2014 | Resumen para el Final | Sede: Ciudad Universitaria | Cátedra: Gavito

FUNDAMENTOS DEL DISEÑO (plan viejo) = ANALISIS DEL DISEÑO DE INDUMENTARIA Y

TEXTIL (plan nuevo)

Arts & Crafts

A mediados del siglo XIX, en Inglaterra, William Morris -uno de los últimos románticos en
oposición al clasicismo- anuncia que su punto de partida es la condición social del arte y que no
es posible disociarlo de lo moral, de la política y la religión. Condena el sistema de la
industrialización y restaura el trabajo artesanal para elevar la labor del artesano hacia el perfil
de un artesano-diseñador. Aprende a respetar y a integrar la naturaleza de los materiales y los
procedimientos de trabajo. Logra equilibrar los aspectos estéticos y técnicos obteniendo objetos
ideales bellos, sin embargo es superado por el elevado costo de producción.

Este primer intento de integración entre la utilización de los lenguajes tradicionales y la labor
del artesano no funcionó hasta que los pioneros del diseño moderno demuestran una nueva
forma de pensar el “arte de la máquina”.

Se pretendía conservar un ideal de unión entre arte y vida mediante la valoración del arte en la
artesanía. Deseaba conservar el valor del trabajo humano individualizado en un pequeño sector
de la cultura de la decoración y el estilo de vida

Entre las ideas más características del Arts and Crafts se encuentran principios filosóficos,
éticos y políticos, tanto como estéticos. Destacamos los más importantes:

· Rechazo de la separación entre el arte y la artesanía. El diseño de los objetos útiles es

considerado una necesidad funcional y moral.

· Rechazo de los métodos industriales de trabajo, que separan al trabajador de la obra que
realiza, fragmentado sus tareas.

· Propuesta de un regreso al medievalismo, tanto en la arquitectura (con el neogótico) como en

las artes aplicadas.

· Propuesta de la arquitectura como centro de todas las actividades de diseño. Una idea que
sería recogida por el racionalismo de principios del siglo XX.

· Propuesta de agrupación de los artesanos en guildas y talleres, siguiendo el modelo medieval

de trabajo colectivo.

· Propuesta del trabajo bien hecho, bien acabado y satisfactorio para el artista y para el cliente.

Bauhaus

La Bauhaus fue fundada en 1919 por Walter Gropius, como el fruto de una época que se sentía
revolucionaria; las artes fueron las que fomentaron nuevas esperanzas de felicidad y visiones
de libertad para el ser humano tras la PGM al tratar de unir arte y vida. Luego de la guerra, ya
no se consideraban las formas de construcción industrial como pautas de estilo. Se buscaba
una relación lo más estrecha posible entre el arte y su entorno, las personas vivas.

Esta escuela no se comprometió con ningún dogma, tenía suma sensibilidad para lo nuevo y
actual con voluntad de asimilarlo. No se ponía énfasis en los productos que debían crearse sino
en la comunidad social y espiritual de los creadores. La libertad creadora era el clima
dominante.

Gropius opinaba que no había diferencia entre el artista y el artesano; el artista constituye un
grado superior en la condición de artesano. Su intención era formar un nuevo grupo de
artesanos sin la arrogancia clasista que dividía a estos de los artistas.

La formación en la Bauhaus comenzaba por un curso preparatorio, en el cual se familiarizaba al

alumno en la experimentación con proporción y escala, ritmo, luz sombra y color. Así, al
experimentar con todo tipo de materiales y utensilios el alumno encontraba el lugar en el que se
movía con seguridad.

La posterior formación se diferenciaba de esta en medida y exigencia, pero no en espíritu.

Todos debían trabajar en talleres bajo la dirección de dos maestros quienes complementaban
sus conocimientos entre sí al ser uno artesano y el otro artista. En los talleres se practicaba la
creación de proyectos para artículos de uso diario. Después de años de formación en artesanía
y proyecto, el estudiante se sometía a un examen.

En la tercera parte, los que se destacaban recibían cursos prácticos en las fábricas y salían
bajo el título de arquitecto.

