se distraiga con una puesta en escena complicada o con una música
extradiegética llamativa. Era un teórico del cine, fue el primero en dirigir de estos
teóricos. Un caso excepcional del cine americano, ya que va a teorizar sobre la
comunicación entre Europa y Hollywood.

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 • Películas destacadas:
• "Las señoritas del bosque de Bolonia" ("Les dames du bois de Boulogne",
1945)
• "Diario de un cura rural" ("Journal d'un Curé de Campagne", 1950).
• "Un condenado a muerte se ha escapado" ("Un condamné à morts s'est
échappé", 1956)

* Visionado: Documental sobre Robert Bresson "El camino a Bresson".

Es un cine que va contra lo comercial, contra el público. Películas muy especiales.

• Otro nombre importante de esta época es Henri-George Clouzot destaca por realizar un
cine de suspense y acción en un país donde ambas propuestas no están bien
reconocidas.
• Sus películas resultan interesantes y valientes. Sus tramas están muy bien construidas y
sus personajes suelen esconder sus intenciones hasta el último momento.
• Dos de sus mejores películas, que han tenido su remake americano, son:
• "El salario del miedo" de 1953
• "Las diabólicas" de 1955

6. 2. 2. EL CINE NÓRDICO

• Los países nórdicos y muy especialmente Dinamarca y Suecia, habían consolidado

antes de la década de los años 40 una excelente tradición fílmica. Ateniendo a su
pequeño mercado interior resulta laudatorio que lograsen producir tantas películas y de
una calidad tan encomiable.
• Producción de un gran número de películas de gran calidad.
• La profundidad de sus planteamientos.
• La influencia de la religión.
• El silencio.
• Gran fotografía.
• Existencialismo.
• Gran estilismo y perfeccionamiento del Blanco y Negro.

EL DANÉS CARL THEODOR DREYER:

• Cuando el director Carl Theodor Dreyer gana con "La palabra" ("Ordet", 1955), el premio
de la gran Mostra de Venecia ya era una leyenda cinematográfica. Su cine del periodo
silente había triunfado en casi la totalidad de Europa.
• Su cine es religioso y filosófico centrado en los problemas de la fe y de las creencias
más profundas y humanas.
• Resulta complejo e inquietante.
• En "Ordet", un hombre se considera un nuevo mesías que debe revitalizar la fe en sus
contemporáneos.
• Otro de los grandes temas de Dreyer es la mujer, su situación en el mundo, las
desigualdades que ha sufrido y su planteamiento hacia el mundo, destaca:
• "Gertrud" de 1964, que es una interesante obra sobre la psicología femenina.
• "Dies Irae" de 1942, que versa sobre la caza de herejes y brujas durante el
periodo protestante.

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 EL SUECO INGMAR BERGMAN
• Es, sin lugar a dudas, una de las grandes referencias del cine europeo. Fue nombrado
director de directores.
• Viene del teatro. Consideraba el teatro un arte mucho más superior al cine, para él el
cine era mero entretenimiento, un arte menor.
• Sus personajes contradictorios, complejos, llenos de dudas y culpabilidad, son capaces
de realizar las mayores fechorías, pero también los gestos más hermosos y humanos.
• Su cine conectará con el existencialismo y será muy valorado por la gran mayoría de los
críticos internacionales.

• Destacan películas como:

• "Un verano como Mónica" ("Sommaren med Monika", 1953)
• "El séptimo sello" ("Det Sjunde Inseglet", 1956)
• "Fresas salvajes" ("Smultronstället", 1957)
• "El manantial de la doncella", 1960. "La última casa a la izquierda" es una versión
postmoderna de Wes Craven.

6. 2. 3. El cine británico

• Ya habíamos hablado de los filmes de cuota en los años 30.

• Esto era una medida proteccionista para promocionar el cine británico.
• El Gobierno, en 1947, fija un fortísimo impuesto de hasta un 75% de los beneficios de
las películas norteamericanas exhibidas en Gran Bretaña.
• Esta medida tan exagerada genera un bloqueo por parte de Hollywood y una gran
tensión política entre las dos naciones.

* Visionado: "Sangre, sudor y lágrimas" ("In Wich We Serve", 1942) dirigida por David
Lean, es su primera película. Este director va a ser el gran actor británico. Era un gran
representante del cine de cuotas.

• Un año después, se establece un nuevo acuerdo entre Eric Johnston, representante de

los intereses estadounidenses, y el ministro de comercio británico, Harold Wilson.
• Este acuerdo se basa en una: la libre importación de las películas de los EE.UU., pero a
cambio, los norteamericanos deben invertir en películas inglesas hasta 17 millones de
dólares de los ingresos de sus filmes exhibidos en el imperio británico.
• Esta medida genera que los EE.UU. comience a co-producir con los productores
ingleses.
• El mercado británico es enorme, por sus colonias y excolonias. Época en la que se
independiza la India, lo que los unifica es el idioma inglés.

• Tres grandes productores encabezan la industria británica:

• Arthur Rank
• Alexander Korda, que ya habían triunfado en los años 30
• Michael Balcon, una manera diferente de ver el cine británico.

Estos productores entendieron el cine de forma muy distinta. Los dos primeros pensaban
que las películas británicas debían competir en el mercado mundial con las
norteamericanas, rodaron grandes superproducciones (como era el caso del Ciné de
Qualité) y en muchas ocasiones se apoyaron en estrellas estadounidenses, sin embargo
el resultado fue desalentador para Rank y Korda, que sufrieron grandes reveses
económicos mientras Rank fue el más importante.

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 J. ARTHUR RANK, fue el más importante. Copiar a Hollywood.
• Es el empresario más importante del país, tanto en producción como en distribución
y exhibición.
• Su planteamiento era copiar el modelo de Hollywood en su totalidad, es decir, la
industria, pero también los canales de distribución y las salas de cine.
• Sus películas se planteaban como grandes superproducciones, pero su éxito fue
irregular.
• La obra más representativa y también la que más impacto tendría fue el melodrama
de Michael Powell y Emeric Pressburger "Las zapatillas rojas"

ALEXANDER KORDA
• Desde la década de los treinta, había sido uno de los grandes productores que
desarrollaba su actividad en Inglaterra.
• Durante este período, sus películas intentan competir con la grandiosidad del cine
norteamericano. Continua rodando películas históricas, pero su gran baza es el
director Carol Reed, quien dirige "El ídolo caído" ("The Fallen Idol", 1948) y "El tercer
hombre" ("The third man", 1949)
• Dos grandes obras Graham Greene. Gran autor británico.
• El hombre ha cambiado.

MICHAEL BALCON
• Balcon pensó que las obras inglesas debían ser más modestas en su producción y
centrarse solo en el basto mercado interior.
• Logró filmar un centenar de obras
• Crea los estudios Ealing. Su producción, mucho más modesta que la de los
anteriores, resulta más rentable y demuestra que sus planteamientos comerciales
eran más lógicos y sólidos.
• Su gran acierto fueron las comedias, con las que triunfó en el mercado británico y, a
veces, también en mercados extranjeros.
• "Ocho sentencias de muerte" ("Kind Hearts and Coronets", 1949) de Robert
Hamer.
• "Pasaporte para Pimlico" ("Passport to Pimlico", 1949) de Hery Cornelius.
• "El quinteto de la muerte" ("The Ladykillers", 1955) de Alexander Mackendrick.
• El humor de estas obras se sustenta en ideas brillantes que se narran con elegancia
y precisión.
• Humor negro.
• Humor británico.
• Fina ironía.

