Universidad de Panamá

Centro regional Universitario de Colón

Facultad de Bellas Artes
Escuela de Artes Visuales

Asignatura:
Arte Moderno y Contemporáneo

Tema:
Arte Moderno vs Arte Contemporáneo

Profesora:
Vielka Samaly Murillo

Nombre:
Lourdes Lezcano

Cedula:
3-753-825

Fecha de Entrega:
08-09-2023
 Cuadro de diferencias entre el arte modernos y el arte
contemporáneo

Propuestas de tendencia modernista y tendencia contemporánea.

Análisis del libro "Después del fin del Arte"
Con un nombre impactante y dramático como Después del fin del arte,
Arthur C. Danto proporciona una teoría filosófica exhaustiva y
convincente que se aplica al arte desde hace cincuenta años hasta el
presente y sigue siendo relevante para el arte del futuro, que pronto
llegará. llegar. El concepto del fin del arte no pretendía implicar que no
se producirían nuevas obras de arte en el futuro, como Danto enfatiza
repetidamente a lo largo de su obra; más bien, quería transmitir
mediante una imagen gráfica y violenta. que la ruptura del arte en los
años 1960 no estuvo al mismo nivel que las rupturas anteriores y que
el arte fue puesto en un nivel diferente. La crítica de arte no siempre
está de acuerdo con este cambio abrupto del discurso artístico, que no
es otro que el paso de la modernidad a la posmodernidad. Hal Foster
no rechaza la idea de posmodernidad porque reconoce que no existe
una transición temporal entre lo moderno y lo posmoderno y, como
resultado, deben verse al mismo tiempo.

Danto se refiere al fin de la historia del arte cuando habla del fin del
arte. Belting sitúa el estado de la técnica aproximadamente antes del
Quattrocento. Así como hay un arte después del arte, también hay un
arte antes de la historia del arte. Esta época pre-arte se caracteriza
por una falta de comprensión del arte como tal, lo que implica que los
objetos artísticos no son apreciados como obras de arte basadas en
cualidades estéticas sino entendidos como objetos de devoción. La
historia de Ciargio Vasari, que muestra una visión mimética del arte, es
donde comienza el arte. El arte muestra una cierta progresión en el
sentido de que se esfuerza cada vez más por representar la realidad
con cada vez mayor precisión. Sin embargo, un cambio cualitativo en
los medios de representación comienza con Manet y Cézanne.

Según Greenberg, esta transformación marca el fin del modelo

vasariano y el comienzo de una nueva perspectiva artística. Crea el
marco para una nueva narrativa crítica, en la que se puede ver
claramente una nueva actitud artística: el objeto representado deja de
ser realidad y se transforma en arte mismo y su medio de
representación. Esto se hace utilizando como modelo el paradigma
teórico kantiano del formalismo. La era ideológica, o "era de los
manifiestos", es la que sigue a la era mimética. "El espíritu
autoconsciente y autocrítico está en el corazón de la modernidad; el
arte se convierte en un esfuerzo comunitario para definir qué es el
arte. Eliminar todas las cosas que no son arte, todos los componentes
humanos impuros, para poder lograr un concepto preciso del arte, lo
que hace que el enfoque se desplace hacia el arte puro y libre de
realidad.

Cada manifiesto, o representación de un estilo, busca su propia

definición de arte cuando se le introduce la filosofía. En la concepción
dogmática del arte que caracteriza la época de los manifiestos
intervienen las ideas de Greenberg. Rechaza o ignora todas las
manifestaciones artísticas que no se ajustan a su estrecha definición
de lo que debería ser el arte. Comienza con un concepto muy
específico y cerrado de lo que debería ser el arte. Su argumentación
se basa principalmente en las artes visuales, más específicamente en
el estilo de pintura popularizado por el expresionismo abstracto de la
escuela de Nueva York en las décadas de 1940 y 1950 bajo Pollock, a
quien eventualmente llegó a considerar como "el mejor pintor".
América en el siglo XX. La pintura debe centrarse en su esencia, que
cree que es el plano característico de la superficie pictórica, si quiere
depurar todo lo que no es pintura y profundizar en los elementos
verdaderamente pictóricos. De hecho, el modernismo comenzó porque
los impresionistas hicieron visibles las técnicas de representación.
Todo lo que no encaje en esta narrativa se ignora o no se le da mucha
importancia. Esto es lo que ocurrió, por ejemplo, con algunos
movimientos de vanguardia, como el dadaísmo o el surrealismo, u
otros tipos de arte que se consideraban menores, como el arte
primitivo, el arte popular o la artesanía, a los que Greenberg prestó
poca atención o se mostró abiertamente descalificado en los términos
del art. Con su propensión al hibridismo, como se ve en los
readymades de Duchamp, el dadaísmo se alejó de una concepción
pura de la poesía. Por otro lado, Greenberg ve el surrealismo como
una especie de regresión estética porque representa la impureza
humana.