La escalonada y diversa enseñanza de la Bauhaus capacitaba a los alumnos para concentrarse

en la clase de trabajo más adecuado para sus dotes.

Ulm

Unidad entre el arte, la tecnología y la racionalidad científica aplicada al diseño, línea de

pensamiento iniciada por el Werkbund y el Bauhaus.

Persigue una sólida capacidad profesional sostenida por una alta responsabilidad social.

Estimula las metodologías controladas y analiza sistemas con base científica. No opera sobre
objetos únicos, sino sobre conjuntos de objetos o sistemas. Busca la unidad y la coherencia en
términos formales, tecnológicos en su contexto político-económico y social.

Genera propuestas que ayuden a constituir un mundo más equitativo. Incorpora los problemas
ambientales y ecológicos en el quehacer proyectual.

Otl Aicher dice: “nos interesaba la configuración de la vida cotidiana y el entorno humano, los
productos de la industria y el comportamiento social frente a ellos”.

El objeto resultante de un proyecto debe ser congruente con su propósito, criterios de uso y los
sistemas de producción. No se deja afuera la dimensión semántica para no caer en el campo
formal como fin en si mismo.

Se preocupa por la realidad ambiental y el mundo material donde vivimos. Su postura

cientificista se relaciona con el concepto de proyecto con una mirada objetiva-técnico-científico.
Intenta lograr un objeto de alta tecnología como resultado de una alta calidad de producción
sistematizada. Crea el paradigma de la “buena forma”, considerando los aspectos sociales y las
consecuencias ambientales de producción.

VANGUARDIAS ARTISTICAS

CUBISMO

George Braque junto con Picasso son los inspiradores del movimiento, pero con anterioridad
Cézanne ya habría marcado el camino.
Cézanne recibió la influencia del Impresionismo y reaccionó contra él. Rechazó la impresión en
favor de una comprensión más profunda de la realidad. Su fórmula era la forma-color. Él cree
que la naturaleza no se dibuja, sino que se manifiesta a través del color. Cuanto más color se
precisa más aparece el dibujo de los objetos, pero aparece en la forma. Por eso, la pintura de
Cézanne no es una pintura dibujada, sino una pintura de volúmenes, de formas. Y una vez
creadas, hay que relacionarlas entre sí, surgiendo aquí el problema de los planos, que lo
impulsa a mirar los objetos desde varios puntos de vista.

Estas lecciones fueron asumidas por el cubismo que hará un replanteamiento de la obra de
arte, de las formas, de la perspectiva, el movimiento, el volumen, el espacio, el color, etc. Crea
un nuevo lenguaje pictórico y estético que implica una nueva relación entre el espectador y la
obra de arte. El espectador ya no puede contemplarla sin más, sino que tiene que reconstruirla
en su mente para poder comprenderla.

La desvinculación con la naturaleza se consigue a través de la descomposición de la

figura en sus partes mínimas, en planos, que serán estudiados en sí mismos y no en la visión
global de volumen. Así un objeto puede ser visto desde diferentes puntos de vista, rompiendo
con la perspectiva convencional y con la línea de contorno. Desaparecerán las gradaciones de
luz y sombra y no se utilizarán los colores de la realidad, apareciendo en las representaciones
el blanco y negro.

Las formas geométricas invaden las composiciones. Las formas que se observan en la
naturaleza se traducirán al lienzo de forma simplificada, en cubos, cilindros, esferas. Los
principales temas serán los retratos y las naturalezas muertas urbanas.

Etapas del Cubismo

Cubismo Analítico: caracterizado por la descomposición de la forma y de las figuras en

múltiples partes, todas ellas geométricas. El objetivo es examinarlas y ordenarlas por separado.
Es el cubismo más puro y el de más difícil comprensión.

Cubismo Sintético: Al Cubismo Analítico le sucede el cubismo sintético, que es la libre

reconstitución de la imagen del objeto disuelto. El objeto ya no es analizado y desmembrado en
todas sus partes, sino que se resume su fisonomía esencial. La síntesis se realiza resaltando
en el lienzo las partes más significativas de la figura que serán vistas por todos sus lados.