DAVID LEAN
• Gran director inglés, que trabajó toda su carrera en el cine inglés, es David Lean.
Comenzando a trabajar en esta época.
• Es el director británico más influyente y más prestigioso.
• Había triunfado con su ópera prima "Sangre sudor y lágrimas", 1942.
• "Oliver Twist", 1948.
• En la comedia con "El déspota", 1954. (muy recomendada)
• En los dramas sociales y románticos con "Breve encuentro", 1945.
• El inicio de su etapa épica con "El puente sobre el río Kwai, 1957.
• "Locuras de verano" ("Summer time", 1955), protagonizada por Katherine Hepburn.

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6. 2. 4. El cine italiano

• Italia sufrió un vaivén político y la crudeza de la IIGM en su país.

• La dictadura se había ocupado en crear una infraestructura nacional del cine.
• Pero después de la guerra, la invasión de Hollywood es total. Se reestrenaron
muchísimas películas americanas.

• Se plantean aquí también medidas proteccionistas:

1. Se aumenta la cuota de pantalla o exhibición obligatoria de películas italianas:
en 1946 era de 60 días y en 1947 será de 80 días.
2. En los primeros años, después de la IIGM, la producción desciende
bruscamente, pero a partir de la década de los 50, se estabiliza en torno a los
100 títulos anuales. En 1953 la producción llega a los 170 títulos.
3. En 1947 se reabre Cine Cittá y el Centro Sperimentale di Cinematografía.
4. Se inicia una serie de publicaciones periódicas entre las que destacaba Bianco
e Nero
5. Se crea el movimiento para la defensa del cine italiano.

• El público seguía prefiriendo el cine de Hollywood.

• La ley Andreotti, año 1949, introduce el impusto por el doblaje de las películas al italiano.
La recaudación iría a la producción local.
• De 400 títulos importados en 1950, se pasa a 245 en 1954 la producción propia de 95 a
170 títulos.
• A partir de 1956, con un nuevo marco de relaciones EE.UU., Italia se va a apostar por
las coproducciones
• El doblaje mantuvo un formato de censura particular. Cambiando frases, personajes, etc

6. 3. El Neorrealismo italiano

NEORREALISMO ITALIANO
• Este movimiento y el expresionismo alemán, son los dos movimientos cinematográficos
europeos sobre los que más se ha escrito y teorizado.
• Es un concepto popularizado y usado de manera errónea. Pues es de un tiempo
concreto.
• ¿Qué es el neorrealismo italiano? En un sentido estricto, el neorrealismo italiano es un
modo de producción, dirección e interpretación que comenzó de una forma difusa a
finales de la IIGM y que concluyó a mediados de los 50. El modo de producción y de
realización era el de un país en crisis, en la interpretación había actores no
profesionales. Se atisbaba en Europa en los años 30 en el Sontag, como en "Nanouk, el
esquimal".
• A pesar de que hay directores y guionistas que continuasen ofreciendo relatos
neorrealistas.

¿Qué define el neorrealismo?

• Modo de producción de una industria en crisis.
• Basado en bajos presupuestos, rodajes rápidos, equipos de producción pequeños y
baratos, e historias sencillas con una simple puesta en escena.
• Va a usar actores no profesionales.
• Desprecio total a los decorados. Se van a las calles, a los edificios derruidos de la
guerra.

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• Lo que buscan los directores de este estilo es centrarse en la mirada, en atrapar lo real,
retazos de la vida cotidiana. Para atrapar lo real, solamente puede conseguirlo en un
número reducido de películas por su gran dificultad.
• Es una mirada ética que oponía al cine de teléfonos blancos, el cine de la dictadura de
Mussolini.
• Cine muy ideológico.
• Origen en documentales y cine bélico italiano. Y películas dentro de esos años finales
de la guerra. Películas que muestran una realidad muy cruda.
• Roberto Rossellini o Luchino Visconti.

22 - Mayo - 2013
(no vine a clase, apuntes de Helena)

• Sin embargo, el verdadero neorrealismo nace con la liberación de Italia.

• Unos meses después de la llegada de las tropas estadounidenses a Roma, se estrena
la película de Roberto Rosellini: “Roma, ciudad abierta”, que supone el comienzo del
estilo.
• Rodada en escenarios naturales, derruidos, la mayoría actores no
profesionales, puesta en escena muy sencilla, fotografía inexistente, estilo
documental.
• “Alemania, año cero” (1948): Habla de un Berlín completamente destruido.

• Títulos claves del neorrealismo: Vitorio de Sica y su guionista Zavattini rodarán “El
limpiabotas” y “El ladrón de bicicletas”; Luchino Visconti, “La tierra tiembla”; Giuseppe
Santis, “Caza trágica” y “Arroz amargo”.
• En la segunda fase del neorrealismo, seguirán haciendo películas los mismos
directores pero ya con presupuestos más grandes. Además, Italia va a progresar. Sobre
todo en los años 60, el cine italiano fue más importante que el de Hollywood.
• No se puede meter a Fellini dentro del Neorrealismo, es barroco.

Comedia italiana:

• Género más popular y seguido por los italianos.

• Se inspira en la influencia del neorrealismo, como es “Pan, amor y fantasía”, de Luigi
Comencini.
• Personajes populares: Don Camilo o el Cómico Toto.

6. 4. El cine en los países no europeos: América Latina, Japón e India

En la década de los 50 habrá un desarrollo de los Festivales Internacionales de Europa y

EE.UU., el cine asiático y de todos los países del mundo (los llamados países periféricos).
Se van a descubrir nuevas realidades, nuevas formas de narrar y nuevos grandes
directores.

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 6. 4. 1. JAPÓN:

• Japón va a ser derrotado de una forma total en la II Guerra Mundial (al emperador se le
va a bajar del pedestal).
• Va a estar ocupado desde 1945 a 1951 por los EEUU. Durante ese período se prohíbe
el Jidai-Geki (cine de samuráis) por su exaltación de los valores feudales y medievales.
No es una excepción de colonización de Hollywood. Antes de la guerra, el público
japonés prefería el cine propio, ahora no.
• pesar de esto, va a ser capaz de construir de nuevo su industria, muy potente y con
A
clara proyección internacional.
• El éxito radica en que tiene sus propios géneros.
• Van a hacer una producción seriada y basada en su propio star system, que les permite
volver a ganar a su público.
• Gran número de productoras.
• Van a ser muy fieles a su propio universo japonés, tremendamente original.
• El Jidai-Geki se recupera a mitad de los años 50; el Gendai-Geki nunca había
desaparecido.

Géneros nuevos:
• Obake-mono o Historias de fantasmas: es el origen de todo el cine japonés
exportado. Ej. The ring.
• Kaiju-Eigas o Historias de monstruos gigantes: Ej. Godzilla.
• Yakuza-Eiga o Historias del mundo de la mafia y la delincuencia.

• Va a triunfar en Europa y EEUU, en círculos minoritarios.