Identificar un concepto tan complejo y variado como el de arte con un

estilo particular (mímesis para Vasari o expresionismo abstracto para
Greenberg) no tiene sentido para Danto. La definición de arte de
Vasari y la que sugiere Greenberg son similares. Ambas son narrativas
de validación que establecen estándares de lo que constituye arte y
evalúan las obras de arte de acuerdo con esos estándares, ignorando
todo lo que se desvíe del modelo predeterminado. Para Greenberg,
este patrón se basaba en el buen gusto, que, según él, estaba
determinado en parte por el temperamento y en parte por la
experiencia. El desarrollo de este buen gusto, que nos permite valorar
el arte abstracto, capacita al ojo para evaluar cualquier otro género de
arte, ya sea el arte de la historia vasariana o uno completamente
ajeno. Como resultado, el arte abstracto es la forma más efectiva de
comprender el arte en su conjunto porque es la forma más cercana al
concepto de arte. Nuestra comprensión de su teoría del gusto nos
permite comprender por qué rechaza piezas como los readymades de
Duchamp, que apoyan descaradamente una línea de arte antiestética.

El cuento de Vasari tuvo éxito hasta que los impresionistas empezaron

a dudarlo, y más tarde las vanguardias acabaron demostrando que
estaba completamente desactualizado. De manera similar, a partir de
la década de 1960 comenzaron a surgir nuevas formas de expresión
artística, lo que demuestra que la explicación de Greenberg es
insuficiente. El sistema greenbergiano, que resultó útil para explicar el
expresionismo abstracto, no reconoce las diferencias entre la obra de
Warhol y la Caja de Brillo, lo que obliga al arte a reevaluar sus
fundamentos. suministro de detergente de cualquier supermercado.
Como en los casos en los que el objeto artístico es exactamente igual
al artefacto que representa, la Caja Brillo nos obligó a reevaluar qué
constituye exactamente arte. En la década de 1960 y las décadas
siguientes, Greenberg, que previamente había dogmatizado la
inmutabilidad del arte, continuó viendo el expresionismo abstracto
como el origen del arte modernista. Esto explica por qué no cambió su
punto de vista y reconoció que el arte se había vuelto "singularmente
homogéneo e incluso monótono" durante treinta años, lo que
finalmente paralizó su crítica. De su obra de los años sesenta y
posteriores sólo queda el abstraccionismo posthistórico, que se
centraba más en la mancha que en la pincelada.

El giro definitivo hacia el pensamiento filosófico tuvo lugar en la

década de 1960, cuando el arte pop adoptó una estética del
significado en lugar de la estética materialista de Greenberg, que se
basaba en la experiencia sensible del gusto y elementos materiales
como la forma, la superficie y la pigmentación. Dot Después del arte
pop, los movimientos basados en el pensamiento como el
minimalismo, el arte povera y el arte conceptual siguen de manera
vertiginosa, mostrando que la pintura como medio está a punto de
experimentar una crisis. No existe una forma específica de entender el
arte, como lo demuestra la amplia gama de expresiones artísticas y lo
diferentes que son unas de otras. La sugerencia de Danto es
proporcionar una definición de arte que incluya todos estos modos de
expresión, incluidos aquellos que aún están en desarrollo, y que no
equipare la crítica con ningún objetivo artístico en particular. La Caja
Brillo demuestra que cualquier creación puede considerarse una
creación artística. Según Danto, el pensamiento filosófico sobre el arte
sólo era posible cuando era obvio que cualquier cosa podía ser una
obra de arte. ".

Entonces, cuando Danto habla del fin del arte, no quiere decir que no
se producirán más obras de arte; más bien, quiere marcar el fin de la
historia del arte, lo que sugiere que los artistas están liberados de él y
pueden hacer lo que quieran. El arte de Danto debe entenderse como
un período de tiempo con limitaciones cronológicas y un género
específico de crítica adjunto. Al final, la desaparición del arte significa
la desaparición de Vasari y Greenberg, así como la justificación de las
historias. A partir de este momento, la pintura se convierte en una
forma diferente de expresión y no en el medio artístico exclusivo.
Como todo es aceptable en el arte, ya no existe una forma de
expresión más verdadera o más legítima. Sin embargo, esto no
excluye la concepción esencialista e histórico-artística del arte de
Dante. El esencialismo de este nuevo arte está relacionado con su
pluralismo, y su historicismo resulta del hecho de que, a pesar de ser
atemporal, está históricamente limitado.