Algo fundamental en esta etapa es la técnica del collage, la inserción en el cuadro de

elementos de la vida cotidiana como papeles, telas y objetos diversos. El primero en practicarlo
fue Braque. El collage nos ayuda a recuperar el referente concreto, a partir de aquí ya no
interesa el análisis minucioso, sino la imagen global.

Pintores Cubistas: Picasso, George Braque y Juan Gris

FUTURISMO

Movimiento literario y artístico que surge en Italia mientras el Cubismo aparece en Francia. Gira
en torno a la figura de Marinetti. Trabajarán artistas como los pintores Russolo, Carrá, Boccioni,
Balla o Severini. El futurismo fue llamado así por su intención de romper absolutamente con el
arte del pasado, especialmente en Italia, donde la tradición artística lo impregnaba todo.
Quieren crear un arte nuevo, acorde con la mentalidad moderna, los nuevos tiempos y las
nuevas necesidades. Para ello toma como modelo las máquinas y sus principales atributos: la
fuerza, la rapidez, la velocidad, la energía, el movimiento y la deshumanización. Dignifica la
guerra como espacio donde la maquinación, la energía y la deshumanización han alcanzado
las máximas metas.

Sus ideas revolucionarias no deseaban limitarse al arte, sino que, como otros muchos
movimientos, pretendían transformar la vida entera del hombre. El futurismo fue politizándose
cada vez más hasta coincidir con las tesis del fascismo, en cuyo partido ingresó Marinetti en
1919.

La característica principal del futurismo es la plástica del dinamismo y del movimiento. El

efecto de la dinámica se transmitía en vibrantes composiciones de color que debían producir un
paralelismo multisensorial de espacio, tiempo y sonido. Al principio, se valieron para la
realización de sus objetivos artísticos de la técnica divisionista y más tarde se aplicó la técnica
cubista de abstracción como procedimiento para desmaterializar los objetos. A partir de estas
premisas, la representación del movimiento se basó en el simultaneismo, es decir,
multiplicación de las posiciones de un mismo cuerpo, plasmación de las líneas de fuerza,
intensificación de la acción mediante la repetición y la yuxtaposición del anverso y del reverso
de la figura.

Buscaban por todos los medios reflejar el movimiento. La multiplicación de líneas y detalles,
semejantes a la sucesión de imágenes de un caleidoscopio o una película, pueden dar como
resultado la impresión de dinamismo. Crearon ritmos mediante formas y colores.

El movimiento futurista falleció con la Primera Guerra Mundial, sus miembros se fueron
dispersaron en varias direcciones. El futurismo fue un paso más en la marcha del arte
contemporáneo en su proceso de desintegración de la forma y el eslabón inmediato al
dadaísmo y al surrealismo.

EXPRESIONISMO

El Expresionismo es una corriente artística que busca la expresión de los sentimientos y las
emociones del autor más que la representación de la realidad objetiva. No está formado por un
grupo coherente de artistas ni es un movimiento con una dirección claramente direccionada.
Revela el lado pesimista de la vida generado por las circunstancias históricas del momento.
Representan las emociones sin preocuparse de la realidad externa, sino de la naturaleza
interna y de las impresiones que despierta en el observador. Tenía un carácter anti
positivista. Angustia y miedo frente a un mundo que se vuelve incomprensible. Los temas
tratados son opresión, terror, miseria y sexo (Freud comienza a exponer sus ideas). No importa
ni la luz ni la perspectiva, que se altera intencionadamente.

El primitivismo de las esculturas y máscaras de África y Oceanía también supuso para los
artistas una gran fuente de inspiración por el uso de colores primarios, blanco y negro, y su
simplicidad compositiva.