• El gran director: Akira Kurosawa: Rashomon (1950), Vivir (1952), Los siete samuráis
(1954), Trono de sangre (1957). Muestra personajes fuertes.
• Otros dos autores: Kenji Mizoguchi (maestro del Jidai-Geki) y Yasujiro Ozu (maestro
del Gendai-Geki).

6. 4. 2. INDIA:

• Se independiza en 1947 (Gandhi).

• Ya antes de los años 50 había mucha producción, pero se intensifica todavía más.
Destacando los centros de producción en Calcuta y Bombay.
• Se autoabastecen ellos mismos -> consumen su propio cine.
• Director más importante: Satyajit Ray (conocido en Europa por los festivales). Influido
por la estética neorrealista. Mezcla lo poético con lo realista.
• Se sitúa siempre en temas relacionados con la cultura y las tradiciones hindúes.
No se influencia ni copia los modelos europeos o americanos.
• Ritmo pausado, personajes humildes y sencillos.

6. 4. 3. MÉXICO:

• Director: Emilio Fernández, conocido como El “Indio” Fernández.

• Se van a hacer allí muchas versiones. Tenía un mercado propio enorme, pero además
hacían las copias y los doblajes para exportar.
• La gran estrella del cine mexicano será Cantinflas (1937-1982) -> Más de 53 películas.
Icono de la comedia a los dos lados del océano. Es como la versión latina de Chaplin,
pero mucho más verbal.

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• Presencia de la emigración española en México: Máximo ejemplo Luis Buñuel -> allí se
formó como director fiable, serio y siempre ajustado a un presupuesto. Películas: Los
olvidados, Él, El ángel exterminador, y Nazarín.

6. 5. La década de los cuarenta y cincuenta en España

Cine de una dictadura, con una ideología clara: carlismo, falangismo y catolicismo.
Toda esta ideología se muestra en una película: Raza.

• La posguerra española es especialmente dura: aislación total.

• Plan Marshall, presidente Eisenhower (primer paso para dejar el aislamiento).
• Concordato con la Santa Sede: primera apertura.
• Entrada en la ONU el 14 de diciembre de 1955 (apadrinados por EEUU).
• Cine totalmente nacionalizado, proteccionista. Censura de carácter militar, a dos niveles:
• Censura previa del guión
• Revisión de la película una vez concluida

• Uso obligatorio del doblaje: Licencias de doblaje. Se obtenían por las productoras,
produciendo PELÍCULAS NACIONALES DE INTERÉS O CALIDAD.
• La gran productora de los años 40 será CIFESA.
• Se crean los lugares de formación y se impulsa a los nuevos directores:
• 1947: Instituto de Investigación y Experiencias Cinematográficas (IIEC) y
Escuela Oficial de Cine (EOC).
• 1951: Ministerio de Información y Turismo.
*Ambos son los orígenes de la Facultad de Ciencias de la Información.

AÑOS 50: Cambios:

1. Producción: La industria modifica su modo de trabajo, abaratando los costes.

2. Narración: Nuevos temas y lenguaje.
3. Reflexión teórica: “Conversaciones de Salamanca” (primeras conversaciones
sobre el cine español entre críticos, directores, productores… Reflexión: El cine
español era políticamente ineficaz, socialmente falso, intelectualmente ínfimo,
estéticamente nulo e industrialmente raquítico).
4. Final CIFESA. Bienvenido Suevia: Se crean nuevos festivales de cine.

• Los dos grandes nombres:

• Luis García Berlanga (relacionado con el guionista Rafael Azcona)
• Juan Antonio Bardem.

*Bernard Herrmann -> músico de Psicosis, Taxi driver, e iba a ser también del Exorcista.

*Visionado Documental: El último truco -> Habla de Ray Harryhausen: maquetista y

creador de efectos especiales.

*Visionado Película: Raza.

23 - Mayo - 2013
(no vine a clase, apuntes de Helena)
* Pasolini y Roma, historia de amor → exposición en Barcelona.

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TEMA 7: EL OCASO DEL LENGUAJE CLÁSICO DE HOLLYWOOD (1960-1969).

• El fin del lenguaje clásico.

• El cine underground y de minorías.
• ¿El ocaso de los grandes estudios?

El final del estilo de Hollywood. ¿Qué se hizo después del cine clásico?
¿Desaparición de los grandes estudios? ¿Cómo influyó este cambio en la estética y en la
industria cinematográfica?

1.El fin del lenguaje clásico.

Contexto psicosocial e histórico de los años 60 en EEUU:

• Década marcada por la continuación de la guerra fría.
• La confrontación con la URSS alcanza su máximo apogeo. Llegando casi a la III GM.
• Una época de cambios sociales: revolución sexual, revolución feminista y auge de
ambientes universitarios y juveniles.
• La cultura juvenil se transforma en contracultura y sus formas de expresión alcanzan
a todas las esferas de la cultura. Hollywood intenta captar este público juvenil.
• El concepto de contracultura viene de la cultura beat: hombres desorientados.

Cine:
• Fin del sistema de estudios, entendemos esto como el fin de un sistema de
producción. Ya no es tan rentable, por eso proliferan las coproducciones por todo el
mundo.
• Reducción drástica de la producción.
• Se agota el sistema de narración clásico (se demuestra en el descenso del número
de espectadores).
• Los nuevos cines europeos llegan a EEUU.
• Muerte o jubilación de los autores clásicos. Ejemplo: Hitchcock.
• El pánico al cine de autor invade Hollywood. Los directores eran meros técnicos, la
idea llega de Europa y aterra a Hollywood, se apostarán por directores diferentes.

Dos películas clave:

• “El apartamento” y “Psicosis” serán películas de esta época. Con ella se llegará al fin
del sistema de estudios.
• “Psicosis”: Grandes estrellas de Hollywood que pueden morir en la primera media
hora de metraje (actriz de Psicosis). Hitchcock trabaja con su equipo de televisión en
“Alfred Hitchcock presenta”, a la vez estaba haciendo numerosas de sus películas
famosas, coge a su equipo de confianza y rueda en blanco y negro cuando el color
ya estaba perfectamente implantado, demuestra al estudio que él mismo sin
necesidad de gran maquinaria va a ser capaz de hacer un hit, a nivel de público y
recaudación fue muy bien. La paga él pero la distribuye Paramount.
• En “El Apartamento" ocurre algo similar. Es de una compañía independiente (Mirisch
Corporation) que distribuye la película. Obtiene 5 premios de la academia (mejor
dirección, mejor guión y mejor película – todos a una misma persona: Billy Wilder, el
primero y único en conseguirlo) y se presenta como una comedia, pero no lo es.
Cambió en la forma de realizar películas por la influencia de los nuevos cines
europeos. Viendo “Breve encuentro” de David Lean (película inglesa sobre una mujer
que es infiel a su marido) se le ocurrió la idea, hizo un spin off (Jack Lemmon). Dos
genios europeos hacen esto.

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Los nuevos directores de Hollywood van a tener una nueva escuela:
• Los van a buscar a la televisión, lo que se conoce como la generación de la
televisión, van a ser los nuevos directores de Hollywood.
• Robert Mulligan, Sam Pekincpah, Martin Ritt, Richard Brooks, John Frankenheimer,
Arthur Penn, Robert Altman, Sidney Polack y Sidney Lumet. Todos han estado
trabajando hasta su muerte.
• Plantean una nueva forma de narrar, para una nueva generación. Se denomina
también como “generación perdida”, les pilla en medio camino el fin de la generación
de estudios y justo antes de la nueva forma de hacer cine (también se llama así a la
generación beat).