Die Brücke (El Puente): En 1905 se constituye en Drede el grupo Die Brücke (El Puente),
influido por Munich, destacan Nolde y Kirchner. Son artistas comprometidos con la situación
social y política de su tiempo. Tratan temas vulgares y cotidianos, relacionados con el mundo
moderno (ciudades, calles, edificios). También temas sexuales, políticos, religiosos y morales.
Grafismo y colorido bruscos. Búsqueda de lo primordial y experiencia de una vivencia. Atraídos
por la xilografía que contaba con un lenguaje agresivo de líneas quebradas y ángulos agudos.

Der Blaue Reiter (El Jinete Azul): El grupo Der Blaue Reiter se formó en Munich en 1911,
reacción contra el cubismo por su fondo racionalista. Además del alemán Franz Marc,
encontramos a Kandinsky, a Klee, a August Macke y a Gabriel Münter entre otros.

Les importa más el cómo de la representación que el qué. Los artistas creían que el significado
y el sentido de cada cuadro están en manos del propio espectador. El artista da forma a la
emotividad en su obra y a su vez el cuadro causa en quien lo observa determinados
sentimientos.

Sus componentes evolucionarán rápidamente a formas abstractas, como es el caso de

Kandinsky. La representación del objeto en sus pinturas es secundaria, ya que la belleza
residía en la riqueza cromática y en la simplificación formal. Lenguaje formal menos
agresivo que “El Puente”, líneas curvas y asociaciones cromáticas más armoniosas y temas
más variados (animales, abstracción).

La Primera Guerra Mundial destruye el grupo, pero el Expresionismo no se extingue, al

contrario, los desastres y la crueldad de la guerra incita a otros artistas a traducir el dolor
provocado.

En cuanto a la arquitectura predominaban las líneas orgánicas

DADAÍSMO

El Dadaísmo surge con la intención de destruir todos los códigos y sistemas establecidos en el
mundo del arte. Es un movimiento antiartístico, antiliterario y antipoético. Se presenta como una
ideología total, como una forma de vivir y como un rechazo absoluto de toda tradición o
esquema anterior.

Los dadaístas promueven un cambio, la libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato,

lo aleatorio, la contradicción, defienden el caos frente al orden y la imperfección frente a la
perfección.

Proclaman el anti-arte de protesta, del shock, del escándalo, de la provocación, con la ayuda
de medios de expresión irónico-satíricos. Se basan en lo absurdo y en lo carente de valor e
introducen el caos en sus escenas, rompiendo las formas artísticas tradicionales. Se sirvieron
también del montaje de fragmentos y de objetos de desecho cotidiano.

Hugo Ball, director de teatro y su mujer, concibieron el proyecto de crear un café literario que
acogiera a todos estos artistas exiliados, el Cabaret Voltaire (1916). Allí se congregaron Tristan
Tzara (poeta, líder y fundador del movimiento), Jean Arp, Marcel Janko, Hans Richter y Richard
Huelsenbeck entre otros.

Raul Hausmann: Su aportación más importante es el fotomontaje (montaje, sin plan definido,
de recortes de fotografía, periódicos y dibujos, con la intención de obtener una obra
plásticamente nueva que asumiera un mensaje político, moral o poético).

La Primera Guerra Mundial también llevó a Nueva York a grupos de artistas refugiados como
Duchamp o Picabia, que junto con los americanos como Man Ray dan vida al dada
neoyorquino.

Marcel Duchamp: Su principal aportación es el ready-made (sacar un objeto de su contexto

para situarlo en el ámbito de lo artístico). Solo con el hecho de titularlos y firmarlos confería a
los objetos la categoría de obra de arte. En 1913 concibió una obra a partir de una rueda de
bicicleta colocada sobre un taburete de cocina. En 1915 presentó un urinario de loza puesto al
revés y lo tituló Fontaine.

El movimiento dada construye el ambiente propicio para que surjan otras grandes corrientes,
como el Surrealismo, y propone una nueva definición del arte al romper con los esquemas
tradicionales integrando objetos del entorno cotidiano dentro de los medios de expresión
plásticos.

SURREALISMO

Comienza en 1924 en París con la publicación del "Manifiesto Surrealista" de André Breton,
quien estimaba que la situación histórica de posguerra exigía un arte nuevo que indagara en lo
más profundo del ser humano para comprender al hombre en su totalidad. Siendo conocedor
de Freud pensó en la posibilidad que ofrecía el psicoanálisis como método de creación
artística.

Para los surrealistas la obra nace del automatismo puro, es decir, cualquier forma de
expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. Intentan plasmar por medio de
formas abstractas o figurativas simbólicas las imágenes de la realidad más profunda del ser
humano, el subconsciente y el mundo de los sueños. El pensamiento oculto y prohibido será
una fuente de inspiración, en el erotismo descubren realidades oníricas, y el sexo será tratado
de forma impúdica.

Se interesaron además por el arte de los pueblos primitivos (no solo por los aspectos formales
sino por el carácter mágico del mismo), el arte de los niños y de los dementes.

Los pintores se encontraron con precedentes en Los caprichos de Goya, en el Bosco y Valdés
Leal, aunque los más inmediatos deben buscarse en el movimiento Dada y en Giorgio de
Chirico, creador de la pintura metafísica.

El surrealismo abstracto, donde artistas como Masson, Miró o Klee los elementos del cuadro
surgen del inconsciente del artista y de la interveción del azar. Y Ernst, Tanguy, Magritte o
Dalí que se interesan más por la vía onírica (onírico significa del sueño o relacionado con las
imágenes y sucesos que se imaginan mientras se duerme), un surrealismo figurativo cuyas
obras exhiben un realismo fotográfico, aunque totalmente alejadas de la pintura tradicional.

Ernst: Gran capacidad inventiva y técnicas novedosas. Llegó a ser uno de los principales
exponentes del Surrealismo utilizando la técnica del frotagge. Consiste en frotar una mina de
plomo o lápiz sobre un papel que se apoya en un objeto y se deja así su huella en dicho papel,
con todas sus irregularidades. Las imágenes surgidas aparecerán cargadas de misteriosas
evocaciones, de signos de catástrofe y desolación.

Joan Miró: Es el máximo representante del surrealismo abstracto, aunque fue solamente una
fase dentro de su producción. Sus cuadros están llenos de poesía. Pinta con colores puros y
tintas planas.

Crea un mundo propio que se abre paso a la abstracción. Sus imágenes son simples, con
pocos trazos, a la manera de los niños. Rechaza la perspectiva, el modelado, el claroscuro y el
acabado minucioso. Traza signos abstractos, simples, que no tratan de expresar una idea, sino
que desean bastarse a sí mismos y son extraídos de lo irracional.

Salvador Dalí: Representa figuras oníricas mediante el sistema de doble figuración. Sus
cuadros presentan figuras imposibles fruto de su imaginación. Le caracteriza la provocación y
su método "paranoico-crítico". Su primera etapa surrealista es furiosa y ácida, las formas se
alargan, se descomponen o resultan de apariencia equívoca. Utilizará alusiones al sexo y la
paranoia.

El Surrealismo se extenderá desde 1924 hasta el final de la Segunda Guerra Mundial.

Diseño sustentable

DESARROLLO SOSTENIBLE: El objetivo es satisfacer las necesidades de las generaciones

presentes sin comprometer las posibilidades del futuro. Para esto se debe a llegar a un
equilibrio de 3 ejes; ambiental, económico y social. Hace falta mejorar la tecnología y la
organización social de forma que el medio ambiente pueda recuperarse al mismo ritmo que es
afectado por la actividad humana.

Para establecer modalidades de consumo sostenible los países desarrollados deben actuar
primero; reduciendo desperdicio y dando uso óptimo de los recursos (técnicas ecológicamente
racionales y asistencia a países en desarrollo). Los procesos económicos ligados a las
sociedades industrializadas son los auténticos responsables de la degradación ambiental
mediante la explotación de unos, en sus recursos naturales, para el beneficio de otros.

Esto se puede reducir mediante el reciclaje, la reducción de materiales innecesarios, la

creación de un público consumidor más consciente (más información sobre consecuencias,
leyes de protección al consumidor y etiquetado apropiado), mayor control sobre el consumo y la
redistribución de los recursos ecológicos disponibles.