* Visionado de DDC sobre Sidney Lumet.

“Antes de que el diablo sepa que has muerto” fue su última película.
Otras: “La noche cae sobre Manhattan”, “Doce hombres sin piedad” (su primera película),
“Veredicto final”, “El prestamista”, “Tarde de perros”, “Serpico”, “Network: un mundo
implacable”, etc.
Inmediatez, transparencia, sencillez narrativa. Tiene dos escuelas: televisión y teatro.

Estos nuevos cineastas destacan por:

• El interés en temas sociales.
• En personajes desconocidos.
• Y por un constante interés de denuncia.
• Lo que hará distanciarse, definitivamente, de la ficción dulcificada de Hollywood.

• Nos encontramos con un replanteamiento de los géneros, o mejor dicho, con una nueva
visión sobre los ya tradicionales.

• Casi todos los géneros se instalan en la televisión como “series”:

• Cine negro: sufre un decaimiento.
• Algunos géneros se instalan en la televisión. Por ejemplo el Western: “Bonanza”
se instala como una serie de televisión, 14 temporadas, 254 episodios. Se
produce la instauración del western crepuscular, ejemplo: “El hombre que mató a
Liberty Valance” (John Ford, 22 abril 1962). “Centauros del desierto” es un
acercamiento a este western crepuscular. Muerte del cine western clásico, hay
una narración totalmente diferente.
• Otro género como el musical también se lleva a la televisión: coreografías en
directo.
• Cine bélico: sucesión de grandes superproducciones. Irrupción del cine de espías
(lavado de cerebros). “El mensajero del miedo” (The manchurrian candidate
1962).
• Cine musical: el género musical había ido decayendo poco a poco y
convirtiéndose en un género poco utilizado. Últimos ejemplos de gran musical:
“West Side Story” (Robert Wise, 1961) o “My fair lady” (George Cukor, 1963).
Además hay muchas películas con rock & roll como subtrama y porque hay
además grabaciones de músicos que se ven mucho. Hay otro tipo de relatos
audiovisuales musicales.
• Cine Ciencia Ficción: “2001, una odisea en el espacio” (1968, Kubrick). Kubrick
se pasa años investigando muchas películas, generando una obra de carácter
filosófico. El otro nombre que debemos conocer dentro de la ciencia ficción es
Roger Corman (libro: “Cómo hice 100 películas en Hollywood y no perdí ni un
céntimo”), un productor de cine americano de serie B, que tuvo una productora

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 donde se vio mejor la contracultura. Escuela de directores muy famosos como
Scorsese, Coppola, John Gante, etc.
• Cine de aventuras e histórico: “Espartaco” (1960 – Kubrick, contrató a técnicos de
la lista negra, por lo que le salió más barato) en la línea de grandes producciones
del momento. Otras: “55 días en Pekín” (1963 – Los chinos que gritan gritan
Franco Franco porque se rodó en unos estudios españoles, Samuel Bronston) y
“Cleopatra” (1963 – un presupuesto muy grande para la época).
• Cine de humor: el director que marca esta época será Blake Edwards con “La
pantera rosa” (1963), “La carrera del siglo” (1965) o “El guateque” (1968).
También el humorista Jerry Lewis.
• El final de la década nos dará un nuevo icono: Woody Allen con su primera
película “Toma el dinero y corre”. Se dedicaba a hacer gags y chistes en
televisión. Crea un icono, el mismo personaje que aparece en toda su carrera.
• Melodrama: ya no se centra en las women stories, sino que hacen melodramas
familiares. Inicio del feminismo y de la revolución sexual. Las soap operas son
culebrones que ahora serán las women stories de la época. Los valores
femenimos están en auge.
• Cine intelectual:será un género que continua con la tendencia de llevar a los
grandes autores a la gran pantalla (Tenesse Williams, Arthur Miller, William
Gibson, William Inge, Joseph Conrad, etc).
• Cine denuncia / cine de una nueva generación. La generación de la tv nos trae
esta modalidad que conecta con la realidad social.

2.El cine underground y de minorías.

En el epicentro de este cine están las ciudades de Nueva York y San Francisco.
Cambiamos totalmente el chip. Vemos un cine diferente, ya el relato clásico está asumido,
la nueva generación ha llegado.

• Emigración – apertura de ideas – búsqueda nuevas formas estéticas – objetivos no

comerciales.
• Inicio en 1947.

• Referencias: las referencias de este grupo de cineastas reivindicativos y concienciados

con cuestiones morales y sociales las encontramos en:
• El documental televisivo.
• El reporterismo fotográfico de revista.
• Interés en lo cotidiano, en lo normal, y en la misma línea, por el movimiento
neorrealista italiano.

• Estas dos ciudades son muy abiertas a la inmigración, además de ser muy culturales.
• Sociedades fílmicas como “Cinema 16” en Nueva York o “Art Cinema” en San Francisco.
• Cine reivindicativo y cine político. Ejemplo: “La sal de la tierra” (1954, Herbert J.
Biberman y Michael Wilson), polémico film, se cortó un poco porque iban a tener
muchos problemas. Estuvo prohibida en EEUU, investigada y bloqueada.
• Aprovechan las innovaciones tecnológicas de las cámara del 16 mm.
• Va a adoptar la visión del autor de Alexandre Astruc.
• Cámara como pluma.
• Vocación renovadora.
• Nunca comercial.

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Carácter subversivo:
• Precisamente su carácter subversivo, sin atenerse a reglas de mercado ni a normas
o estilo alguno
• y Su principio de libertad de autor como eje central de la obra.
• Así como la ausencia total de ambición comercial alguna hace que hablemos de
films de bajo presupuesto y con una exhibición minoritaria, sólo algunos cineclubs.
Luego se irían expandiendo hacia pequeñas productoras.
• Van a inventar el college como formato cinematográfico, usado en las vanguardias.
• Emparentado con los nuevos cines europeos.
• Cine no como un lenguaje, sino como una herramienta experimental.

Nombres a tener en cuenta:

• Escuela de Nueva York: Jonas Mekas que funda New American Group en 1960.
• John Cassavettes (director de “La semilla del diablo”), Robert Frank, Shirley Clarke,
Lionel Rogosin, Morris Engel.
• Relación con la beat generation.
• El new american group se rompe por la cuestión de la narratividad ya que mientras
unos planteaban un cine sin historias otros si tenían narratividad. Se realiza en los
años 62-63 sobretodo cuando se empieza a hacer popular.

* Visionado del principio de “Pull my daisy” (1959, Robert Frank).

Narrada por Jack Kerouak. Música jazz. Beat generation.

* Visionado de “Shadows” (1959, John Cassavettes).

Música jazz, juventud inquieta que no quiere ningún tipo de intermediación de Hollywood
en sus divertimentos. Aparece una fiesta de verdad, no una recreación.

Otros nombres:
• Andy Warhol: va a hacer una cincuentena de films que rodaría en apenas cinco años
(1963-1968). Entre sus filmes destacan los galardonados: Slep, Haircut y Heat,
realizados en 1963 y Empire en 1964. No son nada narrativos.
• Michael Snow: Wavelenght (1967).
• Chris Marker – fotomontajes con fotografías sueltas.