ECODISEÑO: conjunto de acciones orientadas a la mejora ambiental del producto en la etapa

inicial de diseño, mediante la función, selección de materiales, aplicación de procesos
alternativos, mejora en el transporte y minimización de los impactos en la etapa final de
tratamiento.

ECOPRODUCTO: Desde que se eligen las materias primas, la forma en que se transforman y
presentan, métodos y vías de distribución y el destino final que le da el consumidor.

SUSTENTABILIDAD COMO VALOR DE MARCA: se incorporan características diferenciadoras

frente al mercado globalizado. Una de las formas es poniendo ECOSELLOS. Estos hacen que
los productos de calidad ambiental sean exhibidos de forma destacada provocando una ventaja
competitiva, debido a:

- Rentabilidad a largo plazo

- Precios más altos

- Diseño comunicacional de más alto valor social

- Solida imagen frente a la sociedad

- Clientes satisfechos

EVALUACION DEL IMPACTO AMBIENTAL: Se mide en dos ejes cualitativo y cuantitativo. EL

primero se trata de qué productos/servicios se consumen y cuáles tienen mayor o menor
impacto. EL segundo, se concentra en la racionalización y durabilidad de productos/servicios.
Producir más con menos recursos.

Imagen de marca

La marca nace como un producto y esta se llena de valores gracias al producto, creando
valorpor sí misma.

EL PASO DEL PRODUCTO MATERIAL A SU IMAGEN ENTRE EL PÚBLICO PASA

NECESARIAMENTE POR LA MARCA. La marca es el puente entre el producto/servicio y lo
que este significa (la imagen). Lo que compra la gente es la imagen de esa marca reflejada en
los idividuos.

Hoy en día la abundancia de oferta es enorme, esto causa saturación publicitaria, descenso de
credibilidad y eficiencia y descenso de inversión financiera. Esto sucede por fuerzas
estructurales, funcionales, económicas, tecnológicas y mediáticas.

La tendencia predominante es la de marcas únicas, globales, hiper-marcas. Las MARCAS

GLOBALES se originan por razones económicas (una marca es más fácil y económica de
gestionar), psicosociológicas y comunicacionales (más fácil recordar una marca que muchas y
no se comprometen con un solo producto)
En los últimos años, hubo un cambio de paradigma causado por el paso de las percepciones
sensoriales al mundo de las emociones (estas pertenecen al ámbito de la experiencia, no de la
percepción)

El paso del producto a su imagen es el paso de lo material a lo intangible. La IDENTIDAD DE

MARCA es la naturaleza material y física del producto. No está en los símbolos, sino en el
mismo producto/servicio. Para los consumidores es tangible y algo que se consume.

La imagen de marca integra la identidad material y simbólica (nombre, logo y discurso de

marca), es lo que estimula las decisiones de fidelidad en los consumidores, lo que los
consumidores sienten en forma de convicción ligada a la marca y todo lo que está asociado a
ella.

Los productos/servicios se encuentran en el mundo material con su identidad tangible y en el

mundo simbólico están la comunicación y los valores. El proceso creativo consiste de cinco
pasos: visión/misión de la marca, idea central del producto, creación de la marca, estrategias y
realización y gestión de la marca.

La imagen de marca debe responder a la misión y esta debe compartir valores con sus clientes.
El valor agregado se materializa en servicio. Para superar a primeras marcas se necesitan
estrategias creativas ya que los servicios, valores e imagen, al ser intangibles, no se pueden
falsificar.

Una vez que la idea supera las objeciones de la puesta en crisis, empieza la creación. Esto
implica la búsqueda del nombre de la marca. La fonética del nombre audible equivale a la
estética del nombre visible. No se suelen usar nombres descriptivos o evocadores a los
productos ya que un nombre demasiado ligado a producto es esclavo de su posicionamiento
inicial. Además, se suelen usar nombres abstractos para adaptarse mejor a las diferentes
lenguas.