* Visionado de un trozo documental de D.A. Pennebaker “Don't go back”.

Se considera el primer videoclip de la historia, con Bob Dylan.
Plano fijo con las palabras de Bob Dylan que se van tirando, ni innovación ni movimiento
de cámara.
Cine underground y nuevo documental, que mueve a la juventud de esta generación. Idea
de cambio de costumbres sociales.

29 - Mayo - 2013

* Artículo de El mundo: "La bebida, otro actor de reparto".

Enlace: http://www.elmundo.es/elmundosalud/2013/05/28/noticias/1369750649.html

* calidad.ucm.es/encuestacalidad

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7. 3. ¿El ocaso de los grandes estudios?

• No hay fin de los grandes estudios.

• Leyes del mercado. Adaptación al nuevo sistema audiovisual.
• Total integración en conglomerados radio, cine y televisión.
• Aparición del vídeo, 1956. Es importante la aparición del vídeo a nivel profesional que
apreció en este año, Ampex. No es vídeo doméstico, evolucionó hasta los años 70. Las
empresas japonesas le hicieron evolucionar. Importancia conservarlo en los formatos de
2 pulgadas.
• Fin de la autoregulación en el año 1966. Se instauró en el año 34 el código Hays.
• Nuevos star system. Que procedía de la tv (cantera de nuevos actores como John
Cassavettes) y de Europa, más adelante del nuevo Hollywood, como los actores
australianos.

7. X. Roger Corman

Llamado X por la película, "El hombre con rayos X en los ojos".

Es un director independiente.
100 películas dirigidas y muchas más producidas.

Libro: "Cómo hice 100 películas en Hollywood y no perdí ni uncentavo"

• Semilla del nuevo Hollywood.

• Cambio social

El cine independiente no fue sino la evolución natural de un medio que necesitaba

acercarse a la realidad social a tenor de los cambios vividos en unos años de
efervescencia social y política:
• La guerra de Vietnam
• El movimiento hippie
• El amor libre
• Las drogas

• Son directores formados en el cine y la televisión a finales de los 60: Coppola, Scorsese,
etc.
• Relacionados con el cine underground y muchos de ellos con Nueva York, como Brian
de Palma.

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TEMA 8. LOS NUEVOS CINES EN EL MUNDO

8. 1. El nuevo cine en Europa

8. 2. La Nueva Ola Francesa y Free cinema inglés
8. 3. El nuevo cine español
8. 4. Los nuevos cines en el mundo

La aparición de una nueva estética en el cine. ¿Qué son los nuevos cines? ¿Qué
cuestiones artísticas retratan? ¿Por qué se aborda un cambio en la narración
cinematográfica?

Películas:
• "El Verdugo"
• "Viridiana": ganó el festival de Cannes, es de producción española. Recogió el
premio el director de la cinematografía española, que fue destituido de su cargo por
orden del Vaticano. Buñuel estaba exiliado en México. El final jugando a las cartas
fue propuesto por el censor, fue mucho más sugerente.
• "A bout de Souffle" ("Al final de la escapada")
• "Muerte en Venecia"
• "El espíritu de la colmena": cartel lo diseñó una figura importante en el diseño de
carteles de España. Sobre la inocencia de la mirada y los monstruos. Reflejo a
dónde llega una escuela oficial de cine. Victor Erice dirigió únicamente 3 películas.
• "Dersu Uzala" ("El cazador"). Ganó un Oscar a la película extranjera. Kurosawa tuvo
antes varios fracasos en taquilla en Japón, esta película es de la URSS.

8. Los nuevos cines en el mundo

• Década años 60.

• Época de la más cruda Guerra Fría.
• En Europa se vive la tensión de los bloques en las democracias liberales.
• Pero a su vez hay estabilidad y crecimiento económico.
• La juventud ve la opción de llegar al poder.
• Mayo del 68.

8. 1. El nuevo cine en Europa

• Ruptura con los cines existentes (como vimos en el tema 6, cinema qualité)
• El cambio estético, narrativo, ideológico y de producción se presentará, así mismo,
como la oposición al cine de los años dorados de Hollywood.
• Factores políticos sociales y económicos. Casi todo el cine en el bloque occidental, va a
ser muy cercano a ideologías marxistas y comunistas, como en Francia, se contrapone
con otro tipo de cine de otros países. Buena muestra de ello es el cine polaco, el cine de
Tarkovski.
• Nuevos y jóvenes directores.
• Lucha contra el colonialismo cultural. Pensamiento que proponía Hollywood y que desde
el final de la IIGM impregnaba todo el cine.
• Nuevas vías de exhibición: el cine de arte y ensayo, tanto en Europa como en el nuevo
Hollywood, cine underground. Cine que no estaba dentro de las majors
• Se consolidan las escuelas de cine, filmotecas y el apoyo al cine de los intelectuales.
• Lucha generacional en el cine: los artesanos vs. los cinéfilos.

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• Se reduce el coste de las producciones. Por dos cuestiones:
• Eran directores noveles que no van a tener ayudas de las productoras de sus
países.
• Se reduce el precio de las cámaras de cine y del material cinematográfico, sobre
todo las de 16mm. Va a haber un boom en los laboratorios.
• Ayudas estatales a los nuevos directores y a la exhibición de sus filmes son una
constante. El cine está sobreprotegido, Francia y la excepción cultural.
• Todos estos factores favorecen y provocan un cambio estético y narrativo en el cine.
Este cambio se caracteriza por:
• Rechazo a la estructura clásica.
• Narración moderna centrada en la figura del autor
• Ritmo pausado, a veces exasperante. Caso de Rommel, Antonioni, etc.
• Cine muy ideologizado. Ejemplo: Juan Antonio Bardem.
• Preferencia a escenarios reales, alejados del estudio. Como en los 90 hizo el cine
Dogma.
• Salvo excepciones alejado del gran público. Excepción como "Los cuatrocientos
golpes".

8. 2. La Nueva Ola Francesa y Free cinema inglés

• Recordamos a Alexandre Astruc y su "Cámara Pluma"

• Auteur como responsable máximo de la obra. Actualmente: Lars Von Trier, Haneke y
Pedro Almodóvar.
• Trabajo de las revistas especializadas: 1951 (Cahiers du cinèma) y 1952 (Positiv).
• "Una cierta tendencia en el cine francés", contra el acartonamiento del cine de Qualité.
• Gracias a las ayudas estatales y a la rebaja en los costes de producción se dan un
grupo de obras.
• Este grupo de obras se llamó Nouvelle Vague:
• "Los cuatrocientos golpes"
• "Al final de la escapada" ("À bout de souffle") de Jean Luc Godard.
• "Hiroshima, mon amour" (1959) de Alain Resnais.

• La Nouvelle Vague se caracteriza por:

• Mirada subjetiva, no invisible. Contra el relato clásico de Hollywood.
• Decorados reales.
• Muchos de ellos provienen del documental.
• Nuevo héroe, joven perdido aislado o incomprendido. Jóvenes airados, como el
protagonista de "Los cuatrocientos golpes" que es el álter ego del director
Truffaut.
• Nueva narrativa (más complicadas, elipsis, saltos temporales, confusión espacio
tiempo).
• Horquilla muy variable, realismo radical (Godard), esteticismo pictórico (Reanais)
o academicismo (Truffaut).

* Visionado: el principio de "Le Mepris" ("El desprecio") de Jean Luc Godard, es del año
1963, aparece Ciné Cittá. Aparece Fritz Lang hablando de cine y también varios iconos de
la época. Sobre todo las características que hemos visto. Las películas de Jean Luc
Godard tienen un aire intelectualoide que puede causarnos rechazo al acercarnos a sus
películas. Raoul Couttal, director de fotografía de la Nouvelle Vague. Estilo documental,
como una especie de making of.
Enlace: vimeo.com/14955741

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• Otros directores de la Nouvelle Vague que debemos conocer son:
• Eric Rohmer "El signo del león", de 1959 y "Mi noche con Maud" de 1969.
• Claude Chabrol "El bello Sergio", 1958.
• Louis Malle "Zazzie en el metro", 1960.
• Jaques Rivette "La religiosa", 1966.

8. 2. Free cinema inglés

Hay películas que están a la altura de las francesas, pero desde posiciones no tan
arriesgadas. Realmente se les ha dado menos importancia. Uno de los problemas es que
estos directores eran cantera del nuevo Hollywood.

• El cine británico al final de los 50 tenía una producción de entorno 80 largometrajes.

• Cine inglés muy proteccionista.
• Influencia de autores de Hollywood en exilio político o estético.
• Los jóvenes promueven un cambio estético.
• Free Cinema / Jóvenes airados: Angry Youn Men.
• Estos creadores se oponían a una sociedad que consideraban caduca y agotada y de
una forma violenta, se enfrentaban a la familia, a las instituciones sociales, a la
monarquía y a la conducta políticamente correcta.
• Provienen de dos revistas como críticos y teóricos del cine: Squence y Sight And Sound.
Reflexión como cinéfilos.
• Autores relevantes:
• Karel Reisz "Sábado noche, domingo mañana" de 1960.
• Tony Richardson "Mirando hacia atrás con Ira" de 1958 y "La soledad del corredor
de fondo" de 1962.
• Lindsay Anderson "If" de 1968. Muy radical la película, pero donde se ve el signo
del tiempo, con una indignación.
• Johnn Schelisinger "Esa clase de amor" de 1962 y "Cowboy de Medianoche" de
1969.

* Visionado: final de "If"

8. 3. El nuevo cine español

• Despegue económico de España años 60.

• Turismo / emigración española / creación de cierta industria.
• Se produce el fin del aislamiento europeo.

• Figura de José María García Escudero como Director General de Cinematografía

(1962-68).
1. Revisa el código de censura (1963).
2. Cambia el modelo de subvención, suprimiendo las categorías y creando una
ayuda del 15% en taquilla. Ayuda por éxito en taquilla.
3. Además, crea el "Interés especial", con la idea de apoyar al nuevo cine, a los
jóvenes y a los creadores más vanguardistas. En la misma línea, ayuda al
mantenimiento de la E.O.C. (Escuela Oficial de CIne), antiguo Instituto de
Investigaciones y Experiencias Cinematográficas.

• Los grandes nombres propios de estos años: Luis García Berlanga, Marco Ferreri y Luis
Buñuel.

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• Dos escuelas muy importantes: la EOC y la de Barcelona.

• Se genera lo que se denomina Nuevo Cine Español:

• "Los farsantes" de Mario Camus, 1963.
• "El buen amor" de Francisco Regueiro, 1963.
• "Del Rosa al Amarillo" (1963) y "Juguete Roto" (1964) de Manuel Summers.
• "La tía Tula" de Manuel Picazo, 1964.
• "Nueve cartas a Berta" de Basilio Martín Patino, 1965.
• Víctor Erice.
• Carlos Saura, profesor de la mayoría de ellos, y que rueda la mejor película de
este periodo: "La caza" de 1965.

• Pero el cine español en estos años tiene otros elementos claves:

• El cine de comedia landismo (Mariano Ozores).
• Samuel Bronston (estudios que se crean en Las Rozas porque el equipo era más
barato que en Hollywood)
• Spaguetti Western: escuela para muchos, trae mucho trabajo.

8. 4. Los nuevos cines en el mundo

• ITALIA: no hay ese concepto de nuevo cine, ya que contaba con grandes autores ya
consagrados en el discurso de la modernidad.
• Directores:
• Visconti
• Fellini
• Antonioni
• Pasolini
• Bertolucci

• ALEMANIA: presenta el nuevo cine alemán en torno a manifiestos Oberhausen.

• Volker Scholöndorff.
• Aunque al final de los 60 surgirán 3 directores clave:
• Rainer Werner Fassbinder. Director muy interesante que entre cine y tv ha hecho
más de 40 películas en 15 años.
• Werner Herzog.
• Win Wenders.

• En el bloque del este, el cine más importante será:

• URSS: Andrei Tarkovski "La infancia de Iván" (1962) a la que seguirá "Andrei
Rublov" de 1966.
• CHECOSLOVAQUIA: Jiri Menzel "Trenes rigurosamente vigilados" de 1966.
Milos Forman.
• POLONIA: Roman Polanski, Krzysztof Zanussi, Andrej Vajda, Krzysztof Kielowski.
• JAPÓN vuelve a construir una industri muy potente y sus películas triunfan en los
festivales de todo el mundo.
• Importancia de la televisión e industria del vídeo, lo que les va a dar
muchísima importancia a todos los niveles, llegando a comprar Sony la
productora Columbia Pictures.
• Nuevos directores:
• Naghisa Oshima.
• Shoei Imamura.

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 30 - Mayo 2013
TEMA 9. EL NUEVO HOLLYWOOD (1970-1989)

9. 1. Cambios industriales, tecnológicos y sociales

9. 2. Los nuevos creadores
9. 3. Las líneas temáticas

• La reacción conservadora de Hollywood. Los nuevo directores, con nuevas

propuestas, y la aparición de las líneas temáticas como sustitutivas de los
géneros. ¿Existe un Nuevo Hollywood?

Relatos destacados:
• "El Padrino". Coppola
• "Tiburón"
• "Annie Hall"
• "Toro Salvaje"

American International Pictures era la productora de Roger Corman. Roger Corman fue el
padrino de la película "El Padrino".

9. CONTEXTO POLÍTICO SOCIAL

• Final de la guerra de Vietnam.

• Watergate
• Final de la utopía. Cine de Roger Corman, que mostraba las drogas psicodélicas, fin de
las películas de hippies. Para mostrar el movimiento hippie lo mejor eran las imágenes
en movimiento.
• Crisis del petróleo.
• Se abre la crisis en Oriente Próximo.

* Visionado en clase del documental "Gimme Shelter": imagen de los coches desde el
helicóptero de los Rolling Stones. Ilustra el final de la utopía. Hoy en día se sigue
manteniendo el paradigma de los festivales de música.
Documental "Gimme Shelter" sobre el concierto que los Rolling Stones dieron en un óvalo
de conducción que contrataron como seguridad a los Ángeles del Infierno, se les va de las
manos y acaban apuñalando a un chico. Recoge el momento de los macroconciertos de
los 70. Lo más curioso es que no hay nadie explicando nada en este tipo de
documentales, son todo reacciones, tiene un componente muy diferente a como se hacía,
hay una experimentación.

9. 1. Cambios industriales, tecnológicos y sociales

• Años 80 denominados la era Reagan.

* Visionado: "The Killers" Enlace: www.youtube.com/watch?v=Af0Yei2sAbE
• Un actor de Hollywood llega a presidente.
* Visionado: "Regreso al futuro": www.youtube.com/watch?v=SR5BfQ4rEqQ
• Caída del muro de Berlín final, suceso que fue absolutamente sorpresivo.
• Rearme moral de la sociedad americana frente a los alocados años 70. Se recrudece la
guerra fría. Para muchos, es uno de los causantes del final de la confrontación. Meses
antes de la caída del muro se pensaba que no iba a pasar, fue una sorpresa. Se ve
también en las aberraciones del cine de horror de los años 70, que serán parte del
nuevo cine de Hollywood ("La matanza de Texas", "Halloween", etc.)

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 AÑOS 70-80

• Complejo concepto teórico socio-cultural que se denomina postmodernidad. El cine es

una herramienta de la modernidad, que nace de una invención tecnológica y de una
sociedad industrial moderna que busca la idea de la razón que nos hará libres, habrá un
progreso en la humanidad, discurso que nace en la ilustración. A la vez salen las ideas
de la sinrazón, como es el caso del Marqués de Sade o los cuadros de Goya ("los
sueños de la razón producen monstruos").

• Características:
• Una época en la que triunfa el relativismo moral
• El vuelco de las concepciones tradicionales.
• La desaparición de los grandes metarelatos (un relato dentro de otro, como la
Biblia y los libros sagrados), por ejemplo el marxismo (recuérdese a Lyotard). El
marxismo se va a convertir en metarelato porque es un concepto de modernidad.
El capitalismo es un metarelato.
• La aparición en el arte en general, (léase pintura, literatura)
• Del pastiche o mezcla de géneros, presente en los collages de la vanguardia, por
ejemplo.
• Y el final de las vanguardias entendidas al uso tradicional.

• Ejemplos de cine postmoderno:

• David Lynch y su "Terciopelo azul" de 1987. Estuvo a punto de ganar el Oscar en
su año.
• Peter Greenaway y su paradigmática "El vientre del arquitecto" de 1987.
• "Blade Runner" de 1982. Ridley Scott viene de la publicidad. No solo en esta
película sino también en su primera película llamada "El ansia", una historia de
vampiros, que es como un spot de 90 minutos, no tuvo éxito. "Top Gun" tuvo éxito
y también es como un gran spot publicitario.
• Todo el cine de Pedro Almodóvar.
• Aunque los mayores relatos de la postmodernidad serán:
• los spots publicitarios
• el videoclip

* Visionado: anuncio publicitario de Apple, presentación del primer ordenador personal de

Macintosh, spot realizado por Ridley Scott, que acababa de dirigir "Blade Runner".
Enlace: www.youtube.com/watch?v=M0XsFBTb5tA

Management content: relatos de entretenimiento a partir de marcas.

Libro: Peter Biskind "Moteros tranquilos, toros salvajes. La generación que cambió
Hollywood"

9. 2. Los nuevos creadores / Cambios industriales

• La gran cantera de estas dos décadas será la televisión y el cine independiente

(Ejemplos: Roger Corman y el cine underground de NY).
• Influencia masiva de los nuevos cines europeos. que reivindicaban el cine de autor.
• Vacío en el imaginario de Hollywood. Porque mueren directores como Howard Hawks y
Hitchcock, entre otros.
• El "merchandising" se convierte en la nueva forma de vender las peliculas. El U-matic

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 fue el primer vídeo doméstico que podía transportarse con un maletín, después
Betacam, vídeo 2000 y VHS que fue el peor pero que fue el que se quedó.
• El vídeo doméstico es la nueva ventana de exhibición de los productos de Hollywood.
Se hace global a finales de los 70, principios de los 80.

• Diversos análisis sobre el cine norteamericano se refieren al cine de Hollywood de la

década de los 70 del siglo XX, como "El nuevo Hollywood".
• Nuevos directores dentro de los mismos estudios que buscan nuevas formas de
negocio.
• Las escuelas de cine, son una realidad y dan directores de este nuevo Hollywood.
• No solo directores en EE.UU., también en RU y Australia.

El nuevo Hollywood influido por el cine europeo (como con la Nouvelle Vague), pero
también una nueva forma de mandar y tener el poder de los mercados.

• Directores del Nuevo Hollywood:

• Steven Spielberg
• George Lucas
• Martin Scorsese
• Francis Ford Coppola
• Brian de Palma

• Otra línea de nuevos directores del Nuevo Hollywood:

• En una segunda línea y no menos importantes:
• Joe Dante ("Gremlins")
• John Landis
• Wes Craven
• John Carpenter
• Tobe Hopper
• David Cronenberg
• Ivan Reitman
• George A. Romero
• John Badham
• UK Ridley Scott y Toni Scott
• Australia: Peter Weir, George Miller ("Mad Max", "Babe, un cerdito valiente").

Estos directores hicieron películas de terror y más independientes. Como "Mad Max" y
"Posesión infernal", entre otras.

• Concepto de blockbuster:
• El concepto central será el de blockbuster, esa película que ya antes de ser
realizada cuenta con la suficiente promoción con lo que prácticamente ha sido
rentabilizada. Cuenta con los actores más queridos por los espectadores, con los
directores más taquilleros y con las historias que son del agrado del mayor rango
posible de público. Este fenómeno era lo que, de alguna manera, siempre había
buscado Hollywood, pero es en el último cuarto del siglo XX cuando con métodos
que ya se habían utilizado en la publicidad audiovisual y los estudios de mercado,
se aplican también con éxito en la Meca del cine. Ejemplos de Blockbuster:
"Tiburón", "Memorias de África", "Amadeus", etc. Sigue siendo la unidad de
medida del Hollywood actual, por cuánto recauda en su primer fin de semana en
taquilla. Ha de recaudar 5 veces más de lo que invierte para amortizar su
inversión.

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9. 3. Las líneas temáticas. Nuevas temáticas

• Cine de terror se convierte en cine de horror, franquicias del horror. (Final Girl, la chica
que se salva al final de las películas)
• Wester solo crepuscular Kevin Costner, Clint Eastwood). "Sin perdón" es la muestra
perfecta del western crepuscular.
• Comedia: el rey indiscutible es Woody Allen.
• La televisión: Saturday Night Live. Zucker Abraham Zucker = ZAZ, los tres guionistas de
"Aterriza como puedas" y su saga.
• Drama: realista y cercano a la gente común. Ejemplo más claro "Ordinary People" de
Robert Redford o "Kramer contra Kramer".
• Aventuras: revitalización con el concepto blockbuster. Franquicia "Star Wars" / "Indiana
Jones". George Lucas rechazó el éxito de la explotación y se queda con el
merchandising, este concepto es clave, ya que es un negocio casi más grande que la
propia película. En "Cazafantasmas" ya apareció el videojuego y el merchandising.
• Ciencia ficción: nuevas tecnologías. Película clave: "Tron".
• Cine bélico: centrado en el próximo oriente / espionaje / final de la guerra fría / Vietnam
("El regreso" de 1978 o "Rambo").
• Cine policiaco: revival cine negro "Chinatown" (1974), dirigida por Roman Polanski.
También cine negro actualizado.

La idea de los años 50 de buscar público juvenil, aquí va a reinar más que nunca "Los
Goonies" y el Brat Pack, "Juegos de guerra", "Cortocircuito", la fé que se tenía en la
juventud, ahora los jóvenes son seres pulsionales a los que parece que es mejor no
darles ideas.

Libro: Peter Biskind "Sexo, mentiras y Hollywood. Miramax, Sundance y el cine

independiente". Ed.: Anagrama.

9. X. Cine independiente de los años 80.

• Heredero del cine de arte y ensayo.

• Festival de cine de Sundance.
• Auge o creación de dos productoras:
• New Line Cinema: esta productora producía a John Waters. Gracias a "Pesadilla
en Elm Street" consiguió hacer películas como "Cry Baby" o "Hairspray".
Produjeron la película más oscarizada del cine, "El señor de los anillos".
• Miramax, es la compañía que produjo a Tarantino. Actualmente pertenece a
Disney.

• John Waters que hace todas sus películas en Baltimore.

• Jim Jarmusch (New York). 1989: "Mistery Train"
• Steven Sodenbergh, "Sexo, mentiras y cintas de vídeo" con Miramax.

Los hermanos Westein formaron la Westein Company.

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TEMA 10. EL CINE DESDE LOS SETENTA EN EUROPA (1970-1989)

10. 1. El final de los nuevos cines europeos

10. 2. Los nuevos directores europeos.

• ¿Por qué fracasan los nuevos cines? ¿Cómo se construyó la nueva estética
europea? ¿Existe un cine europeo?

Películas:
• "La noche americana".
• "Mujeres al borde de un ataque de nervios". Gran figura de la postmodernidad: Pedro
Almodóvar.

10. 1. Contexto sociopolítico

• Son dos décadas que viven de los efluvios de mayo del 68

• Los dos bloques siguen en una Europa dividida
• En la década de los 80, el miedo a una IIIGM sigue presente
• En octubre de 1989 se produce de manera sorpresiva la caída del muro de berlín.
• La idea de la revolución queda aparcada para otro tiempos
• Final de los metarelatos.

10. 1. El final de los nuevos cines europeos

• Se agota la fórmula de los nuevos cines a mediados de los años 70.

• Aburguesamiento de los autores
• La postmodernidad va a cuestionar el relato cinematográfico.
• El cine europeo de autor como vestigio de la modernidad.
• El videoclip y el spot publicitario son las herramientas de las postmodernidad.
• Se produce el reinado del cine de autor alejado de los nuevos cines.

Desaparecen las grandes productoras, como la Hammer.

10. 2. Los nuevos directores europeos.

FRANCIA
• Los autores de la Nouvelle Vague siguen trabajando películas muy personales y
numerosas.
• Truffaut, Chabrol, Rohmer, Resnais, Rivette. Versión de "El rey Lear" de Chabrol con
Molly Ringwald.
• El más radical y en plena lucha contra el aburguesamiento. Experimentación con vídeo.

ALEMANIA
• Win Wenders, Rainer Werner Fassbinder, Werner Herzog, Wolfgang Petersen, Roland
Emerich.

ITALIA
• Muerte de Pasolini y Visconti, deja huérfano el cine italiano.
• Los sucesores serán directores como los hermanos Taviani (Paolo y Vittorio)
• Nuevos directores que no van a ser tan grandes como los que había, perdieron mucho
fuelle porque se centraron en la autocomplacencia o el victimismo. Entre los nuevos
directores: Nani Moretti, Roberto Benigni, Bertolucci.

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 REINO UNIDO
• Va a producir la generación de la publicidad.
• Los hermanos Scott, Adrian Lyne, Alan Parker
• El realismo social de Ken Loach, que empezó en los años 60 haciendo documentales
para la televisión pública.
• Stephen Frears.
DINAMARCA: la figura de Lars Von Trier, venía del teatro. Herederos de Bergman y
Dreyer.

AUSTRIA: la figura de Michael Haneke, que venía de la tv.

Ambos directores con una procedencia común, la tv y la reflexión sore los aspectos
escabrosos de la vida.

ESPAÑA
• En España, el landismo y el ozorismo va a estar hasta mediados de los años.
• Cine de la transición con una fecha de caducidad clara
• Década de los 80 es de directores como Fernando Trueba, Fernando Colomo y lo que
se denominó la nueva comedia madrileña.
• Pero el rey absoluto de este período será sin lugar a dudas Pedro Almodóvar, que
empezó en el año 1981.

* Documental: "Un cine como tú en un país como este". Enlace: http://www.rtve.es/

television/20110401/cine-como-tu-pais-como-este-cine-ochentero-espanol-colegas/
421376.shtml
En esta facultad estudiaron Resines y Trueba.

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TEMA 11. PRESENTACIÓN AL CINE ACTUAL (1990-2013)

11. 1. Nuevas industria y nuevas tecnologías

11. 2. Cambios creativos
11. 3. Los nuevos directores

Películas:
• "Sin perdón"
• "Tesis"
• "Rompiendo las olas" Dogma que se lo llega a saltar. Vemos las leyes del Dogma.
• "Zodiac" David Fincher viene del videoclip.

11. CONTEXTO POLÍTICO SOCIAL

• Se puede considerar una época en la que la postmodernidad sigue reinando.

• Dos guerras de Irak.
• Gobierno de Bill Clinton.
• Llegada al poder de George W. Bush.
• Acontecimiento histórico más relevante, atentado del 11S.

* El misterio del pasaporte de Neo: http://mundodesconocido.com/WordPress/?p=761

* Final de la película "Fight Club".

11. 1. Nuevas industria y nuevas tecnologías

• Continúa teniendo vigencia el concepto de Blockbuster: lo importante es lo que recauda

una película durante sus primeros 3 días de exhibición.
• Nuevas formas de consumo laser disc, dvd, blue ray.
• Cine en streaming, P2P, nuevas formas de consumo virtual.
• Cine marcado por las nuevas tecnologías. "Tron" apuesta de Disnery por virtualizar las
películas.
• Muy marcado por la generación del videoclip y la publicidad. Ejemplo: el morphing de
"Black or White" de Michael Jackson. * Visionado del vídeo.
• Llegada a Hollywood y todas sus narraciones. Efectos de "Terminator 2", el mismo que
hizo el morphing del videoclip.

CGC imágenes generadas por ordenador que marcaran a Hollywood y todas sus
narraciones. El final de "Un dios salvaje" en el que las mariposas estaban hechas por
ordenador.

11. 3. Los nuevos directores

• La escuela ahora será la publicidad y los videoclips.

• Cantera del cine independiente.
• Globalización total de directores / técnicos
• Introducción del factor filosófico en el relato de Hollywood: El club de la lucha, Matrix.
• Quentin Tarantino, Wes Anderson, David Fincher
• Los autores del nuevo Hollywood trabajan pero menos.

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En el examen tendremos más flexibilidad mayor. En las películas van a ser preguntas con
una escena muy conocida, reconocerla, hay que hablar de lo que hemos visto en clase,
contextualizarla, factores, podemos contar un poco su sinopsis.

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